The National Gallery

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Para otros usos de este término, véase National Gallery.

National Gallery

National Gallery

Fachada de la National Gallery desde Trafalgar Square.

Localización

País  Reino Unido

División  Inglaterra

Subdivisión Gran Londres

Ciudad Londres

Dirección Trafalgar Square

51°30′31″N 0°07′42″OCoordenadas:  51°30′3
Coordenadas
1″N 0°07′42″O (mapa)

Información general

Tipo Público

Clase Museo de arte

Colecciones Pintura europea del siglo XIII hasta los años 1900

N.º de obras 2300

Inauguración 10 de mayo de 1824 (195 años)

Ampliación Nuevo edificio, 1838

Director Gabriel Finaldi1

Información del edificio

Construcción 1832–1838

Arquitecto William Wilkins

Información visitantes

Visitantes 6 031 574 (2013)2

(4.º más visitado del mundo3 y 2.º del Reino Unido2)

Otros datos de n.º tel.: 020 7747 2885

interés

Sitio web Página oficial del Museo

Mapa de localización

National Gallery

Geolocalización en el centro de Londres

 [editar datos en Wikidata]

La Galería Nacional es el principal museo de arte de Londres, situado en el límite

norte de la plaza de Trafalgar perteneciente al municipio de Westminster, en el
centro del Gran Londres. Inaugurada en 1824, tiene una colección de más de
2300 pinturas, mayormente europeas, de un amplio periodo histórico
entre 1250 y 1900. Por su contenido es una pinacoteca y no un museo generalista,
pues no exhibe esculturas ni otras artes, las cuales se muestran en otros
importantes museos de la capital. Las esculturas y artes decorativas están en
el Museo de Victoria y Alberto; el Museo Británico alberga arqueología y dibujos,
principalmente; y el arte posterior a 1900 se exhibe en Tate Modern. Algunas
pinturas de autores británicos se exhiben en la Galería Nacional, pero la Colección
Nacional de Arte Británico se concentra principalmente en el museo Tate Britain,
específicamente dedicado al arte del país.
La Galería Nacional es una entidad sin ánimo de lucro y un departamento público
del Departamento de Cultura, Media y Deporte. 4 Su colección pertenece al pueblo
inglés y el acceso es gratuito, si bien para algunas exposiciones temporales sí se
requiere el pago de una entrada. La Galería Nacional se considera como uno de
los museos de arte más visitados del mundo después del Museo del Louvre de
París, el Museo Británico en Londres, y el Museo Metropolitano de Arte de Nueva
York.3
A diferencia de museos comparables en el continente europeo, como
el Louvre parisino o el Prado de Madrid, la Galería Nacional no se formó
nacionalizando una colección real de arte. La colección de los monarcas ingleses
subsiste a día de hoy como ente independiente (Royal Collection). La Galería
Nacional se creó con una finalidad didáctica, para hacer accesible el arte a todas
las clases sociales, y dio sus primeros pasos en 1824 cuando el gobierno británico
compró 38 pinturas de los herederos de John Julius Angerstein, un corredor de
seguros y patrono de las artes. Después de esta compra fundacional, la galería se
enriqueció principalmente con adquisiciones efectuadas por sus primeros
directores (destaca Sir Charles Lock Eastlake) y por donaciones privadas, las
cuales incluyen alrededor de dos tercios de la colección. 5 El repertorio actual es
pequeño en cifras comparado con muchos museos nacionales europeos, pero es
enciclopédico en alcance; muchos de los mayores logros de la pintura occidental
"desde Giotto hasta Cézanne"6 se hallan representados con importantes ejemplos.
Se solía decir que este museo era uno de los pocos con rango nacional que tiene
expuestas todas sus obras, dada su alta calidad 7 pero actualmente no ocurre así:
el museo sí posee obras almacenadas, debido al constante crecimiento numérico
de la colección y a una exhibición de los cuadros más holgada.
El actual edificio de la Galería Nacional, fue diseñado por William Wilkins entre
1832 y 1838. Solo la fachada en Trafalgar Square permanece esencialmente sin
cambios desde su origen, pues el edificio se ha ido expandiendo por sus fachadas
a lo largo de la historia. El edificio primitivo de Wilkins fue muchas veces criticado
por su diseño impersonal y por su falta de espacio; el segundo problema se alivió
con el establecimiento de la Tate Gallery para el arte británico en 1897. Con todo,
 el museo siguió requiriendo más espacio y a finales del siglo XX sumó el ala
Sainsbury, una extensión en el lado oeste del museo diseñada por Robert
Venturi y Denise Scott Brown que es un notable ejemplo de la arquitectura
Posmodernista en Inglaterra.

Índice

 1Historia
o 1.1La demanda de la Galería Nacional
o 1.2Fundación e inicios
o 1.3Crecimiento bajo Eastlake y sus sucesores
o 1.4Principios del siglo XX
o 1.5Segunda Guerra Mundial
o 1.6Desarrollo desde 1950
 2Arquitectura
o 2.1Edificio de William Wilkins
o 2.2Alteración y expansión (Pennethorne, Barry y Taylor)
o 2.3Siglo XX: modernización versus restauración
o 2.4Ala Sainsbury y adiciones posteriores
 3Controversias
 4Obras sobresalientes
 5Conexiones de transporte
 6Galería
 7Véase también
 8Notas
 9Referencias
o 9.1Bibliografía
 10Enlaces externos

Historia[editar]
La demanda de la Galería Nacional[editar]
La resurrección de Lázaro de Sebastiano del Piombo. Procedente de la colección de John Julius
Angerstein, la cual se convirtió en la colección fundadora de la Galería Nacional en 1824. La pintura
tiene el número de acceso NG1, por lo que es oficialmente la primera pintura en ingresar en el museo.

El final del siglo XVIII vio la nacionalización de las colecciones reales de media
Europa. La colección real de Baviera fue abierta al público en 1779 (es la
actual Alte Pinakothek de Múnich); la de los Médicis en Florencia en 1789 (Galería
de los Uffizi); y el museo francés del Louvre fue inaugurado con la colección real
francesa en 1793.8 En España, el Museo del Prado abrió sus puertas en 1819. Por
el contrario, Gran Bretaña no secundó el modelo continental y la colección real
británica permanece en posesión de los soberanos hoy en día. Sin embargo, la
alarma social ante la dispersión de importantes colecciones privadas (que en su
mayor parte salieron del país) y el deseo de instruir al público general hicieron
patente la necesidad de crear un gran museo gratuito y de perfil didáctico, con
ejemplos representativos de los estilos entonces más valorados.
En 1777, el gobierno británico tuvo la oportunidad de comprar una colección de
arte de categoría internacional, que los descendientes del político sir Robert
Walpole pusieron en venta. El parlamentario John Wilkes propuso ante el gobierno
la compra de este «incalculable tesoro» y sugirió que fuera alojado en «una
galería noble... que debía ser construida en un jardín espacioso del Museo
Británico».9 No se tomó ninguna medida pese a la apelación de Wilkes, y veinte
años después la colección Walpole fue comprada en su totalidad por Catalina la
Grande; ahora se conserva en el Hermitage de San Petersburgo.
Un plan para adquirir 150 pinturas de la Colección Orleans de París (la cual fue
traída a Londres para venderse en 1798) fracasó, a pesar del interés del Rey y el
primer ministro, William Pitt el Joven.10 La Galería Nacional exhibe actualmente
veinticinco pinturas procedentes de esta colección, incluyendo la primera de su
inventario ("NG1"; La resurrección de Lázaro, de Sebastiano del Piombo), pero
llegaron años después y por cauces diversos. En 1799 el comerciante Noel
Desenfans ofreció una colección completa al gobierno británico; él y su socio Sir
Francis Bourgeois la habían reunido por encargo del rey de Polonia, pero no
pudieron culminar la venta pues Polonia fue disuelta como país tras abolirse su
independencia en 1795.8 Esta colección fue ofrecida en donación a las
autoridades británicas, que la rechazaron, y Bourgeois la legó en su testamento a
su antigua escuela, Dulwich College, junto con 2000 libras (cantidad entonces
considerable) para la construcción de una sede. La colección se abrió en 1817
como la primera pinacoteca pública de Inglaterra: la Dulwich Picture Gallery.
También el comerciante escocés William Buchanan y otro coleccionista, Joseph
Count Truchsess, formaron colecciones de arte como base para una futura
colección nacional, pero sus ofertas respectivas (hechas el mismo año, 1803)
fueron rechazadas.8
Tras la venta de la colección Walpole, artistas como James Barry y John
Flaxman reclamaron el establecimiento de una Galería Nacional. Argumentaron
que una escuela británica de grandes pintores solo podía florecer si los artistas
jóvenes conocían el canon europeo de pintura, los grandes estilos del pasado. El
Instituto Británico , fue fundado en 1805 por un grupo de aficionados británicos,
trató de corregir esta situación: algunos socios prestaron obras para exhibiciones
que cambiaban cada año, y una escuela de arte se celebraba en los meses de
verano. Sin embargo, como las pinturas prestadas eran muchas veces
mediocres,11 algunos artistas criticaron la institución y la vieron como una manera
oportunista de que la nobleza expusiera sus viejos cuadros para subir el valor de
estos.12 Uno de los miembros fundadores de la institución, Sir George Beaumont,
Bt, jugaría más tarde un rol clave en la fundación de la Galería Nacional,
ofreciendo como regalo 16 pinturas.
En 1823 otra gran colección de arte salió al mercado: la del recientemente
fallecido John Julius Angerstein. Angerstein era un banquero nacido en Rusia
residente en Londres; su colección constaba de 38 pinturas, incluyendo obras
de Rafael y la serie de cuadros Casamiento a la moda de Hogarth. El 1 de julio de
1823 George Agar Ellis, un político liberal, propuso a la Cámara de los Comunes
(House of Commons) que comprara la colección.13 La idea fue respaldada por la
oferta de donación de los 16 cuadros de Beaumont, la cual marcaba dos
condiciones: que el gobierno comprara la colección de Angerstein y que ambas se
expusieran en un edificio adecuado. El inesperado cobro de una deuda pagada
por Austria dotó al gobierno de dinero para comprar finalmente la colección por
57 000 libras.
Fundación e inicios[editar]

El número 100 de la calle Pall Mall, sede de National Gallery de 1824 a 1834.

La Galería Nacional se abrió al público el 10 de mayo de 1824, tomando como

sede la antigua casa de Angerstein en el número 100 de la calle Pall Mall. A las
pinturas de Angerstein se unieron en 1826 las donadas de la colección Beaumont,
y en 1831 se sumó el legado de 35 pinturas del reverendo William Holwell Carr. 14
Inicialmente el experto encargado de la conservación de las pinturas, William
Seguier, llevó él solo toda la tarea de gestionar el museo, pero en julio de 1824
parte de su responsabilidad recayó en el recién creado Board of Trustees (grupo
de fideicomisarios o patronato).
La Galería Nacional en Pall Mall estaba frecuentemente abarrotada de público, las
salas eran calurosas y su diminuto tamaño en comparación con el Louvre de París
era una causa de vergüenza nacional. Pero Agar Ellis, ahora un patrono de la
galería, valoraba el recinto por estar "en la misma arteria de Londres", en un lugar
muy céntrico; esto era visto como necesario para la Galería para cumplir su
propósito social.15 Un derrumbamiento en el edificio causó que la Galería se
mudara brevemente al número 105 de Pall Mall, un lugar que el novelista Anthony
Trollope describe como "lúgubre, sin brillo, angosto, mal adaptado para la
exhibición de los tesoros que poseía".15 Posteriormente este bloque fue demolido
para abrir un camino a la Terraza Carlton House. 16
En 1832 empezó la construcción del actual edificio (diseñado por William Wilkins)
en el sitio de las antiguas Caballerizas Reales en Charing Cross, en un área que
había sido transformada en la década de 1820 en Trafalgar Square. La ubicación
era estratégica, entre la zona adinerada de West End y las parcelas más pobres al
este.17 En la década de 1850 se debatió la oportunidad de mudar el museo
a South Kensington, pero tal propuesta no prosperó. En Trafalgar Square la
colección podía ser visitada por personas de todas las clases sociales en un lugar
muy transitado, lo que restó importancia a otras cuestiones, como la
contaminación del centro de Londres o los defectos del edificio de Wilkins. De
acuerdo con la Comisión Parlamentaria de 1857, "La existencia (o acumulación)
de los cuadros no es el propósito final de la colección, sino solo el medio para dar
a las personas un disfrute ennoblecedor".18
De 1837 hasta 1868 la Academia Real estaba
albergada en el ala este del edificio. Directores de la Galería Nacional
Sir Charles Lock Eastlake 1855–1865
Crecimiento bajo Eastlake y sus
Sir William Boxall 1866–1874
sucesores[editar]
Sir Frederic William
1874–1894
En esa época las pinturas de los siglos XV y Burton
XVI acaparaban el interés de la National Sir Edward Poynter 1894–1904
Gallery, y durante los primeros 30 años del
Sir Charles Holroyd 1906–1916
museo las adquisiciones hechas por el
patronato (Board of Trustees) fueron Sir Charles Holmes 1916–1928
principalmente obras del alto renacimiento, un Sir Augustus Daniel 1929–1933
criterio que descartaba las pinturas de otras Sir Kenneth Clark 1934–1945
épocas y estilos. Este gusto conservador Sir Philip Hendy 1946–1967
causó que se desaprovechasen varias
oportunidades de compra, y la gestión de la Sir Martin Davies 1968–1973
galería cayó después en completo desorden, Sir Michael Levey 1973–1986
con ninguna adquisición entre 1847 y 1850.19 Neil MacGregor 1987–2002
Un informe crítico de la Cámara de los Charles Saumarez Smith 2002–2007
Comunes en 1851 reclamó el nombramiento
Sir Nicholas Penny 2008–2015
de un director, con autoridad superior a la de
los patronos. Muchos creyeron que el cargo Gabriele Finaldi 2015–
de director se daría al historiador de arte
Gustav Friedrich Waagen, a quien la Galería
consultaba sobre cuestiones técnicas como la luz y la presentación de la
colección. Sin embargo, el hombre preferido por la reina Victoria, su marido
el príncipe Alberto y el primer ministro, Lord Russell, era el conservador de las
pinturas del museo: Sir Charles Lock Eastlake, quien era presidente de la Royal
Academy, había jugado un rol esencial en la fundación de la Arundel Society y
conocía a la mayoría de los expertos en arte de Londres.

El bautismo de Cristo de Piero della Francesca, una de las compras de Eastlake.

El nuevo director admiraba a los pintores primitivos del norte de Italia, de la época

medieval, un tipo de arte que había sido ignorado por la Galería pero empezaba a
ganar estimación lentamente gracias al interés de los entendidos. Eastlake
hizo tours anuales por el continente y por Italia particularmente, buscando pinturas
apropiadas para la Galería. Así, compró 148 obras en el extranjero y 46 en
Inglaterra,20 de las cuales muchas eran trabajos esenciales como una de las tres
tablas de la Batalla de San Romano de Paolo Uccello. Eastlake también reunió
para sí mismo una colección distinta durante su período como director, que
consistía en pinturas que sabía que no interesaban a los patronos del museo. Su
última meta, sin embargo, era que estas entraran a la National Gallery; ello fue
hecho realidad tras su muerte por su viuda Lady Eastlake y su amigo y sucesor en
el museo, William Boxall.
La falta de espacio en la National Gallery siguió siendo un grave problema en este
periodo. En 1845, un extenso legado de pinturas británicas fue efectuado por
Robert Vernon; la cual no había suficiente espacio en el edificio de Wilkins así que
fueron expuestas primero en la casa del propio Vernon en el número 50 de Pall
Mall y después en la Marlborough House.21 La Galería entró en un estado aún más
apurado por su siguiente gran donación: el pintor J. M. W. Turner iba a legar el
contenido entero de su estudio, exceptuando algunas obras sin terminar, a la
nación después de su muerte, acaecida en 1851. Las primeras 20 de estas fueron
expuestas en Marlborough House en 1856. 22 El testamento de Turner estipuló que
dos de sus pinturas debían ser expuestas a lado de las de su admirado Claudio de
Lorena;23 una condición que aún se cumple en la sala 15 de la Galería. Pero el
legado Turner no ha sido expuesto adecuadamente en su totalidad; hoy sus obras
están divididas entre Trafalgar Square y la Clore Gallery, una pequeña extensión
construida a la Tate Gallery completada en 1985.
El tercer director del museo, Sir Frederick William Burton, abrió en el repertorio la
sección del arte del siglo XVIII y obtuvo varias compras sobresalientes de las
colecciones privadas inglesas. La adquisición en 1885 de dos pinturas del Palacio
de Blenheim, la Madona de los Ansidei de Rafael y el retrato de Van Dyck Carlos I
a caballo, con un pago récord de 87,500 libras, llevó a la Galería al final de su
"época oro de adquisiciones", pues el presupuesto anual de compras fue
suspendido para varios años.24 Cuando la Galería compró Los embajadores de
Holbein al 5º Earl of Radnor en 1890, lo hizo con la ayuda de donativos
particulares por primera vez en su historia.25 En 1897 la formación de la Galería
Nacional del Arte Británico, conocida informalmente desde el inicio en su historia
como la Galería Tate, permitió que algunas obras británicas se cambiasen de
museo, siguiendo el precedente impuesto por la colección de Vernon y el legado
de Turner. Obras de artistas nacidos después de 1790 fueron llevadas a la nueva
galería ubicada en Millbank, lo que permitió que pintores anteriores
como Hogarth, Turner y Constable permanecieran en Trafalgar Square.
Principios del siglo XX[editar]

La Venus del espejo por Diego Velázquez.

La crisis agrícola que a principios del siglo XX afectó al Reino Unido causó que
muchas familias aristócratas, terratenientes, viesen menguar sus ingresos y
tuvieran que vender sus pinturas; pero los museos nacionales británicos no podían
pagar los altos precios del mercado del arte, elevados por la demanda de los
coleccionistas norteamericanos.26 Esto provocó la creación de la Fundación
Nacional de Colecciones de Arte, una sociedad de donantes dedicada a detener el
flujo de obras de arte fuera del país. Su primera adquisición para la Galería
Nacional fue La Venus del espejo (Rokeby Venus) de Velázquez en 1906, seguida
del Retrato de Christina de Dinamarca de Holbein en 1909. Sin embargo, a pesar
de la crisis que sufrieron las fortunas aristocráticas, la siguiente década quedó
marcada por varios legados importantes de coleccionistas privados. En 1909 el
industrial Ludwig Mond dio a la National Gallery 42 pinturas italianas renacentistas,
incluyendo la Crucifixión Mond de Rafael.27 Otros legados importantes fueron los
de George Salting en 1910, Austen Henry Layard en 1916 y Sir Hugh Lane en
1917; este último fue uno de los legados más controvertidos de la Galería porque
incluía pinturas impresionistas, todavía entonces poco estimadas.
Un dramático incidente de protesta política sucedió en la Galería Nacional el 10 de
marzo de 1914: la Venus del espejo de Velázquez fue acuchillada por Mary
Richardson, una sufragista que con esta acción quiso protestar por el arresto de la
activista feminista Emmeline Pankhurst el día anterior. Días después otra
sufragista atacó cinco cuadros de Giovanni Bellini, causando que el museo cerrara
hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial, cuando la asociación Women's
Social and Political Union llamó a que cesasen los actos violentos como modo de
llamar la atención por sus causas.28
La recepción del arte impresionista en la Galería tuvo un inicio excepcionalmente
tormentoso. En 1906, Sir Hugh Lane prometió 39 pinturas, incluyendo Los
paraguas (1883) de Renoir, que se entregarían a la Galería Nacional tras su
muerte, a menos que un edificio adecuado se construyese en Dublín. Aunque
ansiosamente aceptados por el director Charles Holroyd, los cuadros fueron
recibidos con extrema hostilidad por los miembros del patronato; Lord Redesdale
escribió: "Yo espero escuchar antes una misa mormona en la Catedral de San
Pablo, que ver la exhibición de las obras de los rebeldes del arte moderno francés
en los recintos sagrados de Trafalgar Square".29 Tal vez como resultado de tales
actitudes, Lane modificó su testamento con un codicilo de que las obras solo
debían ir a Irlanda, pero crucialmente esto nunca se contempló. 30 Lane murió a
bordo del barco RMS Lusitania en 1915, y el destino de sus cuadros generó una
disputa que no se resolvió hasta 1959. Parte de la colección está ahora en
permanente préstamo en la Hugh Lane Municipal Gallery de Dublín y otras obras
rotan entre Londres y Dublín cada pocos años.
Hubo una colecta para la compra de pinturas modernistas establecida por Samuel
Courtauld en 1923 compró Un baño en Asnieres de Seurat y otras notables obras
modernas para la nación;31 en 1934 estas se transfirieron de la Galería Nacional a
la Tate.
Segunda Guerra Mundial[editar]

Pinturas siendo evacuadas de la Galería Nacional durante la Segunda Guerra Mundial.

Poco tiempo antes del inicio de la Segunda Guerra Mundial, las pinturas fueron
evacuadas a varias ubicaciones en Gales, incluyendo Penrhyn Castle y los
colegios universitarios de Bangor y Aberystwyth.32 En 1940, mientras la Batalla de
Francia bramaba, se buscó un almacén más seguro y hubo discusiones sobre
trasladar las pinturas a Canadá. Esta idea fue firmemente negada por Winston
Churchill, quien escribió en un telegrama al director Kenneth Clark, “entiérrelas en
cuevas o sótanos, pero ninguna pintura debe dejar estas islas”.33 Una cantera de
pizarra en Manod, cerca de Blaenau Ffestiniog en el Norte de Gales, fue requisada
para el uso de la Galería. Durante la reclusión de las pinturas en su nueva
ubicación, el encargado (y futuro director) Martin Davies empezó a elaborar
catálogos científicos sobre la colección, consultando la biblioteca del museo que
también estaba guardada allí. La mudanza a Manod causó alteraciones a algunas
obras, lo cual confirmó la importancia de conservarlas con una temperatura y
humedad constante; algo que los expertos de la Galería habían supuesto pero no
habían podido probar.34 Esto eventualmente resultó en la apertura de la primera
galería equipada con aire acondicionado en 1949. 21
Durante el transcurso de la guerra, Myra Hess y otros músicos como Moura
Lympany, dieron recitales en el museo vacío, para levantar la moral mientras que
todas las salas de concierto de Londres estaban cerradas. 35 Varias exhibiciones
de arte fueron puestas en la Galería como complemento de los recitales. La
primera fue Pintura británica desde Whistler en 1940, organizada por Lillian
Browse,36 quien también montó la más grande retrospectiva conjunta Exhibición
de Pinturas por Sir William Nicholson y Jack B. Yeats colocada desde el primero
de enero – 15 de marzo de 1942, la cual fue vista por 10,518 visitantes. 3738
Exhibiciones de obras de artistas de guerra, incluyendo a Paul Nash, Henry
Moore y Stanley Spencer, fueron también colgadas; el Comité del Consejo de
Artistas de Guerra colaboró con el director del museo Kenneth Clark para
"mantener los artistas en activo, trabajando con cualquier pretexto".39 En 1941 la
solicitud de un artista para ver el Retrato de Margaretha de
Geer de Rembrandt (una nueva adquisición) dio origen a la iniciativa "Pintura del
Mes", donde una sola obra era traída de la cantera de Manod y exhibida al público
en la Galería Nacional. El crítico de arte Herbert Read, escribió este año: "La
Galería Nacional es un puesto desafiante de la cultura en la mitad de una
metrópolis bombardeada y en ruinas".40 Terminada la guerra, las pinturas
regresaron a su sede de Trafalgar Square en 1945.
Desarrollo desde 1950[editar]
Diana y Calisto de Tiziano, pintura que hace pareja con la anterior. Comprada por la National Gallery en
2012 a dúo con la National Gallery of Scotland.

En los años posteriores a la guerra, las adquisiciones se convirtieron

increíblemente difíciles para la Galería Nacional debido a que los precios por las
pinturas antiguas –y aún más por las impresionistas y posmodernistas – habían
subido más allá del presupuesto del museo. Dos de las compras más significativas
de la Galería en este período habrían sido imposibles sin la contribución
económica de los ciudadanos: el gran Cartón de Burlington House (La Virgen y el
Niño con santa Ana y san Juan Bautista) de Leonardo da Vinci, comprado en 1962
por 800.000 libras, en parte gracias a las donaciones del público que acudió a
verlo (250.000 personas); y el cuadro de Tiziano La muerte de Acteón (en 1972).
Las compras de la Galería garantizadas por el gobierno fueron congeladas en
1985, pero después ese año el museo recibió una dotación de 50 millones de
libras del magnate Sir Paul Getty, lo que permitió grandes compras.21 En abril de
1985 Lord Sainsbury of Preston Candover y sus hermanos, el Hon. Simon
Sainsbury y Sir Timothy Sainsbury, hicieron una donación que pudo permitir la
construcción del ala Sainsbury.41
El nombramiento como director de Neil MacGregor dio pie a una gran
reordenación de las pinturas en el museo, que se separó un tanto de la rígida
clasificación por escuelas nacionales que había sido introducida por Eastlake. Una
nueva colocación cronológica buscaba enfatizar la interacción entre culturas en
lugar de características fijas nacionales, plasmando el cambio vivido desde el siglo
XIX en la manera de valorar los diferentes estilos. 42 Sin embargo, en un guiño al
pasado, la estética victoriana del edificio fue rehabilitada: los interiores coloristas y
ornamentados ya no eran considerados un estorbo y fueron recuperados.
Además, en 1999 la National Gallery aceptó un legado de 26 pinturas italianas
barrocas de Sir Denis Mahon. A principios del siglo XX muchos habían
considerado que el estilo barroco debía permanecer fuera de los límites del
museo: en 1945 los patronos declinaron comprar un cuadro de Guercino de la
colección Mahon por 200 libras. La misma pintura fue valorada en 4 millones en
2003.43 El legado de Mahon se hizo efectivo con la condición de que la Galería
jamás quitaría ninguna de las pinturas o cobraría entrada. 44
 Artistas asociados Desde 1989, la galería tiene un programa en el que
Paula Rego 1989–1990 da un taller a artistas contemporáneos para crear un
trabajo basado en la colección permanente.
Ken Kiff 1991–1993
Usualmente el puesto de artista asociado dura dos
Peter Blake 1994–1996 años, y al concluirlo cada artista exhibe en el museo
Ana Maria el resultado de su colaboración.
1997–1999
Pacheco
Las respectivas competencias de la National Galllery
Ron Mueck 2000–2002 y de la Tate, las cuales habían sido cuestionadas por
John Virtue 2003–2005 las dos instituciones, fueron más claramente
Alison Watt 2006–2008 definidas en 1996. El año 1900 fue establecido como
Michael Landy 2009–2013
el punto final de las pinturas en la National Gallery,
de modo que en 1997 más de 60 pinturas de la
colección datadas después de 1900 fueron
entregadas a la Tate en un préstamo de largo
tiempo, a cambio de obras un poco más antiguas de Gauguin y otros artistas. Sin
embargo, la futura expansión de la Galería Nacional podría suponer el regreso de
las pinturas del siglo XX a sus paredes.45
En el siglo XXI, se han activado tres grandes campañas de recaudación en la
Galería Nacional: en 2004, para comprar por 22 millones de libras la Virgen de los
claveles de Rafael, procedente del Castillo de Alnwick; en 2008, por Diana y
Acteón de Tiziano; y en 2012 por su pareja, Diana y Calisto igualmente pintada por
el maestro veneciano. Ambas obras de Tiziano fueron compradas a dúo por la
National Gallery y la Galería Nacional de Escocia por 95 millones de libras. Estas
dos obras maestras fueron vendidas por la famosa colección del Duque de
Sutherland. Como todos los museos europeos, la Galería Nacional se ha quedado
fuera del mercado de pinturas antiguas de primera calidad, demasiado caro, y solo
puede obtener esas adquisiciones con donaciones del público y de empresas; el
director saliente Charles Saumarez Smith expresó su frustración ante esta
situación en 2007.46
En 2014, la Galería Nacional fue el tema de un documental por Frederick
Wiseman. La película muestra la administración de la galería y los trabajadores, el
laboratorio de conservación, tours docentes y cómo se montaban las exhibiciones
de Leonardo Da Vinci, J. M. W. Turner y Tiziano en 2011–2012.47

Arquitectura[editar]
Edificio de William Wilkins[editar]
La primera sugerencia de la Galería Nacional en Trafalgar Square vino de John
Nash, quien proyectó esto en el sitio de King's Mews, mientras un edificio parecido
al Parthenon para la Real Academia ocupaba el centro de la plaza. 48 La recesión
económica previno que esta idea se construyera pero una competencia por el sitio
de Mews tenía lugar en 1831, donde Nash publicó un diseño con C. R.
Cockerell como su co-arquitecto. La popularidad de Nash era grande en esa
época, sin embargo, la comisión fue dada a William Wilkins, quien se involucró en
la selección del sitio y subío algunos dibujos en el último momento. 49 Wilkins
esperaba construir un "Templo de las Artes, nutriendo el arte contemporáneo a
través de un histórico ejemplo",50 pero la comisión fue opacada por el parsimonio y
compromiso resultando una construcción destinada al fracaso en todas sus áreas.

El piano nobile y el piso del edificio Wilkins's , Antes de la expansión .

El sitio solo permitía por una construcción que fuera una profunda sala, y un taller
y un cuartel fueron puestos detrás. nota 1Para exacerbar los asuntos, existía un
derecho público a través del sitio de estos edificios, lo cual permitía acceso por
pórticos en el lado este y oeste de la fachada,esto tuvo que incorporar columnas
de la demolida Casa Carlton y el resultado corto en la elevación que fue
excesivamente baja, y un lejano intento del punto focal que se deseaba al final del
lado norte. También reciclados eran las esculturas de la fachada, originalmente
para el arco de mármol de Nasch pero abandonado debido a sus problemas
financieros. nota 2 La mitad del este del edificio albergaba la Academia Real hasta
1868, la cual disminuyó el espacio otorgado a la Galería.
El edificio era objeto del ridículo público antes de que estuviera completo, así
como una versión del diseño que había sido publicado por la Gaceta Literaria en
1833.51 Dos años antes de ser completado, su infama elevación en olla apareció
en la pieza frontal de Contrasts (1836), un tratado influyente por A. W. N. Pugin,
como un ejemplo de la degeneración del estilo clásico. 52 Hasta William IV (en su
última expresión grabada) pensó que el edificio era un "hoyo horrible", 53
mientras William Makepeace Thackeray lo llamaba "una pequeña tienda de
ginebra de un edificio".53 El historiador arquitectónico del siglo XX, Sir John
Summerson, hizo hincapié en estas críticas tempranas cuando comparó el arreglo
de la cúpula y dos diminutivas torretas en la línea de techo a "el reloj y vasos de
un mantel, solo menos útiles".49 El paisajismo de Trafalgar Square de 1840 de
Sir Charles Barry, incluía una terraza al norte para que el edificio pareciera
levantarse, respondiendo a uno de los puntos de queja. 16 Opiniones en el edificio
han cambiado considerablemente por 1984, cuando el Príncipe de
Wales llamando la fachada de Wilkins una "amada y elegante amiga", en contraste
a la expuesta extensión (véase más abajo).
Alteración y expansión (Pennethorne, Barry y Taylor)[editar]
The Barry Rooms (1872–76), diseñado por Edward Middleton Barry.

Cúpula de la sala 36 (Barry Rooms).

La primera alteración significante hecha al edificio fue una gran galería agregada
por Sir James Pennethorne en 1860–1. Decorada ornamentalmente en
comparación con las salas de Wilkins, no obstante rompió las condiciones de
hacinamiento dentro del edificio ya que fue construida sobre el pasillo de la
entrada original.54 No sorprendentemente, muchos intentos fueron hecho para
remodelar completamente la Galería Nacional (como sugerida por Sir Charles
Barry en 1853) o para moverla a espacios más capacidad en Kensington, donde el
aire era también más limpio. En 1867 el hijo de Barry Edward Middleton Barry
propuso reemplazar el edificio de Wilkins con un edificio masivo clásico con cuatro
cúpulas. El tema era un fracaso y críticas contemporáneas denunciaban el exterior
"como un fuerte plagio a la Catedral de San Pablo".55
Con la demolición del taller, sin embargo, Barry fue capaz de construir la primera
secuencia de la Galería de grandes espacios arquitectónicos de 1872 a 1876.
Construida como un