5 Obras de Artistas Del Continente Americano
5 Obras de Artistas Del Continente Americano
5 Obras de Artistas Del Continente Americano
Pinturas
Fernando Botero (Colombia 1932): Este
pintor figurativo es famoso por distorsionar
las formas hacia una gordura extrema. Sus
pinturas y esculturas son fáciles de
identificar. Es uno de los artistas
latinoamericanos vivos más cotizados hoy en
día
Diego Rivera (México 1886-1957): Este famoso muralista mexicano fue rodeado siempre de escándalo:
comunista y ateo, llegó a pintar para el mismo Rockefeller. Triunfó en vida, su obra tiene raíces netamente
latinas.
https://es.wikipedia.org/wiki/Los_embajadores
Frida Kahlo (México 1907-1954): Pasó desapercibida
como artista en vida y fue opacada por la fama de su
marido Diego Rivera. Fue tras su muerte qué se valorizó
su obra y se apreció su pintura naive en las formas pero
terrible en lo emocional. Frida exponía su vida en cada
cuadro.
Roberto Matta (Chile 1911-2002): Se codeo con Bretón y con la cuna del movimiento surrealista. Su vida la
paso entre Europa y Sudamérica. Fue un acérrimo opositor a la dictadura militar de su país natal.
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Nombre de la obra: A grave situación
Joaquín Torres García (Uruguay 1864 – 1949): Este pintor se consolido como artista en España pero alcanzó
fama en sud América como precursor del constructivismo. Su obra no es fácil de entender pero es primordial
en el arte de Latinoamérica.
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5 obras de artistas del continente americano:
Pinturas abstractas.
https://es.wikipedia.org/wiki/Los_embajadores
KARIN DAVIE: Las formas
redondeadas y retorcidas
de pintura han hecho
famoso a este pintor. Es
espacio que logra generar
con los tremendos
brochazos de materia
pictórica sorprenden a la
vista y configuran unas
formas vivas, que se están
formando y moviendo sobre
un fondo que las empuja
hacia delante. Cuadros muy
efectistas.
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DANIEL HESIDENCE:
Mucha pintura, empastes,
color y materia que lucha
entre si. Muy caótico y
expresivo, sus obras
desprenden mucha fuerza.
Nombre de la obra: la
perdida
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5 obras de artistas del continente americano:
Arquitectura
Enrique Norten:
Nació en la Ciudad
de México el 27 de
febrero de 1954.
Estudio arquitectura
en la Universidad
Iberoamericana.
Después de
graduarse hizo un
Master en Cornell
University, en Ithaca,
Nueva York. Se ha
desarrollado como
catedrático en
distintas
universidades de
renombre. También,
fundó la revista
Arquitectura y desde
1986 dirige TEN
Arquitectos.
Nombre del hotel: Hotel Americano en el barrio de Chelsea
ss
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Javier Sordo Madaleno: Nació en la Ciudad de México en 1956 y estudió en la Universidad
Iberoamericana de 1947 a 1979 y desde 1982 funge como director general de Sordo Madaleno
Arquitectos S.C. Él asegura que su pasión por la arquitectura la heredó de su padre, Juan Sordo
Madaleno, así como de Luis Barragán. Con su obra ha revolucionado la arquitectura a nivel mundial.
Nombre de la plaza:
Plazas comerciales
Perisur
Bernardo Gómez
Pimienta: Nació el 18
de agosto de 1961 y
tiene dos
nacionalidades:
francesa y mexicana.
Desde 1987 ha
dedicado su vida a la
arquitectura y al diseño
industrial. Actualmente
es director de la
Escuela de Arquitectura
de la Universidad
Anáhuac del Norte e
integrante de la
Academia Nacional de Arquitectura y del
Sistema Nacional de Creadores del Consejo
Nacional para la Cultura y las Artes
(Conaculta). En 2003 creó Bpg, un despacho
multidisciplinario, establecido en la Ciudad de
México, cuya misión es ofrecer una
arquitectura humana pensada para sus
habitantes como un reflejo de su época.
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Miguel Ángel Aragonés: Nació en la Ciudad de México en 1963 y durante más de dos décadas ha
realizado una basta y original obra, además es expositor y conferencista en múltiples universidades
mexicanas y del extranjero. Entre 2002 y 2003 impartió cursos de posgrado en la Universidad Anáhuac
por el que fue merecedor al Premio a la excelencia Académica. Tiene tres libros monográficos de su
obra, entre los que destaca el de L´Arca Edizioni. Actualmente comanda el Taller Aragonés.
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5 obras de artistas del continente americano:
Pinturas
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representándolas como una serie de paredes por las cuales muchos han intentado ver la luz. Nombre
de la obra: vuell villa
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José Gurvich, Uruguay: En 1927,
en un pueblo llamado Jiezna,
Lituania, nació en el seno de una
familia judía bajo el nombre de
Zusmanas Gurvicius. En 1932,
emigró a Uruguay donde pudo
acoplarse muy rápido a la vida del
país. Es una figura central en la
estética del Universalismo
constructivo en Uruguay, en el cual
se intenta representar al ser
humano en concordancia con el
cosmos, así como las dimensiones
metafísicas de la existencia
humana. Nombre de la obra :
imágenes de nueva york
Saturnino Herrán, México: Estrictamente, este pintor es un puente entre el siglo XIX y el XX; nació
en Aguascalientes, México en 1887, y murió muy joven en 1918, con tan sólo 31 años de edad. Se
denomina que es un puente porque fue precursor del discurso estético e ideológico que permeó el arte
en los años posteriores a la Revolución Mexicana. Se identifica como un pintor indigenista y fue un
pintor de gran talento y técnica para plasmar escenas del México precolombino. Su forma de pintar se
ha asociado varias veces a pintores españoles como Velázquez. Nombre de la obra: TIki-toki
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Pinturas del continente americano
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La maja desnuda: La maja desnuda es
una de las más célebres obras de
Francisco de Goya y Lucientes. El cuadro
es una obra de encargo pintada antes de
1800, en un periodo que estaría entre
1790 y 1800, fecha de la primera
referencia documentada de esta obra.1
Luego formó pareja con La maja vestida,
datada entre 1800 y 1808,2
probablemente a requerimiento de Manuel
Godoy, pues consta que formaron parte
de un gabinete de su casa. En ambas
pinturas se retrata de cuerpo entero a una misma hermosa mujer recostada plácidamente en un lecho
y mirando directamente al observador. Aunque no se trata de un desnudo mitológico, sino de una
mujer real, contemporánea de Goya, e incluso en su época se le llamó La gitana, las primeras
referencias al cuadro refieren a una Venus.
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Las meninas: Las meninas, como se conoce el cuadro desde
el siglo XIX, o La familia de Felipe IV según se describe en el
inventario de 1734, se considera la obra maestra del pintor del
siglo de oro español Diego Velázquez. Acabado en 1656 según
Antonio Palomino, fecha unánimemente aceptada por la crítica,
corresponde al último periodo estilístico del artista, el de plena
madurez. Es una pintura realizada al óleo sobre un lienzo de
grandes dimensiones formado por tres bandas de tela cosidas
verticalmente, donde las figuras situadas en primer plano se
representan a tamaño natural. Es una de las obras pictóricas
más analizadas y comentadas en el mundo del arte.
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5 obras del continente americano
El grito (en noruego Skrik) es el título de cuatro cuadros del noruego Edvard
Munch (1863-1944). La versión más famosa se encuentra en la Galería
Nacional de Noruega y fue completada en 1893.1 Otras dos versiones del
cuadro se encuentran en el Museo Munch, también en Oslo, mientras que la
cuarta versión pertenece a una colección particular. En 1895, Munch realizó
también una litografía con el mismo título.1
En los últimos años, la obra, en dos versiones diferentes, ha sido objeto de
robos de gran repercusión mediática. La versión más conocida, la de la Galería
Nacional, fue robada en febrero de 1994, y fue recuperada en una acción
policial doce semanas más tarde. En agosto de 2004 se produjo el robo de una
de las versiones expuestas en el Museo Munch. Dos años después, el 31 de
agosto de 2006 la policía noruega anunció la recuperación de la pintura, en
buen estado.
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Los felices azares del columpio (en francés, Les hasards heureux de
l’escarpolette), o, simplemente, El columpio (L'Escarpolette), también
conocido en inglés como The Swing, es un cuadro del artista rococó
francés Jean Honoré Fragonard, realizado en 1767. Es una pintura al
óleo sobre lienzo con unas dimensiones de 81 centímetros de alto por
65 cm. de ancho. Se conserva en la Colección Wallace de Londres
(Reino Unido).
Un rico barón encargó este cuadro a Fragonard, como homenaje a su
amante. Se cuenta que inicialmente el encargo era para François
Boucher, quien lo rechazó por su atrevimiento. Se ha convertido en el
símbolo de toda una época, el Rococó, por su refinamiento y
sensualidad.
El Ángelus es un cuadro del pintor realista francés Jean F. Millet. Data del período 1857-1859 y se
trata de un óleo sobre lienzo que mide 66 cm. de alto
por 55,5 cm. de ancho. Se conserva en el Museo de
Orsay de París, Francia.
Millet representa aquí una escena campestre, que es
la que dominará en principio su obra. Esta posición
atraerá la atención de la burguesía, ya que el mundo
rural simbolizaba «lo bueno» en contraposición de la
postura reaccionaria del sector obrero. En la pintura en
tela, se observa una clara inclinación por motivos
vinculados con la naturaleza y el paisaje, donde los
efectos de contraste lo vinculan con el estilo de Honoré
Daumier, aunque tiende a ser opaca y terrosa. En un
primer momento, Millet había pintado dentro de la
cesta que está en el suelo a una criatura de pocos
meses de edad, pero que había fallecido, y a los dos
personajes de pie como los compungidos padres que
la miraban sin consuelo. Esta situación conmocionó
mucho a los que la vieron por primera vez, y recibió críticas de censura, por lo que este pintor se
decidió a retocarla quedando como la vemos hoy.
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10 Obras del continente americano
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Las dos Fridas es un cuadro al óleo de Frida Kahlo
pintado en 1939. Esta obra constituye un autorretrato doble
de la artista, en la cual se duplica su imagen a manera de
espejo y tomada de la mano, pero con diferente
vestimenta. Ambas figuras se encuentran sentadas sobre
un banco verde tejido y en el fondo se observa un cielo
grisáceo. Es de acuerdo a Seeman (2004) su cuadro más
famoso.
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La fábula de Aracne, popularmente conocido como
Las hilanderas, es un lienzo de Diego Velázquez,
conservado en el Museo Nacional del Prado. Esta obra
es de los máximos exponentes de la pintura barroca
española y está considerada como unos de los grandes
ejemplos de la maestría de Velázquez. Temáticamente
es una de sus obras más enigmáticas, pues aún no se
conoce el verdadero propósito de esta obra.
Según Javier Portús Pérez, conservador y jefe del
Departamento de Pintura Española (hasta 1700) del
Museo del Prado:
.
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La balsa de la Medusa (en francés: Le Radeau de la Méduse)
es una pintura al óleo realizada por el pintor y litógrafo francés
del romanticismo Théodore Géricault entre 1818 y 1819. La
obra, que el autor culminó antes de haber cumplido la treintena,
se convirtió en un icono del Romanticismo francés. Es una
pintura de formato grande (491 cm × 716 cm)1 que representa
una escena del naufragio de la fragata de la marina francesa
Méduse, encallada frente a la costa de Mauritania el 2 de julio
de 1816. Al menos 147 personas quedaron a la deriva en una
balsa construida apresuradamente, y todas ellas, salvo 15,
murieron durante los 13 días que se tardó en rescatarlos.
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Los embajadores —el cuadro se llama en realidad Jean de Dinteville
y Georges de Selve— es una pintura de Hans Holbein el Joven,
actualmente en la National Gallery de Londres. Es una de las obras
maestras del pintor y de la pintura en general.
Triplemente importante por sus resonancias históricas, por su riqueza
simbólica y por su excelencia plástica, incluye un raro objeto en
primer plano que fue algo misterioso durante mucho tiempo.
Fue en el siglo XX cuando un historiador del arte, Jurgis Baltrusaitis,
descubrió que esta forma que ocupa el primer plano de la pintura es
lo que se llama frecuentemente hueso de sepia, siendo de hecho una
anamorfosis de un cráneo humano: esta pintura es una vanidad.
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Lamentación sobre Cristo muerto es una de las más
célebres obras de Andrea Mantegna. Es una témpera
sobre tela de 68 centímetros de alto por 81 de ancho,
conservado en la Pinacoteca de Brera de Milán, cuya
fecha de realización no se ha establecido con certeza,
proponiéndose fechas que oscilan entre 1457 y 1501,
aunque lo más probable es que sea de la etapa de
madurez del artista, en torno a los años 1480 y 1490.1
2
La escena muestra a Cristo muerto, tendido sobre una
losa de mármol de forma casi perpendicular al
espectador, en uno de los escorzos más violentos de
la historia de la pintura. En un fuerte contraste de luces
y sombras, la escena transmite un profundo
sufrimiento y desolación. La tragedia se potencia
dramatizando la figura de Cristo por su violenta
perspectiva y la distorsión de sus detalles anatómicos,
en especial el tórax. Los estigmas de las manos y los pies están representados sin idealismo ni retórica. La
sábana que cubre parcialmente el cadáver, pintada en los mismos tonos que el cuerpo, contribuye al efecto
sobrecogedor del conjunto que concluye en los rasgos de la cabeza, inclinada e inmóvil.
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