El arte pop (del inglés Pop-Art, "Arte Popular") fue un movimiento artístico surgido a finales de los

años cincuenta en Inglaterra y en los Estados Unidos; sus características son el empleo de imágenes y
temas tomados del mundo de la comunicación de masas aplicados a las artes visuales. Se puede decir
que subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo. El término "Pop-Art" fue utilizado por
primera vez por el crítico británico Laurence Alloway en 1958 al definir las obras de Richard Hamilton y
Eduardo Paolozzi entre otros; otro crítico -Lewis Gennig- puso énfasis en esta denominación hacia
1962 para definir el arte que algunos jóvenes estaban haciendo con el empleo de imágenes populares,
de este modo quedó relegado el término Neo-Dada o neodadaísmo para la entonces nueva corriente
estética.

Puede afirmarse que el arte pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una
cultura (pop) caracterizada por la tecnología, el capitalismo, la moda y el consumismo, donde los
objetos dejan de ser únicos para ser pensados como productos en serie. En este tipo de cultura
también el arte deja de ser único y se convierte en un objeto más de consumo. "La razón por la que
pinto de este modo es porque quiero ser una máquina", afirmaba el máximo exponente del
movimiento, Andy Warhol. También es simbólica la afirmación de Richard Hamilton con respecto a su
deseo de que el arte fuera "efímero, popular, barato, producido en serie, joven, ingenioso". Todas
ellas, serían cualidades equivalentes a las de la sociedad de consumo.

El dadá o dadaísmo fue un movimiento antiarte surgido en Zurich (Suiza) en 1916, que se caracterizó
por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las
convenciones con respecto al arte, creando una especie de anti-arte o rebelión contra el orden
establecido.

Dadá se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de
toda tradición o esquema anterior. En el fondo es un antihumanismo entendiendo por humanismo la
tradición anterior, tanto filosófica como artística o literaria. No por casualidad en una de sus primeras
publicaciones había escrito como cabecera la siguiente frase de Descartes: «No quiero ni siquiera
saber si antes de mí hubo otro hombre.»

El movimiento dadaísta es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético porque cuestionan la

Dadá se manifiesta contra la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la
lógica, contra la inmovilidad del pensamiento, contra la pureza de los conceptos abstractos y contra lo
universal en general. Propugna, en cambio, la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad,
lo inmediato, actual y aleatorio, la crónica contra la intemporalidad, la contradicción, el no donde los
demás dicen sí y el sí donde los demás dicen no; defiende el caos contra el orden y la imperfección
contra la perfección. Por tanto en su rigor negativo también está contra el modernismo, es decir, el
expresionismo, el cubismo, el futurismo y el abstraccionismo, acusándolos, en última instancia, de ser
sucedáneos de cuanto ha sido destruido o está a punto de serlo. La estética dadá niega la razón, el
sentido, la construcción del consciente. Sus formas expresivas son el gesto, el escándalo, la
provocación. Para dadá la poesía está en la acción y las fronteras entre arte y vida deben ser abolidas.

La expansión del mensaje dadá fue intensa, amplia y tuvo repercusiones en todos los campos
artísticos, En Alemania encontró adeptos entre los intelectuales y artistas que apoyaban el movimiento
espartaquista (movimiento revolucionario que intentó una revolución socialista). En Francia ganó las
simpatías de escritores como Breton, Louis Aragon y el poeta italiano Ungaretti.

El aporte permanente del dadaísmo al arte moderno es el cuestionamiento continuo de qué sea el arte
o qué sea la poesía; la conciencia de que todo es una convención que puede ser cuestionada que por
tanto no hay reglas fijas y eternas que legitimen de manera ahistórica lo artístico. Gran parte de lo
que el arte actual tiene de provocación viene de dadá, la mezcla de géneros y materias propia del
collage también deben mucho a dadá.

En poesía el dadaísmo abre el campo para la llegada del surrealismo y ayuda a crear un lenguaje
poético libre y sin límites. Para entender qué es la estética dadá en el mundo de la poesía nada mejor
que recoger los consejos que Tzara propone para hacer un poema dadaísta:

Tomad un periódico.
Tomad unas tijeras.
Elegid en el periódico un artículo que tenga la longitud que queráis dar a vuestro poema.
Recortad el artículo.
Recortad con todo cuidado cada palabra de las que forma tal artículo y ponedlas todas en un saquito.
Agitad dulcemente.
Sacad las palabras una detrás de otra, colocándolas en el orden en que salgan.
Copiadlas concienzudamente.
El poema está hecho.

El movimiento dadaísta dejó las revistas y manifiesto que sin duda son la mejor prueba de sus
propuestas pero, por definición, no existe una obra dadá. Lo propio del dadaísmo eran las veladas
dadá realizadas en cabarets o galerías de arte en la que se mezclaban fotomontajes con frases
aisladas, palabras, pancartas, recitales espontáneos y un ceremonial continuo de provocación.

Éstas son las características del neo dadaismo en el arte:

- Rechazo del expresionismo abstracto e intento de volver a poner el arte en contacto con el mundo y
la realidad objetual.

- Lenguaje figurativo y realista referido a las costumbres, ideas y apariencias del mundo
contemporáneo.

- Temática extraída del medio ambiente urbano de las grandes ciudades, de sus aspectos sociales y
culturales: comics, revistas, periodicos sensacionalistas, fotografías, anuncios publicitarios, cine, radio,
televisión, música, espectáculos populares, elementos de la sociedad de consumo y del bienestar
(alimentos enlatados, neveras, coches, autopistas, gasolineras, etc.).

- Ausencia de planteamiento crítico: los temas son concebidos como simples "motivos" que justifican
el hecho de la pintura.

- Tratamiento pictórico de forma no tradicional: aunque el lenguaje es figurativo y representa objetos

- Representación de carácter inexpresivo, preferentemente frontal o repetitiva.

- Combinación de la pintura con objetos reales integrados en la composición de la obra (las combine
paintings de Rauschemberg): flores de plástico, botellas, etc., en un nuevo planteamiento dadaísta
acorde con los nuevos tiempos (neo dadaísmo).

- Preferencia por las referencias al "status" social, la fama, la violencia y los desastres (Warhol), la
sexualidad y el erotismo (Wesselmann, Ramos), los signos de la tecnología industrial y la sociedad de
consumo (Ruscha, Hamilton, etc.).

- Formas y figuras a escala natural y ampliada (los grandes formatos de las imágenes de tebeo de
Liechtenstein).

- Iconografía estilizante, principalmente formas planas y volumen esquemático. .

- Colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados en la industria y los objetos de
consumo.

El Arte Pop fue un movimiento artístico surgido a mediados de los años 1950 en el Reino unido y
finales de los años 1950 en los Estados Unidos. El arte pop desafió la tradición afirmando que el
empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación es contiguo con la
perspectiva de las Bellas artes dado que el Pop remueve el material de su contexto y aísla al objeto o
lo combina con otros elementos para su contemplación. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis
al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen.
El arte pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el uso de temas
y técnicas basados en dibujos proveniente de la «cultura popular», tales como en anuncios
publicitarios, libros de comics y objetos culturales «mundanos». El arte pop es comúnmente
interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto. El
arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura
existente en el arte, además que buscaba enfatizar el aspecto banal o kitsch de algún elemento
cultural, a menudo a través del uso de la ironía.
La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas
conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El arte pop
y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto
precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más
tempranos de éste.
Orígenes
Los orígenes del arte pop se encuentran en el dadaísmo y su poca importancia puesta en el objeto de
arte final. Sin embargo el Arte Pop descarga de la obra de arte, toda la filosofía anti-arte del Dadá y
encuentra una vía para construir nuevos objetos a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana, al
igual que Duchamp había hecho con sus ready-mades. En cuanto a las técnicas también toma del
dadaísmo el uso del collage y el fotomontaje
El origen del arte pop en Estados Unidos y en el Reino unido tuvieron un motivo diferente. En Estados
Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hard edge (traducido como «dibujo de contornos nítidos»)
y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e
impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo
abstracto. En contraste, el origen en la Bretaña de la post-guerra, aunque también utilizaba la ironía y
la parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura
popular norteamericana, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y
manipuladores que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de
la sociedad. El arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar entonces como una serie de ideas
alimentadas por la cultura popular norteamericana vista desde lejos, mientras que los artistas
norteamericanos estaban inspirados en la experiencia de vivir dentro de dicha cultura. De cualquier
forma, el arte pop también es la continuación de ciertos aspectos del expresionismo abstracto, tal
como la creencia en las posibilidades de hacer arte, sobre todo en obras de grandes proporciones.
Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraban los mismos sujetos, el arte pop reemplazaba los
impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del movimiento Dada. Entre los artistas considerados
como precursores del movimiento pop están Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Kurt Schwitters y Man
Ray.
En el Reino Unido: El grupo independiente
El Grupo independiente, fundado en Londres en 1952, es reconocido como el precursor del
movimiento artístico pop. Eran un grupo de jóvenes pintores, escultores, arquitectos, escritores y
críticos que desafiaban la visión modernista de la cultura así como la perspectiva tradicional de ver las
Bellas artes. Las discusiones del grupo se centraban en la cultura popular y la implicación de la
aparición de dichos elementos de comerciales, películas , tiras cómicas, ciencia ficción y la tecnología.
Durante la primera reunión del Grupo independiente en 1952, el co-fundador, artista y escultor
Eduardo Paolozzi presentó una lectura utilizando una serie de collages titulado Bunk!, el cual había
ensamblado durante su estancia en París entre 1947 y 1949. El material consistía en «objetos
encontrados» tales como anuncios, personajes de tiras cómicas, portadas de revistas y material
gráfico que representaba la cultura norteamericana. Una de las imágenes utilizada en dicha
presentación fue un collage de 1947 de Paolozzi titulado I was a Rich Man's Plaything, el cual incluye
la primera vez en que se utilizó la palabra “pop!″, la cual aparecía en una nube de humo que emergía
de un revólver. Después de dicha presentación, el grupo independiente se enfocó principalmente en el
uso de imágenes de la cultura norteamericana, principalmente aquellas que aparecían en los medios
de comunicación masivos.
El término arte pop fue acuñado finalmente por John McHale en 1954 con la finalidad de describir el
movimiento. Éste fue utilizado en las discusiones del Grupo independiente durante su segunda sesión
realizada en 1955 y la primera aparición de dicho término en una publicación impresa tuvo lugar en
1956, en un artículo publicado en Arc por parte de los miembros del Grupo Alison y Peter Smithson.
sin embargo el término generalmente es acreditado al crítico y curador británico Lawrence Alloway,
quien en un ensayo titulado The Arts and the Mass Media (las artes y los medios masivos) de 1958
utilizó el término «popular mass culture» (cultura popular de las masas).
Entre los artistas mas destacados de esta arte fueron:
Billy Apple
Sir Peter Blake
Derek Boshier
Patrick Caulfield
Alan D’Arcangelo
Jim Dine
William Eggleston
Erró

Marisol Escobar
Red Grooms