LA MUSICA EN LA EDAD

MEDIA
NOMBRE: LIZ ISABELLA
GARCIA DURAN
GRADO: 7ª
MATERIA: MUSICA
PROFESOR: WILLIAM
HUERFANO
COLEGIO: SANTO ANGEL DE
LA GUARDA
AÑO:2019
LA MUSICA EN LA EDAD MEDIA
La música medieval comprende toda la música europea compuesta durante el periodo de
la Edad Media, esto es, aproximadamente entre la Caída del Imperio romano de Occidente
en 476 y el siglo XV, centuria cuya música suele ya clasificarse como propia del
La música medieval comprende toda la música europea compuesta durante el periodo de
la Edad Media, esto es, aproximadamente entre la Caída del Imperio romano de Occidente
en 476 y el siglo XV, centuria cuya música suele ya clasificarse como propia del
Renacimiento.1
La música medieval se clasifica en:
 El canto llano o monodia religiosa: Popularmente denominado canto gregoriano
es con gran diferencia el repertorio medieval más antiguo y extenso, e incluye la
gran mayoría de música litúrgica cristiana de la época que se conserva. Es música
estrictamente vocal, de ritmo libre, texto latino y escrita a una sola voz.
 La música profana o música de trovadores: De escritura también monódica y
vocal, fue creada en ambientes aristocráticos y con textos en lengua vernácula; sus
autores son llamados trovadores (si escribían en langue d'oc o provenzal), (en
langue d'oïl o francés antiguo) o Minnesänger (en alemán). Su temática suele ser
amorosa y, aunque su escritura es semejante a la del canto gregoriano, era
interpretada con acompañamiento instrumental y compás definido.
 La polifonía: música escrita a varias voces y que surge por evolución de las
anteriores durante la Baja Edad Media, primero en el ámbito religioso y
posteriormente también en el profano.
 Transición de la antiguedad a la edad media:
Desde sus inicios, la liturgia cristiana y su música estuvieron marcadas por su origen en la
tradición judía (canto de la sinagoga), al que vino a sumarse la influencia griega y romana,
incluidas su teoría musical y su filosofía.
Los primeros cantos litúrgicos tenían dos estilos principales:
 La salmodia: consistente en el recitado de versículos de salmos, para el que se
usaban diversas fórmulas melódicas fijas (origen de los modos medievales). Antes
y después de (incluso entre) los versículos del salmo se cantaba una antífona, de
melodía más elaborada, a modo de estribillo.
 La himnodia: consistente en melodías y textos de nueva creación y carácter más
cercano a la comunidad. San Ambrosio de Milán hizo extenso uso de los himnos.
Ya en estos primeros cantos litúrgicos se usaron formas de ejecución luego habituales en
el canto gregoriano, como la responsorial (el coro responde a un solista).
 Liturgias regionales: escuelas de canto
Cada región europea desarrolló separadamente su propio canto, texto y reglas de
celebración, como forma de soporte a la liturgia regional usada para celebrar la misa o el
oficio. Las liturgias regionales occidentales más importantes fueron la romana, la
ambrosiana (en torno a Milán), la beneventana (sur de Italia), la hispánica o mozárabe
(practicada por los cristianos bajo dominio musulmán, con centro en Toledo), la galicana
(en la Galia) y la céltica o irlando-británica.
En torno al año 800 el Imperio Carolingio y la Iglesia católica se propusieron estandarizar
la celebración de la misa y los cantos en Occidente. En esa época, Roma era el centro
religioso de la Europa occidental y Aquisgrán era el centro político. Los esfuerzos de
estandarización consistieron principalmente en combinar estas dos regiones litúrgicas
(romana y galicana), creando un cuerpo litúrgico y de cantos que vendría posteriormente
a llamarse canto gregoriano, por atribuirse su reorganización (e incluso la composición de
melodías) al papa Gregorio Magno, a pesar de que este había vivido dos siglos antes.
Hacia los siglos XII y XIII la liturgia gregoriana había sustituido a todas las otras tradiciones
de cantos occidentales, con la excepción del canto ambrosiano en Milán y los cantos
mozárabes en unas pocas capillas hispanas. o la antifonal (dos coros separados)
 Canto gregoriano
A finales del siglo VI el papa Gregorio I dirigió una reordenación, reforma y compilación de
la liturgia romana, continuada por sus sucesores, que incluía una conformación más llana
y sencilla de las melodías (canto romano antiguo y nuevo). La alianza papal con la
monarquía carolingia gala de Pipino y luego de Carlomagno (segunda mitad del siglo VIII)
logró imponer en Occidente una centralización de la administración, el derecho canónico y
la liturgia, cuyo repertorio de cantos, basado en esa progresiva reforma anterior, se
vinculó un tanto legendariamente a Gregorio I y fue denominado gregoriano. Desde
entonces hasta al menos el siglo XVI el canto gregoriano fue el estilo musical más
difundido e influyente en el mundo occidental (y de hecho se mantuvo vigente hasta 1965
como repertorio oficial universal de la liturgia católica).
Fue precisamente en la época carolingia (ca. 800) y para difundir ese repertorio, se
comenzó a utilizar junto a los textos una nueva forma de notación musical silábica, la
neumática, que, aunque imprecisa en ritmo y altura, ayudaba a recordar las melodías del
repertorio. Posteriormente sus signos, llamados neumas, serían insertados en un
tetragrama, que ya sí precisaba la altura de los sonidos arados se alternan en el canto).
Aunque los primeros textos descifrables y completos datan de inicios del siglo IX, y una
gran parte de las melodías que conocemos fueron transcritas de manuscritos todavía
posteriores (especialmente de los siglos XII y XIII), hemos de pensar que muchas piezas
debían de estar en uso desde hacía mucho tiempo cuando fueron anotadas.
Las características principales del canto gregoriano son:
  Es música funcional, exclusivamente destinada a la liturgia cristiana (misa y oficio).
 Es un canto monódico.
 Su texto está en latín.
 El ritmo (llamado libre) va ligado al texto y no tiene una pulsación predeterminada.
 Se canta sin acompañamiento instrumental y habitualmente sólo con voces
masculinas.
El repertorio gregoriano, amplísimo, puede ser clasificado según diversos criterios.

Por su estilo musical puede clasificarse en:

 Accentus: recitaciones litúrgicas estereotipadas basadas en una sola nota (tuba),
usadas en las recitaciones litúrgicas del sacerdote.
 Concentus: cantos propiamente dichos, que según su relación entre palabra y
texto se clasifican a su vez en:
 Silábicos: si canta una sola nota en cada sílaba del texto.
 Neumáticos: si cada sílaba tiene entre dos y tres notas, generalmente anotadas
con un solo neuma.
 Melismáticos: el canto más complejo y ornamentado, en el que cada sílaba del
texto está adornada por varias notas distintas, a veces muy numerosas
(melismas).
Por su forma de interpretación los cantos suelen ser clasificados en tres categorías:
 De estilo directo: son cantados íntegramente por el o los mismos cantores, sea un
solista o un coro.
 Responsoriales: el coro responde (responsorio) con una especie de estribillo al
canto del solista. Por ejemplo, era practicada en la salmodia (salmodia
responsorial), en la que el coro cantaba la antífona y el solista entonaba, con
profusión de ornamentos, cada versículo de un salmo.
 Antifonales (tipo no necesariamente relacionado con la antífona como pieza
musical): dos coros de similar tamaño se responden o alternan, por ejemplo
cantando versículos consecutivamente.
Por su uso litúrgico, el repertorio puede clasificarse entre cantos de la misa y del oficio,Los
cantos de la misa incluyen dos subtipos:
 Cantos del Ordinario: de texto fijo (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus y
Agnus Dei). Son cantados por el coro de fieles o por la schola cantorum (coro
especializado).
 Cantos del Propio: como por ejemplo el Gradual o el Tracto, cuyo texto cambia día
a día. Podemos distinguir en ellos recitativos (reservados a los sacerdotes; suelen
ser muy sencillos aunque elegantes, tienen un origen muy antiguo y,
 probablemente, han conservado lo esencial de su aspecto primitivo) y
aclamaciones (por el coro de los fieles; probablemente espontáneas al principio y
muy sencillas, fueron refinándose y se hicieron rituales).
Por su parte, los cantos del oficio se usan en las diversas horas de oración (Laudes, Prima,
Tercera, Sexta, Nona, Vísperas y Completas).
Se pueden clasificar las piezas del repertorio gregoriano según su origen, reflejado en su
forma musical, en dos grandes grupos:
 piezas de origen salmódico y piezas versificadas.

Las piezas de origen salmódico pueden clasificarse así:

 Responsos: estribillos y estrofas con los que el coro responde a los versículos del
salmo, cantados por el solista. Primitivamente breves, silábicos e inseparables del
salmo, los responsos se han convertido en grandes piezas con vocalizaciones,
generalmente en tres partes (estribillo, uno o varios versículos del salmo,
estribillo).
 Antífonas: estribillos silábicos introducidos en el canto alterno de los salmos,
como preludio, postludio e interludio. Dos semicoros cantan los versículos
alternativamente (antífonas) y se unen para cantar la antífona.
 Tractos: salmos, o fragmentos de salmos cantados seguidos, sin repetición alguna
ni estribillos, sólo para el solista. Son piezas ornamentales con ricas vocalizaciones,
que se sitúan entre las lecturas de la misa, principalmente durante el tiempo
pascual.
Las piezas versificadas, consisten en himnos. Primitivamente en prosa y de una forma
análoga a la de los salmos, se compusieron luego en verso, a partir de San Ambrosio; estas
piezas estróficas constituyen un repertorio artístico heterogéneo, cuya popularidad en la
cristiandad fue considerable. Más tarde se consideraron himnos unos cantos religiosos (y
también profanos) consagrados a la alabanza, sin ninguna relación con los himnos
“ambrosianos” o “gregorianos”.
Monodia profana

 Los trovadores
Los trovadores eran aristócratas que componían canciones y en ocasiones cantaban sus
propias obras; de la interpretación y acompañamiento de estas se encargaban
generalmente los juglares, músicos profesionales de extracción popular. La tradición de
los trovadores nació en el sur (Provenza) y suroeste (Aquitania) de Francia, cuyo centro
cultural era San Marcial de Limoges; precisamente el trovador más antiguo conocido es
Guillermo IX de Poitiers, Duque de Aquitania (1086-1127). Entre los más notables de los
cuatrocientos trovadores en lengua provenzal conocidos podemos citar a Peire Vidal,
Guerau de Cabrera y Raimbaut de Vaqueiras. Por su parte, los trovadores del norte de
Francia suelen ser denominados troveros y los alemanes Minnesänger (en alemán,
"cantores de amor").
Los textos de las canciones de los trovadores son de temática muy variada: canciones de
gestas, heroicas, amorosas, de carácter político, moral, satírico, piadosas, cantos
fúnebres... Musicalmente, las formas son también de gran diversidad, destacándose el
rondeau (con una peculiar alternancia de coplas y estribillo), el virelai (en que el estribillo
no interrumpe el desarrollo de las estrofas) y la ballade (estribillo alternante cada tres
estrofas).
Los juglares
Los juglares, perseguidos constantemente por la Iglesia, solían ser personajes errantes que
iban de aldea en aldea, de castillo en castillo, asombrando y divirtiendo a un público
analfabeto. Herederos de los mimos y joculatores de la Roma clásica y pagana, mitad
poetas y mitad saltimbanquis, mezclan en sus actuaciones la declamación y el
malabarismo, la música y la sátira, la lírica y las gestas épicas. Ellos son los únicos
transmisores de la música popular no litúrgica, pero enseguida con los procedimientos
más avanzados del canto eclesial y las novedades surgidas de la poética de tropos y
secuencias.
Aparte de las habilidades circenses, los juglares en general se acompañaban con
instrumentos musicales prohibidos en la Iglesia a causa de su antigua vinculación a la vida
pagana. Había juglares de muy diferentes tipos y calidades, desde los más simples y
vulgares llamados Cazurros o Remedadores hasta los más pulidos en el arte, muy
próximos o confundidos con los trovadores.
Polifonía
La polifonía es el arte de combinar sonidos y melodías distintas y simultáneas. Los
ejemplos de polifonía del siglo IX son llamados el organum. Al principio la polifonía se
producía automáticamente cuando cantaban juntos hombres y mujeres: se produce una
melodía formada por una voz grave y otra aguda a distancia de una octava.
Inmediatamente se superó el simple paralelismo, haciendo corresponder con cada nota
de la melodía original otras distintas, a veces por movimientos paralelos y otras por
movimientos contrarios. Ese procedimiento se llamó también diafonía y discanto.
Las melodías que se tomaban para estas nuevas experimentaciones eran de carácter
litúrgico, extraídas comúnmente de los tropos por ser estos inventados de nueva creación
no pertenecientes al repertorio gregoriano antiguo, más severo en su interpretación, para
la que la iglesia no admitía la práctica polifónica aunque, cada vez más, esta iba ganando
terreno.
A pesar del enorme avance que esta manera de hacer música significa, el organum en sus
formas más simples en la edad media.

Ars antiqua
Se llamaba ars antiqua a la forma de hacer música de los siglos XII-XIII.
En los que se parte de los primeros ensayos polifónicos y se enriquecen hasta sentar las
bases de la polifonía en su etapa de plenitud.
Sus más destacados representantes aparecen en torno a la llamada Escuela de Notre-
Dame de París y son Leonín, organista de Notre-dame, y su sucesor Perotín.
La melodía litúrgica (vox-principalis) pronto pierde importancia con respecto a la melodía
añadida (vox-organalis) que ahora ocupa el lugar más agudo. Finalmente, la vox-principalis
deja de ser de origen litúrgico, admitiéndose la invención libre.
Una novedad es el organum melismático, en que la vox-principalis se fragmenta en cada
una de sus notas, que adquieren una duración larga; sobre ellas se aplica una segunda voz
en notas breves que florean sobre la primera con gran soltura.
Trecento italiano
La música italiana ha sido siempre conocida por su carácter lírico o melódico, y esto en
muchos aspectos viene desde el siglo XIV. En esta época la ejecución de música profana
italiana (conforme a lo poco que sobrevive de la música litúrgica, es muy similar a la
francesa excepto por unas pequeñas diferencias en la notación) que ha sido llamado el
estilo cantalina, con una voz alta soportada por dos voces (o inclusive una sola ya que una
gran cantidad de la música italiana del Trecento es para dos voces solamente) que son
más regulares y de movimientos lentos. Este tipo de textura musical permanece también
en las ejecuciones de la música italiana en los géneros seculares tan populares en los
siglos XV y XVI, y fue una importante influencia en el eventual desarrollo de la textura de
los tríos que revolucionó la música del siglo XVII.
Existieron tres formas principales para las obras seculares en el Trecento:
 El madrigal: es una de estas formas, que no es aquella misma que aparece 150 a
250 años después, pero con una forma como de verso/refrán. La stanza de tres
líneas, cada una con diferentes palabras, alternadas con un ritornello de dos líneas,
con el mismo texto en cada aparición
 La caccia: ('caza'), es otra de estas formas, que fue escrita para dos voces en un
canon al unísono. Algunas veces, esta forma ejecutaba un ritornello, el cual estaba
ocasionalmente en un estilo canónico. Usualmente, el nombre de este género
proveía un doble significado, dado que el texto de la caccia fue referente en primer
 término a la cacería y a actividades al aire libre, o al menos a escenas llenas de
acción.
 la ballata: fue la tercera forma principal, la cual fue un equivalente grosso modo al
virelai francés.
Los compositores que sobresalieron en este periodo son, entre otros, Francesco Landini,
Gherardello da Firenze, Andrea da Firenze, Lorenzo da Firenze, Paolo da Firenze (Paolo
Tenorista), Giovanni da Firenze ,Bartolino da Padova, Jacopo da Bologna, Donato da
Cascia, Lorenzo Masini, Niccolò da Perugia y Maestro Piero.
Teoría y notación
La teoría musical griega, heredada por Roma, fue el punto de partida de la especulación
musical medieval a través de los últimos escritores vinculados al antiguo mundo clásico,
Boecio (480-524) y Casiodoro (477-570) que fueron, con los traductores árabes, quienes
introdujeron la teoría musical griega en nuestra Edad Media.
Boecio elaboró el tratado de armonía titulado De institutione musica. Este texto tiene una
gran trascendencia como fuente de conocimiento de las doctrinas griegas acerca de la
armonía y por el influjo que ejerció sobre el pensamiento medieval. Dividía la música en
tres géneros distintos: música mundana, humana e instrumental. Esta división para Boecio
no tiene un carácter religioso, sino que se apoya en la desvalorización del trabajo manual
y de lo que depende de los sentidos.
 La música mundana: es la que se refiere a la música de las esferas, identificándose
con el concepto del sentido de armonía. Para Boecio ese «sonido» se identifica con
armonía, y nosotros no podemos percibirla es porque somos imperfectos. Esta
música mundana es la verdadera, y el resto lo es en tanto reflejo de esta última.
 La música humana: Refleja a través de la unión armoniosa de las diferentes partes
del alma, la unión de alma con el cuerpo, la música de las esferas. Esta música se
comprende a través de acto de la introspección, todo aquel que se sumerge en sí
mismo la entiende, ya que es una armonía psicofísica.
 La música instrumental: Según Boecio el hecho manual de producir sonidos a
través de los instrumentos no tiene valor alguno (soplar por un tubo, tocar una
cuerda tensada...). La actividad manual ocupa el lugar opuesto de la actividad
puramente intelectual. Pero no rechaza los sentidos, los considera necesario, ya
que a través de ellos podemos hacer juicios.
Música vocal
Al comienzo de esta época, la música era monódica y monorrítmica en la que aparece un
texto cantado al unísono y sin acompañamiento instrumental escrito. En la notación
medieval antigua, el ritmo no puede ser especificado.
La notación de la polifonía se va desarrollando, y su asunción significa que las primeras
prácticas formales se inician en ese periodo. La armonía, con intervalos consonantes de
quintas justas, octavas (y después, cuartas justas) comienza a escribirse. La notación
rítmica permite complejas interacciones entre múltiples líneas vocales de un modo
repetible. El uso de múltiples textos y la notación del acompañamiento instrumental se
desarrolla al fin de la era.
 El organum: hacia el siglo XII era una pieza musical litúrgica en la que cada nota de
un canto era mantenido en valores largos por una voz, mientras que una, dos o
tres voces cantaban embellecimientos sobre ella.
 El conductus: es una pieza de carácter semilitúrgico que en principio se cantaba
para acompañar o conducir a un personaje. En su elaboración polifónica, la
melodía fundamental es la más grave: el tenor, la que sostiene a las otras voces
que cantan el mismo texto todas a la vez con el mismo ritmo.
 El motete: es una forma polifónica y politextual que comienza siendo litúrgica y
luego profana. El motete es de gran importancia porque representa la evolución de
la polifonía y de la notación musical. Procede del organum melismático.
 El hoquetus: es una forma musical propia del ars nova francés del siglo XIV en la
cual tres voces realizan un contrapunto sobre una voz grave.
 El canon: está basado en el principio de imitación, consistiendo en una repetición
literal de una melodía que se acompaña a sí misma pero desplazada en el tiempo.
El más antigua de los conocidos es el inglés "Summer is icumen in" (Llega el
verano), de finales del siglo XIII, cuya melodía podía cantarse hasta a seis voces.
Música instrumental
La danza, muy apreciada tanto en los más refinados ambientes como en las celebraciones
populares, fue un factor determinante en el proceso que antes analizamos consistente en
fijar ciertas melodías según esquemas rítmicos. Además de la evidente influencia en
términos como la ballata o balada trovadoresca, tuvieron gran popularidad las estampies y
los saltarellos. Hay tipos de danza religiosa, vinculados a las representaciones teatrales
que se hacían en las iglesias sobre la Pasión, la Navidad, entre otras festividades.La música
de danza exigía participación instrumental .
En la iglesia se admitía solamente el órgano, pero las nuevas composiciones religiosas
polifónicas facilitarían la introducción de otros instrumentos para acompañar o sustituir a
las voces: violas, flautas, chirimías, etc. Trovadores y juglares tañían laudes, arpas,
salterios, gaitas y, desde luego, variedad de panderos, sonajas, tamboriles, etc. Para las
celebraciones públicas y las fiestas al aire libre se va perfilando un conjunto característico
llamado de "música alta" por la potencia y brillantez de su sonido, compuesto de
trompetas, chirimías y bombardas.
Los instrumentos musicales en la Edad Media
  Instrumentos de cuerda
La música medieval utilizaba muchos instrumentos de cuerda, así como el laúd, la guitarra
morisca o mandora, la guiterna y el salterio. Los dulcémeles, similares en estructura a los
salterios y cítaras, que eran originalmente punteados.
 El rabel era un cordófono de tres cuerdas, tocado con arco. Se introdujo en Europa
durante el siglo X desde el mundo árabe.
 El dulcimer era similar al salterio; sus cuerdas solían aparecer en órdenes de dos a
cuatro. Se tocaba percutiendo las cuerdas con unos macillos de madera.
 La fídula era de cuerda frotada, con cuerpo oval o elíptico, tapa armónica plana y
clavijeros normalmente en forma de disco.
 Las arpas se reconocen por su forma aproximadamente triangular y por sus
cuerdas de longitud desigual, tensas en un plano perpendicular al cuerpo sonoro,
entre éste y una consola que lleva las clavijas. El arpa pequeña portable y sin duda
venida de Irlanda con los monjes irlandeses, todavía es el emblema heráldico de
este país. Desde el siglo IX los juglares acompañan con ella sus relatos y la nueva
nobleza feudal aprende a tocarla. Pero, a pesar de su continua aceptación, no
parece que el arpa haya suscitado un repertorio específico antes del siglo XVI.
 Las liras se asemejan a las cítaras antiguas hasta el siglo XI. Las cuerdas de igual
longitud, se tensan entre un clavijero y una consola transversal paralelamente al
cuerpo sonoro. La lira y el arpa están claramente diferenciadas en un manuscrito
del siglo XII, en la que el arpa se llama cythara anglica y la lira cythara teutonica.
 El salterio, que aparece en el siglo XII, en una escultura de la catedral de Santiago
de Compostela, se compone de una caja de resonancia, plana, de forma
generalmente trapezoidal, sobre la que se tensa un número de cuerdas muy
variables, de longitudes desiguales.
 El monocordio se menciona con frecuencia en la Edad Media. En su origen, es un
instrumento científico, destinado a la evaluación de los intervalos musicales. Un
caballete móvil que se desplaza a lo largo de una escala graduada permite medir la
longitud de la cuerda que corresponden a los diferentes sonidos para una misma
tensión.
Laúdes, guitarras y violas: Los instrumentos de cuerdas con mástil existen en Europa
desde la Alta Edad Media. Sus denominaciones se confunden a menudo con las
correspondientes a instrumentos sin mástil, en el mismo desorden y la misma imprecisión.
La iconografía sigue siendo la mejor fuente de información:
 El laúd, en la forma que el Renacimiento hizo famoso, fue introducido en Europa
en el siglo XII por los árabes, que legaron también su nombre en lengua árabe.
 La guitarra, curiosamente, ha tomado su nombre de instrumento de la antigüedad
que no tenían mástil. Desde el siglo XI o el XII se presenta bajo dos formas: la
guitarra morisca, que Machaut llama “moracha” y no es otra cosa que un laúd o
 una bandola, y la guitarra latina, que es aproximadamente la guitarra que nosotros
conocemos.
 El organistrum es una especie de viola en la que el arco está reemplazado por una
rueda que frota las cuerdas por acción de una manivela. Las cuerdas se acortan no
con los dedos directamente, sino con un teclado. Es el instrumento que hoy se
llama "viola de rueda" o zanfona y que pertenece al folclore desde el siglo XVII.
 Instrumentos de viento
Guillaume de Machaut distingue en el siglo XIV dos tipos de flauta: las traveseras y «en las
que tocas recto cuando soplas». Pero no parece ser que en Europa las flautas fueran
rectas hasta el siglo XII. La flauta travesera vendría como entonces, de Oriente. Una
pequeña flauta recta llamada flajol o el flaihutel se toca en asociación con un tamboril o
tabor, por un solo ejecutante, como todavía se practica hoy en Provenza o en el País
Vasco. Las flautas se hacían de madera más que de plata u otro metal, y podían tocarse
desde un costado o desde el extremo. La flauta dulce, por otro lado, ha conservado más o
menos su forma
Los instrumentos de las familias de los cuernos y de las trompetas son, en general,
instrumentos guerreros. El olifante, cuyo uso duró un poco más de dos siglos, es un
cuerno tallado en un colmillo de elefante (de donde su nombre, por aproximación
fonética). El instrumento que Dante llama trombetta es una pequeña trompa, una
pequeña bocina, una trompeta. Las cuatro tubae y la tubecta de plata que se hizo hacer
Federico II en Italia (1240) son probablemente instrumentos del mismo tipo, uno y otro
inspirado también libremente en la tuba y la buccina latinas. Desde el siglo X se utilizaron
igualmente instrumentos cónicos, de cuernos de animal o de madera, provistos de una
embocadura de cuerno y perforados por orificios, como el caramillo: son las cornetas,
llamados también cornetas con boquillas, del nombre que se llama a su embocadura.

 Órganos
El primer centro de fabricación de órganos en la Edad Media fue Bizancio y allí sin duda se
construyeron los primeros órganos neumáticos, que sustituyeron a los hidráulicos. Al
menos, un instrumento de este tipo está representado por primera vez en un obelisco
bizantino. Desde Constantinopla se exportan los órganos a todo el imperio e incluso a
Oriente. En adelante, se fabrican en Occidente. En España desde el siglo V y en Inglaterra a
partir del año 700. La ejecución de estos instrumentos era bastante rudimentaria. Una
serie de tablillas correderas, que servía de teclado, permitía introducir el aire de una
máquina neumática en los tubos de cobre o de bronce perpendiculares con teclas
corredizas. Cada tecla podía hacer hablar a uno o varios tubos simultáneamente. Al menos
desde el siglo X hubo órganos de pequeñas dimensiones "positivos" (para poner sobre un
mueble); en el siglo XII se construirán "portátiles". A partir del siglo XIII, los tubos se
reparten en "juegos" de una a diez filas. Se introduce el instrumento en las iglesias; pero,
según el testimonio de Ailredo, abad de Rievaulx, los fuelles hacen tanto ruido que el
sonido del órgano «más evoca el estampido de los truenos que la dulzura de las voces».

 Instrumentos de percusión
Hasta el Renacimiento los instrumentos de percusión no desempeñaron sino un papel
marginal en la música. Antes del siglo XII no existían prácticamente, aparte de los juegos
de campanas empleados en los monasterios. No obstante, el ornato cotidiano estaba
realzado por ruidos diversos de los que la literatura medieval evoca con frecuencia los
aspectos comunes: matracas de los leprosos, amuletos tintineantes con que se cubrían los
héroes y los peregrinos, cencerros, cascabeles, campanas, aldabones de las puertas, etc.
Sólo en los siglos XII y XIII aparecieron en Europa los tambores de dos pieles, con los que
se acompañaban sobre todo los que tocaban instrumentos de viento y el pequeño tambor
sobre un cerco con crótalos (pandereta).