LA MÚSICA A LO

LARGO DEL TIEMPO

JUAN JOSÉ MORALES BERMEJO 4º ESO

ÍNDICE
● La Música en la Edad Media

● El Renacimiento

● El Barroco

● El Clasicismo

● El Romanticismo y el Nacionalismo musical: Nacionalismo Español

 U.2 LA MÚSICA EN
LA EDAD MEDIA

ESO
JUAN JOSÉ MORALES BERMEJO
INTRODUCCIÓN
Es el período histórico que abarca desde el siglo V
hasta el siglo XV (un milenio). Comienza tras la
caída del Imperio Romano (476d. C) y se considera
finalizada en 1492, con el descubrimiento de América.
CARACTERÍSTICAS GENERALES
● Cristianismo y Teocentrismo: Dios es el centro del mundo
y de la vida de las personas. La Iglesia influía en todos los
ámbitos de la sociedad, imponía normas y leyes.
● Se produce una eclesialización de la cultura al desaparecer
todas las instituciones culturales laicas (escuelas, bibliotecas,
● academias, etc) y colonizar el pensamiento religioso todo el
saber
● Feudalismo: organización político-territorial de Europa en
pequeños reinos llamados feudos (extensiones de tierra
concedidos por el rey en los que tenía pleno poder el señor
feudal. Allí vivían los campesinos que trabajaban para él.
● Sociedad estamental: Nobleza, clero y tercer estado. Con el
tiempo aparecen las ciudades (burgos) y la burguesía.
● Guerras: la posesión de la tierra daba lugar a constantes
disputas. Ejemplo: luchas entre los árabes y los reinos
cristianos, las cruzadas.
ARTE ROMÁNICO (ALTA EDAD MEDIA)

Líneas horizontales,
poca luz
ARTE GÓTICO (BAJA EDAD MEDIA)

Líneas verticales,
que ascienden
buscando a Dios
CARACTERÍSTICAS MUSICALES
● Dos estilos: música religiosa y
música profana.
● Monodia: una sola melodía. Se da en el
canto gregoriano y en la música profana
de los Trovadores y Juglares.
● Polifonía: varias melodías. Aparece en
el s. XI y se va desarrollando (a dos, tres
y cuatro voces)
● Instrumentos: gran desarrollo y
aumento. Los hay de cuerda, viento y
percusión
● Notación: aparición y desarrollo. Guido
d’Arezzo
MÚSICA RELIGIOSA: EL CANTO GREGORIANO
Los cantos gregorianos son canciones que el papa Gregorio Magno
mandó recopilar, escribir y difundir por Europa con el fin de unificar la
liturgia cristiana. A dicho Papa debe su nombre este estilo musical.

CARACTERÍSTICAS

● Es música vocal religiosa que se canta a capella, es decir, sin

acompañamiento instrumental.
● Su función es la de la adoración a Dios, por lo tanto es una
Oración.
● Es un canto monódico: tiene una sola melodía que los cantores
cantan al unísono.
● Su texto está en latín
● Eran canciones anónimas, no se firmaban.
● Ritmo libre: marcado por el texto
● Hay tres estilos de canto gregoriano: silábico, neumático y
melismático.
● A los anteriores se suma el salmódico: Varias sílabas sobre una
misma nota.
La notación en el canto gregoriano
Al principio todas las canciones se transmitían de
forma oral. Ante la dificultad de memorizar todos los
cantos se inventan unos signos llamados neumas que
servían para escribir la música. Estos neumas solo
indican si la melodía ascendía o descendía. A esto se
le llama Notación neumática.

Con el tiempo, los neumas fueron adquiriendo una

forma cuadrada y empezaron a colocarse sobre
líneas que indican la altura. A esta notación musical
se le llamó Notación cuadrada.

Actividad 1: Haz click en el siguiente enlace sobre la

aparición de El nombre de las notas.

● ¿De dónde procede el nombre de las notas?

● ¿Quién lo instituyó?
● ¿Cómo se llamaba la nota DO?
La notación en el canto gregoriano
A partir del S. X se comenzaron a usar líneas
horizontales para marcar con exactitud donde se
situaban los sonidos. Se comenzó utilizando una línea
roja que marcaba la nota FA y posteriormente se
introdujo otra para la nota DO. Donde se situaban
dichas notas.

A partir de ahí se fueron introduciendo líneas hasta que

apareció el tetragrama, introducido por Guido D’Arezzo.

Guido D’ Arezzo también introdujo las notas musicales,

basándose en la primera nota y sílaba del himno a San
Juan. UT(Do) queant laxis
REsonare fibris
MIra gestorum
FAmuli tourun
SOLve polluti
LAbii reatum
Sancte Ionnes
La notación en el canto gregoriano
Ejemplos: Notación Neumática (izq), Cuadrada (der)

d
El canto por horas
Misa, principal ceremonia del cristianismo. Algunas de sus oraciones o
partes eran cantadas y entre ellas destacan:

● Kyrie (Señor ten piedad)

● Gloria (Gloria a Dios en el cielo)
● Credo (Creo en Dios padre)
● Sanctus (Santo, santo)
● Agnus Dei (Cordero de Dios)

El Oficio o Liturgia de las horas

Los monjes rezaban cantando porque desean alabar a Dios de una

forma más perfecta que con la simple oración. Las diferentes horas del
día en las que los monjes tienen que rezar eran las siguientes:

● Maitines (antes del amanecer)

● Laudes (al amanecer)
● Horas intermedias (prima, tercia, sexta, nona).
● Vísperas (al anochecer)
● Completas (a media noche)
MÚSICA PROFANA
Música profana es aquella música que no se interpreta en el culto religioso,
sino en fiestas, reuniones, celebraciones, ceremonias civiles (coronaciones) etc.
Incluye canciones y música para la danza.

Características

● Textura monódica, con una sola melodía.

● También se podía acompañar de instrumentos. Tiene un carácter lúdico,
de entretenimiento.
● Temas: de carácter amoroso (amor cortés), históricos,épicos (cantares de
gesta), etc.
● Se interpreta en la corte, en castillos y también en calles y plazas
● Las canciones están escritas en lengua vernácula, es decir, en el idioma
propio de cada lugar: español, portugués, francés,…
● Tienen un ritmo marcado.
● Está representada por los trovadores y los juglares
Trovadores y Juglares
TROVADORES
Los primeros trovadores surgen en el sur de Francia, hacia el
s.XI. Desde allí se expandieron al resto de Europa. Trovador
viene del verbo “trovar” componer versos. Eran
poetas-músicos que procedían de la nobleza y que recibían
educación musical. Componían sus propias obras que se
acompañaban de instrumentos, que a veces tocaban ellos
mismos o las interpretaban juglares a su servicio.
JUGLARES
Músicos (cantantes e instrumentistas) de origen humilde que
se ganan la vida actuando en plazas y castillos de pueblo en
pueblo. A veces son también acróbatas, malabaristas,
recitadores, es decir, una especie de artistas polifacéticos.
Solían cantar las canciones que otros componían.
Trovadores famosos
Alguno de los trovadores más famosos fueron:

● Guillermo IX de Aquitania: considerado el primer

Trovador (escúchalo en el vídeo)
● Beatriz de Día
● Ricardo Corazón de León.
● Alfonso X el Sabio quien compuso las Cantigas de
Santa María, más de 400 canciones dedicadas a la
Virgen María.

Actividad 4 : Beatriz de Día : averigua quién fué y qué

hizo. ¿A qué se debe su nombre?
Las cantigas de Santa María
Mira el vídeo, investiga y
contesta:

1. ¿Quién fue su autor?

2. ¿Qué son los ministriles?
3. ¿Qué es un virelai?
4. ¿En qué idioma están
escritas las Cantigas?
5. ¿Cuántas son?
LA POLIFONÍA
Recordamos que la polifonía es cuando la música está hecha con
varias líneas melódicas que se interpretan a la vez, de forma
simultánea. Esta aparece y se desarrolla a lo largo de la Edad
Media. Su finalidad de la polifonía era “adornar” el canto
gregoriano añadiendo melodías paralelas.

Había varios tipos:

Organum: al canto gregoriano se le añade una segunda línea

melódica a distancia de 4º o 5º paralela.

Discantus: segunda línea melódica en dirección contraria. Cuando

una asciende la otra desciende

Melismática: segunda línea melódica con más sonidos.

LA POLIFONÍA
Recordamos que la polifonía es cuando la música está hecha con
varias líneas melódicas que se interpretan a la vez, de forma
simultánea. Esta aparece y se desarrolla a lo largo de la Edad
Media. Su finalidad de la polifonía era “adornar” el canto
gregoriano añadiendo melodías paralelas.

Había varios tipos:

Organum: al canto gregoriano se le añade una segunda línea

melódica a distancia de 4º o 5º paralela.

Discantus: segunda línea melódica en dirección contraria. Cuando

una asciende la otra desciende

Melismática: segunda línea melódica con más sonidos.

Para ampliar información
Visualiza este video en casa poniendo
especial atención a lo hablado en
clase. Anota la información que creas
relevante o que pueda resultar útil para
la realización de las actividades.
ACTIVIDADES EVALUABLES
En casa debéis de realizar las actividades
evaluables de la Unidad 2 sobre la música
en la Edad Media disponibles en TEAMS.
VÍDEO RESUMEN DE LA EDAD MEDIA
 EL RENACIMIENTO

"No será buen cortesano el que no sea músico, y tenga algún arte y sea entendido en tocar instrumentos"
El cortesano (Baltasar de Castiglione, 1528)

JUAN JOSÉ MORALES BERMEJO

DEFINICIÓN
El término Renacimiento deriva de la palabra "renacer" y denomina las manifestaciones
artísticas de los siglos XV y XVI, que quieren recuperar los ideales de belleza del antiguo
arte clásico griego y romano. Aparece en Florencia (Italia) extendiéndose al resto de los
países europeos.

Detalle de fresco en Capilla Sasseti pintado por Domenico Ghirlandaio en El nacimiento de Venus (Sandro Bottcelli, 1485)
1485. Pincha para verlo mejor y hacerte idea de cómo era la ciudad de
Florencia.
CARACTERÍSTICAS GENERALES
● El hombre vuelve a mirarse a sí mismo, dando lugar al
Antropocentrismo; se interesa por las ciencias, la
naturaleza, el cultivo de las artes y la expresión de los
sentimientos. Este movimiento surge como reacción contra la
edad media, ya que el ser humano había subordinado su vida
a la religión.
● El Humanismo es el movimiento cultural que marca todo el
Renacimiento y es consecuencia del antropocentrismo.
David de Miguel Ángel
● Se rompe la unidad de la Iglesia, tiene lugar la Reforma
protestante (Martín Lutero) y la Contrarreforma católica
(impulsada por el Papa de Roma).
● Aparece la figura del mecenas, persona de alto nivel social
que financia y protege a los artistas y a sus obras.
● Hay un gran desarrollo de las ciudades y de la burguesía; los
nobles construyeron sus palacios en las ciudades.
● La invención de la imprenta facilita la difusión de la cultura y el
La escuela de Atenas de Rafael.
conocimiento, Johannes Gutenberg. En el centro, Platón y Aristóteles.
CARACTERÍSTICAS MUSICALES
● La música es muy valorada. Se recupera la idea de Platón
de que la música perfecciona al ser humano.
● La música es polifónica, tanto la vocal como la
instrumental. Principal textura, homofónica y contrapunto
● Los compositores dejan de ser anónimos y adquieren gran
importancia social.
● El interés por el ser humano hace que la música profana y
la danza se desarrollen muchísimo.
● La invención de la imprenta facilita la difusión de la música
escrita.
● Los instrumentos protagonistas son el órgano, el laúd y la
vihuela.
● Ya se utiliza el pentagrama en la escritura musical
● El ritmo comienza a ser menos libre, todavía no existe el
compás, si aparece una pulsación constante, el tactus.
MÚSICA VOCAL RELIGIOSA
La música religiosa en este periodo es polifónica (como ya lo venía
siendo desde la Edad Media). Aunque la música instrumental iba
ganando terreno, las mejores obras musicales se componían para la
iglesia. La música tiene gran expresividad, y está al servicio del texto.

Formas musicales
● Motete: canción polifónica con texto religioso en latín. Cada
sección del texto tiene un tema melódico propio, que es
desarrollado utilizando procedimientos de contrapunto imitativo.
● Misa: consistía en cantar de forma polifónica las diferentes partes
del principal acto litúrgico de la iglesia católica (Kyrie, Gloria,
Credo, Sanctus y el Agnus Dei). Podía tener 4, 5, 6 o hasta 12
voces.

Giovani Pierluigi da Palestrina es considerado uno de los máximos

exponentes de la música religiosa católica y quizás el más representativo
de la polifonía.
MÚSICA VOCAL RELIGIOSA
PAÍSES PROTESTANTES: abandonan la polifonía complicada y
el latín como lengua de la música religiosa. Destacan Alemania
(reforma luterana) e Inglaterra (reforma anglicana).

Formas musicales

● El coral alemán. Canción religiosa con textura homofónica

o polifónica, sencilla y basada en melodías populares
con texto en alemán. El propio Lutero compuso muchos de
ellos.
● El anthem inglés. Canción religiosa polifónica, pero
sencilla y popular con texto en inglés. Composición
similar al motete. Se convierte en el himno anglicano
MÚSICA VOCAL RELIGIOSA: compositores
EN ESPAÑA

El siglo XVI es la Edad de Oro de la música española; en él

encontramos a los tres grandes polifonistas.

● Cristóbal de Morales, Sevillano y sacerdote, maestro de capilla

en la catedral de Málaga.
● Francisco Guerrero, alumno del anterior y sucesor suyo como
maestro en la capilla de la catedral de Málaga. Posteriormente
sería maestro en la capilla de la catedral de Sevilla.
● Tomás Luis de Victoria. Natural de Ávila. Maestro de capilla y
organista en el convento de las Descalzas Reales de Madrid.
Conoce a Palestrina en Roma. Solo compone música religiosa.
En su producción destaca el oficio de Semana Santa, obra
cumbre de la polifonía española. Es muy famoso su motete Ave
María.
MÚSICA VOCAL PROFANA: ITALIA
La música vocal profana se desarrolla en esta época a partir de las
canciones populares. El texto está en lengua vernácula.

Destaca la forma vocal llamada MADRIGAL:

● Es la principal forma de la polifonía profana en el Renacimiento.

● Composición vocal, polifónica (a cuatro voces o más) y a capella en
principio, sobre un poema breve, que carece de forma fija, porque la Zéfiro torna (Madrigal de Monteverdi) sobre el
MÚSICA se SOMETE estrictamente al TEXTO del poema. cuadro “La primavera” de Sandro Boticelli

● Puede tener o no acompañamiento instrumental. Con frecuencia los

instrumentos sustituyen a las voces.
● Texto en italiano: poemas de temas líricos, amorosos y a veces
épicos
● Se da en ambientes cortesanos, para clases altas y cultivadas
● Expresivo: quiere reflejar con la música lo que dice el texto, los temas
son sobre los sentimientos del ser humano, como amorosos.

Claudio Monteverdi fue el principal compositor, autor de 8 libros de

madrigales y de la primera gran ópera titulada “Orfeo”. Claudio Monteverdi
MÚSICA VOCAL PROFANA: ESPAÑA
Hay varias formas vocales:

● El villancico: forma vocal profana y polifónica de origen

popular, fue la más utilizada por los renacentistas españoles.
Puede cantarse a capella o con acompañamiento instrumental.
Consta de “coplas” o estrofas y estribillo. Su nombre deriva de la
¡Ay, linda amiga! Villancico anónimo
palabra villano, habitante de las villas. (cancionero de Palacio)

Las canciones de estos y otros autores de la época se recopilan en los

“cancioneros”
● El cancionero de Palacio (encontrado en el Palacio Real de
Madrid
● El cancionero de Upsala (encontrado en la ciudad sueca de
Upsala)
Compositores destacados: Juan de la Encina y Mateo Flecha.

Actividad 1: ¿Crees que estos villancicos son los que actualmente Hoy comamos y bebamos.
Villancico de Juan de la Encina
conocemos? ¿Cuándo surgieron? (cancionero de Palacio)
MÚSICA INSTRUMENTAL
Una de las características fundamentales del Renacimiento fue el resurgir de la
música instrumental, que adquirió poco a poco mayor relevancia y prestigio.

En sus inicios la música instrumental estaba ligada a la vocal. Significaba que las
primeras ediciones de música instrumental solían ser transcripciones de obras
vocales polifónicas en las que no se especificaba que instrumento debía
interpretarla.

Con el paso del tiempo los instrumentos se fueron perfeccionando y la música

instrumental acabó siendo independiente. También llegó a estar muy ligada a las
danzas renacentistas, como la pavana, el branle y gallarda.
MÚSICA INSTRUMENTAL
El laúd y el órgano fueron los instrumentos más
importantes del Renacimiento; el laúd, el rey de la música
profana y el órgano, el de la música religiosa.

En España, además, se impuso la vihuela como instrumento

especialmente destinado a la música profana. La vihuela es
un instrumento de cuerda pulsada antecesor de la guitarra
que cobró un gran auge bajo el reinado de Carlos V, muy
aficionado a la música, dando lugar al surgimiento de la
famosa "Escuela de vihuelistas".

También se utilizan otros instrumentos como el sacabuche,

cornetto, bombarda, chirimía, el clavicordio, la viola da
gamba etc.
INSTRUMENTOS
Al principio los instrumentos se asociaban o agrupaban libremente para hacer música, por
eso, las agrupaciones dependían principalmente de la disponibilidad de los músicos y de
los recursos económicos del festejo.

Poco a poco, se establece una distinción entre los instrumentos según su potencia sonora.
Había instrumentos que se tocaban al aire libre, es decir, en fanfarrias, torneos, combates,
desfiles, danzas, etc. Estos instrumentos comienzan a llamarse instrumentos de MÚSICA
ALTA ,por su alta potencia y sonoridad brillante.

Aquellos otros instrumentos cuyo sonido era dulce y delicado como las flautas, los laúdes
y los instrumentos de tecla se utilizaban para las interpretaciones de música doméstica en
los interiores de los palacios, en estancias, cámaras o salones. Se les denominará
instrumentos de MÚSICA BAJA.

Hacia finales del Renacimiento veremos como los instrumentos comienzan a agruparse
según su tímbrica, es decir, por familias instrumentales
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VÍDEO RESUMEN DEL RENACIMIENTO
 EL BARROCO

La Barre y otros músicos

(André Bouys, 1710)
JUAN JOSÉ MORALES BERMEJO
 CARACTERÍSTICAS GENERALES
Llamamos Barroco a un estilo artístico y a una etapa de la Historia que se desarrolla
después del Renacimiento, durante el siglo XVII y la primera mitad del XVIII. Desde
la aparición de la ópera 1600 hasta la muerte de J.S Bach 1750.

CARACTERÍSTICAS GENERALES

● Las monarquías absolutas dominaban el panorama político de la Europa

barroca en medio de luchas políticas y guerras. La alta aristocracia y el clero
ostentaban todo el poder.
● Época de crisis social y económica debido a las epidemias que tiene
consecuencias en el arte.
● La burguesía (clase social dominante en los sistemas capitalistas, propietaria
de los medios de producción, el comercio y las finanzas) de la época, logró
tener un papel notable, utilizando el barroco para expresar sus ideas.
● El lujo, se entendía como una manifestación de autoridad.
● El barroco fue un periodo de enorme vigor cultural en el que desarrollan su
actividad grandes artistas, científicos, literatos, filósofos y músicos.
● El arte barroco se caracteriza por el realismo superficial, los colores ricos e
intensos, y fuertes luces y sombras (claroscuro)
 CARACTERÍSTICAS GENERALES
Arte de la apariencia, la expresividad y el dramatismo, por lo que:

● El color, la luz y el movimiento, son los elementos que definen la forma

pictórica (Columnas salomónicas, figuras en movimiento)
● Utilizan el contraste para atraer y mantener la atención del espectador
(tenebrismo en pintura)
● Gusta lo grandioso: grandes edificios (palacio de Versalles), grandes
cuadros (Rubens), grandes obras literarias (novelas, el Quijote),
grandes formas musicales.
● Barroco es adorno y decoración de todos los elementos.
● En España, el barroco supone el momento culmen de la actividad
pictórica, destacando sobre un magnífico plantel de pintores, la
genialidad y maestría de Diego Velázquez, Ribera, Bartolomé Esteban
Murillo o Francisco de Zurbarán.
● La temática en España, católica y monárquica, es claramente religiosa.
La mayoría de obras fueron encargadas directamente por la iglesia
CARACTERÍSTICAS MUSICALES
● La música fue utilizada en el Barroco como medio de propaganda por las iglesias y por la alta
nobleza, únicas instituciones capaces de mantener una capilla de músicos profesionales.
● La música se vuelve indispensable para cualquier actividad, por lo que el músico pasa a ser un
sirviente más de los que acompañaban a los nobles. Figura del mecenas heredada del Renacimiento
● Como textura destaca la constante presencia del contrapunto.
● Surge el Bajo continuo, consistente en una base melódica o armónica interpretada por uno o varios
instrumentos graves (clave o violonchelo). Base de la música pop actual
● Melodía acompañada: una línea melódica y un acompañamiento a base de acordes.
● Música de contrastes: Rápido-lento. Dinámico: fuerte-suave. Solista-tutti.
● Se impone el uso de las tonalidades y escalas: mayor y menor.
● La música establece el compás moderno y el ritmo estará lleno de fuerza. Las obras poseen un
ritmo mecánico que acompaña las piezas hasta el final. Repetitivo y machacón.
● Expresión: dramatismo y espectacularidad a la música barroca. En la música vocal se acentúa la
unión entre música y texto, aumentando la expresividad dramática. Los compositores barrocos
trataban de expresar afectos (pasiones, sentimientos, estados anímicos...)
● Decoración: notas de adorno, trinos
MÚSICA INSTRUMENTAL
Hasta el Barroco, la música instrumental era considerada un género menor, y los compositores reservaban
sus mejores esfuerzos para la música vocal.

Esta aceptación de la música instrumental, resultó en buena parte consecuencia del éxito obtenido por el
desarrollo de los instrumentos sumado al de la aparición de nuevos géneros instrumentales.
Constructores italianos de instrumentos musicales, llamados Luthiers depuraron su técnica para la
fabricación de los mismos. Los más famosos fueron Stradivarius, Amati y Guarnieri.

Este desarrollo de los instrumentos facilitó el nacimiento de la orquesta. Antes del Barroco solo había un
grupo de músicos que se reunían y tocaban. A partir de este momento se estableció una agrupación fija y
organizada: la orquesta.

En esta época destacaron algunos grandes constructores italianos de instrumentos musicales, llamados
Luthiers cuya técnica no ha sido superada todavía. Los más famosos fueron Stradivarius, Amati y
Guarnieri, Sus instrumentos son considerados en la actualidad joyas de extraordinario valor.

La música instrumental, que en la época anterior dio el primer asomo en la música académica, tuvo un auge
sin precedentes en los siglos XVII y XVIII; por primera vez en la historia, la música vocal e instrumental
estaban en plena igualdad.
FORMAS INSTRUMENTALES
A partir de mediados del siglo XVII surgirán las grandes formas instrumentales
barrocas, también llamadas “formas mayores”.

SUITE: es una forma compuesta por la sucesión de danzas (cinco normalmente) de

distinto carácter. El número y la disposición de las danzas es variable. Las danzas más
comunes son: Allemande, Courante, Sarabanda, Giga. Podía tener obertura inicial y
minueto y rondó. Uno de los principales compositores J.S.Bach y G.F. Haendel.

SONATA: el significado de la palabra sonata es "música para sonar”, tocada por uno o
dos instrumentos, más el bajo continuo. Es una forma mayor, ya que se desarrolla en
tres o cuatro movimientos que contrastan en cuanto al carácter y al tempo.

CONCIERTO: el término deriva de la palabra concertare, que quiere decir contraponer

cosas distintas. Según cómo intervienen los instrumentos el concierto puede ser:
grosso (2 violines, violonchelo y continuo) o solista (un solista y tutti). Ej: Cuatro
Estaciones de Vivaldi).

LA FUGA: forma de carácter polifónico y contrapuntístico, generalmente para

instrumentos de tecla , en la que varias voces se desarrollan en un estilo “imitativo”.
FORMAS VOCALES PROFANAS: LA ÓPERA
Es una forma vocal mayor que consiste en una obra teatral cantada. En ella intervienen
solistas, coros y orquesta. Se dividen en actos y escenas. Surge en Italia, con la Camerata
Fiorentina, un grupo de intelectuales que buscaron revivir la tragedia Griega a comienzos
del siglo XVII. La primera ópera de la que tenemos noticia es "Dafne" de Jacopo Peri. El
resto de Europa adoptó el estilo operístico italiano.

En la ópera se pueden distinguir dos tipos básicos de “canciones” o maneras de cantar:

● RECITATIVOS: Son partes cantadas por solistas en las que se desarrolla la acción y
el diálogo. Se canta recitando, solo con acompañamiento de bajo contínuo.
● ARIAS: Son las partes más importantes y más vistosas de la ópera. Realizadas por
solistas, donde el cantante expresa sus sentimientos por medio del lucimiento de su
voz.

TIPOS DE ÓPERA

● ÓPERA SERIA: Basada en argumentos mitológicos y heroicos. Es el primer tipo de

ópera que va a existir y será el preferido por la aristocracia debido a su refinamiento.
● ÓPERA BUFA: Los argumentos son cotidianos y fáciles de entender. Se convertirá en
la ópera preferida del pueblo,. La primera ópera de este tipo ,"La Serva Padrona" fue
escrita por Pergolesi en 1733.
FORMAS VOCALES RELIGIOSAS
En este periodo aparecen tres formas nuevas: el oratorio, la cantata y la pasión.

● EL ORATORIO: es una especie de ópera religiosa, ya que cuenta con los

mismos elementos que ésta (arias y recitativos, solistas, coros y orquesta)
pero no era escenificado. Los textos son religiosos, normalmente extraídos
de la Biblia. Los grandes compositores de este género son G.F.Haendel con
"El Mesías" y J.S.Bach, con el "Oratorio de Navidad".

● LA PASIÓN: Es un oratorio que trata exclusivamente de la pasión y la muerte

de Jesucristo. Destaca J.S. Bach con "La pasión según San Mateo" y "La
pasión según San Juan"

● CANTATA: El término significa "música para cantar" . Intercala partes

instrumentales, arias, recitativos, solistas, coros y orquesta. Es un género
que nace dentro de la música vocal profana. Entre los compositores más
destacados podemos nombrar a J.S.Bach y su cantata 147 “Jesús la alegría
de los hombres” o Scarlatti.
COMPOSITORES
JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Alemania. Uno de los mayores genios musicales
de todos los tiempos, maestro del contrapunto, la obra de Bach abarca un total de 1128 obras.
Descendiente de una amplia familia de músicos, fue organista de fama en su tiempo.
Compuso todo tipo de obras excepto óperas y trabajó para la nobleza y para la iglesia. Obras:
Toccata y Fuga en Re menor, El clave bien temperado, Pasiones según San Mateo y
según San Juan, Conciertos de Brandenburgo 2, 3.

GEORG FRIEDRICH HAENDEL (1685-1759) Alemania-Inglaterra. Compositor alemán

nacionalizado inglés. Organista e intérprete de varios instrumentos. Viajó mucho por toda
Europa conociendo importantes compositores. Compone todo tipo de obras siendo famoso por
sus óperas (al estilo italiano) y, más tarde, por sus oratorios (en inglés). Fue un maestro del
contraste, especialmente en música coral. Obras: El Mesías (oratorio)

ANTONIO VIVALDI (1678-1741) Veneciano compositor y violinista italiano. Sacerdote y

maestro de violín del Orfanato de la Piedad, cuya orquesta de señoritas se convierte en uno
de los mejores conjuntos instrumentales de la época. Se le conoce principalmente por sus
obras instrumentales, entre las que destacan varios ciclos de conciertos con violines solistas.
Compuso unas 770 obras, entre ellas destacan 46 óperas y 477 conciertos. Las cuatro
estaciones (conciertos), Gloria (cantata) etc.
VÍDEO RESUMEN
 1. REALIZA EL SIGUIENTE
Actividades para TEST AUDITIVO DE
DIFERENCIACIÓN DE
realizar en Clase ESTILOS Y ÉPOCAS

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785000
● Contesta las preguntas
 La música es mi vida y mi vida es la música.
Quien no entienda esto, no es digno de Dios. –
Wolfgang Amadeus Mozart

EL CLASICISMO

JUAN JOSÉ MORALES BERMEJO

EL CLASICISMO
El Clasicismo es un periodo que se enmarca entre el
Barroco y el Romanticismo como una respuesta
contraria, buscando la naturalidad y claridad por
encima de los excesos y ornamentos complejos.

Suele fecharse convencionalmente entre 1750 (muerte

de J.S.Bach) y 1827 (año en el que muere
Beethoven). Es una etapa corta que marca la
transición de la Edad Moderna a la Edad
Contemporánea. Aunque ya a partir de la 3º sinfonía de
Beethoven, titulada Heroica (1803), se denota un
cambio en la forma compositiva.
CARACTERÍSTICAS GENERALES
● Tiene lugar "La Revolución Francesa" en 1789, hecho que romperá
con las monarquías absolutas. Que supone el ascenso de las
clases medias burguesas en detrimento de la realeza y la
aristocracia. El lema revolucionario de "Libertad, Igualdad y
Fraternidad" será llevado a todos los contextos, también al de la
música.
● El Clasicismo es la época de la Ilustración, también considerado
“Siglo de las Luces”, un movimiento intelectual promovido por la
burguesía y la pequeña nobleza que permitió a los intelectuales
promover el desarrollo integral del ser humano y de la sociedad en
general. Fue una manera de iluminar una nueva etapa y dar por La gallina ciega. F. Goya (1789)
concluido el oscurantismo sobre el cual eran dominadas las
sociedades.
● Se produce una vuelta a los ideales de la cultura clásica
grecorromana, basados sobretodo en el equilibrio, la sencillez y la
belleza (dejando atrás el estilo recargado del Barroco); por ello, en
el resto de las artes se conoce a este periodo como
"Neoclasicismo"
CARACTERÍSTICAS MUSICALES
● Los músicos, encontrarán en la burguesía un nuevo público que paga por apreciar sus
obras y al que debían satisfacer con creaciones entretenidas y naturales. Se liberan de
componer para el mecenas, y estar supeditado a sus gustos.
● La música irá abandonando los círculos eclesiásticos y palaciegos para desenvolverse
en casas privadas de la burguesía y en espectáculos públicos.
● La música se basa en cierto equilibrio, proporción y simetría de sus elementos: ritmo,
melodía , armonía, etc.
● La melodía se vuelve más comprensible y se memoriza mejor, al estar estructurada de
manera más equilibrada. Podríamos decir que se da una pregunta-respuesta melódica
con igual número de compases.
● Desaparece el bajo continuo del Barroco.
● Aparecen los conciertos públicos.
● La orquesta aumenta e incluye instrumentos de viento: el Clarinete y la Trompa.
● Aparece el Piano (Fortepiano) que sustituirá al clave por su mayor sonoridad y adquirirá
enorme protagonismo.
● Aparece una nueva forma musical: la sinfonía
 Museo del Prado:
exterior

Iglesia de La Museo del Prado: interior

Madelaine (París)
MÚSICA RELIGIOSA
La música religiosa va a estar en decadencia en esta época, ya que tanto
la música instrumental como la ópera se van a convertir en géneros
mucho más solicitados por el público en general.
En el terreno de la música religiosa, no cabe señalar grandes cambios
musicales respecto a la época anterior. Se seguirán creando prácticamente
los mismos géneros, dentro de los cuales destacará la “misa”.

Un tipo de misa especial que va a adquirir gran importancia en este

periodo es el Réquiem, música compuesta para la misa de los difuntos de
la Iglesia católica.
Podemos destacar el Réquiem de Mozart, obra maestra de la música
clásica. Esta obra le fue encargada a Mozart por un desconocido creyendo
que se trataba de un encargo del “más allá” para su propio funeral. Murió
componiendo la séptima parte de la obra que lleva por título Lacrimosa.
La obra sería completada, siguiendo las instrucciones que el compositor
dejó escritas, por su alumno Süsmayr.
MÚSICA VOCAL: LA ÓPERA
El Clasicismo fue uno de los periodos históricos más importantes para el género operístico
experimentando un gran cambio, ya que se eliminarán los excesos barrocos y se tenderá a la
naturalidad y acercamiento del argumento al público.

Por otra parte los teatros se multiplicaron y el público aumentó, costeando el trabajo de los
compositores mediante el dinero que aportaban con la compra de entradas.

A mediados del siglo XVIII, en Francia, la ópera seria había alcanzado una gran complejidad (los
temas mitológicos eran demasiado sofisticados y difíciles de entender). Esto hacía que el público cada
vez estuviese más descontento con este tipo de ópera. En 1752 una compañía ambulante de ópera se
instaló en París y presentó la famosa ópera bufa de Pergolesi "La serva padrona". A partir de ahí se
crearon dos bandos, uno que va a defender este tipo de ópera y otro que va a estar en contra. A este
enfrentamiento se le conoce como "La querella de los bufones".

En este contexto de enfrentamiento surgió la figura de W.C. Gluck, que buscó la reconciliación de
ambos grupos, realizando una reforma de la ópera seria para que se acercarse más a lo que el
público pedía.
MÚSICA INSTRUMENTAL: MÚSICA DE CÁMARA
La música instrumental del Clasicismo va a girar en torno a dos
agrupaciones:

LA MÚSICA DE CÁMARA: música compuesta para un grupo reducido de

instrumentos, en contraposición a la música de orquesta. El nombre viene
de los lugares en los que ensayaban pequeños grupos de músicos
durante la Edad Media y el Renacimiento, habitaciones, llamadas cámaras.

Se hará más popular por el acceso de la burguesía a la práctica

instrumental y a los conocimientos musicales y también porque
económicamente era más rentable que una orquesta.

Las obras de cámara podían ser para un instrumento solista (como el

piano o la guitarra), para un trío (por ejemplo un violín, un piano o un
violonchelo), pero sin duda las agrupaciones de cámara que se convirtieron
en favoritas fueron el cuarteto de cuerda (dos violines, viola y violonchelo) y
el quinteto (que sumaba a esos instrumentos del cuarteto un instrumento
de viento como la trompa).
MÚSICA INSTRUMENTAL: MÚSICA DE ORQUESTA
Durante el Clasicismo, la orquesta evoluciona hasta convertirse en uno
de los medios de expresión más utilizados por los compositores.

La constitución de las orquestas va a seguir dependiendo de las

posibilidades económicas y de la disponibilidad de instrumentistas.
Hacia finales del siglo XVIII ya podemos hablar de un modelo de orquesta
clásica con una sección de cuerda (violines, violas, violonchelos y
contrabajos), una de viento (flautas, oboes, clarinetes, fagots, trompas,...)
y una de percusión (timbales, platillos,...)

Hay que destacar a Johann Stamitz promotor y director de “La Escuela

de Mannheim”, que en su época contó con la mejor orquesta del
mundo.

Introduce novedades como: Disciplina en el estudio, trabajo por

secciones instrumentales, búsqueda y desarrollo del color orquestal,
incorporación del Crescendo y el Diminuendo
FORMAS MUSICALES
Durante el Clasicismo, los compositores van a trabajar innumerables formas musicales,
pero las tres formas más importantes de la época fueron las siguientes:

LA SONATA: Esta forma instrumental surgida en el Barroco, se convertirá durante el

Clasicismo en el principal modelo de composición para la música instrumental de la
época. Se trata de una obra musical compuesta para teclado solista o para otro
instrumento con acompañamiento de teclado. La sonata consta de cuatro partes
denominadas movimientos: Rápido (Allegro) 2. Lento (Andante o largo) 3. Ligero (suele ser
un Minueto) 4. Rápido (Allegro o presto)

LA SINFONÍA: Podemos decir que es una sonata construida para una orquesta completa
aunque de manera más compleja. Tenía, en principio, tres partes o movimientos que
luego se convertirán en cuatro. Se considera a Haydn como el compositor que dio la forma
definitiva a este género, o el padre de la sinfonía.

CONCIERTO : Es una forma musical basada en la alternancia entre un instrumento

solista y toda la orquesta. Incorporará los nuevos avances de la orquesta (timbre
orquestal y novedades de la Escuela de Manheim) y el virtuosismo del solista.
FRANZ JOSEPH HAYDN (1732 - 1809)
Compositor austríaco; autodidacta, fue niño cantor de Viena. Pasa la mayor
parte de su vida al servicio del príncipe Esterhazy , por lo que su obra es de
estilo cortesano y elegante.

Es considerado padre de la sinfonía debido al gran número de ellas que

compuso (104) y al protagonismo que le dio a esta nueva forma. Algunas con
títulos: La gallina, Londres, Oxford, El Reloj, La sorpresa o Los adioses.

Fundador del cuarteto de cuerdas: será su forma más importante junto con
las sinfonías: establece la formación típica de dos violines, una viola y un
violonchelo.
WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756 - 1791)
Compositor austríaco nacido en Salzburgo, hijo del también compositor Leopoldo
Mozart. Es considerado uno de los más grandes genios de la música de todos los
tiempos.

Fue niño prodigio: tocaba el piano y el violín y componía obras musicales desde
los cinco años. Fue capaz de cultivar con excelencia todos los géneros, desde la
música sacra y coral hasta la ópera, pasando por la sinfonía y la música de
cámara, representando junto a Haydn y Beethoven la cúspide del Clasicismo
musical. Vivió en Viena como músico independiente. No supo gestionar su
economía y murió a los 35 años enfermo, agotado y en la ruina.

OBRAS DESTACADAS:
Sinfonías: Júpiter, Praga, París y Nº 40. Conciertos: para piano y orquesta (23),
para clarinete y orquesta, violín y orquesta etc…
Sonatas para piano: Mancha turca (vídeo superior)
Serenatas y divertimentos: Pequeña serenata nocturna (vídeo central)
Óperas: en italiano: Las bodas de Fígaro, Don Giovanni. En alemán : La flauta
mágica (vídeo inferior)
Religiosas: Misa de Réquiem
INTERPRETACIÓN
RITMO

https://www.youtube.com/watch?v=
ONp1uehVXqs
Eroica (Beethoven)
MÚSICA Y CULTURA
VÍDEO RESUMEN
 EL ROMANTICISMO

JUAN JOSÉ MORALES BERMEJO

EL ROMANTICISMO
Es un movimiento cultural que se desarrolla en Europa durante el
S. XIX (1820-1914) y que, en oposición al Neoclasicismo (periodo
clásico en el resto de las artes). Este movimiento exalta la libertad
creativa, la libertad de las ideas, la fantasía y los sentimientos.

Nace un culto a la edad media, o mejor aún a sus ruinas. El

término “Romanticismo” deriva de la palabra “romance”, el
género literario de la poesía medieval (Edad Media).

Surge en la zona de la actual Alemania y se extiende al resto de

los países europeos.

Se da en todas las artes, música pintura, filosofía, literatura etc.

CARACTERÍSTICAS GENERALES
● Nos encontramos con una nueva sociedad, surgida de la Revolución Francesa,
que exalta la libertad del ser humano por encima de todas las cosas.
● Individualismo: Exaltación del “yo”, del individuo y de sus sentimientos e ideas.
Expresividad que vemos en todas las artes
● El artista se salta las normas impuestas y se expresa libremente
● Surgirán los nacionalismos como consecuencia de lo anterior: el deseo de libertad
y la importancia de lo propio (individual) aplicado a los pueblos.
● La Revolución Industrial se impone en todos los lugares con sus enormes
consecuencias económicas, sociales y culturales.
● Fantasía. Importancia de la fantasía y la imaginación como medios de evasión de la
realidad.
● Exotismo. Gusto por lo exótico y lejano, el auge de los viajes.
● Se valora y ensalza la naturaleza
PINTURA
CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA INSTRUMENTAL
Hemos visto que la palabra “Romanticismo” surgió como un movimiento literario inspirado en la
Edad Media. La música era vista como un arte a medio camino entre el sueño y la realidad, por
eso era considerada la más romántica de todas las artes.

La música era el estado ideal y perfecto del arte. Sus principales características son:

1. Búsqueda de la expresividad, el principal objetivo de esta música es conmover los sentimientos

del oyente. Gran belleza de las melodías, gran expresividad, la expresión de los sentimientos es
esencial.

2. Enriquecimiento del lenguaje musical, especialmente en el ritmo y en la armonía. Al igual que

la melodía, apoyará la expresividad de la música y para ello usará frecuentes cambios de tonalidad
y cromatismos.

3. Inspiración en el mundo de la naturaleza y en el folklore popular (que nos anticipa el ideal del
Nacionalismo musical), así como del exotismo, el misterio y la muerte.
CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA INSTRUMENTAL
4. Emancipación plena del músico, que ahora es un profesional libre (el primero fue Ludwig Van
Beethoven) cada vez menos sujeto a los gustos de los mecenas y más relacionados con los editores
de las partituras.
5. Los artistas románticos, cansados de la perfección formal del Clasicismo, buscan nuevas
formas de expresión: voces en las sinfonías

6. Se consolidan las formas musicales del periodo anterior aunque otorgando más importancia a la
expresividad. Obtienen importancia, la sinfonía y el concierto.

7. Aumento de la orquesta: llega a ser enorme incorporando nuevos instrumentos que permiten
mayor posibilidad de expresión (tuba, saxofón, contrafagot, corno inglés)

8. Música programática: obras musicales relacionadas con un texto literario ( basadas en un texto o
“programa”).

9. Las mujeres dedicadas a la música (intérpretes y compositoras) van tomando relevancia social.
FRANZ LISZT en un concierto
MÚSICA INSTRUMENTAL: VIRTUOSISMO
La música instrumental sigue su desarrollo imparable. El perfeccionamiento
técnico de los instrumentos hace que intérpretes y compositores exploren
posibilidades sonoras que nunca antes se habían imaginado, llega el virtuosismo.

El Romanticismo es una época en la que se valora mucho la expresión individual

del músico que interpreta o improvisa en solitario. El público está deseoso de vivir
nuevas emociones, de presenciar “el más difícil todavía”. Nace así la figura del
virtuoso, que es adorado y mitificado.

Dos grandes virtuosos fueron el italiano Niccolò Paganini al violín y el húngaro

Franz Listz al piano.

● Paganini fue el primer gran virtuoso. Fue un avanzado a su tiempo ya que

sus obras, escritas para su propio lucimiento, ampliaron definitivamente las
posibilidades de su instrumento.
● Franz Listz, fue intérprete virtuoso y además de un grandísimo compositor
cuyas obras para piano son casi imposibles de tocar por el resto de músicos.
LA ORQUESTA SINFÓNICA
El romanticismo supone otro paso más en el desarrollo de la orquesta
sinfónica nacida durante el Clasicismo.

La orquesta sinfónica romántica estaba integrada por las tres familias (cuerda,
viento y percusión) y su número de intérpretes solía oscilar entre los 60 y 75,
pero algunas obras estaban escritas para 100 o más músicos.

Los mecanismos técnicos de los instrumentos de viento se perfeccionaron y

los compositores comenzaron a considerarlos tan importantes como los de
cuerda. Debido a la constante demanda de conciertos públicos el número de
orquestas se multiplicó por toda Europa, hasta el punto de que las grandes
ciudades contaban con varias orquestas sinfónicas que realizaban giras por toda
Europa.

Las tres grandes formas orquestales que se van a dar en el Romanticismo

fueron: la sinfonía, el concierto solista y una nueva forma compositiva: el
poema sinfónico.
MÚSICA SINFÓNICA: MÚSICA PROGRAMÁTICA
La música programática es un tipo de música instrumental
y hace referencia a elementos extra musicales. Se basa en
un “programa” literario, o un argumento, un texto o una
historia. Tiene por objetivo evocar ideas e imágenes en la
mente del oyente, representando musicalmente una
escena o una imagen.

● POEMA SINFÓNICO: es el ejemplo de música

programática por excelencia. Composición musical
para orquesta, generalmente de un solo movimiento,
que va acompañada de un programa, generalmente de
naturaleza poética o narrativa, que el público conoce El Moldava. Bedřich Smetana
antes de escuchar la obra.

Ejemplos: Mazeppa (Franz Liszt) o Sinfonía Fantástica

(Héctor Berlioz)
MÚSICA SINFÓNICA: FORMAS MUSICALES
Durante el Romanticismo asistimos a la continuidad compositiva de algunas formas ya
establecidas durante el Clasicismo y la aparición de otras formas nuevas como ya hemos visto
(poema sinfónico). Con respecto a las primeras (sonata, sinfonía, concierto, cuarteto de cuerda), la
tendencia es a ampliar la extensión y la duración de dichas formas siempre por motivos
expresivos.

● Sinfonía romántica: aumenta sus dimensiones, así como el número de temas, cuyo
carácter melódico más que motívico, dificulta su desarrollo. Se introducen elementos como
son la voz y los coros. Se distinguen tres periodos: primer romanticismo sinfonías de
Beethoven, Franz Schubert, Felix Mendelssohn y Robert Schumann. Un segundo periodo
donde podemos destacar las sinfonías de Johannes Brahms y Antón Bruckner cuyas
sinfonías destacan por su monumentalidad y sus grandes desarrollos. Y un tercer periodo sería
el vinculado con el sinfonismo posromántico de Gustav Mahler y Richard Strauss.
● Concierto: El concierto sigue teniendo tres movimientos aunque se experimentará con la
estructura en cuatro. Fueron muy apreciados los de piano y violín aunque prácticamente se
compone para casi todos los instrumentos de la orquesta. El concierto favorece el virtuosismo
del intérprete.
MÚSICA VOCAL: EL LIED ROMÁNTICO
El lied es otra nueva forma compositiva del Romanticismo. En
alemán “Lied” (en plural “lieder”) significa “canción de
concierto” o “canción de recital”.

Se cantaban en los salones privados siempre acompañados de

un piano. Refleja la gran unión que se dio entre melodía y
poesía.

Los más destacados poetas alemanes, como Goethe,

escribieron poesía para ser cantada. Las melodías románticas
son más libres formalmente que las del Clasicismo y su
principal objetivo es la expresión pura del sentimiento. Gondellied (Fanny Mendelssohn)

FRANZ SCHUBERT escribió más de 600 y en ellos buscaba la

música más adecuada para cada sentimiento, lo que nos
recuerda a los madrigales de finales del Renacimiento.
MÚSICA VOCAL: LA ÓPERA
El siglo XIX es el siglo dorado de la ópera, la gran mayoría de las óperas
que se programan hoy día en los teatros son óperas románticas. Dos
grandes autores dominan la ópera del siglo XIX: el italiano Giuseppe
Verdi y el alemán Richard Wagner, ambos nacidos en 1813.

Las obras más célebres de Verdi son “La traviata, “Otello”, “IL
trovatore”, “Aida” y “Nabucco”.

La obra más destacada de Wagner es su tetralogía “Los Nibelungos”

compuesta por 4 óperas: “El oro del Rin”, “La Walkiria”, “Sigfrido” y
“El ocaso de los dioses”. Wagner, nacionalista alemán, quiso
recuperar la mitología germánica frente a la tradicional mitología
griega popular en la ópera desde sus orígenes. Wagner creó en sus
óperas el leitmotiv, una melodía que se asocia a un personaje o una
idea y que suena cada vez que aparece ese personaje o idea.
LUDWIG VAN BEETHOVEN: EL GENIO
Ludwig van Beethoven (Bonn, 16 de diciembre de 1770-Viena, 26 de marzo de 1827)
compositor, director de orquesta, pianista y profesor de piano alemán. Su legado
musical abarca, cronológicamente, desde el Clasicismo hasta los inicios del
Romanticismo. Es considerado uno de los compositores más importantes de la
historia de la música y su legado ha influido de forma decisiva en la evolución
posterior de este arte.

Tuvo una infancia difícil que lo convirtió en una persona meditabunda, solitaria y
encerrada en sí mismo. Tras la muerte de su madre tuvo que hacerse cargo de su
familia, económicamente. Su vida amorosa también fue atormentada, ya que tuvo
muchos amores fallidos, a los que dedicó algunas de sus composiciones.

Beethoven politizó su música incluso pretendía que fuese un arma contra la tiranía;
sus ideas y sentimientos políticos podrían buscarse en Francia (fraternidad, libertad
e igualdad) los cuales aplicaba a su música; mostraba en su música la liberación, un
concepto distinto de aquella que se ofrecía en la Corte, salones de la nobleza y en los
escenarios.
LUDWIG VAN BEETHOVEN: EL GENIO
Beethoven se convirtió en uno de los primeros compositores independientes de
Europa.

Los música de Beethoven se cataloga en tres etapas musicales: Temprana, Mediana

y Tardía.

● Temprana: Las obras generalmente de esta etapa son basadas en el estilo de

los grandes maestros de la época, principalmente Haydn y Mozart

● Media: Beethoven rompe con las normas estilísticas de la época. Rompe con
sus mecenas y se distingue de la música de compositores como Haydn. La
música de esta época son obras de gran escala que denotan el heroísmo y la
lucha. Seis de las nueve sinfonías fueron compuestas dentro de este periodo

● Tardía: resultaría ser la época de mayor madurez musical. Lo que era una
exclamación de emancipación, se convirtió en una introspección y meditación
filosófica para Beethoven. Sus obras llevarían en sí una profundidad nunca
antes vista en los círculos musicales europeos. Las obras de esta época, de las
cuales la novena sinfonía es una de ellas, se pueden considerar las notas de
despedida de Beethoven.
COMPOSITORES DESTACADOS (Primera generación)
Siguen el ejemplo de Beethoven, iniciador del Romanticismo, a quien admiran
profundamente.

Franz Schubert Félix Mendelssohn Robert Schumann

Sinfonía Incompleta Sinfonía Italiana Sinfonía Primavera
COMPOSITORES DESTACADOS
(Segunda generación)

J. Brahms P. Tchaikovsky
J. Strauss H. Berlioz
La bella durmiente
Danubio Azul Sinfonía Fantástica Danza Húngara
nº5
COMPOSITORAS

Clara Wiek Schumann Fanny Mendelssohn

EL NACIONALISMO MUSICAL
El nacionalismo musical surgió a principios del siglo
XIX, se refiere al uso de ideas o motivos musicales que
se identifican con un país, región o etnia específicos,
como melodías y melodías populares, ritmos y armonías
inspiradas por ellos.
El nacionalismo se engloba a menudo con el
romanticismo musical de mediados del siglo XIX hasta
mediados del siglo XX, pero hay evidencia de
nacionalismo tanto al principio como al final del siglo XVIII.
Los países más frecuentemente relacionados con el
nacionalismo musical son: Rusia, Hungría, España, etc.
COMPOSITORES NACIONALISTAS DESTACADOS

Grieg (Noruega) Sibelius (Finlandia) Mussorgsky (Rusia) Dvorak (Checoslovaquia)

NACIONALISMO ESPAÑOL
España también vive los profundos cambios del siglo XIX. El fin del
antiguo régimen rompió con el aislamiento cultural propiciando cambios a
todos los niveles culturales. El conocimiento, estudio y aplicación de la
música popular y tradicional española no se da en España hasta mucho
tiempo después de que los movimientos nacionalistas hubieran cuajado
en otros países debido a la censura del monarca Fernando VII.

La música que predominaba a principios del S. XIX en España pertenecía

al género vocal, operístico y zarzuela.
Respecto de la música instrumental, hubo que esperar a la segunda mitad
del siglo para encontrar los primeros frutos, hasta que aparecieron, ya a
finales de siglo, compositores como Enrique Granados (1867-1916),
Isaac Albéniz (1841-1922) y Manuel de Falla (1876-1946).
NACIONALISMO ESPAÑOL
Isaac Albéniz (1860-1909): es uno de los compositores españoles más
importantes del siglo XIX, especialmente por sus obras para piano, de inspiración
nacionalista y lenguaje musical moderno. y compositiva como por las exigencias
técnicas que demanda al intérprete.

Enrique Granados (1867-1916): fue pianista y compositor, conocido especialmente

por sus obras para piano. Su obra maestra como compositor es la suite para piano
Goyescas (1911), inspirada en cuadros del pintor español Francisco de Goya.

Manuel de Falla (1876-1946): fue uno de los compositores españoles más

destacados del siglo XX. Entre sus composiciones sobresalen títulos como Noches
en los jardines de España (1909-1915) para orquesta y piano, la ópera La vida breve
(1913), sobre texto de Fernández Shaw, Siete canciones populares españolas
(1914-1915), los ballets El amor brujo (1915) y El sombrero de tres picos (1919),
VÍDEO RESUMEN