Nome: ________________________________________________________ - Turma:______

SOCIEDADE DE ENSINO FERNANDO PEDRO - SEFEP

APOSTILA DE
EDUCAÇÃO MUSICAL
9º ANO

Professor: Rafael D’Abrantes

2021
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ÍNDICE
INTRODUÇÃO - BENEFÍCIOS DA MÚSICA ............................................................................................ 03
1. Teoria musical
Notação musical ............................................................................................................................ 03
- A linguagem das cifras..................................................................................................................... 04
Notação musical no Ocidente ....................................................................................................... 05
- O monge católico Guido D’Arezzo ............................................................................................ 06
- Clave: o que é e para que serve? ............................................................................................... 07
- Notas na pauta musical ............................................................................................................. 07
Exercício de leitura melódica ......................................................................................................... 08
2. Figuras de ritmo ou duração ........................................................................................................ 09
- Exercício de leitura rítmica ....................................................................................................... 10
- Pulso e compasso ...................................................................................................................... 11
Linhas suplementares e sinais de repetição ...................................................................................... 13
- A linguagem das cifras ............................................................................................................. 13
- Sinais de intensidade ................................................................................................................ 14
- Tipos de andamentos e sinais ................................................................................................... 14
3. Estrutura e forma da música
- Forma binária ........................................................................................................................... 17
- Forma ternária .......................................................................................................................... 17
Textura em música ........................................................................................................................ 18
4. Voz humana ................................................................................................................................... 18
- Classificação das vozes ............................................................................................................. 20
- Grupos vocais ........................................................................................................................... 21
5. História da música ocidental
- O jazz e sua influência ......................................................................................................... 23
6. História da música popular brasileira(MPB)
- Gêneros e movimento musicais nacionais ................................................................................. 24
- A história do samba .................................................................................................................. 24
- A Era do Rádio ......................................................................................................................... 27
- A Bossa Nova ........................................................................................................................... 29
- A Jovem Guarda ....................................................................................................................... 31
- O tempo dos festivais da canção ............................................................................................... 32

7. Quadro geral das posições da flauta doce soprano ....................................................................... 33

- Repertório base e práticas de cifra ............................................................................................................. 34
8. HINOS OFICIAIS .............................................................................................................................. 35
- Hino Nacional Brasileiro .......................................................................................................... 35
- Hino Oficial da SEFEP ............................................................................................................. 36
- Hino da Independência ............................................................................................................. 36
- Hino da Bandeira ...................................................................................................................... 37
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 INTRODUÇÃO – BENEFÍCIOS DA MÚSICA
 Ambiente de participação coletiva e respeito mútuo;
 Ajuda na autoexpressão e desenvolvimento emocional, social...;
 Treinamento musical (percepção, memorização, conceitos, leitura, “musicalização”);
 Desenvolve talentos.

NOTAÇÃO MUSICAL
Como se escreve música?
A música é uma linguagem sonora como a fala. Assim como representamos a fala por meio de
símbolos do alfabeto, podemos representar graficamente a música por meio de uma notação
musical.
Os sistemas de notação musical existem há milhares de anos. Cientistas já encontraram
muitas evidências de um tipo de escrita musical praticada no Egito e na Mesopotâmia por volta de
3.000 antes de Cristo!
Sabe-se que outros povos também desenvolveram sistemas de notação musical em épocas mais
recentes, como é o caso da civilização grega.
Existem vários sistemas de leitura e escrita que são utilizados para representar
graficamente uma obra musical. A escrita permitiu que as músicas compostas antes do
aparecimento dos meios de comunicação modernos pudessem ser preservadas e recriadas
novamente. A escrita musical permite que um intérprete toque uma música tal qual o compositor a
prescreveu.
O sistema de notação ocidental moderno é o sistema gráfico que utiliza símbolos escritos
sobre uma pauta de 5 linhas paralelas e equidistantes e que formam entre si quatro espaços.
A pauta musical também é chamada de PENTAGRAMA. Veja:

Contam-se as linhas e os espaços da pauta de baixo para cima. A nota que está num espaço
não deve passar para a linha de cima nem para a de baixo. A nota que está numa linha ocupa a
metade do espaço superior e a metade do espaço inferior.
O elemento básico de qualquer sistema de notação musical é a NOTA, que representa um
único som e suas características básicas: DURAÇÃO e ALTURA. Veja:

Os sistemas de notação também permitem representar diversas outras características, tais como
variações de intensidade, expressão ou técnicas de execução instrumental.
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 Para representar a linguagem falada, você usa as letras do alfabeto. Já para
representar os sons musicais, você usa as NOTAS MUSICAIS. O nosso sistema musical tem 7
(sete) notas. Elas formam a seguinte sequência: DÓ – RÉ – MI – FÁ – SOL – LÁ – SI.

Essa sequência organizada de notas é chamada de ESCALA. As escalas usadas no

ocidente se organizam do som mais grave para o mais agudo e se repetem a cada ciclo de 7
notas:

As notas musicais no teclado do piano

A LINGUAGEM DAS CIFRAS (noções básicas)

Existem outros tipos de escrita musical, como por exemplo, a linguagem

cifrada muito usada para instrumentos harmônicos como o violão, a guitarra e o
teclado (piano). As cifras são sinais que representam determinado acorde (posição) que
o músico deve tocar para o acompanhamento de uma melodia.

Para cada nota estabeleceu-se uma letra do alfabeto:

Dó – C Ré – D Mi – E Fá – F

Sol – G Lá – A Si – B

Assim, se o músico tiver que tocar um acorde de dó maior, a cifra deverá ser C.

Acordes mais comuns:

Dó maior – C Dó menor – Cm
Ré maior – D Ré menor – Dm
Mi maior – E Mi menor – Em
Fá maior – F Fá menor – Fm
Sol maior – G Sol menor – Gm
Lá maior – A Lá menor – Am
Si maior – B Si menor – Bm

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 A notação musical no Ocidente: uma história
O sistema de notação musical moderno teve suas origens nos NEUMAS (do latim:
sinal), pequenos símbolos que representavam as notas musicais em peças vocais do
chamado “Canto Gregoriano”, por volta do século VIII (cerca do ano 700 depois de Cristo).
Inicialmente, esses neumas eram posicionados sobre as sílabas do texto e serviam
como um lembrete da forma de execução para os que já conheciam a música. Veja:

Para resolver esse problema, as notas passaram a ser escritas em relação a

uma linha horizontal. Isso permitia representar as alturas. Esse sistema evoluiu até
uma pauta de quatro linhas.

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 O monge católico GUIDO D’AREZZO

Um desenho antigo retratando o monge Guido d´Arezzo

Grande parte do desenvolvimento da notação musical deriva do trabalho do monge

católico italiano Guido d’Arezzo, que viveu no século X d.C. Ele criou os nomes pelos quais as notas
são conhecidas atualmente (dó, ré, mi, fá, sol, lá, si). Os nomes foram retirados das sílabas iniciais do
“Hino a São João Batista”. Segundo Kurt Pahlen (em Nova História Universal da Música), o hino latino
era usado naquela época pelos meninos cantores para abrir seu canto, pedindo a S. João que lhes
concedesse belas vozes. O sistema tonal ainda estava sendo desenvolvido. Guido d’Arezzo adotou
uma pauta musical de quatro linhas. Depois do século XII foi adotado o pentagrama, isto é, a pauta de
cinco linhas que é o padrão desde então.

Hino a São João Batista

Ut queant laxis,
Resonare fibris,
Mira gestorum,
Famuli tuorum,
Solve polluti,
Labii reatum
Sante Iohannes

Tradução aproximada:
“Para que os vossos servos possam cantar livremente
as maravilhas dos vossos feitos, tirai toda mácula do
pecado dos seus lábios impuros.
Oh, São João!”

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 Mais tarde, a palavra Ut foi substituída pela sílaba Dó, porque ela era difícil de
ser falada. O Si foi formado da união da primeira letra de Sancte e da primeira de
Iohannes.
CLAVE: o que é e para que serve?

A notação musical é relativa e, por isso, para escrevermos as notas na pauta

precisamos usar CLAVES, espécie de chaves auxiliares.
A clave indica a posição de uma das notas. Assim, todas as demais são lidas em
referência a essa nota. Cada tipo de clave define uma nota diferente de referência. Dessa
maneira, a "chave" usada para decifrar a pauta é a clave, pois é ela que vai dizer como as
notas devem ser lidas. Se na 2ª linha tivermos um sol, no espaço seguinte teremos um lá e
na 3ª linha um si.
As notas são nomeadas sucessivamente de acordo com a ordem das notas da
escala.

Atualmente usam-se três tipos de clave: de sol, de fá e de dó.

A clave de sol é própria para grafarmos as notas mais agudas, evitando o uso de
linhas suplementares. A clave de fá é indicada para as notas mais graves. A clave de dó é
mais usada para os sons médios.

A clave de sol indica que a nota sol deve ser escrita na segunda linha da pauta.
A partir da nota sol podemos definir a posição de todas as outras notas:

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 FIGURAS DE RITMO OU DURAÇÃO

Além da indicação das alturas, necessitamos indicar também o tempo de emissão

de cada nota, ou seja, quanto tempo ela vai durar. Para representar graficamente a
duração do tempo dos sons (notas) na música, usamos sinais chamados FIGURAS
DE DURAÇÃO. Elas nos indicam quanto tempo devemos emitir determinado som.
Além da duração da emissão das alturas, também precisamos representar
graficamente a duração do silêncio na música. Para isso usamos sinais chamados de
PAUSAS. Esses sinais têm o mesmo valor das suas respectivas figuras. Para cada valor
positivo temos um negativo correspondente. Veja o quadro a seguir:

Quadro de durações e suas pausas

As figuras não possuem um valor (tempo) fixo. Elas são proporcionais entre si. A figura
de maior duração é a semibreve.

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 Pulso e compasso

A música possui um importante elemento: o pulso ou a pulsação. Uma pulsação

regular pode ter acentuações que se repetem de maneira regular. Veja a seguir:
BINÁRIO: Acentos que se repetem a cada dois pulsos regulares.

1 2 1 2 1 2 1 2

TERNÁRIO: Acentos que se repetem a cada três pulsos regulares.

1 2 3 1 2 3 1 2 3

QUATERNÁRIO: Acentos que se repetem a cada quatro pulsos regulares:

1 2 3 4 1 2 3 4

Compasso é uma fórmula expressa em fração que determina a regularidade do

pulso. Existem várias fórmulas de compasso como as que seguem:

Compassos simples (frações de compasso)

Binário Ternário Quaternário

Compasso simples é aquele em que cada unidade de tempo corresponde à

duração determinada pelo denominador da fórmula de compasso. Por exemplo: um
compasso 2/4 possui dois pulsos com duração de 1/4 (uma semínima) cada. Os tipos mais
comuns de compassos simples possuem o 4 no denominador (2/4, 3/4 ou 4/4).

OBSERVAÇÃO:
Veja o quadro da página 13. Observe as correspondências entre as figuras de duração e
os números que a representam nos denominadores das frações de compasso.

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 Barras de compasso

Barra ou travessão são nomes usados paras as linhas verticais que utilizamos para
separar os compassos e facilitar a leitura das notas (duração e altura). As barras mais
usadas são:
Barra simples

Separa cada compasso completo.

Barra dupla

Usada para indicar o fim de um trecho musical ou final da música. Neste caso a
segunda linha é mais grossa. Veja:

Alguns sinais gráficos utilizados para facilitar a escrita musical:

Ligadura

É uma linha curva que une duas ou mais notas, somando os seus valores.
Usamos ligaduras somente em figuras de duração, nunca em pausas. Veja:

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 Ponto de aumento

É um ponto colocado à direita da figura positiva ou negativa e que aumenta seu

valor em sua metade. Veja:

Linhas suplementares

Ampliam o pentagrama ou a pauta musical. São linhas colocadas acima ou abaixo

do pentagrama para indicar notas mais agudas ou mais graves. Veja:

Sinais de repetição

Para facilitar a escrita e a leitura musical, podemos utilizar sinais que indiquem
repetição, ao invés de reescrever trechos inteiros que devem ser repetidos.

Sinais de repetição mais comuns

Da capo - Voltar ao início da música.

D.C.

Da capo ao fim - Voltar ao início e ir até a palavra fine (fim) ou à barra dupla.
D.C. al fine ou D.C. ao fim

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 Do sinal (segno) ao fim - Voltar ao sinal e ir até a palavra fine (fim) ou à barra dupla.

Do al fine ou do ao fim

Ao segno (sinal) – Retornar ao

sinal.
Al ritornello - Repetir o trecho marcado com a barra dupla com dois pontos.

Ritornello com casa 1, 2, 3 etc... – Repetir o trecho respeitando o compasso que deve ser
tocado na segunda, na terceira, etc, repetições.

Sinais de intensidade

São sinais que indicam a força com que cada nota deve ser tocada ou cantada. Os sinais de
intensidade mais comuns são:

pp = Pianíssimo, tocar muito leve, com pouquíssima intensidade.

p = Piano, tocar bem leve, com pouca intensidade.
mp = Mezzo piano ou meio piano, tocar leve, com moderada intensidade.
mf = Mezzo forte ou meio forte, tocar com força moderada.
f = Forte, tocar com força.
ff = Fortíssimo, tocar com muita força.
sfz = Sforzando, intensificar subitamente a força com que se toca determinadas notas.
Crescendo e decrescendo – Usa-se quando se quer um aumento gradativo da intensidade.

Veja o trecho musical:

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 Tipos de andamento e sinais de andamento
Os andamentos são as velocidades com que as músicas devem ser tocadas. Por
tradição em italiano, as indicações de andamento são colocadas geralmente no início das
partituras musicais, indicando a velocidade com que a música deve ser interpretada.

Tipos de andamento

Lentos:
Lento, largo e adágio.

Moderados:
Moderato, andante e andantino.

Rápidos:
Allegro, vivo e presto.

Sinais de andamento (agógica)

São indicações colocadas na partitura com o intuito de acelerar ou retardar a

execução do trecho musical. Veja:

Acellerando – Deve-se acelerar o andamento. A sua abreviatura é acell.

Rallentando – Deve-se retardar o andamento. A sua abreviatura é rall.

Estrutura e forma da música

Reconhecendo as partes da música e sua textura

Toda vez que ouvimos, tocamos ou cantamos uma música, percebemos que ela
possui partes que se repetem ou partes que se contrastam.
As cantigas de roda costumam ter uma ou duas partes com melodias simples e
repetitivas muitas vezes. Cante e perceba:
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 A canoa virou

A canoa virou
Por deixá-la virar
Foi por causa da "Fulana" Melodia A
Que não soube remar

Se eu fosse um peixinho
E soubesse nadar
Tirava a "Fulana" Melodia A
se repete
Do fundo do mar

Nesta canção de roda a melodia se repete várias vezes. Você consegue se lembrar
de outras canções desse tipo?

Ó abre alas (Chiquinha Gonzaga)

Ó abre alas que eu quero passar

Ó abre alas que eu quero passar
Eu sou da lira não posso negar
Rosa de Ouro é quem vai ganhar!

Então, vamos ouvir algumas música e perceber as suas partes? Se elas são
parecidas ou diferentes? Quantas vezes se repetem? Quantos instrumentos estão
tocando? Existem muitos sons soando ao mesmo tempo? Procure separar em partes as
canções do repertório trabalhado!

Forma binária (A B)

Quando ao invés de repetir a melodia (a mesma ideia musical), resolvemos criar

uma parte contrastante, a música passa a ter duas partes e então chamamos essa
estrutura de forma binária.
A forma binária pode ser abreviada pelas letras A (primeira parte) e B (parte
contrastante). Então temos uma forma:

AB

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Exemplo musical:

Mamãe eu quero

Mamãe eu quero
Mamãe eu quero
Mamãe eu quero mamar
Parte A
Dá a chupeta
Dá a chupeta
Dá a chupeta pro neném não chorar

Dorme filhinho do meu coração

Pega a mamadeira e entra no cordão
Eu tenho uma irmã que se chama Ana Parte B
De tanto piscar o olho
Já ficou sema pestana

Forma ternária (A B A)

A forma chamada de ternária é uma extensão da forma binária. Também possui

uma parte inicial A (exposição) e uma parte contrastante, a parte B. A diferença é que a
música termina com um retorno à parte A.
Assim representamos a forma ternária da seguinte maneira:
ABA
Um bom exemplo de forma ternária é o “Samba de uma nota só” de Tom Jobim.
Procure ouvir essa canção e perceba as suas partes!

Forma rondó (A B A C A)

Além das formas binária e ternária, temos ainda outra que ao invés de
possuir somente uma parte contrastante, pode ter mais partes contrastantes. É a
chamada forma rondó, que pode ser representada assim:
A B A C A D A etc...
Um exemplo de música com esta forma é a famosa “Pour Elise” de Beethoven.
Procure ouvi-la e perceba a forma rondó A B A C A.
Na música popular brasileira temos o choro com essa forma. Ex.: ODEON

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 Textura em música

O que é uma textura monofônica e textura homofônica?

Chamamos de textura a maneira como os sons são organizados numa música.

Quando ouvimos só uma pessoa cantando ou um único instrumento soando, dizemos que
a música possui uma textura monofônica.
Quando existem mais vozes cantando junto, formando um bloco sonoro único,
dizemos que essa música possui uma textura homofônica. Um exemplo é quando
um cantor é acompanhado por acordes feitos por um instrumento harmônico (violão
ou piano).
Pergunte ao seu professor ou professora quais músicas possuem essas
características!

Textura polifônica

Chamamos de polifonia quando uma melodia é acompanhada de uma ou mais

melodias simultâneas. O auge do estilo polifônico se deu no Período Renascentista
(meados do séc. XIV ao fim do XVI). Procure ouvir músicas desse período. Os estilos
polifônicos mais conhecidos são o cânone e a fuga. Uma música muito conhecida é
a canção “Frère Jacques”, um cânone.

VOZ HUMANA
 Cada pessoa possui uma
voz única e especial. É como
se fosse uma impressão
digital.

 São muitos os fatores que

dão as características para
a voz de cada ser humano.

 A voz de uma criança,

por exemplo, é uma voz
mais aguda. Existem
mulheres que falam muito
“fino”, mas isso não é regra.

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  COMO FUNCIONA A VOZ HUMANA?

 Os sons que produzimos se originam pela

vibração das “pregas vocais” ou “cordas vocais”,
localizadas em nossa laringe. Quando o ar que
vem de nossos pulmões passa por elas, produzem
essa vibração.
 Para que o som produzido seja agudo, é
necessário que as pregas vocais sejam curtas e
finas. Outro fator que deixa os sons agudos é a
tensão das membranas.
 Quanto mais tensa elas estiverem, mais
agudo será o som produzido. Quanto mais
relaxada elas estiverem, mais grave será o som
produzido.
A voz de uma criança é mais aguda do que a de um adulto.

 Existem técnicas que preservam a saúde vocal, preparando a pessoa para que ela utilize sua voz,
sem danificar seu aparelho fonador. A afinação do cantor depende da técnica de ajustar a tensão certa
para emitir cada nota musical.

Cantores de ópera possuem suas vozes muito trabalhadas para garantir um bom
desempenho ao cantar.

 Os sons produzidos pelas pregas vocais se transformam em vogais ou consoantes, conforme os

movimentos dos órgãos articuladores como a língua, os lábios, a mandíbula, o céu da boca e os dentes.
 Você já percebeu como é difícil para uma pessoa desdentada dizer as palavras de forma
correta?
 Além disso, as cavidades da boca, do nariz e da cabeça servem para amplificar o som
produzido.

Devemos zelar pela nossa saúde vocal, evitando forçar a voz ao falar ou cantar.
 Cuidados com a voz:
- Evite gritar, tanto para falar como para cantar.
- Beba bastante água sempre.
- Evite ambientes muito secos (ar condicionado excessivo).
- Evite bebidas alcoólicas e cigarro.
- Trate de alergias respiratórias e de problemas gástricos.
- Antes de cantar procure relaxar a cavidade da boca e o corpo.
- Ao cantar mantenha a postura ereta e relaxada.

Não grite! Isso faz mal à sua voz!

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  Aparelho fonador

 CLASSIFICAÇÃO DAS VOZES

HUMANAS
Vozes infantis e vozes femininas adultas
 A vozes das crianças e as vozes das
mulheres são geralmente mais agudas do que a
dos homens. Antes da muda vocal, a voz da
criança não possui características tão definidas.
 Por isso, para classificar a voz de uma
criança é necessário acompanhar o seu
crescimento.

 Classificação das vozes femininas:

 SOPRANO – Palavra italiana que significa superior. É o nome dado para a voz mais aguda das
crianças e das mulheres.
 MEZZO-SOPRANO – O mesmo que meio-soprano. Como diz o nome, é uma voz
intermediária entre a soprano e a contralto.
 CONTRALTO – É a voz mais grave entre crianças e mulheres.

 Classificação das vozes masculinas:

 TENOR – É a voz mais aguda entre os homens.
 BARÍTONO – É a voz intermediária entre o tenor e o baixo.
 BAIXO – É a voz mais grave entre os homens. Uma voz rara.

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  GRUPOS VOCAIS
 Quando vozes se juntam para cantar, formam grupos vocais. Dependendo do número de
pessoas que formam o grupo, eles podem ser chamados de forma variada:

- Duo ou dueto – grupo vocal composto por 2 pessoas

- Trio – grupo vocal composto por 3 pessoas
- Quarteto – grupo vocal composto por 4 pessoas
- Quinteto – grupo vocal composto por 5 pessoas
- Sexteto – grupo vocal composto por 6 pessoas
- Septeto – grupo vocal composto por 7 pessoas
- Octeto – grupo vocal composto por 8 pessoas
- Noneto – grupo vocal composto por 9 pessoas
- Coro ou coral – 10 ou mais vozes
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 História da música ocidental
A música moderna e contemporânea

O JAZZ E SUA INFLUÊNCIA

O jazz nasceu por volta de 1890, na cidade de Nova Orleans, no sul dos EUA,
combinando ritmos da música africana com sons e instrumentos da música europeia. Estilo
totalmente novo, rapidamente espalhou sua influência pelo mundo todo, tanto na chamada música
erudita quanto na popular. Com a vitória na 1ª Grande Guerra Mundial, Paris, cheia de soldados
americanos, encantou-se com as “jazz-bands” que os soldados divulgaram.
Em fins dos anos 20, Pixinguinha organizou o conjunto “Oito Batutas”, do qual faziam
parte ele próprio, José Alves, Luís Silva, Jacó Palmieri, China (seu irmão), Nélson Alves, João
Pernambuco, Raul Palmieri e Donga. O conjunto foi a Paris e fez enorme sucesso com a dança do
maxixe. E voltaram ao Brasil com as influências das “jazz-bands”: baterias, mais sopros, banjos, etc.

Uma das formações do conjunto Oito Batutas: Pixinguinha está ao centro, com seu saxofone.

Os gêneros do jazz daquela época eram o “shimmy”, o “charleston”, o “black- botton”

e, sobretudo o “fox-trot”. Este último adaptou-se à música brasileira sob a forma de “fox-canção”,
produzindo algumas das mais importantes obras da MPB, como Nada Além, de Mário Lago e
Custódio Mesquita, lançada em 1938.

Compositores como Debussy, Stravinsky e Ravel usaram livremente a influência

jazzística em suas obras.

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 O MODERNISMO NO BRASIL

As novas tendências nas artes e na literatura tiveram grande repercussão no Brasil,

onde já havia jovens inquietos contra o academicismo reinante e à submissão aos padrões
estéticos europeus. Esses rebeldes se uniram em um empreendimento interdisciplinar que
culminou na Semana da Arte Moderna de 1922, em São Paulo. Da área musical
participaram a grande pianista Guiomar Novaes e Villa-Lobos, o compositor brasileiro de
maior prestígio internacional. A Semana foi um manifesto contra o passado e contra seus
preconceitos e tabus. Foi quando se criou o Movimento Antropófago (ou Antropofágico),
cujo objetivo era “devorar todas as artes, com o fim de as assimilar”. Bem mais tarde, nos
anos 60, jovens da MPB reeditaram a simbologia Antropofágica em um movimento que foi
batizado de Tropicalismo.

Villa-Lobos (Rio de Janeiro,

05/03/1887 – Rio de Janeiro,
17/11/1959)–Tocava violoncelo
em cinemas, teatros e cafés.
Também tocava violão em
rodas populares de choro. Dos
18 aos 26 anos aventura-se
pelo Norte do Brasil, tocando,
compondo e recolhendo
impressões sonoras que usará
em suas futuras composições.
Em Paris, regeu suas próprias
obras com enorme sucesso.
Sua música mistura materiais
tipicamente brasileiros dentro
de formas próprias da música
clássica. Ele foi capaz de juntar
na mesma obra o estilo de J. S.
Bach (compositor do barroco
alemão) e instrumentos
exóticos, como nas Bachianas
Brasileiras.

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 História da música popular brasileira (MPB)
Nossa música é riquíssima em estilos, gêneros e movimentos. A partir do século
XX, a produção musical se diversificou, acompanhando as inúmeras novidades técnicas
que foram surgindo: desde a gravação sonora que permitiu o registro das músicas, até o
rádio, a televisão e a internet. Vamos fazer um breve passeio por essa história!

Gêneros e movimentos musicais nacionais

A história do samba

Origem da palavra “SAMBA”

O nome samba é, provavelmente, originário da palavra angolana semba, um ritmo

religioso, que significa umbigada, devido à forma como era dançado. O primeiro registro
da palavra "samba" aparece na revista “O Carapuceiro”, de Pernambuco, em 3 de
fevereiro de 1838, quando Frei Miguel do Sacramento Lopes Gama escreve contra o que
chamou de "samba d'almocreve".
O samba é uma das principais formas de música com raízes africanas criadas no
Brasil. O samba carioca possivelmente recebeu muita influência de ritmos da Bahia, com a
transferência de grande quantidade de escravos para as plantações de café no Estado do
Rio, onde ganhou novos contornos, instrumentos e histórico próprio, de forma tal que o
samba moderno, como gênero musical, surgiu no início do século 20, na cidade do Rio de
Janeiro, mais especificamente na Praça Onze, reduto que ficou conhecido como a
“Pequena África”, por conter uma enorme população de afro-brasileiros.

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 A “Deixa Falar”

Fundada em 1928 no Estácio, a Deixa Falar é considerada a primeira Escola de

Samba. Os “bambas” do Estácio criaram um novo tipo de carnaval para tentar acabar com
a violência nos blocos e cordões, reduto dos foliões afrodescendentes. “Os sambistas do
Estácio estavam cansados de apanhar da polícia”, conta Maria Thereza, biógrafa de Ismael
Silva, o mais emblemático desses “bambas”.

O início das escolas

As primeiras agremiações não tinham enredo ou samba definidos. Os mestres de

canto puxavam os versos e os foliões repetiam, mostrando ao público duas ou três
músicas compostas durante o ano. A grande novidade da Deixa Falar foi incluir
instrumentos de percussão nos desfiles. Isso porque até meados dos anos 20, os sambas
eram acompanhados apenas por violões, pandeiros, violinos e até castanholas.

Ismael Silva

Em entrevista ao jornal Correio da Manhã nos anos 60, Ismael Silva explicou a
origem do nome ”Deixa Falar”:
“Naquela época, existia uma grande rivalidade entre os blocos e todos se
achavam superiores. O pessoal do Estácio dizia: "Deixa falar!". Eles achavam que os
sambistas de lá eram melhores e não admitiam que ninguém pudesse diminuí-los.”
Sobre a origem do termo “Escola de Samba”, Ismael esclareceu: “Perto da
nossa sede ficava a Escola Normal para mulheres. Lá, as professoras ensinavam a
cozinhar e na “Deixa Falar” a gente ensinava o samba. Ficou então escola de samba.”

As primeiras músicas de carnaval

Antigamente, não era costume os compositores criarem músicas,

especialmente para o carnaval. A primeira compositora a fazer uma música
especialmente para o carnaval foi Chiquinha Gonzaga, que criou a marchinha “Ó Abre
Alas”, em homenagem ao rancho Rosa de Ouro.

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 A pioneira Chiquinha Gonzaga

O primeiro samba gravado: “Pelo Telefone”

O primeiro samba carnavalesco foi gravado em 1917 pela Casa Edison (veja o selo
Odeon do disco abaixo).
“Pelo Telefone” foi registrado por Donga e Mauro de Almeida, sambistas
frequentadores da casa da Tia Ciata onde o samba foi composto, fato que deu origem a
uma grande briga pelos direitos autorais, já que outros sambistas da época
reivindicaram sua autoria, como é o caso do compositor Sinhô.

O selo do disco de 1917

As primeiras gravações (o fonógrafo)

O primeiro fonógrafo, inventado por Edison, chegou ao Brasil ainda no século XIX.
O pioneiro em gravar os sons (discursos, falas e posteriormente músicas) no Brasil foi Fred
Figner, um imigrante Tcheco, de origem judaica que fundou a primeira gravadora
brasileira, a Casa Edison.
Em 1902 A Casa Edison iniciou a gravação musical no país, gravando inúmeras
obras entre maxixes, polcas, lundus e choros.

Thomas Edison e sua genial invenção

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 A Era do Rádio
Entre 1940 e 1950, a música popular brasileira viveu um momento de especial
riqueza, tendo como principal meio de difusão o Rádio. Inúmeros artistas (compositores e
cantores) tornaram-se famosos com os programas de auditório levados aos ouvintes pelas
ondas do rádio.
Naquela época, não havendo televisão, os jovens brasileiros estavam sintonizados
diariamente às principais emissoras de rádio, cujos prefixos sempre iniciavam com um PR
(de prefixo). A primeira rádio brasileira foi a Rádio Sociedade do Rio de Janeiro (cujo
prefixo era PRA-A), que entrou no ar em 1923. O pioneiro do rádio no Brasil foi Roquette
Pinto.
A partir dos anos 1940, começaram a aparecer outras emissoras como a
Rádio Mayrink Veiga e a Rádio Nacional. Esta última se tornou a mais popular de
todas, principalmente por causa da programação musical, por conta dos famosos
programas de auditório apresentados por Ary Barroso e César de Alencar, entre
outros.

Ary Barroso, o mais famoso apresentador e radialista

brasileiro, foi também um grande pianista e compositor de
sambas e canções inesquecíveis como “Aquarela do Brasil”.

A Rádio Nacional, entre outros programas famosos, teve em sua programação o

lendário programa PRK-30, comandado por Lauro Borges e Castro Barbosa.

Auditório lotado na Rádio Nacional

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 Tipo de programação das rádios na época: A programação das rádios como a
Nacional consistia em programas de música, rádio-novela, programas de humor,
programas esportivos, todos realizados ao vivo em seus auditórios abertos ao
público. Na programação musical, os cantores se apresentavam acompanhados de
orquestras ou conjuntos musicais, muitas vezes com o auditório lotado. A Rádio
Nacional foi responsável pelo sucesso de inúmeros artistas, entre cantores e
compositores.

Cantores e cantoras: os ídolos do rádio no Brasil

O Rádio brasileiro lançou inúmeros artistas, entre compositores e cantores. Nas

fotos abaixo podemos ver alguns deles: Emilinha Borba, Carmen Miranda, Orlando Silva,
Sílvio Caldas e Francisco Alves.

Três grandes ídolos do Rádio brasileiro: Carmen Miranda, Emilinha Borba e Chico Alves.

“Oficialmente”, podemos dizer que a Bossa Nova começou num dia de agosto
de 1958, quando chegou às lojas de discos um disco duplo de 78 rotações, do selo
ODEON, do cantor e violonista João Gilberto. O disco é um marco, pois trazia a música
que dava título ao LP, Chega de Saudade (de Tom Jobim e Vinícius de Moraes).

João Gilberto é hoje uma dos mais conhecidos artistas brasileiros, justamente
porque sua trajetória se confunde com o gênero Bossa Nova. Sua inovadora “batida”
de violão e seu jeito coloquial de cantar são características incorporadas ao gênero
musical que se tornou um símbolo do Brasil no exterior.

Antes de lançar seu disco, João já havia participado, com seu violão moderno,
de outro importante disco do novo gênero. Trata-se de Canção do Amor Demais,
da cantora Elizeth Cardoso. A canção que dava título ao disco também era de
Tom e Vinícius, considerados os “papas” da Bossa Nova.

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 A capa do disco Chega de Saudade de João Gilberto, com a canção de Tom Jobim (ao piano) e
Vinícius de Moraes, seu parceiro poeta e diplomata.

Tom Jobim e Vinícius de Moraes deixaram uma obra vastíssima com músicas
que hoje são grandes sucessos: “Garota de Ipanema”, “Chega de Saudade”, “Canção
do amor demais”, “Se todos fossem iguais a você”, “Eu sei que vou te amar”, entre
outras.
Tom teve outros parceiros também. Newton Mendonça é autor da letra em
“Samba de uma nota só” e “Desafinado”, dois grandes sucessos do gênero.
É importante registrar o famoso show do Carnegie Hall em Nova Iorque,
quando Tom Jobim e Vinícius de Moraes, ao lado de outros artistas, apresentaram suas
canções à América. O show rendeu diversos convites de trabalho e abriu as portas para
a música brasileira. Frank Sinatra passou a gravar vários sucessos da dupla brasileira,
como “Garota de Ipanema”, a música mais gravada em todo o mundo.

Vinícius – o Filme

A montagem de um pocket show em homenagem a Vinícius de Moraes por dois atores

(Camila Morgado e Ricardo Blat) é o ponto de partida para reconstituição de sua
trajetória. O documentário mostra a vida, a obra, a família, os amigos, os amores de
Vinícius de Moraes, autor centenas de poesias e letras de música. A essência criativa
do artista e filósofo do cotidiano e as transformações do Rio de Janeiro através de raras
imagens de arquivo, entrevistas e interpretações de muitos de seus clássicos. A direção é
de Miguel Farias. Vale ver e conferir!

O filme “Vinícius” conta a história do poeta da Bossa Nova.

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37
 Outros artistas da Bossa Nova

A Bossa Nova é um gênero musical que já comemorou seus 50 anos de

atividades! Ainda está viva na produção contemporânea. Muitos artistas brasileiros
mantêm seu trabalho atrelado ao gênero, como é o caso de:

Roberto Menescal – Um dos mais influentes artistas ligados à Bossa Nova.

Produtor, arranjador, compositor (O Barquinho), cantor e violonista (guitarrista), é
um dos mais ativos representantes do gênero no Brasil e no mundo.

Roberto Menescal

Carlos Lyra – Um dos grandes compositores do gênero. É autor das músicas de

um importante espetáculo chamado “Pobre Menina Rica”, que realizou com
Vinícius de Moraes.

Wanda Sá – A cantora, compositora e violonista tem atuado ao lado de Menescal,

no Brasil e no mundo, principalmente no Japão.

Joyce – A compositora, violonista e cantora também garantiu seu nome no seleto time
da Bossa Nova. Atua no Brasil e no exterior, sempre com muito sucesso.

Tamba Trio – Um dos mais importantes conjuntos de Bossa Nova. Conjunto

formado pelo já falecido Luiz Eça (piano, voz e arranjos), Bebeto Castilho
(contrabaixo, flauta, sax e voz) e Hélcio Milito (bateria, percussão e voz). Primeiro
grupo estável de música instrumental, que tocava bossa nova e que exerceu
substancial influência nos padrões de execução musical fora do canto e do violão.

Johnny Alf – O pianista, compositor e cantor é considerado um precursor da

Bossa Nova, pelo estilo de tocar seu piano moderno.

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 A Jovem Guarda

A Jovem Guarda foi um gênero musical surgido na metade dos anos 60. Foi o
equivalente nacional ao movimento liderado pelos Beatles, banda inglesa surgida nos
anos 1960, mesclando letras românticas e descontraídas com guitarras elétricas,
ditando um novo comportamento voltado para a juventude: a moda das calças Saint
Tropez, das minissaias, dos cabelos compridos para os rapazes, das blusas com
babados e das gírias como “é uma brasa mora”, “brotinho”, “é papo firme”, entre
outras.

As roupas, as gírias foram novos comportamentos criados

pelos artistas do movimento Jovem Guarda.

O gênero tem esse nome devido ao programa homônimo que reunia as

maiores estrelas do movimento, como Ronnie Von, Martinha, Eduardo Araújo,
Wanderley Cardoso, Jerry Adriani e as bandas “Os Incríveis”, “Renato e seus Blue
Caps”, “Golden Boys” e “The Fever”. Apresentado por Roberto Carlos, Erasmo Carlos e
Wanderléia (Calhambeque, Tremendão e Ternurinha), fez um grande sucesso entre o
público jovem, impulsionando a venda de produtos relacionados à marca e estética da
Jovem Guarda.
Entre os sucessos da Jovem Guarda estão: “Quero Que Vá Tudo Pro Inferno” e
“O Calhambeque” (Roberto Carlos); “Festa de Arromba” (Erasmo Carlos); “Biquíni de
Bolinha Amarelinha” (Celly Campello e Ronnie Cord); “O Bom” (Eduardo Araújo).
O programa Jovem Guarda estreou em 1965 e terminou em 1969. Junto
também terminou o movimento da Jovem Guarda, que perdeu muita força na época
para a Tropicália. Segundo Erasmo Carlos: “A Tropicália era uma Jovem Guarda com
consciência das coisas, e nos deixou num branco total.” O movimento iê-iê-iê e suas
guitarras elétricas influenciaram tanto a Tropicália quanto a música da MPB dos anos
70 até os dias de hoje.

Os quatro “garotos” de Liverpool (The Beatles) foram

uma grande inspiração para a juventude brasileira.

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 O trio principal do movimento: Roberto Carlos, Wanderléia e Erasmo Carlos.

O tempo dos Festivais da Canção

Os Festivais da Canção, que tiveram seu auge no fim dos anos 60, foram
eventos musicais que possuíam um apelo similar a de uma final de Copa do Mundo dos
dias de hoje, tamanha era a mobilização da população que, literalmente, vestia a
camisa de seu cantor e/ou música preferida, comportando-se como um verdadeiro
torcedor.
Em abril de 1965, ocorreu o primeiro festival de música popular brasileira
transmitido pela TV Excelsior, de São Paulo. Devido ao sucesso retumbante, a
emissora promoveu, no ano seguinte, a segunda edição do evento, novamente
cercado de pleno êxito. Foi tão grande a repercussão que a TV Record (SP) também
decidiu investir no modelo e criou o seu próprio festival, ainda no ano de 1966. Em
1967 foi realizado o III Festival de Música Popular Brasileira, pela TV Excelsior, a
versão mais famosa de todas, que revelou vários novos compositores e intérpretes que
acabaram escrevendo um pouco da história da música brasileira, como Chico Buarque,
Caetano Veloso, Gilberto Gil e Elis Regina.
Paralelamente aos festivais paulistas, a então iniciante TV Globo lançou o
Festival Internacional da Canção (FIC), que tinha o seu maior destaque na eliminatória
brasileira, também lançando nomes definitivos na nossa música, como Milton
Nascimento, Ivan Lins, Raul Seixas, Beth Carvalho e muitos e muitos outros.

O que se cantava na década de 1960?

Ao falar-se em música brasileira da década de 60, deve-se pensar em

quatro gêneros: Jovem Guarda, Bossa Nova, Tropicália e MPB, que, por sua
vez, eram divididos em dois grupos: os “alienados” (Jovem Guarda e Bossa
Nova) e os “engajados” (MPB e Tropicália).

Elis Regina, Jair Rodrigues, Nara Leão e Chico Buarque:

artistas que se consagraram nos festivais.
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 QUADRO GERAL DAS POSIÇÕES DA FLAUTA DOCE
SOPRANO

 REPERTÓRIO BASE E PRÁTICA DE CIFRA

Carruagem de Fogo Esporte espetacular

(2x) Ré ré dó si si lá lá
dó fá sol lá sol mi Si si lá sol ré dó dó
dó fá sol lá sol Sol lá si
dó fá sol lá sol mi Si si lá sol mi
mi fá mi dó dó Si si lá sol mi ré ré

(2x)
Dó si lá sol si sol lá mi sol Viva La Vida
Dó si lá sol si
Dó si lá sol si sol lá mi sol Dó dó dó dó ré ré
mi fá mi dó dó
Ré ré ré sol sol sol sol

Mi mi mi mi mi

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Trem Bala (Ana Vilela)
Intro: A D A E E
Contigo em todas as situações
Estrofe: Refrão:
A D
Não é sobre ter A gente não pode ter tudo
D E
Todas as pessoas do mundo pra si Qual seria a graça do mundo
A A
É sobre saber Se fosse assim
E D
Que em algum lugar alguém zela por ti Por isso eu prefiro sorrisos
E
A E os presentes que a vida trouxe
É sobre cantar e poder escutar A
D Pra perto de mim
Mais do que a própria voz
A Estrofe:
É sobre dançar
E Não é sobre tudo
Na chuva de vida que cai sobre nós D
Que o seu dinheiro é capaz de comprar
A
E sim sobre cada momento
Refrão: E
Sorriso a se compartilhar
D
É saber se sentir infinito A
E Também não é sobre
Num universo tão vasto e bonito
A Correr contra o tempo
É saber sonhar D
D Pra ter sempre mais
Então fazer valer a pena A
E Porque quando menos se espera
Cada verso daquele poema E
A A vida já ficou pra trás
Sobre acreditar
Refrão:
Estrofe:
D
Não é sobre chegar Segura teu filho no colo
D E
No topo do mundo e saber que venceu Sorria e abraça os teus pais
A A
É sobre escalar Enquanto estão aqui
E
E sentir que o caminho te fortaleceu D
Que a vida é trem bala, parceiro
A E
É sobre ser abrigo E a gente é só passageiro
D A
E também ter morada em outros corações Prestes a partir
A
E assim ter amigos D E A

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 HINOS OFICIAIS

HINO NACIONAL BRASILEIRO

Poema: Joaquim Osório Duque Estrada
Música: Francisco Manoel da Silva

I II

Ouviram do Ipiranga as margens Deitado eternamente em berço

plácidas esplêndido,
De um povo heroico o brado Ao som do mar e à luz do céu profundo,
retumbante, Fulguras, ó Brasil, florão da América,
E o sol da liberdade, em raios fúlgidos, Iluminado ao sol do Novo Mundo!
Brilhou no céu da Pátria nesse instante.
Do que a terra mais garrida
Se o penhor dessa igualdade Teus risonhos, lindos campos têm mais
Conseguimos conquistar com braço flores;
forte, "Nossos bosques têm mais vida",
Em teu seio, ó liberdade, "Nossa vida" no teu seio "mais
Desafia o nosso peito a própria morte! amores".

Ó Pátria amada, Ó Pátria amada,

Idolatrada, Idolatrada,
Salve! Salve! Salve! Salve!

Brasil, um sonho intenso, um raio Brasil, de amor eterno seja símbolo

vívido O lábaro que ostentas estrelado,
De amor e de esperança à terra desce, E diga o verde-louro desta flâmula
Se em teu formoso céu, risonho e -- Paz no futuro e glória no passado.
límpido,
A imagem do cruzeiro resplandece. Mas, se ergues da justiça a clava forte,
Verás que um filho teu não foge à luta,
Gigante pela própria natureza, Nem teme, quem te adora, a própria
És belo, és forte, impávido colosso, morte.
E o teu futuro espelha essa grandeza.
Terra adorada
Terra adorada, Entre outras mil,
Entre outras mil, És tu, Brasil,
És tu, Brasil, Ó Pátria amada!
Ó Pátria amada!
Dos filhos deste solo és mãe gentil, Dos filhos deste solo és mãe gentil,
Pátria amada, Pátria amada,
Brasil! Brasil!

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 HINO DA INDEPENDÊNCIA

Letra: Evaristo da Veiga

HINO OFICIAL DA SEFEP Música: D. Pedro I.

Letra: Adiléa Maisa Pedro Pereira

Musica: Silas de Souza
Já podeis da Pátria filhos,
Ver contente a mãe gentil;
Questionar eis a questão Já raiou a liberdade
No horizonte do Brasil.
Nesta busca aqui estamos
Estudando e pesquisando Brava gente brasileira!
Pois assim queremos descobrir Longe vá... temor servil:
O que há de melhor na vida Ou ficar a pátria livre
Viver para investir. Ou morrer pelo Brasil.

Os grilhões que nos forjava

Só quem realmente aprende Da perfídia astuto ardil...
Pode um dia ensinar Houve mão mais poderosa:
A Sociedade Fernando Pedro Zombou deles o Brasil.
No dia a dia vai participar
Do processo da educação Brava gente brasileira!
E o Brasil vai melhorar. Longe vá... temor servil:
Ou ficar a pátria livre
Ou morrer pelo Brasil.
REFRÃO
Não temais ímpias falanges,
Aprender a amar
Que apresentam face hostil;
Saber aprender. Vossos peitos, vossos braços
Família, alunos e mestres. São muralhas do Brasil.
Todos juntos precisamos assim viver.
Brava gente brasileira!
Quando aqui chegamos Longe vá... temor servil:
Temos muito pra criar. Ou ficar a pátria livre
Ou morrer pelo Brasil.
Ambiente sadio e alegre
Queremos proporcionar. Parabéns, ó brasileiro,
Amar a Deus e ao próximo Já, com garbo varonil,
Aprendemos neste lugar. Do universo entre as nações
Resplandece a do Brasil.

Brava gente brasileira!

Longe vá... temor servil:
Ou ficar a pátria livre
Ou morrer pelo Brasil

44
36
HINO À BANDEIRA

Salve lindo pendão da esperança!

Salve símbolo augusto da paz!
Tua nobre presença à lembrança
A grandeza da Pátria nos traz.
Recebe o afeto que se encerra
em nosso peito juvenil,
Querido símbolo da terra,
Da amada terra do Brasil!

Em teu seio formoso retratas

Este céu de puríssimo azul,
A verdura sem par destas matas,
E o esplendor do Cruzeiro do Sul. Recebe o afeto que se encerra
Em nosso peito juvenil,
Querido símbolo da terra,
Da amada terra do Brasil!

Contemplando o teu vulto sagrado,

Compreendemos o nosso dever,
E o Brasil por seus filhos amados,
poderoso e feliz há de ser! Recebe o afeto que se encerra
Em nosso peito juvenil,
Querido símbolo da terra,
Da amada terra do Brasil!

Sobre a imensa Nação Brasileira,

Nos momentos de festa ou de dor,
Paira sempre sagrada bandeira
Pavilhão da justiça e do amor!
Recebe o afeto que se encerra
Em nosso peito juvenil,
Querido símbolo da terra,
Da amada terra do Brasil!

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Referências Bibliográficas

BENNETT, Roy. Forma e Estrutura na Música. Rio de Janeiro: Zahar Ed., 1986.
BENNETT, Roy. Como Ler uma partitura. Rio de Janeiro: Jorge Zahar, 1990.
BENNETT, Roy. Elementos básicos da música. Rio de Janeiro: Jorge Zahar, 1998.
GROUT, D. J & PALISCA, C. V. História da Música Ocidental. Lisboa: Gradiva, 2001.
MASSIN, Brigitte e Jean. História da Música Ocidental. Rio de Janeiro: Nova Fronteira,
1998.
SCHAFER, Murray R. O Ouvido Pensante. São Paulo: UNESP, 2003.
SCLIAR, Esther. Elementos de Teoria Musical. São Paulo: Novas Metas, 1985.
SWANWICK, Keith. Ensinando música musicalmente. Rio de Janeiro: Editora Moderna,
2003.
VENEZIANO, Neyde. O teatro de revista. In: O TEATRO através da história. Rio de
Janeiro: Centro Cultural Banco do Brasil, 1994.
WISNIK, José Miguel. O Som e o Sentido. São Paulo: Cia da Letras, 1999.

Enciclopédias e dicionários

500 Anos da Música Popular Brasileira – com CD homônimo – Edição do Museu da

Imagem e do Som (MIS-RJ), 2001.
Dicionário GROVE de Música - Edição concisa. Rio de Janeiro: J. Zahar.

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