UNIVERSIDAD AUTÓNOMA METROPOLITANA

UNIDAD XOCHIMILCO

EL CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN EN
MÉXICO (2014-2019)

TRABAJO TERMINAL

DE LA LICENCIATURA EN COMUNICACIÓN SOCIAL

QUE PRESENTAN PARA RÉPLICA FINAL

Citlalli Yanit Antúnez Rojo

Ximena Bonanni Barbosa
Claudia Guadalupe Del Castillo Becerril
Celeste Aida Gutiérrez Villegas
Kali Montserrat Mercado Escamilla
Adriana Zamora Arceo

ASESORA RESPONSABLE: YOLANDA NORMA MERCADER

MARTINEZ

ASESOR INTERNO: NOÉ AGUSTIN SANTOS JIMÉNEZ

ASESOR EXTERNO: ALEJANDRO GARCÍA CABALLERO

Ciudad de México, a 10 de noviembre de 2020

2
3
Citlalli Yanit Antúnez Rojo Trabajo terminal de la licenciatura en
Ximena Bonanni Barbosa comunicación social.
Claudia Guadalupe Del Castillo
Becerril Universidad Autónoma Metropolitana
Celeste Aida Gutiérrez Villegas
Kali Montserrat Mercado Escamilla Unidad Xochimilco
Adriana Zamora Arceo

El cortometraje de animación en Asesora responsable:

México (2014-2019) Yolanda Mercader Martínez

227 páginas.
Primavera 2020

4
 Resumen

En los últimos años los cortometrajes de animación han tomado auge, ganando
terreno en la industria cinematográfica y en los festivales de cine. Su estudio es
relativamente nuevo y se ha investigado muy poco en el campo teórico tanto del
cortometraje como de la animación.
El propósito de esta investigación es identificar cómo se producen los cortos de
animación en México y conocer el impacto que tienen dentro de la industria
cinematográfica. Por ello se hace una breve revisión del concepto tanto del
cortometraje como de la animación, con el fin de conocer su evolución histórica y
conocer de modo especial al cortometraje de animación mexicano.
Con el fin de obtener resultados y así poder ofrecer una nueva visión sobre este
desconocido modo de creación, se realizó un trabajo cuantitativo basado en una
encuesta a un público joven asiduo al cine, la cual nos permitió conocer el interés
de los espectadores por el cortometraje y, un trabajo cualitativo apoyado en
entrevistas y análisis cinematográficos a reconocidos directores de animación
mexicanos, con la intención de conocer su trabajo, implicaciones y complicaciones
sobre la producción de cortometrajes de animación y el panorama de la situación
actual del cortometraje de animación en México.

Palabras clave: Cortometraje. Animación. Cine mexicano

Abstract

In recent years, animated short films have thrived, gaining ground in the motion
picture industry and in movie festivals. Their study is relatively new, and little has
been researched on the theoretical field of either short films or animation.
The current research is aimed at identifying how animated short films are produced
in Mexico, as well as their impact on the movie industry. Therefore, an analysis has
been made of the concept of both short films and animation, in order to ascertain
their historical evolution and particularly recognize the Mexican animated short film.
In order to obtain results and offer a new insight into this little known means of
creation, a quantitative research was conducted, based on a survey to young movie-
goers, in order to know the interest of this audience in short films, as well as a
qualitative research supported by interviews and film analyses of well-known
Mexican animation directors, with the purpose of knowing their work, the implications
and complications of the production of animated short films, and an overview of the
current situation of animated short films in Mexico.

Key words: Short film. Animation. Mexican movies

5
 Índice

Introducción ------------------------------------------------------------------------ 14

Capítulo 1. El cortometraje ---------------------------------------------------- 16

1.1 El cortometraje -------------------------------------------------------- 17
1.2 Historia del cortometraje -------------------------------------------- 19
1.3 Categorías y géneros del cortometraje -------------------------- 20

Capítulo 2. La animación ------------------------------------------------------- 22

2.1 La animación en el cine --------------------------------------------- 23
2.2 Técnicas de la animación ------------------------------------------- 28

Capítulo 3. La animación en México ---------------------------------------- 32

3.1 Antecedentes de la animación en México ---------------------- 33
3.2 Historia de la animación en México ------------------------------ 35

Capítulo 4. El cortometraje de animación en México ----------------- 48

4.1 Producción --------------------------------------------------------------- 49
4.2 Subvenciones ----------------------------------------------------------- 55
4.3 Distribución -------------------------------------------------------------- 60
4.4 Exhibición ---------------------------------------------------------------- 62
4.4.1 Infraestructura de exhibición ------------------------------- 70

Capítulo 5. Filme y creador: Trabajo de campo ------------------------ 80

5.1 Metodología --------------------------------------------------------------- 81

5.2 Resultados del trabajo de campo empírico ----------------------- 84

5.2.1 Efectos y derivaciones de la encuesta ------------------------- 84

5.2.2 Efectos y derivaciones de la entrevista ------------------------ 87

6
5.2.3 Los análisis cinematográficos ------------------------------------ 90

Análisis del cortometraje El Trompetista

Sinopsis
Contexto
Imagen
Sonido
Personajes
Narración
Inicio
Desarrollo
Primer punto de arranque
Clímax
Desenlace
Secuencia a analizar
Puesta en escena
Montaje
Género y estilo
Intertextualidad
Ideología
Interpretación

Análisis del cortometraje El jardín de las delicias

Sinopsis
Contexto
Imagen
Sonido
Personajes
Narración
Inicio
Desarrollo
Primer punto de arranque
Clímax
Desenlace
Secuencia a analizar
Puesta en escena
Montaje
Género y estilo
Intertextualidad
Ideología

7
 Interpretación

Análisis del cortometraje Viva el rey

Sinopsis
Contexto
Imagen
Sonido
Personajes
Narración
Inicio
Desarrollo
Primer punto de arranque
Clímax
Desenlace
Secuencia a analizar
Puesta en escena
Montaje
Género y estilo
Intertextualidad
Ideología
Interpretación

5.2.4 Efectos y derivaciones de los análisis cinematográficos ---- 189

Capítulo 6. Conclusiones generales --------------------------------------- 193

Capítulo 7. Bibliografía --------------------------------------------------------- 199

Capítulo 8. Webgrafía ----------------------------------------------------------- 199

Capítulo 9. Filmografía ---------------------------------------------------------- 205

Capítulo 10. Índice de imágenes --------------------------------------------- 206

Capítulo 11. Anexos -------------------------------------------------------------- 209

8
 Agradecimientos

Principalmente quiero agradecer a mis padres, que siempre están para mí, mi mamá
por ser mi apoyo y mi principal promotor para ejercer una carrera y formarme como
persona.

A mis hermanas, por motivarme, hacerme creer en mí y siempre ser un ejemplo

para seguir. A mi pareja por acompañarme en este proceso y siempre confiar en
mis habilidades.

A mis amigas por ser mis segundas hermanas, enseñarme y acompañarme en esta
vida, hacerme reír y darme la oportunidad de trabajar juntas. A mis amigos por
hacerme la vida más ligera y todo el cariño que me dan.

También quiero agradecer a la UAM por dejarme grandes amistades y esta grata
experiencia universitaria.

Citlalli Antúnez

A mis papás, Gustavo Bonanni y Erika Barbosa, porque cuando yo lo creía

imposible, ustedes lo hicieron posible. Gracias por brindarme un hogar donde sé
con certeza que siempre encontraré su amor y apoyo incondicional.

A Raquel Corona y Alejandro Corona, por siempre ser una gran fuente de apoyo e
inspiración, ustedes depositaron en mí las ganas de querer superarme cada día,
pues un día esperaba llegar a ser como ustedes.
A Arturo Barbosa, por adoptarme y verme como una hermana mayor para tus hijos,
espero poder ser un buen ejemplo para ellos.

A Jiram Rodríguez, por ser mi equipo y compañero, por todo el amor, apoyo y
motivación a lo largo de la carrera y porque sé que en un futuro así seguirá siendo.

A mis amigas, Fernanda Burguete y Airam Iturbe, por estar incondicionalmente a mi

lado más de 10 años, presentes en mis éxitos y derrotas, gracias por sus sabios
consejos y su amistad sincera.

9
A la familia Corona Higuera, por ser testigos de todo mi avance académico durante
mi crecimiento.

A toda la familia Bonanni, por ser una familia llena de gente talentosa y amorosa,
absolutamente todos son un gran ejemplo a seguir.

A Guillermina Torreblanca y Adolfo Bonanni, a ustedes más que nadie, pues

formaron hijos excepcionales llenos de amor y sabiduría, valores que se quedarán
por generaciones al igual que sus enseñanzas. Esto es con mucho amor para
ustedes, de aquí hasta el cielo.

Ximena Bonanni

Esta tesis se la dedico a una persona que ha sido parte fundamental tanto en mi
vida como en mi formación académica, mi madre Luz Becerril Martínez, quien ha
estado presente todo este tiempo y quien ha sabido guiarme a través de su
experiencia.

- Mamá toda tu paciencia, esfuerzo y dedicación están presentes en cada

palabra que he escrito de esta tesis. Este logro no es mío, es nuestro.

Agradezco también a mi padre Rogelio Del Castillo Osorno, quien siempre me dio
ánimo para afrontar cualquier cosa, para seguir adelante sin importar lo que las
personas dijeran de mí y a tener el coraje para demostrarles que puedo lograr
cualquier cosa.

- Papá desde donde estés viéndome ¡LO LOGRAMOS!

A mis hermanas Cecilia y Cristina, que han estado presentes y dispuestas para mi
sin importar nada.

A mi esposo Alejandro Tapia Bazán que se convirtió en un pilar en mi vida, quien

me ha acompañado durante diez años, me ha aconsejado, me ha levantado y me
ha enseñado a ser la persona que soy el día de hoy.

10
A mi hijo Yareth Alejandro Tapia Del Castillo, quien se convirtió en mi motivación y
en mi fuerza para terminar esta tesis.

- Por ti haría cualquier cosa. gracias por abrazarme cuando lo necesitaba.

A mi suegra Francisca Bazán Tlatenchi que estuvo conmigo y me apoyo en

momentos difíciles.

A mis padrinos Fernando González Hernández y María Teresa Margarita Becerril

Martínez, quienes son como mis segundos padres y quienes me han ayudado en
cada momento de mi vida y a quienes les debo mucho.

- Gracias por creer en mí y en que podía culminar con esta parte de mi vida.

A mis primos Sofía, Manuel, Fernando, Darío, Dulce y Luis, a quienes quiero como
hermanos, gracias por apoyarme a lo largo de toda mi vida, para mi cada uno de
ustedes se ha convertido en un ejemplo a seguir.

Agradezco también a mis compañeras de tesis por su paciencia, comprensión y los

momentos graciosos que pasamos juntas.

Claudia Becerril

En primer lugar, quiero agradecer a Dios. A mis padres les doy las gracias porque
sin su ayuda no habría podido concluir en este proceso universitario. A ellos mi
amor.

A mis abuelos, Adalberto Villegas y Estela Aguilar, por inculcarme su amor por el
estudio y las letras.

A Fernando Toledo, porque con su pacencia y pasión por el saber me enseñó la

importancia de muchas cosas al inicio de la licenciatura.

A Melisa y Ana, mis mejores amigas, por ser un gran apoyo y estímulo cuando más
lo necesitaba. A ellas, mi más profundo agradecimiento.

11
A Roberto Meneses, quien además de haberme, ayudado, cuidado y amado en los
días de mayor presión universitaria, fue un pilar para lograr esta meta.

Celeste Gutiérrez

Les agradezco a mis papás por siempre apoyarme en cada paso que doy en la vida,
ser tan incansables, ser mi mayor inspiración y apoyarme incondicionalmente
siempre, los amo con todo mi corazón, este logro es de ustedes también.

A mis hermanos por ser mis compañeros de vida y por impulsarme a ser mejor
persona cada día, espero que un día puedan lograr todas sus metas y yo estaré ahí
para apoyarlos también.

A mis abuelos por ser los mejores abuelos y segundos padres que siempre están
para apoyarme y aconsejarme en este camino llamado vida.

A mi pareja por estar durante este proceso, ofrecerme su apoyo siempre,

impulsarme a seguir mis sueños y ser mi compañero en esta etapa.

A mis amigos que conocí durante esta aventura universitaria y se convertirán en

amigos para toda la vida por hacer mi estadía más llevadera y divertida.

Gracias por ser parte de mi vida y este logro no sería igual sin ustedes.

Kali Mercado E.

A mis papás por su apoyo incondicional, por forjarme como persona y por siempre
estar para mí. Por apoyar mis decisiones y creer en mí.

A mis hermanas, por siempre ser una motivación y apoyo en mi vida. Por creer en
mí y ser un ejemplo a seguir.

A Aranza, por ser mi inspiración y mi compañera de vida.

A Citlalli, por aventurarse en este camino conmigo, por su amistad, alegría y

compañerismo. Gracias vida, porque comenzamos juntas y juntas terminamos.
12
A David, por siempre creer en mí y motivarme a lograr lo que me propongo. Por ser
un excelente amigo.

A mis amigos, por todos los momentos que pasamos juntos, las experiencias y
siempre ser una motivación para mí.

A mis compañeras de tesis, por emprender este proyecto conmigo y por su apoyo.

A todas las personas con las que me he cruzado en esta vida y me han hecho ser
la persona que soy ahora.

Gracias, Adriana Zamora

13
 Introducción

El cortometraje de animación mexicano ha ido en crecimiento, posicionándose poco

a poco dentro de la industria cinematográfica; sin embargo, se le ha dado poca
relevancia y difusión. Además, tampoco se ha mostrado interés en desarrollar los
fundamentos teóricos para un estudio más sagaz que nos permita reconocer la
importancia de este género cinematográfico. También podemos señalar que no
existe información suficiente que nos permita contar con un recuento filmográfico
detallado de las producciones realizadas hasta este momento. En la presente
investigación se considera de suma importancia explorar la producción de los
cortometrajes de animación en México, con el objeto de conocer su panorama
actual.

La investigación está integrada por un primer sondeo de corte documental, en el

cual se explora la conceptualización del cortometraje y de la animación, para
después señalar la situación en la que se encuentra el cortometraje de animación
en tres aspectos básicos: la producción, la distribución y la exhibición.

La investigación se complementa con un trabajo empírico de corte cualitativo, que

tiene por objeto ofrecer la visión sobre los procesos de producción por parte de los
realizadores, los consumidores y de los propios discursos cinematográficos, todo
ello proporcionando otro punto de vista sobre la situación actual del cortometraje
animado mexicano.

Finalmente, se confrontan los resultados obtenidos de la parte teórico conceptual y

referencial contra los resultados obtenidos en el trabajo de campo, permitiéndonos
reflexionar sobre la situación y posibilidades del cortometraje de animación en
México.

La investigación es de corte descriptivo y exploratorio, siendo un primer

acercamiento al tema cuya contribución es posicionar al cortometraje en el campo

14
de los estudios cinematográficos. Esperamos que los resultados obtenidos permitan
desarrollar acciones que ayuden a promover el interés por la producción de
cortometrajes de animación, por ser un género que tiene grandes posibilidades
creativas y de interés para la industria cinematográfica nacional, gracias a la era
digital en la que estamos inmersos actualmente.

El trabajo teórico se acompaña de un producto audiovisual de nuestra propia

autoría, el cual es un cortometraje de animación titulado “Inmensidad”, utilizando la
técnica de stop motion, donde abordamos el tema de la conservación del medio
ambiente y sus consecuencias, cuyo objetivo es concienciar al público en general.

15
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T
U EL
L
O
CORTOMETRAJE

16
1.1 El cortometraje

Dentro de la industria cinematográfica, el cortometraje ocupa un papel fundamental;

tiene su propio público y mercado; además, responde a una narrativa, concepción
y producción totalmente diferente a la del largometraje convencional.

Pese a que el término es relativamente nuevo, el cortometraje siempre ha existido

y es en realidad la forma en que comenzó la industria cinematográfica.

Con el paso del tiempo las nuevas formas de consumo han logrado posicionar al
cortometraje como un producto más de la industria del cine. Anteriormente el
cortometraje se distinguía por su carácter independiente, por ser parte de la
experimentación en las escuelas de cine o como instrumento propagandístico. Pero
gracias a los festivales de cine y cineastas independientes, el cortometraje comenzó
a tomar fuerza y en 1974 la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de
Estados Unidos abrió la categoría de "Academy Award for Best Live Action Short
Film”, el galardón al mejor cortometraje.

La industria del cortometraje ha cambiado en los últimos años y con ello la

producción de cortometraje de animación en México ha aumentado y ganado
terreno. Gracias a las nuevas plataformas de streaming existe un consumo
audiovisual desmedido. El espectador actual “devora” contenidos que deben ser
rápidos, atractivos y con temáticas contemporáneas.

En esta nueva era tecnológica el público no tiene que esperar una semana por un
nuevo capítulo, o meses para ir a ver una película, lo cual genera que la industria
cinematográfica tenga que producir más contenidos en menor tiempo. Y gracias a
ello es que el cortometraje de animación ha comenzado a abrirse camino.

Las productoras están conscientes de esta nueva forma de consumo, por lo que el
cortometraje ya no solo es un producto concebido para festivales o para ser el
preámbulo de un largometraje. Actualmente existen "series" que recopilan
cortometrajes de una misma temática, pero de diferentes realizadores y son

17
presentadas como un producto único y original, lo cual abre un mundo de
posibilidades comerciales para los realizadores y animadores.

El cortometraje solía ser el producto por excelencia generado en las escuelas de

cine y comunicación o la carta de presentación de un director, debido a las ventajas
que ofrece –en cuanto a producción– frente al largometraje. Además de ser más
susceptible a la búsqueda y experimentación de nuevas técnicas y formas de contar
historias, es mucho más costeable, actualmente el cortometraje tiene una posición
dentro de la producción cinematográfica.

El cortometraje de animación se ha realizado en 2D, 3D, stop motion o cualquier

otra técnica, siempre ofrecerá la posibilidad de crear mundos fantásticos que
difícilmente podremos recrear en un cortometraje de live action, (ya que este lo que
busca es ser lo más fiel a la realidad y no entra dentro de los parámetros de la
animación) por lo que dicho formato resulta más atractivo y accesible para los
creadores.

Apoyándose en el trabajo de distintos autores se puede definir al cortometraje como

una obra cinematográfica que consta de una duración máxima de treinta minutos.
Tiene su propio público y mercado, y responde a una narrativa, concepción y
producción distintas a las del largometraje.

En lo referente a sus principales características, Pat Cooper y Ken Dancyger, en su

libro El guion de cortometraje, plantean: “El cortometraje suele utilizar pocos
personajes, casi nunca más de tres o cuatro, y la propia trama está poderosamente
simplificada en relación al nivel de elaboración que alcanza en un largometraje”
(Cooper,1998:13). Estos mismos autores plantean la posibilidad de recurrir a
aspectos literarios como la metáfora, en función de presentar la historia y hacer uso
de la libertad que permite este tipo de obra cinematográfica.

“La narración del cortometraje es codependiente al argumento que la ha

determinado, asimismo, concibe cada uno de los elementos que la
conforman como esenciales, es decir, el cortometraje está determinado por

18
 la característica del tiempo, ya que, a diferencia de producciones más
amplias, en éste deben compaginar cada uno de sus elementos de manera
eficiente.” (Amitrano,1998:432)

1.2 Historia del cortometraje

En 1895 los hermanos Lumière inventaron el cinematógrafo, con el cual lograron

filmaciones que tenían una duración de 30 segundos, algo que actualmente
consideraríamos un corto, salvo que en esa época el término aún no existía.

Una vez instaurado el cine, el tiempo de duración que tenían los filmes que se
realizaban se medía según los metros de celuloide (que eran los rollos de película),
por lo que 30 metros equivalían a 1 minuto de metraje. Por esa razón en dicha época
aspirar a formatos más largos era complejo y costoso. (Wikipedia,2004).

Las primeras producciones de los hermanos Lumière no se consideran como una

obra ficticia, ya que únicamente eran filmaciones sobre situaciones, pero no
contaban con algún guión. Quien realmente empezó a producir películas de “ficción”
fue el cineasta George Méliès, que se adentró en el mundo de la fantasía y realizó
cortometrajes de este género, los cuales contaban con vestuarios, efectos
especiales y dirección, además de contar historias cortas. Los primeros trabajos de
Méliès se remontan a 1896, siendo un cine completamente primitivo. Uno de los
trabajos más importantes que realizó fue el famoso Viaje a la luna (1902).

Ahora bien, no todo fueron producciones del cinematógrafo, pues nos estamos
olvidando de su antecesor, que fue el teatro óptico, el cual dio pauta a realizar los
primeros cortometrajes de dibujos animados.

Se podría decir que el primer cortometraje realizado perteneció al género de la

animación, pues gracias al teatro óptico, mediante un juego de espejos y lentes, se
proyectaban imágenes de fondo y, sobre ellas, figuras pintadas a mano que
simulaban movimiento y acción, con lo que se lograba “animar” (Morala,2020).

19
 “Su pionero fue Émile Reynaud y su cortometraje ¡Pobre Pierrot!
(1892) es considerada la primera obra de cine de animación de la
historia. Aunque el movimiento sea algo mecánico, no podemos negar
el mérito de Reynaud y la innovación de su propuesta” (Morala,2020).

1.3 Categorías y géneros del cortometraje

Para el fin de esta investigación se define que el cortometraje se puede categorizar

de tres formas diferentes como lo son, documental, ficción y animación.

El documental se caracteriza porque la mayoría del material que se ocupa para su

realización proviene de la realidad; utilizando archivos, entrevistas, textos u otros
elementos para reforzar el contenido de la historia, además de que los personajes
que se presentan forman parte del filme y de la vida real. [1]

La ficción nace del latín fictus, el cual se refiere a lo que es inventado, lo que no es
real. Este género se encarga de mostrarle al receptor diversos mundos en donde
los personajes y lo que les rodea no pertenecen a la realidad. [2]

La animación es una técnica en la que se realizan dibujos o bocetos, los cuales al

proyectarse de forma consecutiva permiten que el espectador vea que los objetos
o muñecos en un principio estáticos cobren vida y se mueven, permitiendo al
director crear una historia y un personaje.

El cortometraje a su vez, se apega a los diferentes géneros que hay dentro de la

industria cinematográfica donde distinguimos ciertas clasificaciones; por estilo o
tono como la acción, aventura, catástrofe, ciencia ficción, comedia, drama, fantasía,
musicales, suspenso, terror, pornográficos. Por audiencia como infantiles, juveniles,
adultos, familiares. Y por ambientación como las películas bélicas, contemporáneas,
crimen, deportivas, gánster, históricas, policíacas, western, religiosas, épicas y
futuristas.

El género cinematográfico es el tema general de una película que sirve para su

clasificación, estos como los géneros de otros campos artísticos, tienen su primer

20
origen en la cultura clásica y se fueron diversificando en el teatro, y los primeros
largometrajes los intentaron imitar.

Debido a la extensión de las narrativas dentro del cine, se ha creado un nuevo tipo
de cine híbrido, donde se mezcla más de un género cinematográfico, apelando a la
necesidad creativa y narrativa de los realizadores. Un ejemplo de esto es el
cortometraje Amor, nuestra prisión de Carolina Corral Paredes (2016), el cual es de
corte documental y mezcla la animación para contar la historia a partir de la técnica
StopMotion y 2D. Otro ejemplo podría ser Revoltoso de Arturo y Roy Ambriz (2016)
un filme de ficción, el cual es de corte dramático y utiliza la animación como
elemento narrativo. Es decir, un mismo cortometraje puede suscribirse a varios
géneros, pero siempre habrá uno más predominante que otro.

Los géneros sirven para clasificar a los filmes, son usados como un medio para
atraer al público a su visualización. Posteriormente facilita la lectura del filme para
los espectadores. El cortometraje al igual que el largometraje, hace uso de dichos
géneros cinematográficos y a pesar de ser un formato de corta duración tiene una
amplia gama de posibilidades al mezclar géneros, técnicas y estilos. Por ello el
cortometraje debe ser promovido como una producción audiovisual cinematográfica
atractiva y vital, para que se incorpore al consumo cotidiano de la cartelera
cinematográfica, y es necesario hacer esta diferenciación para poder entender al
cortometraje de animación.

[1]
Portal de la educomunicación. Cine Documental,https://educomunicacion.es/cineyeducacion/cinedocumental.htm

[2]
Concepto Definición (2019) Definición de Ficción.https://conceptodefinicion.de/ficcion/

21
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LA
L
O ANIMACIÓN

22
2.1 La animación en el cine

Desde épocas antiguas las civilizaciones plasmaron en piedra imágenes que

mostraron su realidad y entorno. Podemos decir que el arte siempre está en
constante cambio, desde la pintura, la escultura y la literatura, llegando así al
séptimo arte: el cine, que consta de la sensación de movimiento e involucra
diferentes técnicas, siendo una de ellas la animación.

La animación ha servido al cine para crear universos que no podemos retratar en la

vida real. Se construye desde cero y permite dar vida a personajes y mundos
imaginarios, creando sus propios escenarios, donde los personajes pueden ser
dibujados o moldeados para posteriormente darles movimiento, lo cual confiere al
personaje una vida propia dentro del filme. En el cine se desarrollaron los “trucajes”,
actualmente conocidos como “efectos especiales”, los cuales tienen su raíz en las
técnicas que se usan dentro de la animación.

En una definición más profunda de la animación, podemos decir que la palabra

“animar” tiene un origen en el latín anima, cuyo significado es “alma”. Interpretando
dicha raíz podemos decir que animar es la acción de darle vida a dibujos, muñecos
u objetos que no la tienen.

La animación es uno de los recursos del cine que emplea nuevos métodos y
técnicas, con lo cual podemos encontrar innovaciones al narrar historias,
contradiciendo incluso las leyes de la física en tiempo y espacio. “Recrear la realidad
fue función exclusiva del cine, aunque más adelante otros descubrieron que sería
posible llegar aún mucho más lejos, cambiando hechos, contando historias pasadas
e incluso inventando y tergiversando otras a su antojo, incluyéndolas en la propia
realidad.” (Vidal,2008:16)

23
La primera vez que alguien intentó animar imágenes por medio de proyecciones fue
el sacerdote alemán Athanasius Kircher, cuando en
1640 inventó “La linterna mágica”. Posteriormente,
en 1824, Peter Mark Roget descubrió “La
persistencia de la visión”, que consiste en la
especulación que demostraría que una imagen
permanece en la retina humana una décima de
segundo más antes de desaparecer por completo de
su visión, ayudando así a crear una ilusión óptica.
Imagen 1. Linterna mágica

En este mismo año John Ayrton Paris creó el

taumatropo, una especie de juguete que
contrapone dos imágenes en una hoja, las cuales
se empalman y al girarlas causan la ilusión óptica
de movimiento. Existieron algunos otros inventos
de menor importancia, pero ninguno pasó de la
categoría de juguete. Buscaban seguir
comprobando la resistencia de la visión humana. Imagen 2. Ejemplo de taumatropo

No fue sino hasta 1831, con el fenaquistiscopio, inventado por Joseph Antoine
Plateau, que se consiguió plasmar una secuencia pequeña de movimiento completo
con dibujos en papel.
En 1834 William George Horner creó el zootropo,
que consistía en un tambor giratorio que por dentro
tenía una cinta con ilustraciones; al mover el tambor
se producía la ilusión de que las
figuras se movían.

“Émile Reynaud, considerado

como el padre de la animación,
Imagen 3. Zootropo
construyó en 1877 el
praxinoscopio con las bases del zootropo, el cual mejoró. Este

Imagen 4. Praxinoscopio
24
consistía en un tambor por el cual el espectador visualizaba las imágenes desde
arriba; dentro de él había una rueda que tenía espejos que formaban ángulos a
través de los que se reflejaban las imágenes. Posteriormente siguió
perfeccionándolo y creó el teatro óptico, que permitía proyectar películas animadas
dotadas de argumento en una pantalla para un público, acompañadas de música y
efectos sonoros. Mantuvo un espectáculo de dibujos animados desde 1892 hasta
finales del siglo XIX. De su producción en la actualidad se conserva ¡Pobre Pierrot!,
de 4 minutos de duración.” (Martínez-Salanova,2020)

Imagen 5. The Enchanted Drawind

En el año 1900 surge el primer corto animado llamado The Enchanted Drawind,
realizado por J. Stuart Blackton, y posteriormente en 1906 Humorous Phases of
Funny Faces, considerada la primera película de animación, realizada también por
J. Stuart Blackton. Estas dos animaciones fueron realizadas en pizarrones.

En 1907 se creó la primera animación en Japón, llamada Katsudō Shashin, pero se

desconoce su creador y dura únicamente tres segundos. (Cortosfera,2017)

“En 1907 llega de América la película The Haunted House (La casa
encantada), realizada por James Stuart Blackton, que de inmediato tuvo un
éxito arrollador y sumerge a los técnicos del cine francés en asombrosa
estupefacción[...] Objetos en primerísimos planos eran animados por
misteriosos movimientos, las maletas subían solas a las habitaciones, un
cuchillo cortaba pan sin una mano que le manipulara, o los zapatos se
ataban solos los cordones y eran ilustrados por un cepillo con vida propia.

25
 Es cuando el dibujante de tiras cómicas Emile Cohl descubre el gran
secreto; todo el truco se encerraba en una sola fórmula. Una vuelta de
manivela, una fotografía, lo que hoy se conoce como imagen por imagen”
(Vidal, 2008:24)

Los primeros intentos de la animación con la técnica de dibujo fueron realizados por
Emile Cohl, con Fantasmagorie (1908), y Winsor McCay, con Gertie el Dinosaurio
(1914), con más de 10 mil dibujos. Más tarde esta técnica evolucionó con tabloides
transparentes que facilitaban la animación; varios dibujantes usaban el mismo
fondo. Posteriormente el rey indiscutible de la animación fue Félix el gato, de
Sullivan (1919).

En la década siguiente llega Walt Disney a la

industria del cine con su primer cortometraje
de animación: Plane crazy (1928), y después
con sus primeros largometrajes animados:
Blanca Nieves (1937), Pinocho (1940), Bambi
Imagen 6. Walt Disney y Mickey Mouse (1942) y los de su personaje Mickey Mouse,
ganador de un Oscar. Durante los años 30 y 40 Disney acapara toda la atención del
mundo de la animación.
En la década de los 50, con la llegada de la televisión a los diferentes sectores de
la población y la innovación de la T.V. a color, se crearon programas infantiles de
animación como caricaturas, educativos y de propaganda. Debido a la gran
audiencia en la televisión, la animación se enfocó en este medio y durante años el
cine de animación no tuvo una gran evolución.

26
El artista checo Jan Svankmajer llega a revolucionar
los cortos de animación con el surrealismo, donde
emplea el stop motion para animar personas reales,
muñecos, personajes de arcilla, máquinas, entre
otros objetos. Su primer cortometraje fue El Último
Truco del Sr. Schwarcewallde y del Sr. Edgar,
estrenada en 1964, seguidas por obras importantes
como: Punch y Judy (1966), El Jardín (1968), Imagen 7. El ultimo truco del Sr.
Schwarcewallde y del Sr. Edgar
Jabberwoky (1971), Oscuridad, Luz, Oscuridad (1989) y Lunch (1992).

En 1985 llegaron al cine de animación

los estudios Ghibli, fundados por Hayao
Miyazaki, Isao Takahata, Toshio Suzuki
y Yasuyoshi Tokuma en Japón. Las
películas más populares del director
Hayao Miyazaki son El castillo en el
Imagen 8. Mi vecino Totoro Cielo (1986), Mi Vecino Totoro (1988),
La Princesa Mononoke (1997), El viaje de Chihiro de (2001) y El Castillo Vagabundo
(2004).

Para 1991 Disney se une a los estudios Pixar para la realización de filmes en 3D.
El primero de ellos fue Toy Story, dirigido por Jonh Lasseter en 1995. Por su parte
los estudios Dreamworks produjeron el largometraje Antz (bichos) en 1998.

“La animación no se trata solamente de una serie de dibujos

graciosos que se mueven, sino cómo se mueven de la forma más
creativa y con elevados índices de expresividad y exageración,
haciendo creíble lo que vemos en la gran pantalla”. (Vidal,2008:51)

A pesar de todo el desarrollo tecnológico en la animación, el stop motion siguió

siendo una técnica vigente, la cual tuvo grandes figuras, como Willis O’Brien y Ray

27
Harryhausen. Es también de destacarse la estética lograda con dicha técnica por
Tim Burton, la cual lo define como
director. Burton produjo El extraño
mundo de Jack (Selick,1993) y en
2005 dirigió El cadáver de la novia.
En 2009 Henry Selick estrenó la
película de Coraline, todos
largometrajes sobresalientes con la
técnica de stop motion.
Imagen 9. Tim Burton con personajes
de “El extraño mundo de Jack”

La animación en el cine de stop motion se puede considerar un proceso artesanal.

2.2 Técnicas de la animación

Existen diversas técnicas de animación para poder realizar un cortometraje, las

cuales dependen de la creatividad de los animadores y de la técnica o de los objetos
que se utilicen.

El dibujo animado es una técnica donde se pinta o dibuja

cada fotograma y luego es filmado. Este proceso se
aceleró al aparecer la animación por celdas o papel de
acetato. Se utilizaron láminas transparentes sobre las
que se animaron personajes sobre un fondo. Más tarde
el proceso se volvió aún más rápido gracias a los dibujos
realizados en computadora.

Imagen 10. Dibujos animados

de Mickey Mouse

28
 Se le llama stop motion a la animación en la
que muñecos u objetos a escala hechos de
plastilina o cualquier otro material cobran
vida mediante la técnica de cuadro por
cuadro, pues a cada movimiento se le asigna
un tiro de fotografía. Las figuras se van
transformando o moviéndose en el progreso

Imagen 11. Rodaje de la película Coraline de la animación paso a paso.

La pixilación es una variante del stop motion, solo que para esta animación se
utilizan personas. Su nombre, aunque
pareciera que viene de la palabra
“pixel”, realmente tiene origen por las
criaturas pixies, pues la intención de
esta técnica es crear ilusiones
“mágicas”, como si dichas criaturas
estuvieran desplazando los objetos.
Imagen 12. Ejemplo de pixilación

La técnica de stop trick se produce cuando un objeto es filmado y mientras la cámara

está apagada este sale de la vista, de tal manera que cuando se vuelve a filmar el
objeto se convierte en algo completamente distinto.

Ejemplo: si se desea grabar a un mago que

quiere hacer desaparecer a su asistente, este
debe grabar al mago haciendo algún movimiento
“mágico” mientras se apaga la cámara, la
asistente deberá entonces salir de cuadro y así
crear el efecto de que desapareció.

Imagen 13. “Viaje a la luna” George Méliès

29
Georges Méliès descubrió esta técnica accidentalmente, mientras filmaba el tráfico
de una calle de París.

El recambio de piezas es una técnica que consiste

en animación por reemplazo o sustitución. La
forma de filmar es básicamente la misma que en
la del stop motion; la diferencia radica en que se
crea una única marioneta a la que se le cambian
las piezas. Por ejemplo, si tenemos como
personaje a una persona y se necesita que esta
cambie de gestos, se crean diversas cabezas con
diferentes gestos; así, en lugar de mover los ojos
o la boca, se cambia la cabeza varias veces para Imagen 14. Recambio de piezas
lograr conseguir un gesto articulado, haciendo que un movimiento tan sencillo como
una sonrisa requiera un total de veinte o más piezas.

La rotoscopia consiste en calcar o redibujar un fotograma habiendo como referencia

una secuencia de acción real filmada. Se utiliza principalmente para animar al
personaje y darle más sentido de realidad a su
movimiento, como hizo Walt Disney con
Blancanieves o La Bella Durmiente para animar los
bailes.

La animación limitada, como su nombre lo dice,

consiste en reutilizar animaciones y escenarios,
para así en lugar de dibujar 24 imágenes por
segundo se dupliquen los cuadros.
Imagen 15. Ejemplo de rotoscopía
“La bella durmiente”

30
La animación 3D es la ilusión de que una
imagen proyectada posee, además de alto y
ancho, profundidad. Dicha ilusión se consigue
creando modelos computarizados que pueden
ser rotados en cualquier dirección,
manteniendo su distancia proporcional a otros
Imagen 16. Ejemplo de
objetos, tal y como sucede con una imagen real. animación 3D de “Toy Story”

La técnica de foto realidad consiste en llevar escenarios lo más reales posibles a la

animación. Se utiliza principalmente en videojuegos.

El motion capture es un avance que captura movimientos reales que son captados
por un computador. A través de sensores que se colocan por todo el cuerpo, se
interpretan los movimientos en el ordenador, logrando hacer una animación con
movimientos reales. Un ejemplo
notorio de este tipo de animación
es el personaje “Gollum”,
interpretado por Andy Serkis en
la trilogía de El señor de los
anillos.(El cine de animación,
Martinez- Salanova:2020)
Imagen 17. Andy Serkys interpretando a Gollum de “El
señor de los anillos”

31
C
A
P
Í
T EL
U
L
CORTOMETRAJE
O
EN MÉXICO

32
3.1 Antecedentes de la animación en México

Cuando se habla de la animación en México debemos tomar en cuenta a sus

antecesores: la caricatura y la historieta. Humberto Domínguez, en su trabajo La
Historieta o Cómic 1920-1940, nos da un panorama de los inicios de estos dos
conceptos en México.

“La caricatura por ejemplo, aparece por primera vez en el periódico,

con el fin de criticar el desempeño de los políticos. Es por eso que la
primera caricatura publicada en 1826 por el italiano Claudio Linati
(quien introdujo la litografía al país) se llamó tiranía”.
(Domínguez,2012)

Al nacer una nueva forma de expresión política, aparecieron muchos caricaturistas,

como Constantino Escalante, Santiago Hernández, Alejandro Casarín, Jesús T.
Alamilla y José María Villasana. Este suceso les generó un gran interés por mostrar
las diversas inconformidades que tenían acerca de la administración de Antonio
López de Santa Anna (el entonces presidente de México), lo cual molestó al general,
quien decidió censurarlos; como consecuencia los autores deciden dejar de firmar
sus obras por miedo a represalias. “No fue hasta la llegada al poder de Benito
Juárez, quien gobierna respetando la libertad de expresión, que los caricaturistas
pueden firmar sus trabajos, colocándose así como los padres de la caricatura en
México”. (Sánchez,1997)

En cuanto a la historieta, el primer ejemplo de la misma es una litografía de un autor

anónimo, llamada Cuadro Histórico del General Santa Anna, donde se relata
irónicamente la historia del dictador en dos planchas de veinte viñetas cada una.
“Esta ilustración apareció en el Segundo calendario de Pedro Urdimalas en 1857.”
(Domínguez,2012)

33
Los orígenes de la animación en México

La primera animación de la que se tiene registro en México fue realizada por Juan
Athernack en 1919 dentro del filme El rompecabezas de Juanillo (1919), cinta en la
que además de ser director participó como actor, representando al personaje de “El
Bruja”, quien exhibe una serie de letras animadas que al moverse forman la palabra
Excélsior, periódico para el que trabajó como caricaturista.

Según Rodríguez, en su libro Animación una perspectiva desde México (2007), en

1927 Miguel Acosta comienza a filmar los primeros cortometrajes de animación con
una duración aproximada de treinta segundos. Realizó más de doscientas
producciones.

También menciona a un pionero cuyo apellido es Alcorta, de quien no se tienen

muchos registros, al igual que de Miguel Acosta; este personaje realizó en 1929
animaciones con recortes articulados pero que apenas duraban tres o cuatro
segundos, cuya finalidad era realizar anuncios comerciales en los intermedios de
las exhibiciones.

Salvador Pruneda trabajo para el periódico El Nacional como caricaturista. Viajó a

Hollywood, donde tuvo formación en animación, ya que trabajo en los estudios de
Walt Disney y Max Fleisher. A su retorno a México trabajó en la animación de su tira
cómica “Don Catarino y su apreciable familia", y para 1934 colaboró con la
animación en el cortometraje Revista Musical, de Arcady Boytler.”
(Aurrecoechea,2019).

En 1930 Alfonso Vergara Andrade se asocia con Francisco Gómez y Antonio

Chavira y crean la primera casa productora dedicada a la animación: Producciones
AVA, a la que se incorporaron dibujantes como Jorge Aguilar, Leopoldo Zea Salas
y Roberto Marín. Posteriormente realizan el cortometraje de animación Paco Perico
(1935), dirigido por Alfonso Vergara Andrade, el cual nos muestra a un personaje a

34
quien le pasan un sinnúmero de accidentes al llegar a trabajar a unos estudios de
cine. La productora tuvo dificultades económicas, por lo que tuvo que cerrar un
tiempo.
Posteriormente Alfonso Vergara Andrade renueva labores en 1937, pero con el
nombre de AVA-color. En el mismo año realizan Los cinco cabritos, El jarabe
tapatío, La vida de las abejas, Noche Mexicana (1936) y El tesoro de Moctezuma,
en la que reaparece el personaje de Paco Perico.

3.2 Historia de la animación en México

La segunda etapa de la animación en México corresponde al contexto de la

Segunda Guerra Mundial. Por parte de Estados Unidos era necesario que América
Latina mantuviera una opinión favorable y una postura a favor. Para ello, la Oficina
de Coordinación de Asuntos Interamericanos (OCAI) acudió a Walt Disney, y en el
intento norteamericano por simpatizar más con este continente le ofrecieron 70 mil
dólares para realizar “una gira de buena voluntad” por América Latina a favor del
American way of life” (García,2015:94).

La finalidad de estas visitas era conjuntar una película llamada Hola Amigos, la cual
fue conocida posteriormente como Los Tres Caballeros (Ferguson,1944),
conformada por tres episodios sobre las culturas latinoamericanas más
representativas con el objetivo de estrechar relaciones con animadores mexicanos
al hacer que estos formaran parte del proyecto.

Después de visitar Argentina, Brasil y Bolivia, Walt Disney llegó a México en 1942
con el objetivo de realizar la producción cinematográfica correspondiente a este
país. Se esperaba que el título de la película fuera Piñata; sin embargo, prefirieron
llamarla Los Tres Caballeros (Ferguson,1944). En el equipo de Disney se
encontraban dos caricaturistas y animadores mexicanos: Ernesto Terrazas y
Edmundo Franco. La visita del autor de Mickey Mouse no solo resultó ser un
espectáculo para la población mexicana, sino que también se unieron el presidente

35
Manuel Ávila Camacho, el entonces secretario de Turismo, Alejandro Buelna, y
artistas como Diego Rivera.

Los Tres Caballeros se estrenó en México el 21 de diciembre de 1944 y tuvo tanto

críticas positivas como negativas. Como ejemplo de esta última postura, Salvador
Novo, poeta, ensayista, dramaturgo e historiador mexicano, argumentó que:

“Lo que faltaba (…) se aplaude que un país se ilustre por el símbolo de un
ave de corral con pistolas y desplantes a la Jorge Negrete (…) la visión de
México que esta película presenta, me parece lamentable e idéntica a la
que imagino que disfruta cualquier turista texano cuando ya bastante
borracho, aplaude en variedades del patio lo que toma por expresión
auténtica de México. (Aurrecoechea,2004:38)”

Por otro lado, en Estados Unidos el crítico Eric Smoodin explicó que “para la
mentalidad estadounidense, América Latina representaba lo irracional, lo exótico, lo
hiperreal […] precisamente todo aquello en que se había especializado el cartoon
norteamericano” (García,2014:96). Asimismo, otras opiniones se direccionaban
hacia la sexualización de la mujer disfrazada de inocencia.

Durante esta época, en los años cuarenta, el desarrollo de la animación en México

se vio afectado por la inestabilidad mundial; surgieron algunos proyectos, pero no
lograron consolidarse de manera fija. Producciones Don Quijote fue un ejemplo de
ello. Esta empresa de publicidad y animación, a cargo de Julián Gamoneda y con la
colaboración de Bismark Mier y Carlos Sandoval, “solo (logró) realizar algunas
secuencias para Una corrida de toros en Sevilla y El Charro García, proyectos que
no se finalizaron”. (Castillo,2014:54)

Para 1943 el estudio Caricolor (Caricaturas a color), a cargo de Santiago Reachi,

inició labores y reclutó a técnicos estadounidenses que, con más experiencia en el
campo, transmitieron sus saberes y capacitaron al personal mexicano. Entre ellos
se encontraban Rudy Zamora y Max Fleischer, ambos trabajadores de la empresa

36
Disney; Peter Burness, quien estuvo en el estudio UPA, empresa creada por
algunos extrabajadores de Disney, y estuvo a cargo de la mayoría de los cortos de
Mr. Magoo.

A su lista de colaboradores también se añadió Carl Urbano, quien había trabajado

como animador en la Metro Goldwyn Mayer (MGM) “y tenía el prestigio de haber
sido el animador de The Bear that couldn’t sleep (Ising,1939), el primer cortometraje
de Barney Bear Series” (García,2015:97).

La parte de la dirección y animación de fotografía se le concedió a Manuel Mario

Moreno, quien había trabajado previamente en distintos estudios de animación
norteamericanos; “a él se debió la creación del Pelón, un personaje ranchero con
guitarra, cuyo compañero era un perro de nombre Majestad. La primera producción
que contó con este personaje fue Me voy de cacería (Moreno,1943)”.
(Rodríguez,2007:129)

Dado el contexto de guerra en el que se estaba inmerso, las empresas

cinematográficas en Estados Unidos descuidaron las producciones, se dedicaron a
hacer propaganda de guerra y permitieron que empresas como Caricolor
acapararan un espacio en la industria. Esta última buscaba profesionalizar el nivel
de producción y competir contra cualquier otro estudio de animación; sin embargo,
solo logró mantenerse durante dos años, dado que el personal estadounidense fue
reclutado y tuvo que retirarse a su país.

Caricolor realizó un solo cortometraje, titulado Me voy de cacería (Moreno,1943).

Comenzó a trabajar en otras dos producciones bajo el nombre de Vacilación Azteca
y Torero en quince días, pero no se concretaron. Finalmente cerró sus puertas en
1945.

Pese a su corto tiempo como industria productora, fue considerada un parteaguas

en la capacitación de caricaturistas mexicanos que posteriormente siguieron

37
dedicándose a esta profesión, dado que los conocimientos proporcionados por los
animadores norteamericanos permitieron conceptualizar desde otro punto de vista
la división y organización del trabajo, así como la profesionalización de la animación,
aspectos que se tomaron en cuenta más adelante en la colaboración con distintas
empresas de publicidad y cinematografía mexicanas.

Pasaron dos años para que otra compañía permitiera reinsertar al ámbito laboral a
los animadores desplazados de Caricolor; en 1947 se fundó Caricaturas Animadas
de México, empresa que mantuvo mayor firmeza y consolidación que sus
antecesoras. Esta estuvo a cargo de Claudio Baña, Jesús Sáenz Rolón y Leobardo
Galicia; más adelante se incorporaron Carlos Sandoval e Ignacio Rentería,
Fernando Castro Carreño, Ricardo Fernández y Ernesto López Bocanegra.

“La técnica de animación que Caricaturas Animadas de México comenzó a utilizar

fue el uso de micas de acetato para un coloreado más efectivo, así como el “shooting
on two’s (fotografiar dos cuadros de película por dibujo)” (Castillo,2014:57), técnica
que ya se utilizaba en distintos estudios de animación a nivel mundial.

El Noticiero Cómico (Baña,1950) fue el primer proyecto del que estuvieron a cargo
y consistía en parodiar a los noticieros cinematográficos; sin embargo, la producción
tenía una duración de tres meses, por lo que, al momento de proyectarse en los
cines, las noticias ya eran viejas para los espectadores, motivo por el cual el trabajo
tuvo que detenerse. No obstante, el proyecto más significativo que realizaron fue la
aportación del diseño y la animación de un mosquito que apareció en el largometraje
El diablo no es tan diablo (Soler,1949), siendo esta la primera ocasión en la que se
combinaba un live action (acción en vivo) con la animación en una película
producida en México.

Posteriormente, en los años 50, la animación tuvo que adaptarse a las necesidades
de un nuevo formato: la televisión a color, invento del ingeniero mexicano Guillermo
González Camarena. Este logró visualizar el potencial y alcance que tendría la

38
animación de caricaturas si se transmitían a través de este medio, por lo que
contrató al historietista Antonio Gutiérrez para diseñar la imagen del canal 5, así
como el primer programa infantil en México, donde dio vida al personaje Quintito del
Club Quintito.

Para ese entonces las agendas internacionales estaban bajo el yugo de la Guerra
Fría, por lo que, del lado capitalista, era necesaria la producción de propaganda y
difusión de mensajes anticomunistas a través de todos los medios de comunicación
que pudiesen utilizarse. La animación fue uno de ellos, de modo que Estados
Unidos, a través de la United States Information Agency (USIA), invirtió capital
económico para fundar Dibujos Animados de México S.A. (DASA) en 1952, con el
objetivo de producir propaganda política que pareciera mexicana.

El director de Dibujos Animados de México fue Richard Tompkins, quien había

dirigido en los Estudios Churubusco hasta ese entonces; con él colaboraron Ernesto
Terrazas y Edmundo Santos, quienes habían participado en la producción de la
película de Disney Los Tres Caballeros (Ferguson,1944).

Dado que Dibujos Animados de México fue el primer estudio de cine animado a nivel
industrial en el país, “el gasto inicial fue de un millón y medio de dólares”
(García,2015:101), los cuales se utilizarían para la producción de 12 cortometrajes,
con una duración de ocho minutos, cuya temática estuviera caracterizada por la
oposición a la ideología soviética.

“La USIA tenía intenciones de realizar propaganda política con

“manufactura” mexicana. Hawkins dirigió el primer corto de la serie Manolín
Torero, tiempo después sería sucedido por Matthews y Tom Macdonald.
Matthews dirigió cinco cortos de la serie: Cambio de música maestro,
Mucho Macho, Fue por lana, Viaje interplanetario y Diestro vs Siniestro. En
el tiempo que duró el patrocinio de la USIA se realizaron 12 filmes durante
cuatro años. Sin embargo, en México solamente se estrenó Manolín
Torero. (Castillo,2014:58)

39
DASA se mantuvo como la empresa más estable y fuerte, hasta que en 1975 cerró
tras el retiro de Tompkins.

Ernesto López y Leobardo García crearon el estudio Cinemuñecos; este realizó más
de 300 comerciales, como el de Pancho Pantera.

Tras el éxito de su trabajo y la gran cantidad de proyectos que tenían, en 1956 los
animadores se juntaron para fundar la Rama de Animadores del Sindicato de
Trabajadores de la Industria Cinematográfica, Sección 49, con poco más de 200
asociados y su secretario general fue Ramón Villarreal.

Posteriormente, en 1957, los ingenieros Gustavo Valdéz y Jesús Martínez fundaron

Val-Mar S.A., bajo la dirección de Ernesto Terrazas y este, a su vez, llamó a los
animadores que alguna vez habían colaborado con él a participar en el nuevo
estudio. El primer cortometraje que realizaron se tituló El Cucaracho (Valdez,1959).
Dada la vasta demanda de animación que había en Estados Unidos, Val-Mar
consiguió un contrato para realizar la animación en México de la famosa serie
norteamericana Rocky and His Friends (Rocky y sus amigos) (Nichols,1959). La
producción fue tan grande que se vieron en la necesidad de contratar a una gran
cantidad de animadores mexicanos, así como de pedir apoyo desde Estados
Unidos.

La serie fue entregada en octubre de 1959 y tuvo una buena aceptación por parte
del público estadounidense, por lo que se aumentó el tiempo de contrato y la
cantidad de dinero para la producción. A pesar de que la serie tuvo un gran éxito,
los animadores mexicanos nunca fueron mencionados ni se les dio el crédito que
merecían, es decir solo fueron mencionados como "and a bunch of brothers" (y un
grupo de amigos).

40
 “Tras un año de éxito, Val-Mar decidió cambiar su nombre a Gamma
Productions, mientras seguía realizando capítulos para la serie hasta 1964.
El estudio llegó a realizar hasta 2500 dibujos y 150 escenas de animación
a la semana durante casi 9 años; sin embargo, en 1966, Gamma cerró sus
puertas, dejando a los animadores sin empleo y liquidación. Este periodo
ha sido uno de los más estables e importantes para la animación en
México”. (Castillo,2014:60)

Sin dinero y sin empleo, los animadores decidieron pedir un préstamo al Sindicato
de la Producción Cinematográfica para conformar la cooperativa Producciones
Animadas S.A. (PASA).

PASA, a cargo de Carlos Manríquez y Rubén Traconis, consiguió pequeños

contratos para realizar anuncios televisivos que rellenaran los espacios en blanco
de las programaciones, mejor conocidos como tele-mats; sin embargo, nunca
lograron consolidar algo sólido, motivo por el cual tuvieron que cerrar la cooperativa.

En 1968 Fernando Ruiz produjo un documental animado para los Juegos Olímpicos
titulado El deporte clásico, el cual compró Televisa; más tarde, en 1972, creó La
familia Telemiau (Ruiz,1972), misma que, a pesar de ser la primera serie animada
en México, no pudo competir contra producciones como Don Gato y su pandilla
(Hanna-Barbera,1961).

En la década de los 70 se percibía una clara decadencia en la industria de la

cinematografía y la animación se trasladó al ámbito publicitario. Daniel Burgos, por
ejemplo, decidió crear su propio estudio y consiguió un contrato con Comercial
Mexicana para la animación de un anuncio en el que aparecían tres pelícanos.
Tiempo después la empresa decidió adoptar el diseño como logo de la tienda y para
1970 fundó la compañía Telecine Animación, la cual realizó comerciales para la
Sección Amarilla “Y personajes como el mago de la Lotería Nacional y el Tigre Toño
de Kellog´s. Ganó premios Teponaxtlis, galardón otorgado por la Asociación
Mexicana de empresas de publicidad”. (Castillo,2014:61)

41
El Banco Nacional Cinematográfico produjo, en 1972, una de las primeras
animaciones históricas de México, bajo la dirección de Tompkins.

Durante esta década los hermanos César y Ángel Cantón fundaron Kinema S.A.,
en colaboración con algunos animadores provenientes de Gamma Productions.
Realizaron proyectos para la marca Kellog’s; sin embargo, el contrato más
importante que consiguieron fue firmar con la compañía productora de series
animadas más importante de Norteamérica: Hanna-Barbera. De esta forma, Kinema
comenzó la producción de series como Los Picapiedra (1960), Los Superamigos
(1973), Jossy y las melódicas (1970), Scooby Doo (1969), etcétera, logrando
realizar cincuenta series durante 10 años y producir 26 minutos de animación a la
semana.

En 1974 se realizó el primer largometraje de animación mexicano bajo la dirección

de Fernando Ruíz y Adolfo Torres Portillo, a petición del entonces presidente Luis
Echeverría. En el proyecto titulado Los tres reyes magos (Ruiz,1974), colaboraron
más de 120 dibujantes y constó de 80 minutos. El guion fue escrito por Rosario
Castellanos y Emilio Carballido y el financiamiento corrió a cargo del Banco
Cinematográfico, el cual aprobó un presupuesto de 2 millones de pesos para la
producción, la cual inició en septiembre de 1974 y concluyó en julio de 1976. El éxito
de la película fue rotundo. Los tres reyes magos (Ruiz,1974) buscaban ser la
contraparte de Santa Claus (Rankin,1974) de Norteamérica y tenían el objetivo de
exaltar el nacionalismo mexicano; sin embargo, terminó con un estilo más apegado
al de Disney.

El segundo largometraje realizado por Kinema en 1978 fue Los Supersabios (Badim,
1978), basado en la historieta de Germán Butze. Un año después Kinema cerró sus
puertas con una última producción: el largometraje Roy del espacio (López,1983).

42
En 1978 un grupo de latinos crearon Grupo Cine Sur. Entre 1980 y 1981 realizaron
las animaciones La persecución de Pancho Villa, cortometraje de 8 minutos y 30
segundos de duración que obtuvo el Coral en el Festival del Nuevo Cine
Latinoamericano de La Habana. (García,2015:117)

A inicios de los 80, el italiano Mario Noviello fundó Visiographics, estudio dedicado
a la publicidad animada. Sus trabajos más relevantes fueron El Héroe (Carrera,
1994) y 4 maneras de tapar un hoyo (Villalobos,1995).

En 1981 Fernando Ruiz fundó un nuevo estudio de producción: Animart, con la

finalidad de realizar El gran acontecimiento (Ruiz,1981), proyecto pedido por la
Iglesia Católica con motivo del 450 aniversario de las apariciones de la Virgen de
Guadalupe y financiado por el arzobispo Ernesto Corripio Ahumada. La película se
estrenó el 12 de diciembre del mismo año.

En 1983 Jaime Cruz y Luis Fuentes, alumnos de la Universidad Autónoma

Metropolitana, unidad Xochimilco, realizaron Vámonos recio, una animación hecha
con recortes basada en el cómic Torbellino. “Fue este uno de los pocos ejemplos
de cine de animación producido por una universidad pública, en un taller
expresamente organizado para producir este tipo de cine”. (Rodríguez,2007:141)

Katy la Oruga fue una producción española y mexicana que tuvo gran éxito en
México. Fue transmitida en televisión nacional en 1984.

Durante esta etapa alumnos de la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM), la

Universidad Iberoamericana (UIA), el Centro Universitario de Estudios
Cinematográficos (CUEC) y el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC)
comenzaron a desarrollar proyectos de animación a pesar de que no se les
capacitaba ni enseñaba. Este aspecto fue una motivación para que varios alumnos
viajaran al extranjero en busca de obtener una mejor preparación.

43
En esta tercera etapa de la animación hubo un gran incremento en cuanto a
producciones, estilos y técnicas. Dos ejemplos que se pueden mencionar de este
periodo son el cortometraje de Dominique Jonard Tierra adentro (Jonard,1992-
1993) y Las Brocerías de Brozito (1993), de Héctor Arellano y José de Jesús Durán.

Carlos Carrera realiza el cortometraje El héroe (1993), el cual participó en el festival

de Cannes, llevándose la palma de oro, lo cual lo colocó como el primer director
mexicano en obtener este premio desde el filme María Candelaria (Fernández,
1943).

Los alumnos del CUEC ya presentaban proyectos como El árbol de Chicoca (1991)
y Mi querido diario (1991), de Artemisa Bahena, y Malapata (1995-2001), de Ulises
Guzmán, ganador del tercer lugar del Concurso Nacional de Guiones de
Cortometraje.

“El estudio Tarumba el cual cambia su nombre a Voxel, fundado por alumnos de la
Universidad Autónoma Metropolitana; se encargó de realizar tres proyectos para la
SEP Tlacuache (Cruz,1993), Moaré (1993) y La flauta de Bartolo (Arellano,1993);
pero la SEP no pagó los derechos de autor sobre la música que se utilizó y no se
exhibieron. Más adelante realizaron proyectos como La sirena Aalamatsin (1993),
el cual ganó el concurso Programa Nacional de Apoyo a la Producción de Televisión
Cultural”. (García,2015:127)

Fernando Ruiz colabora con Alberto Gallo para fundar la Productora Mexicana de
Animación S.A. también conocida como PROMEXA y realizan la película titulada
Cuautli (1996) para la Secretaría de Educación Pública (SEP). Este proyecto fue
una serie sobre la historia mexicana, por lo que tenía fines educativos y culturales.
Sin embargo, se suspende debido a los costos.

Otros personajes que forman parte de esta etapa de egresados de una de las
universidades del país la UIA que han contribuido a la animación son:

44
José Luis Rueda, quien funda junto con otros compañeros María Negra Productions,
dedicada a realizar cortometrajes de animación como Los changuitos (José Luis
Rueda,1995) o 4 maneras de tapar un hoyo (Rendón,1996).

José Ángel García Moreno hizo Abrimos los domingos (1989), corto que fue visto
por personas de la Universidad de California, quienes le ofrecieron una beca para
el extranjero. También filmó Cocktail Molotov (1999), Catrina Posada y La gran
piedra (2001) la cual ganó el concurso del Sistema Nacional para la Producción de
Programas de Televisión Cultural.

Finalmente, Enrique Navarrete, quien estudió Diseño Gráfico en la Universidad

Iberoamericana y después se fue al Sheridan College (Canadá), donde aprendió
animación. Más tarde trabajó en los estudios Dreamworks, colaborando en
largometrajes de animación como Shrek (Adamson,2001) y El príncipe de Egipto
(Chapman,1998).

Para ese entonces la compañía había comprado un estudio llamado Pacific Data
Images, con el cual desarrolla la división de animación por computadora. Antz
(Darnell,1998) fue uno de sus proyectos en el cual se incluyó a Navarrete. “A su
regreso a México funda los estudios La mamá de Tarzán, los cuales duran poco
tiempo debido a la situación económica del país. Más tarde funda los estudios Los
hijos de su madre”. (Castillo,2004:76)

Por otro lado, García, en su tesis “Revisión histórica y recopilación de cortometrajes

de animación producidos en México (1917-2014)” también nos habla de
Guadalajara, mencionando que en este estado la práctica y la innovación de la
animación se convirtieron en una práctica primordial. Es por eso que comenzaron a
abrirse varias instituciones que se dedican a la enseñanza de las artes
audiovisuales. Los directores más destacados de esta época fueron Rigoberto
Mora, Luis Téllez, René Castillo, Rita Basulto, José Medina, y Cecilia Navarro.

45
Esta última realizó diversos proyectos como: Cerraduras (Navarro,1990), que ganó
su primer premio en el concurso de video experimental patrocinado por la
Asociación Nacional de Universidades e Institutos de Enseñanza Superior ANUIES.
Las buenas conciencias (1995) y Filofobia (1997), segundo premio ANUIES.

Por otro lado, Rigoberto Mora, quien presentó La gran obra (1996) y Cómo preparar
un sándwich (1997), tuvo una participación en Ángeles del fin del millenium (1995).
“En 1968 cuando cursaba la preparatoria conoce a Guillermo del Toro, con quien
funda el estudio Anfisbena, el cual cambia su nombre a Necropia, donde realizaban
efectos visuales y animación; sin embargo, no tuvieron mucho éxito y cerraron. Para
el 2000 realiza Polifemo (Mora,2000), el cual termina con ayuda del gobierno de
Jalisco y otras instituciones que lo financiaron.” (García,2015:130)

Rita Basulto y José Medina ganan el premio coral del Festival Internacional de
Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana presentando la cinta El octavo día
(2000).

Animex Producciones se funda en el estado de Puebla por Ricardo Arnaiz en el año

2000. Sus filmes más representativos son La leyenda de la Nahuala (2007), Nikté
(2009), La Revolución de Juan Escopeta (2011), Selección Canina (2015) y El
Americano (2016).

En el año 2001 los hermanos Gabriel Riva-Palacio Alatriste y Rodolfo Riva-Palacio

Alatriste, en colaboración con Rodolfo Riva-Palacio Velasco (padre de ambos) y
Carlos Zepeda Chehaibar fundan el estudio Huevocartoon. Una de sus películas
más exitosas fue Una Película de Huevos (Riva-Palacio,2006); para el año 2009
realizan Otra película de huevos y un pollo (Riva-Palacio,2009).

Posteriormente, en 2002, Fernando de Fuentes, José García de Letona y Federico

Unda fundan en México Ánima Estudios, considerado uno de los grandes estudios

46
de animación en América Latina. Su primer largometraje fue Magos y Gigantes
(Couturier,2003). Después realizaron una serie de películas cuyos temas se centran
en leyendas mexicanas, las cuales tuvieron gran presencia en taquilla, como La
leyenda de la llorona (Rodríguez,2011), La leyenda de las momias de Guanajuato
(Rodríguez,2014), La leyenda del chupacabras (Rodríguez,2016) y La leyenda del
charro negro (Rodríguez,2018), además de realizar otro tipo de filmes como El
agente 00-P2 (Couturier,2009), Don Gato y su Pandilla (Mar,2011). Por otro lado,
Ánima Estudios también elaboró series de televisión animadas como El Chavo del
Ocho (Gómez,2006).

En 2018 se estrenó el primer largometraje animado del director Carlos Carrera: Ana
y Bruno, el cual duró más de 10 años en producción y es considerada la película
más cara en la historia del cine mexicano.

47
C
A
P
Í
T EL
U
L
CORTOMETRAJE
O DE ANIMACIÓN
EN MÉXICO
4

48
4.1 Producción

De acuerdo con el Anuario Estadístico de Cine Mexicano 2019 del Instituto

Mexicano de Cinematografía (IMCINE) se produjeron 907 filmes dicho año, los
cuales se dividen de la siguiente forma: 216 largometrajes, 618 cortometrajes y 73
documentales. Como podemos apreciar, el cortometraje es el audiovisual más
producido en nuestro país (gráfica 1).

Gráfica 1. Número de cortometrajes registrados en 2010-2019.

Fuente: Imcine con datos de festivales cinematográficos.

Como se puede apreciar, la producción de cortometrajes siempre ha estado por

arriba de 300 filmes por año; sin embargo, no se encuentra una constante en la
producción.

Pese a la amplia producción de cortometrajes que se realizan en el país, esto no es

suficiente para generar más apoyos para la producción de los mismos. En 2019, de
los 216 largometrajes nacionales que se produjeron, el 49% se realizó con algún
apoyo público. Es decir 105 filmes fueron apoyados por el IMCINE y sus diferentes
fondos para el cine, mientras que, ese mismo año, solo apoyo el 5% de los proyectos
que se registraron en la categoría de cortometraje:

49
 "La producción de cortometrajes sirve como plataforma para futuros
realizadores y permite apoyar a cineastas y egresados de las escuelas de
cinematografía. Para la convocatoria de 2019 concluyeron su registro 375
proyectos, entre ficción, animación, documental y postproducción,
resultando ganadores 20 proyectos: 9 de ficción, 7 de documental, 2 de
animación y 2 de postproducción”. (IMCINE,2019)

Los estudios estadísticos muestran que, el cortometraje para las entidades

gubernamentales no tiene la misma relevancia que el largometraje, donde se
prioriza el apoyo para la producción de largometrajes y el cortometraje tiene muy
poco apoyo. En cuanto al cine de animación, específicamente en el cortometraje, el
panorama es aún más catastrófico, ya que, como pudimos ver, de los 20 filmes
apoyados en 2019 por el IMCINE solo 2 corresponden a la categoría de animación,
lo que corresponde a 10% del total del apoyo.

El cortometraje es un formato incomprendido por parte de las instituciones, puesto

que consideran que es un producto que por su corta duración requiere de poco
presupuesto, es decir, no se le reconoce el valor a esta forma de expresión
cinematográfica. Mientras que los realizadores argumentan que la producción de
cortometrajes es un género con su propio espacio en la industria, que implica una
posición estética y conocimientos técnicos altamente especializados y por ello,
requiere de inversiones presupuestales al igual que los largometrajes.

Se aprecia que de los 618 filmes producidos en el mismo año solo 6% son
cortometrajes de animación, es decir, solo se tiene registro de 37 cortometrajes
animados en el año 2019 (gráfica 2).

50
 Gráfica 2. Cortometrajes registrados en 2019 por género.

Por lo que la producción de cualquier filme varía dependiendo del género que se
vaya a desarrollar. Por lo que, los cortometrajes de ficción o documentales pueden
llevarse a cabo en un año, entretanto que los de animación requieren de un mayor
tiempo para su realización, todo depende de la historia a desarrollar y las técnicas
de animación que se vayan a emplear. Esto significa que mientras los de ficción
pueden solicitar apoyos financieros cada año, los de animación no lo pueden hacer,
observamos una gran discrepancia en los tiempos de producción en lo que a
animación se refiere, ya que dependiendo de la técnica, la duración, el número de
personajes, escenarios y el equipo con el que se cuenta, será el tiempo de
producción, dejando en desventaja a sus realizadores.

Para ejemplificar el tiempo de producción al cual se adhieren los cortometrajes de

animación, observaremos tres cortometrajes animados producidos por IMCINE en
el período 2014-2016; Cerulia de Sofía Carrillo, Poliangular de Alexandra
Castellanos y Humo de Rita Basulto, los cuales nos permiten ver el tiempo de
producción aproximado, el capital humano y el presupuesto necesario para su
realización.

51
Cerulia de Sofía Catalina Carrillo Ramírez

Técnica: Stop motion

Año en que se le concedió el apoyo: 2014

Año de estreno: 2017

Presupuesto IMCINE: $949,519.33

Sinopsis: Cerulia inicia un viaje para despedirse de la casa de su niñez, pero los
recuerdos y la presencia de los abuelos no la dejarán partir.

Ficha Técnica

Productor: Paola Chaurand.

Guión: Sofía Carrillo.

Dirección de Fotografía: Paola Chaurand.

Editor: Uri Espinosa.

Música Original: Sofía Orozco, Yolihuani Curiel, Fernando Arias.

Diseño de sonido: Odín Acosta.

Dirección de Arte: Lou Peresandi.

Animador: Sofía Carrillo, Paulina Gallardo.

Intérpretes: Diana Bracho.

Productora: Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE)

El cortometraje de la directora Sofia Carrillo fue acreedor al premio Ariel a mejor

cortometraje animado 2018. Tardó 3 años en ser producido. Dicho cortometraje está
hecho bajo la técnica de stop motion, donde se emplearon marionetas talladas a
mano, y tiene una duración de 12 minutos. El cortometraje tuvo el apoyo de 6 casas

52
productoras además del IMCINE: Nahuyaca Films, Humanimalia Puppetry, Polar
Studio, OA diseño de sonido, Fesway, Newhart, Phantasma y Ronin. Participaron
alrededor de 30 personas en su creación.

Poliangular de Alexandra Castellanos Solís

Técnica: Animación 2D

Año en que se le concedió el apoyo: 2015

Año de estreno: 2017

Presupuesto IMCINE: $ 999,171.42

Sinopsis: Los buscadores persiguen objetos misteriosos que parecen ser

inalcanzables. Lo que realmente quieren averiguar es qué son esas formas secretas
y qué pasará una vez que las atrapen.

Ficha técnica

Guion: Castellanos Solís, Alexandra

Producción: Cruz Rodríguez, Ana

Fotografía: Del Rosal Toussaint, Efrén

Edición: Castellanos Solís, Alexandra

Sonido: Enríquez Rivaud, José Miguel

Animación: Gutiérrez Obeso, Federico | Mond, Andrea | Piaget Rodríguez, Philip |

Rangel, Rodrigo Miguel | Tova, Laura | Zamora Arceo, Aranzazu

Dirección de Arte: Mondragón García, Andrea

Productora: Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE)

53
Estuvo nominado al premio Ariel como “Mejor cortometraje animado 2018”, y fue
parte del tour de cine francés. El cortometraje es una mezcla de la técnica animación
2D y stop motion, pero la primera es la que predomina. Tiene una duración de siete
minutos y fue realizado en dos años. Para su realización participaron más de 15
personas.

Humo de Rita del Rosario Basulto Chávez

Técnica: Stop motion

Año en que se le concedió el apoyo: 2016

Año de estreno: En producción

Presupuesto IMCINE: $ 800,000.00

Sinopsis: Daniel es un niño que vive en carne propia el calvario de los campos de
concentración. En este lugar de pesadilla el niño intenta no perder el contacto con
su madre, al mismo tiempo que trata de entender el nuevo mundo que le rodea. Con
la inocencia de un infante, Daniel da la cara a su fatal destino.

Ficha Técnica

Producción: Juan José Medina Dávalos

Guion: Juan José Medina Dávalos

El cortometraje Humo, actualmente en producción, tendrá una duración de 10

minutos. Se realiza con la técnica stop motion y los personajes son marionetas
talladas a mano. En los últimos cuatro años ha aplicado a distintos apoyos
gubernamentales, como el apoyo CECA del gobierno de Jalisco, que le otorgó cerca
de $100,000 más para su realización. Aún no tiene fecha estimada de estreno.

Como podemos ver, estos tres cortometrajes de animación responden a tiempos de

producción muy diferentes. Por un lado tenemos el cortometraje Poliangular, que
fue realizado en dos años y solo con el presupuesto otorgado por el IMCINE; por
otro vemos los proyectos de stop motion cuyos tiempos de producción son mucho
más largos y necesitan de apoyos extras para su realización. El cortometraje de

54
Cerulia tardó tres años en ser producido, mientras que el cortometraje Humo lleva
cuatro años en preproducción y aún no se conoce la fecha de estreno. Además,
vemos cómo los tres cortometrajes cuentan con un presupuesto parecido, de lo cual
es posible concluir que para producir un cortometraje de animación profesional es
necesario tener un presupuesto de alrededor de un millón de pesos.

4.2 Subvenciones

Los cortometrajes de animación mexicanos son realizados gracias a las

subvenciones que otorga la Secretaría de Cultura para producción cinematográfica.
Son consideradas como un apoyo monetario hacia un individuo o un colectivo,
proveniente en su mayoría de instituciones públicas con el fin de ayudar al desarrollo
de un proyecto que necesite de un capital alto para su elaboración. Para acceder a
estos apoyos se realiza una solicitud directa a la o las instituciones, y estas
determinan la cantidad que se le otorgará a cada proyecto.

Una de las instituciones que brinda un apoyo económico a los proyectos de cine es
el Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE), organismo respaldado por la
Secretaría de Cultura. Tiene como objetivo apoyar la producción cinematográfica
nacional. Dicha institución hace énfasis en el apoyo a cortometrajes y largometrajes.

El IMCINE brinda un apoyo económico para la producción de proyectos

exclusivamente mexicanos; con esto busca incentivar a que México siga creciendo
en la rama del séptimo arte, ayudando monetariamente también en su distribución
y difusión por los diversos medios nacionales e internacionales.

Este instituto se fundó el 25 de marzo de 1983 bajo el gobierno del expresidente

Miguel de la Madrid. Surgió después de una gran crisis en el cine mexicano, en la
cual la calidad de producción había bajado y no había apoyos financieros para la
industria. El objetivo de la creación del IMCINE era que en ese entonces el

55
presidente consideraba al séptimo arte como uno de los instrumentos de
comunicación más eficientes y completos, pero cuya existencia dependía de la
generación de más herramientas para su desarrollo. Al proporcionárselas se
buscaba lograr que la población mexicana tuviera una oferta cultural y artística
compuesta de producciones locales.

La subvención de IMCINE se otorga una vez al año a partir de una convocatoria

abierta a todo público, se inscribe el proyecto y un jurado especializado decide a
quién y con qué monto se apoyará.

A continuación, se presenta un listado con los apoyos otorgados por parte del
IMCINE en los últimos años a cortometrajes de animación.

Año Título Cortometraje Director Categoría Monto

2014 Aceite y gas Esteban Azuela Animación $ 300,000.00

Suárez

2014 Fin del mensaje Eduardo B. Animación $ 300,000.00

Gutiérrez Múgica

2014 La máquina René David Reyes Animación $ 300,000.00

García

2014 Cerulia Sofía Catalina Animación $ 949,519.33

Carrillo Ramírez

56
2014 Elena y las sombras César Gabriel Animación $ 949,999.69
Cepeda Sánchez

2014 Los gatos Víctor Alejandro Animación $ 949,995.13

Ríos Rodríguez

2014 El árbol de la vida Alejandro Federico Animación $ 949,991.33

García Caballero

2014 El último suspiro Eduardo Martínez Animación $ 949,999.33

Pichardo

2014 La secta de los insectos Pablo Calvillo Animación $ 952,129.45

Méndez

2015 Poliangular Alexandra Animación $ 999,171.42

Castellanos Solís

2015 Gina David Alejandro Animación $

Heras Muñoz 1,000,641.18

2015 Canción de noche Karla Castañeda Animación $ 999,936.62

(Antes: Jack y la Ortega
muerte)

2016 Última Estación Héctor Dávila Animación $ 199,370.53

Cabrera

57
2016 Primos Jorge Federico Animación $ 800,000.00
Gutiérrez Obeso

2016 Humo Rita del Rosario Animación $ 800,000.00

Basulto Chávez

2016 Tío Juan José Medina Animación $ 800,000.00

Dávalos

2017 El ave María Miguel Anaya Animación $ 770,000.00

Borja

2017 Canicas Eduardo Altamirano Animación $ 770,000.00

Segovia

2017 Bouclette María Fernanda Animación $ 770,000.00

Lozada Muñoz

2018 La frontera Christian Arredondo Animación $ 800,000.00

Narváez

2018 El desfile de los Marcos Almada Animación $ 800,000.00

ausentes Rivero

2019 La casa de la memoria Sofía Rosales Animación $ 200 ,000

Arreola .00

2019 Emme: la niña y el oso Diego Antonio Animación $ 720,000.00

Acevedo Aguilar

58
 2019 Fonos Ana Gabriela Animación $ 720,000.00
Badillo Sánchez

Existen otros apoyos que provienen de esta institución, los cuales son destinados
exclusivamente a largometrajes. Algunos de estos apoyos están a cargo del Fondo
de Inversión y Estímulos al Cine (FIDECINE), el Fondo para la Producción
Cinematográfica de Calidad (FOPROCINE) y EFICINE 198.

Otro de los estímulos que más apoya a la creación de cortometrajes es el sistema

de apoyos a la creación y a proyectos culturales del Fondo Nacional para la Cultura
y las Artes, también conocido como FONCA. Al igual que el IMCINE, busca brindar
apoyos económicos a artistas. Aunque esta institución no solo le brinda apoyos al
sector cinematográfico, sino a artistas de cualquier disciplina, como música, pintura,
danza, diseño, arquitectura y artes visuales, entre otros. Dicho estímulo se otorga
en forma de beca y su principal función es incentivar al medio artístico a la creación
de proyectos y que de esta manera los ciudadanos puedan ejercer su derecho de
libre expresión mediante lo que más les gusta hacer.

El IMCINE se creó el dos de marzo de 1989, en la presidencia de Carlos Salinas de

Gortari. Lleva 31 años de servicio, en los cuales ha dado alrededor de 22,826
apoyos. Para obtener una beca los interesados tienen que presentar sus propuestas
artísticas, que serán evaluadas por un grupo de artistas y creadores que
dictaminarán si el proyecto es aprobado o no.

Cuenta con alrededor de 14 programas de apoyo que han incrementado desde el

momento de su creación, cada uno tiene el fin de cubrir las necesidades artísticas
que se han ido desarrollando a lo largo de los años. Estos estímulos son: Sistema

59
Nacional de Creadores de Arte, Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales,
Jóvenes Creadores, Creadores Escénicos, México: Encuentro de las Artes
Escénicas, Premio Nacional de Artes y Literatura, Apoyo a Grupos Artísticos y
Profesionales de Artes Escénicas “México en Escena”, Becas para Estudios en el
Extranjero, Apoyo a la Traducción (PROTRAD),Apoyos Especiales, Centro de
Experimentación y Producción de Música Contemporánea (CEPROMUSIC), Centro
de Producción de Danza Contemporánea (CEPRODAC), Compañía Nacional de
Teatro, Estudio de la Ópera de Bellas Artes (EOBA).

4.3 Distribución

En los últimos cuatro años las salas de cine han tenido más de 300 millones de
asistentes por año (gráfica 3), en el año 2019 el cine mexicano contó con 35.2
millones de espectadores.

Gráfica 3. Asistencia a salas de cine en 2010-2019

Fuente: Imcine con datos de festivales cinematográficos.

La oferta cinematográfica en nuestro país ascendió a 450 filmes, de los cuales 101
fueron nacionales, de acuerdo a las cifras del IMCINE, y de los 101 estrenos
mexicanos 45% solo se exhibió en 10 salas o menos, con una permanencia de entre
una y seis semanas en cartelera. El 55% restante estuvo de siete a 10 semanas en

60
cartelera, algunas incluso más, como Un filósofo en la arena (Muñoz,2018), Las
niñas bien (Márquez, 2018) y Chicuarotes (García,2019), con 15 semanas en
cartelera, y Belzebuth (Portes,2017), con 17 semanas.

México ocupó en 2018 el cuarto lugar en el top 10 de los países más taquilleros (por
número de boletos vendidos; 332 millones), y el cuarto puesto en salas de cine, con
siete, 182 salas; a su vez un mexicano adquiere en promedio 2.7 boletos al año
(Forbes,2019).

Estas cifras son una muestra de que México es un país asiduo al cine y aunque en
apariencia se creería que existe una gran oferta cinematográfica, si se ve más a
fondo observamos que la oferta en filmes existe, pero no en exhibición. Es
importante dejar sobre la mesa el panorama del cine mexicano y su consumo. De
esta forma podemos denotar la nula oferta que existe en cuanto a la exhibición de
cortometrajes.

Ninguna sala de cine en la República Mexicana cuenta con un programa de

cortometrajes dentro de su cartelera ni proyecta filmes de corta duración. El
mercado se encuentra totalmente acaparado por películas de origen
estadounidense y de cine comercial. De la asistencia registrada, 96% corresponde
a la oferta comercial. El IMCINE ha declarado que:

"Toy Story 4 lideró la taquilla con 25 millones de espectadores. Por su parte,

el cine nacional obtuvo solo 10% de las entradas, al contabilizar 35.2 millones
de espectadores. De los 101 estrenos mexicanos del año, 46% se exhibió en
menos de 10 pantallas y 20% tuvo una duración de tres semanas en cartelera,
mientras que 53 de los estrenos mexicanos sumaron apenas 79 000
espectadores, No manches Frida 2 fue vista por 6.6 millones de personas".
(IMCINE,2019)

Comparemos esta cifra con el multipremiado largometraje de Lila Avilés: La

camarista (2018). Dicho filme tuvo una permanencia de 12 semanas en las salas de

61
cine y asistieron a verlo 78 472 espectadores. La cifra es poco más de 1% de
asistentes frente a la película de Nacho G. Velilla No Manches Frida. Por momentos
pareciera que la oferta puede ser equiparable si se habla de la permanencia de
ambas películas en las salas de cine, pero si agregamos el número de pantallas en
las que estuvieron los filmes veremos cómo es una competencia desigual, 3 867
fueron las pantallas en las que se pudo ver No Manches Frida 2 (2019), mientras
que La camarista solo fue proyectada en 58 pantallas. Sí así analizamos cada una
de las producciones mexicanas, encontraríamos un panorama más preocupante.

La distribución de los cortometrajes de animación en México se enfrenta a un

problema, ya que estos no encuentran un lugar específico en la industria
cinematográfica, y es por ello que se han buscado nuevas plataformas y espacios
para su difusión.

4.4 Exhibición

La exhibición de cortometrajes en las salas de cine no es algo común o que forme

parte de la cartelera habitual, a excepción de cuando se trata de festivales de cine
que tienen su sede en algún recinto cinematográfico. Dentro de esta tendencia, los
festivales forman parte esencial en el quehacer cinematográfico. En México se
realizan más de 150 festivales al año, según el Anuario Estadístico de Cine
Mexicano, lo cual no solo contribuye en la exhibición, sino en el acceso de los
mexicanos a la cultura. Es importante resaltar que la mayoría de los festivales
existentes en nuestro país tienen un amplio programa dedicado al cine de corta
duración y específicamente la animación ocupa un gran espacio dentro de los
programas cinematográficos. En dichos festivales no solo vemos que el
cortometraje y el cortometraje de animación están presentes, sino que conforman
más de la mitad de los programas.

Hay una gran cantidad de festivales de diversas categorías: festivales temáticos que
tratan el medio ambiente, violencia de género, discriminación y comunidades

62
LGBTTTIQ; festivales de géneros como terror, documental, animación, ficción,
comedia, entre otros, y especializados como los que presentan creaciones de
mujeres, técnicas de animación, videojuegos y más. Entre los principales festivales
que se llevan a cabo dentro de la República Mexicana que se enfocan en exhibir
cortometrajes de diferentes temáticas y géneros están:

El Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), que se lleva a cabo en octubre

en Morelia, Michoacán. Se enfoca en la difusión del cine y la creación, generando
nuevos intereses tanto en el cine nacional como en creadores y creadoras fílmicos,
así como del género de animación. Tiene un gran prestigio nacional y es
considerado uno de los festivales más importantes de cine en América Latina.

El Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG), que se lleva a cabo en

marzo. Evento de gran importancia cultural en el país debido a la importante
promoción que hace de la industria fílmica mexicana e iberoamericana. Esto ha
permitido al FICG posicionarse a nivel internacional como uno de los espacios más
importantes para el séptimo arte, en donde se encuentra un espacio de intercambio
de ideas entre los profesionales del cine y los artistas emergentes. Es de resaltar
que cuenta con una categoría para animación.

Corto Creativo, festival y muestra internacional de cortometrajes (UDCI). Se lleva a

cabo en Baja California, del 23 al 25 de septiembre con su 17° edición. Dicho festival
proyecta audiovisuales ya sean profesionales o de estudiantes con el fin de expandir
el interés de los más jóvenes. Esta muestra de cine solo presenta cortometrajes de
diferentes categorías, tanto de animación como de ficción.

La Muestra Internacional de Escuelas de Cine y medios audiovisuales. Este festival

presenta conferencias, mesa redonda, talleres y proyecciones de cortometrajes y

63
largometrajes realizados por alumnos o maestros inscritos a escuelas de enseñanza
cinematográfica. Se realiza en Mexicali, Baja California, en septiembre.

Veracruz Short Film Festival. Se lleva a cabo en agosto. Es un festival mundial de

cine que busca atraer al público a crear conciencia y entretener a través de los
audiovisuales. Promueve el intercambio de conocimiento entre creadores,
directores, fotógrafos y productores del cine. Creado por Héctor Aguilar, director del
festival.

El Festival Internacional de Cortometrajes en México (Shorts México), organizado

por Jorge Magaña e Isaac Basulto. Es el más grande de Latinoamérica. Se enfoca
exclusivamente en cortometrajes. Apoya y promueve las nuevas creaciones.
Regularmente se lleva a cabo en septiembre en diferentes localidades de la
República y en otros países. Lleva 15 años realizándose. Cuenta con diferentes
categorías de competencia en las diferentes producciones inscritas: documental,
ficción y animación.

Tlanchana Cultura Audiovisual es una asociación civil sin fines de lucro que realiza
de manera anual el festival Tlanchana fest en Valle de Bravo, Estado de México, en
abril. Lleva seis años realizándose, con el patrocinio del gobierno del Estado de
México, el municipio de Metepec, Cinépolis, Cineteca Mexiquense, entre otros.
Tiene como propósito generar espacios para los artistas del cine mexicano. Se
enfoca particularmente a la exhibición de largometrajes y cortometrajes de ficción,
documental y animación. Al final del festival se lleva a cabo una premiación de
diferentes categorías como incentivo a la participación de nuevos talentos, para así
fomentar la participación del cine nacional.

Se encuentran festivales especializados en temáticas o técnicas de productos

audiovisuales. Uno de ellos es el Festival Internacional de Cortometrajes
Ambientales (ECOFILM). Se realiza cada año en México desde 2012. Busca la
realización de cortometrajes especializados en el tema del medio ambiente para así

64
crear conciencia en la sociedad sobre dicha problemática. Es patrocinado por
instituciones y empresas comprometidas con el medio ambiente. Es organizado por
Emmanuel Acha y Mercedes Alemán.

El Femme Revolution Film Festival otorga reconocimiento a la creación de las

mujeres en el ámbito cinematográfico, proyectando obras escritas, producidas,
dirigidas y/o protagonizadas por mujeres mexicanas. Dicho evento tiene como fin
acabar con la discriminación y la desigualdad que vive la mujer en la industria. Se
exhiben largometrajes en donde se lucha contra los estereotipos de género. Este
festival se llevó a cabo desde en 2019 del 28 de marzo al cuatro de abril en la Ciudad
de México. Es patrocinado por Ciudad de México, Cineteca Nacional, HP, Intel,
Cinépolis y Sala de Arte, entre otros.

Ambulante es un festival que se realiza cada año. Fue creado por Diego Luna, Gael
García Bernal, Pablo Cruz y Elena Fortes desde 2005. Auspiciado por una
asociación civil sin fines de lucro, en colaboración con Canana Films, Cinépolis y el
Festival Internacional del Cine de Morelia (FICM). Se exhiben películas de corte
documental a través de una gira por los estados de la República durante dos meses
con diferentes sedes. Tiene el fin de apoyar el cine documental y resaltar su
importancia en la cultura y la sociedad mexicana. Dicho festival tiene una sección
llamada “Ambulantito”, dirigida a niños, en la cual los cortometrajes de animación
son los que más destacan.

Entre los festivales únicamente de Animación se encuentran:

Pixelatl, Festival de Animación, Videojuegos y Cómic. Es uno de los más

reconocidos en latinoamérica. Se lleva a cabo en Cuernavaca, Morelos, en
septiembre. Convoca a creadores de animación, videojuegos y cómics a la
exhibición e intercambio de proyectos y conocimientos, a través de proyecciones de
cortometrajes y largometrajes animados junto con espacios de formación de

65
conocimiento, como exposiciones, conferencias y talleres. Los patrocinios vienen
en su mayoría de empresas, de los asistentes al evento y en menor medida del
gobierno.

Animasivo, Festival de Animación Contemporánea. Se lleva a cabo en la Ciudad de

México entre noviembre y diciembre. Es un espacio dedicado exclusivamente a la
animación en el cual se muestran cortos de nuevos animadores de carácter
independiente o de autor. Crea conexiones con animadores de diferentes partes del
mundo, ya que también se realiza en países extranjeros. Este evento llega a su 12°
año consecutivo, apoyado por la Secretaría de Cultura, Cineteca Nacional, IMCINE,
Gobierno de la Ciudad de México, Fideicomiso, Domestika, Casiopea, entre otros
más.

El Cut Out Fest. Se realiza en la ciudad de Santiago de Querétaro, Querétaro, en

noviembre. Es reconocido por ser el festival de mayor importancia en la
competencia de cortometrajes de animación internacionalmente. Presenta además
talleres, conferencias y proyecciones de nuevas producciones. Es apoyado por la
Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, la de Querétaro, IMCINE, Museo
Ciudad de Querétaro, Instituto Tecnológico de Monterrey, Cerveza Victoria, revista
Picnic, entre otros.

El Festival Internacional de Stop Motion, se lleva a cabo del 15 al 17 de Agosto en

el Centro Nacional de las Artes (CNA), Ciudad de México. El festival se encarga de
inscribir proyectos de animación únicamente por la técnica de stop motion. Dicho
festival, conjunta a profesionales, estudiantes y principiantes para desarrollar la
técnica de cuadro por cuadro e intercambiar conocimiento. Se llevan a cabo
conferencias, talleres, master class, proyecciones de cortos, competencias y
actividades de creación. Fue creado en los Estudios Churubusco por Mónica

66
Rodríguez y Marlizeth Martínez, directoras del festival en su primera edición en
2011.

Por último, tenemos el Premio Ariel, patrocinado por la Academia Mexicana de Artes
y Ciencias Cinematográficas (AMACC), el cual se lleva a cabo en el Palacio de
Bellas Artes, Ciudad de México. Este evento se realiza cada año con el objetivo de
reconocer el trabajo de la industria de cine mexicano e incitar a nuevos proyectos
mexicanos y encontrar un espacio para los artistas.

Tiene varias categorías: Ariel de plata a mejor: actriz, actor, coactuación femenina,
coactuación masculina, cortometraje de animación, cortometraje documental,
cortometraje ficción, dirección, diseño de arte, edición, efectos especiales,
fotografía, guion original, guion adaptado, largometraje de animación, maquillaje,
música original, ópera prima, película iberoamericana, revelación actoral, sonido,
vestuario y Ariel de oro a mejor película.

Ejemplificamos la relevancia e importancia del cortometraje de animación con ayuda

de tres festivales cinematográficos de diferente índole dentro del país, como son el
Festival Internacional de Cine de Guadalajara, el Festival de cine documental
Ambulante Gira de Documentales y el Cut Out Fest, los cuales permiten mostrar la
principal forma de exhibición a la que se suscriben los cortometrajes, y cómo estos
acaparan la exhibición en los festivales.

El Festival Internacional de Cine de Guadalajara, en su programa de mano de la

edición 35, tiene una selección de poco más de 130 películas de todo el mundo, de
las cuales 57 corresponden al formato de corta duración, desglosado de la siguiente
manera:

67
Cortometraje Iberoamericano

Ficción: 20 filmes en competición.

Documental: 10 filmes en competición.

Premio Internacional Rigo Mora de Cortometraje de Animación.

19 cortometrajes animados en competición.

Otras categorías

3 cortometrajes dentro de la categoría "Culinario".

5 cortometrajes dentro de la categoría "Hecho en Jalisco": 3 de ficción y 2 de corte

documental.

Desde este punto de vista, vemos que 45% del programa del festival está
compuesto por películas de corta duración, de las cuales 30% corresponde a la
categoría de animación.

Dentro del Festival de cine documental Ambulante, en su gira de documentales de

su 14va edición contó con 138 filmes de los cuales 76 son cortometrajes. El festival
se divide en ocho categorías y ninguna de estas es competitiva. Además,
encontramos que la sección dedicada a los niños "Ambulantito" está compuesta solo
de cortometrajes animados.

Pulsos de 13 películas, solo 2 son cortometrajes.

Intersecciones, compuesto por 18 largometrajes.

Injerto cuenta con 40 cortometrajes divididos en 6 programas.

68
Ambulante Más Allá corresponde a los cortometrajes producidos por el festival y
cuenta con 6 filmes.

Resistencias se compone de 8 largometrajes y 1 corto.

Sonidero cuenta con 7 filmes y solo 1 es de corta duración.

Ambulantito se divide en 2 programas y cuenta con 27 cortos infantiles (animación).

Retrovisor con 9 programas y 2 largometrajes.

Según noticias del Instituto Mexicano de Cinematografía, "La edición constó de 138
documentales de 26 países hablados en más de 20 idiomas, entre ellos 12 lenguas
indígenas. Su programación contempló tres estrenos mundiales y 41 estrenos
nacionales. 40 títulos son producciones mexicanas, entre ellos hay diez óperas
primas." (IMCINE,2019)

Es importante resaltar que 55% del programa de la gira de documentales está

compuesta por filmes de corta duración; sin embargo, dentro de los boletines de
prensa nunca se anuncia como tal con cuántos cortometrajes cuenta el festival, sino
que se habla de la generalidad de las películas con las que cuenta el programa.

Por último, revisaremos el programa de mano del festival Cut Out Fest, el cual es
un festival especializado en animación y arte digital y es considerado el más
importante del país en esta índole. Una de sus principales características es la gran
selección de cortometrajes internacionales animados que compiten año con año. La
competencia no hace distinciones en cuanto a región geográfica ni en técnicas de
animación, pero se divide en cuatro categorías.

El programa 2019 correspondiente a la undécima edición se segmenta de la

siguiente manera:

69
Universitario, compuesto por 6 programas de 1 hora y un total de 50 cortometrajes.

Narrativa, con 43 filmes divididos en siete programas de una hora.

Videoclip, 23 cortometrajes dividido en dos programas.

Experimental cuenta con 18 películas de corta duración.

Además, se suma una categoría fuera de competencia titulada: "Cortos mexicanos",

con un total de ochos filmes.

Con un extenso programa de 134 cortometrajes en competencia, ocho fuera de

competencia y cuatro largometrajes animados, el Cut Out Fest reúne lo mejor de la
animación a nivel mundial en el estado de Querétaro, donde por 11 años
consecutivos se han congregado miles de estudiantes y profesionales de las artes
digitales.

4.4.1 Infraestructura de exhibición

En la República Mexicana se tienen contabilizadas 7,493 pantallas en salas

comerciales, siendo 469 más que en 2018. Además, en 2019 se contabilizaron 615
espacios alternativos, de los cuales 71% son gratuitos. En la Ciudad de México se
concentra el 28% del total de estos, y estados como San Luis Potosí, Sinaloa y
Quintana Roo registran menos del 1% (Mapa 1).

70
 Mapa 1. Espacios alternativos de exhibición en 2019 por región.

La forma de ver cine está cambiando, y las diferentes opciones de exhibición

permiten que la práctica social que supone ir al cine perdure y se convierta en una
actividad relativamente fácil para la diversidad de públicos existentes, así como en
el aspecto económico y geográfico. Es importante señalar que según datos del
IMCINE en 2018 se tuvo una afluencia de 320 millones de personas en los cines;
sin embargo, hay que resaltar que 25% de las salas cinematográficas, circuitos de
festivales y espacios alternativos se encuentran en la Ciudad de México y Estado
de México, por lo que algunas poblaciones no tienen asegurado el acceso a esta
práctica.

71
"En 2019 se realizaron 168 festivales y eventos cinematográficos en el país, 13
más que el año anterior, con un promedio de duración de 10 días cada uno. Se
contabilizaron 15 de primera edición y 21 festivales o eventos con actividad de
itinerancia.

En los últimos 10 años se registró un aumento de 69% en el número de festivales

en México; sin embargo, hay estados que cuentan con solo uno: Aguascalientes,
Campeche, Chiapas, Nayarit, Tabasco, Tamaulipas y Zacatecas, y Sinaloa con
ninguno; en esta última entidad, 81.5% de los hogares no gastan en cine (comprar
un boleto para una función).

El estado donde se llevaron a cabo más festivales fue la Ciudad de México, con
38 (22% del total), seguido de Guanajuato y Michoacán, con nueve cada uno
(mapa 2). De los 168 festivales y eventos registrados, 65% es de acceso gratuito
y 26% con venta de boletos a un precio promedio de entre 41 y 50 pesos.
Asimismo, 64% realizan actividades de formación y 71% ofrecen cartelera de
extensión, como proyecciones comunitarias en espacios públicos, escuelas,
casas de la cultura y centros de barrio". (IMCINE, 2019)

Mapa 2. Festivales y eventos cinematográficos en 2019 por estado.

72
Como podemos apreciar, existe una centralización de los eventos cinematográficos
en ciertos estados del país, lo cual genera una desigualdad en el acceso a la cultura
para los mexicanos. Un ejemplo de esto es la cantidad de pantallas por región
(gráfica 4): mientras en la Ciudad de México existen 1840, en estados como
Zacatecas o Nayarit solo tienen 41 y 42 pantallas respectivamente.

Gráfica 4. Porcentaje de pantallas por región en 2019.

Además, vemos cómo los estados más pobres son los que cuentan con menos
festivales y también con menos pantallas cinematográficas por habitante (gráfica 5).

73
 Gráfica 5. Habitantes por pantalla en 2019.

La barrera de la pobreza que enfrentan estados como Chiapas, Guerrero, Oaxaca,

Puebla y Veracruz, los cuales según el INEGI tienen mayores índices de población
en pobreza (un estimado de más de 58% de su población), es una cifra que puede

74
vincularse con la estadística de los hogares que no gastan en cine: correspondiente
a más de 90% de la población en dichas entidades (gráfica 6). Aunado a esto, poco
más del 30% de dicha población también declaró no asistir al cine por miedo a ser
víctima de la violencia que se vive en nuestro país.

Mapa 3. Acceso a la cultura cinematográfica por región.

Fuente: Imcine con datos de festivales cinematográficos.

Y aunque son muchos los factores que cuentan para la marginación cultural que
vive nuestro país, a la vez también se hacen grandes esfuerzos por combatir la
desigualdad. Un ejemplo de esto es el estado de Chiapas, en el que desde hace
algunos años distintas agrupaciones han hecho una gran labor para llevar cine a los
lugares más alejados de la región, y se ha impulsado la realización de este dentro
de las mismas comunidades, generando una cultura cinematográfica.

75
 "Esfuerzos ejercidos por colectivos, galerías, asociaciones civiles, grupos
de trabajo y universidades han permitido llevar las películas realizadas en
Chiapas a las propias comunidades, en un estado que ha sufrido olvido y
despojo sistémico y estructural. Pero aun con esta historia adversa, el cine
existe en estas latitudes: se hace, se exhibe, se mira, se escucha, se
disfruta, se comenta, se vive". (IMCINE,2019).

Pese a este panorama, es necesario decir que México cuenta con más de una
veintena de festivales especializados en animación, lo cual supone una gran
infraestructura para el cortometraje animado. Aquí la lista de algunos de los
festivales más significativos para la animación mexicana:

1. Animasivo

2. Ambulante

3. Campus Party

4. Creativa Fest

5. Cuadrante

6. Constructo

7. CutOut Fest

8. Dehache

9. Design Fest

10. DevHr

11. EcoFilm

12. Giff

13. La Mole

76
14. Locomoción

15. Mutek

16. Oaxaca Film Fest

17. OFFF Mx

18. Pixelatl

19. Segunda Llamada

20. Short Shorts

21. Stop Motion Mx

22. Sublime Jalisco

23. Tlanchana

24. VR Fest Mx

A esto se suman las nuevas plataformas digitales, que en los últimos años se han
popularizado y se han vuelto parte de nuestro cotidiano. Sin embargo, para los
formatos de corta duración aún no representan un espacio de exhibición, ya que
muchas de estas plataformas no cuentan o no aceptan dentro de su catálogo al
cortometraje. En la siguiente tabla podemos observar las plataformas disponibles
en México y el número de cortometrajes que tienen para su visualización.

Tabla 1. Número de películas y series de TV mexicanas en catálogos de plataformas digitales

disponibles en México en 2019.

77
 Fuente: Imcine con datos de festivales cinematográficos.

Por su parte, la plataforma FilminLatino[2], se ha convertido en un gran referente

para la preservación y exhibición del cine mexicano, además de tener un extenso
programa de cortometrajes en comparación con las otras plataformas.

Hacer una película en México es toda una odisea, y el panorama para el

cortometraje animado parece ser aún peor. Por un lado vemos la falta de
presupuesto, los pocos apoyos que se ofrecen (el IMCINE otorga de dos a cuatro
por año para cortometraje animado), y aunque el realizador supere ese obstáculo,
una vez realizado el filme se enfrentará a una realidad aún más dura en el momento
de la distribución y la exhibición, pues se dará cuenta de que los espacios
disponibles para exhibir simplemente no existen.

“El problema está en la distribución y la exhibición, es muy injusta”, dice el periodista

especializado en cine Arturo Magaña. Y es que, afirma, las salas comerciales no
difunden esta clase de cine.

78
[1] Juan Felipe Leal y Eduardo Barraza, “Jacalones y permisos. La instalación de cinematógrafos entre

1898-1904”, Revista Mexicana de Ciencias Políticas y Sociales, vol. 40, núm. 161, México, 1995, p. 184

[2] FILMINLATINO Esta iniciativa de la Secretaría de Cultura y el Instituto Mexicano de

Cinematografía cuenta con la sección Gratis MX, que ofrece más de 500 títulos, entre cortos
y largometrajes de documental y ficción, de todos los periodos de la historia del cine
mexicano.

79
C
A
P
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CREADOR:
O TRABAJO DE
CAMPO
5

80
5.1 Metodología

La presente investigación se divide en dos partes. La primera está integrada por

una investigación teórico documental acerca de la producción del cortometraje de
animación en México; un tema casi inexplorado y del que existen pocos estudios.

La segunda parte corresponde a un trabajo de campo empírico de corte cualitativo

y cuantitativo donde se exploran diferentes aspectos del cortometraje y la
animación, todos ellos diseñados para conocer diferentes puntos de vista del
cortometraje de animación, eje central de la investigación, integrados por:
1. Encuesta
2. Entrevista
3. Análisis cinematográfico

Primera parte: La encuesta

La encuesta tiene por objetivo conocer el interés de la audiencia con respecto a la
exhibición de los cortometrajes en cine y televisión. Para este fin se elaboró un
cuestionario dirigido a espectadores dentro del rango de edad 18 a 35 años que
afirman asistir al cine por lo menos una vez al mes. Ello nos permitió tener una
muestra de consumidores adultos con experiencia cinéfila y capaz de distinguir los
diferentes géneros cinematográficos. La encuesta fue aplicada de manera online
mediante la plataforma digital Facebook durante cuatro días. Los reactivos
estuvieron integrados por cuatro preguntas:
• ¿Te gustaría que pasaran cortometrajes antes de una película en el cine?
• ¿Pagarías por ver un programa de cortometrajes en el cine? (por ejemplo:
10 cortometrajes de terror)
• ¿Te gustaría ver un cortometraje antes de que comience una película en
la televisión?
• Si fuera más fácil encontrar cortometrajes de tu interés ¿Los verías?
Una vez finalizada la encuesta, se registrará la información obtenida para
posteriormente darle una interpretación final a los resultados.

81
Segunda parte: La entrevista
El objetivo de la entrevista fue conocer la perspectiva de los realizadores de
cortometrajes de animación, misma que se realizó bajo la técnica de entrevista a
profundidad.

“Las entrevistas en profundidad son técnicas cualitativas de investigación

que se estructuran a partir de objetivos concretos” (Robles,2011:42). “Son
flexibles y dinámicas, y se ejecutan con reiterados encuentros cara a cara
entre el entrevistado y el entrevistador con el objetivo de que tanto las
perspectivas como las experiencias y situaciones vividas por el informante
sean comprendidas por el investigador, en consecuencia, se establece una
conversación entre iguales, donde los roles no están totalmente definidos.”
(Taylor,1990:1)

Las entrevistas están diseñadas en diferentes etapas, integradas por:

1. Selección de los entrevistados.
2. Elaboración de reactivo o batería temática de preguntas.
3. Realización de la entrevista.
4. Vaciado o concentración de la información.
5. Interpretación.

Selección de los entrevistados

Las entrevistas están dirigidas a directores mexicanos especializados en
cortometraje de animación; la selección de los participantes se basó en los
siguientes criterios:

1. Contar con una producción de cortometrajes de animación de 2014 a 2019.

2. Haber recibido algún apoyo para la producción de sus cortometrajes del
Instituto Nacional de Cinematografía (IMCINE) o la Secretaría de Cultura
con el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA).

82
 3. Haber obtenido una nominación en los Premios Ariel, en el Festival
Internacional de Cine de Guadalajara o en el Festival Internacional de Cine
de Morelia.

Elaboración de reactivo
Con el fin de guiar la entrevista se establecieron las temáticas base del interrogatorio
y que tienen correlación con lo desarrollado en la primera parte teórica de la
investigación:
• La animación en México.
• Producción de animación en México.
• Técnicas usadas en México.
• Las tecnologías y su influencia en el desarrollo de la animación.
• La formación académica y su correlación con el desarrollo de la
animación.
• Distribución y exhibición del cortometraje de animación.
• El cortometraje de animación en México.

Una vez realizadas las entrevistas, se concentró la información obtenida para

finalmente darle una interpretación final.

Tercera parte: Análisis cinematográfico

Para esta última parte de la investigación empírica se seleccionará un cortometraje
que haya sido realizado por los directores seleccionados para las entrevistas,
realizándose un análisis cinematográfico bajo la metodología propuesta por
Francisco Javier Gómez Tarín, que consiste en “descomponer el filme en sus
elementos constituyentes (deconstruir = describir) y establecer relaciones entre
tales elementos para comprender y explicar los mecanismos que les permiten
constituir un “todo significante” (reconstruir = interpretar)” (Gómez,2006:7).
Los análisis deben contar con mecanismos de autoría e interpretación de las
películas analizadas porque con ello se comprende el contexto en el que se
desarrolla el filme.

83
El análisis de cada cortometraje incluye:
1. Información del cortometraje: ficha técnica, sinopsis y contexto.
2. Análisis: imagen, sonido, personajes, narración (inicio, desarrollo, clímax,
desenlace y final).
3. Análisis de una secuencia (fotogramas, puesta en escena, montaje,
género, estilo, intertextualidad).
4. Análisis ideológico en el cortometraje.
5. Conclusiones
Finalmente se confrontaron los resultados de los tres instrumentos de la fase
empírica: encuesta, entrevista y análisis cinematográfico, con la fase teórico
documental, lo que nos permitirá llegar a conclusiones generales con base en los
resultados obtenidos.

5.2 Conclusiones del trabajo de campo empírico

5.2.1 La encuesta

Después de realizar una encuesta electrónica a 180 personas de entre 18 y 35 años,

que declararon asistir al cine al menos una vez por mes, se obtuvieron los siguientes
resultados:

El 96% declaró que le gustaría ver un cortometraje antes de una película en el cine;
solo 7 personas (3.9%) declararon que no les gustaría (ilustración 1), exponiendo
que su negativa se debe a que actualmente el cine abusa de exhibir comerciales
antes de iniciar la película. Además consideran que la selección de cortometrajes
que se ofrecen están limitados a contenidos de arte o infantiles.

84
 Ilustración 1

El 37% declaró que no le gustaría ver un cortometraje antes de una película en la

televisión (ilustración 2).
El argumento expuesto es que seleccionar algo en la TV es para ver el contenido
elegido de inmediato y un cortometraje los distrae de su objetivo.

Ilustración 2

85
El 79.5% declaró que pagaría por ver un programa de cortometrajes en el cine; por
ejemplo, 10 cortometrajes animados (ilustración 3).

Illustracion3

Por último, el 97% declaró que le es difícil encontrar cortometrajes y sobre todo con
temáticas específicas, agregando que les gustaría que existieran salas
cinematográficas o plataformas donde se proyecten cortometrajes (ilustración 4).

Ilustración 4

La encuesta nos permite demostrar que existe interés en el consumo del

cortometraje, pero el mayor problema se encuentra ligado a su exhibición, por lo

86
que se hace necesario difundir y promover el género. Es decir, observamos que hay
consumidores para el cortometraje, pero que el problema se localiza en la necesidad
de crear mecanismos que permitan su circulación para que encuentre nuevos
espacios de proyección tanto en salas comerciales, espacios alternativos así como
en medios electrónicos y digitales.

5.2.2 Efectos y derivaciones de las entrevistas

Después de realizar la entrevista a los tres directores de animación mexicanos

(anexo 1) pudimos establecer algunos criterios del cortometraje de animación en
México bajo la mirada de dichos realizadores.

Vimos que la producción se divide en comercial e independiente. Las creaciones

comerciales tienen que ver con agencias, clientes y largometrajes. Por otro lado, la
animación independiente es la que produce cortometrajes, es importante resaltar
que estos no cuentan con una retribución económica, pero su creación es apoyada
por instituciones gubernamentales, algunos festivales y certámenes de cine que
cuentan con apoyos específicos para la producción de cortometrajes animados.
Estos cuentan con un éxito en los festivales nacionales e internacionales, donde el
mundo voltea a ver a México en cuestiones de animación.

Para producir un cortometraje de animación es necesario contar con apoyos o

subvenciones, ya que sin estos es prácticamente imposible realizarse. Es
importante resaltar que en muchas ocasiones el cortometraje es producido con
dinero del director, ya sea dando masterclass, obteniendo becas o haciendo
publicidad, para después invertir en la producción de su cortometraje independiente.

El presupuesto es muy importante para lograr un cortometraje de calidad, sin

embargo, sin los apoyos gubernamentales el tiempo de producción se extiende.
Este tipo de producción conlleva un aprendizaje y una libertad creativa total.

87
La técnica más usada por los directores mexicanos de animación es el 2D,
predominando en la mayoría de los cortometrajes. Sin embargo, la estética
empleada en cada uno de ellos es muy diferente, por lo que podemos decir que no
hay un estilo que identifique a los animadores mexicanos. Las producciones
distinguidas internacionalmente son conocidas por ser realizadas en Guadalajara,
donde se emplea mayormente la técnica del stop motion y predomina la estética
lúgubre, el estilo de personajes, color, etc. Un ejemplo de esto son los cortometrajes
de los siete directores pertenecientes al taller de Chucho: Rita Basulto, Sofía
Carrillo, Carla Castañeda, René Castillo, León Fernández, Juan Medina y Luis
Téllez.

Por otro lado, vemos cómo la tecnología tiene una gran influencia en el mundo
animado generando que los procesos sean cada vez más fáciles y más accesibles,
usando programas y softwares que facilitan el trabajo de los animadores lo que
antes era más complicado de manejar en varios procesos ahora con dos softwares
se puede realizar. Sin embargo, esto ha generado una estandarización de los
procesos de la animación y pese a que ahora son más efectivos se ha perdido el
sentido del proceso creativo, que ahora es más mecánico.

El panorama actual que nuestros entrevistados dilucidan es prometedor para la

animación mexicana, ya que, gracias a la profesionalización de la animación, su
crecimiento gradual en los últimos años y su exhibición en festivales nacionales e
internacionales ha puesto los ojos en México. Generando una mayor producción de
cortometrajes animados y el interés de las nuevas generaciones por formarse como
animadores.

Los animadores más experimentados tienen otra formación académica, en carreras

como en el cine, la comunicación, diseño gráfico, artes visuales, entre otras. Sin
embargo, en estos momentos, el panorama ha cambiado gracias a la demanda de
parte de las nuevas generaciones por la animación. Pese a que existe una oferta,
esta solo se da en escuelas privadas y no ofrecen los elementos necesarios, ya que
estas escuelas en estos momentos están especializadas en diferentes ramas de la

88
animación y cada una de ellas le da diferentes enfoques, ya sea en la técnica, la
narrativa o la dirección. Muchas escuelas no logran dar la formación necesaria a
sus alumnos y se terminan formando en la práctica.

Los festivales son el principal medio de distribución y exhibición para el cortometraje

de animación ya que, en las diferentes formas de distribución en la industria
cinematográfica, el cortometraje animado en estos momentos no tiene una amplia
exhibición. Un ejemplo de esto son las plataformas digitales, las cuales en su gran
mayoría no tienen dentro de su catálogo cortometrajes animados, y rescatando solo
la plataforma FILMIN Latino, que cuenta con los cortometrajes producidos por el
IMCINE.

Es por ello que los realizadores buscan inscribir sus obras a festivales para así tener
un reconocimiento y exhibición nacional e internacional, los cuales en muchos casos
son ganadores de galardones. Debido a que la animación independiente conlleva
una satisfacción personal, pero no es redituable, ya que el cortometraje de
animación no es lucrativo.

89
5.2.3 Análisis cinematográficos
Ficha del cortometraje

El trompetista
Año: 2014
Duración: 9:53 minutos
Director: Raúl “Robin” Morales
Reyes
Producción: César Moheno Plá,
Jennifer Sharbnik
Guión: Raúl “Robin” Morales Reyes
Animación: Guillermo Calderón
Lara, Eduardo Vazquez Vazquez,
Alex Reyes, R. Estrella Neri,
Eduardo Pichardo, Carlos Joaquin
Lopez Chavez
Dirección de Arte: Renne Chino
Imagen 18.Cartel de “El
O’Shea trompetista”
Diseño Sonoro: Mutante Media, Javier Ivan Perez, Humberto
Corte, Manuel Alejandro Gutierrez
Música: Leoncio Lara Bon, Jaime”Oso” Pavón
Compañías Productoras: Instituto Mexicano de Cinematografía
(IMCINE)

Link para ver el cortometraje:

https://www.filminlatino.mx/corto/el-trompetista/722

90
Sinopsis
Un trompetista joven se encuentra en una banda de guerra, en donde el líder, que
es una especie de general viejo del ejército, no le permite tocar la música que a él
le sale natural, forzándolo a tocar con rigidez notas que él le pide, pero como el
trompetista tiene mucha creatividad artística toca melodías armoniosas y coloridas,
cosa que le desagrada al general, quien como una reprimenda por no seguir
órdenes y contradecirlo lo encierra constantemente en un cuarto apartado de los
demás como castigo, en donde al principio se pone triste pero logra animarse, tomar
valor y seguir sus deseos de tocar su música con gran entusiasmo a pesar de las
adversidades que se cruzan en su camino.

Contexto
El director Raúl “Robin” Morales ha logrado llevar su arte a muchos rincones del
mundo como Canadá, India, China y Portugal; es uno de los animadores mexicanos
que ha tenido reconocimiento internacional, logrando ganar algunos premios como
el Bosa Animation Award en el Festival Internacional de Corto de Animación de la
ciudad de Cerdeña, Italia.
Ganó el 12º. concurso nacional de proyectos de cortometraje del IMCINE en 2012,
sumando también el premio de la audiencia infantil en la edición 16 del festival de
cine latinoamericano Alucine, de Toronto. Fue premiado por su música con el
Premio 360 a Mejor Música Original por la Asociación Civil “Los Realizadores”.

El filme ha sido exhibido en numerosos festivales alrededor de todo mundo, entre

ellos el Internacional de Cine de Shangai, el Montreal International Children’s Film
Festival (FIFEM), así como el Festival Internacional de Cine de Mar de la Plata,
donde obtuvo la primera mención del jurado. También fue exhibido en el Kids World
Film Festival, en el Chicago International Children’s Film Festival y en el
International Leipzig Festival for Documentary and Animated Film.
También se exhibió en Australia en el Opera House de Sidney, como parte del
Australia’s International Film Festival for Kids; en el Woodpecker International Film
Festival en la India y en el Anifestrozafa Film Festival 2015 en Albania.

91
Imagen
Este cortometraje, al no tener diálogos, depende mucho del aspecto visual, ya que
a través de este sentido puede transmitir el mensaje que se quiere dar. Es un
cortometraje que se realizó con la técnica digital de animación bidimensional o mejor
conocida como 2D.

Los colores oscuros sobresalen en la composición del cortometraje; las diferentes

tonalidades de gris se pueden interpretar como de rigidez y encierro, reflejando de
esta manera el sentir del personaje central, con un ánimo bajo.

El escenario principal es un cuartel que tiene toda la pinta de ser una cárcel; está
en un lugar árido. El lugar se encuentra rodeado por una gran valla de metal; solo
se pueden apreciar en las tomas cenitales dos casitas diminutas y un gran edificio
largo de color gris.

Durante las escenas en donde el personaje está encerrado, la atmósfera y la luz

cambian a una tonalidad azulada en lo que parece ser la noche, mientras que
cuando está afuera, en campo abierto, las tonalidades cambian a marrones y
rojizos, solo hay un momento de introspección en donde el fondo cambia
completamente a negro y es iluminado con destellos de colores naranja, azul
celeste, rosa, verde y morado. El uniforme del protagonista también es de un color
un poco más fuerte que el de los otros soldados.

Los pocos matices brillantes pertenecen a la gama de los colores primarios o del
arcoíris; aparecen en los momentos en donde el trompetista muestra un buen humor
y toca música armoniosa; de su trompeta salen destellos coloridos que inundan la
habitación en donde se encuentra. Estos colores luego se intensifican y logran un
contraste neón que hace que las imágenes se vuelvan más vividas.

La mayoría de las tomas que se tienen son planos abiertos, ya que son muchos los
personajes que se quieren poner a cuadro; aun en los fotogramas en donde el

92
personaje principal está en solitario se le da una toma abierta para reflejar el vacío
y soledad; también podemos apreciar unas tomas en cenital en donde nos muestran
a grandes rasgos el lugar desde una perspectiva aérea.

Gama de colores aproximados empleados en el cortometraje

93
 Sonido
Los sonidos que vamos a encontrar en este corto principalmente son de trompetas
y tambores. Cuando el trompetista y el general comienzan a tener su conflicto
podemos percibir esta lucha de sonidos con un toque de “jazz” hasta que comienzan
a sonar varias trompetas; después se da un sonido de “señal o alarma” y suenan
todas las trompetas (de fondo se pueden escuchar algunos toques de tambores).

Al momento de atacar al general podemos escuchar trompetas tocando notas en

escala y tambores en un tono de marcha militar; además es posible percibir un
trombón, un bombo y el toque de platillos haciendo la música aun más profunda y
algo dramática. Cuando buscan derribar la puerta el trompetista lo intenta solo, por
lo que el sonido de una sola trompeta se percibe agudo, pero cuando todas tocan
al unísono es grave y potente; cuando logran salir el principal sonido son los
tambores y el bombo, marcado la marcha. Cuando todos se dirigen al horizonte, la
música militar de marcha y combate se transforma en una melodía alegre
acompañada por trompetas dando un tono de melodía triunfal.

Sonidos intradiegéticos: gruñidos, efectos de caer al suelo, personas marchando,

efecto de golpe, sonido de cadenas y metal chocando con el suelo, frases
ininteligibles.

Personajes

El trompetista: joven de pequeña estatura y complexión

delgada, de cabello y ojos café oscuro, nariz rosada y
redonda. Utiliza un uniforme rojo con negro y sombrero
alargado color rojo, zapatos negros.
Es un joven que se deja guiar por su amor a la música y
aunque intente seguir órdenes de su superior y hacer
las cosas como él le indique, no puede, ya que al
momento de tocar la trompeta sólo deja fluir el sonido.
Imagen 19. Personaje principal “El trompetista”

94
 General: Un hombre de complexión grande y robusta, de
edad mayor y canoso; sus cejas son muy tupidas;
presenta manchas en la cara y una quijada muy alargada.
También utiliza uniforme con insignias de acuerdo con su
rango y un sombrero con forma de boina. Tiene un
temperamento muy explosivo y es de mente cuadrada; no
tolera los errores y quiere que las cosas se hagan a su
manera; si no es así, está mal; no logra aceptar otras
propuestas y quiere tener a todos sus soldados bajo sus
órdenes e imponerles su pensamiento cuadrado.
Imagen 20. Antagonista de “El
trompetista”

Narración
Inicio
Al inicio se presenta el logo de CONACULTA y el de Instituto Mexicano de
Cinematografía, ambos en color azul grisáceo y con fondo negro. Posteriormente
se ve una escena donde se muestra cómo se abre una puerta en donde se
encuentra un joven que se ilumina con la luz proveniente de fuera (fotograma 1).
Pasa a negros con una leyenda que dice “Ganador del 12° concurso nacional de
Proyectos de Cortometraje de 2012. Vuelve a la misma escena, donde ahora se ve
cómo la luz de la puerta que se está abriendo le entra y molesta a un soldadito
(fotograma 2), al cual le avientan una trompeta (fotograma 3); él levanta la mirada
asombrado y pasa a blancos.

Aparece el título del corto: “El Trompetista”, con letras color naranja con gris; dentro
del dibujo de una trompeta blanca y el fondo haciendo alusión al cielo de un
atardecer, en colores naranja, rosa y blanco.

95
Fotograma 1

Fotograma 2

Fotograma 3

96
Desarrollo
Se muestra en una toma general un pabellón militar (fotograma 4); después a un
pelotón de soldados tristes y mal formados y a un general que llega y toca su
trompeta fuertemente, de la cual salen sonidos ásperos y unos cuadrados negros
(fotograma 5) que se esfuman, lo cual representa que ese general es “cuadrado”.
Los soldados se asustan por el sonido de la trompeta de su superior y se forman
correctamente. El general comienza a caminar entre ellos viéndolos fijamente y toca
su trompeta de nuevo; los soldados lo secundan tocando sus trompetas de las
cuales también salen cuadros un poco más pequeños que los del general y de color
blanco; sin embargo, por un instante se escucha un sonido distinto y armonioso que
proviene de la trompeta de uno de los soldados que hace enojar al general y provoca
que revise las filas buscando al soldado pequeño. Sus compañeros se separan de
él y lo dejan en medio (fotograma 6). El soldado continúa tocando la trompeta, lo
distinto en él es que se ve iluminado a comparación de sus compañeros, que se ven
grises; de su trompeta salen notas color naranja con formas distintas que se
escuchan alegres y avivadas. El general –que también es grisáceo– lo ve molesto
y toca su trompeta muy fuerte en la cara del soldado, mostrándole cómo debe tocar
la trompeta. Después de un par de intentos fallidos por lograr las notas graves y
fuertes; el general lo arroja a una celda como castigo (fotograma 7).

Al día siguiente el soldado es liberado de la prisión e intenta entrar entre su pelotón

para formarse, pero sus compañeros no lo dejan ; el general llega ante él para ver
si progreso en su forma de tocar y ya no es tan viva como el día anterior; el soldado
toca su trompeta y el general ve que no hubo progreso, por lo que en un arranque
de ira le arrebata la trompeta, la tira al suelo y lo manda de regreso a la celda. El
soldado comienza a tocar su trompeta en la celda y salen ondas con distintas formas
y de colores: azules, rosas, moradas y verdes, como si de fuegos artificiales se
tratara (fotograma 8). Él se pone feliz y comienza a tocar cada vez más; estas
formas lo envuelven y lo trasladan a otro lugar, donde se pierde en su melodía,
olvidándose por un momento del lugar en donde se encuentra (fotograma 9). No
obstante, en cuanto deja de tocar todo se desvanece. Después de la experiencia

97
que pasó, mira su trompeta y sonríe como si hubiera comprendido algo muy
importante. El soldado toca cada vez con más vivacidad y pasión, por lo que así
pasan varios días, en los que lo mandan constantemente a su celda, hasta que un
día el general ,ya harto de que no hay una “mejora”, le quita la trompeta (fotograma
10).

Fotograma 4

Fotograma 5

98
Fotograma 6

Fotograma 7

Fotograma 8

99
Fotograma 9

Fotograma 10

100
Primer punto de arranque

El soldado pasa toda la noche enojado porque le quitaron la trompeta; al día

siguiente el general va por él para sacarlo y darle su instrumento; el soldado camina
con coraje y determinación hacia su pelotón; el general toca su trompeta en la cara
del pequeño soldado y las notas cuadradas y negras salen como de costumbre,
pero el soldado también toca fuertemente su trompeta y salen notas cuadradas color
naranja y rojo. Ambos se miran fijamente como si de un duelo se tratara; el general
sonríe y se comienza a alejar del soldado con pasos largos, pero él lo mira con enojo
y toca su trompeta; el general lo quiere callar y quitarle la trompeta, pero el pequeño
soldado no se deja (fotograma 11), se zafa y cae entre su pelotón. El general lo
quiere buscar, pero entonces comienza a ver que salen ondas coloridas de las
trompetas de distintos soldados que se comienzan a revelar y a tocar vivazmente;
las gorras militares que cubrían la vista de los soldados comienzan a levantarse,
dejándolos ver todo, como si sus ojos se hubieran abierto (fotograma 12); se
dispersan y comienzan a marchar determinados, tocando sus trompetas hacia el
general, él –asustado– los ve y se echa a correr, pero choca con la otra mitad de
los soldados y cae al suelo. Todos lo empiezan a rodear entonces (fotograma 13).

101
Fotograma 11

Fotograma 12

102
 Fotograma 13

Clímax

Todos los soldados comienzan a tocar sus trompetas, sacando notas alegres,
poniéndose en contra de su superior persiguiéndolo. (fotograma 14).

Fotograma 14

103
Desenlace

El soldado mira la reja que los mantiene encerrados a él y a sus compañeros

(fotograma 15); camina hacia ella. Cuando llega comienza a tocar, pero las notas
de sus compañeros que vienen atrás de él, lo sorprenden y juntos comienzan a tocar
para tirar la puerta que los mantenía encerrados; la reja se cae y todos salen
marchando (fotograma 16). El general sale arrastrándose tras de ellos, queriendo
alcanzarlos, pero no lo logra y comienza a gritarles. Los soldados caminan hacia el
atardecer, tocando sus trompetas muy felices, disfrutando de su libertad. (fotograma
17).

Fotograma 15

Fotograma 16

104
 Fotograma 17

Final (créditos)

(Figura1.a)

En la parte de los créditos vemos pequeñas escenas que nos muestran a otros
personajes tocando la trompeta (Figura1.a). Estas imágenes se entrelazan
mediante los colores que aparecen cuando tocan una nota con la trompeta, lo cual
denota que la música es parte de la sociedad, pues nos permite tener una
identificación con el otro y al mismo tiempo hace que mostremos nuestros
sentimientos, presentando a las personas en una faceta distinta, como seres
sensibles, libres al expresarse.

105
 (Figura1.b)

En la escena final tenemos dos frases del escritor F.J. Koloffon que dicen lo
siguiente: (Figura1.b)

“Un trompetista sacude almas, despierta conciencias, le habla a los corazones y

ayuda a que se muevan.”

“Aquel que vive de su conciencia es digno de considerarse un trompetista”.

Ambas frases nos dan a entender que quien es consciente de la realidad que vive,
al despertar alzará la voz ante las injusticias y le quitará la venda de los ojos a todos
aquellos que han sido encauzados a aceptar los términos y condiciones que los que
ejercen el poder imponen.

Secuencia a analizar

Fotogramas a analizar 6:20 8:10

Fotograma 1.0 6:20

En plano general se encuentran el soldado y
trompetista. Música de fondo. El joven toca la
trompeta por donde sale un aura naranja.

106
Fotograma 1.1 6:22
En medium shot el soldado se molesta, sujeta al
joven, intentando callarlo. Suena melodía de
trompeta.

Fotograma 1.2

Fotograma 1.3

Fotograma 1.4

Fotograma 1.5 6:29

Medium shot. El soldado está molesto. Suenan
distintos ritmos de trompetas a lo lejos.

Fotograma 1.6 6:30

Plano general, La banda de guerra está tocando
las trompetas libremente y de ahí salen
diferentes formas y colores. El soldado molesto
los interrumpe.

Fotograma 1.7

107
Fotograma 1.8
Medium shot del soldado. Suena
música de trompeta.

Fotograma 1.9

Fotograma 2.0 6:36

Plano general de la banda de guerra y el
soldado. Sonidos de trompetas.

Fotograma 2.1

Fotograma 2.2 6:40

Plano americano de los soldados en diferentes
ángulos, tocando el instrumento. Suena otra
melodía del instrumento.

Fotograma 2.3

Fotograma 2.4

108
Fotograma 2.5

Fotograma 2.6

Fotograma 2.7 6:46

Plano general del soldado
rodeado de la banda.

Fotograma 2.8 6:48

Los jóvenes salen corriendo detrás del soldado.
Suena música de suspenso y pasos de marcha.

Fotograma 2.9

Fotograma 3.0 6:50

Medium shot del soldado asustado. Sale
corriendo. Suenan las trompetas y pasos de
marcha.

Fotograma 3.1 6:51

En plano general el soldado sale corriendo,
perseguido por la banda de guerra. Suena
música de suspenso y pasos de marcha.

109
Fotograma 3.2

Fotograma 3.3 6:57

En plano general el soldado choca con un grupo
de la banda de guerra hasta quedar rodeado.
Suena música y ruidos de desesperación del
soldado.

Fotograma 3.4

Fotograma 3.5

Fotograma 3.6

Fotograma 3.7

Fotograma 3.8 7:02

En plano general y cámara fija la banda de
guerra lo rodea poco a poco hasta que queda en
un close up de un bonete. Suena música con un
ritmo más rápido y termina en el corte.

110
Fotograma 3.9 7:07
En un close up abierto del trompetista, se ve
cómo observa una reja que está iluminada
por el atardecer. Suena música angelical.

Fotograma 4.0 7:09

Toma en contrapicada de la reja.
Música de fondo de tambores.

Fotograma 4.1 7:11

En plano general de perfil, el trompetista se
dirige hacia la reja. Suenan tambores y pasos
de marcha.

Fotograma 4.2 7:13

En medium shot, el trompetista se encuentra
de perfil, toca su trompeta hacia la reja. Suena
la música de fondo, los pasos de marcha y la
melodía de su trompeta.

Fotograma 4.3

Fotograma 4.4 7:17

En plano general de perfil, se une la banda al
trompetista para derribar la reja a través de las
vibraciones y el color de la música. Suena
armonía de las trompetas.

Fotograma 4.5

111
 Fotograma 4.6

Fotograma 4.7

Fotograma 4.8 7:20

Toma en contrapicada de la reja. Con el
sonido unido de todas las trompetas,
logran derribar la reja.

Fotograma 4.9

Fotograma 5.0 7:24

Toma en picada. Los trompetistas pasan
por encima de la puerta y salen.

Fotograma 5.1

Fotograma 5.2

112
 Fotograma 5.3
El soldado se arrastra por el
suelo. Se escucha un gruñido.

Fotograma 5.4 7:40

Tilt up donde los trompetistas avanzan
hacia el horizonte.

Fotograma 5.5

Fotograma 5.6

Fotograma 5.7 7:43

En medium shot, el trompetista principal
voltea a ver al soldado con lástima.

Fotograma 5.8

Fotograma 5.9

113
 Fotograma 6.0 7:48
Mientras el soldado sigue gritando y
gruñendo, uno de los trompetistas le pasa por
encima.

Fotograma 6.1

Fotograma 6.2

Fotograma 6.3

Fotograma 6.4

Fotograma 6.5 7:55

Paneo a la derecha. Se alejan de aquel lugar y
siguen avanzando hacia el horizonte mientras
tocan sus trompetas.

Fotograma 6.6

114
Fotograma 6.7 7:58
El trompetista se alegra y por fin –liberado–
sigue a sus compañeros. Suena música alegre.

Fotograma 6.8

Fotograma 6.9

Fotograma 7.1 3:03

En plano general y seguimiento a la
derecha, el trompetista toca su instrumento
junto con sus compañeros y también se
vuelve de color.

Fotograma 7.2 8:06

Gran plano general. Todos avanzan hacia el
horizonte, tocando sus trompetas y creando
figuras como fuegos artificiales con la música
que tocan.

Fotograma 7.3 8:10

Los trompetistas desaparecen en el
horizonte y el cuadro comienza a cerrarse de
arriba y abajo hasta que aparece la palabra
“FIN”.

Fotograma 7.4

115
Puesta en escena
En el cortometraje El trompetista el espacio donde se narra la historia es un campo
militar en una zona desértica. Las escenas son lúgubres, con algunos toques de
color. En el cuartel podemos observar las limitaciones del mismo, con un alambre
de púas que termina en una gran reja de acero. También hay un cuarto de castigo
dentro de este cuartel, donde entra luz natural, ya sea de día o de noche, sin utilizar
luz artificial como parte de la iluminación. El cuarto está construido de ladrillos, y
tiene una gran puerta de alta seguridad. Dentro de esta locación se encuentra
utilería, como piedras, ladrillos, trompetas y tambores neones.

El trompetista, junto con sus demás compañeros, porta uniforme de banda de

guerra, conformado por pantalón, levita y un bonete con escobetilla, y de
instrumento una trompeta al igual que el comandante. Esta banda está conformada
exclusivamente por hombres, de los cuales nunca podemos observar su rostro –con
excepción– del trompetista principal y el comandante, ya que los demás personajes
acatan las órdenes, son organizados y miran hacia abajo antes de liberarse.

La iluminación en el cortometraje es del exterior, simulando la luz del Sol o de la

Luna. En el interior no hay luz artificial, más que la que entra por la ventana. El color
gris contrasta con las vibraciones y colores que se producen al tocar la trompeta.
También predominan las sombras con los personajes principales (el comandante
castigando y quitando la trompeta). La iluminación, junto con la música, juega un
papel importante dentro del corto, la luz del Sol aparece junto con una melodía de
esperanza y señalando el camino de la libertad que busca el trompetista.

El trompetista encuentra la libertad por medio de este instrumento; es reprimido por

el comandante en varias ocasiones, pero el poder que encuentra a través de la
música se representa con colores neones vibrantes, que en una de las noches lo
llevan a conectarse con ellos en un fondo negro lleno de formas e ilustraciones
musicales coloridas, lo que le da toques de iluminación al entorno oscuro.

116
El trompetista se desliza por una trompeta gigante como si fuera una resbaladilla y
se embarca en este viaje de música y magia, con diferentes ritmos de música:
alegres, tristes, relajantes, entre otros.

Tras pasar los días este joven sigue siendo castigado, pero él no deja de tocar su
trompeta por órdenes de nadie. Una lucha constante con ritmos interpretando el
paso de los días, hasta que sus demás compañeros se unen al trompetista y el
comandante ya no sabe qué hacer. Ellos se levantan a través de sus trompetas y
se liberan del cuartel porque juntos son más fuertes y pueden derribar cualquier
represión o valla que se les imponga, y cada uno de ellos toca un ritmo, color y
formas diferentes, al encontrar la libertad los colores se vuelven cálidos a través de
una puesta de Sol.

La actitud del general es de hartazgo, enojo y superioridad, imponiendo y

castigando, hasta el final, en donde queda abatido en el piso de tierra y su poder ya
no tiene valor.

La banda de guerra acata las órdenes del comandante, tocando lo que se le impone,
y transmiten este adoctrinamiento hacia una figura de poder. El trompetista, por otro
lado, muestra esta esperanza de lucha y libertad. Aunque sea castigado y reprimido,
es feliz cuando toca la trompeta a su manera, explorando la libertad y su lucha para
seguir tocando la música que le agrada y expresando a través de ella su sentir.

Montaje
La narrativa del cortometraje es lineal, en un lapso de 4 días aproximadamente, con
un ritmo rápido que se va acelerando en diferentes circunstancias. Una de ellas se
produce cuando el trompetista es castigado por varias noches y se envuelve en su
mundo de música y colores, a diferencia del final, que es más lento y con tomas
abiertas.

117
Predominan los planos generales y los medium shots del comandante. Los
movimientos de cámara son fijos, con excepción del uso de travelling y zoom in. Las
sombras son en planos abiertos. Los cortes son directos y el montaje se sitúa a
través del sonido. Los colores de la música son distintos, dependiendo del individuo.

El montaje en este filme se basa en mostrar las acciones de los personajes a través
de diferentes planos; este se fija más en la narrativa y el mensaje que se transmite
al espectador que en un estilo de montaje del director.

Género y estilo
Para nuestros fines dentro del análisis del cortometraje “El trompetista” lo
definiremos así:

Por género, como ciencia ficción y cine infantil, ya que el protagonista atraviesa por
un obstáculo y eso hace que su manera de pensar y determinación sean
transformados. Al final el bien prevalece sobre el mal. Además, el filme presenta el
pequeño mundo de fantasía exótica que el protagonista vive un momento, con las
ondas y formas que crea con sus trompetas.

Por su estilo o tono, ambientación o tema, es drama, superación y determinación.

Por su formato o producción, como cine de animación, el cual se caracteriza por
realizar la película con fotogramas dibujados, ya sea de modo digital a mano o
animando objetos y estos a su vez siendo fotografiados para que, al pasarlos
rápidamente, produzcan ilusión de movimiento gracias al principio de persistencia
de la visión.

Intertextualidad

El trompetista es un cortometraje que atrae al público, ya que los personajes son

muy parecidos a los que podríamos ver en un film de Pixar y Walt Disney, además

118
de que tiene un gran parecido con la película de estos estudios Intensamente
(Docter, 2015), cuyas similitudes son las siguientes:
• La creación de personajes, ya que sus rasgos físicos pueden parecerse a
cualquier persona del mundo, a diferencia de ciertos filmes como Mulán
(Bancroft,1998), Coco (Molina,2017) o Moana (Clements,2016), los cuales
hablan de ciertas culturas en donde los personajes tienen rasgos bien
definidos. El trompetista es un cortometraje que aunque se ponga del otro
lado del mundo seguirá provocando empatía en la audiencia.
• La paleta de colores. Ambos filmes usan colores muy intensos y llamativos
como los colores neón, los cuales aparecen cuando se habla de algún tipo
de sentimiento o emoción. En el caso de Intensamente los vemos cuando
nos adentramos a la cabeza de Riley, en los personajes y en los
pensamientos, que son una especie de bolas de cristal que llevan el color de
cada sentimiento según la situación que haya vivido la niña. En el caso de El
trompetista aparecen cuando toca la trompeta demostrando sus sentimientos
a través de las notas musicales.
• Las emociones toman un papel muy importante en ambos filmes, pues nos
muestran a los personajes en diferentes situaciones, que nos permiten
empatizar con ellos al mostrarnos cómo se sienten ante algún suceso; en El
trompetista la represión, el deseo de libertad y el de expresarse forman parte
también de nuestra realidad.

Ideología
El cortometraje, al igual que muchos medios audiovisuales y de comunicación, se
ocupa como una vía para hacer llegar un mensaje al público, en el caso de El
trompetista, podemos ver que la historia desarrolla una problemática social que se
vive tanto a nivel mundial, como a nivel personal: la represión, la cual podemos
definir de la siguiente manera:
“Acto, o conjunto de actos, ordinariamente desde el poder, para
contener, detener o castigar con violencia actuaciones políticas o
sociales.” (Real Academia Española,2020).

119
Para poder entender por qué se da esta problemática dentro de la sociedad es
importante hablar sobre las relaciones de poder que se dan dentro de esta y cómo
se desarrollan; para eso usaremos al teórico Michel Foucault, el cual dice que a lo
largo de su investigación acerca de la constitución de los sujetos el poder es aquel
que crea relaciones entre personas dentro de un núcleo social, el cual para
ejercerse crea maneras de adiestrar, dominar y obtener la obediencia del grupo
social en el que se desenvuelve. "El poder es esencialmente lo que reprime. Es lo
que reprime la naturaleza, los instintos, una clase, individuos”. (Foucault,2000:28)

(Fotograma1.9)

En México este tipo de relaciones se hacen visibles muy a menudo y en diferentes

ámbitos, no solo políticamente hablando; sin embargo, el cortometraje, al
mostrarnos la interacción entre el general y los soldados subordinados a él
(fotograma 1.9) nos presenta a un pueblo mexicano que vive reprimido ante el
poder. Un ejemplo de esto puede ser la marcha que se realizó por los estudiantes
en 1968, que terminó en una matanza que el gobierno quiso esconder; la
desaparición de los 43 normalistas de Ayotzinapa, o las marchas en apoyo a las
decenas de casos de feminicidio que han quedado impunes. El trompetista nos
muestra de una forma muy sencilla y explícita a la vez, que existe esta represión
que nos impide expresarnos abiertamente dentro de nuestra sociedad, ya sea
porque transgredimos las normas dentro de las buenas costumbres, afectamos los
intereses de otros o rompemos las reglas impuestas por alguien.

120
 (Figura 1.c)

Por otro lado, vemos que la música es lo que hace que el personaje se sienta feliz
y tranquilo cuando lo encierran. (Figura 1.c)

La música “es un lenguaje, es un medio de expresión que alcanza lo más íntimo de

cada persona”, también “...es capaz de influir y provocar determinados estados
emotivos en los oyentes: evoca recuerdos...” y lo más importante “crea una fuerte
cohesión social, nos une con el resto del grupo y hace más fácil las acciones
colectivas. Los clásicos ejemplos son la música militar, la música religiosa
(ceremonias, ritos) y los conciertos multitudinarios”. (Jauset,2017:sn)

(Fotográma7.2)

La música toma un papel muy importante dentro del cortometraje, ya que es la que
une al personaje con sus compañeros, quienes usan la fuerza de todos para
liberarse del yugo del militar a cargo de ellos (Fotograma 7.2). Este suceso también
podemos verlo en la vida real; un ejemplo del que se está hablando más en
actualidad es la lucha feminista; este grupo de mujeres tiene diversas canciones

121
que al cantarlas les dan fuerza para seguir luchando por justicia; se sienten
apoyadas por otras mujeres o se identifican con la causa.

(Fotograma 1.1)

A lo largo del cortometraje podemos ver el desarrollo de la idea de que vivimos en

una sociedad en la que las relaciones de poder imperan y que siempre hay alguien
que reprime (Fotograma 1.1) a todos aquellos que afecten a sus intereses; sin
embargo y en contraposición, tenemos la pequeña reflexión que nos deja el director
en donde la toma de decisiones tanto grupales como personales generan un gran
cambio dentro de la sociedad; la unión hace la fuerza y la música libera (Fotograma
7.6).

(Fotograma 7.6)

Interpretación
Después de realizar el análisis del cortometraje El trompetista, de Raúl Morales,
pudimos darnos cuenta de la importancia que cobra el contexto y la ideología dentro
del mensaje cinematográfico. Consideramos que son los dos puntos que más
destacan en la historia.

122
En nuestra interpretación pudimos apreciar la influencia del contexto mexicano
dentro de la historia. El sentido de nula pertenencia si no cumples con los
parámetros establecidos por la sociedad, si no actúas como todos o como se
esperaría que lo hicieras es símbolo de rechazo, esto es algo con lo que diversas
personas se pueden identificar claro que este sentir no debería de existir, puede ser
que esto es algo que noto el director en su entorno, es aquí donde vemos como los
procesos de vida tanto personal como en la trayectoria dentro del medio
cinematográfico influye en las creaciones y composiciones de los animadores,
directores y guionistas.

En del cine mexicano podemos encontrar directores como Luis Estrada o Felipe
Cazals, quienes en sus filmes nos muestran realidades de la cultura mexicana,
donde a partir de una historia que puede ser muy simple o cotidiana se engloban
temáticas más profundas que tienen que ver con estilos de vida, formas de
comportarse, ideologías y cosmovisión. Lo mismo pasa con el filme de Morales,
donde no solo plantea el sentido de pertenencia o el deber ser, sino la represión
que como seres humanos pertenecientes a una sociedad vivimos día a día, y este
es uno de los principales temas que se tratan dentro del cortometraje.

Dentro de este filme, que está dirigido a un público infantil, encontramos un discurso
ideológico muy identificable. Un filme que a primera vista pareciera está centrado
en entretener, pero que al terminar de verlo te deja con una sensación de preguntar
acerca de las acciones que tomamos, a qué respondemos, cuáles son nuestras
convicciones como seres humanos y qué estás dispuesto a hacer para lograr lo que
quieres y sobre todo para defender lo que piensas.

Y es aquí donde el cine pone sobre la mesa distintas realidades, que pueden ser la
violencia que sufre nuestro país o el deber ser de un individuo; la lucha interna por
la que transita el personaje, el encontrar una pasión que lo hace feliz y el defenderla,
muestra las preocupaciones de nuestra sociedad. Estos aspectos, pero sobre todo
la forma en que son contados, dota al filme de un estilo mexicano identificado dentro

123
de nuestra cinematografía: el uso de la moraleja final, donde por momentos creemos
que por la estética empleada el filme se aleja de lo mexicano, pero en otros vemos
cómo su narrativa y temática responden a un cine muy mexicano.

Por otro lado, en un mismo nivel, también podemos ver una fuerte influencia del cine
de animación de Pixar, esto en cuanto a su narrativa y estética. Este punto
consideramos que también responde al contexto de nuestro país. La cercanía con
Estados Unidos, el predominio del cine estadounidense en las salas de cine del país
y haber crecido con sus películas es algo que se aprecia de sobremanera en el
cortometraje de Morales. Y dicho cortometraje nos muestra una mezcla perfecta de
influencias; por una parte tenemos la historia, que como dijimos responde a una
forma de hacer cine en México, pero que a su vez se habla de un tema mucho más
universal con el que la gente en cualquier lugar del mundo puede sentirse
identificado.

Esto se da gracias a la paleta de colores y al tipo de personajes empleados; el hecho

de que los personajes no puedan identificarse propiamente con una cultura ayuda
mucho para que el cortometraje sea más universal. Y aquí mismo se da el punto de
encuentro con la segunda característica, que es la influencia del cine de Pixar, pues
el cortometraje de Morales tiene características propias de este estilo, donde el filme
no es propiamente para el público infantil pero tampoco para el público adulto; sin
embargo, tanto niños y adultos lo disfrutan por igual y cada uno lo dotará de sus
propios significados y lo verá con intenciones diferentes.

Este aspecto convierte su obra en un producto mucho más fácil de comercializar a

nivel mundial, marcando una forma diferente de hacer cine animado en México,
donde no se responde a una estética mexicana fácil de identificar, sino a las
necesidades del mundo globalizado, donde no importa de dónde provenga el
producto, sino que pueda ser algo que sea vendible a la mayor cantidad de gente
posible, dejando en claro que la animación mexicana no solo busca llegar a un
público nacional, sino que intenta abrirse camino con el público internacional.

124
Ficha del cortometraje

El jardín de las delicias

Año: 2016

Duración: 7:07

Dirección: Alejandro “Male” García

Caballero

Productor: César Moheno Plá y

Melissa Meléndez

Guión: Alejandro García Caballero

“Male”

Animación: Federico Gutiérrez Obeso,

Andreas Papacostas Quintanilla, Julio.
R Pacheco, Iván Verduzco, Guillermo
Calderón, Alejandro García Caballero Imagen 23. Cartel de “El trompetista”
"Male", Alejandro Caballero Romero "Ihlo", Maru Hernández, Monsterview

Dirección de Arte: José Daniel Morales Robles

Diseño Sonoro: Miguel Hernández

Música: Miguel Hernández, Guillermo Acevedo

Compañías Productoras: Llamarada de Petate, Instituto Mexicano de

Cinematografía (IMCINE)

Link para ver el cortometraje:

https://www.youtube.com/watch?v=ZKN1zmEtcp8&ab_channel=LlamaradaAnimac
i%C3%B3n

125
Sinopsis
El director Alejandro García presenta El jardín de las delicias, ganador del 14°
concurso nacional de proyectos de cortometraje, en el cual nos muestra una
simulación del paraíso. Adán y Eva, al morder la manzana prohibida, despiertan a
un visitante del inframundo, que va creando su propio universo, modificando así a
los animales y su entorno, dándoles un toque extravagante y colorido. Poco a poco
va descubriendo los placeres del jardín a través del color y la locura, en donde se
encuentra con una mujer que hace despertar su deseo sexual y ambos se ven
envueltos en una aventura llena de pasión en la que terminan juntos, rodeados de
todas las criaturas que este ser creo.

Contexto
El cortometraje El jardín de las delicias fue presentado en el año 2016, dirigido por
Alejandro “Male” García Caballero, quien es un animador ya antes reconocido y
ganador del 10º Festival Internacional de Cine de Morelia por el cortometraje Las
tardes de Tintico.

En una de las épocas en donde el cortometraje en México tuvo un auge en festivales

nacionales e internacionales, este cortometraje fue exhibido en el Festival
Internacional de Cine de Morelia, en el que quedó en la selección oficial, y ganó el
concurso nacional de proyectos de cortometraje número 14 del IMCINE.

Imagen
El color en este cortometraje es muy importante, ya que se encuentra en toda la
composición de cada fotograma. La gama de colores principales que se maneja está
compuesta por los colores primarios que son el amarillo, azul y rojo; de estos
derivan, al combinarse entre sí, colores secundarios como verde, naranja y morado.
El fondo principal es de color amarillo muy tenue, parecido al color nombrado como
“amarillo de bario”, aunque también a lo largo del corto cambia momentáneamente
a los colores primarios y secundarios. El protagonista es de color vino; solo cambia

126
al final a un color rojo intenso. El personaje siempre está rodeado de naturaleza,
pero los colores son fantasiosos, ya que las plantas y animales son de color azul,
morado y amarillo en diferentes tonalidades que van del más fuerte a más tenue,
pero combinan a la perfección, logrando un aspecto visual muy llamativo; solo los
personajes “humanos” se apegan al realismo en cuanto al color, ya que su tono de
piel es realista. La mujer que sale como el otro personaje central está rodeada de
tonalidades rosas, azules y moradas.

127
Visualmente la construcción de los personajes en la animación proviene
principalmente de formas geométricas a las que a su vez se les ha ido dando un
significado. En muchos de los personajes se resaltan sus atributos físicos para
llamar la atención; pueden tener una gran cabeza, ojos pequeños o una gran nariz;
para explicarlo de una manera más simple, se emplean tres símbolos geométricos
básicos para la realización de personajes: el círculo representa amabilidad, calidez
y confianza. El triángulo representa violencia y peligro; generalmente las cabezas o
cuerpos de los villanos tienen estos triángulos muy notorios en su composición. El
cuadrado representa solidez, fuerza y neutralidad. Estos símbolos pueden ayudar
para el desarrollo tanto físico como psicológico de los personajes.

Los planos que se muestran con mayor frecuencia en el corto son abiertos, que
funcionan para mostrar un panorama general de la situación.

Los close up se presentan por instantes para resaltar al personaje principal del
diablo y para mostrar detalles en las escenas.

128
Sonido
El sonido es una parte fundamental e importante en este corto, pues esta historia
no cuenta con diálogos ni narrador, o al menos no como los conocemos. La música
y el ritmo serán los que actuarán como narradores y le darán un sentido y diálogo a
la historia, además de los sonidos que lo acompañan.

La música que predomina en el corto es un ritmo tropical acompañado de

percusiones y trompetas en su mayoría, algunas maracas y también por momentos
se puede apreciar el canto de una mujer. A pesar de que no existe un leitmotiv como
lo conocemos (ya que no hay alguna melodía que acompañe a cada personaje) sí
existe el cambio de música respecto a la acción o el momento que esté
transcurriendo en la historia, pues podemos notar que el diablo es un personaje
maldoso, por lo que su ritmo es más movido (predominan las percusiones y las
trompetas), pero en cuanto aparece la mujer, la melodía se torna a un ritmo más
tranquilo. En cuanto nuestros dos personajes se encuentran y se fusionan, pasa lo
mismo con la música, pues tenemos trompetas, percusiones y el canto de la mujer
en un ritmo lento y sensual (blues) que va sonando a medida que nuestros
personajes hacen el amor, y podemos saber el momento en que estos están
llegando al éxtasis porque el ritmo se va acelerando. Podemos percibir entonces
que los cambios musicales son las emociones y acciones de nuestros personajes.

Efectos sonoros: frote de manos, movimiento de hierbas, redoble de tambores, agua

burbujeando y gotas salpicando, suspiros y gemidos, burro rebuznando, exceso de
velocidad, risas, movimientos debajo del agua, besos y festejos de animales.

Personajes
Nuestros personajes principales son el diablo y una mujer sensual, que se ven
enredados en un encuentro pasional.

129
 El diablo es un ser delgado; su cuerpo puede tomar varias
formas; se encuentra desnudo y es rojo carmín; sus muslos
al parecer son algo peludos; tiene una cola larga y delgada,
siempre se le ve con una sonrisa perversa, nariz larga y
afilada, orejas largas como de duende y cuernos
ligeramente inclinados hacia atrás. Siempre tiene una
mirada perversa, sus ojos son blancos, aunque en
Imagen 24. Personaje de ocasiones se logra notar que su pupila es azul.
“El jardín de las delicias”
Su personalidad es malvada y traviesa, pero buscando divertirse, llevando la alegría
y lo divertido a su paso, para este “aburrido” mundo; por lo tanto, también busca
cambiar y transformar las cosas a su manera.

La mujer sensual tiene un cuerpo de forma bastante curva, cabello largo de color
marrón oscuro y ondulado, sus ojos color café oscuro y mirada
seductora, mejillas rosadas, labios rojos y carnosos, tez morena
clara. Está desnuda.

No sabemos mucho de la mujer, quién es o por qué está ahí,

pero es tranquila y coqueta, se nota feliz y divertida al momento
de coquetear y también puede que esté buscando agregarle

Imagen 25. Personaje de

más diversión a su vida.
“El jardín de las delicias”

Narración
Inicio
Al inicio se presenta el logo de CONACULTA y el de Instituto Mexicano de
Cinematografía en color gris claro ambos. Posteriormente el título con letras
mayúsculas de estilo “salvaje” y de colores llamativos, representativos de la selva.
Todo esto con un fondo color amarillo claro que no cambia, con una música
tranquila, como de jungla.
Podemos ver a los primeros personajes; se interpreta que son Adán y Eva, ya que
se escucha cómo uno de ellos muerde una manzana verde; se ven sus pies y cómo
130
la cámara hace un tilt up hasta las piernas (Fotograma 1). Deja la manzana caer al
suelo, ella corre y él corre tras de ella, están desnudos y salen de escena
(Fotograma 2).

Entran unos pies color rojo vino junto a la manzana (Fotograma 3) y podemos ver a
un tipo de diablo enorme y feroz que se come la manzana mordida y al comerla se
hace más pequeño y se le ve más tranquilo.

(Fotograma 1)

(Fotograma 2)

131
 (Fotograma 3)

Desarrollo
Este demonio decide sembrar la semilla de manzana (Fotograma 4) y crece un árbol
enorme (Fotograma 5). Después se le ve acostado en un follaje de plantas y flores
donde comienza a mezclar a los insectos, animales, la flora y fauna, jugando con
los colores y formas de todos estos, creando así un mundo distinto y nuevo. Hasta
que se sube a un árbol y ve a una mujer desnuda de cabello negro saliendo del
agua, lo que lo vuelve loco de lujuria. Escala el árbol más y más alto, ahora con una
especie de binoculares, buscándola, hasta que la vuelve a ver y enloquece un poco
más. Decide emprender un recorrido, dejando a su paso flores nuevas de otros
colores, hasta que llega a un lugar donde salta hacia la mujer. Caen juntos al agua
y ella se muestra complacida al verlo; la música y los colores se tornan en otro modo
más sensual, ellos se besan y empiezan a verse formas en primer plano del cuerpo
desnudo de ella, como su pecho, abdomen y pubis.

(Fotograma 4)

132
 (Fotograma 5)

Primer punto de arranque

Este ser del inframundo ve a una mujer desnuda de cabello negro, lo cual hace
que se vuelva loco por querer tenerla.

Clímax
El diablo logra saltar encima de la mujer desnuda (Fotograma 6), la cual al verlo
venir sonríe y hay un primer plano a sus labios rojos y pequeña sonrisa al saber que
él la desea (Fotograma 7). Ambos caen al agua, se miran y comienzan un vaivén
en el agua que termina posteriormente con ambos completamente enamorados uno
del otro (Fotograma 8).

(Fotograma 6) (Fotograma 7)

133
 (Fotograma 8)

Desenlace

Él la convierte en una sirena de color azul (fotograma 9) y ella lo torna de un color

rojo idéntico al de sus labios. Ambos emergen del agua en una concha y ella lo besa
apasionadamente. Los animales se vuelven locos de alegría con ellos (Fotograma
10).

(Fotograma 9) (Fotograma 10)

Final (créditos)

Al final del cortometraje, en la parte de los créditos, podemos ver bien representada
la imagen central del tríptico de Bosco (imagen 1), en donde hay una fiesta carnal
entre los hombres, contrastado con los animales del cortometraje, que tienen
relaciones sexuales entre sí.

134
Imagen 27. “El jardín de las delicias” Obra de El Bosco Imagen 28. Árbol de la vida

Aquí se puede representar una contradicción en el discurso moralista de Bosco

“porque todo está lleno de vida como quería Dios, lo bueno supuestamente es malo
por lo que hacen los individuos (en la representación), pero lo malo es lo que hace
que todo se mueva, que tenga vida”.

Entonces en este desorden vemos que el pecado o el mal, que es la esencia o el

mensaje que nos presentan los autores, desarticula el orden natural de Dios y
finalmente vemos en la cima de lo que puede ser el árbol del bien y el mal o el árbol
de la vida, al diablo con la mujer objeto de su deseo. (García,2019)

Imagen 29. Cima del árbol de la vida

135
Secuencia a analizar

Minutos para analizar: 3:40 - 5:13

136
137
138
139
140
141
142
Fotograma 5.9

143
Fotograma 6.0 4:28
El close-up y cámara fija las manos se cierran y al
abrirse están unos labios rojos, que son estirados
por las manos, los labios sonríen y se abren.
Música erótica sigue

Fotograma 6.1

Fotograma 6.2

144
145
 Fotograma 7.7

Fotograma 7.8 4:47

En el color rojo va creciendo un ovalo color blanco,
que se transforma en un ojo de color azul y
después en la cola de sirena de la mujer y el fondo
rojo en la mano del diablo.
Plano fijo con música erótica

146
 Fotograma 7.9

Fotograma 8.0 4:53

En zoom out va viendo la cola de sirena
siendo acariciada por la mano del diablo, no
es proporcional hasta dejara suelta. Música
cambia de ritmo a uno rápido

Fotograma 8.1

Fotograma 8.2 4:56

Salen burbujas del agua y poco a poco van
saliendo el diablo y la mujer sobre una concha,
abrazados y juntos con criaturas del agua. Toma
fija en plano general. Música alegre suena y
sonidos de fiesta y de felicidad

Fotograma 8.3

Fotograma 8.4

147
Puesta en escena
El montaje y la puesta en escena en la animación son totalmente distintos a una
producción en live action; las escenografías suelen ser más abstractas. En el caso
del cortometraje El jardín de las delicias de Alejandro Caballero “Male”, podemos
observar cómo está lleno de colores vibrantes en cada escena y los personajes son
parte de la escenografía.

Cuando Adán y Eva muerden la manzana y el diablo reacciona a dicha acción, el

fuego es color azul, en un fondo morado y él es exageradamente grande, al igual
que cuando empieza a crear su mundo las plantas y los animales que él modifica
son exóticos y de muchos colores; el fondo suele ser de algún color, la puesta en
escena solo está conformada con los elementos necesarios para narrar. El diablo
no encuentra límites en la creación de su mundo; es por eso que los colores no
concuerdan con los objetos, el agua, los animales, las plantas, el fuego y más.
Aunque por otro lado el color también es una demostración de cómo es el sentir del
diablo (rosa, verde, amarillo, naranja y azul) cuando ve a la mujer y está anonadado
por su belleza (fotograma 1.3).

Al saltar del precipicio podemos ver el agua rosa y la profundidad morada; bajo el
agua solo podemos ver cómo ellos la iluminan con un espectro rosa (Fotograma
4.2) y se encuentran pequeñas burbujas de aire y el cuerpo de la mujer cambia a
tonalidades moradas y rosas. Es en el único momento donde la iluminación cambia
de una luz plana de día a una luz oscura, que solo es iluminada por ella. Al salir de
la profundidad, se regresa a esta luz plana de día.

El diablo tiene una actuación exagerada de acuerdo a cómo se siente, y se

transforma en un reptil, un burro y un árbol; él va creando y dejando por todos lados
a su paso diversas plantas. Por su parte, el actuar de la mujer siempre es sensual,
coqueto y dominante, y se llega a convertir en una sirena. Ambos transmiten la
pasión y el despertar sexual dentro del corto. En el ámbito de la animación los
personajes no tienen un límite verosímil en expresarse, y esto se manifiesta de

148
varias maneras, como con la cara de burro del diablo y cómo rebuzna, clara
representación de la excitación ante el apareamiento de los burros (Fotograma 3.1).

Los personajes están completamente desnudos, demostrando así la naturaleza y

sus instintos carnales, con el cabello suelto, vellos en las piernas, pubis, los colores
de su piel; el diablo de rojo con negro, una cola, cuernos, y en la mujer el subtono
morado que toma en la profundidad del agua. Sin embargo, la mujer tiene labios
rojos y rubor en sus mejillas (Fotogramas 3.9 y 6.2), ya que es la representación de
la feminidad, pero también de lo intenso y la seducción.

En cuanto al espacio se puede decir que se va transformando. En un principio

parece estar cerca y a través de figuras y colores va cambiando la perspectiva de
los espacios al espectador. En el camino amarillo (Fotogramas 3.3 y 3.4) para llegar
a la mujer, en un mismo cuadro que está separado por tres secciones se representa
el trayecto no lineal que el diablo tuvo que recorrer para alcanzarla.

En cuanto a la utilería, es muy poca debido a que el corto se basa en paisajes

naturales, dentro de esto podría ser la manzana de Adán y Eva, las jaulas donde el
diablo lleva algunos animales y la concha abierta en donde el diablo y la mujer se
encuentran al salir del agua. Los animales se aparean y en un zoom out ese mundo
creado se ve la forma de un árbol.

Montaje
El montaje narrativo del cortometraje consta de transmitir sensación de lujuria y
pasión entre los personajes. Por tal motivo el ritmo del personaje del diablo es rápido
y acelerado, lleno de colores vibrantes que van transitando en tomas fijas y
cerradas, o en acciones donde él se encuentra alterado trabajando y modificando
su mundo a su voluntad, mientras que en el de la mujer son tomas cortas, pero con
un ritmo lento en tomas cerradas de sus ojos, boca, cabello y pechos, herramientas
que usa para seducir al diablo.

149
Cuando los personajes tienen su encuentro romántico, las tomas varían en
secuencias de zoom in y zoom out, en las cuales se observa cómo van
transformándose, uno al otro al tocarse; ella en sirena y él adoptando el color de los
labios de la mujer, con un ritmo mezclado entre lento y acelerado, tal como se
mezclan ellos.

En el acto sexual se pueden apreciar los genitales de la mujer, tanto sus pechos
como parte de su pubis (fotograma 5.4 y 5.5), lo cual en el hombre no sucede, solo
se demuestra el deseo sexual que él tiene por ella. Los peces que salen de la boca
de la mujer se pueden figurar al clímax del sexo, y en donde él eyacula. En la escena
también es muy importante la transformación de ellos en los órganos sexuales o
diferentes partes del cuerpo, como los ojos, los labios y el torso. En un momento
salen peces de color azul (Fotograma 6.4) figurando la relación sexual entre ambos.

La historia es lineal, sucede en un lapso breve, y en tres lugares: el paraíso, el

mundo del diablo y en el árbol de la vida. Los movimientos de cámara son fijos,
salvo por unos tilt down cuando el hombre y la mujer se tocan entre sí; las escenas
son precisas y cortas, hay un juego en los cambios entre las acciones de la mujer y
las reacciones del diablo. Diferente perspectiva de una misma acción en diferentes
ángulos; los cortes entre tomas son de corte directo o con el uso de zoom in o zoom
out.

Género y Estilo
Para el análisis del cortometraje El jardín de las delicias definiremos de tres formas:

Por género: como cine de comedia, siendo esta una película de corte humorístico o
satírico, relativo a cualquier tema real o ficticio. Dado que el cine surgió a finales del
siglo XIX en las barracas de feria, su primera intención fue sorprender al público con
una oferta jocosa, festiva y atrayente.

150
Por su estilo o tono y por su ambientación o tema: como fantasía, ya que contiene
hechos, mundos, criaturas o cosas míticas, que provienen únicamente de la
imaginación de su autor.

Por su formato o producción: como cine de animación, el cual se caracteriza por

realizar la película por fotogramas dibujados, ya sea de modo digital a mano o
animando objetos y estos a su vez siendo fotografiados que, pasados rápidamente,
producen ilusión de movimiento gracias al principio de persistencia de la visión.

Intertextualidad
Dentro del cortometraje podemos encontrar referentes que nos remiten al ámbito
religioso, a la mitología y a la pintura.

En un primer momento, al inicio del cortometraje, encontramos la referencia hacia

Adán y Eva y el paraíso. Los personajes son víctimas de la tentación por descubrir
y experimentar nuevos placeres. Adán y Eva, como en el pasaje bíblico Génesis 3
del Antiguo Testamento, comen del fruto prohibido. Dentro del cortometraje se
aprecia a una pareja mujer/hombre comer una manzana e inmediatamente después
aparece el diablo. Adán y Eva siempre han estado inmersos en las culturas,
representados de diferente forma y en religiones como el judaísmo, el cristianismo
y el Islam. Cada cultura y religión se han encargado de darle su propio significado y
valor, pero en lo que todas coinciden es que ellos fueron los primeros pobladores
de la Tierra creados por Dios en el sexto día de la creación, constituyendo así el
primer referente que tenemos los seres humanos en la historia de la Tierra.

Inmediatamente después de esta escena apreciamos un personaje que simula ser

El diablo creador/imitador del universo en el que se desarrolla el filme. Todo lo que
este personaje tocaa lo convierte en un mundo más colorido y cada vez más
fantástico. Y los personajes que interactúan con él, además de ser transformados
en "nuevos seres", toman forma de pecados capitales. Nuevamente encontramos
rasgos que nos remiten a la religión y a la mitología, donde se plantea el bien y el

151
mal, la creación, los pecados capitales y la adoración que todas las criaturas rendían
a Dios, por lo que uno de los principales referentes dentro del cortometraje será,
como ya se citó antes, el libro del Génesis.

Los temas básicos de los que se ocupa este libro son tres: la promesa, la elección
y la alianza.

En la Biblia las intenciones de Yahvé (Dios) se ven obstaculizadas por la infidelidad

del hombre. En la historia de Abraham la fe es abandonada, puesta a prueba y
resulta victoriosa al final para ser restaurada completamente; quienes no la han
perdido nunca se ven recompensados. En tiempos de Jacob se explica que la
elección de Dios por el pueblo hebreo no persigue ningún fin espurio, sino que es
generosa y desinteresada. Con José, por fin, la Providencia frustra los malos
impulsos humanos y los dirige pacientemente para hacerlos cumplir, en última
instancia, con los planes y objetivos del diseño divino.

Estos aspectos podemos encontrarlos dentro del cortometraje, siendo el último el

que más desafía El jardín de las delicias, el cual presenta personajes fieles a sus
impulsos.

Por otro lado, también apreciamos la referencia al árbol de la vida del mismo libro
del Génesis, pero a su vez la escultura mexicana procedente de Metepec, Estado
de México.

Vemos también que el árbol de la vida representa para la mayoría de las culturas
en la historia la conexión entre la tierra y el cielo. Esta conexión le brinda un
significado ontológico a la humanidad, no solo nuestro paso por la tierra, sino la
evolución de nuestra vida, los preceptos que la rigen, la trascendencia a través de
nuestras acciones. Esta conexión prevalece a través de la historia. Se convierte, así
como concepto, en una de las metonimias antropológicas favoritas.

152
Por otro lado, vemos su referente a la escultura, con significaciones que se asocian
al libro del Génesis, y observamos cómo el cortometraje está dotado de los
elementos que presenta dicha escultura: en la parte superior de la escultura se
coloca una imagen de Dios; debajo, las ramas del árbol tienen relación con la
creación del mundo en siete días. Otras imágenes características son el Sol y la
Luna, Adán y Eva y los animales, flores y frutos que simbolizan el paraíso.

También aparece la serpiente de la historia bíblica en la parte inferior, al igual que

el Arcángel Miguel que expulsó a Adán y Eva del Jardín del Edén. En general, la
escultura del árbol se ve como un candelabro. Los árboles se fabrican
principalmente para uso religioso y decorativo, aunque aquellos que tienen
quemadores de incienso es más probable que sean usados con motivos religiosos.

La escultura del árbol de la vida tiene origen después de la conquista, cuando los
frailes destruyeron los artículos que representaban a los antiguos dioses y los
reemplazaron con imágenes de santos y de la iconografía cristiana. La
representación de un "árbol de la vida" en las pinturas y otros medios se introdujo
como una forma de evangelizar a la población nativa. Durante la mayor parte del
período colonial la cerámica en el Estado de México se producía principalmente
para el autoconsumo y se convirtió en una fusión de técnicas y diseños españoles
e indígenas.

Dotado de fantasía y color, es la combinación perfecta muestra del talento y la

imaginación de los artesanos encargados de desarrollar dichas piezas.

Por último, tenemos la obra pictórica El jardín de las delicias, de Jheronimus Bosch,
mejor conocido como El Bosco. Es una obra que data del año 1500 a 1505, con un
contenido simbólico enorme y sobre la cual se han ofrecido muchas interpretaciones
hechas por el rey Felipe II de España, gran admirador del pintor, quien adquirió
dicha obra y guardó durante algún tiempo en El Escorial.

153
Considerada como una de las obras más fascinantes, misteriosas y atrayentes de
la historia del arte, el cuadro forma parte de los fondos de exposición permanente
del Museo del Prado de Madrid.

Dicha obra se conforma a modo de tríptico, el cual puede apreciarse abierto o

cerrado. Como referente solo usaremos la parte interna del tríptico, la cual se
conforma de la siguiente manera: en el panel izquierdo, una imagen del paraíso
donde se representa el último día de la creación, con Adán y Eva. En el panel central
se representa la locura desatada: la lujuria. En esta tabla central aparece el acto
sexual y es donde se descubren todo tipo de placeres carnales, que son la prueba
de que el hombre había perdido la gracia. Por último, tenemos la tabla de la derecha,
donde se representa la condena en el infierno; en ella el pintor nos muestra un
escenario apocalíptico y cruel en el que el ser humano es condenado por su pecado.

La estructura de la obra en sí también cuenta con un encuadre simbólico: al abrirse,

realmente se cierra simbólicamente, porque en su contenido está el principio y el fin
humano. El principio en la primera tabla, que representa el Génesis y el paraíso, y
el fin en la tercera, que representa el infierno.

Como podemos ver, la pintura tiene una gran relación con nuestro cortometraje,
siendo la tercera tabla digna de reinterpretarse dentro de nuestro trabajo, puesto
que dentro de la obra audiovisual en ningún momento podemos apreciar algo que
simule el infierno, pero sí apreciamos al diablo pervirtiendo todo lo que toca, por lo
que podemos decir que dentro de la cosmovisión del director, el infierno y el pecado
no son algo propiamente "malo" como estamos acostumbrados a creer dentro de la
cosmovisión católica, sino que puede convertirse en algo "divertido, colorido" o
simplemente otra forma de disfrutar el mundo.

Ideología
“El jardín de las delicias”

154
 El primer referente para analizar que nos
proporciona el cortometraje es el título (El
jardín de las delicias), pues es el mismo que
lleva una de las obras del pintor neerlandés
Jheronimus Bosch, mejor conocido como “El
Bosco”, que data de 1500-1505. La pintura es
un tríptico de madera pintado al óleo que
cuando está cerrado nos muestra el tercer día
de la creación (imagen 31 ) (Wikipedia,2020) y
cuando se abre
Imagen nos muestra en
31
el primer plano (imagen 32) el jardín del Edén en el
que vemos a Dios, Adán y a Eva, además de otros
elementos que componen la imagen y que en algunos
casos aparecen en el cortometraje como: el árbol de
la vida, el árbol de la ciencia del bien y del mal, Adán
y Eva.
Por otro lado, al ahondar más en el contenido tanto
de la obra como del cortometraje se puede ver que
comparten un concepto en particular.
Imagen 32)

• El cortometraje nos muestra el surgimiento del mal, representado por el

diablo a raíz del pecado que cometen Adán y Eva, y como este crea el jardín
de las delicias, un lugar que está lleno de animales exóticos, un paraíso lleno
de color, en donde habita una mujer de figura perfecta, seductora, que incita
al diablo a tener relaciones sexuales con ella (Fotograma 1.0)

• Por otro lado tenemos la pintura, que en la segunda parte del tríptico (Imagen
33) exhibe los cuerpos desnudos tanto de hombre con la mujer y vemos cómo
disfrutan de los placeres que el jardín les proporciona, principalmente el

155
 sexual; entonces podemos decir que la lujuria (que es uno de los pecados
capitales) une a ambas obras.

(imagen 33)

En primera instancia vemos que el referente ideológico que se muestra es religioso,

ya que presenta el momento en que nace el mal en el mundo creado por Dios, el
mal que según la Biblia lleva a la destrucción del hombre: los pecados. Por lo tanto
ambas representaciones muestran lo que no debe de hacerse, lo que está mal, la
lujuria y el placer sexual, los cuales tendrán una consecuencia, el castigo en el
infierno.

Interpretación
A partir de este análisis pudimos ver la importancia de la intertextualidad en el cine
y en el discurso del cortometraje, ya que pudimos, al momento de realizar dicho
trabajo, ver las diferentes perspectivas que pueden existir en torno a un mismo
cortometraje, denotando que cada espectador tendrá su propia interpretación a
partir de lo que plantea el director. Los conocimientos y experiencias previas de
cada individuo serán fundamentales para llenar de significación la obra audiovisual.

156
Dentro del análisis del cortometraje de Alejandro García pudimos presenciar
distintos elementos que nos ayudaron a llenar de simbolismos y referencias la
puesta en escena. Pudimos ver que con la técnica de animación en 2D este director
nos llevó a un universo lleno de colores, figuras, personajes y animales abstractos
que quizá no se lograrían de la misma forma en una producción con escenarios y
personajes reales, dejando al descubierto que no es necesario hacer uso de los
diálogos para darle vida a un personaje, usar la palabra para dotar de sentido a la
narración y/o ser demasiado explícito para transmitir un mensaje. En el cortometraje
se demuestra que el uso correcto de la imagen, el color y el sonido es más que
suficiente para poder llegar a los espectadores y causar sensaciones en ellos.

Dentro de los cortometrajes se puede apreciar que el ritmo nunca será parecido al
que se maneja en un largometraje, y que la forma de contar las historias es muy
diferente. Hablando específicamente del cortometraje de animación vemos cómo
responde a otra forma narrativa en la que la música de la animación es fundamental
para poder dotar de realismo al filme.

En el caso de El jardín de las delicias, vemos cómo cada personaje tiene su propia
armonía musical, lo cual dota al filme de un compás peculiar. Por otra parte, los
escenarios son muy importantes, pues son los que llenan de color y significado al
filme. Dentro de la animación el color es fundamental, ya que usar uno u otro color
podría cambiar totalmente el sentido que se pretende dar.

Una ventaja del cine de animación es que al ser una construcción visual es posible
transformar a los personajes, desfigurarlos, cambiarles el color de una escena a otra
y hacer todo lo que la mente pueda imaginar; no es necesario dar una explicación
para dotar al filme de verosimilitud, sino que se tiene la libertad para contar una
historia como se decida hacerlo.

El jardín de las delicias nos muestra una historia que hemos visto muchas veces:
Adán y Eva y la creación, pero en esta ocasión el director dotará de un sentido único

157
dicha historia, cambiando su significado y la percepción de la gente. Estamos
acostumbrados a ver, escuchar o conocer esta historia de modo que siempre llega
a ser moralizante, una lucha entre lo que está bien y está mal, pero en esta ocasión
el director transforma la historia celebrando la vida, la naturaleza humana, y sobre
todo el poder ver el mundo con otros ojos, llenándolo de colores y mostrando al
espectador que “morder la manzana” no tiene por qué ser algo necesariamente malo
si sabes sacar provecho de ello.

Este aspecto es el aprendizaje más grande que nos llevamos, pues estamos
acostumbrados a un cine mexicano que siempre tiene tintes moralizadores, lleno de
prejuicios y estereotipos, donde se cae en el extremo de no hablar sobre la
sexualidad, que es vista como algo malo o indebido.

Y es aquí donde el cortometraje analizado nos permite ver que puede estar
surgiendo una nueva visión dentro del cine mexicano, donde los directores están
intentando introducir ciertas temáticas, dotándolas de otro sentido, aun cuando
dicho corto es muy representativo del humor mexicano, haciendo uso de un doble
sentido que en ocasiones podría entenderse de formas muy diferentes si es visto
por un público extranjero.

El cine es una forma de poner sobre la mesa temáticas, y el cine de animación

ayuda a los creativos a plasmar sus representaciones de mundos fantásticos donde
todo es posible. Se tiene la creencia de que el cine de animación es para niños o
algo fácil de ver y digerir, que tiene poco trasfondo y que su mensaje o significado
va más hacia una moraleja o enseñanza para los niños, pero el director Alejandro
García nos permite ver que el cine animado no solo son mundos fantásticos que
nos permiten olvidarnos de nuestra realidad por unos instantes, sino que está lleno
de significaciones y simbolismos.

158
Ficha del cortometraje

Viva el rey

Año: 2017

Duración: 8:24

Dirección: Luis Téllez

Producción: Paula Astorga Riestra,
Milko Luis Coronel
Guion: Luis Téllez
Animación: Maireni Seda Senior,
Sam Mendez, Gustavo Quiroz
Fotografía: Michel Amado
Edición: Nikolenka Beltrán, Luis
Téllez
Dirección de Arte: Omar Martínez Imagen 34. Cartel de “Viva el rey”

Alvarado, Ricardo Téllez

Diseño Sonoro: Lex Ortega, Luis flores, Gus Cuevas
Música original: Alex Otaola
Compañía Productora: Inzomnia Animación S. A. de C. V.
Link para ver el cortometraje:
https://www.youtube.com/watch?v=J6Om2O6kA2I

159
Sinopsis
El poder y la guerra son elementos que han existido desde el principio de los
tiempos; la lucha por una corona y una posición alta se reflejan acertadamente en
forma de un partido de ajedrez en el cortometraje de stop motion de Luis Téllez, en
donde el peón es pensado como el eslabón más débil en la jerarquía de este juego,
aunque nunca se le debe subestimar. En este atrapante cortometraje se cuenta la
historia de un reino casi en ruinas, todo esto a causa de las guerras constantes por
adquirir el poder supremo. En esta batalla a muerte para ganar será el más
inteligente el que logre sobrevivir.

Contexto
Este cortometraje fue realizado con la técnica de stop motion, que consiste en
animar un objeto cuadro por cuadro hasta lograr que al poner las fotografías
consecutivamente se produzca un efecto de movimiento fluido mostrando alguna
acción. El creador de este corto es uno de los animadores mexicanos a los que les
ha interesado esta técnica tan compleja y hermosa; gracias a esto ganó el Ariel con
Viva el rey en el año 2019 y estuvo nominado como mejor cortometraje de
animación en el Festival internacional de Cine de Morelia número 16 y en el Festival
Internacional de Cine de Guadalajara en su entrega número 33, ambos en el 2018.

Luis Téllez es originario de la ciudad de México y radica en la ciudad de Guadalajara.

Incursionó como animador en el multipremiado cortometraje de René Castillo Hasta
los huesos, en donde comenzó su afición por realizar esta técnica de animación
cuadro por cuadro. Su carrera fue creciendo aprendiendo de manera autodidacta.
Algunos de sus trabajos destacables en la animación como colaboración en
dirección, animación o producción son: Síndrome de la línea blanca, del año 2003;
las adaptaciones del cuento La princesa, de Trujillo, en 2008, y un año después La
increíble historia del niño terrible y la niña pájaro; el cortometraje de 2010 El gran
viaje y La cosa que más duele en el mundo, del mismo año; El niño y el viento, con
el que ganó el tercer lugar en el festival Ecofilm del 2012. Para el canal 22 realizó el

160
cortometraje Requesón, en 2012, y dos años después le otorgaron por este el
premio TAL.

También ha trabajado con animadores igualmente reconocidos como Karla

Castañeda en sus cortometrajes Jacinta, de 2008, y La noria, de 2012.

Actualmente se encuentra dentro del proyecto de su primer largometraje, llamado

Inzomnia, para lo que fundó su propia compañía con el mismo nombre.

Imagen
En este cortometraje podemos apreciar que la imagen es importante, ya que no hay
diálogos de los personajes y la narración depende del aspecto visual y auditivo; es
por esto que el diseño sonoro se encargó de enfatizar con sonidos ambientales
incidentales como el ruido de las moscas o cadenas; estos ayudan mucho a reforzar
lo que se muestra en las imágenes para tener un mayor impacto en el público.

El corto nos presenta un juego de ajedrez en el que se refleja la jerarquía de poderes

y la guerra por alcanzarlos. Los peones que son representados en color negro, con
cara de sufrimiento; el rey y la reina en tonos dorados y blancos, con máscaras que
ocultan su verdadera identidad. Los colores del tablero de ajedrez son los clásicos
cuadros negros y blancos, pero como tratan de reflejar una batalla están en
deterioro, volviendo el escenario principal un lugar un tanto oscuro que refleja
tristeza. La gama en este caso es de colores oscuros para retratar las escenas en
decadencia; estos colores principalmente son el negro, dorado, cobre, blanco; los
únicos tonos fuertes que sobresalen por momentos son el color azul y blanco del
cielo con nubes grandes, aunque siguen estando en un tono azul marino,
manteniendo la apariencia de que está nublado y este tiempo muchas veces se
puede relacionar con un sentimiento de melancolía.

Los planos que se pueden apreciar durante la historia son planos abiertos, plano
detalle de los personajes y objetos, medium close up, picados, contrapicados, plano

161
holandés en algunos instantes. Los efectos visuales realizados por computadora
son pertinentes para enfatizar las acciones durante el derrumbe de la torre, lo que
hace que tenga una mejor narración, ya que con la técnica simple de stop motion
no se hubieran podido lograr con ese detalle.

La luz es un factor muy importante dentro de esta composición fílmica, ya que la

incorporan para dar reflejo tanto de los personajes como de la escenografía.

Gama de colores aproximados empleados en el cortometraje

Sonido
Encontramos un corto sin diálogos, guiado únicamente por la música y efectos
sonoros.

La música se compone de un piano, que es el que predomina a lo largo de la

melodía, y alientos de metal que pudieran ser trompetas o cornos; algunas flautas
también se logran oír al fondo y sonidos tenues de campanas que provienen de un
triángulo. En la parte de acción logramos percibir algunos sonidos distorsionados,

162
que siguen siendo los instrumentos de cuerdas en un sintetizador; es por eso que
se perciben sonidos más intensos o graves.

Sonidos intradiegéticos: cadenas chocando (con eco), gritos graves (en

sintetizador), efectos de sonido de aire soplando, grito agudo (en sintetizador),
efecto de sonido de lanzamiento, efecto de piedra que choca contra otra piedra,
efecto de sonido de piedra arrastrada.

Personajes

Imagen 35. Personajes principales de “Viva el rey”

Son piedras carcomidas que tienen la forma de una fusión de piezas de ajedrez y
humanos y sus ojos son agujeros. Encontramos como personajes principales al rey,
la reina y un peón.

El rey es una pieza grande y redonda, gordo; el color de su piedra es café claro y
usa una máscara y corona dorada metálica.

Es un personaje que siempre ha tenido poder, autoritario, despiadado, de posición

privilegiada y acostumbrado a que se haga todo lo que él ordene y mande.

163
La reina es una ficha de forma más alargada y estética, con un cuello bastante largo;
su piedra es de color café aun más claro que el rey; lleva una especie de hombreras
de metal y en el brazo derecho una cadena que le cuelga del codo; en la cara usa
una máscara metálica dorada parecida a las de teatro. De personalidad egocéntrica
y egoísta, únicamente le importa su bienestar, aunque se vean afectados los
demás.

El peón es más pequeño que el rey y la reina; de piedra carcomida gris oscuro, sin
ojos; él no usa máscara; tiene una hombrera metálica con picos y una cadena que
le cuelga de las hombreras. Siempre ha estado en una posición muy baja, siguiendo
órdenes sin tener un papel importante en el juego. Al estar a punto de ser decapitado
por el rey del otro bando tiene una oportunidad de venganza, arrebatándole la
corona y tirándolo al vacío.

Narración
Inicio
Al principio podemos observar el título del corto en letras grandes y doradas y en
letras más pequeñas el título en inglés Long live the king (Fotograma 1) con música
dramática. En la primera toma se presenta el efecto de que el espectador ve a través
del ojo de una mosca un tablero de ajedrez (Fotograma 2) y posteriormente se ve a
la mosca volando y posándose sobre el mismo tablero.

(Fotograma 1) (Fotograma 2)

164
Desarrollo

En la siguiente toma se ve cómo sale volando la cabeza del rey (Fotograma 3) de

las piezas de ajedrez negras, el cual cae en el tablero y la cabeza queda deshecha
(Fotograma 4), la corona rueda por el tablero de ajedrez y se van viendo las piezas
deshechas tanto de las piezas negras como de las de color dorado; la corona sigue
rodando hasta quedar a los pies de una ficha de las de color dorado que la recoge
y la entrega al rey color dorado (Fotograma 5) que la mira con detenimiento
(Fotograma 6); posteriormente manda a sus piezas a acabar con todos los trebejos
restantes del bando contrario; luego en una toma abierta se ve el tablero y la cámara
se aleja, dejando ver lo alto que está: sobrepasa las nubes estando sobre una
columna de piedra; se ve cómo una de las piezas doradas empuja a la reina del
bando perdedor (Fotograma 7). Dos trebejos dorados sujetan a un peón para
aventarlo del tablero y este se resiste. El rey dorado, el cual sigue teniendo la corona
del rey negro y la avienta del tablero, coloca su mano en su oído para escuchar
cuando la corona cae (Fotograma 8); se escucha el sonido de la corona caer y
posteriormente hay como una especie de terremoto.

El tablero comienza a agrietarse y una pieza dorada intenta abrazarse a su reina y

la reina lo empuja. En una toma abierta se ve cómo todo el tablero con la columna
incluida comienza a desmoronarse y las piezas comienzan a caer al vacío y la
pantalla se cubre del humo de los escombros. Un pedazo del tablero queda en pie
y un peón en ese pedacito de tablero se levanta y se da cuenta de que el rey dorado
está agarrado al borde de caer del pedacito del tablero (Fotograma 9) y lo mira con
detenimiento; el rey dorado intenta subir al tablero con todas sus fuerzas, pero le
resulta difícil y un pedazo del tablero donde está sostenido con su mano izquierda
se cae y solo queda agarrado con la mano derecha; su corona casi cae al abismo,
pero la logra sostener y se la acomoda. La reina dorada, que también se mantuvo
en otro pedazo pequeño del tablero, ve con preocupación cómo su rey casi cae al
precipicio; le pide al peón del trebejo negro que ayude a subir al rey dorado
(Fotograma 10); este la mira y se agacha a ver al rey dorado, la reina se agacha y
toma un pedazo deshecho de alguna pieza negra que simula una piedra (Fotograma

165
11). El rey dorado y el peón negro intercambian miradas entre toma y toma; el peón
comienza a extender su mano hacia el rey dorado (Fotograma 12).

(Fotograma 3) (Fotograma 4)

(Fotograma 5) (Fotograma 6)

(Fotograma 7) (Fotograma 8)

166
 (Fotograma 9) (Fotograma 10)

(Fotograma 11) (Fotograma 12)

Primer punto de arranque

El peón le quita la corona y el rey se suelta con la única mano con la que seguía
sostenido del tablero para intentar agarrar la corona y cae al abismo; se pierde de
vista entre las nubes y la reina dorada al presenciar eso se enfurece y le lanza la
piedra; él la esquiva (Fotograma 13), la reina le lanza otra y le pega, toma un brazo
de una pieza negra y le pega de nuevo; el peón comienza a tambalearse al punto
de casi caer (Fotograma 14); la reina busca más pedazos de trebejos negros para
lanzárselos, pero ya no encuentra ninguno (Fotograma 15).

167
 (Fotograma 13) (Fotograma 14)

(Fotograma 15)

Clímax

En una toma se ve a ambos en sus respectivos pedazos de tableros alejados, frente

a frente, y el peón se encuentra agachado (fotograma 16); de repente comienza a
levantarse y se coloca la corona de nuevo, viendo a la reina dorada y cruza los
brazos (Fotograma 17). La cámara se aleja y el peón sale de foco. En una toma
over shoulder por detrás es enfocada la reina (Fotograma 18), tras lo cual se pasa
a una toma abierta y ellos dos de perfil mirándose (Fotograma 19).

168
 (Fotograma 16) (Fotograma 17)

(Fotograma 18) (Fotograma 19)

Desenlace

El peón comienza a bajar por la columna del tablero sin la corona puesta (Fotograma
20) y la reina lo mira (Fotograma 21). La cámara hace un tilt up hasta el tablero
donde la corona está puesta justo en medio del pedazo de tablero y en medio de la
corona se pueden ver dos moscas volando (Fotograma 22). La siguiente toma es el
otro pedazo de tablero donde la reina dorada se encontraba y solo se ve su careta
recargada sobre su corona (Fotograma 23). Se ve la misma toma abierta de ambas
columnas, pero ahora solamente con las coronas encima.

(Fotograma 20) (Fotograma 21)

169
 (Fotograma 22) (Fotograma 23)

Final (créditos)

Al final del cortometraje, se puede observar dentro de los créditos un agradecimiento

(Figura 1) al famoso director Guillermo del Toro, que se extiende a varios directores
de cortometraje de animación como Rita Basulto, Karla Castañeda, entre otros,
debido a que formaban parte del mismo taller que inició Guillermo del Toro llamado
“El taller del Chucho”, cuyo objetivo era el apoyo a los proyectos independientes
dándoles herramientas para que optimizaran la calidad de sus proyectos.

(Figura 1)

170
Asimismo, podemos ver que Luis Téllez hace una dedicatoria (Figura 2) para su
esposa, la también directora de cortometrajes de animación Karla Castañeda y a
sus hijas con una bonita frase: “A Karla, Luciana y Sabina: quienes son mi certeza
de que el mundo puede ser mejor”.

(Figura 2)

Secuencia a analizar

Minuto 4:45 a 5:54

Fotograma 1.0 4:45

En contrapicada se encuentra al
peón inclinado observando al
personaje que lleva la corona.
Suena música de suspenso.

Fotograma 1.1 4:48

Plano detalle de la mano del
peón. Música de suspenso.
Suena música de suspenso.

171
Fotograma 1.2

Fotograma 1.3 4:51

El peon agarra la corona y deja
caer al personaje. Plano cenital.
La música de suspenso se
intensifica.

Fotograma 1.4

Fotograma 1.5

Fotograma 1.6 4:53

Plano detalle de la mano del
personaje que está cayendo.
Musica de suspenso. Suena eco.

Fotograma 1.7 4:53

El personaje de ajedrez va cayendo
hasta que desaparece entre las nubes.
Toma general, cámara fija en canital.
Sonido de caída a lo lejos.

Fotograma 1.8

172
 Fotograma 1.9.

Fotograma 2.0

Fotograma 2.1

Fotograma 2.2 5:00

Medium shot de la reina. Suena
música de suspenso.

Fotograma 2.3 5:03

American shot del peón con la
corona en manos.

Fotograma 2.4 5:04

En american shot, la reina lanza una piedra,
cámara se va a negros y regresa con el peon
esquivando la piedra. La acción se repite.
Suena música de suspenso.

Fotograma 2.5.

173
Fotograma 2.6

Fotograma 2.7

Fotograma 2.8

Fotograma 2.9

Fotograma 3.0

Fotograma 3.1 5:08

La piedra le pega en la cabeza
al peón y este se desequilibra.
Medium shot.

Fotograma 3.2

174
Fotograma 3.3 5:11
Close up de la mano de la reina
agarrando un palo. La música se
intensifica.

Fotograma 3.4

Fotograma 3.5 5:12

La reina lanza el palo al peón.
American shot. Música de
suspenso.

Fotograma 3.6

Fotograma 3.7 5:13

El palo le pega al peón en la cara y
este se desequilibra. Plano general.
Música de suspenso se intensifica.

Fotograma 3.8

Fotograma 3.9

175
Fotograma 4.0 5:15
Se intercala el insert de la base de
peón tambaleándose con medium
shot del peón agarrando la corona.
Musica de suspenso.

Fotograma 4.1

Fotograma 4.2

Fotograma 4.3

Fotograma 4.4

Fotograma 4.5

Fotograma 4.6 5:32

Zoom in a la reina, agachándose
buscando más escombros. Tilt
up hasta un medium shot de la
reina. Música de piano.
176
 Fotograma 4.7

Fotograma 4.8 5:39

El peón se encuentra agachado
y cabizbajo. Música de piano.

Fotograma 4.9 5:41

En plano general, se encuentran
el peón y la reina en lados
opuestos. La música baja.

Fotograma 5.0 5:47

El peón se endereza poco a poco, se
coloca la corona y cruza los brazos. Tilt
up del peón, hasta llegar a medium
shot. Sonidos con eco de golpes
Música de suspenso.

Fotograma 5.1

Fotograma 5.2

177
 Fotograma 5.3

Fotograma 5.4

Fotograma 5.5

Puesta en escena
Viva el Rey es un cortometraje con muchos elementos y significaciones; dentro de
ellos se encuentra el conflicto bélico representado a través de un tablero de ajedrez
que se ubica en gran altura sostenido por un gran tronco, más allá de las nubes. La
escenografía del corto tiene un diseño único; nos plantea una lucha de poder en un
espacio oscuro y viejo, pero de fondo está un cielo azul lleno de nubes, con colores
cálidos.

Al ser un cortometraje de animación en stop motion se pueden ver las texturas

dentro del espacio y los personajes. La Iluminación está compuesta por claroscuros,
es un cortometraje contemplativo y con un estilo claramente independiente.

Cuando se corta la cabeza del rey lo que todos buscan es la corona que se ha caído
de su cabeza, llegando a un conflicto entre ambos bandos por la búsqueda del poder
absoluto y la venganza. Al tirar la corona este espacio se destruye y solo quedan en

178
pie la reina blanca, el rey blanco y el peón ante los escombros y el polvo. La utilería
que se ocupa es la corona y los elementos como piedras, palos.

Los personajes tienen un estilo uniforme al no estar bien definidos; son fichas de
ajedrez que toman vida con forma de humanoides, suelen estar serios o cabizbajos
(Fotogramas 2.2 y 5.3). No tienen ojos, pero sí características cada uno de ellos: el
rey negro tiene dientes grandes; el rey blanco que cae es obeso; el peón es serio,
sin ojos; la reina es alta y estilizada; se distinguen por la corona y la máscara que
llevan.

El vestuario de los personajes está connotando significaciones; las máscaras que

usan en el bando blanco son de color dorado y en el negro de color plateado,
simulando la armadura y el valor de dichos materiales. Los personajes están hechos
de piedra y cada uno de ellos refleja un estado de poder en sus características
físicas que se contraponen. Por ejemplo la reina es alta y estilizada, mientras el
peón es de estatura baja, a la par del contraste de color (blanco y negro) está la
posición de los personajes en un plano general, uno en cada esquina.

Los personajes son de textura rocosa y aparentemente tristes, serios. Al ir bajando

el personaje los colores cambian: se vuelven oscuros y cálidos. El peón deja la
corona, plasmando las relaciones de poder en una sociedad violenta, en donde la
reina también cede dicho poder, dejando atrás todo un conflicto de intereses y
violencia.

Montaje
En Viva el rey, la técnica y el estilo del stop motion que usa el director llena de
simbolismos al corto, a través de una narrativa lineal en un lapso de tiempo breve,
en donde el conflicto es guiado por imágenes, sonidos y música que le dan sentido
al conflicto de los dos bandos (Fotograma 5.0).

179
Durante el cortometraje podemos observar distintos movimientos de cámara para
darle realismo y secuencia al filme; además, el uso de casi todos los planos posibles;
medium shot, over shoulder, planos generales, inserts, american shot, junto con
cámara cenital, picadas, contrapicadas, que se armonizan con la musicalización del
corto.

Al ser cortada la cabeza del rey, cae la corona y esta rueda por el tablero de ajedrez,
dejando ver, como una especie de lente, lo que la batalla bélica se ha llevado entre
las manos. El arte del stop motion hace que se vuelva un corto visualmente muy
hermoso. Con las expresiones de los personajes genera un estado de intriga en la
historia de un conflicto moral entre dos bandos distintos y cómo es que este los lleva
a una cohesión al estar solos como individuos.

El peón al ponerse la corona cruza los brazos (Fotograma 5.6) y en la toma es

exaltado; por otro lado, cuando ambos bajan de las alturas, se hace un zoom in a
las coronas y la máscara que dejan atrás los personajes.

Género y estilo
Para nuestros fines definiremos de la siguiente forma el cortometraje "Viva el Rey":

Por género: como cine de aventura y acción, caracterizado por escenas de mucha
acción, las cuales pueden ser batallas o persecuciones filmadas en planos cortos.

Personajes estereotipados (un héroe fuerte, valeroso y un villano) que luchan por
un objetivo, el cual puede ser un tesoro, la resolución de un misterio, rescatar
personas, etcétera.

La acción dramática se suscita en espacios alejados de lo cotidiano o poco usuales,

por ejemplo: galaxias, desiertos, selvas. Además, el peso recae sobre la
ambientación, efectos especiales o vestuario y no tanto en el guion.

180
Los protagonistas atraviesan por obstáculos y sufren una transformación a lo largo
de la historia.

"En cualquier caso, las tramas suelen reproducir un modelo de orden

legendario, nacido en las antiguas sagas mitológicas, reforzado por la
novela de caballerías y, finalmente, actualizado a través de la
literatura folletinesca. Una variante es el cine de acción".
(Códigosvisuales,09:2020)

Por su estilo o tono y por su ambientación o tema: como fantasía, ya que contienen
hechos, mundos, criaturas o cosas míticas que provienen únicamente de la
imaginación de su autor.

Por su formato o producción: como cine de animación, puntualmente animación stop

motion, caracterizado por realizar la película animando objetos de forma manual y
cuadro por cuadro, dando vida a los personajes y elementos plasmados en el filme,
los cuales son fotografiados y al ser procesados por un programa de video producen
ilusión de movimiento gracias al principio de persistencia de la visión.

Intertextualidad

El cortometraje Viva el Rey está cargado de aspectos alegóricos y simbólicos;

algunos de ellos encuentran su base en el juego de ajedrez, la fotografía, así como
el stop motion checo.

Al inicio del cortometraje la primera imagen que vemos es un tablero de ajedrez;

seguido de eso vemos una cabeza con una corona volar por los cielos y caer en
pedazos sobre el tablero. La corona rueda hasta que llega a los pies del rey, no sin
antes dejar ver los restos de aquellos que perdieron la batalla con él.

181
El ajedrez es un juego de estrategia que tiene su origen en la India y que
posteriormente llegó a Persia, donde fue difundido a Occidente.
En su significado más básico, el ajedrez es una representación de la arquetípica
batalla entre el bien y el mal.

Dentro del cortometraje vemos cómo el rey da órdenes constantemente a su

ejército, haciendo alusión a que las fichas se mueven; es decir, está realizando
"jugadas" que le permiten avanzar en la batalla. Pero una batalla contra ¿quién o
qué? Probablemente se plantea la batalla contra el bien y el mal, representada por
el color de los personajes, como blanco y negro.

Y es aquí cuando la simbología de las piezas comienza a tomar sentido. Vemos

cómo los peones, quienes representan el trabajo en equipo, son los fieles discípulos
del rey, dispuestos a todo por cumplir sus mandatos. Dentro del juego los peones
cobran importancia en el ámbito colectivo, ya que de forma individual no tienen tanto
valor.

El ajedrecista Philidor decía que: “los peones son el alma del ajedrez”, ya que
cuando un peón consigue llegar al extremo opuesto del tablero este se "transforma"
en otra pieza: reina, torre, alfil o caballo, simbolizando la capacidad del ser humano
de evolucionar. Si lo vemos en términos militares, estos peones al final del tablero
representan a los soldados de pie en una batalla.

Por otro lado tenemos a los alfiles, quienes son símbolo de lealtad y se caracterizan
por seguir siempre un mismo camino, ya que dentro del juego estos se mueven por
las casillas del mismo color en el que empezaron.

La reina, por su parte, simboliza al primer ministro o un alto funcionario; por eso se
llama el «emir» en el mundo árabe, convertido aquí en la mujer del rey. Representa
una persona estilizada, de estatura grande, normalmente con diadema.
Antiguamente recibía el nombre de «alferza».

182
El rey simboliza la cabeza del ejército. La pieza regularmente es una persona de
estatura grande, estilizada y con una corona que culmina en una cruz.

La simbología del peón y el alfil es importante dentro del cortometraje, ya que vemos
cómo después de la destrucción del tablero, quienes sobreviven son la reina, el rey
y el peón que había sido capturado en una batalla anterior. Pero, ¿por qué sobrevive
un peón y no un alfil? Esta pregunta probablemente responda al clímax del filme,
puesto que el peón es un elemento importante dentro del juego, pero no es
relevante; estamos dispuestos a sacrificar a nuestros peones para conseguir ganar
la batalla o el juego, que es algo que podemos deducir de lo que había sucedido en
la batalla anterior: el rey al que servía ese peón ahora cautivo no tuvo la suficiente
relevancia y fue sacrificado para un "bien mayor". Pero el alfil es una pieza que es
fiel al rey, en la que se apoya; por tanto, un alfil no sería sacrificado de la misma
manera.

Cuando el juego comienza de nuevo o una nueva batalla, vemos cómo cada pieza
está al servicio del rey para ganar la batalla, incluida la reina o la dama, quien
sigilosamente avanza, dispuesta a atacar.

En el momento en que el tablero se destruye, el peón, que era un prisionero y que

ahora sobrevivió al desastre que aconteció, se encuentra en la encrucijada de si
ayudar al rey para que no muera o dejarlo morir; vemos cómo el personaje transita
en una batalla interna contra el bien y el mal. Podríamos hablar en un paralelismo
de la Ley del Karma: si un sujeto realiza buenas acciones le irá bien, pero si realiza
acciones malas, entonces le irá mal. En esta batalla interna del peón, podemos decir
que alguna de las cosas que pasa por su mente es lo que haría el rey en su
situación. Él no le debe lealtad al rey, porque no es su peón y era su prisionero. Así
que toma su decisión. Y este personaje ahora está en posición de un "jaque mate",
dando lugar a su transformación en el rey.

183
Por otro lado, si nos centramos en el aspecto estético, vemos una influencia del cine
animado checo, caracterizado por su uso de marionetas y el surrealismo como
elemento narrativo, tal como se puede ver plasmado en obras de Jan Svankmajer y
Jiří Trnka, este último considerado el padre de la animación checa, quien después
de hacer 22 películas animadas se caracterizó por su uso de marionetas talladas
con una combinación de ambientes de aspecto oscuro, lúgubre y en ocasiones
surrealista; elementos que podemos apreciar dentro del filme.

Imagen 38. Corto de Jiří Trnka Imagen 39. Fotograma “Viva el Rey”
La obra de Svankmajer (fotograma 3) se caracteriza por el uso de ambientes
surrealistas y la experimentación con diferentes técnicas y materiales. Creando
mundos mágicos, evocando lo onírico, donde las pesadillas se vuelven una realidad
y lo grotesco se mezcla con lo erótico y viceversa.

Imagen 40. “Ocsuridad, Luz,

Imagen 41. Fotograma de Viva el rey.
Oscuridad” Svanckmaejer
Muestra paisajes desolados y decadentes, así como escenarios oxidados o con
aspecto industrial. Aspectos que encontramos dentro del filme, como es el escenario
que se desarrolla en un mundo totalmente imaginario y mágico. Con una trama que
muestra un mundo decadente, y que apunta a la toma de decisiones desde un
aspecto moral.

184
Rasgos plasmados en el cine no solo de animación checa sino también en el cine
surrealista; el cual

"Experimenta con el “automatismo Psíquico”, el subconsciente, lo

irracional, el psicoanálisis, ataca el orden lógico (crítica la racionalidad),
el orden estético (se enfrenta al “buen gusto” burgués) y el orden moral
(rechaza los valores de la sociedad burguesa). Donde [...] se juega con
la fantasía onírica, se plantea el libre ejercicio del pensamiento.
Aparecen imágenes insólitas, que carecen de principios estéticos y
morales, expresan violencia simbólica y/o física y buscan impactar a los
espectadores". (Cob,2017)

Tal y como lo plantea Téllez en el filme, donde al plasmar una pelea entre el bien y
el mal hace una crítica al lado racional del ser humano, donde lo estético a pesar de
jugar un papel fundamental, no responde a una estética “bonita” o digerible para el
espectador, sino que encuentra sustento en lo grotesco, donde la violencia física
entre los personajes genera un impacto en el espectador.

Por último, observamos la influencia del fotógrafo estadounidense Peter Witkin,

quien es famoso por sus obras polémicas y provocativas en torno a la muerte, la
religión, los mitos y la alegoría, quien, tras un evento traumático sufrido en su
infancia, inspiró su obra en retratar lo surrealista de la existencia.

Vemos cómo elementos de la narrativa fotográfica y de la estética de Witkin tienen

una relación con la estética que plantea Téllez
dentro del filme. Cabezas volando que aún
tienen vida desde la perspectiva de Téllez
(Fotograma 4), extremidades o cabezas que
no necesitan de su cuerpo para cumplir su
función desde el lado de Witkin (Fotograma 5).
Imagen 42. Corto de Witkin

185
Mezcla de elementos humanos con elementos surrealistas y transgresores por parte
de Witkin (Fotograma 6) y elementos "inanimados" que han sido humanizados y se
les ha vertido la estética planteada por Witkin desde el lado de Téllez (Fotograma
7).

Imagen 43. Corto de Witkin Imagen 44. “Fotograma Viva el rey”

Podemos ver cómo Viva el Rey, de Téllez, no solo tiene una gran carga en cuanto
a significaciones, sino también el papel tan importante que juegan las diferentes
artes para llenar de estética y elementos narrativos al filme.

Ideología
El cortometraje de Viva el rey nos presenta la lucha entre el bien y el mal
representada por un tablero de ajedrez, que al mismo tiempo hace hincapié en las
acciones y decisiones que la humanidad debe tomar en la vida y cómo estas nos
llevan por el camino del bien que se representa con el color blanco en el juego o por
el camino del mal que se representa de color negro, las cuales siempre están en
conflicto. No obstante cada partida tiene un desenlace distinto; en el caso del
cortometraje vemos que un peón es quién queda en pie y como ya se mencionó con
anterioridad en la simbología de las piezas cuando un peón consigue llegar al
extremo opuesto del tablero se "transforma"; siguiendo la analogía podría
interpretarse como la capacidad del hombre para renovarse y cambiar el rumbo de
186
su vida. El peón en la trama decide rechazar la corona, lo cual puede entenderse
como una forma de terminar con el conflicto.

(Fotograma 5.6) (Figura A)

Por otro lado, en el filme podemos ver diferentes temáticas, como las guerras, la
insaciable sed de poder o la lucha de clases, las cuales se resumen en la violencia.
Como ya se había mencionado en el análisis de “El trompetista”, las relaciones de
poder dentro de una sociedad pueden darse de formas distintas, en este caso
vemos la guerra que se da ya sea por ideologías distintas, por territorio, o por
desacuerdos por parte de los países que las conforman.

Interpretación
A partir del análisis realizado, pudimos ver la importancia que cobran la expresión
de los personajes, el sonido y las significaciones, ya que el cortometraje carece de
diálogos, pero cuenta con una gran carga visual y significativa que permite al
espectador hacer su propia interpretación.

Acreedor al premio Ariel como mejor cortometraje animado en 2019, Viva el Rey
muestra una gran influencia del cine animado checo, lo cual permite ejemplificar a
los personajes como fuera de este mundo y gracias a los simbolismos que emplea
la historia logra matizar el papel de cada personaje. Esta influencia estética de
Europa del este nos traslada a universos imaginarios, plasmando universos
distópicos y postapocalípticos, los cuales responden a una época específica vivida
en dicho espacio geográfico.

187
Vemos cómo el color, es parte fundamental de esto, ya que pese a no ser un
cortometraje "oscuro", sí plantea a los personajes de blanco y negro haciendo
énfasis en el bien y el mal. Dicha estética y uso de color aleja al cortometraje de la
estética mexicana, la cual es famosa por ser colorida y folklorica.

Alejarse de la estética mexicana y las raíces permite al director no solo explorar

nuevas estéticas y narrativas, sino seguir el camino que la animación proveniente
de la ciudad de Guadalajara se ha esforzado por plantear como la estética mexicana
del stop motion, la cual en los últimos cinco años ha sido reconocida y ha generado
una identidad a lo largo del mundo.

El cortometraje del director Luis Téllez tiene un ritmo lento y contemplativo, que
genera drama y suspenso, acompañado de música y silencios. Hace uso de cortes
directos de las acciones entre bandos, con el apoyo de planos detalle en sus tomas
que transmite la sensación de textura de los personajes y del espacio.

Es importante resaltar que gracias a que el filme es cine de animación permite al

director crear un sinfín de mundos posibles tal cual alguien puede imaginarlos.,
donde muy probablemente el director no busca acercarse a la realidad del ser
humano, sino que a través de lo visual busca ejemplificar la pelea constante que se
vive en nuestra cabeza sobre tomar decisiones y la repercusión de nuestros actos.

Gracias a la intertextualidad que encontramos dentro del cortometraje vemos cómo

el uso del juego de ajedrez como metáfora de vida permite contar una historia que
forma parte de nuestro cotidiano, pero que pocas veces es verbalizado. Además de
mostrar cómo las decisiones que tomamos quizá no siempre serán lo políticamente
correctas, pero al final son humanas.
Romper con la estética planteada como mexicana y contar historias alejadas del
típico drama mexicano, el folklore, o problemas que apremian a la sociedad
mexicana y apostar a temas más universales deja ver que el cine mexicano tiene
un gran interés por cambiar el discurso ofrecido.

188
5.2.4 Efectos y derivaciones de los análisis cinematográficos

El análisis de los cortometrajes de animación permitió encontrar ciertas similitudes

y diferencias, las cuales se ejemplificarán más adelante, y a su vez características
específicas de cada director, que permiten mostrar una mirada del realizador. Esto
con el fin de conocer lo que se está realizando en cuanto a cortometrajes de
animación nacionales, profundizando en el uso de las técnicas más usadas y la
calidad de los productos audiovisuales.

Dentro de los tres cortometrajes: El trompetista, El jardín de las delicias y Viva el

rey, encontramos en cuanto a similitudes:

1. Técnica
Respecto a la técnica de animación que se utilizaron; de los tres cortometrajes
encontramos que dos directores hacen uso del 2D, mientras que uno de ellos está
realizado en stop motion, técnicas que corresponden a su filmografía y formación
dentro de la animación de cada director.

2. Montaje e imagen
La narración en los tres cortometrajes es lineal, las acciones se realizan en un
tiempo corto, con un montaje de corte seco. En la imagen cada director empleó
encuadres distintos, pero utilizando principalmente tomas abiertas, planos detalle y
médium close up.

3. Sonido
De los cortometrajes analizados, encontramos que ninguno cuenta con una
locución, pero si con el uso de figuras retoricas como son las onomatopeyas; por lo
que el audio y la imagen son los aspectos más importantes con los cuales se les da
vida a los personajes, dotando de sentido a la narrativa. El diseño sonoro de cada
cortometraje logra que el mensaje se transmita al espectador.

189
 4. Narración
El contenido de los relatos ideológicamente coincide en cuanto a que, los tres
cortometrajes insisten en ideas de libertad de diferente índole, donde se promueve
ser individuos con expresión personal sin repercusiones sociales.

5. Ideología
En las tres historias se plantea el dilema del bien y el mal, aunque desde puntos de
vista diferentes; no se puede decir quién es bueno o quién es malo, qué está bien o
qué está mal, pues las tres historias animadas retratan problemáticas con las que
una persona real puede lidiar como lo es la religión, la obediencia y la postura social,
al final estos problemas se resuelven gracias a que nuestros personajes eligen su
propio camino y son “liberados” de dichos problemas, todo visto desde su
perspectiva.

6. Personajes
Los personajes son de fantasía en mundos no verosímiles, en donde cada uno de
ellos tiene características específicas, por ejemplo, el diablo está compuesto por
formas triangulares, el peón no tiene ojos, y el trompetista está más familiarizado a
una persona humana, pero con rasgos caricaturescos. Pero en sí los personajes
tienen la característica de no ser reales.

En cuanto a las diferencias y rasgos de cada director encontramos que:

Cada cortometraje, al ser cine de autor no mantiene ninguna similitud en cuanto a

color, estilo de personajes, puesta en escena y musicalización.

La música al igual que los cortometrajes son creaciones de autor, por lo que no se
hace uso de música comercial, esta es creada específicamente para los
cortometrajes y adaptándose a las acciones o la historia de cada filme.

La puesta en escena en cada cortometraje es diferente a la otra, en el jardín de las

delicias se hace uso de colores en los fondos, plantas y el agua con tonalidades
vibrantes que no pertenecen a la realidad, mientras que en Viva el rey se utiliza un
tablero de ajedrez en las alturas y con fondo de nubes; en el trompetista la historia
se sitúa en un campo militar.

190
No podemos hablar de un estilo mexicano en cuanto a trazos y estética, los colores
y diseño de personajes son bastante diferentes, pues cada director tiene su estilo y
técnica. Realizar este análisis nos permitió ver que no se puede hablar de un estilo
mexicano en los cortos de animación.

En estos dos filmes, apreciamos la importancia de la intertextualidad al momento de

transmitir un mensaje y contar una historia. Por otro lado, podemos encontrar que
los filmes plantean una batalla entre el bien y el mal, pero desde dos perspectivas
diferentes, en primera instancia, tenemos El jardín de las delicias, hablando de este
aspecto desde lo religioso, donde encontramos una relación con el pasaje bíblico
Génesis 3 donde se habla de Adán, Eva y el diablo y las elecciones que uno y otro
tienen que hacer, mismas que encontramos aquí, traducidas como lo correcto y lo
incorrecto o una lucha entre el bien y el mal.

Por otro lado, encontramos esta misma lucha en Viva el Rey con el juego del ajedrez
y los significantes con los que está dotado dicho juego en cada una de sus piezas,
ayudan a ejemplificar, a través de simbolismos como la corona, la puesta en escena
y los efectos sonoros. Sin embargo, aun cuando ambos retoman la misma temática,
la forma en que es expuesta una y otra guarda una gran diferencia, ya que en el
jardín de las delicias, se plantea un cambio, una libre elección, dejando como
mensaje que lo que se plantea como algo “malo” no es necesariamente así, si se
observa con otros ojos. Mientras que en Viva el rey el planteamiento tiene tendencia
más hacia lo moralizante, donde se hace referencia a una moral que podemos
encontrar en los filmes del cine. Esto mismo pasa con El trompetista, donde a pesar
de no plantear una batalla entre el bien y el mal, si plantea una lucha interna en el
personaje.

Con esto, queremos decir, que hay una semejanza que quizás no propiamente
tenga que ver con la temática, pero sí con el mensaje que plantea el autor. Se
observa una búsqueda constante por querer mostrar una forma diferente de hacer
las cosas, una toma de decisiones, una lucha interna cuestionada por la sociedad
que rodea a los personajes pero que al final, esos mismos personajes se mantienen

191
firmes a sus convicciones. Y es aquí donde la intertextualidad no sólo toma sentido,
sino que nos permite apreciar que en el cine animado mexicano aun cuando la
estética que emplean los directores es muy diferente entre sí, vemos como hay
temáticas que preocupan a los directores y que son planteadas bajo su propio
bagaje cultural y experiencias. Dotando al filme de fantasía con mundos imaginarios,
coloridos o con muy poco color, centrado en un público, usando referentes que
remiten a lo mexicano o influenciados por el cine de Pixar o de Europa del este,
pero que al final, todos comparten un mensaje común: seguir tus instintos y ser fiel
a tus ideales.

No son productos comerciales hechos en serie, por lo tanto, son historias diferentes,
narradas de formas diferentes, uno ocupa el color y figuras geométricas, mientras
otro hace uso de texturas y elementos físicos en los personajes para transmitir el
mensaje que se quiere dar, finalmente otro es una historia más sencilla y apegada
a la realidad.

192
C
A
P
Í
T
U
L
O CONCLUSIONES
GENERALES
6

193
6. Conclusiones generales

El objetivo de esta investigación es explorar el panorama actual de la producción de

los cortometrajes de animación en México, con el fin de reconocer la importancia y
relevancia de este dentro de la industria cinematográfica nacional.

La producción de animación en México ha estado representada por largometrajes,

pero en las últimas dos décadas, el cortometraje ha tomado su propio lugar.

La producción de los cortometrajes requiere de un proceso diferente, invirtiendo

menos tiempo en su realización, pero a su vez necesita de un equipo humano y
técnico altamente especializado por su complejidad al crear historias en un lapso de
tiempo breve.

El impacto del cortometraje se muestra al analizar los festivales de cine y sus

programas de mano, donde estos representan más del cincuenta por ciento de los
filmes que se presentan en dichos eventos, es decir, que son producciones en
crecimiento, en función del interés tanto de los exhibidores como de los
espectadores.

La animación en este momento ha logrado posicionarse por la era digital, ya que en

estos momentos se ha abierto a posibilidades técnicas y creativas a las nuevas
generaciones, donde la animación es un campo atractivo para desarrollarse de
manera profesional, permitiendo el desarrollo de la producción de múltiples
productos audiovisuales realizados por medio de la animación.

La animación se ve fortalecida por la era digital y por la formación académica, todo

ello permite a los realizadores desarrollar en sus cortometrajes múltiples
posibilidades gracias a los avances en las diferentes técnicas que, les otorga una
mayor facilidad para desarrollar su libertad creativa de forma más rápida, al ya no
ser un proceso artesanal, creando mundos y personajes originales, donde no tienen
que ajustarse a ningún parámetro establecido ya sea técnico o estético.

El cortometraje en México está teniendo un crecimiento, gracias a la participación

en la producción de talentos emergentes, estudiantes y directores que han logrado

194
expresarse creativamente y experimentar con este género en el quehacer
cinematográfico.

Algunas instancias institucionales tanto gubernamentales como privadas están

interesadas en apoyar al cortometraje, como se observa en las estadísticas del
anuario de IMCINE 2019.

El cortometraje de animación en México tiene algunas producciones que han tenido

reconocimiento internacional, sin embargo, no se ha logrado su exhibición masiva
en salas cinematográficas, es decir uno de los grandes problemas es la distribución
y exhibición del cortometraje.

Las producciones de los cortometrajes de animación tienen altos costos, por lo que
se hace necesario contar con los apoyos por parte de las instituciones
gubernamentales como IMCINE y FONCA, aunque insuficientes, ayudan a
desarrollar y promover el género de animación, posicionándolo en la escena fílmica.

Lamentablemente como se observa el panorama cultural de México, el cine tendrá

dificultades, para seguir obteniendo subvenciones y apoyos para su producción, por
lo que deberán encontrar otras formas de financiación, lo cual podría por momentos
entorpecer el crecimiento de esta rama del cine. Sin embargo, consideramos que
es precisamente este formato del cortometraje el que ofrece una posibilidad de
continuar produciendo sin grandes inversiones institucionales, al ofrecer alternativas
más viables en cuanto a costos de producción a diferencia del largometraje.

Aunque en México está el proceso de la formación de técnicos especializados, es

necesario insistir en la necesidad de ampliar y modificar la formación académica de
los futuros animadores, los cuales deberán tener un programa más acorde para
desarrollar las habilidades creativas globales, que permitan desarrollar animaciones
que puedan competir en los mercados internacionales.

Los festivales de cine se han convertido en un espacio para el desarrollo de la

industria cinematográfica internacional, porque promueven formas de consumo y
abren posibilidades de nuevos nichos de productos cinematográficos en el mercado
fílmico, donde el cortometraje se está posicionando como uno de géneros que tiene

195
ya su propio espacio, recibiendo una promoción que le da posibilidades de
crecimiento futuro.

Los festivales son de suma importancia para la exhibición y consumo de los

cortometrajes y cortometrajes de animación, es por ello que los festivales necesitan
de presupuesto, apoyos gubernamentales y privados para que perpetúen y estos
sigan apoyando y reconociendo los filmes y directores emergentes.

A pesar de que el cortometraje es un producto importante en la industria

cinematográfica y ocupa un lugar relevante dentro de los festivales de cine,
reconocemos que es necesario garantizar que los cortometrajes de animación
puedan tener una posibilidad amplia de exhibición y con ello lograr su
reconocimiento fuera de los festivales, por lo que las instituciones encargadas de
promoción del cine deben incluir el mayor número de cortometrajes en las salas
cinematográficas comerciales además en plataformas digitales como Netflix, Claro
Video o Cinépolis Klic, entre otras.

Es importante señalar que los directores del cortometraje tienen una posición muy
definida frente al proceso de realización, donde se destaca que la animación les da
una libertad creativa y posibilidades narrativas más amplias que el cine de ficción o
el documental.

Deseamos destacar uno de los resultados que tienen en común los análisis de los
cortometrajes y es que, en todos ellos, el relato permite que el espectador se
involucre con la historia, es decir se establece un diálogo constante, donde la
conclusión de la historia queda en manos de cada uno de los espectadores.

Al realizar los análisis de los cortometrajes, detectamos que la música y los efectos
sonoros tienen un papel destacado en la construcción de los cortos, en todos se usó
música compuesta originalmente para ellos, y es el sonido quien da a la narración
un ritmo en el desarrollo tanto de la historia como en destacar a los personajes.

Otro punto importante es que los realizadores tienen un punto focal en el uso de los
colores y que estos ayudan a enfatizar la historia que desarrollan los cortometrajes.
Específicamente en el cortometraje El jardín de las delicias el director García

196
Caballero hace uso de referencias y elementos para apelar al público mexicano,
aunque este sea una temática universal, es decir, el director juega con múltiples
interrelaciones por medio de la intertextualidad, que permite establecer una
dinámica interpretativa con el espectador.

Con este primer encuentro con el cortometraje de animación, no logramos encontrar

elementos que pudieran definir un estilo de animación con identidad nacional, sin
embargo, lo que si pudimos detectar es que cada realizador pudo expresar su
creatividad en forma personal, se guían fielmente a un estilo particular y diferente
de acuerdo a su formación como animadores y su bagaje cultural. Esto genera
productos diferentes y da muchas más posibilidades dentro del mundo de la
animación, ya que no son filmes en serie con un estilo especifico.

Consideramos que se debe promover al cortometraje de animación por medio de

una plataforma de streaming centrada en cortometrajes, permitiendo conocer las
producciones existentes, y a crear un nuevo grupo de espectadores que se
acercarían al conocimiento de este género.

Sería conveniente que IMCINE apoyara la coproducción de los proyectos

cinematográficos de corta duración, esto permitiría a que las y los realizadores
tengan la posibilidad de acceder a un mayor presupuesto al tener el apoyo
institucional por parte de IMCINE y de la inversión privada.

Es fundamental que se que se incluya en la agenda cultural nacional otorgar un

mayor apoyo a las instituciones dedicadas al cine, para fortalecer al cortometraje y
al cortometraje de animación.

Es necesario apoyar el desarrollo de los cortometrajes de animación por medio de

campañas promocionales para su difusión para que desmitifique el concepto que
actualmente se tiene del género y se conozca en sus verdaderas dimensiones y con
ello logre un alcance para ser disfrutado por un público masivo.

Consideramos que está investigación puede ser la base para futuros proyectos,
como podría ser el estudio de los personajes en los cortometrajes de animación
mexicanos desde la psicología, el diseño de los personajes o su estudio

197
antropológico, y/o revisar las temáticas recurrentes del cortometraje de animación,
así como explorar las influencias y referencias de los directores. Otro aspecto será
el profundizar en los intereses de la audiencia hacia el cortometraje y finalmente
estudiar el papel de la mujer dentro de la producción de cortometrajes y animación
en México.

198
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rn%C3%A1ndez.pdf?attachauth=ANoY7crwAQ9qLAEycAuhd3i0Gx_BiEZXYCg4k
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https://www.filminlatino.mx/corto/viva-el-rey (Fecha de consulta 19 de junio 2020).

Vimeo. (2017). El trompetista. [Video online]. Recuperado de:

https://vimeo.com/213936588 (Fecha de consulta: 10 de junio 2020).

205
10. Índice de imágenes
Las imágenes presentes en el trabajo de investigación han sido tomadas de
películas y/o cortometrajes sin previa autorización de los autores, usadas
exclusivamente para ilustrar el presente trabajo con fines académicos.

Imagen 1. Linterna mágica, imagen tomada de la web

https://duendevisual.wordpress.com/2016/05/29/la-linterna-magica/
Imagen 2. Ejemplo de taumapotro, imagen tomada de la web
http://proyectoidis.org/taumatropo/
Imagen 3. Zootopro, imagen tomada de la web
https://sites.google.com/site/cineymultimedia/1-1-historia-del-cine/1-1-1-
antecedentes/1-1-1-08-el-zootropo
Imagen 4. Praxinoscopio, imagen tomada de la web
https://ar.pinterest.com/pin/665758757392161740/
Imagen 5. The Enchanted Drawind, tomada de la web
https://www.timetoast.com/timelines/history-of-animation-adam-nelson
Imagen 6. Walt Disney y Mickey Mouse, imagen tomada de la web,
https://www.mypress.mx/vida/walt-disney-leyenda-chicos-grandes-52-anos-
muerte-4105
Imagen 7. El Último Truco del Sr. Schwarcewallde y del Sr. Edgar, The Last Trick
(Jan Švankmajer, 1964) tomada de la web,
https://drnorth.wordpress.com/2009/03/25/the-last-trick-jan-svankmajer-1964/
Imagen 8. Mi vecino Totoro, となりのトトロ Tonari no Totoro Studio Ghibli, 1988,
tomada de la web,
https://www.hungertv.com/editorial/where-to-begin-with-studio-ghibli/
Imagen 9. Tim Burton con personajes de “El extraño mundo de Jack”, A
Nightmare Before Christmas, (Tim Burton, 1993) tomada de la web,
https://crec.cc/pero-que-es-el-stop-motion-2/
Imagen 10. Dibujos animados de Mickey Mouse, imagen tomada de la web
https://www.elimparcial.es/album/378/disney.-el-arte-de-contar-
historias/1/exposicin-disney.-el-arte-de-contar-historias.html#galeriaWrap
Imagen 11. Rodaje de la película Coraline, Coraline y la puerta secreta, (Tim
Burton, 2009) tomada de la web
https://www.cgw.com/Publications/CGW/2009/Volume-32-Issue-11-Nov-2009-
/Coraline-in-3D.aspx

206
Imagen 12. Ejemplo de pixilación, tomada de la web
https://blog.ed.ted.com/2015/11/18/animation-basics-what-is-pixilation/
Imagen 13. “Viaje a la luna” George Méliès, 1902, tomada de la web
https://lanochedelaiguana.wordpress.com/tag/stop-trick/
Imagen 14. Recambio de piezas, The Boxtrolls, 2014, tomada de la web
https://www.wired.com/2014/09/boxtrolls-gallery/#slide-id-1575167/slide-id-
1575167
Imagen 15. Ejemplo de rotoscopía de “La bella durmiente”, La Bella Durmiente,
(Walt Disney, 1959), tomada de la web.
http://www.efectohd.com/2008/01/el-arte-de-la-rotoscopia-un-poco-de.html
Imagen 16. Ejemplo de animación 3D de “Toy Story”, Toy Story, (Disney Pixar,
1995)
https://wsimag.com/es/espectaculos/14704-pixar-25-anos-de-animacion
Imagen 17. Andy Serkys interpretando a Gollum de “El señor de los anillos”, The
Lord of the Rings, (Peter Jackson, 2001)
https://www.researchgate.net/figure/Andy-Serkis-poses-in-a-moIon-capture-suit-
during-his-performance-of-Gollum-during-the_fig10_316428528
Imagen 18. Cartel de “El trompetista”, tomada de la web
https://www.filmaffinity.com/mx/film892068.html
Imagen 19. Personaje principal de “El trompetista” tomada de YouTube
https://www.youtube.com/watch?v=NRQj84ABkWM
Imagen 20. Antagonista de “El trompetista”, tomada de YouTube, El trompetista,
(Robin Morales, 2014)
Imagen 21. Fotogramas 1 a 17, tomados de Youtube, El trompetista, (Robin
Morales, 2014)
Imagen 22. Fotogramas 1.1 a 7.5 para análisis del cortometraje tomados de
YouTube, El trompetista, (Robin Morales, 2014)
Imagen 23. Cartel de “El jardín de las delicias”, tomada de la web
https://www.filminlatino.mx/corto/el-jardin-de-las-delicias
Imagen 24. Personaje principal de “El jardín de las delicias”, tomada de YouTube
https://www.youtube.com/watch?v=ZKN1zmEtcp8
Imagen 25. Personaje principal de “El jardín de las delicias”, tomada de YouTube,
El jardín de las delicias, (Alejandro García, 2016)
Imagen 26. Fotograma 1 a 10 tomados de Youtube, El jardín de las delicias,
(Alejandro García, 2016)

207
Imagen 27. “El jardín de las delicias” Obra de El Bosco, tomada de la web
https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/el-jardin-de-las-
delicias/02388242-6d6a-4e9e-a992-e1311eab3609
Imagen 28. Árbol de la vida, tomada de YouTube
https://www.youtube.com/watch?v=ZKN1zmEtcp8
Imagen 29. Cima del árbol de la vida, tomada de YouTube, El jardín de las
delicias, (Alejandro García, 2016)
Imagen 30. Fotograma 1.0 a 8.6 para análisis del cortometraje, tomados de
YouTube, El jardín de las delicias, (Alejandro García, 2016)
Imagen 31. “Tercer día de la creación” Tríptico cerrado “El jardín de las delicias”
https://es.wikipedia.org/wiki/El_jard%C3%ADn_de_las_delicias#/media/Archivo:Hi
eronymus_Bosch_-_The_Garden_of_Earthly_Delights_-
_The_exterior_(shutters).jpg
Imagen 32. Dios, Adán y Eva en el jardín del Edén, Primera parte del tríptico.
https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/el-jardin-de-las-
delicias/02388242-6d6a-4e9e-a992-e1311eab3609
Imagen 33. Mujeres y hombres desnudos disfrutando del jardín, segunda parte del
tríptico
https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/el-jardin-de-las-
delicias/02388242-6d6a-4e9e-a992-e1311eab3609
Imagen 34. Cartel de “Viva el rey”, tomado de la web
https://www.filminlatino.mx/corto/viva-el-rey
Imagen 35. Personajes principales de “Viva el rey”
https://www.youtube.com/watch?v=J6Om2O6kA2I
Imagen 36. Fotograma 1 a 23 tomados de Youtube, Viva el rey (Luis Tellez, 2017)
Imagen 37. Fotograma 1.0 a 5.6 para análisis del cortometraje. Viva el rey (Luis
Tellez, 2017), tomada de YouTube
Imagen 38. Corto de Jiří Trnka, A Midsummer Night’s Dream, (Jiří Trnka, 1959),
tomado de la web
https://www.sensesofcinema.com/2013/cteq/the-passion-of-the-peasant-poet-jiri-
trnka-a-midsummer-nights-dream-and-the-hand/
Imagen 39. Fotograma de Viva el rey, Viva el rey (Luis Tellez, 2017), tomada de
YouTube
Imagen 40. “Ocsuridad, Luz, Oscuridad” (Jan Švankmajer, 1989), tomada de
YouTube
https://www.youtube.com/watch?v=1THMc9g5SaU

208
Imagen 41. Fotograma de Viva el rey, Viva el rey (Luis Tellez, 2017), tomada de
YouTube
Imagen 42. Corto de Witkin
Imagen 43. Corto de Witkin
Imagen 44. Fotograma Viva el rey Viva el rey (Luis Tellez, 2017), tomada de
YouTube.

11. Anexos
Anexo 1. Entrevistas

¿En tu experiencia cuál crees que es el panorama actual de la animación y

hacia dónde crees que esta se dirige?

Robin Morales

Por un lado vemos que hay nuevas voces emergentes, estudios pequeños, mucho
talento que no se había detectado y están los grandes estudios que le siguen
haciendo su chamba como Ánima, Huevocartoon, Mighty, que está creando un
precedente con maquila internacional y están volteando hacia México, entonces eso
me parece muy esperanzador y el talento que estamos viendo por todos lados, cada
vez más estados de la República; más proyectos, plataformas, escaparates y por
otro lado está la realidad nacional y económica de qué están hablando de industria
de la animación y muchos no la conocen, para muchos no existe.

Luis Tellez

Hay una industria que de alguna manera está consolidada toda la industria
comercial que tiene que ver con agencias, clientes y demás, por otro lado está la
animación que se está haciendo con miradas comerciales de largometrajes que en
esto se puede incluir Animex, Ánima Estudios, Huevocartoon, estos tipos de
iniciativas que tienen un mercado, un público, un presupuesto y que de alguna
manera ha funcionado bastante bien por qué han hecho escuela.

209
Por otro lado está la animación, no sé si llamarlo de autor o animación independiente
porque tiene unas características muy especiales ya que por un lado ha tenido un
éxito increíble en festivales internacionales y en los premios nacionales creo que los
cortometrajes de animación han arrasado y hay casos increíbles como el de Hasta
los huesos, en el que tuve el privilegio de participar y que creo que es de los
cortometrajes de animación más premiados de toda la historia, tiene casi cien
premios de festivales tanto nacionales como internacionales, de igual manera está
el caso de El héroe de Carlos Carrera el cual fue una coyuntura muy puntal, hizo
que el mundo volteara ver a la animación mexicana en donde no hay una tradición
larga como en otros países como Estados Unidos, Reino Unido y Francia, dónde
hay tradiciones de hasta 100 años de estar realizando animación, aquí en México
la animación es muy breve en ese sentido de la animación independiente.

Male García

Muy prometedor en muchos sentidos, sobre todo con las nuevas generaciones que
han estado apareciendo, ya que la profesionalización de la animación lleva muy
poco tiempo y ha sido muy gradual aunque cada vez viene más fuerte gracias a
escuelas que se dedican a formar profesionistas de la animación ya que antes no
existía eso, las generaciones anteriores no pudimos estudiar animación como tal y
tuvimos que aprender por nosotros mismos, pero ahora puedo ver con mis alumnos
que a su edad yo ya sabía la mitad de lo que ellos saben ahora, entonces se
puede imaginar el nivel en el que estarán después creando cosas increíbles y
fortaleciendo esta precaria industria que tenemos ahorita. Entonces entre la
profesionalización también se debería crear una identidad nacional de la animación
en lugar de producir cosas como las que realizan Disney, Pixar o las japonesas,
pero tratar de alejarnos del vecino del norte ya que existe una referencia muy fuerte
y tratamos de alcanzar esos niveles que no tenemos, pero tenemos muchas otras
cosas con las que podemos crear un perfil de industria que creo es muy importante.

210
¿Cuáles son las formas de producción de animación y qué diferencias existen
entre ellas?

- Animación independiente vs. animación casa productora (financiamiento).

Robin Morales

Me gané una residencia artística, fue como un premio de que me producían el corto,
me pagaban sueldo de director y por los derechos, el estudio allá te da todo: el
equipo, los animadores, instalaciones, departamento, sueldo y suena padre, pero sí
es complicado porque sí era el director pero como es una residencia te jodes a lo
que la productora te diga que hagas, entonces cambios en el guión, animactic,
muchas peleas, la música, tienes que doblar las manos a lo que ellos te digan,
entonces es una residencia artística y fue una gran experiencia porque los franceses
nos llevan mucha ventaja en cine y animación y tienen un sistema muy redondo de
formación artística.

Creo que en procesos y dinámicas es lo mismo solo que en pequeño, entonces si

se tiene un presupuesto limitado no te puedes aventurar a hacer más cosas y como
son menos personas pues se está más involucrado, por ejemplo con IMCINE que
es el director, pues también la haces de productor, ves el tema del dinero, que
alcance, ves las cuentas y administras qué es lo que va a ganar cada quien,
entonces te haces cargo de eso aunque tengas tu productora, pero estás ahí en
parte de todo el proceso y uno como director está involucrado en todas las áreas y
ese es como un buen dilema. n productoras grandes es mucho más fácil que te den
tu asignación y no te tienes que preocupar por conseguir dineros, apoyos, fechas
límite, calendarios, más bien uno cumple y ya y por el otro lado es estar atento a
convocatorias o presupuestos como lo manejas, administrar, cazar talento, buscar
el equipo, hacer pruebas y es un arte dirigir más que lo artístico; lo humano.

Por los fondos y los caminos de producción, por lo menos está este apoyo de
IMCINE y hay otros apoyos de corto a nivel internacional, de repente salen apoyos
locales para la producción de cortos,

211
Creo que se va a seguir apoyando por tradición del cortometraje al menos de
IMCINE y con estas modificaciones ojalá que sea más el presupuesto y es lo que
vamos a pugnar, desgraciadamente es el único apoyo formal que te permite hacer
algo de calidad en México y ojalá que no tengamos que depender de ello, ojalá que
se abran nuevas convocatorias.

Luis Tellez

Había muy poca gente haciendo esto y en animación en 2D porque en stop motion
prácticamente no había nadie, hasta después conocí a Rigo Mora, seguramente
habrán escuchado ese nombre porque es el nombre del premio del Festival de Cine
de Guadalajara, es el Premio Rigo Mora, él fue un gran amigo y era socio de
Guillermo del Toro y empezaron a hacer stop motion cuando eran muy chavitos, a
él lo conocí aquí en Guadalajara y también conocí a René. Como les comento casi
no conocía a nadie que tuviera buen nivel hasta que vine para acá y fue una locura.

Todos coincidimos en que era imposible hacer un largometraje en México y ahora

creo que es momento de cambiar de opinión retractarnos de alguna manera de lo
que pensábamos entonces, yo decía que si nos tardábamos tanto y había tan poca
gente y poco dinero, mis proyectos se los heredaría a mis hijos y a mis nietos. pero
no fue así ha ido creciendo todo y creo que es como una especie de contagio, por
ejemplo; está Guillermo y Rigo.

Hay mucho control, muchas posibilidades de mejorar cosas incluso en la

postproducción lo cual es un súper avance en el mundo con esto de Guillermo, que
tiene consecuencias en relación con Laica ha hecho proyectos los cuales son
increíbles, incluso ellos tienen premio de la academia de innovación tecnológica.

En IMCINE nos dijeron que ya no iban a apoyar la animación y nosotros nos

preguntábamos qué por qué y ellos nos dijeron que nos tardábamos mucho y ahí
es una cultura de la inmediatez, dejaron de apoyar seis años la animación y fue muy
triste porque ya se llevaba un impulso que se frenó ahí y ya no lo pude levantar.

212
Hasta los huesos, es un proyecto bastante caro pero bastante ambicioso que costó
arriba de tres millones de pesos, ahora mismo los apoyos del IMCINE son
de ochocientos o novecientos mil pesos para cortometraje, por eso Hasta los
huesos fue una cosa inédita. Para El rey no pude hacerlo, conseguí apoyos de
inversiones del FONCA y me dieron la beca Rockefeller pero aun así no me
alcanzaba, en total juntaba unos trescientos mil pesos y uno piensa que es mucho
dinero, pero a los niveles que yo quería llegar en comparación con Hasta los huesos
no me bastaba, al final lo tuve que hacer con mis propios medios. Estamos
trabajando fuerte para que suceda eso y se siga apoyando a la animación desde el
aspecto institucional, me parece que en algún momento la animación se va a volver
auto gestionable pero por lo pronto si se necesita apoyo para consolidarse.

Male García

Cada una es muy diferente a nosotros lo que nos gusta es producir cortos, pero no
hay dinero suficiente o no ganamos el apoyo de IMCINE porque no podemos estar
constantemente colgados de este apoyo porque ya somos una generación muy
adelante y vienen atrás otras personas que estaría increíble que ganaran lo mismo
que nosotros cuando éramos jóvenes, entonces depende mucho el tipo de
animación que quieras hacer porque las producciones para publicidad tienen un tipo
de enfoque, de presupuestos, de tiempos, depende lo que quieras hacer, nosotros
trabajamos un poco de publicidad para tener dinero y producir algo nuestro, porque
no todo el tiempo podemos ganar apoyos, entonces dependemos de la publicidad
para poder hacer lo que Llamarada hace y cuando no sacamos nada es porque no
tenemos el dinero suficiente y creo que muchas personas lo hacen así, hacen
publicidad, guardan un poco de dinero y le invierten a sus cortometrajes o hay
personas que no hacen nada de publicidad, tratan de alejarse de ese camino y
sacan dinero de otras instancias como trabajos con ONG, cuestiones culturales,
museos, depende mucho de qué camino quieres tomar, si quieres hacer publicidad,
si hay dinero y ahí es una forma de vida muy diferente, si quieres hacer animación
independiente hay una satisfacción personal y artística brutal, pero el dinero no es

213
redituable en la animación, el corto no es nada lucrativo, es para que te identifiquen
y mostrar tu trabajo, para seguir generando un nombre debajo de este estilo y tratar
de generar una industria, pero no es nada provechoso y el largometraje tampoco
reditúa a menos que sea Huevocartoon o Ánima, pero si haces un corto para adultos
o con una temática diferente quizás se vayan a (…) pero que se llenen los cines,
eso no va a pasar, entonces depende lo que quieras hacer.

Técnicas que se utilizan en la animación mexicana y las más recurrentes

-Técnica más usada, estilo mexicano.

Robin Morales

Sí hay un estilo mexicano que es el que se ha puesto en escena internacional que

es el stop motion en Guadalajara hay mucho respeto por la calidad que tiene y la
trascendencia internacional, pero si se ha vuelto como sinónimo de animación en
México.

Ahorita Guillermo del Toro, Insomnia, Karla, en Guadalajara que es la capital del
cine animado, yo estuve en el Festival de Guadalajara del año pasado y ese fue el
aniversario y toda la imagen fue “la capital del cine de animación en México” y por
un lado está padre, fue aclamado pero el peligro que yo detecto es que todo el
talento que está ahí en todos esos Estados que no tienen apoyo como Colima,
Mérida, el norte del país, etc. es algo muy centralizado, entonces ese es un tema
de estilo, a mí no me gusta reconocerme como si ese fuera el sello mexicano pero
así lo venden y así lo tienen perfectamente presente la gente en el extranjero y no
hay un sello que nos caracterice, lo que puedo puedo ver es el uso del color porque
lo tenemos muy en el ADN, el colorido pero como proyectos 2D no se ha detectado
como un estilo que sí lo ha hecho el stop motion de Guadalajara como: la misma
paleta de colores, diseño de personajes, las historias, etc. México tiene muchísimos
colores y técnicas que aportar y solo faltan oportunidades para que se apoye.

214
Para concluir no detecto un estilo mexicano, estamos muy divididos y peleados en
cuanto a eso, pero por ejemplo Casiopea o Llamarada que son más de autor si los
analizas a ellos sí puedes encontrar una línea en común pero de repente te
encuentras con un 3D que no es. Estaría bien analizar los cortos de IMCINE porque
ahí hay mucho de stop motion, muchos de 2D y poquitos de 3D y series pues
básicamente son en 2D en México de lo poco que se ha hecho porque es más
asequible.

Luis Tellez

Creo que en el caso de la animación independiente hay muchos estilos, me voy a

referir un poco a los siete así como Rita, René habla mucho desde Mixquic. En el
taller de Chucho no es una sola entidad sino que son varios, cada autor tiene su
propia estética y sus propias raíces, René desde Mixquic, qué es el pueblito dónde
se celebra el día de muertos cada quien tiene su propio bagaje. Creo que hay mucha
influencia de los muralistas, de los surrealistas, de Leonora Carrington, Remedios
Varo, Ruelas, Cuevas y por otro lado de los ambientes rurales, cosas de Paz,
siempre he pensado que Octavio Paz podría haber sido un gran guionista de
animación, pero bueno pienso que hay un universo y un imaginario muy interesante
y que de alguna manera conecta con este México profundo, pero que al final es
universal y eso es increíble, creo que tiene ciertos tintes obscuros, no podría
definirlo en una etiqueta pero me parece que si somos auténticos en estos proyectos
y es muy bonito porque dicen ahí está la escuela de Guadalajara o el movimiento
de Guadalajara

Siempre digo que no haces un cortometraje por qué quieres hacer un largometraje,
tú haces un cortometraje porque eso es lo que puede contener la historia que tienes
en mente, el cuento es el cortometraje como el largometraje a la novela entonces
son diferentes formas y formatos de contar historias.

Male García

215
Justo la semana pasada en nuestras juntas de gremio apareció en los estudios que
se hicieron que la técnica que más se recurre es el 2D, me parece que porque es el
más difícil, aunque cualquier técnica es complicada, el 2D apela a una inclinación
artística muy artesanal y en México somos muy artesanales en muchos de los
sentidos, en segundo lugar el 3D y en tercero el stop motion, y yo siento que esta
última es de los trabajos más reconocidos a nivel internacional sobre todo de lado
de la Escuela Tapatía, pero lo que más se hace es 2D, la mayoría de las películas
que se han animado son 2D, algunos son híbridos, lo último que ha trabajado
Cartoon es un 3D más avanzado, pero lo más recurrente es el 2D.

La Tecnología en el mundo de la animación y su influencia en la animación

en México.

-Cambios, ventajas y desventajas, y avances.

Robin Morales

Las ventajas es que cada vez es más democrático, lo que antes era más complicado
de manejar en varios procesos ahora con dos softwares lo haces sin problema y
puedes animar todo en Photoshop ahora, puedes tener facilidades de tener equipo
en tu casa, en el caso del 3D Blender está haciendo una revolución porque es gratis
y ya no tienes que gastar en licencias, los mismos usuarios van haciendo parches
y actualizando herramientas, entonces eso lo hace más fácil, en 2D no he visto
mucho avance, Animate y Flash, se han vuelto estándar y eso te facilita que si estás
en una producción ya conoces el flujo de trabajo, se homogenizan los estándares.
Las desventajas de la tecnología es que siempre ha sido la misma es pensar que
un programa te va resolver procesos o cosas que solamente las tablas, en vez de
volver a los principios de animación como el dibujo, te vas a la tecnología que es
algo más avanzado sin tener las bases, entonces por querer ahorrarte pasos y
querer hacerlo más fácil o más automatizado, quedan cosas de menor calidad
porque el programa te lo hace y entonces para qué te molestas y ese es el problema

216
de la tecnología, que te vuelvas más dependiente si hay una herramienta que te
hace algo en vez de idear cómo resolverlo, entonces se debe encontrar ese
balance.

Luis Tellez

En el caso del IMCINE estás limitado a un tiempo de producción y eso cuenta, por
otro lado también ya hay varios mecanismos como todas las plataformas de fondeo
cómo Kidsart, eso es como un respiro y está increíble, nosotros ya hubiéramos
querido en su momento algo así, porque también a veces los procesos se alentan
porque no consigues el dinero o no hay suficiente tiempo, ahora estamos trabajando
con el IMCINE para que sea mayor el tiempo de producción para que el punto de
partida sea mayor y también esté mejor en cuestiones económicas porque en ese
sentido creemos que la animación de México podría estar a nivel de cualquiera en
el mundo, de pronto vemos por ejemplo los cortometrajes de Regina Pessoa que no
sé si la hayan visto pero es increíble, sus cortometrajes tardan cinco años y cuestan
cuatro millones de pesos, eso también tiene un resultado porque ha estado en los
mejores festivales ganando todo y esos son factores que ayudan a que México con
todo el talento que hay no debería estar atrás, además de que haya más cantidad
de apoyos en cuestiones del tiempo y del dinero. IMCINE es el instituto mexicano
de todos los mexicanos. no solamente de las producciones realizadas por IMCINE,
yo le digo a mucha gente acércate al IMCINE para que te distribuyan.

I lost mi body de Jeremy Clapin que es de Netflix, es maravilloso pero a partir de

que fueron a Cannes y ganaron un premio, el cual creo que fue la semana de la
crítica o de los realizadores, Netflix lo compró cómo una película original de Netflix.
Pienso que vienen cosas interesantes, en la iniciativa privada también, entiendo
que mis personajes de Viva el rey son unos monstruos que no tienen ojos y que
son de piedra, eso rompe con el esquema de la animación de Disney con los
personajes más cute pero es parte de los riesgos que corres.

Male García

217
Yo fui de la generación como muchos otros que hicieron el salto de papel a digital y
fue un golpe muy fuerte porque no estábamos acostumbrados a este tipo de
dinámicas, pero la adaptación ha sido muy rápida, los programas te facilitan la vida,
yo muestro los trabajos que se hacían antes en Disney o Canadá de los procesos
que se llevaban para hacer un corto era brutal y tenías que tener un control de dibujo
increíble, una vez hecha la animación en sucio había que limpiarlos en acetatos,
colorearlos con pintura, tomarle fotos como si fuera stop motion, pero al final tenías
una animación 2D y ahora puedes componer toda tu animación en un solo programa
puedes hacerlo tú, no necesitas más técnicos, lo puedes resolver tú, quizá sólo falta
la parte del audio que nunca nos tocan y que hay que tener presente, la tecnología
ha avanzado y hecho que las producciones sean más efectivas pero también más
mecánicas y en algunos momentos perdemos el gusto de estar dibujando se vuelve
algo muy mecánico y al no estar dibujando sobre papel te vuelves parte de esta
máquina y siento yo que en algunos sentidos se pierde el ímpetu, y hay que estarlo
recobrando.

La formación académica de los animadores y su correlación con el desarrollo

del panorama de la animación en México.

-Oferta educativa, nuevas formas de producción, mano de obra calificada.

Robin Morales

El tema de la formación para mí es el principal problema, porque la discusión está

en las esferas políticas, en la cultura, los recortes y todo esto, pero el foco debe
ponerse en la formación y lo que veo es algo que parece favorable son los planes
de estudio, que las universidades pequeñas, medianas y de prestigio están ya
teniendo el programa de animación en sus currículums y es extraño porque le
llaman “animación digital”, “diseño de la animación” o “animación multimedia” y es
raro porque ponen la animación junto con otra cosa y en teoría no es solo animación
sino varias cosas y me han invitado a dar pláticas a varias universidades del país y

218
detecto eso en los jóvenes que me dicen que realmente no los enseñan a animar
hasta el último semestre una embarrada, entonces se me hace peligroso cobrar
colegiaturas altísimas y que salgan jóvenes que no tengan bases de animación, no
sé en qué van a laborar, no tengo el dato de dónde terminan esos chicos.

Hay un gráfica de los anuarios de IMCINE de la última gráfica que sacaron y es de

la demanda de las carreras y Animación era una de las más demandadas y había
otra gráfica de proyectos apoyados de animación y era un 6% contra 30% de ficción
y documental, ese contraste está muy increíble en el aspecto malo, porque está el
boom de la animación, las escuelas, los programas y la realidad es otra, hay algunos
que tenemos una idea que queremos aterrizar, no sé si en el gremio o con otros de
estos jóvenes que van a salir recién egresados de último semestre que necesitan
aprender, practicar, desempeñarse en un proyecto profesional y los independientes
que no tenemos cómo pagar animadores nos hacemos ahí como una alianza y se
producen teasers, pilotos, etc.

Luis Tellez

Es como cualquier otra forma de arte, cómo la literatura y la poesía, ahora lo

estamos viviendo en esta contingencia, vemos la importancia de todo lo llamado
entretenimiento, que también puede ser arte que incluso puede sanar o ayudar a la
salud mental, al final todas las historias o por lo menos en los guiones y en las
películas se trata de resolver problemas propios

Es muy importante que cada pueblo tenga ese tipo de cosas porque se está
hablando de nosotros en ese preciso momento histórico de la pandemia donde se
puede generar maquilas importantes.

Pasamos del cambio en que no había nada a que ahora ya haya algo y también
toda la correlación con el mundo con los softwares con profesionales de otros

219
países, ya hay una comunicación muy estrecha gracias a la tecnología con las redes
sociales, la universidad, reclutamiento de los estudios como Ánima Estudios,
Huevocartoon y Metacube, conozco a mucha gente que son estudiantes que ya
están en Canadá y creo que está funcionando bien pero no sólo es lo educativo, es
todo el entorno que se ha globalizado, está padre porque por ahí va la cosa, les
decía que aún falta que los profesionales que se involucren más con las escuelas,
curiosamente muchos de los profesionales actuales no están titulados y de pronto
hay ataduras muy fuertes en las universidades como los del TEC que sólo puedes
dar clases con maestría creo que poco a poco se va a ir superando y que lo más
importante sea la experiencia, más que el nivel.

Male García

Yo he trabajado por lo menos en tres universidades, una de Morelia y dos en CDMX

y me parece que todavía hay varios enfoques de la animación, por ejemplo con los
egresados de la carrera de animación del TEC eran muy técnicos, les faltaba
narrativa y esta parte de dirección, con el SAE se comenta que se está haciendo
mucha mano de obra para la industria y muchos animadores que podrían irse a
Canadá a animar series, o la meta que es Disney Pixar y por ejemplo en ECINE el
enfoque está siendo dirección de animación, entonces siento que la
profesionalización aún es pequeña y muy corta, se están explorando los caminos
que se podrían tomar, lo bueno es que hay una baraja de posibilidades y si hay
gente que quiere irse a Canadá el SAE es opción, si quieren hacer dirección ECINE
es apto, o la cuestión técnica está el TEC pero al final conforman una baraja de
posibilidades que depende del tipo de inclinación de quien va a tomar esta profesión,
entonces esta baraja ofrece muchísimas ofertas para todo el mundo pero hay que
tener muy claro lo que hay que querer hacer para estar felices y conformes.

Distribución y consumo

-Conocer los principales medios de distribución, público y nuevas estrategias

Robin Morales

220
Con IMCINE con este apoyo del corto que está padre, lo de Tour de cine francés,
los cortos se exhiben ahí pero la gente que va a eso es reducida, yo no concibo a
El trompetista como infantil pero si hubiera una categoría donde meterlo tendría que
ser infantil y me pusieron antes de un drama de una prostituta que se suicida, de la
película francesa entonces como ese tipo de cosas, no había muchas opciones. A
eso nos referimos; no hay el retorno, distribución, exhibición que es lo que sí podría
haberla, entonces nos está preocupando eso,

Me encantaría poder contestarte esa pregunta, pero justo eso es lo que no

detectamos que exista, la exhibición o distribución. Que no se recuperan en taquilla,
tienen público pequeño pero sí lo tienen en el cine y cortometraje en cuanto a
IMCINE, está la ruta de exhibiciones, festivales y el tour de Cine Francés. Me han
dicho que se ha buscado que se hagan programas en canales públicos y las corridas
de cortos infantiles de IMCINE en el Canal 11 o Canal 22 pero no hay, la ruta de
exhibición es pequeña, solo lo pasan en los festivales.

Luis Tellez

En los apoyos surgió el EFICINE para largometraje, el FOPROCINE se mantuvo,

de esa época oscura donde no había apoyos para la producción de cortometrajes
como Jacinta y Cómo los niños pueden volar.

El último año 2019 creo que estuvo terrible como dices, tuvo que ver con
convocatorias muy “carrereadas”. Ahora la distribución es digital, usan sus
plataformas de freeware, ese tipo de plataformas en donde te inscribes y una sola
vez subes toda tu información y después pagas por festivalearlo, a mí me parece
muy sano porque los festivales se tienen que mantener de alguna manera y es como
completar de cada país para que den apoyos gubernamentales.

Male García

221
Si ganas apoyos con IMCINE, éste se encarga de mover tu corto por todos lados,
tiene una lista de lo que para ellos son los festivales más importantes, pero aquí va
uno de los por qué no hay industria es porque esta lista a la que IMCINE manda tus
cortos animados son festivales de cine que no les importa la animación o está
relegada, entonces IMCINE da una lista de los festivales que a uno le gustaría estar
y si es posible IMCINE paga el envío y demás y sino, el estudio o la persona carga
con estos gastos, pero IMCINE es una gran ventana de distribución. Si quieres
festivalear necesitas una distribución adecuada o una ruta de festivales, o si quieres
que se muestre tu trabajo inmediatamente lo subes a Vimeo o a YouTube y esperas
lo mejor, la ventaja es que tenemos las herramientas para mostrar nuestro trabajo
que tanto tiempo y esfuerzo, lágrimas y sangre nos costó hacer entonces la
distribución muchas veces depende del alcance que queremos tener y el camino
que queremos trazar con esta animación, porque si hacemos ruta de festivales y es
escogido, te empiezan a ver como una persona que hace animación y que está en
festivales de cine y que hace cine animado, muy diferente a cuando lanzas tu
proyecto a internet y tiene ocho millones de vistas, pero aún no estás en ese nicho
que quizá quieres estar o no, depende a donde quieres ir, pero la distribución es
muy sencilla, lo caro es mandarlo a festivales porque implica correos, hacer VCP,
DVD, Blue-Ray y demás.

El cortometraje de animación en México

-Importancia, reconocimiento, producción y prospectiva.

Robin Morales

Con el cortometraje hay muchas opiniones que no comparto porque muchos lo ven
como un experimento, por ejemplo: quieres hacer un largometraje, pues primero
haz un cortometraje como si fuera algo menor, como si fuera comparar una novela
con un cuento y son dos formatos diferentes y el cortometraje no tendría que ser
una antesala, ni un hijo menor, ni una prueba, creo que habría que reconocer el
lugar que cada uno tienen sus propias leyes y naturaleza, son historias pequeñas
que pueden contarse brevemente que abarcan un universo determinado y que te

222
permiten explorar cosas que un largometraje no. Yo tenía mucho un conflicto con
Pixelatl que era gente que quería hacer un largometraje sin haber hecho nada y
muchos decíamos primero ve al reto de revisar un cortometraje.

Espero que con las nuevas políticas públicas permitan el desarrollo de proyectos
que otra vez haya inversiones de producciones extranjeras que puedan ver a México
como un país maquilador, no tanto queremos que se convierta en maquila sino que
sean voces mexicanas y proyectos mexicanos los que se den a luz, entonces si
camino esto así que está como medio chueco y ahí va, yo creo que van a haber
cada vez más estudios chiquitos que puedan dar cabida a estas personas que
quieran hacer sus cosas y los grandes como Ánima que van a seguir haciendo sus
películas bien o mal, frecuentes porque esto es un tema de negocios redondo que
ya saben como funciona y van a permanecer ahí y Mighty va a hacer proyectos con
Cartoon, con diferentes clientes en el extranjero y pues para allá va, como apertura
de mercado a lo mejor México se puede constituir como ya más de confianza para
que la gente se anime a producir aquí y lo que yo sueño es que haya apertura con
sector público y privado, ahora por primera vez están abiertos los modelos para
coproducir corto y es una cosa que pedimos e IMCINE nos dijo que sí, entonces
ahora hay posibilidad de coproducción para corto todavía no sabemos si
internacional, pero por lo menos nacional sí, entonces lo que se necesita es un caso
de éxito gigante de un proyecto animado o de una serie, porque con corto es más
complicado que tenga posición o impacto a menos que ganara un Óscar o algo así
que ha pasado en otros países como en Chile, una historia de osos ganó el Óscar
y a partir de ahí hubo una apertura gigante que voltearon a ver a Chile e hicieron
cambios en las políticas, etc. Solo un gran éxito podría lograr que voltearan a ver a
México otra vez y se hagan más inversiones porque ahorita creo que uno de los
problemas es no hay mucha posibilidad de desarrollo en inversión el Estado está
fregado con el presupuesto y la iniciativa privada no se anima a invertir porque es
muy caro y no les han sabido garantizar el retorno de esa inversión por lo mismo de
que es arte y cine. Muchos creemos que las series animadas son “la llave” en vez
de destinar tanto dinero a cortometraje y largometraje se puede destinar a hacer
programas de pilotos. En la medida que haya apoyos, que salga un caso exitoso y

223
haya inversión privada y pública entonces todo el talento que aquí estamos
esperando una oportunidad y que por ejemplo entrar a IMCINE es como ganarse la
lotería.

Existen datos muy presentes de que ahí está la solución, de esas industrias y cómo
pueden detonar el crecimiento económico de México porque ahí están las
producciones, mercancías como los juguetes, películas y contenidos familiares e
infantiles, se involucra a los papás en las taquillas, entonces ahí está la oportunidad
en la parte infantil comercial bien atendida, los niños necesitan verse reflejados en
las pantallas con sus propias narrativas de tomar problemáticas y solucionarlas ahí
y es un área desatendida.

Male García

En cuanto a la importancia, creo que es muy importante para crear industria pues
cómo distribuir un dinero que aún no se tiene para las personas que queremos
realizar animación, por ejemplo, si hay 10 películas que se quieren hacer, pero hay
20 cortos ¿qué se hace?, ¿a quién le das más presupuesto? Creo que es injusto
quitarle tanto a largos como a cortos porque tienen correlación, para hacer un largo,
debes tener un corto bien realizado, creo que es el primer paso para un realizador
para crear una película, te acercas al corto porque el siguiente paso es una peli o
es una serie, entonces este pequeño formato es importantísimo, es como el boceto
antes de la pintura, y hay personas que sólo hacen bocetos increíbles, se dedican
a hacer cortometrajes, pero es un paso necesario para hacer una película.

PROSPECTIVA

Robin Morales

Sí, no la hay. Hablas con directores de estudio de animación y me dicen que no hay
animadores, si tenemos una serie ¿dónde encontramos 50 animadores? Hay cuatro
o cinco buenos animadores y sabes que uno está en Fotosíntesis, otro es Luis, otro
en Ánima y etc. fuera de esos no hay y si no hay maestros que formen más alumnos
pues qué van a hacer todos los demás jóvenes.

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Existen datos muy presentes de que ahí está la solución, de esas industrias y cómo
pueden detonar el crecimiento económico de México porque ahí están las
producciones, mercancías como los juguetes, películas y contenidos familiares e
infantiles, se involucra a los papás en las taquillas, entonces ahí está la oportunidad
en la parte infantil comercial bien atendida, los niños necesitan verse reflejados en
las pantallas con sus propias narrativas de tomar problemáticas y solucionarlas ahí
y es un área desatendida.

Pixelatl sigue trabajando, encontrando nuevos talentos y ahí entra la fuga de

cerebros que tú mencionas y muchos nos preguntamos si debemos seguir picando
piedra en México o irnos a otro país donde sí nos apoyen y desde allá podemos
aportar más, es un buen dilema, pero creo que va poco a poco, si cada quien hace
su parte; los estudios chiquitos y grandes, los estudiantes empujando, los
independientes haciendo sus obras que se puedan abrir más espacios y la
coproducción que por primera vez hubo.

Luis Tellez

Antes no había nada y ahora con toda la correlación con el mundo con los softwares
con profesionales de otros países ya hay una comunicación muy estrecha gracias
a la tecnología con las redes sociales, la universidad, reclutamiento de los Ánima
Estudios, Huevocartoon, Metacube, yo conozco a mucha gente que son estudiantes
que ya están en Canadá, creo que eso está funcionando bien pero no sólo es lo
educativo, es todo el entorno que se ha globalizado y está padre, les decía que aún
falta que los profesionales que se involucren más con las escuelas, curiosamente
muchos de los profesionales actuales no están titulados y de pronto hay ataduras
muy fuertes en las universidades como los del TEC que sólo puedes dar clases con
maestría pienso que poco a poco se van a ir superando y que lo más importante
sea la experiencia y el nivel.

A medida de que haya más proyectos va a haber más la vinculación desde: servicio
social, prácticas profesionales y todo esto para que el alumno complete su
educación, en México va pasar algo bueno o más bien está pasando algo increíble y

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hay que formar parte de eso, es un lugar en donde se tiene la idea de expectativas
de crecimiento y que lo mejor se espera en los años venideros o esa idea es lo que
creo que se está gestando en el mundo de la animación en México.

Male García

Yo creo que va a haber muchísimos más, lo veo en las generaciones venideras, que
tienen unas ansias brutales de estar contando cosas, traen el conocimiento técnico
muy claro y muy bien utilizado, algo que nosotros no teníamos tanto y creo que se
va a llenar posteriormente de muchísimas propuestas visuales, muchos más
estudios y quizá cuando ésta necesidad de contar historias a partir de la animación,
entonces empezaremos a crear esta industria que va a fortalecer a todos y entonces
podamos vivir y disfrutar de esto que hacemos que es el dibujo animado, entonces
le veo un gran futuro a la animación mexicana, yo sólo espero que encuentren un
propio camino y que no se sigan otros estándares, si no que se marque uno propio.

RECONOCIMIENTO:

Male García

Creo que falta mucha educación, sobre todo para el cortometraje animado, a pesar
de que se ha hecho muchísimo y durante mucho tiempo, no hay visibilidad, falta
reconocimiento, hay reconocimiento entre nosotros entre las personas que
hacemos animación o que conocemos, pero si vas a fuera nadie conoce a nadie
que haga cortometraje, quizá tendría que cambiar este modelo de distribución y
visualización para empezar a reconocer a estos grandes realizadores y realizadoras
que hacen cortometraje animado en todo México.

PRODUCCIÓN

Male García:

Supongamos que el dinero no tiene nada que ver (aunque sí) creo que muchas
veces el presupuesto funciona para tener ciertos alcances técnicos que quizás en
este presupuesto no podrías tener o te tardarías mucho más, pero, por ejemplo, te
226
voy a contar un poco lo que hemos hecho con apoyos federales y sin apoyos
federales. Los trabajos que hemos hecho sin apoyos, nos tardamos muchísimo más
quizá hay un arco de aprendizaje un poco más largo porque estamos holgados en
cuanto a entregas, esto también a veces afecta porque no sale el proyecto tan
rápido como lo hubiéramos querido y lo hacemos entre trabajos y no, pero se siente
muy bonito al momento de sacar un cortometraje que ha salido prácticamente de
tus bolsillos. Se trabaja con los programas que tienes, te puedes alimentar del
compañerismo y colegas que realizan audio, que te ayudan a limpiar, a animar o
componer, esto va agrupando y creando comunidad en cierto sentido alrededor de
una pieza.

El otro es muy diferente, tienes un presupuesto que nunca es suficiente para la

animación, pero tienes la facilidad de administrar este presupuesto y decidir la
técnica que vas a utilizar, contratar y pagarle bien a las personas que te van a
ayudar, se empieza a mover económicamente el flujo de dinero y es importante
porque no todo es amor al arte, esta padre vivir de lo que nos gusta hacer, si yo le
pido a una persona que me ayude a animar, me gustaría pagarle y si no tengo esta
capacidad monetaria, se lo intercambio por otra cosa, pero si llegamos a ganar se
le paga, que es lo que hemos hecho, así tenemos los dos tipos de producción y los
dos son muy bonitos, tienen sus diferencias muy marcadas, pero al final si es lo que
te gusta hacer, hemos tenidos grandes resultados con cualquiera de los dos
formatos.

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