Significado de Teatro

Qué es Teatro:
Como teatro se denomina el género literario constituido por el conjunto de obras dramáticas concebidas
para su representación en el escenario.
Etimológicamente, la palabra teatro proviene del griego θέατρον (théatron), que a su vez deriva θεᾶσθαι
(theasthai), que significa ‘mirar’

Teatro forma parte de las llamadas artes escénicas, que combina las áreas de actuación, escenografía, música,
sonido y espectáculo.

Por otro lado, teatro es el nombre que se da tanto al arte y la técnica de la composición de obras de teatro, como
a su interpretación. Por ejemplo: “Manuel se ha dedicado el teatro”.

Asimismo, como teatro se conoce el conjunto de todas las producciones dramáticas de un pueblo, época o autor.
De este modo, podremos hablar de teatro romano, teatro isabelino o teatro de Beckett.

Como teatro también denominamos un espacio físico, como un edificio o una sala, destinado a la representación
de obras dramáticas, así como de otro tipo de espectáculos.

Teatro, en un sentido figurado, designa el lugar en que ocurren acontecimientos de gran relevancia y
trascendencia: “Rusia fue el teatro de la revolución más importante del siglo XX”. También en sentido figurado,
la palabra teatro puede usarse para referirse a una acción fingida o exagerada: “Los jugadores hacen mucho
teatro para que amonesten a los rivales”.

Características del teatro

El teatro griego se caracterizaba fundamentalmente porque estaban escritas en verso y los actores utilizaban
máscaras. El teatro contemporáneo se caracteriza por transmitir al público, mediante una puesta en escena, el
concepto deseado.

De esta manera, el teatro de hoy, abarca técnicas y conocimientos de todas las ramas de las artes escénicas,
como lo son la performance  y el espectáculo, por ejemplo.

El teatro ha ido evolucionando con las diferentes épocas y culturas. Hoy en día podemos contar múltiples
subgéneros, entre los que podemos destacar: comedia, drama, teatro de títeres o guiñol, ópera, ópera china,
musical, ballet, tragedia, tragicomedia, pantomima, teatro del absurdo, etc.

Elementos del teatro

El teatro, como rama de las artes escénicas, se compone de un conjunto de elementos indisociables como:

 El texto, que es la composición escrita de la pieza teatral, conformada por los diálogos y acotaciones que
definen la historia;
 La dirección, que es la coordinación de los elementos que conforman la representación, desde las actuaciones
hasta la escenografía, el vestuario, la decoración, el maquillaje, la música, el sonido, la iluminación, etc., y
 La actuación, que es la forma en que los actores transmiten al público la verdad de cada personaje.
Tipos de Teatro
En el teatro griego se representaban fundamentalmente dos tipos de obras:
 La tragedia, obra dramática de final desgraciado que trataba de temas de leyendas, y
 La comedia, que tenía por tema asuntos de la vida cotidiana, que podían incluir asuntos políticos que eran
satirizados.
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Historia del teatro

El origen del teatro se remonta al hombre primitivo y a sus rituales asociados a la caza, la cosecha, la muerte y
el nacimiento, entre otras, que podían incluir bailes, imitaciones de animales, ceremonias de culto a los dioses,
etc.
No obstante, fue en la Antigua Grecia cuando el teatro tomó la forma con que lo conocemos actualmente, con
representaciones que incluían vestuario, coreografía, música y recitación para contar historias complejas.
Vea también Características de una obra de teatro.

CONCEPTO NUMERO 2
INTRODUCCIÓN
El teatro es un género literario creado para ser representado. Es el arte de componer obras dramáticas. Las artes
escénicas tratan todo lo relativo a la escritura, la interpretación, la producción, los vestuarios y los escenarios.
Drama tiene origen griego y significa "hacer", y se asocia a la idea de acción. Se entiende por drama la historia
que narra los acontecimientos de unos personajes.
Tiene su origen en las danzas realizadas por el hombre primitivo alrededor del fuego. Estas escenas tuvieron
repercusión en China, Japón e India. En la coronación de los faraones se hacían representaciones teatrales
simbólicas. En Grecia nació el edificio público destinado a la representación.
El teatro se ha utilizado como complemento de celebraciones religiosas, como medio para divulgar ideas
políticas, para difundir propaganda, como entretenimiento y como arte. También se conoce como teatro el
edificio donde se representan las obras dramáticas.
ELEMENTOS DE LA REPRESENTACIÓN TEATRAL
Una representación consta de dos elementos esenciales: actores y público. La representación puede ser mímica
o utilizar el lenguaje. Los personajes no tienen que ser siempre seres humanos. Los títeres o el guiñol han sido
muy apreciados a lo largo de la historia. Se puede realzar una representación mediante el vestuario, el
maquillaje, los decorados, los accesorios, la iluminación, la música y los efectos especiales. Estos elementos se
usan para ayudar a crear una ilusión de lugares, tiempos, personajes diferentes, o para enfatizar una cualidad
especial de la representación y diferenciarla de la experiencia cotidiana.
NACIMIENTO DEL TEATRO
El teatro nació en Atenas, Grecia, entre los siglos V y VI Antes de Cristo. Los atenienses celebraban los ritos en
honor a Dionisio, dios del vino y de la vegetación. Estas primitivas ceremonias rituales acaban evolucionando
hacia el teatro, constituyendo uno de los principales logros culturales de los griegos. Cada una de las ciudades y
colonias contó con un teatro.
El primer teatro construido fue dedicado a Dionisio. Se dividía en tres partes la orquesta, el lugar para los
espectadores y la escena. Los primeros teatros griegos constaban de dos formas: un espacio circular donde se
alzaba la estatua de Dionisio y el hemiciclo para los espectadores. Se accedía a través de dos callejones. Las
gradas tenían forma de semicírculo.
Los romanos adoptaron la forma y la disposición de los teatros griegos pero construyeron gradas en los lugares
donde no existían colinas.
PRIMER PERÍODO: TEATRO GRIEGO Y ROMANO
TEATRO GRIEGO
Las formas teatrales del drama griego eran la tragedia, el drama satírico, la comedia y el mimo. Las dos
primeras estaban consideradas las más civilizadas, mientras que las dos últimas se asociaban con lo primitivo.
Los actores iban vestidos con la ropa al uso pero portaban máscaras que permitían la visibilidad y ayudaban al
espectador a reconocer la característica del personaje.
LA TRAGEDIA
La tragedia es una representación dramática capaz de conmover y causar pena, que tiene un desenlace funesto.
 Destacaron los escritores ESQUILO, SÓFOCLES y EURÍPIDES.
Aquí se presentan algunas características de la tragedia:
a) Las obras son solemnes, escritas en verso y estructuradas en escenas-
b) Las historias están basadas en mitos o antiguos relatos.
c) Eran obras de poca acción.
Aristóteles decía que la tragedia debe estar lo más que se pueda bajo un mismo periodo de sol o excederlo un
poco. En poco más de un siglo los griegos crearon dramas y comedias que aún interesan y conmueven.
Esquilo ha sido llamado el padre del drama griego porque contribuyó a que las representaciones teatrales se
transformaran en espectáculos. Sus obras más conocidas son Prometeo encadenado y Antígona.
Sófocles era instruido, amable y tolerante y gozó de gran simpatía y popularidad. Sus principales obras
Antígona y Edipo Rey se siguen llevando a escena.
Eurípides tenía fama de huraño. Sus principales obras son Electra y Orestes, Efigenia en Aulida y Efigenia en
Taurida.
Los grandes trágicos griegos establecieron las características del teatro que se ha convertido en el género
literario que todos conocemos.
LA COMEDIA
La comedia se desarrolló hacia la mitad del siglo V Antes de Cristo. Las comedias más antiguas que se
conservan son las de ARISTÓFANES. Tienen una estructura muy cuidada derivada de los antiguos ritos de
fertilidad. Su comicidad consistía en una mezcla de ataques satíricos a personalidades públicas. Para el siglo IV
Antes de Cristo, la comedia había sustituido a la tragedia como forma dominante.
Luego apareció un tipo de comedia local, llamada "nueva". En las obras de MENANDRO, el gran autor de
comedias nuevas, la trama gira alrededor de una complicación o situación que tiene que ver con amor, dinero,
problemas familiares y similares.
TEATRO ROMANO
El teatro romano no se desarrolló hasta el siglo III Antes de Cristo. Al principio se asociaba con festivales
religiosos, pero la naturaleza espiritual se perdió pronto. Al incrementarse el número de festivales, el teatro se
convirtió en un entretenimiento. No es de extrañar que la forma más popular fuera la comedia. El periodo de
creación dramática romano empezó en el siglo II Antes de Cristo, y estuvo dominado por las comedias de
PLAUTO y TERENCIO, que eran adaptaciones de la comedia nueva griega. Las obras se basaban en una
intriga de carácter local.
Este primer período se denomina clásico, porque comprende el teatro de las civilizaciones clásicas, Grecia y
Roma, y las obras están escritas en griego o latín.
Alrededor del final del siglo II Después de Cristo, el teatro literario entra en declive y es sustituido por otros
espectáculos y entretenimientos más populares. La Iglesia cristiana atacó el teatro romano y contribuyó al
declive del teatro así como a considerar a las personas que participaban en él como inmorales. Con la caída del
Imperio romano en el 476 Después de Cristo, el teatro clásico decayó en Occidente y no resurgió hasta 500 años
más tarde. Sólo los artistas populares, conocidos como juglares y trovadores, sobrevivieron y proporcionaron un
nexo de continuidad.
TEATRO MEDIEVAL
El teatro español, al igual que el europeo, surge vinculado al culto religioso. La misa, es en sí misma un drama,
una representación de la muerte y resurrección de Cristo. Serán los clérigos los que creen los primeros diálogos
teatrales: los tropos, con los que escenificaban algunos episodios relevantes de la Biblia. Estas representaciones,
se fueron haciendo más largas y espectaculares dando lugar a un tipo de teatro religioso que fue el teatro
medieval por excelencia. Poco a poco se fueron añadiendo elementos profanos y cómicos a este tipo de
representaciones que, por razones de decoro, terminaron por abandonar las iglesias y comenzaron a realizarse
en lugares públicos.
TEATRO MEDIEVAL PROFANO
En el siglo XIV, el teatro se emancipó del drama litúrgico para representarse fuera de las iglesias y evolucionó
en ciclos que podían contar con hasta 40 dramas. Algunos estudiosos creen que los ciclos surgieron de forma
independiente. Eran producidos por toda una comunidad cada cuatro o cinco años. Las representaciones podían
durar de dos días a un mes.
Como los intérpretes eran aficionados y analfabetos, las obras se escribían en forma de copla de fácil
 memorización.
AUTOS
Durante este periodo, surgieron obras folclóricas, farsas y dramas pastorales y persistían varios tipos de
entretenimientos populares. Todo esto influyó en el desarrollo de los autos durante el siglo XV. Los autos
diferían de los ciclos religiosos en el hecho de que no se trataba de episodios bíblicos, sino alegóricos, y estaban
representados por profesionales como los trovadores y juglares.
TEATRO DEL RENACIMIENTO
La Reforma protestante supuso el fin del teatro religioso en el siglo XVI, y el teatro profano ocupó su lugar.
Aunque los autos y los ciclos parezcan estar muy lejos de los dramas de Shakespeare y Moliére, los temas de la
baja edad media, el giro hacia temas más laicos y preocupaciones más temporales y la reaparición de lo cómico
y lo grotesco contribuyeron a la nueva forma de hacer teatro. La participación de actores profesionales en las
obras fue sustituyendo a los entusiastas aficionados.
TEATRO NEOCLÁSICO
El teatro del renacimiento tomó una forma nueva con visos de clasicismo. Esta fórmula es conocida como
neoclasicismo.
Las primeras muestras de teatro renacentista en Italia datan del siglo XV. Las primeras obras son en latín, pero
acaban escribiéndose en lengua vernácula y estaban basadas en modelos clásicos. Este teatro no fue una
evolución de las formas religiosas. Se trataba de un proceso académico. Eran obras pensadas para ser leídas,
aunque fuera por varios lectores y en público, y con fines didácticos.
CREACIÓN DE LA ÓPERA
Las elaboradas exhibiciones escénicas y las historias alegóricas de los intermezzi, y los continuos intentos de
recrear la producción clásica, llevaron a la creación de la ópera a finales del siglo XVI. Aunque el primer teatro
de corte clasicista tenía un público limitado, la ópera se hizo muy popular. A mediados del siglo XVII, se
estaban construyendo grandes teatros de la ópera en Italia.
COMMEDIA DELL'ARTE
Mientras la elite se entretenía con el teatro y el espectáculo de estilo clasicista, el público en general se divertía
con la commedia dell'arte, un teatro popular y vibrante basado en la improvisación.
DESARROLLO DEL TEATRO FRANCÉS
A finales del siglo XVI era popular en Francia un tipo de comedia similar a la farsa. Este fenómeno dificultó el
establecimiento del drama renacentista. En aquel tiempo no existían en París edificios dedicados al teatro,
utilizándose recintos destinados al juego de pelota. La influencia italiana en Francia llevó a popularizar
representaciones que fueron denominados ballets.
Moliére está considerado como el gran dramaturgo francés. Sus farsas y comedias de costumbres reciben en su
mayoría una influencia directa de la commedia dell’arte, pero van más allá de su objetivo específico y pueden
considerarse como observaciones sobre las limitaciones y errores del género humano. Muchas de sus obras
están imbuidas de una cierta amargura.
Sus principales obras son El tartufo, El avaro, El enfermo imaginario y Las preciosas ridículas.
Moliére fue también un actor cómico de excepción en su tiempo, y trabajó con el objetivo de alterar el estilo
histriónico y ampuloso que entonces dominaba la escena francesa.
TEATRO ISABELINO INGLÉS Y DE LA RESTAURACIÓN
El teatro renacentista inglés se desarrolló durante el reinado de Isabel I a finales del siglo XVI. En aquel tiempo,
se escribían tragedias academicistas de carácter neoclásico que se representaban en las universidades. La
mayoría de los poetas isabelinos tendían a ignorar el neoclasicismo o, lo usaban de forma selectiva. A diferencia
del teatro continental, el teatro inglés se basó en formas populares, en el vital teatro medieval, y en las
exigencias del público en general.
Las obras se representaban durante los meses más cálidos en teatros circulares y al aire libre.
Bajo la influencia del clima de cambio político y económico en la Inglaterra del momento, así como de la
evolución de la lengua, dramaturgos como Thomas Kyd, Ben Jonson y Christopher Marlowe dieron lugar al
nacimiento de un teatro dinámico, épico y sin cortapisas que culminó en el variado y complejo trabajo del más
grande genio del teatro inglés, WILLIAM SHAKESPEARE.
Christopher Marlowe se hizo famoso por las obras El judío de Malta y El doctor Fausto. Ben Johnson destaca
por Volpone o el zorro.
 Obras de William Shakespeare como Hamlet, Macbeth, Romeo y Julieta, Julio César, El rey Lear, Otelo o El
sueño de una noche de verano, se siguen representando con la misma viveza que cuando fueron escritas. 
TEATRO ESPAÑOL DEL SIGLO DE ORO
El siglo XVII fue el Siglo de Oro del teatro en España. Este Acota uno de los periodos más fértiles de la
dramaturgia universal, si bien la propia forma de denominar esta época ha sido conflictiva de unos países a
otros.
Se crean las primeras salas teatrales llamadas corrales de comedias, que eran gestionadas por las hermandades,
verdaderos precedentes del empresario teatral moderno. Van a proliferar los autores, las obras y las compañías.
El teatro deja de ser un acontecimiento restringido para convertirse en un producto competitivo, sujeto a las
leyes de la oferta y la demanda. Un interesante debate teórico acompaña el nacimiento y desarrollo de esta
forma nueva de entender el teatro. Dos autores de la época nos sirven para ilustrar el sentido y la evolución de
este debate y del arte teatral: CERVANTES y LOPE DE VEGA, pero también debemos de citar a CALDERÓN
DE LA BARCA Y TIRSO DE MOLINA.
Lope de Vega dio forma definitiva a la comedia española convirtiéndola en género nacional. Escribió cerca de
2000 obras que Menéndez Pelayo clasificó en religiosas, mitológicas, legendarias, pastoriles, caballerescas,
novelescas, de costumbres y enredos. Sus principales obras son El mejor alcalde el rey, Peribañez y el
Comendador de Ocaña, Fuenteovejuna o Porfiriar hasta morir.
Miguel de Cervantes legó una obra fecundísima entre las que podemos destacar La dama boba, El caballero de
Olmedo, La niña de plata y El castigo sin venganza.
Calderón de la Barca llevó a la perfección la técnica de la escena y se teatro barroco llegó a representarse ante la
corte. Sus obras más conocidas son El alcalde de Zalamea, La vida es sueño, El mayor monstruo, Los celos, El
príncipe constante y El mágico prodigioso.
Tirso de Molina es el creador del tipo de Don Juan en El burlador de Sevilla. Otras obras suyas son El
vergonzoso en palacio, Don Gil de las calzas verdes y El condenado por desconfiado.
TEATRO DEL SIGLO XVIII
El teatro del siglo XVIII era en gran parte de Europa, un teatro de actores. Estaba dominado por intérpretes para
quienes se escribían obras ajustadas a su estilo Estos actores adaptaban clásicos para complacer sus gustos y
adecuar las obras a sus características. Las obras de Shakespeare eran alteradas hasta no poder ser reconocidas
no sólo para complacer a los actores sino, también, para ajustarse a los ideales neoclásicos.
Destacamos a Goethe y Schiller los más importantes representantes del teatro alemán. Goethe destaca por Las
penas del joven Werhter. Goetz van Berlichingen, Egmont, Wilheim Meister y Fausto.
Schiller escribió dramas clásicos de la cultura alemana como Los bandidos, Don Carlos, Guillermo Tell y
Wallestein.
TEATRO DEL SIGLO XIX
A lo largo del siglo XVIII ciertas ideas filosóficas fueron tomando forma y finalmente acabaron fusionándose y
cuajando a principios del siglo XIX, en un movimiento llamado romanticismo.

Uno de los principales renovadores del teatro en este siglo es el noruego Henrik Ibsen, fundador del teatro de
ideas en oposición al teatro, de acción propiamente dicha. Analiza en sus obras las relaciones sociales y
humanas del siglo XIX.
Destacamos entre sus obras Casa de muñecas, Espectros, Hedda, Gabler y Peer Gynt.
TEATRO ROMÁNTICO
El romanticismo apareció en Alemania, un país con poca tradición teatral antes del siglo XVIII. Alrededor de
1820, el romanticismo dominaba el teatro en la mayor parte de Europa.
El teatro romántico español buscó la inspiración en los temas medievales y presenta a un héroe individual
dominado por las pasiones. Se recuperan las formas y estructuras del teatro del Siglo de Oro. La voz engolada y
el verso rotundo triunfan en el teatro romántico español. Su gran figura es José Zorrilla, el autor de Don Juan
Tenorio. El tema del burlador es retomado con gran libertad por Zorrilla y en su entusiasmo romántico hace que
sea el amor quien redime al seductor. La fuerza y encanto de este personaje y obra ha conseguido que nunca
haya dejado de representarse en algún teatro español.
MELODRAMA
Las mismas fuerzas que condujeron al romanticismo también, en combinación con varias formas populares,
 condujeron al desarrollo del melodrama, el género dramático más arraigado en el siglo XIX. El melodrama
como literatura es a menudo ignorado o ridiculizado, cuando menos desdeñado por los críticos, porque aporta
imágenes de villanos que se atusan el bigote o heroínas sujetas a vías de tren
TEATRO BURGUÉS
Proponía una recreación de lo local y de la vida en el hogar. El espectador debía tener la impresión de asistir a
un hecho real y a ello vino a contribuir el escenario de tres paredes con el objetivo de que el público observe a
través de la imaginaria cuarta pared.
NATURALISMO Y CRÍTICA SOCIAL
A mediados del siglo XIX el interés por el detalle realista, las motivaciones psicológicas de los personajes, la
preocupación por los problemas sociales, condujo al naturalismo en el teatro. Acudiendo a la ciencia en busca
de inspiración, los naturalistas sintieron que el objetivo del arte, como el de la ciencia, debía ser el de mejorar
nuestras vidas. Los dramaturgos y actores, como los científicos, se pusieron a observar y a retratar el mundo
real.
APARICIÓN DEL DIRECTOR
El naturalismo es responsable en gran medida de la aparición de la figura del director teatral moderno. Aunque
todas las producciones teatrales a lo largo de la historia fueron organizadas y unificadas por un individuo, la
idea de un director que interpreta el texto, crea un estilo de actuación, sugiere decorados y vestuario y da
cohesión a la producción, es algo moderno.
REALISMO PSICOLÓGICO
Las obras demuestran problemas sociales como la enfermedad genética, la ineficacia del matrimonio como
institución religiosa y social, y los derechos de las mujeres, pero también son valiosos por sus convincentes
estudios de individuos.
TEATRO DEL SIGLO XX
Desde el renacimiento en adelante, el teatro parece haberse esforzado en pos de un realismo total, o al menos en
la ilusión de la realidad. Una vez alcanzado ese objetivo a finales del siglo XIX, una reacción antirrealista en
diversos niveles irrumpió en el mundo de la escena.
En el siglo XX el teatro toma un impulso renovador. Las ideas naturalistas, simbólicas, realistas, impresionistas
y neorrománticas, han sumado su influencia a la del cine.
En los comienzos de siglo destacamos en España a Jacinto Benavente y Ramón María del Valle Inclán.
La producción de Jacinto Benavente alcanzó las 130 obras. Destacamos La noche del sábado, gente conocida,
Campo de arnillo, Rosas de otoño, Pepa Doncell. Recibió el premio Nobel de Literatura en 1922.
Ramón María del Valle Inclán se sitúa en la corriente modernista e impone lirismo a su prosa. Se caracteriza por
la suntuosidad de su estilo. Sus principales obras son Águila de blasón, Romance de lobos, Cara de plata,
Divinas palabras y Luces de Bohemia.
Federico García Lorca destaca por el lenguaje lleno de metáforas y por inusitadas figuras renovadoras. Se nutre
de lo más genuino y popular de la tierra española. Sus obras más destacadas son Mariana Pineda, Doña Rosita
la soltera, La zapatera prodigiosa, Bodas de sangre, Yerma y La Casa de Bernarda Alba.
TEATRO SIMBOLISTA
Los simbolistas hicieron una llamada a la "desteatralizació" del teatro, que se traducía en desnudar el teatro de
todas sus trabas tecnológicas y escénicas del siglo XIX, sustituyéndolas por la espiritualidad que debía provenir
del texto y la interpretación. Los textos estaban cargados de simbología de difícil interpretación, más que de
sugerencias. El ritmo de las obras era en general lento y semejante a un sueño.
TEATRO EXPRESIONISTA
El movimiento expresionista tuvo su apogeo en las dos primeras décadas del siglo XX, principalmente en
Alemania. Exploraba los aspectos más violentos y grotescos de la mente humana, creando un mundo de
pesadilla sobre el escenario. Desde un punto de vista escénico, el expresionismo se caracteriza por la distorsión,
la exageración y por un uso sugerente de la luz y la sombra.
GRUPOS TEATRALES
Quizás se deba a la influencia de Antonin Artaud la aparición de una serie de grupos de teatro durante la década
de 1960.
TEATRO DEL ABSURDO
De la segunda guerra mundial nació el teatro del absurdo, que carece de lógica, lo que de ningún modo se puede
 vincular o relacionar con un texto dramático o un contexto escénico.
TEATRO CONTEMPORÁNEO
El teatro realista continuó vivo en el ámbito comercial, sobre todo en Estados Unidos. El objetivo parecía ser el
realismo psicológico, y se emplearon para este fin recursos dramáticos y escénicos no realistas. Existen obras
basadas en la memoria, secuencias sobre sueños, personajes puramente simbólicos, proyecciones y otros
recursos similares. Incorporan diálogos poéticos y un fondo sonoro cuidadosamente orquestado para suavizar el
realismo crudo. La escenografía era más sugerente que realista.
MUSICAL
En la década de 1920 los musicales surgieron a partir de una libre asociación en forma de serie de canciones,
danzas, piezas cortas cómicas basadas en otras historias, que algunas veces eran serias, y se contaban a través
del diálogo, la canción y la danza. Un grupo a cargo de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II perfeccionó
esta forma en la década de 1940. Ya durante la década de 1960 gran parte del espectáculo había dejado el
musical para convertirse en algo más serio. A finales de la década siguiente, posiblemente como resultado de
crecientes problemas políticos y económicos, volvieron los musicales bajo un signo de desmesura y lujo,
haciéndose hincapié en la canción, el baile y la comedia fácil.
EL TEATRO EN LATINOAMÉRICA
Se tienen pocas nociones de cómo pudieron ser las manifestaciones escénicas de los pueblos precolombinos,
pues la mayor parte de éstas consistían en rituales religiosos. Existe un único texto dramático maya, descubierto
en 1850, el Rabinal-Achi, que narra el combate de dos guerreros legendarios que se enfrentan a muerte en una
batalla ceremonial. Su representación depende de distintos elementos espectaculares como el vestuario, la
música, la danza y la expresión corporal. A partir de la época colonial, el teatro se basa en los modelos
procedentes de España.
No es hasta mediados del siglo XX cuando el teatro latinoamericano ha adquirido cierta personalidad, al tratar
temas propios tomando como punto de partida la realidad del espectador a quien va destinado. Se caracteriza
por su notable vigor. Surge el teatro social.
El dramaturgo Augusto Boal, en Brasil, desarrolló técnicas de teatro callejero y para obreros, y es autor del
texto Teatro del oprimido. Grupos como Rajatabla y La Candelaria se han preocupado por realizar un teatro que
sirva como medio de discusión de la realidad social, sin dejar al margen el aspecto espectacular y estético del
drama.
EL TEATRO ORIENTA
El teatro oriental en general tiene ciertas características en común que lo distinguen del teatro posrenacentista
occidental. El teatro asiático es presentacional, ya que la idea de representación naturalista es del todo ajena a
él. Aunque los teatros de los diferentes países varían, son obras integradoras de las diversas artes que mezclan
literatura, danza, música y espectáculo.
TEATRO INDIO Y DEL SURESTE ASIÁTICO
El teatro indio en sánscrito floreció en los siglos IV y V. Las piezas estaban estructuradas sobre la base de
nueve rasas, o humores, más que en los personajes, ya que el eje de las obras eran las cuestiones espirituales.
Los escenarios tenían una decoración laboriosa, pero no se usaban técnicas representacionales. Los
movimientos de cada parte del cuerpo, la recitación y la canción estaban rígidamente codificados. Las
marionetas y el teatro danzado, han sido muy apreciados en varios momentos de la historia de la India.
En el Sureste asiático, el teatro de marionetas es la forma dominante, en especial el wayang kulit, o marionetas
de sombras, en Java. En algunos sitios las marionetas son tan apreciadas que los actores estudian sus
movimientos para imitarlos.
TEATRO CHINO
El teatro chino empezó a desarrollarse en el siglo XIV; era muy literario y tenía convenciones muy estrictas.
Desde el siglo XIX, ha sido dominado por la ópera de Pekín. En ella se da una importancia primordial a la
interpretación, el canto, la danza y las acrobacias más que al texto literario. La representación puede describirse
como una colección de extractos de varias obras literarias combinados con una exhibición acrobática. La acción
tiende a ser oscura y el énfasis se centra en la habilidad de los actores. El escenario es una plataforma desnuda
con el mobiliario estrictamente necesario. Las acciones son estilizadas, los papeles codificados y el maquillaje
es elaborado y grotesco; los colores son simbólicos. Bajo el gobierno comunista la temática ha cambiado, pero
el estilo ha seguido siendo más o menos el mismo.
 TEATRO JAPONÉS
El teatro japonés comenzó en el siglo VII Después de Cristo y es el más complejo de Oriente. Sus dos géneros
más conocidos son el teatro nô y el kabuki. Nô, el teatro clásico japonés es estilizado; la síntesis de danza-
música-teatro extremadamente controlada intenta evocar un ánimo particular a través del relato de un hecho o
historia. Está muy relacionado con el budismo Zen. El apogeo del nô tuvo lugar en el siglo XV. El kabuki data
del siglo XVI y es más popular en estilo y contenido. Otros géneros dramáticos japoneses son el bugaku, un
refinado teatro danzado, así como un teatro de marionetas o muñecos llamado bunraku, en el que los intérpretes
sobre el escenario manipulan unas marionetas casi de tamaño natural. Todas las formas dramáticas se apoyan en
el ritual, la danza y la tradición. Son elegantes y bellas, y ponen el énfasis en valores opuestos a los del teatro
occidental.
GRAFICOS