Tarea 1 Mejorado
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Foro:
Investigación escultórica a la que se inclina y el referente.
1. ¿Qué es la es la escultura?
La escultura es una de las llamadas Bellas Artes, de antigua práctica en la historia humana,
y que consiste en el modelado, tallado o construcción de figuras tridimensionales o relieves a
partir de diversos materiales resistentes, como la madera, la arcilla o diversos tipos de piedra.
2. Características de la escultura
Los materiales de trabajo de la escultura pueden ser de los más variados, desde el barro, la
piedra y la madera, hasta el mármol, la cera, el yeso y diferentes tipos de metales (bronce,
hierro, cobre, plata, oro). A medida que la tecnología permitió el desarrollo de nuevos
materiales, la escultura comenzó a utilizar resinas y plásticos que, al tener nuevas
propiedades de resistencia y flexibilidad, permitieron el desarrollo de nuevos estilos artísticos
en la escultura.
El manejo del espacio es muy importante en la escultura, lo cual implica que la composición
final que el artista persiga debe tener en cuenta aspectos espaciales tales como el alto, el
ancho, la profundidad, el volumen, la forma, la disposición de líneas, la textura, la consistencia
de los materiales, la óptica del ambiente donde estará la escultura, y en algunos casos, el
movimiento de la escultura.
3. Técnicas
Los moldes son utilizados comúnmente para la reproducción de esculturas. Se hacen con
yeso, resina o goma, reproduciendo con exactitud la obra terminada.
4. Función y uso
Socialmente, la escultura puede tener usos y funciones muy diversas. Originalmente las
esculturas tenían una función religiosa, para los rituales mágicos, los ritos funerarios, las
prácticas de culto, etc.
5. Tipos:
5.1. Según su tema:
Suelen utilizarse como ornato, decorando espacios tanto abiertos como cerrados.
6. Etapas de la Escultura
Las primeras civilizaciones de Egipto, Mesopotamia, el valle del Indo y China gradualmente
desarrollaron formas de escritura alrededor del año 3000 A.C. Las personas de estas
civilizaciones, como sus antepasados prehistóricos, también expresaron creencias
profundamente sentidas en la escultura.
Egipto y todo el arte egipcio se basaba en la creencia en una vida después de la muerte. El
cuerpo del gobernante egipcio o Faraón, fue siempre, cuidadosamente preservado, también
todas sus pertenencias y tesoros eran enterrados con él para atender sus necesidades para
siempre. De igual manera, se construyeron las pirámides, grandes tumbas monumentales de
Giza, para los gobernantes más poderosos. Igualmente, el Faraón y su esposa eran
enterrados en cámaras de corte profundo dentro de los enormes bloques de piedra.
Por otra parte, los escultores egipcios hacían esculturas sentadas y de pie en redondo y en
relieve. De allí que, los cambios en el estilo revelan el cambio de las circunstancias. Así, las
figuras colosales como las de Ramsés II en la entrada de su tumba en Abu-Simbel, son
amplias, poderosas y demandantes. Un pequeño retrato de Ramsés II muestra el acabado
liso, artesanía de precisión y elegancia de nuevo arte unido.
Mesopotamia, que significa, la tierra entre los ríos, tenía una sociedad mucho menos
estable que Egipto y carecía de las grandes cantidades de piedra con la que contaba
Egipto para la escultura monumental. A menudo, sus ciudades fueron destruidas por las
inundaciones y los ejércitos invasores. Por lo tanto, los primeros ejemplos de escultura en
esta región se formaron de materiales ligeros, tales como la arcilla horneada y sin
hornear, la madera o combinaciones de madera, conchas y hoja de oro. Por lo tanto, un
grupo de figuras de piedra de Asmar representan los dioses, sacerdotes y fieles de una
manera muy diferente que desde la escultura egipcia. Estas figuras son en forma de
cono, con faldas plisadas, cabezas pequeñas, enormes y prominentes narices de ojos
grandes y mirada fija.
En este mismo sentido, las esculturas de piedra de los palacios de la ciudad eran
pesadamente fortificadas como Nínive, Nimrud, y Khorsabad y revelan el carácter
agresivo, belicoso de los conquistadores de esta región, los asirios. En las entradas de
los palacios asirios se colocaban enormes símbolos del rey que simbolizaban majestad,
también imágenes en forma de monstruos y colosales guardianes de cinco patas, con
alas y toros con cabezas humanas. Así mismo, se colocaban dentro de los palacios, losas
de piedra tallada en relieve con escenas de cacerías, batallas, banquetes de la victoria,
y rituales ceremoniales a lo largo de las paredes inferiores.
Alrededor del año 600 A.C., Grecia desarrolló una de las grandes civilizaciones de la
historia del mundo. Escultura se convirtió en una de las más importantes formas de
expresión para los griegos. La creencia griega de que el hombre es la medida de todas
las cosas muestra claramente lo que significa la escultura griega. La figura humana fue
el tema principal de todo el arte griego. Por lo tanto, los escultores en Grecia buscaban
constantemente mejores formas de representar la figura humana. Por lo tanto, los griegos
desarrollaron una figura de pie de un hombre desnudo, denominado la Kouros Apollo. El
Kouros sirve para representar dioses y héroes. Igualmente, la Kore o figura de pie de una
mujer cubierta, era más agraciada y fue utilizada para retratar doncellas y diosas. La
figura femenina con alas, o Nike, se convirtió en la personificación de la victoria. Un hecho
trascendente del a escultura griega es que los escultores concentraban sus energías en
un número limitado de problemas lo que podría haber ayudado a traer los rápidos
cambios que se produjeron en la escultura griega entre el siglo VII y el último 4to siglo A.
C. Así, el cambio desde la abstracción al naturalismo, de figuras simples a las realistas,
ocurrió durante este período. Por lo que, las figuras más adelante tienen proporciones
normales al pararse o sentarse fácilmente en poses perfectamente equilibradas.
La escultura y el arte griego habían sido exportadas a Italia mucho antes que los romanos
gobernaran la tierra. Por los siglos 7 y 6 A.C. los etruscos se asentaron firmemente en
Italia, por lo que, cientos de objetos han sido y todavía se encuentran en extensos
cementerios etruscos. Algunas de las esculturas y muchos floreros son griegos, mientras
que otros son traducciones etruscas animadas de forma griega. Muchas pequeñas
figuras de bronce de los campesinos, guerreros o dioses demuestran el gran talento de
los etruscos como metalúrgicos y escultores. Por ello, Roma se benefició de la doble
herencia artística de la escultura griega y etrusca. Así, las inventivas de los escultores
romanos fueron agregados a este patrimonio. De igual manera, las contribuciones más
importantes de los escultores romanos fueron los retratos.
La escultura en el siglo XVII continuó siendo tratada con la misma amplia variedad de
problemas escultóricos que sus antecesores del Renacimiento, con la figura humana
como una forma de expresión. Sin embargo, reaccionaron, contra el manierismo de los
escultores de finales del siglo XVI. Trabajaron más bien para lograr un retorno a la mayor
fuerza de Miguel Ángel, a la energía y la agilidad de la escultura del siglo XV. Giovanni
Lorenzo Bernini (1598-1680) fue, como Miguel Ángel, un artista talentoso de la escultura
barroca. En una larga y productiva carrera, él fácilmente se convirtió en la figura
dominante en su país y uno de los artistas más importantes de Europa durante un período
brillante y creativo.
Las cualidades básicas del arte del siglo XVII fueron llevadas adelante en el siglo XVIII
pero fueron transformadas para el gusto de una generación diferente. El término “rococó”
sugiere la preferencia por efectos más ligeros y decorativos en escultura y en todas las
artes. Jean Baptiste Pigalle (1714-85) y Étienne Maurice Falconet (1716-91) muestran la
misma destreza técnica que Bernini, pero sus figuras son ligeras y alegres. La habilidad
en su trabajo delicado, con su pequeña, dulces figuras de movimientos dulces y
agraciados, representan un cambio notable de la fuerte intensidad religiosa de la obra de
Bernini.
Por su parte, el movimiento romántico fue creciendo, aun cuando muchos artistas aún
preferían trabajar en la tradición clásica en las academias. En la década de 1860 el joven
escultor llamado a Auguste Rodin fue rechazado tres veces de la École des Beaux-Arts,
la Academia de París. Al final del siglo fue el escultor más famoso en Francia y en la
mayor parte de Europa.
El siglo XX fue una época de experimentación con nuevas ideas, nuevos estilos y nuevos
materiales. Estudios de la figura humana dieron lugar a nuevos temas tales como los
sueños, ideas, emociones, así como también el estudio de la forma y el espacio. De igual
manera, se utilizaron materiales como el plástico, cromo y acero soldado, así como cajas,
piezas rotas de automóvil y piezas de muebles viejos. Igualmente, los escultores del siglo
XX, tienen una gran deuda con Rodin, debido a su tremenda producción y variedad que
inspiró una nueva generación de escultores para expresar nuevos pensamientos en una
forma de arte que había estado repitiendo viejas ideas durante 200 años. Aunque los
sucesores de Rodin tienden a alejarse de su realismo y sus temas literarios, sus
innovaciones tuvieron una influencia muy importante.
Desde la década de 1960, el llamado arte moderno ha sido reemplazado por el arte
contemporáneo o el postmodernismo. A diferencia de los anteriores los escultores
modernistas y posmodernista de hoy (por ejemplo, los artistas Pop como Claes
Oldenburg, Robert Indiana y los artistas Neo-Pop como Jeff Koons, no dudan en utilizar
una amplia variedad de materiales, imágenes y métodos de exhibición. Sin embargo,
estos estilos tienden a ser más localizados, por lo que, como tendencia actual entre los
movimientos del arte contemporáneo está en desconfiar de las grandes ideas y el
internacionalismo de los movimientos de arte moderno del siglo XIX y mediados del siglo
XX.
CONCEPTO:
“LA RESILIENCIA”
La resiliencia es la capacidad para adaptarse con resultados positivos frente a situaciones
adversas.
REFERENTE NATURAL:
“ZORRO DE FUEGO”
El zorro de fuego representa increíble adaptabilidad al medio, la gran capacidad para hallar
soluciones a cualquier tipo de problema que se le presente y como el gran protector familiar.
Este animal presenta dos colores, según la mitología el color negro representa las cenizas,
el dolor y el sufrimiento, por otro lado, el color rojizo representa su astucia, su gran capacidad
de amar, su resurgimiento.
Es decir, este animal representa el resurgimiento y la resiliencia ante la adversidad.
EL BOFORMISMO:
Las formas biomórficas aparecieron en ambos pintura y escultura en 1913, fue solo después
de la destrucción de las visiones utópicas del futurismo, el cubismo y el constructivismo, por
parte del estalinismo, la gran depresión y el nazismo, que la ciencia fue reemplazada por la
naturaleza como la principal inspiración para pintores y escultores por igual. La abstracción
orgánica no pretendía construir o construir racionalmente, sino emular las fuerzas germinales
de la naturaleza. Originado en las formas fluidas de Rodin, las formas orgánicas curvilíneas
de Art Nouveau y Jugenstil y las formas ovoides de Constantin Brancusi, atrajo incluso a
constructivistas como Vladimir Tatlin (1885-1953), quien basó su artilugio volador Letatlin en
un principio orgánico biodinámico (el vuelo de las aves) en lugar de uno mecánico.
Sus principales exponentes en arte plástico vinieron de toda Europa. En Alemania, Jean Arp
produjo formas fluidas (concreciones) de puro naturalismo, en el que plantas, animales y
torsos se unieron vívidamente; y Karl Hartung abrió su escultura abstracta para abrazar
gubias, lágrimas y protuberancias audaces. En Francia, Henri Etienne-Martin (1913-95) evocó
los orígenes de la arquitectura con una serie de habitaciones imaginarias; mientras que la
escultora argentina Alicia Penalba (1918-2009) modeló exuberantes símbolos eróticos en
arcilla. En Gran Bretaña, a principios de la década de 1930, Henry Moore combina formas
humanoides, culturas africanas y oceánicas, y abstracción orgánica en un estilo variado y
ecléctico que concilia la metodología modernista con Escultura griega. Sus
numerosas ’Figuras reclinables’ subían y bajaban como los contornos de sus colinas y valles
de Yorkshire, lo que ilustra su creencia de que el paisaje podría reflejarse a través de la figura
humana. Más adelante en su carrera, expresó su biomorfismo en formas más monumentales.
Miembro del grupo artístico Abstraction-Creation, otros miembros incluyeron a Otto Freundlich,
nacido en Pomerania, y los escultores británicos. Ben Nicholson (1894-1982) y su esposa
Barbara Hepworth (1903-75). Freundlich y Hepworth ayudaron a consolidar los impulsos
biomórficos de la década de 1930: Freundlich con sus resúmenes llenos de energía como
Ascensión; Hepworth con su leitmotiv del núcleo hueco.
Las formas de las esculturas de Arp, Miro y Moore muestran afinidades obvias con formas
naturales, como huesos, conchas y guijarros. Su trabajo alcanzó una gran popularidad y, al
escribir en 1937, Moore registró su creencia de que "hay formas naturales universales a las
que todos están subconscientemente condicionados y a las que pueden responder si su
control consciente no los apaga". Este atractivo se extendió a otros artistas, como Alexander
Calder (1898-1976), Isamu Noguchi (1904-88) y los expresionistas abstractos, pero también
para toda una generación de diseñadores de muebles, especialmente en los Estados Unidos,
Escandinavia e Italia. Si bien la naturaleza misma fue una fuente crítica de inspiración para
Hepworth, Moore y Arp, fueron más las formas redondeadas y fluidas de sus esculturas,
admiradas como `` dibujos en el espacio’’, que fueron cruciales para los diseñadores de las
décadas de 1940 y 1950.
Si bien la tendencia hacia la abstracción orgánica fue particularmente visible en las décadas
de 1940 y 1950, ha seguido siendo una de las muchas cepas aparentes en el arte y el diseño
desde, en el trabajo de escultores tan variados como Linda Benglis (n. 1941), Richard Deacon
REFERENTES ESCULTÓRICOS:
HENRY MOORE