ESCULTURAS

UNIVERSIDAD NACIONAL FEDERICO VILLARREAL

FACULTAD DE ARQUITECTURA Y URBANISMO
PROF. LUIS A. SONO CABRERA

Foro:
Investigación escultórica a la que se inclina y el referente.

Para definir la inclinación y el referente en el cual se basará el trabajo escultórico es

necesario mencionar conceptos previos.

1. ¿Qué es la es la escultura?
La escultura es una de las llamadas Bellas Artes, de antigua práctica en la historia humana,
y que consiste en el modelado, tallado o construcción de figuras tridimensionales o relieves a
partir de diversos materiales resistentes, como la madera, la arcilla o diversos tipos de piedra.

2. Características de la escultura

Los materiales de trabajo de la escultura pueden ser de los más variados, desde el barro, la
piedra y la madera, hasta el mármol, la cera, el yeso y diferentes tipos de metales (bronce,
hierro, cobre, plata, oro). A medida que la tecnología permitió el desarrollo de nuevos
materiales, la escultura comenzó a utilizar resinas y plásticos que, al tener nuevas
propiedades de resistencia y flexibilidad, permitieron el desarrollo de nuevos estilos artísticos
en la escultura.

La escultura tiene un gran componente de imitación, y también de creación original, ya que

la representación puede abarcar desde figuras concretas como personas, animales, objetos
naturales y artificiales, con una absoluta proporcionalidad, o bien pueden ser esculturas
abstractas que desafíen la percepción del espacio.

El manejo del espacio es muy importante en la escultura, lo cual implica que la composición
final que el artista persiga debe tener en cuenta aspectos espaciales tales como el alto, el
ancho, la profundidad, el volumen, la forma, la disposición de líneas, la textura, la consistencia
de los materiales, la óptica del ambiente donde estará la escultura, y en algunos casos, el
movimiento de la escultura.

3. Técnicas

Existen numerosas técnicas de trabajo de la escultura, según las intenciones y medios

del artista. Las técnicas dependen en gran medida del material sobre el que se trabaje.

En el caso de la madera y la piedra, la técnica implica un tallado con instrumentos tales

como el cincel y la lija, mientras que en el caso de materiales más blandos como la arcilla
y la plastilina, se utiliza el modelado manual.

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 Cuando el material es un metal, la técnica implica la fundición y el uso de moldes. También
se utilizan técnicas de perforación, pintura y conservación, así como la articulación de
piezas diferentes para crear movimiento en la obra.

Los moldes son utilizados comúnmente para la reproducción de esculturas. Se hacen con
yeso, resina o goma, reproduciendo con exactitud la obra terminada.

4. Función y uso

Socialmente, la escultura puede tener usos y funciones muy diversas. Originalmente las
esculturas tenían una función religiosa, para los rituales mágicos, los ritos funerarios, las
prácticas de culto, etc.

Posteriormente, también adquirió funciones políticas, para manifestar el poder de las

monarquías, conservar la memoria de los pueblos, defender proyectos políticos. Otro uso de
la escultura, que se volvió con el tiempo su función más común, es el estético, que busca
representar la belleza o los ideales artísticos de una época, o bien crear objetos de carácter
decorativo para interiores o exteriores.

5. Tipos:
5.1. Según su tema:
Suelen utilizarse como ornato, decorando espacios tanto abiertos como cerrados.

Esculturas religiosas.- Se trata de obras escultóricas cuya realización se hace

pensando en la
representación de temas religiosos, ya sea plasmando supuestas acciones
realizadas por la deidad, o
por un santo, o haciendo la representación de dicha deidad o santo, es el caso por
ejemplo, de las
innumerables esculturas de deidades, egipcias, griegas, aztecas, romanas,
sumerias, hindúes y
deidades de otras culturas, como las que representan pasajes o rituales a la
deidad, siendo que en la
mayoría de los casos, se utilizaban para el culto religioso, creyéndose que eran
las propias deidades
o que a través de ellas se podía “llegar” a la deidad para que mediante súplicas
intercediera.
O simplemente como una expresión de religiosidad y devoción hacia la deidad.
Estas pueden ser de
varios tamaños, como por ejemplo las estatuillas de deidades protectoras que en
casi todas las
culturas se han utilizado, de tamaños “medios” o gigantescos, esculturas de piedra
u otro material.

Esculturas profanas.- Se trata de aquellas que se enfocan en temáticas no

religiosas entendiéndose
dentro del ámbito del cristianismo. En esta categoría se cuentan todas las
esculturas de temáticas
civiles, militares, míticas, y retratos (bustos o esculturas), de “personajes” ajenos
a la religión
cristiana.
Se conocen como profanas, aquellas que no pertenecen al arte sacro (cristiano),
abarcando tanto
ámbitos civiles, como míticos entre otros temas que se expresan escultóricamente.

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 Esculturas civiles. - Se hace referencia de esta manera a las esculturas que
tienen un carácter civil,
ya sea que representen un ideal (por ejemplo, la paz), conmemoren un hecho, una
situación,
muestren o se originen en señal de respeto (por ejemplo, una estatua al soldado
desconocido o aun
héroe patrio). Es el caso de varias de las estatuas (generalmente de bronce o de
piedra), realizadas
en honor a gobernantes distinguidos, héroes del país, y personajes que de alguna
manera
contribuyeron al desarrollo cultural, ideológico, de libertad, o de otra índole de una
nación.

Esculturas abstractas. - Se trata de esculturas que se hacen según las

convenciones e ideas del arte
abstracto. Expresan ideas, sentimientos y pensamientos del artista que las realiza,
haciéndolas de
manera que dichas sensaciones se plasmen tridimensionalmente en la obra.
Al ser ideas que nacen de la mente del artista, y cuya apreciación es subjetiva
pues sus mensajes no
son directamente entendibles, por las formas y aspecto inteligibles, lo que
comúnmente se presta a
un sentimiento de rechazo, hacia tales obras plásticas.

6. Etapas de la Escultura

A lo largo de la historia, la escultura siempre ha sido un hito, ha tenido evolución y un

desarrollo importante, puedes ver las distintas etapas de la escultura:

Escultura en el mundo antiguo

Las primeras civilizaciones de Egipto, Mesopotamia, el valle del Indo y China gradualmente
desarrollaron formas de escritura alrededor del año 3000 A.C. Las personas de estas
civilizaciones, como sus antepasados prehistóricos, también expresaron creencias
profundamente sentidas en la escultura.

6.1. Escultura Egipcia

Egipto y todo el arte egipcio se basaba en la creencia en una vida después de la muerte. El
cuerpo del gobernante egipcio o Faraón, fue siempre, cuidadosamente preservado, también
todas sus pertenencias y tesoros eran enterrados con él para atender sus necesidades para
siempre. De igual manera, se construyeron las pirámides, grandes tumbas monumentales de
Giza, para los gobernantes más poderosos. Igualmente, el Faraón y su esposa eran
enterrados en cámaras de corte profundo dentro de los enormes bloques de piedra.

Por otra parte, los escultores egipcios hacían esculturas sentadas y de pie en redondo y en
relieve. De allí que, los cambios en el estilo revelan el cambio de las circunstancias. Así, las
figuras colosales como las de Ramsés II en la entrada de su tumba en Abu-Simbel, son
amplias, poderosas y demandantes. Un pequeño retrato de Ramsés II muestra el acabado
liso, artesanía de precisión y elegancia de nuevo arte unido.

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 6.2. Escultura Mesopotámica

Mesopotamia, que significa, la tierra entre los ríos, tenía una sociedad mucho menos
estable que Egipto y carecía de las grandes cantidades de piedra con la que contaba
Egipto para la escultura monumental. A menudo, sus ciudades fueron destruidas por las
inundaciones y los ejércitos invasores. Por lo tanto, los primeros ejemplos de escultura en
esta región se formaron de materiales ligeros, tales como la arcilla horneada y sin
hornear, la madera o combinaciones de madera, conchas y hoja de oro. Por lo tanto, un
grupo de figuras de piedra de Asmar representan los dioses, sacerdotes y fieles de una
manera muy diferente que desde la escultura egipcia. Estas figuras son en forma de
cono, con faldas plisadas, cabezas pequeñas, enormes y prominentes narices de ojos
grandes y mirada fija.
En este mismo sentido, las esculturas de piedra de los palacios de la ciudad eran
pesadamente fortificadas como Nínive, Nimrud, y Khorsabad y revelan el carácter
agresivo, belicoso de los conquistadores de esta región, los asirios. En las entradas de
los palacios asirios se colocaban enormes símbolos del rey que simbolizaban majestad,
también imágenes en forma de monstruos y colosales guardianes de cinco patas, con
alas y toros con cabezas humanas. Así mismo, se colocaban dentro de los palacios, losas
de piedra tallada en relieve con escenas de cacerías, batallas, banquetes de la victoria,
y rituales ceremoniales a lo largo de las paredes inferiores.

6.3. Escultura de la antigua Grecia

Alrededor del año 600 A.C., Grecia desarrolló una de las grandes civilizaciones de la
historia del mundo. Escultura se convirtió en una de las más importantes formas de
expresión para los griegos. La creencia griega de que el hombre es la medida de todas
las cosas muestra claramente lo que significa la escultura griega. La figura humana fue
el tema principal de todo el arte griego. Por lo tanto, los escultores en Grecia buscaban
constantemente mejores formas de representar la figura humana. Por lo tanto, los griegos
desarrollaron una figura de pie de un hombre desnudo, denominado la Kouros Apollo. El
Kouros sirve para representar dioses y héroes. Igualmente, la Kore o figura de pie de una
mujer cubierta, era más agraciada y fue utilizada para retratar doncellas y diosas. La
figura femenina con alas, o Nike, se convirtió en la personificación de la victoria. Un hecho
trascendente del a escultura griega es que los escultores concentraban sus energías en
un número limitado de problemas lo que podría haber ayudado a traer los rápidos
cambios que se produjeron en la escultura griega entre el siglo VII y el último 4to siglo A.
C. Así, el cambio desde la abstracción al naturalismo, de figuras simples a las realistas,
ocurrió durante este período. Por lo que, las figuras más adelante tienen proporciones
normales al pararse o sentarse fácilmente en poses perfectamente equilibradas.

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 6.4. Escultura Etrusca y Romana

La escultura y el arte griego habían sido exportadas a Italia mucho antes que los romanos
gobernaran la tierra. Por los siglos 7 y 6 A.C. los etruscos se asentaron firmemente en
Italia, por lo que, cientos de objetos han sido y todavía se encuentran en extensos
cementerios etruscos. Algunas de las esculturas y muchos floreros son griegos, mientras
que otros son traducciones etruscas animadas de forma griega. Muchas pequeñas
figuras de bronce de los campesinos, guerreros o dioses demuestran el gran talento de
los etruscos como metalúrgicos y escultores. Por ello, Roma se benefició de la doble
herencia artística de la escultura griega y etrusca. Así, las inventivas de los escultores
romanos fueron agregados a este patrimonio. De igual manera, las contribuciones más
importantes de los escultores romanos fueron los retratos.

6.5. Escultura Renacentista

En el mar Mediterráneo, sobresale la península italiana, en la encrucijada de varios

mundos, que había sido el corazón del imperio romano. Por lo tanto, Roma era el centro
del mundo cristiano occidental. Después, el noreste de Italia, especialmente Venecia, se
convirtió en la puerta de entrada para el cercano Oriente. Por lo tanto, los artistas italianos
no aceptan completamente los estilos góticos que dominaron el arte en la Europa
occidental. La razón es que los artistas italianos fueron afectados por los restos de la
edad clásica y expuestos a la influencia oriental del arte bizantino. Así, ya en el siglo XIII
los italianos plantaron las semillas de una nueva era tal como lo fue el renacimiento.
Aunque los elementos del arte Bizantino y medieval contribuyeron mucho a la formación
de la escultura del Renacimiento, artistas italianos estaban interesados en revivir el
clásico enfoque de este arte.

6.6. Escultura Barroca

La escultura en el siglo XVII continuó siendo tratada con la misma amplia variedad de
problemas escultóricos que sus antecesores del Renacimiento, con la figura humana
como una forma de expresión. Sin embargo, reaccionaron, contra el manierismo de los
escultores de finales del siglo XVI. Trabajaron más bien para lograr un retorno a la mayor
fuerza de Miguel Ángel, a la energía y la agilidad de la escultura del siglo XV. Giovanni
Lorenzo Bernini (1598-1680) fue, como Miguel Ángel, un artista talentoso de la escultura
barroca. En una larga y productiva carrera, él fácilmente se convirtió en la figura
dominante en su país y uno de los artistas más importantes de Europa durante un período
brillante y creativo.

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 6.7. Escultura del Rococó

Las cualidades básicas del arte del siglo XVII fueron llevadas adelante en el siglo XVIII
pero fueron transformadas para el gusto de una generación diferente. El término “rococó”
sugiere la preferencia por efectos más ligeros y decorativos en escultura y en todas las
artes. Jean Baptiste Pigalle (1714-85) y Étienne Maurice Falconet (1716-91) muestran la
misma destreza técnica que Bernini, pero sus figuras son ligeras y alegres. La habilidad
en su trabajo delicado, con su pequeña, dulces figuras de movimientos dulces y
agraciados, representan un cambio notable de la fuerte intensidad religiosa de la obra de
Bernini.

6.8. Escultura Neoclásica

La escultura del Neoclásico y Romántico, se consolida en el siglo XVIII, mientras Clodion

(1738-1814) y otros escultores del rococó estaban aún activos. Esta dirección, llamada
neoclásica busca describir el retorno deliberado a la temática y estilo clásico, duró en
fuerza durante casi un siglo. El cambio puede verse en la obra del destacado escultor
Jean Antoine Houdon (1741-1828), por lo tanto, la estatua de George Washington podría
compararse a un retrato de un emperador romano.

Por su parte, el movimiento romántico fue creciendo, aun cuando muchos artistas aún
preferían trabajar en la tradición clásica en las academias. En la década de 1860 el joven
escultor llamado a Auguste Rodin fue rechazado tres veces de la École des Beaux-Arts,
la Academia de París. Al final del siglo fue el escultor más famoso en Francia y en la
mayor parte de Europa.

6.9. Escultura del siglo 20

El siglo XX fue una época de experimentación con nuevas ideas, nuevos estilos y nuevos
materiales. Estudios de la figura humana dieron lugar a nuevos temas tales como los
sueños, ideas, emociones, así como también el estudio de la forma y el espacio. De igual
manera, se utilizaron materiales como el plástico, cromo y acero soldado, así como cajas,
piezas rotas de automóvil y piezas de muebles viejos. Igualmente, los escultores del siglo
XX, tienen una gran deuda con Rodin, debido a su tremenda producción y variedad que
inspiró una nueva generación de escultores para expresar nuevos pensamientos en una
forma de arte que había estado repitiendo viejas ideas durante 200 años. Aunque los
sucesores de Rodin tienden a alejarse de su realismo y sus temas literarios, sus
innovaciones tuvieron una influencia muy importante.

6.10. Escultura Moderna y Posmoderna

Desde la década de 1960, el llamado arte moderno ha sido reemplazado por el arte
contemporáneo o el postmodernismo. A diferencia de los anteriores los escultores
modernistas y posmodernista de hoy (por ejemplo, los artistas Pop como Claes
Oldenburg, Robert Indiana y los artistas Neo-Pop como Jeff Koons, no dudan en utilizar
una amplia variedad de materiales, imágenes y métodos de exhibición. Sin embargo,
estos estilos tienden a ser más localizados, por lo que, como tendencia actual entre los
movimientos del arte contemporáneo está en desconfiar de las grandes ideas y el
internacionalismo de los movimientos de arte moderno del siglo XIX y mediados del siglo
XX.

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 PROPUESTA .

CONCEPTO:

“LA RESILIENCIA”
La resiliencia es la capacidad para adaptarse con resultados positivos frente a situaciones
adversas.

REFERENTE NATURAL:
“ZORRO DE FUEGO”

El zorro de fuego representa increíble adaptabilidad al medio, la gran capacidad para hallar
soluciones a cualquier tipo de problema que se le presente y como el gran protector familiar.
Este animal presenta dos colores, según la mitología el color negro representa las cenizas,
el dolor y el sufrimiento, por otro lado, el color rojizo representa su astucia, su gran capacidad
de amar, su resurgimiento.
Es decir, este animal representa el resurgimiento y la resiliencia ante la adversidad.

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CORRIENTE ESCULTÓRICA:
“BIMÓRFICA”

La "abstracción biomórfica" describe el uso de formas abstractas redondeadas basadas en

las que se encuentran en la naturaleza. También conocido como abstracción orgánica, este
tipo de arte abstracto no era una escuela o movimiento, sino una característica notable del
trabajo de muchos artistas diferentes, como Wassily Kandinsky (1866-1944), Constantin
Brancusi (1876-1957) y artistas del movimiento Art Nouveau. Pero se aplica más comúnmente
al trabajo de los surrealistas Jean Arp (1886-1966), Joan Miro (1893-1983) e Yves Tanguy
(1900-55), así como los escultores británicos Barbara Hepworth (1903-75) y Henry Moore
(1898-1986).

EL BOFORMISMO:
Las formas biomórficas aparecieron en ambos pintura y escultura en 1913, fue solo después
de la destrucción de las visiones utópicas del futurismo, el cubismo y el constructivismo, por
parte del estalinismo, la gran depresión y el nazismo, que la ciencia fue reemplazada por la
naturaleza como la principal inspiración para pintores y escultores por igual. La abstracción
orgánica no pretendía construir o construir racionalmente, sino emular las fuerzas germinales
de la naturaleza. Originado en las formas fluidas de Rodin, las formas orgánicas curvilíneas
de Art Nouveau y Jugenstil y las formas ovoides de Constantin Brancusi, atrajo incluso a
constructivistas como Vladimir Tatlin (1885-1953), quien basó su artilugio volador Letatlin en
un principio orgánico biodinámico (el vuelo de las aves) en lugar de uno mecánico.

Sus principales exponentes en arte plástico vinieron de toda Europa. En Alemania, Jean Arp
produjo formas fluidas (concreciones) de puro naturalismo, en el que plantas, animales y
torsos se unieron vívidamente; y Karl Hartung abrió su escultura abstracta para abrazar
gubias, lágrimas y protuberancias audaces. En Francia, Henri Etienne-Martin (1913-95) evocó
los orígenes de la arquitectura con una serie de habitaciones imaginarias; mientras que la
escultora argentina Alicia Penalba (1918-2009) modeló exuberantes símbolos eróticos en
arcilla. En Gran Bretaña, a principios de la década de 1930, Henry Moore combina formas
humanoides, culturas africanas y oceánicas, y abstracción orgánica en un estilo variado y
ecléctico que concilia la metodología modernista con Escultura griega. Sus
numerosas ’Figuras reclinables’ subían y bajaban como los contornos de sus colinas y valles
de Yorkshire, lo que ilustra su creencia de que el paisaje podría reflejarse a través de la figura
humana. Más adelante en su carrera, expresó su biomorfismo en formas más monumentales.
Miembro del grupo artístico Abstraction-Creation, otros miembros incluyeron a Otto Freundlich,
nacido en Pomerania, y los escultores británicos. Ben Nicholson (1894-1982) y su esposa
Barbara Hepworth (1903-75). Freundlich y Hepworth ayudaron a consolidar los impulsos
biomórficos de la década de 1930: Freundlich con sus resúmenes llenos de energía como
Ascensión; Hepworth con su leitmotiv del núcleo hueco.

Las formas de las esculturas de Arp, Miro y Moore muestran afinidades obvias con formas
naturales, como huesos, conchas y guijarros. Su trabajo alcanzó una gran popularidad y, al
escribir en 1937, Moore registró su creencia de que "hay formas naturales universales a las
que todos están subconscientemente condicionados y a las que pueden responder si su
control consciente no los apaga". Este atractivo se extendió a otros artistas, como Alexander
Calder (1898-1976), Isamu Noguchi (1904-88) y los expresionistas abstractos, pero también
para toda una generación de diseñadores de muebles, especialmente en los Estados Unidos,
Escandinavia e Italia. Si bien la naturaleza misma fue una fuente crítica de inspiración para
Hepworth, Moore y Arp, fueron más las formas redondeadas y fluidas de sus esculturas,
admiradas como `` dibujos en el espacio’’, que fueron cruciales para los diseñadores de las
décadas de 1940 y 1950.

Si bien la tendencia hacia la abstracción orgánica fue particularmente visible en las décadas
de 1940 y 1950, ha seguido siendo una de las muchas cepas aparentes en el arte y el diseño
desde, en el trabajo de escultores tan variados como Linda Benglis (n. 1941), Richard Deacon

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(b.1949), Eva Hesse (1936-70) Anish Kapoor (n. 1954), Ursula von Rydingsward (n. 1942) y
Bill Woodrow (n. 1948), y los diseñadores Ron Arad (n. 1951), Verner Panton (1926-98) y
Oscar Tusquets (n. 1941).

REFERENTES ESCULTÓRICOS:

HENRY MOORE

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