Arte Abstracto
Arte Abstracto
Arte Abstracto
Se entiende por arte abstracto el que prescinde de toda figuración (espacio real,
objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se
representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva). Una obra abstracta,
entendida de forma estricta, no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí
misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural.
Siglo XIX
Siglo XX
El posimpresionismo tal como lo practicaron Paul Gauguin, Georges Seurat, Vincent van
Gogh y Paul Cézanne tuvo un enorme impacto en el arte del siglo XX y llevó al
advenimiento de la abstracción del siglo XX. La herencia de pintores como Van Gogh,
Cézanne, Gauguin y Seurat fue esencial para el desarrollo del arte moderno. A
comienzos del siglo XX, Henri Matisse y otros jóvenes artistas incluyendo a los
precubistas Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy y Maurice de Vlaminck
revolucionaron el mundo artístico de París con pinturas de paisajes y figuras «salvajes»,
de mucho colorido y expresivos, que los críticos llamaron fauvismo. El crudo lenguaje
de color tal como lo desarrollaron los fauves directamente influyeron a otro pionero de
la abstracción Vasili Kandinski.
Aunque el cubismo al final depende del tema representado fue junto con el fauvismo el
movimiento artístico que directamente abrió la puerta a la abstracción en el siglo XX.
Pablo Picasso hizo sus primeras obras cubistas basándose en la idea de Cézanne de que
toda representación de la naturaleza puede reducirse a tres sólidos: cubo, esfera y
cono. Con la pintura Las señoritas de Aviñón, de 1907, Picasso creó dramáticamente un
cuadro nuevo y radical representando un burdel primitivo y crudo con cinco prostitutas,
mujeres violentamente pintadas, que recordaban máscaras tribales africanas y sus
nuevas creaciones cubistas. El cubismo analítico fue desarrollado conjuntamente por
Pablo Picasso y Georges Braque, desde alrededor de 1908 hasta 1912. El cubismo
analítico, la primera manifestación clara del cubismo, fue seguido por el cubismo
sintético, practicado por Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes,
Marcel Duchamp e innumerables artistas hacia los años veinte. El cubismo sintético se
caracteriza por la introducción de diferentes texturas, superficies, elementos de collage,
papier collé y gran variedad de objetos diversos unidos. Los artistas de collage com
Kurt Schwitters y Man Ray y otros influidos por el cubismo fueron decisivos para el
desarrollo del movimiento llamado dadaismo.
Música
Íntimamente relacionado con esto, está la idea de que el arte tiene La dimensión
espiritual y puede transcender la vida de cada día, alcanzando un plano espiritual. La
Sociedad Teosófica popularizó la antigua sabiduría de los libros sagrados de la India,
China en los primeros años del siglo. Fue en este contexto que Piet Mondrian, Vasili
Kandinski, Hilma af Klint y otros artistas trabajando hacia el «estado sin objeto» se
vieron interesados en lo oculto como una manera de crear un objeto «interior». Las
formas universales e intemporales que se encuentran en geometría: el círculo, el
cuadrado y el triángulo se convirtieron en elementos espaciales en el arte abstracto;
eran, como el color, sistemas fundamentales que estaban por debajo de la realidad
visible.
Abstracción lírica
Para el año 1911 se habían creado muchas obras experimentales que buscaban el «arte
puro». En Francia, Robert Delaunay elaboró, desde 1912, a partir de las teorías de
Chevreul sobre el contraste simultáneo de los colores, sus Ventanas y sus primeras
Formas circulares cósmicas abstractas, mientras que Frank Kupka exponía en el Salón
de Otoño de 1912 Amorfa, fuga de dos colores y en 1913 Planos verticales azules y
rojos. En 1913 el poeta Guillaume Apollinaire llamó orfismo a la obra de Robert y Sonia
Delaunay. Lo definió como el arte de pintar nuevas estructuras a partir de elementos
que no han sido tomados prestados de la esfera visual, sino que habían sido creados
totalmente por el artista... es arte puro.
Vanguardia rusa
Otras abstracciones
El manifiesto del arte concreto, que publicó en París en 1931, dio lugar a la tendencia
del mismo nombre que tuvo un gran desarrollo en Suiza con Max Bill y de Richard Paul
Lose, en Francia con François Morellet, y en todas las formas de arte sistemático
nacidas después de la guerra. Estas tendencias entraron entonces en competencia con
las diversas corrientes tachistas y gestuales (Jean Bazaine, Alfred Manessier, Pierre
Soulages y Georges Mathieu, entre otros) que el crítico Michel Tapié reagrupó bajo la
denominación de arte informal.
Estas tendencias fueron desbancadas a partir de 1960 por la aparición del arte
minimalista, que marcó un nuevo periodo de interés por la geometría y la estructura
mientras que en Europa y Latinoamérica el Op Art y el arte cinético conocían sus horas
de gloria (Yaacov Agam, Jesús Soto, Carlos Cruz-Díez, Víctor Vasarely, Nicolas Schöfer
y Bridget Riley, entre otros).