Resumen de La Estetica Antigua-Wladyslaw Tatarkiewicz PDF
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I- LA ESTÉTICA ANTIGUA:
A. PERIODO ARCAICO:
Esta nueva cultura, donde se fundían las características de la cultura minoica con la del Norte, tenía su centro
en Micenas, en el Peloponeso, y se la denomina micénica. Su época más floreciente se sitúa en los anos 1400
a. C.
La época de la historia de Grecia desde la conquista de Los dorios en el siglo XII hasta el siglo V, es llamada
el período arcaico. Este se divide en dos fases:
Mientras que en la segunda, se fundaron los cimientos de la madura cultura griega, tanto la estatal como la
científica y artística. Es en esta segunda fase donde podemos vislumbrar los gérmenes del pensamiento
estético.
Tipos de arte: cuando aparecen las primeras reflexiones estéticas de los griegos, empezaron ejerciendo solo
dos tipos de arte: uno expresivo (poesía, música y danza) y otro constructivo (arquitectura, escultura y
pintura).
Catarsis: respecto al arte, las personas demostraba sus sentimientos con la esperanza de que el desahogarse
les proporcionara alivio. Arístides afirma que a un nivel de cultura inferior solo los que bailaban y cantaban
experimentaban alivio y satisfacción a través de la danza, mientras que a un nivel intelectual mas alto lo
experimentaban también los que presenciaban la danza y el canto.
Mimesis: al primitivo arte expresivo Arístides lo denominó imitación. Fue el segundo termino que apareció
temprano y permaneció mucho tiempo en la estética de los griegos, posteriormente significo la
representación de la realidad por el arte, especialmente por el teatro, 1a pintura y la escultura.
La “choreia”, vinculada con el culto y la magia, facilitó la tesis de que la poesía es el encantamiento. Fue
también la “choreia” la que con su expresividad entregó una base para formar la primera teoría sobre el
origen del arte, según la cual este no es sino una expresión natural del hombre, siendo indispensable para el y
constituyendo una manifestación de su naturaleza.
La importancia de la música:
La música en Grecia se separo relativamente temprano de la “triunica choreia” y ocupo su función de
principal arte expresivo, la de expresar los sentimientos, manteniendo al mismo tiempo sus vínculos con la
religión y con el culto. La música griega, incluso después de esta separación, conservo sus vínculos con la
danza. Esta danza griega tenía más de música que de danza en el sentido estricto de la palabra. Lo esencial
en la danza, igual que en la música griega, era el ritmo. La música griega, sobre todo la de los tiempos
arcaicos, era sencilla. El acompañamiento era siempre unísono; los griegos no ejecutaban dos melodías al
mismo tiempo ni tampoco conocían la polifonía.
Poesía:
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La gran poesía épica de los griegos nació probablemente en los siglos VIII y VII: la Iliada en el VIII y la
Odisea en el VII. Era la primera poesía escrita en Europa, y al mismo tiempo de una perfección insuperable.
No tenían antecedentes ya que se basaban en la tradición oral.Esta poesía pronto fue rodeada de una leyenda;
sus creadores perdieron, en la conciencia de los griegos, sus rasgos individuales. El nombre de Homero
significaba lo mismo que “poeta”. Lo veneraban como a un semi-dios y consideraban su obra poética como
libros sagrados. La poesía, tanto la colectiva como la ritual, era una expresión de sentimientos y de fuerzas
sociales más que de sentimientos personales. Era utilizada como arma en la lucha social: algunos poetas
pusieron sus obras al servicio de la nueva democracia, mientras que otros pretendían defender el pasado. Esta
temprana poesía recogió los mitos que llegaron a constituir una parte considerable de su contenido. Pero lo
antiguo, lejano y mítico producía un distanciamiento entre la poesía y el pueblo, les alejaba de los asuntos
cotidianos, transportándoles a un mundo ideal. La Ilíada y la Odisea se hacían mas distantes aun por el hecho
de haber sido escritas en un lenguaje más bien artificial o, en todo caso, un lenguaje que ya no se empleaba
en la Grecia clásica; este distanciamiento aumentaba mas todavía su patetismo y grandiosidad.
Para los griegos, la arquitectura, pintura y escultura, artes afines entre si, estaban bien distanciadas de la
poesía de la música y de la danza. Sus funciones eran distintas: las primeras producían objetos para
contemplar, mientras que las segundas expresaban sentimientos. Las primeras eran contemplativas, las
segundas expresivas.
La arquitectura: En los siglos VIII, VII y VI, los mismos que dieron la gran poesía griega, crearon también
una gran arquitectura que pronto, igual que la poesía de Homero, alcanzó la perfección.
Ya en el siglo VI pasaron de la madera y de la blanda caliza, utilizadas primitivamente, a las piedras
preciosas y al mármol. Muy temprano fueron capaces de emprender obras de mayores dimensiones: el
templo de Hera en la isla de Samos, de finales del siglo VI, era una enorme construcción de 133 columnas.
Al igual que la poesía, su arquitectura estaba vinculada con la religión y el culto.
La escultura: La escultura también estaba vinculada con el culto. Se limitaba a las estatuas de los dioses y a
la decoración de los templos .Solo mas tarde los griegos empezaron a esculpir al hombre: primero solo a los
muertos y con el tiempo también a los personajes ilustres vivos. Al representar la figura humana se guiaban
mas por la imaginación geométrica que por la observación de la escultura orgánica de los cuerpos, por lo
cual las formas humanas se transformaban, deformaban y geometrizaban. Los cabellos y los pliegues de las
ropas los componían aun arcaicamente, en diseños orientales, sin preocuparse por su realismo. En todo ello
no eran nada originales: los artistas griegos no inventaron ni las formas geométricas ni los temas
sobrehumanos, ambas cosas las asumieron del Oriente. Tan solo cuando renunciaron a esta influencia fue
cuando empezaron a ser realmente ellos mismos. Pero hubo que esperar hasta el período clásico para que
esto ocurriera.
La constante limitación: El temprano arte griego trataba siempre los mismos temas y empleaba siempre las
mismas formas. No aspiraba a ser un arte variado, extraordinario ni novedoso. Tenía un número limitado de
temas, motivos iconográficos, esquemas de composición, formas decorativas y principales conceptos y
soluciones. Los únicos edificios eran templos dotados de columnas, en los que solo se permitían mínimas
variaciones. Aunque esta limitación también llevaron a un aspecto positivo, que es el perfeccionamiento de
su técnica.
Las normas del arte: Los artistas griegos no trataban su arte como objeto de inspiración e imaginación, sino
de habilidad y obediencia a unas normas generales. Por eso dieron al arte un carácter universal, impersonal y
racional. La racionalidad del arte, y el hecho de basarse en normas, constituyen un elemento importante de la
estética implícita en el arcaico arte griego. Especialmente en la arquitectura emanaban de las exigencias de la
construcción: las columnas y el entablamento de los templos, tenían formas dictadas por las exigencias de la
estética y por la naturaleza del material de construcción. A pesar de su universalidad y racionalidad, las artes
plásticas de los griegos ofrecían algunas variantes. Había dos estilos: el dórico y el jónico. El jónico revelaba
más libertad e imaginación, mientras que el dórico era más riguroso, sometido a normas más rígidas.
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LOS CONCEPTOS ESTÉTICOS DE LOS GRIEGOS
La belleza: la palabra “kalón” (to xaXov), que se traduce como “lo bello”, significaba todo lo que
gusta, atrae o despierta admiración, o sea, su significado era más amplio. Designaba además lo que
complace a los ojos y a los oídos, lo que nos gusta dada su forma y estructura, pero denotaba
también otras muchas cosas que gustan de otra manera y por diferentes razones.
El arte: con la palabra “techne” (xe^vr), que traducimos como arte, los griegos la entendían mas
ampliamente que nosotros. Es decir, entendían por ≪tekhne≫ todo producto de la habilidad técnica.
Para ellos el arte no era solo el trabajo del arquitecto sino también el del carpintero o del tejedor.
La poesía: el concepto de arte no incluían a la poesía entre las artes, porque no cabía en el concepto
del arte como creación material, ni tampoco como una producción basada en la habilidad y las
normas. Los griegos consideraban la poesía fruto de la inspiración y no de la habilidad.
La creación: los griegos del período arcaico no tenían un concepto de creación, el arte lo entendían
como una habilidad y veían en él tres factores: uno concedido por la naturaleza; el segundo,
transmitido por la tradición, o sea, el conocimiento, y el tercero, proveniente del artista, que era su
trabajo. No se habían percatado del cuarto factor, la creatividad individual.
Las reflexiones estéticas de los poetas precedieron a las ideas de los teóricos y estas vinieron enunciadas no
en tratados, sino en obras poéticas.
Así encontramos reflexiones sobre lo poético en los primeros poetas épicos como Homero o Hesíodo y en
los primeros autores de la poesía lirica como Arquíloco, Solón, Anacreonte, Píndaro o Safo.
Trataban problemas sencillos que, sin embargo, ocuparían un puesto importante en la estética posterior, y
hacían referencia a los siguientes problemas: ¿Cuál es la fuente de la poesía?, ¿Cuáles son sus fines? ¿Cómo
la poesía afecta al hombre? ¿Cuál es su objeto? ¿Qué valor tiene? y, finalmente, ¿Es verdad lo que dice?
Algunos pensamientos:
Homero expreso la idea de que la poesía no solo proporciona alegría, sobre esto al describir el canto de las
sirenas dando así origen a la idea de que la poesía tiene el poder de encantar, lo que más tarde desempeñaría
un papel muy importante en la estética griega.
Arquíloco entendía la poesía de otra manera; escribió que podía cantar “fulminado en mis entrañas por el
vino”, o sea, que el vino ocupo el lugar de las musas.
Anacreonte se imaginaba al poeta a la antigua, como alguien que canta en las fiestas, pero quería que cantase
otras cosas que los conflictos y las guerras, que provocase en sus oyentes la alegría, uniendo los dones de las
Musas con los de Afrodita.
Hesíodo entendía el objetivo de la poesía igual que Homero: lo veía como la alegría proporcionada por la
poesía sosteniendo que las Musas vinieron al mundo para traer alivio y olvido en tas preocupaciones.
Los griegos evaluaban también la poesía desde un punto de vista esencial para ellos: el de la verdad. Esta
evaluación resultaba más bien desfavorable. Solón reprochaba a los cantores por no decir la verdad, por
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inventar.
Conclusión
Los poetas arcaicos veían la fuente de la poesía en la inspiración divina, su fin en provocar la alegría y
sembrar el encanto, así como en glorificar el pasado; su tema eran las vidas divinas y humanas.
También podemos notar rápidamente las diferencias que hay respecto a nuestros conceptos estéticos con los
de este período, en el que la belleza, creación y el mismo concepto de arte resultan muy diferentes, tal vez el
solo hecho de que el arte para ellos y sus ramas tuvieran un propósito (que posteriormente fue cambiando),
nos hacen formar una imagen mucho mas cuadrada de lo que para hoy significa el arte.
B. EL PERÍODO CLÁSICO:
a- El período ateniense: el segundo periodo de la historia de Grecia fue una época de máximo esplendor, una
época de victorias militares, de progreso social, de aumento de riquezas y bienestar, una época donde
surgieron grandes obras artísticas y científicas. No obstante, este periodo no fue una época de paz. Al
contrario, fue un periodo de guerras continuas entre los estados griegos, así como de luchas entre las clases
sociales, entre distintas agrupaciones políticas y sus dirigentes. En el siglo v, la cultura griega se desarrollaba
aun por dos caminos: la cultura doria difería de la jónica, pero ambas penetraron en Atenas fundiéndose en
una sola.
b- El período democrático: el desarrollo de Atenas iba en busca del progreso social y la democratización de
la vida. Las reformas, empezadas ya en los tiempos de Solón, en el siglo VI, fueron considerablemente
ampliadas en vísperas del siglo V, en la época de Clístenes. Fue entonces cuando todos los ciudadanos
obtuvieron los mismos derechos, pudiendo todos participar en el gobierno. Todo ateniense tenía un acceso
constante a la vida pública, excepto los esclavos que trabajaban para que el ciudadano pudiera gobernar o
dedicarse a las ciencias y a las artes.
c- El pueblo ateniense: se trataba de un pueblo más bien reacio a la educación que condenó a muerte a
Sócrates, el portavoz de la ilustración. Sin embargo, también son innegables sus virtudes. Eran afectivos,
sensibles, de gran imaginación y alegres y joviales. Era gente libre que necesitaba la libertad. Les complacía
lo bello, tenían buen gusto y apreciaban el arte autentico. Unían la sensualidad natural al amor por las ideas
abstractas. Les agradaba una vida despreocupada, pero cuando era preciso, estaban dispuestos a la
abnegación y al heroísmo.
d- La decadencia del período: las favorables condiciones políticas no duraron en Grecia mucho tiempo. Ya a
finales del siglo V la convivencia pacífica entre los estados griegos fue reemplazada por discrepancias al
mismo tiempo que la larga guerra del Peloponeso empobrecía al país. Atenas sufrió diversas catástrofes: una
peste, las cada vez más agudas, luchas, cambios políticos continuos, restricciones al sistema político, etc. En
el aspecto cultural, el siglo IV no significo ningún cambio considerable. Atenas seguía siendo la capital de la
literatura, de la oratoria, del arte y de las ciencias. Grecia, como estado, estaba en decadencia, pero su cultura
llego a tal florecimiento que se convirtió en una cultura universal, dominante en todo el mundo.
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e- El clasicismo: se suele denominar como “clasicismo” el corto periodo en que la cultura griega alcanzo su
esplendor, mientras que la literatura y el arte de este periodo se denominan “clásicos”.
1- LA LITERATURA
a- La tragedia: el periodo clásico tuvo su gran poesía, una poesía cercana y actual, ya que fue en aquel
entonces cuando aparecieron los grandes trágicos griegos.
b- Fin de la tragedia: El gran período del teatro duro poco y no sobrepaso siquiera el siglo V. La Tragedia
ateniense terminó con la muerte de Sófocles y Eurípides. En el siglo IV se siguieron escribiendo obras
teatrales, incluso con más abundancia. En el siglo IV la prosa llego a ser más importante que la poesía. El
papel primordial en la cultura intelectual de los griegos, que hasta entonces correspondía a la poesía, lo
ocupo la filosofía. Los grandes problemas de la vida humana, de los cuales había nacido la tragedia,
contribuyeron a su fin. Se había alcanzado la convicción de que era mejor plantear los problemas humanos
en otro terreno y de otra manera, dejando que lo hicieran los filósofos y no los poetas.
c- La prosa: entre los fundadores de la prosa griega se pueden incluir también Gorgias y Platón que pusieron
las bases de la teoría del arte. Filóstrato, posteriormente comparó los meritos de Gorgias para la prosa
artística con los de Esquilo para la tragedia. Fue Gorgias el iniciador y mas urde modelo de atrevidas
metáforas, tropos y figuras que los griegos llamarían “esquemas de Gorgias”. Platón creó su propia forma
literaria, que fue una combinación del tratado científico con el drama, así como su propio lenguaje y estilo.
Aristóteles, en cambio, creo un inmejorable modelo de prosa científica, sencilla y concreta, cuya falta de
adornos constituye su mayor y autentica belleza.
a- El canon: el arte clásico de los griegos estimaba que para cada obra había un canon o sea, una forma
obligatoria para el artista. El nombre de “kanon” en las artes plásticas era un equivalente del “nomos” en 1a
música. Ambos términos significaban prácticamente lo mismo. Igual que los músicos griegos establecían su
“nomos” —ley—, los artistas plásticos fijaban su ≪kanon≫, es decir, la norma.
Los primeros buscaban y observaban un canon porque veían en él una garantía de la perfección. Los
segundos, al contrario, lo evitaban, viendo en él un peligro para el arte y una limitación de la libertad. El
periodo clásico del arte griego fue un periodo “canónico”. Los cánones griegos de la época clásica tenían,
precisamente, una justificación artística, este era el primer rasgo característico de los clásicos cánones
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griegos. El segundo era su flexibilidad, pues eran más bien buscados que establecidos, y podían ser
cambiados y corregidos. Su tercer rasgo era el hecho de que se referían principalmente a las proporciones y
podían ser expresados matemáticamente. Al establecer un canon se presuponía que era la única proporción y
la más perfecta de todas. Era un punto de partida filosófico: el canon lo buscaban los artistas, mas la
búsqueda la provocaban los filósofos.
- El canon en la arquitectura: Los arquitectos fueron los primeros entre los artistas griegos que establecieron
sus formas canónicas. Ya en el siglo v las aplicaban en la construcción de templos y las formulaban en sus
tratados. Los monumentos de aquel siglo confirman que el canon era usado generalmente, a la vez que
atestiguan su duración: pasaban las generaciones y el canon perduraba. El canon tenía gran alcance, y se
refería tanto a la totalidad de la construcción como a sus detalles, columnas, capiteles, cornisas, frisos y
frontones. El canon de la clásica arquitectura griega era de carácter matemático.
- El canon en la escultura: también los escultores griegos procuraban establecer un canon para su arte. Como
es sabido, fue Policleto quien hizo más en este campo. El canon de la escultura también era cuantitativo y
consistía en proporciones fijas. El canon de los escultores atañía en principio a la naturaleza y no al arte,
calculando que proporciones aparecen en la naturaleza y no las que debían tener una estatua bien esculpida.
3- LA ESTÉTICA Y LA FILOSOFÍA
Los primeros filósofos estetas: los filósofos no se pronunciaron sobre temas estéticos de inmediato, pues al
principio se ocupaban exclusivamente de los problemas de la naturaleza. Los primeros que trataron de la
estética fueron los filósofos dóricos de la escuela pitagórica.
En su interpretación de los problemas estéticos adoptaron por una parte una actitud científica, recurriendo a
las matemáticas y a la física, y por otra, asumieron las tradiciones de las sectas religiosas. Los filósofos
jónicos estaban por aquel entonces aun absortos por la filosofía de la naturaleza, siendo Heráclito el único
que toco los problemas estéticos. Luego Demócrito, el último y el más destacado de los filósofos jónicos,
trato la estética con amplitud y de una manera científica y empírica, típica de los filósofos de esta escuela.
Fue entonces cuando Atenas llego a ser el centrode la filosofía, cuando los antagonismos entre la cultura y el
pensamiento dorio y jonio desaparecieron, cediendo lugar a la cultura y filosofía áticas, un producto y una
síntesis de ambas. Esta síntesis filosófica hallo su expresión en las dos generaciones siguientes, la de
Platón y la de Aristóteles. Los escritos de ambos filósofos constituyen la cima de la estática clásica, e incluso
de la estática antigua en general.
Los filósofos trataban la estética de dos maneras. Por un lado, analizaban los fenómenos y los conceptos.
Por otra parte, los filósofos incluían los fenómenos y conceptos estéticos en sus sistemas: los sofistas en el
sistema relativista y Platón en el suyo, el idealista.
La parte más importante de la estética clásica la constituye la doctrina de los filósofos. Abarca cuatro
generaciones de filósofos:
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• La segunda, la jónica de Demócrito y la ática de los sofistas y de Sócrates.
• La cuarta, la de Aristóteles.
La estética arcaica y clásica de los griegos no se parece en realidad a la de nuestros tiempos. Fue la
primera teoría del arte, al menos en Europa, aunque no por ello fue sencilla, ni se corresponde con lo que las
generaciones posteriores considerarían como natural y primitivo.
Antes de Sócrates y Platón, solo en muy contadas ocasiones se hablo de la representación de la naturaleza
por el pintor, por el escultor o por el poeta. Se usaba el concepto de “mimesis”, que primitivamente no
significaba la representación del mundo exterior, sino la “acción teatral”, y era empleado respecto a la danza,
a la música y al arte del actor, pero no con relación a la escultura, pintura o poesía épica. Empleado con
relación a la naturaleza, “mimesis” significaba la imitación de sus procedimientos más que la de su
apariencia. Como escribió Demócrito, la gente ha aprendido a construir imitando a las golondrinas, y a cantar
imitando al ruiseñor y al cisne. Tan solo cuando la cultura helénica se transformó en la helenística las teorías
de la estética clásica empezaron a ceder su lugar a las nuevas, más próximas a las modernas. En aquel
período se puso un nuevo énfasis en el concepto de creación en el arte, y empezó a destacar la relación entre
el arte y la belleza. Por otro lado, en la teoría del arte se paso del pensamiento a la imaginación, de las
experiencias a las ideas, y, en fin, de las reglas a la habilidad personal del artista.
C. EL PERÍODO HELENÍSTICO:
Los conceptos de belleza y del arte que en aquel lapso de tiempo no experimentaron mayor evolución. Las
opiniones formuladas en griego, en el siglo III antes de J. C. en Atenas y, más tarde, en Alejandría, fueron,
con modificaciones insignificantes. Por esta razón, en la historia de la estética, esos largos siglos pueden ser
tratados como un soto periodo, aunque en la historia económica y política se suelen dividir en el periodo
helenístico, que corresponde a los últimos tres siglos antes de J. C., y en el periodo del Imperio Romano de
los primeros tres siglos de nuestra era.
La postura de Roma frente al arte y la belleza era muy específica. La inmensa mayoría del pueblo, que vivía
como esclavos o como siervos, no tenía ninguna posibilidad de disfrutar de los beneficios del arte. Pero
tampoco la tenía una parte considerable de los romanos, que dedicados a la carrera militar, se pasaban la vida
en los castros y haciendo expediciones.
En cuanto a la parte más adinerada de la sociedad, estaba tan absorbida con la lucha por el poder y por los
puestos lucrativos que carecía de lo que es mas imprescindible, que para cultivar el arte y gozar de él, es
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necesario una cabeza libre de los problemas de la vida cotidiana.
En los tiempos helenísticos, cambió el carácter de la filosofía, las aspiraciones al conocimiento del mundo y
de la vida pasaron a segundo plano frente a la ambición de encontrar los medios para vivir bien y felizmente.
Esta transformación tuvo sus repercusiones en la estética: al tomar la palabra, los filósofos ya no se
preguntaban en qué consisten el arte y la belleza sino si estos sirven para lograr la felicidad.
Estas soluciones se convirtieron en lemas en torno a los cuales surgieron respectivas escuelas filosóficas.
Uno de los rasgos característicos de aquella época fue el hecho de que los filósofos dejaron de actuar
individualmente y trabajaron en escuelas.
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escépticos presentaron tres tipos de objeciones en contra de la “gramática”, tachándola de imposible,
innecesaria y perjudicial.
LA ESTÉTICA DE PLOTINO
Plotino emprendió la investigación de los problemas estéticos más fundamentales que no habían sido
planteados desde la época clásica. Tenía poco en común con los estetas del helenismo; de hecho, su
pensamiento deriva en tan gran medida de Platón que puede ser considerado su continuador. Su filosofía ha
sido definida como neoplatónica.
Plotino empezó a escribir a los cincuenta años, y nos dejo 54 tratados que fueron más tarde ordenados en seis
Enéadas. En su estética Plotino también trata de definir a la belleza. Tenía a su disposición la definición que
los griegos habían formulado hacía mucho tiempo y que había sido generalmente aprobada en la época del
helenismo. Con sus argumentos, Plotino atacaba la tesis fundamental de la estética antigua, según la cual la
belleza consistía en la relación y disposición de las partes. Partiendo de la premisa de que entre los objetos
bellos se encuentran también algunos simples, deduce que la belleza no puede ser una relación, y si no es una
relación, ha de ser una cualidad. Fue esta la primera tesis fundamental de la estética de Plotino.
En numerosos casos, cuando el arte representa el mundo de los sentidos, su objeto es deficiente e imperfecto.
De la doctrina de Plotino se derivaba una nueva concepción de la función de las artes. En efecto, hasta
entonces, la mayoría de los griegos y romanos creían que las artes plásticas y las artes de la palabra tenían
solamente una función representativa. Para Plotino, el artista no era ya un imitador. El arte es además
conocimiento, porque concibe al espíritu que es la verdadera existencia. Y no es este, naturalmente, un
conocimiento científico encerrado en sus aserciones, o resultado de investigaciones y deducciones. Los
objetivos de las artes son diversas, pues unas representan la realidad, otras la complementan y otras aun
ayudan al hombre en sus actividades. También en su clasificación de las artes tomó Plotino como criterio su
relación con “aquel mundo” superior. Y ya lo hizo en su primera clasificación, la más sencilla, dividiendo las
artes en aquellas que se sirven exclusivamente de sus propios instrumentos y aquellas otras que emplean las
fuerzas de la naturaleza.
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