El Arte Del Siglo XX
El Arte Del Siglo XX
El Arte Del Siglo XX
Las Vanguardias
evolución del arte.
No podemos olvidar que cualquier
representación artística se ve
De esta manera, en los años
influida directa o indirectamente por
que transcurren entre la
el contexto económico, político y
primera (1914-1918) y la
social de una época.
segunda guerra mundial
(1939-1945), siguen
Así encontramos los surgiendo nuevos
primeros movimientos movimientos.
innovadores de
principio del siglo XX
que darán paso a toda Valoran el mundo subjetivo,
la renovación posterior. en relación con el objetual.
EXPRESIONISMO ALEMÁN, DADAISMO, FAUVISMO,
CUBISMO, SURREALISMO, FUTURISMO Y LA
ABSTRACCIÓN
Su técnica consistía
en aplicar los
colores por capas,
sin mezclarlos.
•El Fauvismo
•El Cubismo.
•El expresionismo alemán . La nueva figuración .
•El futurismo.
•El Neoplasticismo.
•El Constructivismo.
•El Dadaísmo.
•El surrealismo.
LAS VANGUARDIAS DEL SIGLO XX:
La Abstracción ha recorrido durante los últimos cien años itinerarios muy diversos,
desde su variedad geométrica a la lírica. Todos aportan matices a una misma concepción
del Arte, más interesado en el interior de la persona que en su entorno. También son
numerosos los movimientos contemporáneos que ahondan su raíz en el concepto de lo
abstracto. Desde el Neoplasticismo al Informalismo, pasando por todas las corrientes de
las Segundas Vanguardias
LAS VARIANTES DE
LA ABSTRACCIÓN
EN EL SIGLO XX
NO FIGURATIVA
FIGURATIVA
GEOMÉTRICA EXPRESIONISTA
GEOMÉTRICA EXPRESIONISTA
• El líder no oficial de este grupo fue Henri Matisse, experimentando por primera vez con el
color y el espacio en su obra Lujo, calma y voluptuosidad (1904-1905). Junto a él
colaboraron André Derain y Maurice de Vlaminck. Georges Rouault, Albert Marquet, Kees
van Dongen y Raoul Dufy expusieron también como fauvistas, aunque pronto
evolucionaron a otros estilos.
• Su contexto histórico está marcado por grandes cambios sociales y tecnológicos: inventos
como el coche a motor o la radio, y el acceso a la electricidad estaban transformando la
vida cotidiana.
Se desarrolla en Francia durante los años 1903 a
1907.
Muestras en la Galería de
Berthe Weill en 1904 y 1905
Lujo, calma y
Retrato con raya verde
voluptuosidad (I)
Recibe su nombre en honor al
poema de Charles Baudelaire
titulado L'Invitation au voyage
Lujo, (Invitación al viaje) que aparece en
su obra Las flores del mal:
Calma, Là, tout n'est qu'ordre
et beauté,
voluptuosidad Luxe, calme et
volupté.
«Sueño con
un arte de
equilibrio, de
tranquilidad,
sin tema que
inquiete o
preocupe, algo
así como un
lenitivo, un
calmante
cerebral
parecido a un
buen sillón».
Henri Matisse
(1869-1954)
La alegría de vivir
Henri
Matisse
(1869-1954)
La toilette
André Derain
Pablo Picasso
Retrato de Matisse
c. 1905 Retrato de Ambroise Vollard
1910
Henri Matisse Maurice Vlaminck
(1869 – 1954) (1876- 1958)
Retrato de Derain 1905 André Derain 1906
Óleo sobre cartón, 27 x 22,2 cm.
André Derain
(1880-1954)
El faro de Coiliure
DERAIN
El puente de Charing Cross en Londres 1906
A. DERAIN: El recodo del camino, L'Estaque. 1906.
Derain. El puente de Waterloo. 1906
André Derain (1880 -1954)
El puente de Westminster
André Derain (1880 -1954)
Muchacha
pelirroja con
camisa o la
bailarina
1906
Maurice Vlaminck
(1876 - 1958)
Carteles en Trouville
Georges Henri Rouault
(1871 — 1958)
Florero
Los Poulot
o La
pareja,
zona roja.
1905,
Paisaje con
grandes
árboles 1915
Three Clowns. 1917
Las mil y una
noches
1942. Óleo sobre
lienzo. 57 x 47, 3
cm. Musée des
Beaux- Art. La
Chaux-de- Fonds
Kees Van Dongen
(1877-1968)
El payaso rojo
Albert Marquet (1875-1947)
Desnudo en el taller
Georges
Braque
(1881-1963)
El estanque
La evolución de H.
Matisse
• Entre 1907 y 1912 Picasso y Braque experimentaron en la primera fase del cubismo,
llamado “analítico”: No sólo se trataba de entender cómo el ojo capturaba las imágenes,
sino cómo las procesaba la mente. Se ofrecían vistas complejas de un objeto, reducido a
planos superpuestos opacos y translúcidos. Las formas naturales se redujeron a formas
geométricas (cilindros, esferas y conos), observadas desde puntos de vista cambiantes.
Juan Gris y Fernand Léger siguieron este estilo.
• Las variaciones cromáticas y el uso del collage iniciaron la segunda fase, “sintética”, entre
1912 y finales de los 20: se exploraron diferentes texturas y materiales, mezclando objetos
de la vida cotidiana con otros pintados o dibujados, creando grandes diseños decorativos.
Esta experimentación fue ampliamente seguida por artistas como Robert Delaunay,
Francis Picabia, Jean Metzinger, Fernand Léger y Marcel Duchamp.
La primera comunión.
1896.
Obras de la Época de Formación (1881-
1901).
Le moulin de la Galette
La Familia Soler ***** Autorretrato
Ciencia y caridad. 1897.
•Abandona su formación a los 18 años, considerando que los
profesores limitaban sus capacidades. Comienza a frecuentar Els
Quatre Gats, donde se relaciona con artistas y escritores fascinados
con la vida cultural parisina. Conoce, entre otras personas, a Carlos
Casagemas y Santiago Cardona. En este tiempo, abandona el apellido
paterno y firma sus cuadros con el apellido de la madre “Picasso”. En
esta época, las pinturas de Picasso conocerán la influencia del
modernismo catalán o el pos impresionismo europeo.
•Su obra Últimos momentos es selecciona para participar en la sección
española de Exposición Universal de París. Esto conlleva que viaje por
primera vez, junto con Casagemas, a la ciudad de la luz, dónde queda
fascinado con los pintores pos impresionistas: Van Gogh, Henri de
Toulouse-Lautrec o Paul Gauguin.
Le Moulin de la Galette. París, 1900.
Jardín de París. París, 1901
La espera (Margot). París, 1901
Mujer en azul. 1901.
Pablo Picasso. La mujer de la cofia. París,
1901
La bebedora de ajenjo.
1901.
Pablo Picasso (1881-1973)
El “primer” las “etapas” azul y rosa
Guitarrista ciego
La familia de saltimbanquis
La vida El ciego
La Época Azul-Biografía.
•En el año 1901, su amigo Casagemas, se suicida por un desengaño
amoroso. Esto afectará profundamente a Picasso, conduciéndolo a crear
lo que será su primer estilo personal: La Época Azul.
La Época Azul-Biografía.
•En el año 1901, su amigo Casagemas, se suicida por un desengaño
amoroso. Esto afectará profundamente a Picasso, conduciéndolo a crear
lo que será su primer estilo personal: La Época Azul.
•El nombre de “Época Azul”, proviene del crítico Pierre Daix, quien dijo
que Picasso comenzó a pintar en azul.
La Época Azul-Biografía.
•En el año 1901, su amigo Casagemas, se suicida por un desengaño
amoroso. Esto afectará profundamente a Picasso, conduciéndolo a crear
lo que será su primer estilo personal: La Época Azul.
•El nombre de “Época Azul”, proviene del crítico Pierre Daix, quien dijo
que Picasso comenzó a pintar en azul.
•Esta etapa está comprendida entre 1901 y 1905. La mayor parte de las
obras serán pintadas en Barcelona, representando a la marginalidad
(ciegos, niños pobres, prostitutas…) de los barrios más humildes de la
Barcelona del momento. Comienza a apreciarse una cierta influencia del
Greco (figuras alargadas, fondos desnudos…). En estas obras Picasso
consigue retransmitir soledad y melancolía.
La Época Azul-Biografía.
•En el año 1901, su amigo Casagemas se suicida por un desengaño
amoroso. Esto afectará profundamente a Picasso, conduciéndolo a crear
lo que será su primer estilo personal: La Época Azul.
•El nombre de “Época Azul”, proviene del crítico Pierre Daix, quien dijo
que Picasso comenzó a pintar en azul.
•Esta etapa está comprendida entre 1901 y 1905. La mayor parte de las
obras serán pintadas en Barcelona, representando a la marginalidad
(ciegos, niños pobres, prostitutas…) de los barrios más humildes de la
Barcelona del momento. Comienza a apreciarse una cierta influencia del
Greco (figuras alargadas, fondos desnudos…). En estas obras Picasso
consigue retransmitir soledad y melancolía.
•Otras influencias de esta etapa fueron los simbolistas franceses
(Verlaine, Baudelaire, Rimbaud…); el poeta Max Jacob, y el
expresionismo alemán.
Casagemas en su ataúd. París, 1901
Influencia del Greco: división
de lo terrenal y lo divino.
Evocación- Entierro de
Casagemas (1901)
La serie azul: El Viejo
guitarrista ciego. 1903.
La vida. 1903.
La vida (1903)
El asceta (1903) La tragedia (1903)
Influencia
del Greco.
MASCARAS DE ZAIRE
DOS MUJERES
DESNUDAS –
PICASSO 1906
VENUS DE
INGRES
Estudios en papel
para LAS SEÑORITAS
DE AVIGNON
Nótese la presencia de
dos hombres (marineros)
en los bocetos iniciales.
Naturaleza muerta con calavera
(1907)
La dríada (1908) Tres mujeres (1908)
Amiga (1908) Cabeza de un hombre Cabeza de una mujer
(1907) (1907)
Dos figuras desnudas (1908) Muchacha con abanico
(1909)
Frutero y pan sobre una Decanter and Tureens (1908) Frutero, fruta y vaso (1909)
mesa (1909)
Fábrica en la horta del Ebro (1909)
El Cubismo
Término creado por el crítico francés Louis Vauxcelles que, al ver
las obras de este movimiento, afirmó que "desprecian la forma y lo
reducen todo, paisajes, figuras y casas, a esquemas geométricos, a
cubos".
El cubismo tiene sus bases en Cézanne.
La pintura cubista quedó formalmente fundada en 1907 con la obra
de Picasso, "Las Señoritas de Aviñón".
Picasso y Braque, junto a Juan Gris, llevaron a cabo un análisis
objetivo de la realidad de la pintura, que para ellos, necesariamente
debía fundarse en la realidad bidimensional del lienzo.
Por eso, junto con eliminar la perspectiva y la ilusión de profundidad,
limitaron los colores a los tonos grises, verdes y marrones, para que
el análisis temático de la estructura corpórea fijada en el espacio, se
expresara con mayor énfasis. Con el collage, buscaron la liberación
formal del color de su tradicional carácter descriptivo.
Características generales del
cubismo
•Descomposición de la realidad en la geometría más básica: El cubo;
aunque se mantienen líneas curvas en algunas composiciones.
•Destrucción de la perspectiva tradicional.
•Combinación de planos.
•Rostros desprovistos de naturaleza humana.
•Reminiscencias de Cézanne.
•Alteración de los colores tradicionales, con un predominio de los
colores ocres.
•Yuxtaposición de claros y oscuros.
•Abundancia de naturalezas muertas y paisajes.
•Recibe el nombre del crítico Louis Vauxcelles: "[...] réduit tout, sites
figures maisons, à des schémas géométriques, à des cubes« . De ahi
proviene el término cubismo.
Las características de un nuevo lenguaje:
MANIFIESTO
Se introducen algunos
Fusión de
elementos realistas en
fondo y figura
a laberíntica estructura de
planos para facilitar
Representación de identificación (botón)
elementos simples (retrato, Construcciones racionalistas
algún objeto cotidiano, etc.) abandono de expresionismo
de otros movimientos de
vanguardia
Incidencia de luz
varía en cada plano
Pablo Ruiz Picasso
Retrato de Ambrose Vollard
Cubismo Analítico
Pablo Picasso .
El poeta (1910)
Pablo Picasso .
Ma Jolie (Woman with Guitar)
(1911-12)
Retrato de Henry Kahnweyler (1910)
“Dos problemas se
presentan a mi espíritu.
Observo que la pintura
tiene valor por sí misma,
independientemente de la
representación objetiva de
las cosas. Me pregunto si
no debemos pintar las
cosas como las conocemos,
más bien que como las
vemos.”
desintegración
fragmentación
integración
papiers collés
objets trouvés
assemblage
Pablo Picasso
Naturaleza muerta con silla de rejilla
1912
27 x 35 cm
Pablo Picasso Pablo Picasso
Guitarra Vaso de absenta
1913 1914
Apollinaire
Caligrama
1913-1916
Georges Braque (1882-1963)
El estanque:
panorama
desde
el hotel
Mistral
Caligrama-1911
FINAL DEL CUBISMO
1914
Se puede decir que, con la guerra de1914, el
cubismo, que había tenido una vida intensa desde 1907,
se desintegró como vanguardia artística, aunque su
influencia fue enorme a lo largo del siglo XX.
Cuando esta estética se difundió por toda Europa aparecieron una serie de grupos o
tendencias con sus propias características: el cubismo órfico, del francés Robert Delaunay, que daba
una gran importancia al color y empleaba elementos compositivos inventados por el artista, el grupo
de Puteaux, con el también francés Marcel Duchamp, que aportó un cubismo dinámico y muy
intelectual, el neoplasticismo del holandés Piet Mondrian, el suprematismo ruso de Kazimir Maliévich,
el constructivismo de su compatriota Vladimir Tatlin, y el purismo, estética racional y geométrica
impulsada por los franceses Amadeé Ozenfant y Charles Édouard Jeanneret.
Ventana
Robert DELAUNAY. La ciudad de P aris , 1910-12.
Fue en el año 1909 cuando Delaunay empieza a pintarla torre,
dotándola de un gran dinamismo al superponer en la superficie plana del
lienzo distintas vistas de un elemento que impone su actitud hierática sobre el
horizonte de la ciudad. Delaunay capta perfectamente el espíritu dinámico
que representa una torre ejemplo de las técnicas ingenieriles más punteras
del momento. Con esta serie, el artista empieza a devolver el protagonismo al
color.
DELAUNAY. La torre Eiffel,1911.
La energía llama a la intensidad y su
expresión habla menos al intelecto que a
nuestros nervios, a los que hace vibrar. El
color y la luz no son más que su apariencia
visible. La serie de las Ventanas que
sucedió en 1912 acusa la obsesión que
crecía en él: el espacio libre donde vibra la
claridad y donde estallan los tonos. El
impresionismo le había abierto el camino
de este descubrimiento. Delaunay asocia
entonces la luz-color al principio
sicológico correspondiente, que es el
lirismo, tan duramente reprimido por el
cubismo y cuya renovación explica el
apelativo de «cubismo órfico» hallado por
Apollinaire. Es preciso que la energía tome
forma; ya no será ésta la que se adapte a
la estabilidad inmóvil, sino el torbellino
irradiante de los círculos de 1913.
DELAUNAY. Contrastes simultáneos, 1913.
DELAUNAY. La gran portuguesa, 1916.
La alegría de vivir .DELAUNAY.
SONIA
DELAUNAY
1885-1979
Nacida en Rusia. Su
nombre verdadero era
Sara ,pero adoptó su
apodo familiar –Sonia.
Sonia fue adoptada por
su tío a los cinco años.
Decidió estudiar Arte
tempranamente.
Contrajo matrimonio con
el artista Robert
Delaunay, tuvieron un
hijo.
Su primera exposición personal tiene lugar en 1908. Sigue
los caminos de la abstracción, y realiza un ciclo de lienzos y
dibujos en los cuales los colores puros se vuelven planos
que engendran formas para expresar el movimiento y la
luz. Sonia aplicó esta misma plástica a la confecuna
consumada especialista, hasta el punto de dedicarse con
mayor interés al campo de la moda que al de la pintura
durante sus años de casada. Especialmente cuando al
comenzar la I Guerra Mundial, el matrimonio se queda a
vivir en España, y Sonia aprovecha para confeccionar los
trajes de los ballets de Diaghilev, e incluso para abrir una
boutique en Madrid. Sus trabajos en este ámbito
revolucionaron el diseño textil y de alguna forma le dieron
la fama que no había alcanzado con la pintura. Desde 1913
hasta 1935, Sonia Delaunay, se dedica ción de telas y se
convirtió en una consumada especialista
GEORGES BRAQUE
Casas en L’Estaque (1908)
Movimiento heterogéneo
El Expresionismo más que un estilo artístico fue un
movimiento muy comprendido que se enfrento a una
Primera realidad con la cual no estaba de acuerdo.
Manifestación
Gran número de campos Artes Plásticas
Literatura
Pintura
Música
Cine y Teatro
En literatura, fue aplicado por primera vez en 1911 por el crítico Kurt Hiller.
Posteriormente, el término expresionismo fue difundido por el escritor Herwarth
Walden, editor de la revista Der Sturm (La tormenta), que se convirtió en el principal
centro difusor del expresionismo alemán
Los objetivos del expresionismo en el campo de la literatura responden a las mismas características que las artes
plásticas. Los personajes y la escenas se distorsionan intencionalmente para producir un fuerte impacto
emocional.
Se desarrolló en tres fases principales: de 1910 a 1914, de 1914 a 1918 –coincidiendo con la guerra– y de 1918 a
1925. Aparecen como temas destacados: la guerra, la urbe, el miedo, la locura, el amor, el delirio, la naturaleza, la
pérdida de la identidad individual, etc.
Los escritores expresionistas criticaron la sociedad burguesa de su época, el militarismo del gobierno del káiser, la
alienación del individuo en la era industrial y la represión familiar, moral y religiosa, por lo que se sentían vacíos,
solos, hastiados, en una profunda crisis existencial.
El escritor presenta la realidad desde su punto de vista interior, expresando sentimientos y emociones más que
impresiones sensitivas. Ya no se imita la realidad, no se analizan causas ni hechos, sino que el autor busca la
esencia de las cosas, mostrando su particular visión. Así, no les importa deformar la realidad mostrando su
aspecto más terrible y descarnado, adentrándose en temáticas hasta entonces prohibidas, como la sexualidad, la
enfermedad y la muerte, o enfatizando aspectos como lo siniestro, lo macabro, lo grotesco.
Formalmente, recurren a un tono épico, exaltado, patético, renunciando a la gramática y a las relaciones
sintácticas lógicas, con un lenguaje preciso, crudo, concentrado. Buscan la significación interna del mundo,
abstrayéndolo en una especie de romanticismo trágico que va desde el misticismo socializante de Werfel hasta el
absurdo existencial de Kafka. El mundo visible es una prisión que impide alcanzar la esencia de las cosas; hay que
superar las barreras del tiempo y del espacio, en busca de la realidad más “expresiva”.
La música expresionista alcanzó su apogeo en el periodo de entreguerras, buscó la expresión de las
ansiedades, los terrores ocultos y el cinismo de la sociedad contemporánea.
Para ello empleo composiciones cuidadosamente estructuradas y emocionalmente intensas, deformando las
técnicas convencionales y reemplazando las armonías tradicionales por otras más complejas y disonantes. La
música es a menudo atonal o producto de la distorsión, la polifonía (simultaneidad de líneas melódicas) es
con frecuencia densa, y la melodía, prácticamente irreconocible
Algunos interpretes son:
Richard Wagner, Gustav Mahler y Arnold Schönberg
La influencia de este movimiento expresionista llegó hasta el cine, como se aprecia en El Gabinete del
doctor Caligari (1919) y en Nosferatu (1922), una sombría adaptación de la novela Drácula de Bram
Stoker.
El cine alemán adoptó muchos de los principios de este movimiento pictórico y literario. Esto se
manifestó en el empleo expresionista de los decorados, las luces y la interpretación, así como en la
recurrencia a historias fantásticas de locos, vampiros, asesinos, etc. Directores como Robert Wiene (El
gabinete del doctor Caligari), Fritz Lang (M, el vampiro de Düsseldorf) o Friedrich W. Murnau
(Nosferatu, el vampiro) son ejemplos de cineastas influidos por el expresionismo.
Manifestación del expresionismo en la literatura
Los principales precursores de la literatura expresionista fueron:
Bertold Brecht (Alemania 1898–1956)
Obras: Sus primeras obras muestran la influencia del expresionismo, el
principal movimiento dramático de la época. En 1928, escribió un drama
musical, “ La opera de los dos centavos” conocida en algunos países como
tres peniques.
August Strindberg ( Suecia 1849 -1912 )
En 1897 escribe “Infierno” en el cual el autor describe el periodo de tiempo en
que estuvo mentalmente incapacitado. Su trabajo a partir de este momento fue
menos realista, influido por sus creencias religiosas y por movimientos literarios
como el simbolismo y el expresionismo. Así su obra teatral “Brottochbrott”
(1899) trata del conflicto entre ética y estética. Mas característico del
expresionismo son sus dos trabajos de carácter simbólico: “El sueño” (1901)
y “Espectros” (1908).
Franz Kafka (Praga, Chequia 1883-1924)
Obras: El expresionismo también se puede encontrar en otras formas de arte, las
novelas de Franz Kafka se describen generalmente como expresionistas. En 1913
escribe “La condena”, en 1915 escribe “La metamorfosis”
La Primera Guerra Mundial supuso una fuerte conmoción para la literatura expresionista: mientras
algunos autores consideraron la guerra como una fuerza arrasadora y renovadora que acabaría con la
sociedad burguesa, para otros el conflicto cobró tintes negativos, plasmando en su obra los horrores de la
guerra. En la posguerra, y en paralelo al movimiento de la Nueva Objetividad, la literatura adquirió
mayor compromiso social y de denuncia de la sociedad burguesa y militarista que llevó a Alemania al
desastre de la guerra
La Metamorfosis
Franz Kafka
Cuando Gregorio Samsa se despertó una mañana después de un sueño intranquilo,
se encontró sobre su cama convertido en un monstruoso insecto. Estaba tumbado
sobre su espalda dura, y en forma de caparazón y, al levantar un poco la cabeza veía
un vientre abombado, parduzco, dividido por partes duras en forma de arco, sobre
cuya protuberancia apenas podía mantenerse el cobertor, a punto ya de resbalar al
suelo. Sus muchas patas, ridículamente pequeñas en comparación con el resto de su
tamaño, le vibraban desamparadas ante los ojos.
No era un sueño. Su habitación, una auténtica habitación humana, si bien algo pequeña, permanecía
tranquila entre las cuatro paredes harto conocidas. Por encima de la mesa, sobre la que se encontraba
extendido un muestrario de paños desempaquetados -Samsa era viajante de comercio-, estaba colgado aquel
cuadro que hacía poco había recortado de una revista y había colocado en un bonito marco dorado.
Representaba a una dama ataviada con un sombrero y una boa de piel, que estaba allí, sentada muy erguida y
levantaba hacia el observador un pesado manguito de piel, en el cual había desaparecido su antebrazo.
La mirada de Gregorio se dirigió después hacia la ventana, y el tiempo lluvioso -se oían caer gotas de lluvia
sobre la chapa del alféizar de la ventana- lo ponía muy melancólico.
«¿Qué pasaría -pensó- si durmiese un poco más y olvidase todas las chifladuras?»
Pero esto era algo absolutamente imposible, porque estaba acostumbrado a dormir del
lado derecho, pero en su estado actual no podía ponerse de ese lado. Aunque se lanzase
con mucha fuerza hacia el lado derecho, una y otra vez se volvía a balancear sobre la
espalda. Lo intentó cien veces, cerraba los ojos para no tener que ver las patas que
pataleaban, y sólo cejaba en su empeño cuando comenzaba a notar en el costado un dolor
leve y sordo que antes nunca había sentido.
ANALISIS
La Metamorfosis, de Franz Kafka, es una crítica dirigida a la burocracia, al
judaísmo, al egoísmo que impregna a toda la humanidad, a la actitud de la gente
ante la enfermedad. La transformación del protagonista muestra como la
enfermedad afecta a una familia de clase media, pero representa, también, como
se sentía él ante su padre.
Es un relato que planea entre el expresionismo y el surrealismo.
Poesía de ritmo libre y de estrofas polimétrica
Lenguaje Conciso, penetrante, desnudo, tono patético y desolado
Expresionista
Sin reglas lingüísticas ni sintácticas
Fuerza rítmica del lenguaje através de la deformación
lingüística y verbos, adjetivos y la introducción de
neologismo
Mantiene la métrica y la rima tradicionales
Patrulla
ANALISIS
Se centra específicamente en la guerra, reflejar el tipo de experiencia específica
de la contienda bélica (enfrentamientos y guerras), en donde se aferra a modos y
formas de la primera guerra mundial, cuando los hombres entraron al campo de
batalla, la mayoría se encontraba con la muerte y algunos lograban evadirla.
MARCHA VESPERTINA
La boca de una niña que había estado mucho tiempo entre los juncos
parecía tan carcomida.
Cuando le quebraron el pecho, el esófago estaba tan agujereado.
Por fin, en una pérgola bajo el diafragma
hallaron un nido de pequeñas ratas.
Una hermanita yacía muerta.
Las otras se alimentaban del hígado y del riñon,
bebían la sangre fría y pasaron aquí
una hermosa juventud.
Y hermosa y rápida las sorprendió la muerte:
a todas las lanzaron al agua.
¡Ay, cómo chillaban los pequeños hocicos!
Ernst Ludwing Kirchner (Aschaffenburg, 1880-1938)
Ready-make
1924
Estado puro Sin trabas de la razón o la
sociedad
Salvador Dalí
Paranoico-critico
Action painting
Representa
Estilo Objetos posiciones movimiento
Umberto Boccioni
♦Die Brücke o “El puente” ha sido uno de los grupos pictóricos más consolidados de las
vanguardias y uno de los representantes más llamativos del conocido movimiento
Expresionista.
♦ El nombre fue ideado por Schmidt-Rottluff, simbolizando a través de un puente su
pretensión de sentar las bases de un arte de futuro.
♦ Los artistas de Die Brücke estaban influidos por el movimiento Arts & Crafts, así como
por el Jugendstil y los Nabis, y artistas como Van Gogh, Gauguin y Munch. También se
inspiraron en el gótico alemán y el arte africano, sobre todo tras los estudios realizados
por Kirchner de las xilografías de Durero y del arte africano del Museo Etnológico de
Dresde
♦ Se realizaban reuniones semanales (en el taller de Kirchner), en
donde se dibujaba y discutía sobre temas estéticos, sociales...
♦ Se estableció el objetivo común de conseguir una
comunidad de artistas
las obras que se exhibieran, debían estar aprobadas por
todo el grupo
se tenía que exponer en grupo (de hecho, Max Hermann
Pechstein fue expulsado por exponer en solitario).
♦El puente se creó en 1905 en Dresde, por cuatro alumnos de arquitectura que
encontraron una pasión común: Pintar.
♦Todos dejaron a un lado sus estudios y crearon una comunidad de artistas a la que
pronto se unieron más integrantes.
Su estilo,
expresado
sobre todo
en el
retrato,
produce
personajes
que, por
debajo de
su aspecto
externo,
muestran un
mundo
interior
desgarrado
(en realidad
el mundo
angustiado
del pintor)
que conecta
con el
psicoanálisis
de Freud.
EGON SCHIELE, La Muerte y la Muchacha (1915) La pintura de
Schiele es la
antítesis de la
figuración
cromática y la
elegancia
estética de la
Secesión
vienesa.
Influido por
Kokoschka, su
obra tiene un
dibujo tenso e
incisivo.
El amor y la
muerte están
presentes en
toda su
producción.
En 1915 se
casó con Edith
Harms, antes
de ser
enrolado en el
ejército.
Ambos
murieron en
1918, con
pocos días de
diferencia,
durante la
epidemia de
gripe
española.
Oskar Kokoschka. La Tempestad (1914). Óleo sobre lienzo. 181 x 220 cm.
Öffentliche Kunstsammlung. Basilea
Emile Nolde. La última Cena (1909)
“DIE BRÜCKE” (EL PUENTE) ERNST LUDWIG KIRCHNER, Dos Mujeres en la calle, 1914
Pinceladas diagonales.
Influencia del fauvismo
División:
Derecha: mundo espiritual
Izquierda: mundo material
V. Kandinsky, Improvisación III (1909) Paisaje imaginario, donde la expresividad del color deja el tema en un nivel secundario
V. Kandinsky,
Cuadro con mancha roja
(1914)
Franz Marc, El Destino de los Animales (1913) Alegoría de la destrucción del mundo. Premonición de la 1ª Guerra Mundial.
El Expresionismo
Alemán:
La
Nueva Objetividad
NEUE SACHLICHKEIT
(NUEVA OBJETIVIDAD) 1918-1933
El término Neue Sachlichkeit (“Nueva Objetividad”)
representa el deseo de muchos artistas alemanes de
mostrar la realidad de forma directa, en forma de
denuncia social. Con la imagen aún cercana del
desastre humano de la guerra, fueron despiadados al
pintar pobres inválidos, repatriados y mutilados en las
calles, en un ambiente de negociantes de mercado
negro, prostitutas, gordos industriales enriquecidos y
corruptos burócratas estatales.
Un ex soldado mendigo Una banda de jazz Dix es muy detallista en las texturas Destacan los modernos zapatos de una
sin piernas observa americana toca ante la de las telas de los vestidos de las prostituta que desfila por las calles de
furioso cómo una privilegiada y sofisticada mujeres, o del abanico de plumas moda de Berlín. Estos zapatos son los
procesión de prostitutas clientela de un club rosas, usado a modo de nimbo para mismos que lleva la mujer que baila en
desfila ante sus ojos. nocturno de Berlín. la cabeza del travesti. el panel central y desentonan con los
muñones del lisiado de guerra.
Otto Dix pintó esta obra con témpera El tríptico presenta un aire teatral con una
(pigmento mezclado con yema de huevo), que escenografía extravagante. Los contrastes
después recubrió con capas de esmalte de aumentan la sensación de irrealidad:
almáciga semitransparente, para crear una Metrópolis es a la vez una declaración política y
textura reluciente y colores translúcidos, con un símbolo de la exclusiva búsqueda del placer
una atmósfera inquietante y burlesca. por el placer.
GEORG GROSZ, Los pilares de la sociedad (1926)
• Se caracteriza por un rechazo total del pasado, y atracción por todo lo que era
movimiento, acción y dinamismo:
• Junto a Boccioni, destacan los pintores Giacomo Balla, Gino Severini, Carlo Carrá y
Fortunato Depero, que mantuvieron la idea utópica de una “reconstrucción
futurista del universo”, con la tecnología como elemento fundamental del progreso
de la humanidad.
La “simultaneidad” de la
visión consiste en la
presencia simultánea de
objetos, figuras y fondos,
todos puestos en
movimiento con un sentido
rotatorio de molino.
El “Manifiesto Técnico de la
Pintura Futurista”
(1910)exponía el interés por
captar el movimiento y la
velocidad, introduciendo
líneas de fuerza (rayas
paralelas y entrecruzadas)
que sugirieran la sensación
de dinamismo.
UMBERTO BOCCIONI, Dinamismo de un ciclista (1913)
Relación con secuencias de
fotogramas cinematográficos
El ciclista (1913)
NATALIA GONCHAROVA
NATALIA GONCHAROVA
Rayonismo, bosque verde y
azul (1913)
En Rusia, el futurismo tuvo un gran
impacto. Mijail Larionov y su esposa
Natalia Goncharova lo combinaron
con las formas cubistas y los colores
del orfismo para crear el rayonismo.
• El paso definitivo hacia la representación abstracta fue realizado por los siguientes
movimientos:
EL LISSITZKY
Golpead a los blancos
con la cuña roja (1919)
KASIMIR MALEVICH, Vuelo de avión (1915) MALEVICH Y EL SUPREMATISMO
El suprematismo niega cualquier referencia a
la presencia física de los objetos del mundo
material.
En el titulo ofreció un
homenaje a la verticalidad de
los rascacielos de Manhattan y
al ritmo de la música de
George Gershwin. No obstante,
sigue intacto el sentido de
geometría y de construcción
mental tradicional en toda su
obra.
Bordes recortados: las formas cuadradas y Usa gruesas líneas Usa la geometría para crear Los artistas de De Stijl usaban los
rectangulares aparecen cortadas por los y planos de cohesión en la obra: una línea contrastes de color para crear
límites del lienzo. El artista quiere que el colores como si negra recorre el lienzo formando equivalentes visuales de las notas
observador resuelva la tensión creada por la fuera una vidriera. un eje diagonal y crear armonía. musicales. Rechazaron el uso del
anomalía visual. La mirada recorre el borde Doesburg pensaba que las líneas simbolismo y la representación de
del lienzo para completar la imagen, diagonales y las formas formas orgánicas naturales.
ampliando el volumen espacial de la obra. inclinadas creaban tensión
dinámica.
Dadaísmo
Dadá
• Desafiaron las nociones que se tenían sobre el mérito artístico: Relativizaron el énfasis que se ponía
en la estética de la obra de arte y promocionaron lo antiestético, lo contradictorio y lo desechable.
• Eran contrarios a la idea futurista sobre las ventajas que el progreso técnico traería a la humanidad,
y a los postulados expresionistas sobre la necesidad de un “renacer” espiritual de la sociedad: los
dadaístas creían que el arte había traicionado a la humanidad, por lo que proponían una
contestación provocativa de todos los valores y todos los modelos, en nombre de una total libertad
creativa.
• En 1917 se fundó en Berlín una rama del dadaísmo mucho más agresiva: el superdadaísmo, que fue
pionero en el uso del fotomontaje, recortando fotografías de revistas y periódicos para crear
collages absurdos y satíricos. También crearon assamblages a partir de objetos encontrados que se
fijaban en tablas o en lienzos, y en ocasiones se pintaban.
• El dadaísmo llegó a Nueva York con Marcel Duchamp y Francis Picabia. Allí conocieron al fotógrafo
Man Ray, con el que empezaron a crear obras que cuestionaban las actitudes respecto al proceso
artístico. Duchamp llevó la idea hasta el extremo con sus ready-mades, objetos funcionales
producidos industrialmente, que exponía en su estado original o ligeramente modificados. El más
famoso es “La Fuente”, un urinario volcado sobre una peana y firmado como “R. Mutt”, una marca
de sanitarios.
MARCEL DUCHAMP
La Fuente (1917) Tras llegar a Nueva York en 1915, Duchamp
comenzó a descontextualizar objetos
prefabricados dotándolos de una nueva
significación. Ideó lo que él llamó los ready-
mades o esculturas realizadas con objetos
existentes y vulgares. Duchamp se había
limitado a escoger un utensilio corriente que, al
arrancarlo de su mundo cotidiano, de su
ambiente de uso, se encontró en uno de
inutilidad, privado por completo de todo valor
funcional.
Antecedente:
MARCEL DUCHAMP
(El “anartista”)
1887 - 1968
LOS READY - MADE
1923 - 1925
MAX ERNST
1891 - 1976
EL SOMBRERO HACE AL HOMBRE - 1920
EL ELEFANTE DE
LAS CÉLEBES
1921
KURT SCHWITTER
(1887 - 1948 )
EL PSIQUIATRA
1919
KURT SCHWITTERS
Merzbild 1 A (El Psiquiatra), 1919
1922
MERZ 460
1921
Hannah Hoch,
Pretty Maiden, 1920
El grupo Dadá en Paris
•Entre 1916 y 1925
• Una gran parte de estos artistas eran judíos de Europa del Este, que huían de la
represión y el temor a los pogromos, como fue el caso de los rusos Chaim Soutine
y Marc Chagall, del rumano Constantin Brancusi, del polaco Moise Kisling, o del
búlgaro Jules Pascin. También judío, aunque italiano, era Amedeo Modigliani,
llegado en 1906. La Revolución Rusa de 1917 obligó también a Tamara de
Lempicka, de clase acomodada, a refugiarse en París. Y desde Japón se trasladó el
pintor Tsuguharu Foujita.
• Todos estos artistas se vieron influidos por las tendencias y estilos que, como el
fauvismo, el expresionismo o el cubismo, se estaban desarrollando en ese
momento. La presencia de Picasso y Matisse en la ciudad, y la primera exposición
fauvista en el Salon d’Automne de 1905, contribuyeron a crear un ambiente de
gran colaboración e intercambio de ideas, que hizo posible el rápido crecimiento
de nuevos movimientos artísticos.
MARC CHAGALL, París en la ventana (1913)
MARC CHAGALL
Chagall se alojaba en el
barrio de Montparnasse, en
la llamada “colmena”,
bullicioso centro de artistas
de diversas nacionalidades.
MARC CHAGALL, El violinista (1912)
La gran sensualidad de los desnudos de Modigliani provocó un gran escándalo cuando se expusieron por primera vez en
1910. Las posturas clásicas de las obras hacen referencia a los antiguos maestros, y desafían la noción futurista de que la
era del desnudo había sido superada por la máquina. Modigliani fue un artista aislado, que se negó a unirse a los fauvistas o
a los cubistas. Sólo trabajó desnudos y retratos, con gran influencia de Cézanne y la escultura africana.
TAMARA DE LEMPICKA, Andrómeda (1929)
•Le Corbusier
•Racionalismo .
•Hacia 1929
•http://en.wikipedia.org/wiki/Villa_Savoye
Surrealismo
El movimiento surrealista nace en Francia finalizada la primera
guerra mundial. Surge en el ámbito literario, pero pronto lo abarca
todo, pensamiento, artes plásticas, cine y teatro.
El término fue inventado por Apollinaire en 1917, y se popularizó
en la revista Littérature, fundada en 1919 por André Breton, L.
Aragon y Ph. Soupault. En esa revista publicaban sus
planteamientos vanguardistas Breton, Paul Eluard, Francis
Picabia y Man Ray, entre otros muchos autores.
En 1924 se produce el primer manifiesto surrealista de Breton,
que da cuerpo al movimiento. Su ideal era sobrepasar la realidad
y llegar a una renovación de todos los valores culturales, morales
y científicos por medio del automatismo psíquico.
La producción surrealista se caracterizó por la exaltación de los
procesos oníricos, el humor corrosivo y el erotismo, concebido
todo ello como armas de lucha contra la tradición, la moral y la
cultura burguesa.
“..Cuando el hombre quiso imitar la acción de
andar, creó la rueda, que no se parece a una
pierna. Del mismo modo ha creado,
inconscientemente, el surrealismo... Después de
todo, el escenario no se parece a la vida que
representa más que una rueda a una pierna…”
Apollinaire
Derrière : Man Ray, Jean Arp, Yves Tanguy et André
Breton.
Devant : Tristan Tzara, Salvador Dalí, Paul Éluard, Max
Ernst et René Crevel.
(Photo Man Ray 1930)
“El acto surrealista más simple
consiste e salir a la calle con un
revolver en cada mano y, a ciegas,
disparar cuanto se pueda contra la
multitud. Quien nunca en la vida
halla sentido ganas de acabar de
este modo con el principio de
degradación y embrutecimiento
existente hoy en día, pertenece
claramente a esa multitud y tiene la
panza a la altura del disparo.”
Los planteamientos del movimiento surrealista contra la tradición y
vida burguesa tenían una raíz política y un sector del surrealismo
empezó a considerar insuficientes las manifestaciones culturales y
se afilió al Partido Comunista Francés. Surgieron así las primeras
discrepancias en el seno del movimiento a propósito de la relación
entre arte y política. Se sucedieron manifiestos contradictorios y el
movimiento comenzó a disgregarse. A pesar de su deterioro, en
1938 se celebra en París la Exposición Surrealista Internacional,
debido a que el movimiento se había extendido por muchos
países.
En el campo de las artes plásticas, los pintores surrealistas se
manifiestan de dos maneras diferentes, los surrealistas figurativos,
interesados por la vía onírica (Magritte, Delvaux y Dalí, entre otros)
y que se sirven del realismo y de las técnicas y recursos pictóricos
tradicionales; y los surrealistas abstractos, que practican el
automatismo psíquico puro (Masson, Miró) e inventan universos
grafico-plásticos propios.
CARACTERÍSTICAS
• Figuración con temática subjetiva de carácter onírico basada en
las técnicas del inconsciente de Freud (el carácter figurativo
desaparece en el llamado "surrealismo abstracto").
• Interpretación de la realidad desde el sueño, el inconsciente, la
magia y la irracionalidad.
• Conjunción de imágenes dispares (reales o irreales), tanto en el
tiempo como en el espacio.
• Los objetos y formas son despejados de su significación
tradicional (principio de la "desorientación"), el observador
queda desorientado, sin saber a qué atenerse.
• Creación de imágenes equívocas de manera que una misma
cosa puede ser interpretada de varias maneras (principio de la
"discordancia"), por ejemplo, una nube puede parecer la cabeza
de un animal o bien otra cosa.
• Da importancia a lo paradójico, lo absurdo, la caducidad, la
destrucción y lo misterioso.
• Además de lo onírico, representación de toda clase de
simbologías, especialmente eróticas y sexuales.
• Toca todos los estilos: clásico, barroco, ingenuismo, futurismo,
etc.
• Utilización espectacular de la perspectiva cónica, exagerando la
sensación de profundidad (creación de grandes espacios y
lejanías).
• Creación en el cuadro de juegos perceptivos e ilusionísticos.
• Ejecución pictórica minuciosa, con gran cuidado del dibujo y la
figura (Dalí).
• Utilización del claroscuro y del color modelado.
• Invención de nuevos métodos y técnicas: pintura automática,
frottage y grattage.
• Pintura automática. Pintura realizada mediante el método del
automatismo psíquico. Los surrealistas utilizarán ese método con
la intención de transformar directamente el estado psíquico del
artista en una expresión pictórica, en la que el acto creador no
sea influido estilísticamente por el pensamiento organizativo
racional.
• Frottage. Técnica inventada por Max Ernst en 1925. Consiste en
transferir al papel o al lienzo mediante fricción o frotamiento, una
superficie rugosa, por ejemplo, la de un trozo de madera. Las
dibujos y texturas que resultan se utilizan como punto de partida
de la pintura automática para la realización posterior de
imágenes fantásticas.
• Grattage. Técnica consistente en pintar colores repartiéndolos
arbitrariamente sobre una tabla de madera. Una vez secos, son
rascados o grabados con una cuchilla o un punzón afilado
creando dibujos o graffitis sobre la superficie coloreada. Esta
técnica también se utilizó como punto de partida de la pintura
automática.
SURREALISMO
• El surrealismo parte de tendencias dadaístas: Max Ernst entendió que el dadaísmo mezclaba
aspectos contradictorios de la realidad para lograr una “superrealidad”. Partió de los
assemblages dadaístas para desarrollar nuevas técnicas como el frotagge (“frotar” un lápiz
sobre una hoja colocada sobre un objeto para copiar su imagen) y el gratagge (raspar la
pintura semiseca del lienzo para dejar al descubierto las marcas de los objetos situados debajo).
• El “surrealismo onírico” recuperó las técnicas tradicionales de pintura y dibujo. Salvador Dalí,
René Magritte e Yves Tanguy, fueron influidos por la obra metafísica de Giorgio de Chirico, que
introducía esculturas y arquitecturas al modo renacentista en sus pinturas, dando importancia
al espacio vacío, con escasos objetos y estatuas inanimadas y sin cara. Todos ellos incidían en lo
enigmático y los mensajes ocultos, alterando la realidad y mostrar libremente la irracionalidad
del mundo cotidiano: sueños, fobias, deseos, perversiones y fantasías sexuales.
Salvador Dalí, El Gran Masturbador, 1929, 110 x 150 cm., óleo sobre lienzo, Museo Nacional
Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.
Salvador Dalí, La Persistencia de la Memoria, 1931, 24 x 33 cm., óleo sobre lienzo, Museum of
Modern Art. New York.
Celebes (1921)
Taza, platillo y
cuchara recubiertos
de piel, altura 7cm
Nueva York, The
museum of Modern
Art, Purchase,
130.1946.a-c.
MAX ERNST
Nada de esto sabrán los hombres (1923)
Influenciado por el filósofo Ludwig Wittgenstein, a Magritte le fascinaba la relación entre las cosas y las palabras que las designan. Aquí pinta una
pipa y después escribe: “Esto no es una pipa”. De este modo, señala la existencia de un universo paralelo en el que nada es lo que parece.
PAUL DELVAUX, Mujer ante el espejo (1936) Para Delvaux el espejo es fuente de conocimiento, el instrumento
que nos descubre nuestra conciencia. El espejo es, por tanto, la
forma de abrir la imaginación a un mundo más realista que la
propia realidad. Aquí, la exagerada visión en perspectiva y la forma
fálica que adopta el orificio de la cueva también han sido
interpretadas en clave erótica.
SALVADOR DALÍ
1904 - 1989
(1929)
Salvador Dalí, El Gran
Masturbador, 1929, 110 x
150 cm., óleo sobre lienzo,
Museo Nacional Centro de
Arte Reina Sofía, Madrid.
SALVADOR DALÍ, El gran masturbador (1929)
Salvador Dalí pinta este lienzo al final del verano de 1929. Es un cuadro La imagen del diablo en una roca antropomórfica, de la que
eminentemente autobiográfico: la gran cabeza del masturbador es una de las surge el árbol del pecado, a la derecha del panel izquierdo o del
personificaciones del propio artista, que aparece en la pintura paraíso del Jardín de las delicias de El Bosco, fue utilizada por
protagonizando varias escenas simultáneas, como reflejo de la Dalí para crear la cabeza de bruces en el suelo de El gran
transformación anímica y erótica que Dalí acababa de experimentar a causa masturbador.
de la aparición de Gala en su vida. Por otra parte, en esta inquietante
composición, las fantasías dalinianas alcanzan su cénit, en especial por lo que
respecta al motivo del saltamontes que succiona el cuerpo de la gran figura
metamorfoseada, ya que este insecto le aterrorizó siempre de forma
especial, incluso ya desde los días de su infancia.
La persistencia de la memoria
( también:
los relojes blandos
O
el tiempo fugitivo)
1931
SALVADOR DALÍ, La persistencia de la memoria (1931)
Paisaje de la costa escarpada de
Port Lligat. Acantilados bajo una
luz vespertina y melancólica.
Influencia de Picasso
“Los relojes blandos: no son nada más que
camemberts paranoico-críticos, amables y
extravagantes que se encuentran fuera del
tiempo y el espacio”
Salvador Dalí
Salvador Dalí. Ilusión Parcial, Seis
apariciones de Lenin sobre un
piano (1931)
Óleo sobre tela 114 x 146 cm
Musée National d´Art Moderne,
Centre Georges Pompidou
Salvador Dalí. Cara de Mae West que puede utilizarse
como apartamento surrealista (1934-1935)
Guache sobre papel de periódico, 31 x 17 cm
The Art Institute of Chicago
PREMONICIÓN
SOBRE LA
GUERRA CIVIL
ESPAÑOLA -
1936
Jirafa en llamas
(1936)
Oleo sobre madera 35x27 cm
Salvador Dalí, Aparición de una cara y un
frutero sobre una playa (1938)
Óleo sobre lienzo 114, 2 x 143, 7 cm
Ateneo Watdsworth, Connnecticut
Salvador Dalí.
Sueño Causado por el
Vuelo de una Abeja en
Torno a una Granada
un Segundo antes de
Despertar, 1931,
51 x 41 cm., óleo sobre
lienzo, Foundación
Thyssen-Bornemisza,
Thyssen Museum,
Madrid.
SALVADOR DALÍ
Sueño causado por el vuelo de una abeja en
torno a una granada un segundo antes del
despertar (1944)
AUTORRETRATOS
1921
1972
1954
Nació en París, (Francia) y era hijo de un capitán de marina
retirado. Sus padres eran ambos de origen bretón. A la
muerte de su padre en 1908, su madre volvió a su pueblo
natal Locronan, Finisterre, y Tanguy convivió la mayor parte
de su juventud con otros familiares.
En 1918, Yves Tanguy se embarcó en un navío mercante
antes de unirse al ejército, donde se hizo amigo de
Jacques Prévert. Al acabar el servicio militar en 1922,
volvió a París, donde trabajó en diversos oficios. Por
casualidad vio un cuadro de Giorgio de Chirico y quedó
tan impresionado que decidió convertirse en pintor
aunque no tenía la más mínima educación formal para
dedicarse a ello.
Tanguy tenía la costumbre
de quedar totalmente
absorbido por la obra en la
que estuviese trabajando.
Esta forma de crear una
obra de arte puede
obedecer a que su taller
era muy pequeño y sólo
podía albergar con
comodidad únicamente una
obra secándose.
(1942)
La divisibilidad indefinida
Gracias a su amistad con Jacques
Prévert, Tanguy fue admitido
alrededor de 1924 en el círculo
de surrealistas de André Breton.
Tanguy desarrolló con rapidez su
propio estilo pictórico, celebrando
su primera exposición individual
en 1927 en París. Ese mismo año
se casó por primera vez. Durante
esta época tan ocupada de su
vida, Breton celebró con Tanguy
un contrato para pintar 12
cuadros al año. Con sus ingresos
fijados, pintó menos y acabó
haciendo sólo 8 obras de arte
para Breton.
La rapidez de sueño
1926
René
Magritte
(1898-1967)
EL HIJO DEL
HOMBRE
1964
RENE
MAGRITTE
1898 - 1967
Tras realizar sucesivas búsquedas abstractas,
futuristas y cubistas, se orientó hacia el
surrealismo bajo la influencia de Gorgio de
Chirico, a cuyo movimiento se unió en París
desde 1927 hasta 1931. En sus cuadros
reproduce con técnica absolutamente
académica objetos y personas
convencionales agrupados de manera
paradójica.
René Magritte
El asesino
amenazado
(1926)
Óleo sobre tela,
150, 4 x 195,2 cm
MOMA
La llave de los sueños
(1927)
Óleo sobre lienzo, 38x53
cm, Munich, Pinakothek
der Moderne
René Magritte , Intentando lo
imposible (1928)
Óleo sobre lienzo 105,6 x 81
cm
Colección privada
LA CLAVE DE LOS SUEÑOS
1930
La llave del campo
(1933)
Hasta ese
momento su obra
es figurativa y
“detallista”,
como demuestra
“La Masía”, que
representa la
granja de su
familia en
Montroig, con un
grafismo de
carácter ingenuo
y realista.
• Desafiaron las nociones que se tenían sobre el mérito artístico: Relativizaron el énfasis que se ponía
en la estética de la obra de arte y promocionaron lo antiestético, lo contradictorio y lo desechable.
• Eran contrarios a la idea futurista sobre las ventajas que el progreso técnico traería a la humanidad,
y a los postulados expresionistas sobre la necesidad de un “renacer” espiritual de la sociedad: los
dadaístas creían que el arte había traicionado a la humanidad, por lo que proponían una
contestación provocativa de todos los valores y todos los modelos, en nombre de una total libertad
creativa.
• En 1917 se fundó en Berlín una rama del dadaísmo mucho más agresiva: el superdadaísmo, que fue
pionero en el uso del fotomontaje, recortando fotografías de revistas y periódicos para crear
collages absurdos y satíricos. También crearon assamblages a partir de objetos encontrados que se
fijaban en tablas o en lienzos, y en ocasiones se pintaban.
• El dadaísmo llegó a Nueva York con Marcel Duchamp y Francis Picabia. Allí conocieron al fotógrafo
Man Ray, con el que empezaron a crear obras que cuestionaban las actitudes respecto al proceso
artístico. Duchamp llevó la idea hasta el extremo con sus ready-mades, objetos funcionales
producidos industrialmente, que exponía en su estado original o ligeramente modificados. El más
famoso es “La Fuente”, un urinario volcado sobre una peana y firmado como “R. Mutt”, una marca
de sanitarios.
MARCEL DUCHAMP
La Fuente (1917) Tras llegar a Nueva York en 1915, Duchamp
comenzó a descontextualizar objetos
prefabricados dotándolos de una nueva
significación. Ideó lo que él llamó los ready-
mades o esculturas realizadas con objetos
existentes y vulgares. Duchamp se había
limitado a escoger un utensilio corriente que, al
arrancarlo de su mundo cotidiano, de su
ambiente de uso, se encontró en uno de
inutilidad, privado por completo de todo valor
funcional.
• El surrealismo parte de tendencias dadaístas: Max Ernst entendió que el dadaísmo mezclaba
aspectos contradictorios de la realidad para lograr una “superrealidad”. Partió de los
assemblages dadaístas para desarrollar nuevas técnicas como el frotagge (“frotar” un lápiz
sobre una hoja colocada sobre un objeto para copiar su imagen) y el gratagge (raspar la
pintura semiseca del lienzo para dejar al descubierto las marcas de los objetos situados debajo).
• El “surrealismo onírico” recuperó las técnicas tradicionales de pintura y dibujo. Salvador Dalí,
René Magritte e Yves Tanguy, fueron influidos por la obra metafísica de Giorgio de Chirico, que
introducía esculturas y arquitecturas al modo renacentista en sus pinturas, dando importancia
al espacio vacío, con escasos objetos y estatuas inanimadas y sin cara. Todos ellos incidían en lo
enigmático y los mensajes ocultos, alterando la realidad y mostrar libremente la irracionalidad
del mundo cotidiano: sueños, fobias, deseos, perversiones y fantasías sexuales.
MAX ERNST
Nada de esto sabrán los hombres (1923)
Influenciado por el filósofo Ludwig Wittgenstein, a Magritte le fascinaba la relación entre las cosas y las palabras que las designan. Aquí pinta una
pipa y después escribe: “Esto no es una pipa”. De este modo, señala la existencia de un universo paralelo en el que nada es lo que parece.
PAUL DELVAUX, Mujer ante el espejo (1936) Para Delvaux el espejo es fuente de conocimiento, el instrumento
que nos descubre nuestra conciencia. El espejo es, por tanto, la
forma de abrir la imaginación a un mundo más realista que la
propia realidad. Aquí, la exagerada visión en perspectiva y la forma
fálica que adopta el orificio de la cueva también han sido
interpretadas en clave erótica.
JOAN MIRÓ, La masía (1922) Joan Miró llegó
en 1919 a París,
donde entró en
contacto con el
dadaísmo y, a
partir de 1921,
con los
surrealistas.
Hasta ese
momento su obra
es figurativa y
“detallista”,
como demuestra
“La Masía”, que
representa la
granja de su
familia en
Montroig, con un
grafismo de
carácter ingenuo
y realista.
• De 1895 a 1900 residió en Barcelona y se relacionó con el grupo Els Quatre Gats. Tras un primer viaje a París, se
trasladó a Madrid para estudiar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, y en 1904 se estableció
definitivamente en París, donde conoció a Apollinaire, Max Jacob y André Salmon. Sus inicios figurativos de las
épocas azul y rosa evolucionaron por influencia de la escultura ibérica y del arte africano. En 1907, su obra Las
Señoritas de Aviñón abrió el camino a los movimientos de vanguardia.
• De su estrecha colaboración con Braque surgió el cubismo, que acabó con el sistema tradicional de
representación ilusionista del espacio. Ambos artistas inventaron un nuevo lenguaje basado en la
fragmentación y simultaneidad de la representación de la forma, en la reinterpretación de los objetos, con una
gran austeridad en el color (cubismo analítico) que fue haciéndose paulatinamente más abstracto (cubismo
sintético).
• En la posguerra, Picasso regresó a la figuración y desarrolló un tipo de pintura con figuras monumentales, que se
denominó «clásico» y que se correspondía con una tendencia generalizada de vuelta al orden que se manifestó
en Europa tras los años de ebullición vanguardista. En la segunda mitad de los años veinte, contagiado por el
ambiente surrealista, los personajes de sus obras se distorsionan y sus temas se hacen más dramáticos. Tras el
bombardeo de Guernica, realizó una gran pintura mural que presentó en el Pabellón de la República Española
de la Exposición Internacional de París de 1937.
• En los años cincuenta, comenzó a hacer recreaciones de cuadros de grandes maestros, como Courbet, Delacroix
o Velázquez. En su periodo final trató temas referentes a la muerte, al sufrimiento y al amor, otorgando gran
importancia a la subjetividad gestual y emotiva, con pinceladas muy sueltas y expresionistas
• Picasso desarrolló también una importante labor como escultor, ceramista y grabador, demostrando en cada
uno de estos campos la misma fuerza creadora que en su pintura.
PABLO PICASSO, Mujer en azul (1901)
Action Painting
Action Painting
El informalismo es un
movimiento artístico que
aparece en Europa a
finales de los años
cuarenta en el que se
utiliza un lenguaje
abstracto, donde los
materiales desempeñan
un papel decisivo.
• El informalismo , es un
movimiento introspectivo,
subjetivo, personal. Pero, al
mismo tiempo, los artistas
(Esta "Figura tumbada",
toman una nuevapintada
idea porde
muestra el cuerpo
la
Bacon, nos
Autorretrato II
654
Simulacres 20 "Psycho-sites"
Robert RAUSCHENBERG
Canyon (1959)
ANTONI
TAPIES
• En su obra más
característica dentro del
informalismo matérico,
Tàpies emplea técnicas
que mezclan los
pigmentos tradicionales
del arte con materiales
como arena, ropa, paja,
etc., con predominio
del collage y el
assemblage, y una
textura cercana al
bajorrelieve. Rectángulo negro y collage, A. Tapies
Técnica:
Oscar Cántaro
DISEÑO
HISTORIA DEL
Assemblatge
amb grafitti, Blanc sobre
1972 cartró, 1979
A sobre vermell,1976
Museo Thyssen-
Bornemisza, Madrid
Tom WESSELMANN
Collage en la bañera (1963)
Tom Wesselmann: Great American Nude No. 98, 1967
• Claes Oldenburg (1929);
representa la desmesura y el
sentido espectacular de la cultura
americana.
ARTE CONCEPTUAL
ARTE CONCEPTUAL- LAND ART
Yoko Ono
Arte
conceptual
Antoni Muntadas
Artur Barrio
Rogelio López Cuenca
Cildo Meireles
Doris Salcedo
Christo
Ai Weiwei
Tracey Emin
Carmen Calvo
John Baldessari
Sol LeWitt
Santiago Sierra
Nacho Criado
Marcel Duchamp
Weiwei Ai
Daniel Buren
Gabriel Orozco
Frederic Amat
Las aportaciones del arte Conceptual
son;
• Tiene más interés en el proceso que en la obra acabada,
valorando mucho más el proyecto artístico en sí.
• Refuerza la importancia del lenguaje escrito en el arte ya
que todo proyecto artístico necesita unas bases teóricas.
• Valora la reflexión dentro de la práctica artística.
• Enfatiza la eliminación del objeto artístico en sus
modalidades tradicionales.
• No le interesa la estética formal en el sentido tradicional de
una pintura o escultura.
• Exige nuevos métodos de elaboración.
Conceptual Art o
Arte conceptual :1965 - …..
EL ARTE CONCEPTUAL
Contexto cultural:
Guerra fría.
Post Vietnam.
Crecimiento de los medios de comunicación social.
Las aportaciones del arte Conceptual son:
Christo (Empaquetados),…
Le jeudi 27 octobre 1960. Les Nouveaux Réalistes ont pris conscience de leur
singularité collective. Nouveau Réalisme = nouvelles approches perceptives du
rèel.
Yves le monochrome, Martial Raysse, Restany, Arman, Tinguely, Spoerri-
Feinstein, Villeglé, Hains, F. Dufrêne.
• Pretenden acabar con la separación arte – vida.
A partir de 1957 solo utilizará el azul ultramar. Cromatismo plano y uniforme que
busca eliminar la subjetividad y manifestar la pura sensibilidad, una abstracción
ligada a valores espirituales. “El azul recuerda a lo sumo al mar y al cielo; después de
todo, lo más abstracto de la naturaleza tangible y visible”
El grupo de música de cámara
interpreta la Sinfonía Monótona-
Silencio (una sola nota mantenida
durante 20 minutos, seguidos de otros
veinte de silencio. Klein dirige a sus
“pinceles vivientes” que presionan sus
cuerpos embadurnados con el azul IK
contra los lienzos extendidos sobre el
suelo y la pared
La obra resultante es el
residuo o recuerdo de la
acción
The new revelation:
printing the feelings of flesh
The new position of the painter
Klein
directing his
“full of life”
brush
Hiroshima. 1961
Antropometrías
An absolute success
Yves Klein,
ANTROPOMETRÌ Yves Klein,
A 54, 1960 ANTROPOMET
RÌA 74, 1960 Yves Klein,
ANTROPOMET
RÌA 92, ca. 1960
A new language : the gold
Yves Kein, Trilogy of the monocrome
Yves Klein, Monocrome 6, 1956
Los happenings son acciones colectivas en las que artistas y público comparten
protagonismo artístico, el happening quiere apropiarse directamente de la vida a
través de una acción.
• Su estructura es una forma abierta con un proyecto previo, un guión donde se
formula la idea de la acción dejando los detalles al azar de la evolución del
evento.
• La materialidad podría ser cualquier cosa, objeto, fragmento o momento de la
acción.
• La composición se desarrolla como un collage de acontecimientos con ciertos
tramos temporales y en ciertos espacios.
• La performance, es similar por ser también arte de acción, pero se
diferencia en la existencia de una distinción entre performer y espectador.
Algunos artistas del arte de acción
Fue el artista lituano Georges Maciunas quien empleó por primera vez ese término
latino que significa fluir, dejar correr. Era el año 1962 y pretendía subrayar el aspecto
efluente de unas obras que nacen y mueren prácticamente en el mismo lugar y
momento en que se crean. El Arte Fluxus aúna todas las expresiones, desde la música
a las artes plásticas, y aspira a hibridar lo culto y lo popular. El resultado es una
actuación interactiva en la que la participación del espectador es fundamental y el valor
mercantil de la obra es prácticamente inexistente.
El movimiento Fluxus pretende desacralizar el objeto y hacer Arte con la propia vida.
Panfletos, carteles, y otras herramientas del mundo publicitario son casi siempre parte
del espectáculo.
• El movimiento Fluxus; Su nombre está asociado
a la idea de cambio, de fluir constante, de oposición
a cualquier tipo de norma. Pretendían la destrucción
del arte como actividad profesional cuestionando los
conceptos de belleza y bellas artes. Su precursor fue
Duchamp.
• Richard Long
• Robert Morris
• Robert Smithson
• Christo y Jeanne Claude
• Michael Heizer
• Nicolás García Uriburu
Robert Smithson
Robert Smithson (Nueva Jersey, 2 de enero de
1938 – 20 de julio de 1973) fue un artista
contemporáneo del movimiento llamado Land
Art. Estudió pintura y dibujo en la ciudad de
Nueva York. Su tipo de pintura preferida es la
pintura abstracta, tipo de pintura que dejó para
consagrarse, a partir de 1962, a la escultura.
Comenzó a trabajar en los lugares suburbanos,
empleando para sus trabajos el término Earth
Works (obras de tierra).
Espejo de Yucatán
Espiral Jetty
Circulo Roto
Rober SMITHSON
Spiral Jetty (1970)
Robert SMITHSON
Broken circle (1971)
• CHRISTO: (1935)
David DiMichele
Artistas
-vibración,
-parpadeo,
-movimiento aparente, efecto muaré
Se forma cuando se
superponen dos rejillas de
líneas con un cierto ángulo
Crea efectos visuales mediante la -repetición y multiplicación
utilización de: de estructuras
-contrastes cromáticos
Crea efectos visuales mediante la -repetición y multiplicación
utilización de: de estructuras
-contrastes cromáticos
Crea efectos visuales mediante la
utilización de:
-tramados
Crea efectos visuales mediante la
utilización de: - líneas paralelas sinuosas
- Participación del observador: en muchos casos el observador
necesita moverse delante de la obra para apreciar toda la gama de efectos
ópticos.
- Muchas veces utilizan colores
planos, con empleo frecuente
pintura acrílica para conseguir
colores lisos y uniformes
Alexander Calder, Red Mobile, 1956
ANTECEDENTES
• MOHOLY NAGI
Moholy Nagy,
Victor Vassarelly
"Corriente"; 1964.
Bridget Riley
Bridget Riley
Eusebio Sempere:
"Collage"; 1964.
Eusebio Sempere
(España, 1923-1985)
PowerPoint Presentation:
Estes, Richard .-Central , 1975 Estes, Richard .-Cafe Express. 1975
Cabinas telefónicas:
Cabinas telefónicas
PowerPoint Presentation:
R. Goings. Paul's Corner
PowerPoint Presentation:
C. Close. Linda
SE NUTRE CON
TRAMPANTOJO
FOTOGRAFIA
PRECISIONISMO
SE CARACTERIZA POR Buscan una
transcripción
Conseguir el de la
mismo realidad
Las pinturas dan
detallismo y
la impresión de
encuadre que
ser fotos
ofrece la
gigantes
fotografía Cuidan mucho
las
dominan a la
proporciones,
perfección técnicas
las luces, los
de perspectiva y
reflejos y las
puntos de fuga.
sombras
Hiperrealismo
USA. Finales de los sesenta como derivación del POP
Sestina. 2002.
Banco. 2006.
J. Koons: Conejo. 1986.
Arte Urbano.
Motivschimmel-Zerbrochene
Brucke. 1986.
Dama del sur. 1994.
Mamá folklore. 1997.
Im Wald und auf der Heide
(Der Auftritt). 2005.
A.R. PENK
Posición. 1971.
España postmoderna.
Batalla. 2004.
ARTE DEL SIGLO XXI
• El arte actual podemos definirlo como un torrente de creatividad.
• Nunca como ahora ha habido más variedad de soportes artísticos: los
tradicionales y los nuevos (Infoarte, netart, video arte, instalaciones...)
• Y nunca como ahora ha habido más multitud de propuestas y estilos
creativos, al no haber dogmas ni manifiestos, e imponerse una absoluta
libertad.
• Nunca como ahora la masa social se ha involucrado tanto en el mundo
artístico (turismo cultural, grandes exposiciones, ferias de arte, el diseño o
la moda)
• Es tal la cantidad y variedad de obras y artistas que su sistematización y
estudio es muy difícil hoy en día.
• Además también es cierto que mucho del arte actual es provocador y
conceptual, y ello provoca una permisividad cercana al “todo vale”. Es
probable por ello que mucho del arte actual, no pase la criba de la Historia.
Lo último en pintura.
Plan B. 2001
L. Bourgeois: El nido.
MINIMALISMO – LOUISE BURGEOIS
L. Bourgeois: Arañas. Rockefeller Center. 2001.
J. Koons: Three Ball Total Equilibrium Tank
(Two Dr J Silver Series, Spalding NBA Tip-
Off). 1985.
• El vídeoarte es la gran
aportación artística de finales
del S. XX
• No debe confundirse ni con
videoclips, ni con spots
publicitarios, ni con la
televisión, aunque el soporte
sea el mismo
• El vídeo arte es un modo de
creación artístico.
• Su iniciador es el coreano
Nam June Paik, aunque
seguido hoy por innumerables
artistas
Net Art
N. Koert: Tammy.
CINDY SHERMAN.
Betty. 1977
Betty. 1988
Instalación. 1991.
S. Tunic
S. Tunic
CHEMA MADOZ.
S. Fernández. La
conquista. Arco. 2007
D. Dolron: Xteriors
XIII. Arco. 2007
Repaso 1. Relaciona cada concepto con los
que le correspondan:
3
1
2 4
Solución.
2
1
3 4
Solución.