INTRODUCCIÓN a.C.

Estas pruebas muestran la evolución cultural desde la

edad de piedra hasta la edad del bronce, que en Grecia empezó
El arte griego se caracterizó por la representación naturalista en el 3000 a.C. A principios del III milenio a.C., la
de la figura humana, no sólo en el aspecto formal, sino denominada civilización del Egeo evolucionó hasta niveles
también en la manera de expresar el movimiento y las extremadamente altos. La civilización de la edad del bronce
emociones. El cuerpo humano, tanto en las representaciones en el Egeo se dividía en dos culturas, cada una de ellas con sus
de dioses como en las de seres humanos, se convirtió así en el propias etapas y subdivisiones cronológicas. Una, la
motivo fundamental del arte griego, asociado a los mitos, la civilización de Creta o minoica, ubicada en el centro de la isla
literatura y la vida cotidiana. de Creta, a sólo 660 km al noroeste de Egipto y directamente
relacionada con las rutas marinas hacia los antiguos países del
La función principal de la arquitectura, la pintura y la Oriente Próximo. La otra civilización, la Heládica (micénica,
escultura monumental hasta aproximadamente el año 320 a.C., en su periodo más reciente), florecía al mismo tiempo en la
se ocupó de asuntos religiosos y de la conmemoración de los porción continental de Grecia, concretamente en el
acontecimientos civiles más importantes, como las Peloponeso. Sus grandes centros estaban en Micenas, Tirinto
competiciones atléticas. Los ciudadanos sólo utilizaron las (cerca de la actual Nauplia) y Pilos. La cultura y el comercio
artes plásticas para la decoración de sus tumbas. Sin embargo, cretense dominaron el Mediterráneo hasta después del año
las artes decorativas se dedicaron sobre todo a la producción 1500 a.C., cuando Micenas tomó el relevo.
de objetos de uso privado. El conjunto de muebles doméstico
contenía un gran número de vasijas de terracota pintadas, con
elegantes acabados, y las familias más ricas eran propietarias
de vasijas de bronce y espejos.

Los arquitectos griegos construyeron la mayoría de sus

edificios en mármol o piedra caliza, y utilizaban la madera y
las tejas para las techumbres. Los escultores trabajaron el
mármol y la piedra caliza, modelaron la arcilla y fundieron sus
obras en bronce. La escultura en piedra y en arcilla se pintaba
total o parcialmente con pigmentos brillantes. Los artistas
griegos empleaban colores al agua para pintar grandes murales
o decorar vasijas. Los ceramistas modelaban las piezas en
tornos de alfarero y cuando se secaban las pulían, pintaban y
cocían.

ETAPAS DE LA HISTORIA GRIEGA

CULTURAS PRE-HELÉNICAS
EN LA
ANTIGUEDAD LA CIVILIZACIÓN MINOICA O CRETENSE (2.600 –
En el desarrollo de la historia griega primitiva influyeron 1.100 A. C.)
muchísimas circunstancias geográficas, tanto las de carácter
continental como las de tipo marítimo. La fragmentación del Recibe este nombre, dado por Sir Arthur Evans en honor del
país y la articulación de las costas contribuyeron a hacer de mítico rey Minos, la civilización floreciente en Creta desde el
Grecia un pueblo de marinos, comerciantes y pequeños año 2000 a.C. ca. cuyo predominio e influencia en el mundo
agricultores, cuyo interés se centraba no ya en todo el país egeo son manifiestos, con una evolución en la Edad del
griego, sino en su ciudad: la polis. Estas ciudades se Bronce muy distinta y propia. Su situación geográfica y la
diferenciaban unas de otras por su régimen político, su vida riqueza de su suelo le proporcionaban pocos recursos
espiritual y su dialecto. minarales, pero en la parte este y centro grandes praderas y
En el mapa se representan, además de las rutas terrestres mesetas pastorales, olivos, vides, robles, cipreses y en la
(signo numero 4), las principales "polis" griegas, junto con el partes norte y este playas protegidas favorables para el atraque
territorio respectivo. Además se han señalado con distintos de barcos de todo tipo.
colores los tres principales pueblos que constituyeron el Antes del 2500 a. C. son escasos los restos de metales, salvo la
tronco común griego: dorios (signo numero 1); jonios (signo obsidiana de Melos. No obstante desde el 2500 al 2000 la
numero 2) y eolios (signo numero 3). Al margen del mundo población crece en número y la riqueza gracias a los adelantos
griego estricto quedaron las grandes regiones de Epiro, técnicos: predominio de herramientas de piedra y arcilla, aun
Macedonia y Tracia. después de la introducción de la metalurgia.
Los restos arqueológicos indican que algunos primitivos La característica principal de Creta en esta época, según
pueblos del Mediterráneo, estrechamente ligados a las culturas Finley, es la absorción de elementos culturales (y de
del norte de África, habitaron las regiones meridionales del población) procedentes de Grecia continental, las Cíclades,
Egeo hasta bien entrado el periodo neolítico, antes del 4000 Asia Menor, Siria y Egipto gracias al comercio dentro de su
desarrollo propio y coherente. Imprimieron su cultura cretense aproximadamente se dedicaron a asimilar la cultura superior
a los jarrones y objetos metálicos (puñales de cobre) y ya en el de sus predecesores, al tiempo que se enriquecieron con la
Minoico Antiguo MA empieza a aparecer el embrión de la aportación cultural de los minoicos.
arquitectura minoica con su estructura aglutinada en forma de
celda de panal.
Respecto al origen de la civilización minoica desde el punto
de vista etnológico es difícil adscribir a los cretenses minoicos
con algún pueblo conocido. Una de las tesis más admitida es
que son herederos directos de los habitantes neolíticos de la
isla (que llegarían a la misma hacia el 6000 a. C.) y que los
pueblos no neolíticos (indoeuropeos o no indoeuropeos) que
pudieran haber llegado a la isla no se impusieron, sino que se
vieron absorbidos por la cultura cretense sin imponer la suya.
Palmer, el eminente lingüísta, plantea que la destrucción de
los palacios hacia el 1700 a. C. es obra de la penetración en la Es entonces, alrededor del 1600 a. C. cuando se empieza a
isla de un pueblo anatolio, los luvitas, lo que explicaría expandir el fruto de dicha asimilación, una nueva civilización
también el cambio de escritura, Lineal A en vez de la que recibirá el nombre de micénica gracias al
jeroglífica, pero a falta del desciframiento del Lineal A, nada desenterramiento de Micenas por parte de Schliemann y ser
es seguro. Si seguimos las noticias de Creta que da Homero en ésta el mayor núcleo poblado y de mayor empuje de esta
la Odisea, la población cretense era una población mixta cultura (coincidiendo así con la idea de Homero de que
conformada por cidonios, eteocretenses y pelasgos, pueblos de Micenas era la más poderosa por ser su rey, Agamenón, el
los que, aparte del nombre, apenas se sabe nada. general en jefe de la tropas griegas en la batalla de Troya).
Micenas, en la Argólide, se convierte en un centro de riqueza
CARACTERÍSTICAS SOCIALES, CULTURALES Y y poder con una civilización guerrera sin igual en la zona del
ECONÓMICAS DE LA CIVILIZACIÓN MINOICA Egeo; no obstante no es el único centro de población
Los rasgos de esta civilización que le concedieron tal importante de Grecia central y meridional que surge y brilla
predominio cultural son los siguientes: con esplendor en esta época: Pilos en Mesenia, Tebas, Glá y
En cuanto a la religión no poseen deidades antropomórficas Orcómenos en Beocia y Tirinto también en la Argólide y
(lo que estaría muy relacionado con los cultos de los neolíticos parece que bajo la Acrópolis de Atenas reposa un primitivo
a las fuerzas de la naturaleza), salvo la Gran Diosa Madre, asentamiento fortificado micénico.
diosa de la fertilidad también conocida como la Gran Dama El período de esplendor micénico va desde el 1600 al 1150 a.
del Laberinto, que aparece representada en ocasiones con el C., cuando se configuran los palacios descritos en la Ilíada y
vestido típico minoico y serpientes en ambas manos, símbolos sus reinos: Pilos, Tebas, Orcómenos, Glá, Atenas y Micenas.
ellas también de las fuerzas fértiles de la tierra; para el Lo escabroso del terreno en Grecia continental provocó que el
ejercicio de sus cultos poseen pequeños santuarios dominio total sobre la península balcánica fuera imposible,
semisubterráneas, dentro de los palacios en ocasiones, y pero no así en el mar: la construcción de una flota poderosa
cuevas próximas al lugar de asentamiento; parece ser que estas les permitió la aventura y conquista de ultramar y sustituir a
cuevas eran la primitiva morada de los primeros habitantes los minoicos como dominadores del Egeo.
neolíticos de la isla; posteriormente las abandonarían como
morada, pero no como santuarios; se han encontrado rituales CARACTERÍSTICAS DE LA CIVILIZACIÓN MICÉNICA
de la cultura minoica implica la relación del toro (animal de Muchos son los rasgos que diferencian de un modo tajante
gran carga sexual, erótica y fertilizadora) por noticias de los esta civilización de la minoica; la diferenciación étnica fue el
murales de Cnosos y de la leyenda de Minos y el Minotauro; detonante de ellas. Las principales características son:
en el embalsamamiento de los muertos utilizan la miel al Por primera vez los gobernantes quieren dejar constancia de
tiempo que en los rituales de los muertos interviene la su vida y su status social, manifestado sobre todo en el
fermentación como proceso natural de renovación de la vida; enterramiento; por primera vez se delimitan espacios sagrados
posee una sólida base económica con una población densa (se para tumbas; es el caso de los dos círculos de tumbas
calcula que la población de la isla en época de esplendor debía delimitados de Micenas fuera del casco urbano con ajuares
rondar entre 400.000 y medio millón de habitantes) así como para los muertos, lujosos objetos metálicos y objetos guerreros
una agricultura y ganadería muy productivas (se calcula así (petos de oro, collares, pendientes y máscaras faciales de oro,
mismo que el número de rebaños sólo de ovejas de Cnosos etc...); es la inmortalización del poder y la autoridad; (uno de
rondaría los 1000); asímismo el comercio se veía favorecido los círculos, con la ampliación de las murallas de Micenas
por la fabricación y exportación deproductos de lujo en oro quedó encerrado dentro del núcleo fortificado); asímismo el
(cf. lámina del pendiente de oro) y plata, cerámicas; poseía enterramiento presenta la novedad de la colocación de losas
una gran flota, provocada por su situación insular, posición verticales para indicar las tumbas con grabados de escenas de
estratégica, sus productos manufacturados y su escasez de animales, cacerías, militares o círculos como signo sagrado;
materias primas metálicas; su sociedad presentaba una fuerte junto a los suntuosos enterramientos están los enterramientos
especialización: escribas, carpinteros, pastores, agricultores, introducidos por los griegos desde el 2000 a. C.: son
armeros, escultores, lapidarios, vidrieros, alfareros, orfebres, enterramientos en tumbas en forma de cistas (grandes vasijas),
herreros, curtidores, tejedores, pintores, etc. bien individuales o familiares, en posición vertical con los
cuerpos en posición fetal; el enterramiento se producía dentro
LA CIVILIZACIÓN MICÉNICA (2.000 – 1.150 A.C.) de la casa o al pie de los muros de la misma; elaboración de
En la Grecia continental hacia el 2000 a. C. penetra un nuevo objetos de lujo muy bellos y exquisitos como abalorios de
pueblo indoeuropeo, los griegos, desde el Épiro (su patria ámbar, las joyas arriba citadas de oro, alfilera con cabeza de
originaria según afirma Aristóteles) y los Balcanes; este cristal de roca y escudillas en forma de plato también en
pueblo era de civilización inferior que los pobladores cristal de roca; aparición del carro de combate; parece ser un
anteriores a los que suplantaron, por lo que durante 400 años elemento que trajeron los griegos y que exportaron a la Creta
minoica; se conocía el carro de bueyes para transportes, pero
el carro de combate se caracteriza por su ligereza y por ser PERIODO CLÁSICO: DESDE LAS “GUERRAS
llevado por caballos (en Creta minoica se usó el tiro de MÉDICAS” (475 A.C.), HASTA EL FINAL DE LA
caballos para transporte al ser un pueblo pacífico); otra arma “GUERRA DEL PELOPONESO” (404 A.C.)
propia de los micénica es la espada larga y muy particular es
la armadura de láminas de metal (bronce) y casco de dientes A comienzos del período, Atenas, triunfadora de las guerras
de jabalí; la sociedad presenta una estratificación social muy médicas (499-478), y líder de la Confederación de Delos,
marcada, dominada por una nobleza guerrera que concentra el impone su hegemonía e impulsa el sistema democrático como
poder (en los enterramientos se ha visto que además son de forma de gobierno de las polis. Es el momento artístico que
una altura y corpulencia mayor que el resto de habitantes de produce las obras que aún hoy se utilizan como norma y
estos asentamientos); también hay especialización del trabajo modelo para juzgar otros estilos.
en función de las habilidades técnicas y artísticas; el rasgo La atmósfera de auto confianza que genera en Atenas la
propio que quizá defina más a los micénicos y domine en todo victoria contra los persas, la prosperidad y el poder que trajo
su teritorio es la gran tumba llamada de tholos (o de colmena) consigo, y la inclinación antropocéntrica de los griegos,
de las que la más famosa es la denominada Tumba de Atreo centrada en la sociedad humana, explican la creencia en que el
en Micenas: una gran cámara mortuoria construída por ser humano, mediante su pensamiento y acción racionales,
completo con grandes bloques de piedra, de dimensiones puede perfeccionar su entorno, hasta el punto de que la
enormes y que no tiene precedentes arquitectónicos ni dentro comunidad y sus valores se exaltan hasta alcanzar rango
ni fuera de Grecia. divino; Pericles, Fidias o Sófocles dan forma natural a esta
visión.
CULTURA GRIEGA Este período de confianza dura poco y se quiebra debido a las
catástrofes que sucesivamente asolan Atenas. Una devastadora
EDAD OSCURA: (SIGLOS XII – VII A.C.) epidemia y las guerras del Peloponeso contra la hegemonía
Los estudios arqueológicos de la época oscura nos muestran ateniense imponen de nuevo la sensación de un mundo en
unas pobres condiciones de vida y una falta de contactos entre desorden, donde lo irracional cobra fuerza.
las diversas zonas del mar Egeo que, junto con la diversidad En consecuencia, el arte posterior será cada vez más proclive a
geográfica y la variedad étnica, explica el desarrollo de unas reflejar la experiencia emotiva y los valores del hombre como
ciudades independientes -las polis-, que constituyen la base individuo y no los de la colectividad. Se recogen las
del sistema político griego. emociones humanas, como la angustia, el sufrimiento, la
La independencia política contrasta con el mantenimiento de ternura y el humor, lo sensorial y la sensualidad y hasta la
la unidad cultural, religiosa y lingüística que se manifiesta en emoción religiosa; pero, aún así, todavía no se renuncia a
las epopeyas heroicas comunes a todos los griegos, expresada plasmar experiencias universales.
en una nueva escritura basada en el alfabeto fenicio. El período clásico termina con la unidad de la conquista del
En el período de formación encontramos el origen del templo rey macedonio Filipo II impone a las polis griegas, y con la
a partir del megarón micénico que ahora se convierte en centro forma monárquica de gobierno que su hijo, Alejandro Magno,
religioso. implanta. Con sus grandes conquistas lo helénico se difunde
La cerámica decorada con formas regulares y geométricas, en por todo el mundo antiguo, dando paso al período helenístico,
bandas horizontales paralelas, da nombre al período también llamado alejandrino.
geométrico. Desde fines del siglo VIII a.C., las influencias
orientales estilizan las formas vegetales e introducen animales En el terreno de la arquitectura, y antes de abordar con
y monstruos en el repertorio figurativo. detenimiento los "ÓRDENES CLÁSICOS", podemos apuntar
como notas definitorias de la arquitectura griega:
PERIODO ARCAICO: DESDE EL FINAL DE LA “EDAD
OSCURA” (SIGLO VII A.C.), HASTA EL FINAL DE 1. Frente a la monumentalidad egipcia, en Grecia la escala
LAS “GUERRAS MÉDICAS” (490 - 475 A.C.) utilizada es humana el dramaturgo Sófocles había afirmado
Los Juegos Olímpicos del año 776 a.C., además de constituir que "numerosas son las maravillas de la naturaleza, pero de
una expresión de la unidad cultural griega, marcan el punto de todas ellas la más grande es el hombre". Una idea que
partida de la cronología griega y el arranque definitivo del Protágoras resumirá en la máxima: "el hombre es la medida de
desarrollo literario y artístico de los griegos. todas las cosas" y, a su imagen y semejanza, los griegos
Desde el año 700 a.C., con el desarrollo urbano aparece configuraron el panteón olímpico, y graduaron
definida la polis. Muchas de ellas son pequeños asentamientos proporcionalmente sus construcciones.
al amparo de una elevación natural del terreno, la Acrópolis. 2. Es arquitectura arquitrabada, de apariencia serena, al
A medida que las polis se enriquecen, rivalizan entre ellas por basarse en una estructura de líneas horizontales y verticales,
la construcción de espléndidos edificios que expresan el pero entraña dificultades para la superposición de pisos o para
orgullo cívico y reflejan los aspectos clave de la vida de la la elevación en altura.
ciudad griega. Al mismo tiempo, las polis desarrollan un 3. Arquitectura matemática, donde proporción y equilibrio se
proceso colonizador que contribuirá a la extensión de la respetan escrupulosamente. Aunque,...
cultura griega por todo el Mediterráneo. 4. La búsqueda de la armonía visual obliga a separarse de las
El templo es el edificio que más esfuerzos de perfección medidas matemáticas mediante los llamados refinamientos
concita. En el período arcaico es cuando se estructura, ópticos, sobre los que más tarde volveremos.
evolucionando en su definición hasta el período clásico. 5. Como material se utilizó en principio el conglomerado o
La preocupación por el hombre se refleja en las esculturas de piedra arenisca, llamado "poros". El mármol no se usó antes
atletas y en la decoración escultórica del templo. Tanto en de mediados del siglo V, hasta la construcción del templo de
bulto redondo como en relieves,la figura humana es la Apolo en Delfos y el Partenón, por las dificultades que ofrecía
protagonista de la evolución compositiva de la escultura su trabajo.
griega.
6. El aparejo es isodomo: los sillares son perfectamente
uniformes; una vez construido se alisan y unen con grapas Arte Minóico: Knosos: salón del Trono
metálicas. Arte Micénico: Máscara de Agamenón

LOS ÓRDENES CLÁSICOS

Aunque ya definimos más arriba qué entendemos por "orden",
a efectos más prácticos para el análisis, podemos decir que el
orden configura un conjunto formado por tres elementos
constructivos, de los cuales la columna es el más importante;
son éstos:

- EL PEDESTAL O PODIO consistía en un basamento que

pedía la lógica y que muy bien podía haber sido liso -como lo
fue entre los romanos- pero que los griegos prefirieron hacer
escalonado.

- LA COLUMNA, símbolo sagrado de las ciudades

micénicas, subsistía como reliquia del pasado que los griegos
adoptaron como soporte de las vigas maestras en el interior y
para realzar el porche en el exterior. Una vez percatados de su
efecto dignificador, la aplicaron a todo el perímetro del
edificio, de donde nació la columnata o perístasis. La
columna, compuesta de basa (excepto en el dórico), fuste y
capitel, determina la forma, constituyendo el diámetro inferior
del fuste la unidad de medida para calcular todas las
proporciones.

- Por último, inspirándose en el tejado de caballete de sus

casas, coronaron el edificio con un majestuoso
ENTABLAMENTO.

PERIODO HELENÍSTICO: COINCIDE CON EL

REINADO DE ALEJANDRO MAGNO Y LA
FORMACIÓN DE LOS REINOS HELENÍSTICOS TRAS
SU MUERTE (SIGLOS IV A I A.C.)
Es la tercera y última etapa del arte griego. Se extiende desde
el siglo III a. C. hasta mediados del siglo II a. C., tomándose
como fecha simbólica de cierre el año 146 a. C., cuando la
ciudad de Corinto es conquistada por los romanos.
El peso del desarrollo artístico se trasladó hacia Oriente. En
esta época se desarrollaron grandes construcciones en
Pérgamo (Altar de Zeus), Rodas y Alejandría. De esta época
es el Mausoleo de Halicarnaso. Lo más destacado son los
proyectos urbanísticos como los de Hipodamo de Mileto, con
organizaciones en cuadrículas, ejemplo que fue seguido en
siglos posteriores.
Abarca desde la muerte de Alejandro Magno (323 a.C.) hasta
la conquista romana de Egipto (30 a.C.). En este momento, los
elementos griegos se entremezclan con los orientales de los Arte Minóico o Cretense: pintura Knosos
territorios conquistados. El sistema político es el de
monarquías de origen divino, y el centro de poder recae en los
grandes reinos orientales. Su inmensidad geográfica produce
una gran riqueza creativa, aunque desordenada. Proliferan las
instituciones del saber colectivo, como bibliotecas y museos.
En arte, las cortes de los reyes y los ricos ciudadanos ofrecen
un mecenazgo que produce una gran variedad de obras. Surge
un eclecticismo en el que caben todas las tendencias, desde
una mimesis del más puro clasicismo hasta la exageración y el
lujo más abigarrados; desde la definición estricta de los
órdenes hasta una monumentalidad gigantesca de escalas ARQUITECTURA GRIEGA
orientales. Grecia continental y Atenas siguen manteniendo La arquitectura griega es la base del arte de este periodo, dado
una posición privilegiada como centro cultural y artístico. que la mayor parte de la pintura y la escultura se realizaron
Toda esta variedad extiende el pensamiento y las formas como elementos arquitectónicos y decorativos. Pese a las
griegas que, interpretadas como modelo aristocrático y de numerosas guerras, revoluciones y terremotos conocemos
prestigio, serán adoptadas por el mundo romano; la cohesión y numerosos edificios antiguos en un estado que se puede
la pureza expresiva del período clásico se han desmoronado. calificar de aceptable, por lo menos de los cuales se puede
extrapolar la información suficiente para analizar sus columnas. Se hacia de una forma especial. Se tallaba en cada
características y su evolución. tambor un agujero y se encajaba un listón de madera.
Hubo edificios públicos como templos, dedicados al culto, que
fueron levantados en lugares amplios, rodeados por un espacio
sagrado, que denominamos témenos, en los cuales no había un Luego se hacía un agujero en el centro exacto de cada listón,
solo templo, a veces había varios, y contenía este espacio en el que se instalaba la barbilla de madera que unía los
sagrado, no sólo sus respectivos altares sino otros edificios tambores contiguos. Se dejaba que sobresalieran unos realces
administrativos, como los tesoros, pórticos, monumentos para facilitar su manipulación. En las piezas mas cuidadas era
votivos y propileos de entrada. casi imposible ver las uniones en la distancia. La parte inferior
No solo los templos fueron los únicos edificios públicos y superior de las columnas se labraban antes de ser colocadas,
conocidos existieron espacios dedicados al deporte y a los pero el resto se esculpía después.
espectáculos, como estadios, salas de conciertos y teatros. La Las incisiones que nos encontramos en los bloques indican
vida cotidiana de los griegos se centraba en el mercado, plaza los sistemas que se usaban para izarlos. Existían tres tipos
pública (el ágora), donde se adosaron baños, patios y principales para colocarlos:
columnatas. • Un agujero tubular tallado en el centro de la
Fueron importantes las construcciones funerarias, los pieza.
cementerios públicos y privados. Y no olvidemos que la • Muescas en las cara laterales.
sociedad griega no se caracterizó por su pacifismo,
• Una incisión a lo largo del sillar.
evidentemente, aparecieron las fortificaciones, cuyo desarrollo
Estas se solían usar con las piedras blandas. El mármol por su
dio paso a una ciencia la poliorcética. Junto a estos edificios
dureza permitía usar tenazas par colocarlo en su lugar. Las
públicos surgen las construcciones particulares, tanto en la
incisiones para las tenazas se solían realizar en el lecho del
ciudad como en el campo.
sillar o en los lados, cera de la parte superior.
MATERIALES Y MÉTODOS DE CONSTRUCCIÓN
Para unir las piedras entre si se usaban grapas para unirlos
Los griegos utilizaron gran variedad de materiales de
horizontalmente y clavijas para uniones verticales. Hubo
construcción para realizar sus edificios, usaron adobe, madera.
varias formas de estas piezas y varió según diferentes
terracota y piedra. En los primeros momentos se utilizó el
periodos.
adobe y la madera, posteriores elementos en piedra recuerdan
• En el siglo VI y a comienzos del V a.C. tenían los
ese precedente de madera, como los triglifos, que se
extremos doblados formando ángulo recto.
corresponden con los extremos de las vigas, las metopas, los
espacios entre ellas y las gotas que serían los listones • En época de Pericles se uso las grapas en forma de T
utilizados para realizar el montaje. o H.
El material mas usado fue la piedra, desde calizas duras, • La grapa de garfio se usa a partir del s. VI a.C. La
conglomerados y el mármol. Este material abundaba en el cola de milano se uso durante todas las épocas, en
Mediterráneo, en Asia Menor y en la propia Atenas siendo de piedras blandas.
excelente calidad en canteras como las de Paros, Nasos y
Tasos. Las cornisas y tejas de los edificios se realizaron en
terracota, pero con el paso del tiempo se usó el mármol.
La información sobre os métodos de construcción que usaron
ha llegado a nosotros desde el estudio de las canteras y de ÓRDENES
algunas inscripciones que han sido encontradas en los mismos
edificios. Muchos de estos escritos son una sucesión de
extractos que detallan los gastos en materiales y en sueldos de
operarios, contratos y otras especificaciones. Otra fuente
fundamental es el libro de Vitrubio, aunque se Arquitectura
fue redactada en época de Augusto, tenía acceso a fuentes
perdidas para nosotros. GRIEGOS
Realizar un edificio de piedra era costoso y dilatado en el Los órdenes clásicos están íntimamente relacionados con el
tiempo. Se comenzaba por conseguir los sillares que lo origen del templo griego. En tiempos de Homero se conocía
componían. Primero se tallaban de forma tosca en la cantera, el templo griego plenamente desarrollado, en varios lugares
una vez separado de la roca se deslizaba montaña abajo y se como Samos, Eleusis o Esparta se han encontrado los
solía transportar en vagones para llevarlos a pie de obra.Para basamentos de templos que responden a las plantas más
colocar cada piedra en su lugar se usaba una alzaprima con comunes. A finales del siglo VII a.C. se había establecido el
muescas superficiales o agujeros profundos en el sillar por canon del templo griego. hacia el año 625 a.C. los etolios
donde se pasaba una barra o cuerda. Se prestaba mucha renovaron un antiguo santuario que tenían en Thermos,
atención a los puntos de unión de los tambores de las Alargaron su cella y establecieron la planimetría del un
templo griego posterior.

Santuario de Apolo en Thermos

Sobre una base de piedra que estaba compuesta por sillares
irregulares de forma más o menos cuadrangular que se
denomina ESTEREOBATO, se colocaba un elemento
nivelador (eunciterio) seguido por una plataforma escalonada
(crepidomos). En este momento comienzan las diferencias en En este orden las columnas son más altas y delgadas que las
función, esencialmente, de las columnas. Diferenciamos tres dóricas. El fuste reposa en una pieza intermedia llamada basa,
órdenes de columnas: que tiene dos molduras convexas toros:
• El Dórico • una cóncava escocia
• El Jónico • basa llamada ática.
• El Corintio A veces se apoya en un pedestal cuadrado llamado plinto. El
fuste es cilíndrico, estriado, y a veces, con éntasis.
ORDEN DÓRICO
El edificio se asentaba escalón estilóbato, dividido en gradas
en todos sus lados, y que lo eleva sobre el terreno circundante.
La columna arranca directamente del suelo (no tiene basa). El
fuste estriado de arista viva tiene éntasis en su parte central, y
disminuye de diámetro hacia arriba. Entre el capitel y el fuste
hay una corona de ranuras llamada collarino.

El capitel está formado por una especie de equino decorado

con ovas, y con volutas a los lados. El arquitrabe consta de
tres listones, coronado el último por una decoración de ovas y
perlas. El friso es liso, o con decoración animada en relieve.
La cornisa posee menos vuelo que la dórica y está enriquecida
con ovas y dentellones de forma rectangular, el frontón está
coronado por acróteras.

ORDEN CORINTIO
Es una variación del orden jónico del que se diferencia en el
capitel y en un mayor riqueza en la ornamentación. El capitel
está formado por hojas de acanto, y por pequeñas volutas en
los ángulos superiores. También se habla de un orden
El capitel tiene dos partes: cariático, llamado así por el uso de figuras femeninas
1. equino, moldura convexa. (cariátides) que suelen llevar un cesto en la cabeza, y
2. abaco, paralepípedo cuadrado que recibe directamente la sustituyen a las columnas.
carga.

El entablamento (la techumbre ) estaba dividida en tres partes

1. arquitrabe, un listón de piedra que descansa sobre el
ábaco
2. friso (separado del arquitrabe por un filete o tenia) se
divide en triglifos (formados por tres bandas verticales que
rematan por su parte inferior en gotas), y metopas (recuadros
entre los triglifos, aptos para ser decorados. Cornisa, que
descansa sobre el friso. En su parte inferior, y coincidiendo
con los triglifos aparecen filetes con seis gotas. Sobre el
entablamento descansa el frontón, un plano triangular cuyo
fondo se llama tímpano, debido a la cubierta a dos aguas. El
frontón está
coronado por
acróteras, unas
figuras animadas o
vegetales.

ORDEN JÓNICO
 objetos que complican el plano. Los primeros templos
presentan tres tipologías en funcion de la planimetría que
presentan:
EL TEMPLO 1. El más simple, una estancia reducida, cuadrada o casi
Su origen cuadrada con un banco corrido en el muro del fondo, derivada
Existen profundas relaciones entre el culto aqueo y cretense y de la arquitectura doméstica. Ejemplos aparecen en Asine,
esas formas de culto fueron la base que generó la religión Eretria y Lefkandi, entre otros.
griega. Existían dos formas de culto conocidas, el culto a la 2. Planta rectangular rematada por un abside, que procede de
divinidad y el culto a los muertos. la arquitectura doméstica, como el templo de Hera Akraia, en
El culto destinado a la divinidad tiene un paso intermedio Perachora.
derivado del culto a los muertos, el culto a los héroes, Será el primero que usa una columna central para sostener la
individuos intermedio, con toda probabilidad estaba techumbre. Y un peristilo de columnas de madera.
vinculado con el mundo micénico, incluso el término hero se Evolución de la planta del Heraion de Samos
deriva de ese idioma.
El culto a la divinidad es otra forma de veneración que cobra
importancia y fuerza en los momentos que siguieron a la caída
del mundo micénico y se enriquecen con nuevas
manifestaciones tributadas a los dioses.
A los dioses se les rindió culto en muchos lugares, que les
fueron consagrados y donde se realizaban ceremonias
dedicadas a ellos. Estos lugares fueron de distinto tipo:
parajes naturales, algunos resguardados, como las cuevas,
otros al aire libre, a veces señalados con muros. Naturalmente EL TEMPLO GRIEGO: CLASIFICACIÓN
existieron edificios, en el ámbito doméstico, como en el El templo griego es uno de los edificios más significativos del
palacio de Tirinto, donde había un altar, o en casas mundo griego, por las características técnicas que aporta a la
particulares. historia de la arquitectura y por el significado que ocupa e la
Hubo edificios separados de los palacios como fue el casa de ciudad griega como elemento distintivo de su relación con los
algunos santuarios, en Asine, Prosymnia o en Eleusis. Es dioses y como elemento de cohesión de los ciudadanos.
posible, si consideramos las fuentes antiguas, como los La estructura de un templo griego es muy sencilla:
cometarios de Eusebio y Pausanias, que existieran santuarios • De planta rectangular
en Olimpia, Efeso y Delfos ya en la etapa micénica. • Se entra por un vestíbulo o pronaos
• Se llega a una habitación rectangular llamada
naos o cella, donde está la estatua del dios del
dios
• En ocasiones, tras la cella, hay una cámara dicha
opistódomos, donde se guarda el tesoro del
templo.

PRINCIPALES TEMPLOS GRIEGOS

DORICOS
Planta y Templo de Apolo, en Creta, (s. VIII). Áptero, sin columnas
alzado de un Templo de Apolo en Thermos (circa 625 a.C.)
mégaron Templo del Hereón o Heraion , en Olimpia (circa 600 a.c).
Períptero
Claro que arqueológicamente las pruebas nos remiten a los
Templo de Apolo, en Corinto (siglo VI).
siglos VII y VI a,C, donde el templo presenta su forma
definitiva. El templo griego es el resultado de una evolución Templo a Apolo en Delfos (circa 525)
gradual que tiene su inicio en el mundo micénico. Su
evolución es lenta y se identifica con la evolución y el JÓNICOS
desarrollo de la polis griega. Los primeros templos tienen una Heraion o templo de Hera, en Samos (finales s. VII)
relación directa con los mégaron, y desde el comienzo, el
Artemisión, en Efeso (s. VI). Díptero.
templo aparece no como un lugar de reunión de los fieles sino
como un espacio sagrado donde custodiar la imagen de la Templo de Apolo, Sminthe
divinidad. Templo de Apolo en Naucratis
Tesoro de Sifnos, Delfos

CORINTIOS
Templo de Zeus Olbios, Diocesarea
Templo de Zeus Olímpico, Atenas

Planta característica de un templo griego : MONUMENTOS ARQUITECTÓNICOS

Hereda del mégaron la naos o cella, la estancia destinada a
contener la estatua del dios, que es el núcleo del edificio. A Propileos: 437 A.C
esta planta se le van añadiendo estancias para contener los
 de los casos, bajo las órdenes del famoso escultor ateniense
Fidias, autor de la decoración escultórica y de la gran estatua
de Atenea en oro y marfil que estaba situada como pieza
central del templo (medía doce metros de altura y para su
elaboración se necesitaron 1.200 kilogramos de oro).
El Partenón conservó su carácter religioso en los siglos
siguientes y fue convertido en una iglesia bizantina, una
iglesia latina y una mezquita musulmana. Pero en 1687, los
turcos lo utilizaron como depósito de pólvora durante el sitio
veneciano, bajo el mando del almirante Morosini. Una de las
Los propileos son el único acceso occidental a la Acrópolis de bombas venecianas cayó en el Partenón y causó una enorme
Atenas y sustituyeron a los viejos propileos de época explosión que destruyó gran parte de la edificación preservada
Pisístrata. Fueron cubiertos con un pórtico doble y gigante de en buenas condiciones hasta ese entonces.
mármol pentélico. El arquitecto Mnesicles fue quien proyectó Sin embargo, el proceso de erosión no terminó ahí sino que
los pórticos como si fueran fachadas de templos dóricos. El siguió a principios del siglo XIX, cuando el embajador
pórtico exterior tiene una plataforma a cada lado con tres británico en Constantinopla, Elgin, decidió quitar la mayor
columnas jónicas que sostenían un techo de mármol azul y parte de la decoración escultórica del monumento (frisos,
estrellas. Los dos frentes tienen una fachada dórica, hexástila, metopas, frontones) y trasladarla a Inglaterra para venderla al
con el intercolumnio central más ancho, dando paso a la Museo Británico, en donde todavía se exhibe, siendo una de
calzada. El muro de acceso se articula en cinco vanos las colecciones más significativas del museo en la actualidad.
adintelados dispuestos en orden decreciente. Flanqueando la La fachada occidental del Partenón está conservada
escalinata de acceso, encontramos un desarrollado basamento relativamente intacta.
sobre el que se levanta el templo de Atenea Niké.
PARTENÓN: 447 A.C. CARACTERÍSTICAS

Detalle del friso, actualmente en el Museo Británico.

Fachada del Partenón, en la Acrópolis de Atenas.

El Partenón (del griego Παρθενος Parthenos –Virgen–; uno de
los adjetivos que servían de epíteto para Atenea) es el templo
griego situado en la Acrópolis de Atenas dedicado a Atenea,
diosa protectora y epónima de la ciudad de Atenas. Es el
monumento más importante de la civilización griega antigua y
se le considera como una de las más bellas obras
arquitectónicas de la humanidad.
El Partenón es uno de los principales templos dóricos que se
conservan. Sus dimensiones son: 69,5 metros de largo, 31 de
anchura y 10,93 de altura

Historia Esquema del orden dórico en el Partenón de Atenas

El Partenón sustituyó a un templo anterior en el mismo
emplazamiento, conocido como el Pre-Partenón o
Hecatompedón, construido antes de las Guerras Médicas, y
destruido por los persas.

El Partenón visto desde el sur. Réplica del Partenón en Nashville, Estados Unidos
El diseño del Partenón estuvo condicionado inicialmente para
albergar la imagen de oro y mármol de Atenea Polías,
esculpida por Fidias. La colosal estatua de doce metros de
altura precisaba de una inmensa cella de más de 18 metros de
anchura, dividida en tres naves mediante una doble columnata
conformada por dos órdenes superpuestos de estilo dórico. La
nave central medía diez metros de anchura. Dentro de la cella
La construcción del del lado este, la columnata se dispuso en forma de "U" y
monumento, realizada, casi exclusivamente en mármol blanco estaba compuesta por nueve columnas con un entrepaño entre
del monte Pentélico, fue iniciada por Pericles y se desarrolló cada una de ellas, en los lados largos de la "U". Tres columnas
entre los años 447 y 432 a. C. Los arquitectos encargados de con dos entrepaños formaban el lado corto.
la obra fueron Ictino y Calícrates y estuvieron, en la mayoría
En la zona oeste, al fondo del interior de la columnata de exterior dedicado a Pandroso, hija de Cécrope.
cuatro columnas, existía el basamento de la estatua, para el Los antiguos egipcios creían que la diosa Isis, esposa del dios
culto a Atenea Parthenos con un amplio estanque, poco supremo Osiris, les había entregado el árbol, su cultivo y la
profundo, que producía un efecto de brillo mediante el agua forma de utilizar sus frutos, tanto para obtener el preciado
frente a ésta. Ambas cellas estaban cerradas por puertas de aceite, como la condimentación y elaboración de las aceitunas
bronce. de mesa, las cuales consumían en grandes coantidades. Isis
La cella del este estaba dedicada a Atenea Polías (protectora era conocida con el sobrenombre de Atena, que en la antigua
de la ciudad), y la cella del oeste estaba dedicada a Atenea lengua egipcia significaoriginada por sí misma, aludiendo su
Párthenos, "la virgen", por lo cual todo el edificio acabó autosuficiencia, aún en su propia concepción.
siendo conocido como el Partenón. La veneración al olivo fue tal, que los triunfadores de los
La decoración escultórica del Partenón es una combinación juegos olímpicos eran coronados con ramas de olivo, sin
única de las metopas (esculpidas en altorrelieve extendiéndose embargo este simbolismo no fue entendido por un general
por los cuatro lados externos del templo), los tímpanos romano, que al presenciar la coronación de los vencedores,
(rellenando los espacios triangulares de cada frontón) y un exclamó: Jamás conquistaremos a este pueblo que se esfuerza
friso (esculpido en bajorrelieve abarcando el perímetro tanto por tan reducida recompensa.Reemplaza al templo
exterior de la cella). En ellos se representan abundantes arcaico de Atenea Polias que se encontraba entre el Partenón
escenas de la Mitología griega. Además las diversas partes del y el emplazamiento actual y que fue destruido por los persas
templo estaban pintadas de colores vivos. El Partenón, es sin en el 480 a.C. durante las guerras médicas.
duda el máximo exponente del orden dórico, como se puede De planta irregular, por el declive del terreno, consta de tres
apreciar en el diseño del friso o sus columnas. pórticos. Uno de ellos, la cara sur, es la famosa tribuna de las
Esta construcción es uno de los ejemplos más claros del saber Cariátides, que indicaba la tumba del mítico rey Cécrope.
en geometría por parte de los matemáticos y arquitectos Consta de seis columnas con figura de mujer de 2,3 metros de
griegos. Es períptero octóstilo, lo que quiere decir que tiene altura, que sostienen el entablamento. Las que se encuentran
columnas en todo su perímetro, ocho en las dos fachadas más in situ son copias; 5 de ellas se encuentran en el Museo de la
cortas y 17 en las laterales. Consta de una doble cella con Acrópolis, y una en el Museo Británico de Londres.
pronaos y epistodomo, pero con próstilo de seis columnas. Se halla allí también el Paladio, una estatua de Atenea,
Los arquitectos consiguieron que el efecto visual que consagrada por Cécrope, el rey mítico del Ática, y donde se
produjera el Partenón no permitiera la deformación que se cree que ella había caído del cielo; las tumbas de Cécrope y
produce al situarse debajo de grandes monumentos: con de Erecteo; une capilla dedicada a Pándroso, la hija de
certeras alteraciones (columnas no equidistantes, levemente Cécrope; un pozo de agua salada y el olivo sagrado, que
arqueadas hacia el centro, frontón arqueado y estilóbato Atenea dio a la población tras su disputa con Poseidón.
ligeramente convexo) en su construcción lograron obtener el La necesidad de preservar los sitios sagrados, explica
efecto visual perfecto probablemente la complejidad de la concepción. El templo no
Erecteion 421 A.C. está dedicado a una divinidad en particular, sino que está
constituido de varios santuarios. Tres de estos santuarios
están dedicados a Atenea, Poseidón y Zeus La necesidad de
preservar los sitios sagrados, explica probablemente la
complejidad de la concepción. El templo no está dedicado a
una divinidad en particular, sino que está constituido de
varios santuarios. Tres de estos santuarios están dedicados a
Atenea, Poseidón y Zeus. Se supone que los otros dos
santuarios están dedicados a Cécrope y Erecteo, dos famosos
reyes atenienses.
Erecteión data como el resto de la acrópolis de Atenas del
siglo V a. C, es una representación jónica de la casa de
Erecteo según Homero. Erecteo es un antiguo heroe, fundador
de Atenas, a veces también se le identifica con Poseidón. El
Erecteión se encuentra orientado hacia el noroeste, acropolis
Tribuna Cariátides
abajo, hacia el camino sagrado de Elesias. El Erecteion está
situado en el extremo norte de la Acrópolis. La construcción
de este complejo y singular monumento fue confiada a
Mnesikles, autor también de los Propileos. o bien a Calícatres.
La primera fase de los trabajos se inició en el año 421 a.C. y
llega hasta el 414. Interrumpidos los trabajos por las Guerras
Médicas, no se reanudarían hasta el 409 a.C., siendo
finalmente concluido el edificio en el 406. De órden Jónico.
Fue levantado en marmol Pentélico.
Al construirlo representaron los signos de la batalla que
libraron Poseidón y Atenea por el Atica, Zeus prometió el
Atica a aquel Dios que lograra el mayor bien. Así
Su nombre, que quiere decir habitantes de la ciudad de Caria
supuestamente encontramos las huellas de los tres picos sobre
(Καρυές), en Laconia, viene, según se decía, de que siendo
la roca, donde clavó el tridente Poseidón e hizo brotar un
esta ciudad aliada de los persas durante las Guerras Médicas,
manatial de agua salada, a lo que Atenea respondió plantando
sus habitantes fueron exterminados por los otros griegos y sus
un olivo junto a ella. Esta ganó ante el tribunal de los dioses
mujeres fueron convertidas en esclavas, y condenadas a llevar
quedando el cuidado del Atica, ayudada de Cécrope
las más pesadas cargas. Se las representó como tales en las
(posiblemente el primer rey de Atenas) que dio testimonio de
columnas de los edificios.
que ella llegó primero. El olivo se encuentra en el recinto
En 1550, Jean Goujon (arquitecto y escultor del rey Enrique II matemáticamente estudiadas para dar esa sensación de
de Francia) talló unas cariátides en el Louvre, que sostienen la esbeltez, a pesar de su escaso tamaño.
plataforma de los músicos en la sala de los guardias suizos
(actualmente llamada de las Cariátides). Goujon sólo había
conocido las cariátides del Erecteión mediante inscripciones y 1.- Restos del
nunca había visto las originales. Friso
2.- Bastión
El friso del
templo, que
representa a
Atenea, Zeus y Poseidón ayudando a los atenienses, es sin
duda un intento de elevar la moral de la ciudad, que en
aquellos años estaba sumida en otra contienda que acabaría
perdiendo, la Guerra del Peloponeso. Asimismo, el parapeto
del bastión sobre el que se alza el edificio fue decorado con
relieves (entre ellos el de Atena atándose la sandalia)
Templo de Atenea Niké intentando expresar la determinación por la victoria que nunca
El Templo de Atenea Niké, o Atenea Victoriosa (Αθηνάς llegó. Este parmento, obra de la escuela de Fidias muestra sus
Νίκης), conmemora la victoria sobre los persas en la batalla de principales características, como los paños mojados (ya
Salamina (448 a. C.). La idea de su construcción en la esculpidos al trépano) o figuras divinas (como la propia
Acrópolis de Atenas, surgió en el 449 a. C., tras la paz con los Atenea) en acciones "cotidianas" como atarse una sandalia,
persas. Sin embargo, Pericles se opuso al levantamiento del que demuestran el alejamiento del idealismo del primer
mismo y no se comenzaron las obras hasta el 421 a. C., clasicismo
comenzada ya la Guerra del Peloponeso (431-404 a. C.).
El proyecto se le encargó a Calícrates (Καλλικράτης, Stoa de Atalo (Atenas)
arquitecto que también colaboró en la construcción del
Partenón, junto con Ictinos), quien diseñó un templo de orden
jónico que tuvo que adaptarse al pequeño espacio que se le
asignó: un bastión (torreón) de los Propileos, que domina la
subida a la Acrópolis.
En su interior hubo un xoanon, imagen de Atenea
personificada como Niké, o diosa alada, símbolo de las
victorias navales, a la que se cortaron las alas (áptera: sin
alas) para que nunca pudiese abandonar la ciudad. Pero el
templo no estaba destinado a grandes reuniones, para eso tenía Stoa (en griego στοά) es la denominación, en arquitectura
enfrente un altar que permitía celebrar ceremonias al aire libre. griega, de un pórtico.
El templo en su estado actual ha sido fielmente restaurado, Es una de las construcciones más sencillas, un espacio
pero ha perdido parte del entablamento, la cubierta y los arquitectónico de planta rectangular alargada, cubierto,
frontones. conformado mediante una sucesión de columnas (pilares o
• El alzado del templo (de 8 metros de altura): sobre soportes), y muros laterales; solía formar parte de espacios
la plataforma escalonada o krepidoma, se asientan los públicos, como plazas, gimnasios y jardines. Normalmente se
muros y las columnas jónicas de mármol compuestas encontraba en el ágora. Como espacio público, protegido del
de basa, fuste monolítico con acanaladuras de sol y la lluvia, servía para entablar relaciones y, a veces,
ángulos matados y capitel con volutas. El establecer puestos de comercio.
entablamento consta de un arquitrabe de tres bandas, De una de las stoai atenienses, la Stoa Pecile, deriva el
un friso corrido que tuvo una decoración mitológica nombre del estoicismo, pues en ella el filósofo Zenón de Citio
alusiva a las guerras Médicas y una cornisa, sobre impartía sus enseñanzas a sus discípulos.
ella los frontones dedicados a Atenea. Palestra de Olimpia S. III A.C.

Alzado reconstruido hipotéticamente Planta

La

Palestra
La palestra (en griego παλαίστρα) era la
escuela de lucha en la Grecia Antigua.
planta, de muy pequeñas Los eventos que no requerían mucho
dimensiones, es propia de un templo anfipróstilo-tetrástilo, en espacio, tal como la lucha y el boxeo,
el que tanto el vestíbulo delantero (pronaos) como el trasero se practicaban allí. La palestra
(opistodomos) se convierten en pequeños pórticos. La cella o funcionaba independientemente o
sala de la diosa, es casi cuadrada (4 x 4 metros). Es, por tanto, como una parte de los gimnasios públicos.
un templo muy pequeño, de dimensiones humanas; muy Una palestra podía existir sin pertenecer a
armonioso en sus proporciones. Todas las medidas están
un gimnasio, pero ningún gimnasio podía existir sin tener una
palestra.
La Palestra como centro atlético, cultural y social
La palestra era una característica prominente de la sociedad
griega, el significado de la competición atlética -y, por
extensión, de la belleza física- traducida a la importancia del
edificio en sí mismo. El estatus del evento específico, la lucha,
realizado en la palestra se agregó a la importancia del edificio.
La lucha era uno de los más antiguos y más extensamente Grabado coloreado a mano por Martin Heemskerck (siglo
XVI)
difundidos de los deportes del mundo griego.
Con el paso del tiempo, el papel de las palestras como espacio Según los historiadores, la vida de Mausolo no tiene nada
destacable exceptuando la construcción de su tumba. El
educativo y social fue también aumentando. Aunque las
palestras continuaron funcionando como escuelas de lucha, proyecto fue concebido por Artemisia II de Caria, su esposa y
hermana. La construcción pudo haber comenzado durante el
también albergaron conferencias y discusiones filosóficas e
intelectuales, y este papel educativo asumió gradualmente el reinado de Mausolo y pudo haber sido terminado alrededor de
350 a. C., tres años después de la muerte de Mausolo y un año
control de la función del edificio. Los suelos y paredes de la
palestra eran adornados con famosos atletas, dioses y héroes, después del fallecimiento de Artemisia.
La construcción de esta monumental tumba fue encargada a
tales como Apolo, Hércules o Heracles, y Hermes. Eros
también fue incluido, para honrar al “dios más antiguo” y a los arquitectos Sátiros y Piteos, quienes construyeron una
estructura rectangular de 30 por 40 m, sobre ella 117
quién gobernó sobre las amistades pederastas que hombres y
jóvenes (efebos) fomentaron a menudo en el ambiente de la columnas jónicas en dos hileras sosteniendo el techo en forma
de pirámide escalonada, y sobre este último la estatua de una
palestra. La música era a menudo parte de los entrenamientos
y las competiciones. cuadriga con las efigies del rey y la reina, alcanzando en
conjunto unos 50 m de altura. Para completar esta maravilla,
Arquitectura de la Palestra
La arquitectura de la palestra, aunque permitiendo ligeras los mejores escultores griegos de la época tallaron figuras y
relieves en su estructura.
variaciones, seguía un determinado plan estándar. La palestra
esencialmente consistió en un edificio de planta rectangular Soportó las invasiones y destrucción de la ciudad por parte de
Alejandro Magno, los bárbaros y los árabes, pero, finalmente,
construido alrededor de un patio porticado con habitaciones
adyacentes. Estos cuartos pudieron albergar una variedad de fue destruido por un terremoto en el año 1404.
Durante el siglo XIV los Caballeros de San Juan lo terminaron
funciones: baños, juegos de pelota, vestuario y almacenaje de
ropas, asentando para socializar, observación, o instrucción, y de demoler y utilizaron los restos para la construcción del
Castillo San Pedro de Halicarnaso. Durante esta época, se
almacenaje de aceite, polvo o de equipo atlético. Vitruvio, con
su libro De Architectura, es una importante fuente antigua encontraron una serie de túneles, debajo de la construcción,
que llevaban a los sarcófagos de los difuntos reyes. La tumba
sobre este tipo de edificios y proporciona muchos detalles
sobre lo que él llama palaistra, a estilo griego. Aunque las fue saqueada por ladrones y por eso hoy ya no quedan restos
de ella.
especificaciones de sus descripciones no se corresponden
siempre con la evidencia arquitectónica, probablemente esto La estatua superior y algún friso se salvó, hoy se puede
admirar en el Museo Británico en Londres.
es debido a que escribía alrededor del año 27 a. C., su relato
proporciona una visión del diseño general y usos de este tipo Altar de Zeus en Pérgamo (Berlín) 241-197 A.C.
Teatro de epidaurao
de espacios. Como Vitruvio describe, la palestra tenía forma
cuadrada o rectangular con columnas a lo largo de sus cuatro
lados, creando pórticos. El pórtico del lado norte de la palestra
tenía doble profundidad para proteger mejor contra las
inclemencias del tiempo. Los pasillos espaciosos (exedrae)
eran construidos a lo largo de los lados de profundidad simple
de la palestra, con asientos para los que gozaban de búsquedas
intelectuales, y el lado de doble de la profundidad estaba
divididos en un área para las actividades de los jóvenes
(ephebeum), un área para el saco de golpeo (coryceum), un
Teatro de Epidauro
cuarto para la aplicación de polvos (conisterium), un cuarto
para los baños fríos, y un almacén para el aceite El teatro de Epidauro es un teatro antiguo de Argólida,
edificado en el siglo IV a. C. para acoger las Asclepeia,
(elaeothesium).
Buenos ejemplos de este tipo de edificio se dan en dos de los concurso en honor del dios médico Asclepio. Es el modelo de
numerosos teatros griegos.
más importantes sitios griegos: Olimpia y Delfos.
Mausoleo de Halicarnaso: 353 A.C. Teatro de Epidauro.

El mausoleo de Halicarnaso era una tumba monumental de

mármol blanco, considerada una de las Siete Maravillas del A principios del siglo IV a. C., tenía lugar una fiesta
Mundo Antiguo. Fue construida en honor a Mausolo (en panhelénica cada cuatro años en Epidauro, en el santuario de
griego Μαύσωλος Maúsōlos), rey de Caria. Asclepio, las Asclepeia, que combinaban pruebas gimnásticas
y musicales.
El teatro fue concebido por el arquitecto y escultor Policleto el • Se desarrolla el arte escultórico y llega a su máximo
Joven que lo situó a 500 m al sudeste del santuario de esplendor.
Asclepio, sobre un lugar que permitió adosar el koilon • Se mantiene la figura humana como tema central.
(conjunto de gradas) en el flanco de la colina. Los trabajos • Materiales más variados: piedra, mármol, bronce...
comenzaronn hacia el 330 a. C.
El teatro y el santuario fueron saqueados en 267 por los
• Expresión de movimiento. Idealización de la figura
humana, basada en la proporción, la belleza y la
hérulos, después en 395 por los godos de Alarico I. Sin
armonía: canon de Policleto (la altura del cuerpo
embargo, los estragos quedaron limitados. De todos los teatros
equivale siete veces a la altura de la cabeza)
antiguos, el teatro de Epidauro es el mejor conservado y está
poco restaurado. La pinada con la que estaba recubierto • Humanización de la escultura, que adquiere rasgos
consiguió que no fuera destruido. expresivos y más redondeados: curva praxiteliana
Hasta principios del siglo XIX, el teatro se consideraba
desparecido. Después un viajero inglés, W. Gell, rebeló el Obras y artistas del periodo clásico
plano de las ruinas. Es en este mítico lugar donde la • El Auriga de Delfos
independencia de Grecia fue proclamada en 1822. • Estatua de Posidón
Estructura • “Zeus” de Fidias
El edificio pudo contener tras la construcción de un terraplén • “Atenea Pensativa” de Mirón
y de gradas suplementarias, 14000 espectadores. Se compone • El “Discóbolo” de Mirón
de una orchestra (la escena) circular de tierra batida de casi 20 • (copia romana)
m de diámetro, rodeada por gradas en herradura, divididas en • El “Discóbolo” de Mirón (copia romana)
dos niveles por un pasillo, el diazoma. El nivel inferior cuenta
• El “Diadúmeno” El “Doríforo” (Policleto)
con 32 filas de gradas, divididas en 12 kerkidès por 11
• Hermes
escaleras. El nivel superior cuenta con 20 filas de gradas y 22
kerkidès. Las gradas existen aún en gran parte. El edifico de la • Sátiro en reposo
escena es de piedra y está dotado de un piso, con dos salidas • Afrodita de Cnido
laterales provistas de puertas.
La acústica del teatro de Epidauro es excepcional, permite a PERIODO HELENÍSTICO (SIGLO IV-III a. C.)
los últimos espectadores de arriba de las gradas oír y
distinguir a los actores hablando en voz baja. Actualmente aún El cuarto período que es el de difusión se llama también
tienen lugar representaciones. alejandrino y helenístico por corresponder a la época de
El edificio se ha convertido en el símbolo del teatro griego helenismo abierta por Alejandro, entre sus principales
antiguo. características tenemos:
Se convirtió en el lugar de concentración judía en la década de • Evolución de la escultura clásica.
1960. • Retratos de personajes históricos y mitológicos.
• Relieves que representan escenas mitológicas y
ESCULTURA GRIEGA guerreras de gran dramatismo y realismo en su
expresión.
Características
• Toma como tema central la figura humana En él, las escuelas salen de Grecia y figuran principalmente en
• Representa a dioses, diosas, héroes y personajes Pérgamo, Rodas, Tralles, Antioquía y Alejandría,
mitológicos con forma humana. distinguiéndose por su realismo, alguna exageración en las
• Busca siempre la perfección en las proporciones, la actitudes, predilección por las escenas trágicas o dolorosas y
belleza y la serenidad (sofrosine). cultivo por el retrato.
• Las esculturas griegas fueron realizadas en bronce y
en mármol (los relieves), pero hoy sólo las OBRAS Y ARTISTAS DE PERÍODO HELENÍSTICO
conocemos a través de copias romanas en piedra.
VENUS DE MILO
La Afrodita de Milos (griego: "Αφροδίτη της Μήλου"), más
conocida como Venus de Milo es una de las estatuas más
PERIODO ARCAICO (SIGLOS VII-VI a. C.) representativas del periodo helenístico de la escultura griega, y
una de las más famosas esculturas de la antigua Grecia. Fue
• Predominio de las figuras jóvenes: los muchachos creada en algún momento entre los años 130 y 100 a. C., y se
(kuros) desnudos; Las figuras femeninas (koré)
cree que representa a Afrodita (denominada Venus por los
vestidas con túnicas o mantos con minuciosidad en
romanos), diosa del amor y la belleza. Esculpida en mármol
los pliegues.
en un tamaño ligeramente superior al natural, el autor es
• Estatismo: no hay sensación de movimiento. anónimo, aunque tradicionalmente se ha atribuido a Praxíteles.
• Destaca la “sonrisa arcaica”, llamada así por la Actualmente se encuentra en el Louvre de París.
forma de los labios.
Descubrimiento y autoría
Obras y artistas del periodo arcaico La estatua se encontró semienterrada, en dos pedazos, el 8 de
• Kuros de Milos abril de 1820 en la isla egea de Melos, llamada también Milo,
• Kuros de Anavysos por un campesino llamado Yórgos Kendrotás. Cerca de la
estatua se encontraron un fragmento de un antebrazo y la
• Kuros llamado El “Moscóforo” mano con una manzana (En lengua griega, Μήλο significa
• Koré llamada del “Peplo” literalmente manzana) y estos restos son considerados parte de
• Detalle de la llamada sonrisa arcaica sus brazos. El brazo derecho se piensa que sostenía la túnica,
mientras el izquierdo sostenía la manzana del Juicio de Paris,
PERIODO CLÁSICO (SIGLO V a. C.) manzana que el troyano Paris hubo de ofrecer a la mismísima
Afrodita en testimonio de su decisión en el mítico juicio de Cnidia de Praxíteles donde puede estar su primera fuente de
bellezas al que fue sometido. Lo cierto es que no está claro si inspiración, ya que este modelo iconográfico gozó de gran
los brazos pudieron perderse despúes del hallazgo moderno de éxito y fue muy imitado incluso siglos después. También
la escultura: Yórgos dejó una mitad de la Venus en el mismo puede inspirarse en la Afrodita de Capua de Lisipo, extremo
lugar donde la había encontrado por no poder desenterrarla, que no excluye la influencia praxiteliana toda vez que ciertas
pensemos que el conjunto tenía un peso de 900 kilos, y la otra corrientes del helenismo escultórico recurrieron a modelos
mitad la llevó al establo, ofreciéndo en primer lugar la venta clásicos en un intento por volver sus ojos a la época de
de la estatua a un clérigo ortodoxo. En aquéllos momentos se máximo esplendor griego.
estaba librando la última etapa de la Guerra de la
Independencia de Grecia del Imperio Otomano, y el clérigo VICTORIA ALADA DE SAMOTRACIA
griego contactó, para eludir a las autoridades turcas, con un Victoria alada de SamotraciaLa Victoria alada de Samotracia,
oficial naval francés Jules Dumont, quien enseguida reconoció también conocida como Victoria de Samotracia y Niké de
su valor y arreglaron supuestamente entre ambos una oscura Samotracia, es una escultura en bulto redondo perteneciente a
compra por el embajador francés en Constantinopla, el la escuela rodia del periodo helenístico. Se encuentra en el
Marqués de Riviere. Esta es la versión oficial, aunque algunos Museo del Louvre, París. En griego la estatua se denomina
historiadores apuntan a que la estatua salío de la isla por la Nike tes Samothrakes (Νίκη της Σαμοθράκης).
fuerza, perdiendo los dos brazos al golpearse contra las rocas.
Lo cierto es que después de algún trabajo de reparación, la Tiene una altura de 245 cm y se elaboró en mármol hacia el
estatua fue presentada al Rey Luis XVIII en 1821. Finalmente, 190 a. C. Procede del santuario de los Cabiros en Samotracia.
el Rey la entregó al Museo del Louvre en París, donde todavía Algunos expertos la atribuyen con cierta probabilidad a
se muestra hoy a la admiración pública. La Afrodita de Milo Pithókritos de Rodas. Fue descubierta en 1863 en la isla de
salió de Grecia el 1 de marzo de 1821, apenas veinte días Samotracia (Samothraki, en griego) por el cónsul francés
antes de que la Grecia moderna declarara su independencia del Charles Champoiseau, un arqueólogo aficionado.
Imperio Otomano, el 25 de marzo de ese mismo año. Pocos
años antes, en 1815, el Museo del Louvre había tenido que Aunque cuando se descubrió se pensó que fue mandada
devolver a Italia, su lugar original, otra escultura famosa, la esculpir por Demetrio Poliorcetes para conmemorar su triunfo
llamada Venus de Médici, traída a París por Napoleón naval en Salamina sobre la flota de Ptolomeo Sóter en el año
Bonaparte y que la restaurada monarquía francesa había 306 a. C., porque figuraba en las monedas emitidas del 294 al
devuelto a Italia. 288 a. C., la datación de la escultura hacia comienzos del siglo
II antes de Cristo hace más lógico pensar que en realidad se
La autoría no está clara, porque junto a ella se encontraron labró para celebrar las victorias sobre Antíoco III Megas.
otros fragmentos con inscripciones que mencionaban a dos
artistas de Antioquía llamados Agesandros y Aleixandros, La figura femenina de la Victoria con alas se posa sobre la
aunque se desconoce si éstos eran lo autores de la obra o de proa de un navío, que actúa de pedestal de la figura femenina,
otros pedestales colocados más tarde junto a la estatua. Se ha cuyo cuerpo presenta una leve y graciosa torsión. Va envuelta
llegado a atribuir incluso a Scopas, escultor clásico del siglo en un fino chitón y un manto, ropajes que se adhieren al
IV a. C., aunque en ella no se detecta el pathos característico cuerpo dejando traslucir su anatomía, tratamiento éste que
de este autor. recuerda a la denominada técnica de «paños mojados»
atribuida a las obras de Fidias. El manto forma un rollo sobre
Fama y restauración el muslo derecho para caer luego entre las piernas, dando
La gran fama de la estatua en el siglo XIX no era simplemente lugar a una composición muy característica en otras figuras
el resultado de su reconocida belleza, sino también en gran femeninas de la misma época.
parte debido a un mayor esfuerzo de propaganda por parte de
las autoridades francesas. En 1815 Francia había perdido la Las ropas agitadas por el viento configuran el dramatismo,
Medici Venus, considerada como uno de las esculturas esta vez gozoso, tan característico de la escuela escultórica
clásicas más finas en la historia, que había sido saqueada de rodia, una de las más barrocas del helenismo.
Italia por Napoleón Bonaparte. Tras la caída de Napoleón, la
Medici Venus había sido devuelta a los italianos. Los Marinetti, en el manifiesto futurista publicado en Le Figaro en
franceses promovieron conscientemente la Venus de Milo 1909, utilizó esta obra para condensar su ataque a la estatuaria
como un tesoro más grande que el que ellos habían perdido y, por extensión, al arte tradicional de tipo clasicista, en
recientemente. Fue alabada debidamente por artistas y críticos, beneficio de un nuevo arte que rindiese culto a los progresos
que la consideraron como el paradigma de la belleza femenina técnicos de la industrialización, connotados por la velocidad y
elegante. Sin embargo, otros estudiosos como Pierre-Auguste las máquinas. Así, puede leerse que «un automóvil de carreras
Renoir la calificaron de gendarme grande. es más hermoso que la Victoria de Samotracia».
Hay que precisar que una de sus alas, al menos en parte, no es
Características original sino producto de una restauración.
Tiene una altura de 204 cm y como se ha dicho antes, un peso Como curiosidad, cabe señalar que la conocida marca
aproximado de 900 kilos, se labró en mármol de Paros, deportiva Nike, toma su nombre y su logo (en forma de ala) en
posiblemente hacia finales del siglo II antes de Cristo. Está honor a ésta escultura.
tallada en fragmentos, algo usual en la época a imitación de
las esculturas crisoelefantinas del periodo clásico. EL GRUPO LAOCOONTE Y SUS HIJOS
Laocoonte (o Laoconte) y sus hijos es un grupo escultórico
Aparece semidesnuda y con perfil y reposada expresión realizado por Agesandro, Polidoro y Atenodoro de Rodas. Es
clásica en su rostro, sin embargo, su ligera contorsión da lugar de mármol y de tamaño mayor que el natural. Se encuentra en
a una figura levemente serpentinata, rasgo típicamente los museos Vaticanos.
helenístico. El manto, que cae cubriendo la zona púbica y
piernas, la convierten en una Venus púdica como la Afrodita Testimonio antiguo
El autor romano Plinio el Viejo, en su obra enciclopédica hallazgo de 1957 en Sperlonga de fragmentos de esculturas
Historia Natural, XXXVII, 37, escribió sobre la obra que vio realizadas con una técnica similar al Laocoonte y sus hijos.
en el palacio del emperador Tito hacia el año 70 :
Restauraciones
Debe ser situada por delante de todas , no sólo del arte de la Se decidió restaurar y hubo controversia sobre cómo debería
estatuaria sino también del de la pintura. Fue esculpida en un haber sido el gesto del brazo que faltaba al padre. Amico
solo bloque de mármol por los excelentes artistas de Rodas Aspertini realizó un dibujo en el que la posición del brazo
Agesandro, Polidoro y Atenodoro y representa a Laocoonte, estaba doblado y Baccio Bandinelli realizó una copia de todo
sus hijos y las serpientes admirablemente enroscadas. el grupo escultórico (hoy en la galería de los Uffizi de
Florencia), en posición parecida. Mientras Miguel Ángel
Descubrimiento realizó un brazo también doblado pero no se atrevió a ponerlo
Este grupo escultórico se creía perdido pero fue descubierto el (actualmente expuesto junto al grupo escultórico).
14 de enero de 1506 en un terreno propiedad de Felice de Una primera restauración realizada por Bandinelli con cera
Fredis que se encontraba en el Esquilino romano, que en donde representó el brazo doblado fue modificada en 1532 por
tiempos antiguos había sido parte del palacio de Nerón y Giovanni Angelo Montorsoli, que realizó la restauración en
luego de la casa del emperador Tito. Fue identificado por terracota y con el brazo de Laoconte estirado. Entre los que
Giuliano de Sangallo como el Laocoonte del que el autor criticaron esta restauración se encontraba Tiziano, que realizó
Plinio el viejo dijo que prefería a cualquier otra obra. Miguel un dibujo en el que representaba a Laoconte y sus hijos como
Ángel también se hallaba presente en el momento en que se si fueran tres monos.
sacó a la luz . La obra fue adquirida poco después por el papa En 1796 el grupo escultórico fue trasladado a París como
Julio II por una gran cantidad monetaria (más de 600 botín del ejército de Napoleón durante su campaña en Italia,
ducados). sin los elementos añadidos, pero en 1816 regresó a Roma y se
le volvieron a colocar los brazos extendidos de Cornachini.
Datación En 1906 el arqueólogo Ludwig Pollak encontró el brazo
La datación de la obra es controvertida: en principio se izquierdo original que faltaba y en 1960 se concluyó una
fechaba en el siglo I a. C. porque se conservaban firmas última restauración, dirigida por Filippo Magi, donde se
pertenecientes a ese siglo de un escultor de Rodas llamado añadió el brazo original y se suprimieron todas las partes no
Atenodoro, hijo de Agesandro. Pero en 1954 Gisela Richter originales.
señaló que los nombres de Atenodoro y Agesandro fueron
muy corrientes en Rodas durante varias generaciones, y Interpretación
además apreciaba gran proximidad de la obra con un friso que Laocoonte y sus hijos, pintado por el GrecoEn los mitos
representa la lucha entre dioses y Gigantes del altar de Zeus en griegos se relata que , durante el asedio de Troya, dos
Pérgamo. Concretamente la expresión y las características del serpientes son enviadas por Atenea o por Apolo y atacan al
rostro de Laocoonte son muy similares al gigante que Atenea sacerdote troyano de Apolo, llamado Laocoonte, y sus dos
agarra por el pelo , así como las serpientes tienen equivalentes hijos. Las versiones que relatan este episodio son numerosas y
en el mencionado altar. Por ello lo dató en el mismo periodo se discute si el grupo escultórico debió haberse basado en el
que éste (siglo II a. C.) relato de Virgilio en La Eneida en el que morían Laoconte y
Sin embargo también se aprecian claras diferencias con la sus dos hijos, o en una versión anterior narrada en un poema
escultura de Pérgamo: un rostro de Laocoonte más vibrante perdido del ciclo troyano, la Iliupersis, donde morían
que el de los gigantes de Pérgamo, diferencias en la técnica Laoconte y uno solo de los hijos. También la fuente pudo
del modelado de la cabellera y un papel poco importante de haber sido una tragedia perdida.
las ropas del grupo del Laoconte en comparación con el grupo
de Pérgamo. Virgilio, en el libro II de la Eneida, relata así el ataque de
Además, se ha demostrado que, a pesar de que la mayor parte las serpientes:
de la escultura se hizo con mármol de Rodas, uno de los Ellas, con marcha firme, se lanzan hacia Laocoonte; primero
bloques usados es mármol de Luni, de origen italiano, (lo cual se enroscan en los tiernos cuerpos de sus dos hijos, y rasgan a
no concuerda con lo descrito por Plinio, que solo distinguió un dentelladas sus miserables miembros; luego arrebatan al padre
bloque de mármol) y que este mármol no se explotó antes de que, esgrimiendo un dardo, iba en auxilio de ellos, y lo sujetan
la época de Augusto. De enorme relevancia fue, en 1957, en la con sus enormes anillos: ya ceñidas con dos vueltas alrededor
llamada gruta de Tiberio en Sperlonga (en la costa del Lacio al de su cuerpo, y dos veces rodeado al cuello el escamoso lomo,
sur de Roma) el descubrimiento de grandes fragmentos de todavía exceden por encima sus cabezas y sus erguidas
otros grupos escultóricos con la firma de los tres escultores cervices. Pugna con ambas manos Laocoonte por desatar
mencionados por Plinio: aquellos nudos, mientras chorrea de sus vendas baba y negro
• Atenodoro, hijo de Agesandro, y Agesandro, hijo de veneno, y al propio tiempo eleva hasta los astros espantables
Peonio, y Polidoro, hijo de Polidoro, rodios, lo clamores...
hicieron. EL TORO FARNESIO
La inscripción, según la mayoría de los epigrafistas, debe Es una escultura enorme atribuida a los artistas rodios
pertenecer al siglo I después de Cristo, por tanto los autores Apolonio de Tralles y su hermano Taurisco. Se sabe esto
debieron pertenecer a ese siglo. gracias a los escritos de Plinio el Viejo. Narra que fue
También se ha sugerido que podría ser copia o variante libre encargado al final del siglo II a. C. y esculpido de un solo
romana de un original helenístico de los siglos II - III a. C. bloque de mármol. Pertenece al periodo helenístico. Fue
En el año 2005 la investigadora estadounidense Lynn importado desde Rodas como parte de la increíble colección
Catterson realizó una conferencia donde lanzó la hipótesis de de arte y esculturas propiedad de Asinio Polión, un político
que el grupo escultórico podría ser una falsificación realizada romano que vivió durante los años entre la la República y el
por Miguel Ángel, basada en una serie de datos que la Principado. Está ampliamente considerada la más grande
relacionan con él. Sin embargo esta hipótesis parece ignorar el escultura individual recuperada de la Antigüedad.
Grabados semejantes a este, datados en el año 1633, Estudio muy realista del rostro.
popularizaron la imagen.Se encontró en el año 1546 en las Análisis anatómico que conserva un recuerdo de las
Termas de Caracalla en Roma durante las excavaciones proporciones ideales del clasicismo.
encargadas por el papa Pablo III con la esperanza de encontrar Pero el desenfado completo en la actitud, con el cuerpo
esculturas antiguas que adornaran su residencia romana. yaciendo en desorden sobre la roca, descuidado de toda
Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional estructura que lo sostenga, es algo muy novedoso.
de Nápoles.
Niño de la Oca
PRINCIPALES ESCUELAS ARTÍSTICAS Boeto de Calcedonia, que firmó bases en Lindos y en Delos, y
que retrató a Antíoco IV Epífanes de Siria, debe la
ESCUELA DE PÉRGAMO inmortalidad sobre todo al conocido grupo del Niño de la oca,
Actual Bergama (Turquía), fue durante los siglos III y II a.C. llegado a nosotros en varias copias. Debía de ser un tema
una de las ciudades más prósperas del mundo helenístico, y en bastante común, que tenía su lugar en los santuarios de
ella va a surgir quizás la más importante de todas sus escuelas. Asclepio, pero la obra de Boeto logró un éxito muy particular:
las carnes realistas y blandas del niño, el uso -un tanto irónico-
Esculturas Representativas de la estructura piramidal que se empleaba en Pérgamo para
Gálata Moribundo plasmar gestas heroicas, todo hubo de contribuir a su fama.
Defensora de las polis griegas frente a los celtas (gálatas) "El grupo original en bronce, con su esquema en pirámide y
hacia la mitad del S.III, se convierte en una nueva Atenas, sus ritmos helicoidales, contraponía el brillante y blandísimo
ensalzando sus victorias militares con las representaciones de desnudo del rollizo niño al opaco colorismo del suave plumaje
los enemigos derrotados. La importancia de la victoria era de la oca, y el tema adquiría el tono juguetón de un epigrama"
proporcional a la fuerza y la ferocidad de los vencidos. según G. Becatti.

Gálata Herido Laocoonte y sus hijos

Los escultores de la escuela de Pérgamo crearon un estilo Uno de los mejores ejemplos del barroquismo helenístico:
basado en estructuras de tipo piramidal, variados puntos de grupo escultórico lleno de dramatismo, que explora en las
vista, estudiadas combinaciones de realismo y un dramatismo emociones humanas y la expresividad de rostros y cuerpos
en unas ocasiones teatral y, en otras, contenido. atormentados, cargado también de desequilibrio compositivo y
movimiento.
“Marsias y el escita”
Nos encontramos de nuevo con el análisis de una raza no
griega, un asiático, y lo que es más interesante: un estudio ESCUELA DE ALEJANDRÍA
anatómico de un cuerpo colgado de las manos llamado a tener Alejandría. Hay esculturas con gran influencia praxiteliana,
una gran proyección en el arte europeo. como el grupo del río Nilo. Otro aspecto interesante
lo constituyen las figuras grotescas y los relieves con
CIUDAD DE PÉRGAMO escenas alusivas al teatro, influidos por la Nueva
En el S.II, Pérgamo acrecentó su poder y se convirtió en un Comedia de Menandro. Enanos contrahechos,
verdadero conjunto monumental, del que sobresale: "El Altar danzarinas, pícaros, todo el hampa y también lo más
de Zeus", un gigantesco podio macizo -de unos 7 m. de alto- humilde de la sociedad alejandrina.
con una amplia escalera para salvar el desnivel.
Dios Nilo
Gigantomaquia
En el friso que decora el podio (más de 120 m.) se relata El mito griego de los ríos se simboliza en el río-dios Aqueloo.
mediante altorrelieve la Gigantomaquia, es decir, la lucha Éste suele representarse en forma de toro o de serpiente con
entre dioses y gigantes, versión mitológica del triunfo de los rostro humano, de cuya barba corren chorros de agua.
reyes de Pérgamo sobre la barbarie de los celtas invasores. Aqueloo estaba enamorado de Deyanira, bellisima doncella
con muchos pretendientes e hija de Dionisio. Heracles
ESCUELA DE RODAS (Hércules para los romanos), cuando la conoció, se enamoró
Activo puerto mediterráneo, gobernada por acaudalados de ella también. Aqueloo no estaba dispuesto a ceder a su
comerciantes deseosos de hacer fuentes y monumentos prometida y le hizo frenta a Heracles. El amor y la rabia llevó
públicos, templos y también adornos para los jardines y a Aqueloo a metamorfosearse en forma de una sinuosa
pórticos de sus mansiones. serpiente que, con sus silbidos, intentó amedrentar a Heracles.
Éste, para el que vencer serpientes era trabajo desde su cuna,
Esculturas Representativas intentó ahogarle apretandole la garganta. Aqueloo, que se
sentía vencido, en un último intento de resistir al héroe y
Victoria de Samotracia retener a su deseada Deyanira, se volvió a metamorfosear, esta
De estructura ondulante, ascendente; sus finísimas telas vez en forma de toro salvaje, que arremete con violencia
pegadas por el viento al cuerpo, crean un efecto que supera contra Heracles. No se amedrenta el héroe, que consigue
incluso en fuerza y en realismo la técnica clásica de "paños hacerle girar el cuello y enterrarle un cuerno en la tierra. No se
mojados"; sabe si fue la inercia de la masa del toro lo que rompió un
Efecto teatral del entorno: colocada sobre su nave, la figura cuerno del mismo, o la potente mano diestra del héroe, que le
aparecía en un templete, como metida en una hornacina y arrancó el cuerno derecho. El hecho fue que Aqueloo,
destacando sobre un fondo oscuro; y delante de ella, al pie de sientiendose vencido, se alejó del lugar de la lucha, y Heracles
la proa, se abría un estanque del que surgían rocas y por el que se llevó a su deseada Deyanira, con la que marchó a Efira.
corrían cascadas de agua. Con ella tuvo cinco hijos y grandes aventuras. Pero
regresemos al cuerno abandonado arrancado de la cabeza de
Fauno Barberini nuestro río Aqueloo y, para él, símbolo de derrota y amargura.
Las náyades o ninfas, lo veian como símbolo del valor del fueron sus eromenoi. Uno es Agorácrito quien es también
enamorado río en defensa de su amada. Se apiadaron del conocido por su escultura de Némesis en Ramnous.[1] Otro
desconsolado y le hicieron un homenaje llenando el cuerno de amado, incluso más estrechamente relacionado con el escultor,
flores y frutos. Este cuerno, quedó como símbolo de la es Pantarkes, un joven elio y ganador del combate de lucha
abundancia. juvenil en las 86.ª Olimpíadas en 436 a. C. Pausanias[2]
informa de una tradición según la cual el chico fue el modelo
La interpretación del símbolo de Aqueloo es evidente cuando para una de las figuras esculpidas en el trono del Zeus
por el río discurren caudales bajos, su "talweg" adopta un Olímpico. Otra tradición, narrada por Clemente de Alejandría,
trazado sinuoso y ondulante, como el de una serpiente que se presenta a Fidias tallando «Kalos Pantarkes» («Pantarkes es
arrastra lentamente, materializándose en forma de meandros. guapo») en el dedo corazón del dios. Su primera gran obra fue
El río asi conformado es facilmente vencible y domesticado una colosal Atenea Lemnia, para la Acrópolis de Atenas, en
por una pequeña actuación humana. Cuando el caudal crece y 460 a. C. Luego, Pericles lo escoge para que cree unas
llega una gran avenida, ésta actúa como un gran toro y, con la estatuas para el Partenón, pero también para que supervise el
fuerza de la gran masa de agua, rectifica la alineación de la conjunto de trabajos escultóricos. Lleva a cabo personalmente
curva del meandro, pudiendo causar grandes estragos. El la estatua criselefantina, es decir, hecha de oro y marfil, de
cuerno de Aqueloo es el símbolo de la abundancia desde una Atenea Partenos, consagrada en 438 a. C., y hace las maquetas
concepción agricola, pues, después de las grandes crecidas del para los dos frontones, las 92 metopas y el friso. Supervisa
Nilo, los campos inundados quedan con una capa de con detalle la ejecución que lleva a cabo su taller antes de
materiales finos que serán nutrientes para los mismos. ¿por marcharse en 437 a. C. a Elis y Olimpia, donde realiza su
qué en la actualidad nos sobrecoge ver una zona inundada y en estatua crisoelefantina de Zeus olímpico, una de las Siete
la antigüedad, los ríos eran considerados dignos de ser maravillas del mundo y de la que solo queda la descripción de
dioses?. Pausanias y pequeñas reproducciones. Casi todas las
esculturas que se conservan están en el Museo Británico de
Esta representación del río Nilo se va repitiendo en el mundo Londres.
romano con el río Tiber, cuyo símbolo es una loba con los A su regreso a Atenas en 433 a. C., se le utiliza en una
niños Rómulo y Remo. Se encuentra expuesta en el Museo del maniobra para desacreditar a su protector Pericles. Se le acusa
Louvre en París, me dijo el guía que no era lógico que en primer lugar de haber robado parte del oro de la Atenea
estuviera alli y lo están reclamando para traerla de vuelta a Partenos. Tras ser exculpado tras pesar las partes de oro, se le
casa. vuelve a acusar, esta vez de blasfemia y en esta ocasión sale
mal parado, ya que se había representado a sí mismo, junto a
Tanagras Pericles, en mitad de la amazonomaquia, en el escudo de la
diosa. Condenado a la cárcel, se exilia luego (430 a. C.) a
Estatuilla en terracota característica del arte de Grecia y Asia Olimpia, donde hallará la muerte.
Menor durante los períodos clásico, tardío y helenístico. Las Sobre su muerte hay dos relatos discrepantes. Según Plutarco
tanagras representan figuras humanas en actitudes cotidianas fue atacado por los enemigos políticos de Pericles, y murió en
delicadamente tratadas y policromadas, y especialmente una prisión de Atenas, pero según Filocoro, tal como lo cita el
mujeres con elegantes vestimentas. Se denominan así porque escoliasta en Aristófanes, huyó a Elis, donde hizo la gran
los primeros ejemplares se hallaron en Tanagra. estatua de Zeus para los eleos, pero fue después asesinado por
ellos. Por varias razones la primera de estas historias es
preferible: no habría sido posible para él haber muerto en
prisión inmediatamente después de la creación de la Atenea
Partenos en la Acrópolis, pues hizo el Zeus de Olimpia
después de su trabajo en el Partenón.

Neoaticismo

Corriente artística surgida en Atenas hacia mediados del siglo

II a.C, sobre las premisas de un gusto clasicista que reconocía
en las obras de los siglos V y VI modelos para imitar y copiar.
Se caracterizó por un marcado intelectualismo y una excesiva
conciencia del pasado y es característico la composición
ESCUELA DE ATENAS paratáctica de las obras decorativas y la reducción a un estilo
único de modelos tipológica y cronológicamente diferentes. El
Destaca el escultor Apolonio, con obras como el Torso neoaticismo se extendió a Roma en el período de Augusto.
Belvedere y el Pugilista, de extremo realismo, mostrando el Artistas neoáticos produjeron en Roma obras eclécticas como
alejamiento helenístico de los ideales clásicos de los siglos V el Niño que se saca una espina y la Venus del Esquilino,
y IV a.C. Se sabe que nació en Atenas poco después de la ambas en Roma, Palacio de los Conservatori; tampoco
batalla de Maratón. Se tienen diversos relatos sobre su faltaron las obras arcaizantes como la Artemidas de Pompeya
formación. Hegias de Atenas, Agéladas de Argos, y el pintor o la Atenas de Herculano (Nápoles, Museo Naz.). El gusto
de Tasos Polignoto, han sido todos ellos considerados clasicista predomina en los relieves paisajísticos y bucólicos y
maestros suyos. A favor de Agéladas puede decirse que la en toda la producción de vasos de mármol, bases, altares, etc.
influencia de las muchas escuelas dorias puede ciertamente Hermafrodito o Hermafrodita
encontrarse en parte de su obra. Aprendió la técnica del
bronce en la escuela de Argos con Agéladas, a la vez que
Mirón y Polícleto. Al parecer, su actividad artística empieza
en 464 a. C.
De su vida se sabe poco más aparte de sus obras. Pausanias,
sin embargo, menciona a dos de sus estudiantes, que también
 Representa a un niño que se está sacando una espina de la
planta del pie izquierdo sentado sobre una piedra que sirve de
pedestal. A pesar de la inclinación de la cabeza para sacarse la
espina, las líneas que predominan en la composición son la
recta de la pierna sobre la que descansa la otra en horizontal
formando ambas un ángulo recto que tiene a contrarrestar y
contener la diagonal de la parte superior dando equilibrio a la
composición. El niño no da muestras de gran dolor, ni su cara
tampoco lo expresa. Estos aspectos, unidos al desnudo,
contribuyen a mantener la obra en el clasicismo a pesar de las
novedades: la representación de los niños y no solo la de los
hombres o mujeres en la plenitud de la vida, así como lo
Es un personaje de la mitología griega. Era hijo de Afrodita y anecdótico.
de Hermes, en honor de los cuales recibió su nombre, una
mezcla de los de sus padres. Pero Afrodita, al sentirse
culpable de adulterio, se separó de su hijo y lo dejó en el
monte Ida, (en Frigia), al cuidado de las ninfas del monte, por
quienes fue criado.
Con el paso del tiempo, el niño se convirtió en un joven de
gran belleza. Un buen día, Hermafrodito decidió salir a
recorrer las tierras griegas. Yendo de camino a Caria, en
Halicarnaso, el exceso de calor de aquel día soleado le hizo
aproximarse a un lago para refrescarse, al que se lanzó a nadar
desnudo. La náyade Salmacis —o Salmácide—, espíritu de
aquel lago, al notar su presencia y observar su cuerpo El jinete niño
desnudo, sintió una atracción inmediata hacia él y no tardó en Se ignora el taller del que pudo salir tal maravilla de
desnudarse y acercársele para tratar de conquistarlo, pero el dinamismo, pero resulta difícil de olvidar este pequeño que,
joven se resistió. pese a su aspecto enjuto y feúcho, aparece dramáticamente
Aun así, la ninfa no cejó en su empeño y, poco después, desde engrandecido por su propio entusiasmo, por su vitalidad
la fuente cercana a la que Hermafrodito se había acercado, intensa y por la tensión crispada de su cara.
Salmacis se abrazó a él fuertemente, lo arrastró al fondo, y,
mientras forcejeaba con él, suplicó a los dioses que no
separaran sus cuerpos, diciendo: ”¡Te debates en vano,
hombre cruel! ¡Dioses! Haced que nada pueda jamás separarlo
de mí ni separarme de él”. Los dioses, atendiendo su súplica,
le concedieron su deseo y ambos cuerpos se fusionaron para
siempre en un solo ser, de doble sexo.
Hermafrodito suplicó a sus padres, los dioses, que todo joven
que se bañara en aquel lago corriera su misma suerte. De esta
forma, el lago arrebataría la virilidad a todo aquel que se
bañara en él, tal como así se lo concedieron los dioses. Este Suplicio de Dirce
mito ha dado origen al uso de la expresión Hermafrodita, para Suplicio de Dirce; esta obra, de hacia 130 a.C., fue la más
describir a las personas intersexuales. apreciada en la antigüedad de cuantas realizaron Apolonio y
Taurisco de Tralles, dos escultores formados por Menécrates
El Niño de la Espina de Rodas -acaso uno de los que firmaron en el Altar de
Pérgamo-, y pertenecientes por tanto a la escuela de dicha isla.
Conocemos el grupo a través de esta versión tardía y
terriblemente restaurada que es el Toro Farnesio del Museo de
Nápoles. Pese a sus infidelidades y añadidos, podemos sentir a
través de esta obra la aportación básica del original: se trata de
un grupo dinámico, perfectamente tridimensional, y asentado
en una base paisajística. Apolonio y Taurisco lograron un
indudable efecto expresivo, y ello a pesar de partir de
elementos tan diversos como el realismo de los animales, las
actitudes rígidas de los jóvenes, y esa compleja torsión en
espiral de la figura de Dirce, verdadera síntesis del drama. El
Presidente de Brosses escribió en el siglo XVIII sobre esta
El "Niño de la Espina", escultura clásica griega de estilo espectacular obra: "Aquí la acción, las expresiones, las
Helenista, es una reproducción de un vaciado que realiza actitudes, son de gran fogosidad y de un gran estilo griego; la
Velazquez para los jardines de Aranjuez, la cual realizó ejecución tiene, por lo demás, algo de rudeza y de grosería que
basándose en un dibujo sobre la original, que hoy en día se desagrada. Si se la coloca en la primera clase de las esculturas
encuentra en un museo de Londres. antiguas es más bien por el tamaño de la obra y por su
En la actualidad la del parque es una reproducción en bronce ejecución prodigiosa que por cualquier otra razón.
que sustituye a una en piedra, que fue robada a finales de los
años 70.
En el último año ha sufrido el ataque del vandalismo
El pugilato Clases de cerámica griega

Estilo Submicénico

El pugilato se atribuye al Rey Tesus de Grecia, se introdujo en Después del 1200 a. C. y de la caída de la civilización
los Juegos en el 688 ac. Los contendientes pasaban un micénica, el estilo de la cerámica submicénica se empobreció,
entrenamiento de nueve meses y eran seleccionados en una y se simplificó y estilizó el diseño naturalista. Se conoce como
especie de eliminatorias. Al contrario que otras disciplinas los cerámica protogeométrica. A partir de aquí se desarrolló la
púgiles estaban casi siempre solo dedicados a su pugilato ya cerámica geométrica o de estilo geométrico, a partir
que entrenaban con más dedicación que los demás atletas por aproximadamente del 900 a. C. Se caracteriza por el uso de
la nobleza y rigurosidad deportiva de esta modalidad, doce bandas de decoración en meandros o en zigzag.
días antes de los juegos llegaban a la cuidad donde eran Posteriormente se introdujeron escenas altamente estilizadas
recluidos en un campamento de entrenamiento anexo a la que, de manera abstracta, retrataban figuras humanas. Durante
palestra donde un estado psicológico y misticidad se iba este período, Atenas se convirtió en un importante centro de
adueñando de ellos para la competición. producción de cerámica, pues había abundante arcilla de
Para la preparación del púgil se utilizaban sacos similares a buena calidad cerca de Falero. Los mejores ejemplos se
los actuales llenos de arena o semillas se denominaban encuentran en las ánforas del maestro de Dipilón (circa
Khórycoi se usaron guantes así como “Sparrings”. También se 760 a. C.-750 a. C.).
realizaba ejercicios con la propia sombra y con Andriantes o
hombres Estatua que recibían golpes con protecciones durante Estilo de Figuras Negras
los entrenamientos.
Este era un deporte similar pero por supuesto no exactamente
como el que hoy conocemos. No había categoría ni de peso ni
de tamaño y ciertamente estaba reglamentado. Se sabe que
había amplia gama de golpes y técnica preestablecida, juego
de piernas, fintas, defensa...
El día de combate los boxeadores tomaban un desayuno
formado por zumo de naranja, pan, huevos, higos y miel. El
combate comenzaba cuando el sol era más ardiente para
comprobar las cualidades físicas de los púgiles. La superficie
del ring era de arena y estaba limitado por los propios
espectadores además la zona utilizada para el combate sería Artículo principal: Cerámica de figuras negras
reducida ya que se consideraba un acto de cobardía si el ,aproximadamente desde el 530 a. C. se produjo un cambio en
boxeador cedía terreno a su rival; las peleas transcurrían hasta el estilo de los vasos áticos; las figuras negras cedieron el paso
que uno de los dos reconocía la derrota levantando el dedo a las figuras rojas. las figuras quedaban en el mismo color que
índice, o se caía y no continuaba la lucha, no había lo que hoy el fondo de la arcilla, los detalles se dibujaban con un pincel y
conocemos como asaltos era una pelea de comienzo a fin y de el fondo se cubría con el negro vidriado.
duración variable. Estilo de Figuras Rojas
De la escuela neoática , ha sido desde el Renacimiento
célebremente conocido como el autor del llamado Torso de Artículo principal: Cerámica de figuras rojas
Belvedere conservado en Los Museos Vaticanos de Roma. De Hacia el 300 a. C., el comienzo de la época helenística, la
igual modo, se le ha atribuido la estatua del Púgil (Museo cerámica ática de figuras rojas todavía no se fabricaba, aunque
Nacional de Roma), ya que este bronce conserva la firma del sí se producían pequeños vasos negros. La decoración sobre la
escultor neoático, aunque se ha dudado sobre su autenticidad. cerámica se hacía principalmente con moldes, siluetas que
dejaban sin pintar la figura, así que quedaba del color rojizo
CERÁMICA GRIEGA del barro y el fondo negro.
La cerámica griega incluye lo que comúnmente se conoce
como vasos griegos o pintura de vasos griegos. Esta cerámica destaca entre todas las antiguas por la finura de
La cerámica autóctona aparece a principios del II milenio a. C. su barro, la elegancia de su modelado y la perfección de sus
y durante los siglos siguientes se realizaba en general en dibujos y colores. Además de los vasos prehelénicos que en
arcilla refinada, decorada simplemente con una pintura parte pueden considerarse como griegos, se distinguen como
principales grupos de cerámica helénica propiamente dicha.

PINTURA GRIEGA
Con anterioridad a la formación del arte griego hubo en
territorios de la antigua Grecia un arte que se ha llamado
prehelénico, conservadas tan sólo en ruinas de edificios de la
época y sobre estuco, representando paisajes, acciones
guerreras y ceremonias cortesanas o religiosas cuyas figuras
aunque imperfectas revelan notable expresión y vida. En las
decoraciones de vasijas se presenta raras veces la figura
humana y siempre estilizada y de escasos detalles.
Todas las pinturas griegas han desaparecido. Solamente se han
conservado las decoraciones pictóricas realizadas sobre
cerámica y vasos de pequeño tamaño. Presentan maestría en el
dibujo pero se puede determinar poco según esto. Existen
numerosos testimonios escritos que nos permiten entrever que
era una pintura extraordinaria o más que la propia escultura.
Algunos pintores griegos fueron: Polignoto, Zeusis, Parrasío y
Apeles. Sus pinturas y frescos se presume que reflejan sus
estilos bastante laboriosos. En cuanto a la pintura griega, su
celebridad y la de sus artistas se debe casi por entero a los
antiguos historiadores pues no se conserva de ella ni un solo
cuadro ni se conoce obra alguna de los famosos Zeuxis,
Parrasio y Apeles, considerados desde la antigüedad los
pintores por antonomasia. Las obras pictóricas griegas que al
presente se conocen y conservan consisten únicamente en
decoraciones de ánforas y de otras elegantes vasijas salvo
algunos mosaicos de pavimento y placas de arcilla pintadas y
sin contar las obras de pintura romana en que intervino mano
griega. Consta, no obstante, que los griegos pintaron cuadros
excelentes, por lo menos murales (cuyas copias pueden ser
algunas decoraciones de las grandes ánforas de lujo) y que
emplearon los procedimientos al fresco, al encausto, al temple
y quizás al óleo. Los asuntos representados en tales pinturas, a
juzgar por lo que se observa en las mencionadas vasijas,
fueron escenas de la vida humana y tradiciones o leyendas
mitológicas y heroicas.
La pintura griega se divide en tres periodos (después del
cretense y micénico ya nombrados que pueden considerarse
como protohistóricos respecto de Grecia), a saber:
1. El de formación y arcaico que dura hasta el siglo
V a. C., el cual se distingue por los resabios de
influencias asirias y egipcias que revela en sus
dibujos. La pintura de las vasijas correspondientes al
primero de dichos periodos suele ofrecer desde
mediados del siglo VIII a. C. las figuras de color
negro sobre fondo amarillo o rojo (pues antes de
dicha fecha consistía en dibujos de estilo geométrico
y figuras estilizadas)
2. El de elegancia nacional, durante el siglo V a. C. y
parte del IV a. C. en que se emancipó la pintura con
Polignoto, seguido de Apolodoro, Zeuxis y Parrasio,
muy correctos en el dibujo, atribuyéndose al primero
la invención del claroscuro. Las vasijas de este

periodo tienen las figuras rojas sobre fondo negro,

siendo excepción los célebres lecitos blancos de tenas
que sobre fondo blanquecino ostentan figuras
polícromas.
El alejandrino o de difusión desde mediados del siglo IV a. C.
hasta dos siglos más tarde en que fue Grecia conquistada por
los romanos. Las vasijas de este