Modulo de Cultura Estética

UNIVERSIDAD NACIONAL DE LOJA
ÁREA DE LA EDUCACIÓN, EL ARTE Y LACOMUNICACION
CARRERA DE MÚSICA
LA MÚSICA EN EL CONTEXTO MUNDIAL,

LATINOAMERIANO Y NACIONAL
(DESARROLLO HISTORICO-SOCIAL)
TALLER DE CULTURA ESTÉTICA MUSICAL
MODULO III
MODALIDAD PRESENCIAL
PERIODO SEPTIEMBRE 2011-FEBRERO 2012
Coordinación del Curso: Lic. Verónica Pardo Frias
Lic. José Aníbal Pucha Sivisapa

COORDINADOR DE LA CARRERA
LOJA - ECUADOR
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CULTURA ESTÉTICA.
1. PRESENTACIÓN.
La formación profesional que la Universidad Nacional de Loja viene brindando a

los estudiantes, pretende estructurar las actividades educativas favoreciendo y
preocupándose en cada momento del desarrollo humano social, es por ello que el
estudio de este curso permitirá al estudiante conocer la estética desde la
perspectiva musical, ya que la falta de conocimiento cultural es lo que no nos ha
permitido avanzar en el desarrollo de nuestras sociedades, prueba de ello es la
riqueza cultural que nos han legado nuestros antepasados y de los cuales
deberíamos aprender o recoger las experiencias vividas para aplicarlas en nuestro
desarrollo humano, cultural y social.
El elemental conocimiento que las personas poseen sobre la música universal,

latinoamericana y nacional, incide negativamente en la valoración y comprensión
del desarrollo de la música.
En el curso de Cultura Estética, el alumno de la Carrera Superior de Música

adquirirá un conocimiento básico de los lenguajes artísticos que comprende esta
importante área, tanto a nivel contemplativo como creativo, para tener el
conocimiento y la experiencia necesarias para desenvolverse dentro del área de la
Cultura Estética en el ejercicio profesional en los diferentes niveles de la educación
ecuatoriana.
Con el tratamiento de este curso se pretende despertar en el alumno la creatividad,

sensibilidad, criticidad y reflexión desde el punto de vista estético, en relación a las
diversas manifestaciones artísticas que se abordarán en el mismo.
El curso tendrá una duración de cinco meses, del 13 de septiembre de 2011 a

febrero 17 de 2012 con un encuentro presencial por semana, para la modalidad de
estudios presencial, tiempo en el que el alumno deberá ir desarrollando los
contenidos teóricos, el proceso investigativo y la vinculación con la colectividad.
2. JUSTIFICACIÓN.
El presente curso nace de acuerdo a la problemática planteada en el módulo como

lo es la falta de preparación y conocimiento de la música en el aspecto universal,
latinoamericano y nacional, razón suficiente para que la Universidad Nacional de
Loja a través del Área de la Educación el Arte y la Comunicación y por intermedio
de la Carrera de Música pretendan avanzar en el logro de los conocimientos de la
historia, para contribuir a un cambio de actitudes de los individuos en cuanto a la
cultura del arte estético musical se refiere.
Es importante que en esta fase de formación del estudiante se vayan moldeando

sus actitudes para que cuando llegue a ser un profesional sea un ente critico en lo
que respecta a las manifestaciones artísticas de nuestros pueblos, ya que solo
conociendo el desarrollo del arte musical es que podremos comprender y valorar
2
dichas manifestaciones artístico-culturales que se están perdiendo debido a la falta
de apoyo no solo de los gobiernos sino también de las instituciones.
El presente curso denominado: Cultura Estética, va a permitir a los estudiantes de

la Carrera Superior de Música, tanto en la mención de educación musical, como de
instrumentista, reflexionar acerca de la importancia de la vivencia estética, que
permite al individuo la integralidad en su ser y hacer, pues podrá actuar tanto con
su inteligencia cognitiva como con la que tiene que ver con la emotividad
(inteligencia emocional), acrecentando su sensibilidad y creatividad, facultades que
le permitirán contribuir al mayor entendimiento de sí mismo, de su entorno y del
mundo.
3. OBJETIVOS.
3.1. OBJETIVO GENERAL.

Contribuir a la formación personal y profesional del educador musical y del
instrumentista a través del desarrollo del conocimiento de los diferentes
lenguajes artísticos que conforman el área de Cultura Estética, en forma
teórica y práctica, para que en el ejercicio de su práctica profesional puedan
desarrollar en los educandos la sensibilidad y creatividad que contribuya a su
formación integral.
3.2. OBJETIVOS ESPECÍFICOS.

• Conocer y reflexionar, con los estudiantes, sobre la importancia de la
Cultura Estética en la formación del ser humano.
• Caracterizar y desarrollar, con los estudiantes, los diferentes lenguajes
artísticos que hacen parte de la Cultura Estética, tanto en forma teórica como
práctica.
• Desarrollar, en los participantes, procesos y formas de comunicación
interpersonal, orientados a generar y fortalecer el aprendizaje colaborativo.
• Fomentar, en los estudiantes, la práctica de valores sociales, intelectuales,
éticos y estéticos para el ejercicio de la profesión.
4. CONTENIDOS.
PRIMER MOMENTO:
GENERALIDADES DE LA CULTURA ESTÉTICA.
1.1. La Historia de la estética
1.2. Definición
1.3. Primeras teorías estéticas
1.4. Estética Moderna
1.5. Estética Contemporánea
1.6. Estética y Arte
1.7. Concepto de Cultura Estética
1.8. Concepto de Cultura Estética Musical
1.9. La Cultura Estética en la Educación Básica
SEGUNDO MOMENTO:
LA PRÁCTICA INSTRUMENTAL- DESARROLLO RÍTMICO AUDITIVO.
2. CULTURA
2.1. Origen del término
2.2. Definición
2.3. Identidad Cultural
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2.4. Partes fundamentales de la música.
2.5. LA PRÁCTICA INSTRUMENTAL ESCOLAR
2.6. ¿Qué es la Práctica?.
2.7. Inicialización del niño en la práctica instrumental.
2.8. Efectos de la música en la educación escolar
2.9. Educación musical en la escuela.
2.10. Importancia de la educación musical.
2.11. Objetivos de la educación musical.
2.12. La Práctica Instrumental en el Ecuador
2.13. DESARROLLO RÍTMICO-AUDITIVO
2.14. ¿Qué es el desarrollo?
2.15. El Desarrollo Artístico-Musical.
2.16. La Educación Rítmica.
2.17. Desarrollo Rítmico-Auditivo.
2.18. La Educación Rítmico- Auditiva en el pensum escolar, y a nivel escolar.
TERCER MOMENTO.
LAS ARTES PLÁSTICAS- Y EL LENGUAJE DE LAS ARTES DE
REPRESENTACIÓN.
3. LAS ARTES PLÁSTICAS.
3.1. Importancia de la Expresión Plástica en la Educación.
3.2. Los Elementos de la Expresión Plástica.
3.3. Las Técnicas de Expresión Plástica.
3.4. La Plástica y la Música.
4. EL LENGUAJE DE LAS ARTES DE LA REPRESENTACIÓN
4.1. El Teatro.
4.2. Elementos del Teatro.
4.3. El Proceso de Montaje Teatral.
4.4. El Teatro de Títeres.
4.5. La Danza.
4.6. Importancia de la Danza.
4.7. La Coreografía.
4.8. La Música y la Danza.
4.9. El Cine.
4.10. El Video.
5. ACTIVIDADES Y METODOLOGÍA
ACTIVIDADES POR MOMENTOS:
MOMENTO 1
Actividad Uno:
Elaboración de un resumen acerca de las generalidades de la cultura estética.
Apoyo Teórico:
Primer Momento de los contenidos teóricos del curso.
Estrategia Metodológica:
 Elaborar el estudio crítico del apoyo teórico, selección y utilización de
información científico – teórico en relación a las generalidades de la Cultura
Estética.
 Analizar los referentes teóricos más sobresalientes.
 Señale las ideas principales y secundarias de los referentes teóricos.
 Elabore un resumen sobre los aspectos más sobresalientes de la Cultura
Estética.
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Actividad Dos:
Elaboración y presentación de un mapa conceptual grupal acerca de: Que es
cultura estética, su objetivo principal y sobre sus recomendaciones metodológicas
generales para la selección de textos y materiales de la música, estética moderna,
estética y arte, etc.
Apoyo Teórico:
Contenidos del primer momento.
 Realizar el estudio crítico individual y grupal del apoyo teórico, selección y
utilización de información científico – teórico en relación al Área de Cultura
Estética, su objetivo, y recomendaciones.
 Analizar los referentes teóricos más sobresalientes.
 Elaborar un mapa conceptual en relación al Área de Cultura Estética, su
objetivo, y recomendaciones.
Actividad Tres:
Informe grupal acerca de la realidad del área de Cultura Estética en los centros
educativos de la ciudad de Loja.
Apoyo Teórico:
Contenidos del curso de Cultura Estética.
 Conformar los grupos de investigación (hasta de cuatro estudiantes).
 Seleccionar una población donde realizar la investigación.
 Analizar el escenario en el que se presenta el problema.
 Elaboración y presentación grupal de un informe acerca de la realidad de la
Cultura Estética en los Centros Educativos de la ciudad de Loja.
LOS PRODUCTOS ACREDITABLES QUE CORRESPONDEN AL MOMENTO
UNO, DEBERÁN ENTREGARSE, como plazo máximo: hasta el día viernes 28 de
octubre de 2011, en la modalidad presencial.
MOMENTO 2
ACTIVIDAD 1
Resumen individual de los principales aspectos tratados acerca de la práctica
instrumental y el desarrollo rítmico – auditivo a nivel escolar.
 Información científico – teórico en relación a la práctica instrumental a nivel
escolar.
 Analice los referentes teóricos más sobresalientes.
 Elabore un resumen sobre la Práctica instrumental y el desarrollo rítmico
auditivo a nivel escolar.
ACTIVIDAD 2
Realizar de forma individual, una audición de alguna agrupación instrumental en el
internet (You Tube) y emitir un breve análisis sobre los aspectos concernientes al
desarrollo rítmico – auditivo en el nivel escolar abordando los temas tratados en el
curso.
 Realice el estudio crítico del apoyo teórico, selección y utilización de
información científico – teórico en relación a la audición que escoja del
portal You Tube.
 Analice las partes fundamentales de la música en la audición escogida.
 Elabore un informe sobre la audición.
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DOS,
DEBERÁN ENTREGARSE, como plazo máximo: hasta el día viernes 16 de
diciembre de 2011, en la modalidad presencial.
MOMENTO 3
Actividad Uno:
Luego de leer comprensivamente lo referente a las artes plásticas y al lenguaje de
las artes de representación, elabore un diagrama de llaves.
Apoyo Teórico:
Tercer Momento de los contenidos teóricos del curso.
 Conformar los grupos de trabajo.
 Realice el estudio crítico del apoyo teórico, selección y utilización de
información científico – teórico en relación a las artes plásticas y al lenguaje
de las artes de representación
 Analice los referentes teóricos más sobresalientes.
 Elaboración de un diagrama de llaves sobre los temas: las artes plásticas y
el lenguaje de las artes de representación.
TRES,
DEBERÁN REALIZARSE de acuerdo al cronograma establecido para el efecto, y
no deberá sobrepasar las siguientes fechas:
Hasta el día viernes 10 de febrero de 2012, en la modalidad presencial.
METODOLOGÍA.
Para la operativización del curso de Cultura Estética, se realizará el tratamiento de
los contenidos teóricos y el desarrollo del proceso investigativo, a través de
técnicas de trabajo grupal y aprendizaje colaborativo entre las que están:
rompecabezas, plantillas, resúmenes, mapas conceptuales y otros organizadores
gráficos.
Los grupos serán variados para el trabajo en clase, desde dos estudiantes. Para
las exposiciones de los trabajos de los alumnos se utilizarán técnicas variadas
tales como: debates, mesas redondas, panel foro, exposiciones, collage,
demostraciones prácticas, entre otras.
Para el desarrollo de la investigación formativa, se integrarán grupos fijos de tres a
cuatro estudiantes, a los cuáles se les dará tutoría permanente, revisando con
frecuencia los avances y dando las sugerencias pertinentes para su mejoramiento.
6. RESULTADOS ESPERADOS.
 Desarrollar en los estudiantes la capacidad de comunicarse mediante el uso
adecuado de los lenguajes musicales, de las artes plásticas y las artes de la
representación, como parte del currículo del área de cultura estética.
 Desarrollar en los estudiantes la capacidad de apreciación de la música, las
artes plásticas y de la representación en sus diversas formas y expresiones
culturales, para un mejor desempeño del proceso enseñanza - aprendizaje.
 Que los estudiantes relacionen la música, las artes plásticas y de la
representación con el desarrollo del ser humano.
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7. LINEAMIENTOS PARA LA EVALUACIÓN, ACREDITACIÓN Y CALIFICACIÓN
Evaluación:
• La evaluación se realizará en un proceso permanente y sistemático, a través de
instrumentos de autoevaluación y coevaluación para retroalimentar el proceso
enseñanza-aprendizaje, por un lado, y por otro lado, para sustentar la acreditación
del estudiante.
Acreditación:
• Para acreditar los estudiantes deben cumplir con todas las actividades planteadas
en cada uno de los momentos del desarrollo del curso y presentar los productos
acreditables referidos al tratamiento de los contenidos teórico-prácticos del mismo.
• La acreditación se realizará al final de cada momento en el desarrollo del curso, con
la calificación que, luego de ser conocida por los estudiantes, será consignada en la
secretaría de la carrera. La acreditación final del curso será igual al promedio de las
acreditaciones de los tres momentos.
Calificación:
• La calificación será consignada en una escala de 0 a 10 puntos, lo que permitirá
cumplir con la normatividad institucional que establece un mínimo de 7/10,
equivalente a buena, para la aprobación del curso.
Para efectos de acreditación y calificación los criterios de evaluación serán de
acuerdo al siguiente detalle:
PARÁMETROS A EVALUAR EQUIVALENCIA
 Valores y actitudes: puntualidad, asistencia y compromiso institucional 0.5
 Trabajo individual Desarrollo de las guías 4
 Exposiciones – socializaciones 1
 Proceso investigativo 4
 Pruebas orales y escritas 0.5
TOTAL 10
Además, como está estipulado en el Reglamento de Régimen Académico de la
Universidad Nacional de Loja el estudiante deberá asistir por lo menos al 80% de las
actividades académicas presenciales.
8. PERSONAL DOCENTE:
Coordinación del curso: Lic. Verónica Fernanda Pardo Frías
Correos electrónicos: [email protected]
9. BIBLIOGRAFÍA:
• CHIRRE FRITAS, Fortunato.- Aprende y Domina el teatro Escolar.- Corporación
Editora Chirre S-A. Lima-Perú. 2008.
• CONSEJO NACIONAL DE EDUCACIÓN.- Ministerio de Educación y
Cultura.REFORMA CURRICULAR PARA LA EDUCACIÓN BÁSICA.- Segunda
edición.- Unidad Técnica MED.- Quito-Ecuador.- Mayo, 1997.
• Hemsy, Violeta de Gainza. LA INICIACIÓN MUSICAL DEL NIÑO. Ricordi Americana
S.A. Buenos Aires-Argentina. 1964
• Ministerio de Educación y Cultura del Ecuador. FUNDAMENTOS
PSICOPEDAGÓGICOS DEL PROCESO DE ENSEÑANZA-APRENDIZAJE.
DINACAPED. Quito-Ecuador; 1992.
• Ministerio de Educación y Cultura del Ecuador. MANUAL DE CULTURA ESTÉTICA.
Quito-Ecuador. 1997
MONTAÑEZ, Mónica Amieva. Investigadora de la Universidad Autónoma de
Barcelona.- REFLEXIONES DE PROFESIONALES DE LA EDUCACIÓN.-El Reto de
la
Educación Estética como Ejercicio de Democracia.-México.- Marzo 2009.
7
• Revista: UNAP EDUCACIÓN Y DESARROLLO, Año 1, Nº 1, Marzo 2000, de la
Universidad Arturo Prat, Sede Victoria, IX Región de "La Araucanía", Chile.
• WILLEMS, Edgar. EL OÍDO MUSICAL. Ediciones Paidós. España. 2001.
10. WEBGRAFÍA:
• Enciclopedia Encarta 2009. Corporación Microsoft.
• http://es.wikipedia.org
• http://html.rincondelvago.com
• http://mirthaluzfacundo.blogspot.com
• http://platea.pntic.mec.es
• http://www.edu.gov.ec
• http://www.filomusica.com
• http://www.freewebs.com
• http://www.juntadeandalucia.es
• http://www.maestrodemusicacom.ar
• http://www.monografias.com
• http://www.othontellez.com.mx
• http://www.recercat.net
Equipo Docente: Lic. Verónica Pardo Frías

Lugar y fecha: Loja, Septiembre de 2011.
DESARROLLO DE CONTENIDOS.
La Historia de la estética es una disciplina de las ciencias sociales que estudia la

evolución de las ideas estéticas a lo largo del tiempo. La estética es una rama de la
filosofía que se encarga de estudiar la manera cómo el razonamiento del ser humano
interpreta los estímulos sensoriales que recibe del mundo circundante. Se podría
decir, así como la lógica estudia el conocimiento racional, que la estética es la ciencia
que estudia el conocimiento sensible, el que adquirimos a través de los sentidos.
Entre los diversos objetos de estudio de la estética figuran la belleza o los juicios de
gusto, así como las distintas maneras de interpretarlos por parte del ser humano. Por
tanto, la estética está íntimamente ligada al arte y al estudio de la historia del arte,
analizando los diversos estilos y periodos artísticos conforme a los diversos
componentes estéticos que en ellos se encuentran. A menudo se suele denominar la
estética como una “filosofía del arte”.
El término estética proviene del griego “sensación”. Fue introducido por el filósofo
alemán Alexander Gottlieb Baumgarten en su obra Reflexiones filosóficas acerca de
la poesía (1735), y más tarde en su Aesthetica (1750). Así pues, la Historia de la
estética, rigurosamente hablando, comenzaría con Baumgarten en el siglo XVIII,
sobre todo con la sistematización de esta disciplina realizada por Immanuel Kant. Sin
embargo, el concepto es extrapolable a los estudios sobre el tema efectuados por los
filósofos anteriores, especialmente desde la Grecia clásica. Cabe señalar, por
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ejemplo, que los antiguos griegos tenían un vocablo equiparable al actual concepto
de estética, que era (filocalía), “amor a la belleza”. Se podría decir que en Grecia
nació la estética como concepto, mientras que con Baumgarten se convierte en una
ciencia filosófica.
Definición:
La estética es la rama de la filosofía que tiene por objeto el estudio de la esencia y la
percepción de la belleza. Formalmente se le ha definido también como "ciencia que
trata de la belleza de la teoría fundamental y filosófica del arte". La palabra deriva de
las voces griegas «sensación, percepción», de (aisthesis) «sensación, sensibilidad».
La estética estudia las razones y las emociones estéticas, así como las diferentes
formas del arte. La Estética, así definida, es el dominio de la filosofía que estudia el
arte y sus cualidades, tales como la belleza, lo eminente, lo feo o la disonancia,
desde que en 1750 (en su primera edición) y 1758 (segunda edición publicada)
Baumgarten usara la palabra "estética" como "ciencia de lo bello, misma a la que se
agrega un estudio de la esencia del arte, de las relaciones de ésta con la belleza y los
demás valores".
Algunos autores han pretendido sustituirla por otra denominación: calología, que
atendiendo a su etimología significa ciencia de lo bello (kalos, «bello»).
La crítica y la psicología del arte, aunque disciplinas independientes, están
relacionadas con la estética. La psicología del arte está relacionada con elementos
propios de esta disciplina como las respuestas humanas al color, sonido, línea, forma
y palabras, y con los modos en que las emociones condicionan tales respuestas. La
crítica del arte se limita en particular a las obras de arte, y analiza sus estructuras,
significados y problemas, comparándolas con otras obras, y evaluándolas.
El término "estética" fue acuñado en 1753 por el filósofo alemán Alexander Gottlieb
Baumgarten, pero el estudio de la naturaleza de lo bello había sido una constante
durante siglos. En el pasado fue, sobre todo, un problema que preocupó a los
filósofos.
Desde el siglo XIX, los artistas también han contribuido a enriquecer este campo con
sus opiniones.
La idea y la palabra de Baumgarten hicieron fortuna. No fue él el creador de las
teorías sobre la belleza, que formaron parte de la filosofía desde siempre, sino tan
sólo su recopilador y etiquetador.
Definida así, la estética se encuadra mejor en la psicología que en el arte, del que
pretende ser la filosofía. Y esa es en efecto la raíz de la estética, la percepción;
porque al fin y al cabo las cosas son para nosotros como las percibimos, tanto si
coincide nuestra percepción con la realidad, como si no. Pero no se detiene ahí la
estética, puesto que se ve obligada a estudiar y definir qué formas han de tener las
cosas para que sean percibidas como bellas por la mayoría. Y aquí tenemos un
nuevo elemento distorsionado: la percepción de la mayoría induce a determinar que
la sensación que percibe cada uno, tiene tanto más altas garantías de objetividad,
cuantos más son los que coinciden en una misma forma de percepción.
En el poco tiempo que tiene la estética como disciplina filosófica y empírica, ha tenido
oportunidad de dar muchos tumbos. Hoy (como siempre) asistimos a la creación de
líneas estéticas efímeras, gracias sobre todo al inmenso poder de los medios de
comunicación.
La estética es una reflexión filosófica que se hace sobre objetos artísticos y naturales,
y que produce un “juicio estético”. La percepción sensorial, una vez analizada por la
inteligencia humana, produce ideas, que son abstracciones de la mente, y que
pueden ser objetivas o subjetivas. Las ideas provocan juicios, al relacionar elementos
sensoriales; a su vez, la relación de juicios es razonamiento. El objetivo de la estética
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es analizar los razonamientos producidos por dichas relaciones de juicios. Las ideas
evolucionan con el tiempo, adaptándose a las corrientes culturales de cada época.
Dicha evolución será por tanto el objeto de estudio de la Historia de la estética.
CLASE DEL 04 DE OCTUBRE DE 2011
Primeras teorías estéticas
La primera teoría estética de algún alcance fue la formulada por Platón, quien
consideraba que la realidad se compone de formas que están más allá de los límites
de la sensación humana y que son los modelos de todas las cosas que existen para
la experiencia humana. Los objetos que los seres humanos pueden experimentar son
ejemplos o imitaciones de esas formas.
La labor del filósofo, por tanto, consiste en comprender desde el objeto
experimentado o percibido, la realidad que imita, mientras que el artista copia el
objeto experimentado, o lo utiliza como modelo para su obra. Así, la obra del artista
es una imitación de lo que es en sí mismo una imitación. En su diálogo El Banquete
indicaba la diferencia entre contemplar la apariencia de belleza y alcanzar la propia
idea de lo bello. El pensamiento platónico tenía una marcada tendencia ascética
(AUSTERA).
En otro de sus más famosos diálogos, La República, fue aún más lejos al repudiar a
algunos tipos de artistas de su sociedad ideal porque pensaba que con sus obras
estimulaban la inmoralidad o representaban personajes despreciables, y que ciertas
composiciones musicales causaban pereza e incitaban a los individuos a realizar
acciones que no se sometían a ninguna noción de medida.
Aristóteles también habló del arte como imitación, pero no en el sentido platónico.
Uno podía imitar las "cosas como deben ser", escribió, y añadió que "el arte
complementa hasta cierto punto lo que la naturaleza no puede llevar a un fin".
El artista separa la forma de la materia de algunos objetos de la experiencia, como el
cuerpo humano o un árbol, e impone la forma sobre otra materia, como un lienzo o el
mármol. Así, la imitación no consiste sólo en copiar un modelo original, sino en
concebir un símbolo del original; más bien, se trata de la representación concreta de
un aspecto de una cosa, y cada obra es una imitación de un todo universal.
Para Aristóteles y Platón, la estética era inseparable de la moral y de la política. El
primero, al tratar sobre la música en su Política, mantenía que el arte afecta al
carácter humano y, por lo tanto, al orden social. Dado que Aristóteles sostenía que la
felicidad es el destino de la vida, creía que la principal función del arte es
proporcionar satisfacción a los hombres.
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En su gran obra sobre los principios de la creación artística, Poética, razonaba que la
tragedia estimula las emociones de compasión y temor, lo que consideraba pesimista
e insano, hasta tal punto que al final de la representación el espectador se purga de
todo ello. Esta catarsis(PURIFICACION) hace a la audiencia más sana en el plano
psicológico y, así, más capaz de alcanzar la felicidad. Desde el siglo XVII, el drama
neoclásico estuvo muy influido por la Poética aristotélica. Las obras de los
dramaturgos franceses Jean Baptiste Racine, Pierre Corneille y Molière, en particular,
se acogían a los principios rectores de la doctrina de las tres unidades: tiempo, lugar
y acción. Este concepto dominó las teorías literarias hasta el siglo XIX.
Aunque vinculado al neoplatonismo, el filósofo del siglo III Plotino otorgó una mayor
importancia al arte que el propio Platón. En sus tesis exponía que el arte revelaba la
forma de un objeto con mayor claridad que la experiencia normal y lleva al alma a la
contemplación de lo universal.
Estética Moderna
El gran impulso dado al pensamiento estético en el mundo moderno se produjo en

Alemania durante el siglo XVIII. En su Laocoonte o los límites entre la pintura y la
poesía (1766), el crítico Gotthold Ephraim Lessing sostuvo que el arte esta
autolimitado y logra su elevación sólo cuando estas limitaciones son reconocidas. El
crítico y arqueólogo Johann Joachim Winckelmann mantuvo que, de acuerdo con los
antiguos griegos, el mejor arte es impersonal y expresa la proporción ideal y el
equilibrio más que la individualidad de su creador. El filósofo Johann Gottlieb Fichte
consideraba la belleza una virtud moral. Al crear un mundo en el que la belleza, al
igual que la verdad, es un fin, el artista anuncia la absoluta libertad, que es el objetivo
de la voluntad humana. Para Fichte, el arte es individual o social, aunque satisface un
importante propósito humano.
El también filósofo Immanuel Kant estuvo interesado en los juicios del gusto estético.
En su obra Crítica del juicio (1790) proponía que los objetos pueden ser juzgados
bellos cuando satisfacen un deseo desinteresado que no implica intereses o
necesidades personales. Además, el objeto bello no tiene propósito específico y los
juicios de belleza no son expresiones de las simples preferencias personales sino
que son universales.
Aunque uno no pueda estar seguro de que otros estarán satisfechos por los objetos
que juzga como bellos, puede al menos decir que otros deben estar satisfechos. Los
fundamentos de la respuesta del individuo a la belleza, por lo tanto, existen en la
estructura de su pensamiento. El arte debería dar la misma satisfacción
desinteresada que la belleza natural. Resulta paradójico que el arte pueda cumplir un
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destino que la naturaleza no puede: puede ofrecer belleza y fealdad a través de un
objeto. Una hermosa pintura de un rostro feo puede incluso llegar a ser bella.
Según Georg Wilhelm Friedrich Hegel, el arte, la religión y la filosofía suponen las
bases del desarrollo espiritual más elevado. Lo bello en la naturaleza es todo lo que
el espíritu humano encuentra grato y conforme al ejercicio de la libertad espiritual e
intelectual. Ciertas cosas de la naturaleza pueden ser más agradables y placenteras,
y estos objetos naturales son reorganizados por el arte para satisfacer exigencias
estéticas. Su obra Estética (1832) fue un punto de referencia importante para la
estética moderna al aplicar los principios de su sistema al análisis de la obra de arte y
de la historia.
Por su parte, Arthur Schopenhauer creía que las formas del Universo, como las
formas platónicas eternas, existen más allá de los mundos de la experiencia, y que la
satisfacción estética se logra contemplándolos por el propio interés que provocan,
como medios de eludir el angustioso mundo de la experiencia cotidiana. Otorgó una
especial importancia a la música y analizó, de un modo original, los rasgos del artista.
Fichte, Kant y Hegel marcaron una línea directa de evolución.
Schopenhauer atacó a Hegel pero estuvo influido por el enfoque de Kant de la
contemplación desinteresada. Friedrich Nietzsche aceptó en sus primeras obras la
influencia de la visión de Schopenhauer, para discrepar más tarde de su magisterio.
Nietzsche estaba de acuerdo con que la vida es trágica, pero esta idea no debería
excluir la aceptación de lo trágico con alegre espíritu, pues su realización plena es el
arte.
Estética Contemporánea
Cuatro filósofos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX aportaron con sus
respectivos pensamientos las principales influencias estéticas contemporáneas.
En Francia, Henri Bergson definió la ciencia como el uso de la inteligencia para crear
un sistema de símbolos que describa la realidad aunque en el mundo real la
falsifique. El arte, sin embargo, se basa en intuiciones, lo que es una aprehensión
directa de la realidad no interferida por el pensamiento. Así, el arte se abre camino
mediante los símbolos y creencias convencionales acerca del hombre, la vida y la
sociedad y enfrenta al individuo con la realidad misma.
En Italia, el filósofo e historiador Benedetto Croce también exaltó la intuición, pues
consideraba que era la conciencia inmediata de un objeto que de algún modo
representa la forma de ese objeto, es decir, la aprehensión de cosas en lugar de lo
que uno refleje de ellas. Las obras de arte son la expresión, en forma material, de
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tales intuiciones; belleza y fealdad, no obstante, no son rasgos de las obras de arte
sino cualidades del espíritu expresadas por vía intuitiva en esa misma obra de arte.
El filósofo de origen español Jorge Ruiz de Santayana razonó que cuando uno
obtiene placer en una cosa, el placer puede considerarse como una cualidad de la
cosa en sí misma, más que como una respuesta subjetiva de ella. No se puede
caracterizar ningún acto humano como bueno en sí mismo, ni denominarlo bueno tan
sólo porque se apruebe socialmente, ni puede decirse que algún objeto es bello,
porque su color o su forma lleven a llamarlo bello. En su ensayo El sentido de la
belleza (1896) propuso novedosos argumentos para una consideración
fundamentada del fenómeno estético.
El pedagogo y filósofo estadounidense John Dewey consideraba la experiencia
humana como inconexa (AISLADA), fragmentaria, llena de principios sin
conclusiones, o como experiencias manipuladas con claridad como medios
destinados a cumplir fines concretos. Aquellas experiencias excepcionales, que
fluyen desde sus orígenes hasta su consumación, son estéticas. La experiencia
estética es placer por su propio interés, es completa e independiente y es final, no se
limita a ser instrumental o a cumplir un propósito concreto.
Estética y Arte
Durante los siglos XVIII y XIX la estética permaneció dominada por el concepto del
arte como imitación de la naturaleza.
Novelistas como los británicos Jane Austen y Charles Dickens, y dramaturgos como
el italiano Carlo Goldoni y el francés Alexandre Dumas, presentaban relatos realistas
sobre la vida de la clase media. Los pintores neoclásicos (como Jean Auguste
Dominique Ingres), románticos (como Eugène Delacroix) o realistas (como Gustave
Courbet) representaban sus temas extremando el cuidado en el detalle natural.
En la estética tradicional se asumía también con frecuencia que las obras de arte son
tan útiles como bellas. Los cuadros podían conmemorar eventos históricos o
estimular la moral. La música podía inspirar piedad o patriotismo. El teatro, por la
influencia de Dumas y el noruego Henrik Johan Ibsen, podía servir para criticar a la
sociedad y, de ese modo, ser útil para reformarla.
En el siglo XIX, no obstante, conceptos vanguardistas aplicados sobre la estética
empezaron a cuestionar los enfoques tradicionales. El cambio fue muy evidente en la
pintura. Los impresionistas franceses, como Claude Oscar Monet, eran denunciados
por los pintores academicistas por representar lo que ellos pensaban deberían ver,
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bastante más de lo que realmente veían, como eran las superficies de muchos
colores y formas oscilantes causadas por el juego distorsionante de luces y sombras
cuando el Sol se mueve.
A finales del siglo XIX, los postimpresionistas como Paul Cézanne, Paul Gauguin y
Vincent van Gogh estuvieron más interesados en la estructura pictórica y en expresar
su propia psique que en representar objetos del mundo de la naturaleza. A principios
del siglo XX, este interés estructural fue desarrollado por los pintores cubistas como
Pablo Ruiz Picasso, mientras que la inquietud expresionista se reflejaba en la obra de
Henri Matisse y otros fauvistas, así como en expresionistas alemanes de la categoría
de Ernst Ludwig Kirchner. Los aspectos literarios del expresionismo pueden verse
reflejados en las obras del sueco August Strindberg y del alemán Frank Wedekind.
En estrecha relación con estos enfoques, hasta cierto punto no figurativos del mundo
plástico, cobró relevancia el principio del "arte por el arte", derivado de las tesis de
Kant según las cuales el arte tenía su propia razón de ser. La frase fue por acuñada
en 1818 por el filósofo francés Victor Cousin; a su doctrina se adhirieron el crítico
británico Walter Horatio Pater y el pintor estadounidense James Abbott McNeill
Whistler. En Francia resumió el credo de los poetas simbolistas como Charles
Baudelaire. A partir de entonces, el principio del arte por el arte pasó a ser esencial
en la mayor parte de las vanguardias occidentales del siglo XX.
CONCEPTO DE CULTURA ESTÉTICA

Cultura Estética es el resultado de la unión entre la estética (refiriéndonos a la belleza
del ser), la cultura (entendida como el conjunto de todas las formas de vida y
expresiones de una sociedad) y la necesidad de superarnos día a día.
CONCEPTO DE CULTURA ESTÉTICA MUSICAL

Dentro de la Dimensión Vocacional se encuentra ubicada esta Área, cuya
característica fundamental es la de “aprender a hacer” en forma creativa y de trabajar
en equipo para lograr los objetivos propuestos, es decir descubrir y potenciar las
habilidades y destrezas de los/as educandos/as-aprendientes, los que pueden
expresar en forma libre sus sentimientos, emociones, capacidades e imaginaciones
con los cuales puedan direccionar sus propios destinos.
Al interior de esta Área se encuentran inmersas tres asignaturas como son:
 Artes Plásticas: las que se desarrollan en el espacio como: Dibujo, Pintura,

Escultura, Arte Gráfico, Diseño y Decoración.
 Música: que corresponde al Arte Fonético y la producción de música
instrumental.
 Artes Representativas: danza y teatro.
De acuerdo con el principio de Don Bosco: “la Educación es cosa del Corazón”, el
arte musical se conduce mediante el proceso teórico-práctico, partiendo de los
valores morales, éticos, religiosos y que beneficie a cada estudiante de este idóneo
sistema educativo, considerado como el leguaje de seres superiores.
Cada clase se convierte en un taller, en donde no solo se armonizan los sonidos, los
sentidos, la cultura y la vida misma, sino que genera emociones que permiten crear
nuevas expectativas. La evaluación es un sistema que permite verificar el avance del
conocimiento musical, mediante la interpretación coral e instrumental.
14
LA CULTURA ESTÉTICA EN LA EDUCACIÓN BASICA
Uno de los rasgos que caracteriza al ser humano es la sensibilidad. Esta facultad de
sentir es tan importante como la razón para entender su lugar en el mundo y su
propio actuar en la vida. El ser humano no sería un ser completo si no desarrollara
sus capacidades racionales y emotivas. Sería un ser falto de posibilidades y
realizaciones. De aquí que la asignatura de Cultura Estética proponga un
acercamiento y valoración del conocimiento sensible de la realidad. Proponga lograr
una mayor capacidad en el actuar de los sentidos, sobre todo en el ver y oír en
relación tanto a lo que existe en la naturaleza y lo que existe como creación humana.
Aquí cabe señalar el papel de las tecnologías, especialmente, comunicacionales que
actualmente son el soporte de muchos campos creativos. Si bien lo estético ha sido
campo propicio para la reflexión filosófica y artística, no por ello deja de tener una
existencia práctica y cotidiana. El hecho natural de percibir las formas y los colores,
el sonido y el movimiento, las texturas y los aromas, es ya el camino abierto a
entender y disfrutar de las riquezas del mundo. Sin embargo, esta cualidad de
percepción no debe ser entendida como la única razón de esta asignatura. También
debe plantearse la capacidad de creación en el campo artístico, lugar privilegiado de
la vivencia estética. El hacer cosas, sean bellas o no, sean útiles o no, es propiciar
el trabajo placentero de la mente, el corazón y las manos. Es esta doble vertiente del
apreciar y del hacer es donde la cultura estética encuentra su sentido. Un sentido
que se amplía con el aporte de otras áreas del saber. Por eso, esta asignatura presta
y recibe ayuda de otras disciplinas y, con ello, enriquece más los procesos de
aprendizaje.
Dada sus peculiares características, la Cultura Estética se presenta como una
asignatura de variados alcances y diversas estrategias. Si a primera vista esta
asignatura parece no tener referentes definidos como los de las ciencias, esa
amplitud de márgenes debe verse como una ventaja más que como una limitación.
El territorio extenso de las cuestiones estéticas da opción para explorar, descubrir y
construir conocimientos.
La cultura estética es una eficaz herramienta para relacionar lo sentido con lo
pensado, lo visto con lo soñado, lo real con lo imaginado. Es, por igual, la asignatura
que hace de puente entre la actividad contemplativa y la actividad creadora. Además
de recurrir al conocimiento de diferentes lenguajes, propicia el interés intelectual del
saber y la curiosidad emocional en el hacer. Para cumplir con estos cometidos, la
asignatura posee una serie de estrategias que van entre la conceptualización y la
sensibilización en la actividad creativa.
Más que otras asignaturas, a esta debe interesarle los procesos del crecimiento
conceptual y emocional de los estudiantes. Cualquier tarea que se haga en Cultura
Estética es un paso en ese largo camino. De hecho hay métodos para hacer de este
camino un transitar simple. Es papel del profesor facilitar un aprendizaje que no sea
difícil o conflictivo. Lo simple, aquí, no es sinónimo de poco trabajo y esfuerzo. Es,
más bien, la depuración de información y conocimientos puestos en forma asequible.
Resulta difícil señalar planteamientos pedagógicos para la asignatura que no
involucre el interés individual de los estudiantes.
No es fácil saber lo que ellos siembran en la cabeza y cultivan en el corazón. La
universalidad de conceptos puede verse como algo plausible, pero no la
generalización de los intereses afectivos. Por eso, en la Cultura Estética la
aportación del estudiante en el proceso educativo es más directa y vivencial. No solo
muestra lo que sabe, sino lo que intuye y siente. Y por ello es también difícil para el
profesor evaluar lo que se hace en el aula.
15
CULTURA
Origen del término

Desde la antigüedad se pueden encontrar metáforas que relacionan la práctica
de algunas actividades con el «cultivo» del espíritu humano, y las facultades
sensibles e intelectuales del individuo por ejemplo, con el «cultivo» de la tierra,
que es la agricultura, el cultivo fue el principio de la modalidad cultural. En esta
acepción se conserva aún en el lenguaje cotidiano, cuando se identifica cultura
con sensibilidad. De esta suerte, una persona «culta» es aquella que posee
extensos conocimientos en los más variados «campos» del saber.
Concepción clásica de la cultura
El término cultura proviene del latín cultus que a su vez deriva de la voz colere
que significa cuidado del campo o del ganado. Hacia el siglo XIII, el término se
empleaba para designar una parcela cultivada, y tres siglos más tarde había
cambiado su sentido como estado de una cosa, al de la acción: el cultivo de la
tierra o el cuidado del ganado (Cuche, 1999: 10), aproximadamente en el
sentido en que se emplea en el español de nuestros días en vocablos como
agricultura, apicultura, piscicultura y otros. Por la mitad del siglo XVI, el término
adquiere una connotación metafórica, como el cultivo de cualquier facultad. De
cualquier manera, la acepción figurativa de cultura no se extenderá hasta el
siglo XVII, cuando también aparece en ciertos textos académicos.
El Siglo de las Luces (siglo XVIII) es la época en que el sentido figurado del
término como "cultivo del espíritu" se impone en amplios campos académicos.
Por ejemplo, el Dictionnaire de l'Academie Française de 1718. Y aunque la
Enciclopedia lo incluye sólo en su sentido restringido de cultivo de tierras, no
desconoce el sentido figurado, que aparece en los artículos dedicados a la
literatura, la pintura, la filosofía y las ciencias. Al paso del tiempo, como cultura
se entenderá la formación de la mente. Es decir, se convierte nuevamente en
16
una palabra que designa un estado, aunque en esta ocasión es el estado de la
mente humana, y no el estado de las parcelas.
Voltaire, uno de los pocos pensadores franceses del siglo XVIII que se
mostraban partidarios de una concepción relativista de la historia humana.
La clásica oposición entre cultura y naturaleza también tiene sus raíces en esta
época.
En 1798, el Dictionnaire incluye una acepción de cultura en que se estigmatiza
el "espíritu natural". Para muchos de los pensadores de la época, como Jean
Jacques Rousseau, la cultura es un fenómeno distintivo de los seres humanos,
que los coloca en una posición diferente a la del resto de animales. La cultura
es el conjunto de los conocimientos y saberes acumulados por la humanidad a
lo largo de sus milenios de historia. En tanto una característica universal, el
vocablo se emplea en número singular, puesto que se encuentra en todas las
sociedades sin distinción de etnias, ubicación geográfica o momento histórico.
La cultura es el conjunto de todas las formas, los modelos o los patrones,
explícitos o implícitos, a través de los cuales una sociedad regula el
comportamiento de las personas que la conforman. Como tal incluye
costumbres, prácticas, códigos, normas y reglas de la manera de ser,
vestimenta, religión, rituales, normas de comportamiento y sistemas de
creencias. Desde otro punto de vista se puede decir que la cultura es toda la
información y habilidades que posee el ser humano (Aunque algunos autores
pretenden asignar conductas culturales a otros animales -tipos de primates-, lo
cierto es que se entiende por cultura un patrón conductual no instintivo y
variable). El concepto de cultura es fundamental para las disciplinas que se
encargan del estudio de la sociedad, en especial para la antropología y la
sociología.
Que la cultura da al hombre la capacidad de reflexionar sobre sí mismo.
Es ella la que hace de nosotros seres específicamente humanos,
racionales, críticos y éticamente comprometidos. A través de ella
discernimos los valores y efectuamos opciones. A través de ella el
hombre se expresa, toma conciencia de sí mismo, se reconoce como un
proyecto inacabado, pone en cuestión sus propias realizaciones, busca
incansablemente nuevas significaciones, y crea obras que lo trascienden.
17
Aunque muchas de las concepciones sobre cultura en el lenguaje común tienen
su origen en el debate de las ciencias sociales, o bien, existieron primero en el
habla cotidiana y luego fueron retomadas por las segundas, aquí se presenta
un repaso sobre la construcción histórica del concepto de cultura en las
disciplinas sociales.
Identidad Cultural.
La Identidad cultural es el conjunto de valores, tradiciones, símbolos, creencias

y modos de comportamiento que funcionan como elemento cohesionador
dentro de un grupo social y que actúan como sustrato para que los individuos
que lo forman puedan fundamentar su sentimiento de pertenencia. La identidad
cultural es similar a todo aquello que nos los enseñan nuestros antepasados y
lo ponemos en practica. Existen dos corrientes en antropología a la hora de
abordar el fenómeno de la identidad cultural:
 La perspectiva esencialista estudia los conflictos de identidad como algo
inmanente y hereditario culturalmente. Esta aproximación considera que
los diversos rasgos culturales son transmitidos a través de
generaciones, configurando una identidad cultural a través del tiempo.
Uno de los defensores de este modelo es el politólogo David Laitin,
quien señaló que en la Guerra de los Balcanes, los serbios asesinaban
croatas debido al odio ancestral que sentían por ellos, es decir, por una
cuestión de identidad cultural heredada. Latin afirma que la movilidad
social e ideológica es posible, pero la cultural no.
 La perspectiva constructivista, en cambio, señala que la identidad no es
algo que se hereda, sino algo que se construye. Por lo tanto, la identidad
no es algo estático, sólido o inmutable, sino que es dinámico, maleable y
manipulable. Un ejemplo es Somalia, que hasta el año 1991 era un país
homogéneo, étnica, cultural y lingüísticamente, pero a partir de ese año
el país cayó en una guerra civil entre clanes debido, en parte, a una
ruptura de la identidad cultural hasta entonces homogénea.
18
PARTES FUNDAMENTALES DE LA MÚSICA.
RITMO
“El ritmo es el movimiento ordenado, como dijo Williems. Su esencia reside en

el movimiento. Su génesis debe buscarse en la imaginación motriz”.
El sentido rítmico es innato en el hombre; el niño que respira, camina, habla, es
naturalmente rítmico. La función del maestro no consiste en enseñar, su
función es preservar y ejercitar su sentido rítmico natural; el mantener siempre
viva la posibilidad de conectarse con las distintas fuentes de ritmos vivientes
(de la naturaleza y del hombre).
Según willems para emprender un estudio eficaz del ritmo musical, es
indispensable hacer una aclaratoria, la cual nos indica que el ritmo no está en
forma aislada de la melodía y la armonía sino que consta como parte integrante
de la triada; si bien cada uno posee sus propias características, se une en la
síntesis artística. La música es el medio de expresión del ser humano, y cada
uno de lo tres elementos fundamentales de la música (ritmo, melodía y
armonía) representan un aspecto del ser humano. El ritmo acompaña la mayor
parte de los actos de nuestra vida, y solo al relacionarlo con el ser humano
podemos captar su real carácter.
MELODÍA
La melodía nace de la afectividad. Las motivaciones de tipo mental, (cuando se

pide al niño, por ejemplo, que “componga”, melodía con tales o cuales sonidos
ubicados sobre el papel), no pueden conducir a resultados satisfactorios
cuando se trabaja con niños que carecen aún de capacidad de diferenciación y
manejo condicionado de elementos si no promueve en ellos la posibilidad de
respuesta de tipo emocional.
En la improvisación melódica, el ritmo- elemento anterior-puede actuar como
sostén y, en algunos casos, como desencadenadamente. “Williems afirma a
cada momento, la existencia de un sentido tonal innato del niño. La música que
ha venido escuchado desde su nacimiento, ha dejado impresas en el oído las
huellas básicas de la tonalidad, representadas por las series melódicas
19
correspondientes al pentacordio y al acorde, tomados en forma global, tanto en
sentido ascendente como descendente (do re mi fa sol-sol fa mi re do; do mi
sol-sol mi do)”. Como es el caso del ritmo, no es el maestro el que enseña
estas series musicales básicas que ya están fuertemente impresas en el niño;
lo que simplemente hace es aislarlas, señalárselas dentro de la tonalidad
musical, darles un nombre y asignarles un signo escrito.
ARMONÍA.
“Willems habla como una ciencia y arte a la vez. Es ciencia porque enseña a
combinar los sentidos de acuerdo a las reglas inmutables con el fin de construir
acordes, y es arte porque de la habilidad y el buen gusto de la conducción de
las voces armónicas resultará el trabajo musical”. La armonía se produce
cuando tres o más notas diferentes suenan a la vez, formando un acorde. El
término armonía se utiliza de dos maneras diferentes, para hacer referencia a
las notas escogidas para formar un acorde, y en sentido más amplio para
describir las sucesiones de los acordes a lo largo de una composición. La
armonía regula la relación entre una melodía y su acompañamiento. En una
partitura, la melodía representa la organización de la música en sentido
horizontal, mientras que la armonía de forma simultánea o vertical.
Cuando una persona canta con una guitarra, está tocando con ella, acordes
que acompaña a la melodía que está interpretando. Esos acordes pueden ser
interpretados también con otros instrumentos. La formación de acordes y la
sucesión de los mismos en una obra, viene regulado por las leyes de la
armonía, que han ido cambiando y evolucionando a lo largo de la historia de la
música.
LA PRÁCTICA INSTRUMENTAL EN LA ESCUELA
20
“En la escuela primaria el maestro de música se ve abocado al problema que
significa trabajar con grupos numerosos, por lo general excesivamente nutridos
de niños. De este modo, la tarea de transmitir una vivencia y un conocimiento
musical adquiere un carácter más peculiar por encontrarse complicada con los
problemas de disciplina que suelen plantearse en. Las clases que cuentan con
un número elevado de niños. Para enseñar con éxito en la escuela primaria se
requiere, pues ser no sólo un buen pedagogo sino también un hábil
organizador”.
El maestro debe ser consciente de las necesidades que impone este tipo de
trabajo colectivo. Sólo así sabrá adaptarse a las mismas, estableciendo
además una clara distinción entre los problemas de tipo pedagógico y aquellos
de orden disciplinario.
El trabajo musical con grupos numerosos tiene también aspectos muy positivos
que deben ser observados y aprovechados por el maestro. Las actividades
musicales básicas pueden realizarse dentro de un marco de mayor riqueza,
tanto por la variedad que es posible introducir en cada una de ellas como por la
posibilidad de combinar distintos aspectos generales. Es sabido que un
conjunto musical infantil se vuelve más seguro y afinado cuando más nutrido
es, cuando se separan los instrumentos de percusión en grupos que ejecutan
partes más o menos autónomas, se disminuyen las posibilidades de que un
determinado sector se deje influir por las melodías o ritmos que ejecutan los
sectores vecinos.
“Para la práctica instrumental escolar, el criterio más importante que se debe
considerar es la progresión en el aprendizaje y el planteamiento del mismo de
forma cíclica. La utilización de los instrumentos, sin embargo, se ve
mediatizada e influida por los medios disponibles en cada centro educativo y
las características y habilidades del alumnado. Por otro lado, hay que tener en
cuenta que no todos los instrumentos intervienen de igual forma y número en
las actividades de la educación musical. A veces, las actividades giran en torno
a un solo instrumento; en otras ocasiones, la participación instrumental es
mayor (del pequeño conjunto al grupo-clase)”
En general, la práctica instrumental debe contemplarse de forma global con el
resto de contenidos de educación musical, aunque conviene señalar su uso y
frecuencia dentro del tiempo disponible en la clase. En este sentido, Pascual
Mejía recomienda que los instrumentos individuales como flauta dulce deben
ser trabajados de forma sistemática dedicándole tiempo a diario. Los
instrumentos de pequeña percusión que pueden utilizarse acompañando
multitud de actividades o agrupaciones tipo orquesta escolar deben trabajarse
con asiduidad en función del nivel de los alumnos/as.
¿Qué es la Práctica?.
Actividades de refuerzo que dan al aprendiz la oportunidad de aplicar
conocimientos y habilidades. Este sistema suele incluir tutorías y
retroalimentación. Las variantes son, entre otras, estudio de casos, actividad de
aprendizaje, pruebas y test de práctica, prueba de evaluación y práctica de
laboratorio. Esta es desde un punto de vista científico la definición de práctica
la cual nos permitirá abordar el tema en mención.
Inicialización del niño en la práctica instrumental.
21
¨La edad ideal para que un niño empiece a aprender a tocar un instrumento
musical es a partir de los 5 años de edad. El aprendizaje jamás debe ser
impuesto por los padres. Será el niño quien deba elegir el instrumento que
quiere tocar, aunque los mejores instrumentos para ser introducido en la
música sean la flauta y el piano, porque no exigen demasiado del niño. Pero,
ante todo, al niño hay que gustarle.”
Si el niño se muestra interesado y los padres desean que su hijo aprenda
pronto, es esencial comprobar que el profesor que elijan tenga experiencia con
alumnos muy pequeños. En las mejores escuelas, no intentan enseñar a estos
niños nada complicado o con disciplina, sin embargo, el profesor aprovecha el
amor de los niños por la magia y su espontaneidad. Las clases se convierten
en una sesión de juegos con música y movimiento y no como una tarea
obligatoria.
La música trae bienestar y tranquilidad en los niños, desde cuando él se
encuentra en el vientre de su madre Si la madre escucha música de forma
repetida durante el embarazo, el bebé la recuerda después de nacer y se
calma con ella si la oye. En un estudio reciente, un grupo de niños cuyas
madres habían seguido una serie de televisión se calmaban al oír la sintonía en
la primera semana de vida! Los niños de madres que no habían visto la serie
no respondían de la misma forma. Las investigaciones demostraron que los
bebés habían aprendido a asociar la sintonía, con un período de paz y
tranquilidad, en el que mamá se ponía cómoda durante media hora en frente de
la televisión. Se pudo apreciar el mismo tipo de reacción en los bebés cuyos
padres oían regularmente.
Primer Ciclo de Primaria (6-8 años):
“En primera instancia se recomienda la práctica de los instrumentos corporales

(percusiones y efectos vocales) y posteriormente la introducción de los de
pequeña percusión y construcción de cotidiáfonos sencillos. Los instrumentos
de láminas sueltas pueden utilizarse también para realizar acompañamientos
elementales en ostinatos. El taller de instrumentos puede proporcionar
instrumentos para ser manipulados y experimentados por los escolares.
También se recomiendan los juguetes sonoros para realizar trabajos tímbricos
y crear ambientaciones sonoras. Además del silbato o la flauta de émbolo,
podemos encontrar, objetos que imiten por ejemplo el croar de las ranas,
muñecos de goma o muñecos que tosen y lloran, cajitas de música.”
Segundo Ciclo de Primaria (8-10 años):
22
Además de continuar utilizando los instrumentos señalados anteriormente, se
incrementará el empleo de los instrumentos de láminas y melódicos,
especialmente la flauta dulce, con la progresión didáctica comentada,
aprovechando el desarrollo motriz de los infantes. Es, por tanto, el momento
idóneo para la presentación de un instrumento individual y de instrumentos
populares de la Comunidad Autónoma o de su zona, y la iniciación en los
instrumentos de otras culturas.
Tercer Ciclo de Primaria (10-12 años):
En estas edades, la actividad musical se convierte en un poderoso agente de

socialización, prefiriendo los alumnos/as la actividad instrumental de conjunto,
incluso con menoscabo del canto (siendo la muda de la voz un problema
añadido) y la danza. La superación de dificultades técnicas de interpretación y
el trabajo en grupo son factores que fomentan el trabajo de los alumnos en el
aula. Se tiende, pues, a formar la agrupación instrumental de Centro o pequeña
orquesta escolar. Pueden añadirse, de forma ocasional, teclados, guitarras y
otros instrumentos de púa, instrumentos de efectos para la ambientación de
diaporamas (palo de lluvia, mirlitones, carracas, sirenas, látigo, silbatos,
reclamos de caza, teclados MIDI con efectos, flauta de émbolo, etc.), otros
instrumentos aportados por quienes realizan otras actividades musicales
extraescolares (instrumentos tradicionales de orquesta o banda), incluso
instrumentos de otras culturas y de la música actual (instrumentos MIDI,
sintetizadores, electromecánicos), aunque son más propios de Secundaria.
También se aboga por la introducción de los demás tipos de flautas, como la
contralto o la tenor, y la creación de grupos de flautas, iniciando al alumno en
conjuntos camerísticos, con un repertorio que iría desde sencillos cánones a
piezas más elaboradas, iniciándose a la armonía y distintos estilos de forma
elemental.
“Los tipos de piezas instrumentales y las actividades a desarrollar también
deben estar acorde a la edad de los niños/as con los que se va a trabajar.”
Primer ciclo: Procedimientos de aprendizaje elementales como ostinatos,
ecos, preguntas respuestas, acompañamientos simples, esquemas rítmicos
fáciles.
Segundo ciclo: Introducción de piezas elementales con series melódicas de
dificultad progresiva de forma paralela a la adquisición de nociones de lenguaje
musical.
23
Tercer ciclo: Continuación de los anterior. Debemos atender al orden de
dificultad técnica para que cada pieza suponga una novedad y reto a nuestro
alumnado.
A continuación desarrollo de los ciclos:
Ritmo: Primero se introducirán ritmos binarios, con pulso marcado, fórmulas
claras. La variedad de figuras se ampliará pero siempre siguiendo el compás.
Posteriormente, se introducirán compases ternarios y figuraciones más
complejas (síncopas, puntillos, contratiempo) en principio por imitación y luego,
en la medida de lo posible, con lectura. Se trabajarán tipos de comienzo téticos
y anacrúsicos.
Melodía: Se recomienda comenzar por intervalos y ámbitos pequeños (ej.
Flauta si-lasol) para posteriormente realizar saltos y abarcar el máximo del
ámbito del instrumento en cuestión. Se recomienda piezas con cuadratura en
sus frases. Las escalas recomendadas de menor a mayor dificultad: escalas de
dos o tres notas, pentatónicas, escala diatónica mayor, escala menor, y otros
modos como el dórico, frigio, lidio y mixolidio.
Textura: Se recomienda en primer ciclo, comenzar por la monódica que
podremos acompañar con ostinatos y ritmos sencillos, incluso ostinatos
melódicos. El profesor podrá realizar el relleno armónico con un instrumento
polifónico. A partir de segundo ciclo, se nos plantea una duda en la introducción
de texturas más complejas: polifónica (posible mediante el canon) u
homofónica (varias voces con el mismo ritmo, frecuentemente armonizadas
como fabordón –3ª y 6ª de la melodía principal). Al mismo tiempo,
introduciremos la melodía acompañada con placas y la combinación de
distintos tipos de texturas.
Forma: Se recomienda en primera instancia la repetición de elementos rítmicos
y melódicos en formas sencillas que se enriquecerán más o menos según la
secuenciación y organización de las mismas que propongamos. Posteriormente
pasaremos a formas más complejas con contraste como la forma binaria,
estrofaestribillo, lied ternario, rondó. Podremos introducir interludios
instrumentales en el caso de canciones instrumentadas. Los instrumentos no
intervienen siempre de igual forma en las actividades siendo a veces un
instrumento el eje en torno al cual gira y en otras ocasiones todos los
instrumentos tienen una participación activa y equilibrada.
Estilo: No conviene formar a los alumnos/as unilateralmente contemplando
sólo el estilo clásico o el popular, sino en la diversidad estilística (música pop,
otras culturas, obras infantiles...). Hemos de adaptarnos a los recursos del
centro aunque no obstante, según Sanuy, el único material imprescindible para
realizar una clase de música es un grupo de niños.
Tipos de piezas instrumentales:
 “Instrumentos de percusión (desde primer ciclo): ecos, pregunta -
respuesta, esquemas rítmicos, discriminación parámetros, ambientación
sonora de textos, acompañamientos prosodias verbales,
acompañamientos de movimientos y danzas, canciones, audición activa,
actividad comprensión formas y lenguaje musical, desarrollo piezas
instrumentales, improvisación.”8
 Instrumentos de viento (desde 2º ciclo): exploración sonora de
instrumentos, cánones, melodías a varias voces, canciones con o sin
acompañamiento, improvisación
 Agrupaciones instrumentales mixtas (a partir de 2º ciclo): piezas
instrumentadas para orquesta escolar, acompañamientos de melodías,
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refranes, canciones populares, adaptaciones sencillas, repertorio de
otros países, músicas del mundo, incluso creación de las suyas propias.
Consejos para el aprendizaje:
 Ejecución por imitación
 Ejecución por improvisación
 Estudios de los elementos de la pieza por separado
 Ejecución por lectura
“Debemos procurar que todos los alumnos toquen todos los instrumentos,
aunque tampoco debemos forzarlos a que toquen uno en exclusiva que no les
guste o el caso contrario). La ejemplificación debe ser clara y dominante en
algunos casos y la manipulación sonora ha de ir encaminada a obtener el
timbre más bello.”
Según el pianista alemán Wolfgang Leibnitz, "La música es el placer que el
alma experimenta contando sin darse cuenta de qué cuenta". Una forma para
desarrollar la sensibilidad del bebé para la música es hacer que él imite, con la
boca, los sonidos de los objetos y de lo que pasa en su alrededor. Eso puede
ser el principio de todo. Pero para ello debemos tomar en cuenta los siguientes
parámetros:
Actitudes:
Disposición al servicio, versatilidad y abierto al aprendizaje permanente y para
el estudio de la música se necesita mucha actitud voluntad, fuerza de carácter
y perseverancia.
Aptitudes:
La capacidad de aprovechar toda enseñanza, capacitación o experiencia en un
determinado ámbito de desempeño, también podemos decir que son
capacidades naturales de una cierta raza o grupo de ellas. Es por eso que
siempre se ha dicho de que el talento musical es innato, lo cual le permite a un
cierto grupo de niños expresarse musicalmente sin muchas dificultades y de
manera espontánea, pero también hay otros eruditos en la materia que
sostienen que un músico se puede formar con bastante trabajo.
Antes de iniciar a un niño a un instrumento, es importante darle conocimientos
musicales generales, él será quien decida en qué momento y qué instrumento
desea aprender. Cuando un niño aprende un instrumento, no se siente solitario
ni carente de atención. El instrumento, para él, pasa a ser también un
compañero en muchos momentos.
Efectos de la música en la educación escolar
“La etapa de la alfabetización del niño se ve más estimulada con la música. A
través de las canciones infantiles, en las que las sílabas son rimadas y
repetitivas, y acompañadas de gestos que se hacen al cantar, el niño mejora su
forma de hablar y de entender el significado de cada palabra. Y así, se
alfabetizará de una forma más rápida.”
La música también es beneficiosa para el niño cuanto al poder de
concentración, además de mejorar su capacidad de aprendizaje en
matemática. La música es pura matemática. Además, facilita a los niños el
aprendizaje de otros idiomas, potenciando su memoria.
“Con la música, la expresión corporal del niño se ve más estimulada. Utilizan
nuevos recursos al adaptar su movimiento corporal a los ritmos de diferentes
obras, contribuyendo de esta forma a la potenciación del control rítmico de su
cuerpo. A través de la música, el niño puede mejorar su coordinación y
combinar una serie de conductas. Túmbale boca arriba y muéveselos para que
25
pueda bailar mientras que tú le cantas. Le puedes cargar y abrazar en tu
regazo entonando otros ritmos infantiles.”
Es impresionante todo lo que se puede lograr con una educación musical
escolar bien dirigida y aquí en nuestro país les falta a los educadores musicales
actualizarse e ir acorde con la vanguardia educativa en cuanto a educación
musical se refiere. En otros países latinoamericanos ya están implementando
ideas innovadoras para que las clases de música dejen de monótonas y
aburridas, transformándolas en todo un suceso festivo.
Educación Musical en la Escuela.
“Al abordar la enseñanza de la música en el Nivel Inicial, es preciso establecer

una primera instancia cuáles son los elementos que están en juego, desde una
perspectiva ecológica, en la situación áulica.”
Nuestra "materia prima" para desarrollar en los niños/as los saberes, destrezas
y actitudes respecto a la música, es el sonido. Abordémoslo, pues, con una
mirada analítica.
En todo fenómeno sonoro se pueden discernir distintos elementos. La altura del
sonido es la propiedad del mismo que permite reconocerlo como más grave o
más agudo. Su intensidad, es la cualidad que permite percibirlo como más
fuerte o más débil. Su duración, el período de tiempo comprendido entre el
momento en que el sonido comienza a percibirse, hasta su extinción, abrupta o
gradual. El timbre del sonido es aquella propiedad que nos permite distinguir la
fuente de la cuál proviene, aunque esto no alcanza para definirlo. Para no
abordar un análisis de los "armónicos superiores", que excede los propósitos
de éste texto, diremos que existen sonidos con diferentes grados de
"rugosidad", de diferentes texturas sonoras, y que son estos atributos que se
definen genéricamente como timbre.
Estas propiedades del sonido, que no son de por sí un contenido de
enseñanza, sino un conocimiento orientador para el docente que ayudan a
organizar las actividades y experiencias episódicas y continuas, son percibidas
por los niños de maneras distintas y muy variadas. El primer paso para abordar
un plan de acción didáctica será, entonces, la tarea de investigación por parte
del docente de qué tipo de percepción tienen los niños/as del sonido,
percepciones éstas que ellos darán a conocer a través de sus
representaciones. Así, nos interesará saber qué atributos del sonido interpretan
los niños en función del carácter, qué capacidad tienen para percibir las alturas
y representar tal percepción, en qué medida reconocen distintas fuentes
sonoras, etc.
Para lograr éste propósito es decir, dilucidar las características de la
percepción en los niños/as se podrá echar mano a los más variados recursos:
la representación gráfica de sonidos, el intercambio oral, la pura observación
del docente, etc. A través de éste enfoque, descubriremos que las experiencias
previas de los niños como oyentes y productores de sonidos, serán el punto de
partida de nuestra acción. Sólo en la medida en que éste factor sea tenido en
26
cuenta el aprendizaje de los niños será significativo y adquirirá un carácter
funciona. Vayamos a algunas implicancias prácticas:
Si se propone a los niños la audición de un pasaje musical, por ejemplo, de una
orquesta, no lo haremos sin antes, o paralelamente, determinar ciertas
características de la percepción que los niños tienen de lo que es una orquesta
y de los elementos musicales que hay en juego. Buscaremos indicios de su
percepción de la densidad (cantidad de voces o instrumentos sonando en
forma simultánea), qué capacidad de discriminar los distintos timbres, alturas,
planos sonoros y fraseo. Trabajaremos entonces en forma individual éstos
elementos, proponiendo, por ejemplo, actividades de éste tipo:
 Escuchar varias veces un pasaje y determinar una característica
morfológica, como por ejemplo una "pregunta" (antecedente) seguida de
una "respuesta" (consecuente). Andamiar entonces la reflexión con
preguntas orientadoras: ¿duran lo mismo? ¿se parecen la pregunta y la
respuesta? ¿la semejanza/ diferencia se encuentra al principio o al final?
¿son iguales de "fuerte"? ¿tocan los mismos instrumentos en las dos
frases? ¿podríamos tocarlo con otros instrumentos en la sala? ¿O
cantarlo, inventándole una letra, o sin letra?
 El contacto directo, una experiencia con los instrumentos de la orquesta
sería también un buen punto de partida para el análisis.
 La posterior aplicación de estos criterios a otra música, a las canciones
del repertorio de la sala, irá delineando su internalización como saber
funcional.
 La representación gráfica de las frases nos dará también un buen
material de reflexión. Dibujar las líneas sonoras, hacerlo según su altura
o intensidad. Esto nos permitirá saber qué parámetros del sonido son
percibidos como dominantes bajo determinadas condiciones. Generar
luego "partituras" parciales, distinguir entre la notación gráfica de las
palabras y los sonidos.
Desde ya que, en todo momento, el abordaje de un fenómeno sonoro de
naturaleza artística es global. La tarea de análisis existe, desde una
perspectiva didáctica, para facilitarnos la comprensión del fenómeno y apreciar
la totalidad desde una conciencia profunda del hecho que se está enseñando.
En todo momento debemos tener en cuenta la importancia y prioridad de que
los niños logren identificarse a sí mismos como activos generadores y
productores de fenómenos sonoros, y en definitiva, como artistas. Del mismo
modo que incentivamos en niños que transitan la etapa del garabato13 la
asignación de un significado a los mismos como condición de la ejercitación y
desarrollo de su capacidad de representar y comunicar, en el ámbito de la
música debemos lograr que experimenten con materiales sonoros y, a su
manera y con nuestro andamiaje, sean luego capaces de prever una resultante
sonora.
Importancia de la educación musical.
27
El dominio de las actividades artísticas debe ser pleno pues son ellas las que le
brindan la mayor oportunidad de adquirir una formación integral al niño, y una
disciplina de trabajo que lo conduzca a obtener no solo el conocimiento
necesario de la vida, sino el gozo en la adquisición de todos los elementos que
contribuyen a su avance formativo.
La música conjuntamente con la rítmica, las artes plástica y la dramática
ocupan un lugar primordial en la educación armoniosa de la infancia y
contribuye no solo un importante factor de desarrollo, sino también un medio
para calmar las tensiones, equilibrio y en otros casos el exceso de energía en
los niños.
Cuando un niño muestra una reacción placentera ante la música, ya sea
intelectual, física, sensual o emocional, podemos concluir que ese niño es de
alguna manera sensible a la música, y la música es valiosa para su educación.
Objetivos de la educación musical.

El objetivo es el de crear un lugar, en donde las docentes de Educación Inicial y
sus estudiantes encuentren temas de interés referente a este nivel de
educación, como: estrategias educativas, recursos, proyectos, material de
trabajo, lecturas, experiencias, fotos, etc., Con la intención de crear una
comunidad de intercambio entre docentes y estudiantes, y al mismo tiempo dar
a conocer nuevas estratégicas, ideas, trabajos y así ayudarnos para que poco
a poco nutramos nuestras experiencias y hacer más significativo el aprendizaje.
La Práctica Instrumental en el Ecuador
“En el Ecuador no existen iniciativas que contemplen a la música como un arte

que, aplicado con un seguimiento orgánico, fuese parte integral en la educación
inicial escolar; hay una falta de capacitación por parte de los maestros de
música lo cual los vuelve deficientes intelectuales, en el área musical.”
Igualmente en cuanto a la conformación de grupos instrumentales son pocos
los docentes que saben cómo armar un conjunto instrumental y saberlo
encaminar, debido a que la mayoría de docentes desconocen de las diferentes
alternativas musicales en la educación musical.
Es por ello la urgencia de insertar a los niños en instancias que les permitan
desarrollar sus aptitudes y actitudes musicales con la finalidad de potencializar
sus destrezas en el área de lenguaje, matemáticas, etc.
28
DESARROLLO RÍTMICO-AUDITIVO.
¿Qué es el desarrollo?
Se entiende como desarrollo al avance en los niveles de crecimiento
económico, social, cultural y político de una sociedad o país. Partamos de la
idea de que desde la antigüedad, la humanidad ha tenido avances o ha
progresado hacia lo que somos ahora. Este progreso no termina aquí ya que
en la actualidad, la humanidad sigue avanzando y lo seguirá haciendo en el
futuro; así nace la idea del desarrollo.
El concepto de desarrollo también se refiere a los avances y las mejoras que
permitan satisfacer de mejor manera las necesidades básicas humanas, como
agua potable, vivienda, alimentación y salud; no importa el lugar de residencia
de la persona. Por ello, el desarrollo también se entiende como una condición
de vida social dentro de un país, en la cual las necesidades auténticas de las
personas (colectivas o individuales) se suplen a través del uso de los recursos
y sistemas naturales en forma sostenida y racional. La utilización de los
recursos debe estar basada en una tecnología que no atente contra los
aspectos culturales y los derechos humanos.
Luego de satisfacer las necesidades básicas, el desarrollo también buscará
suplir aquellas necesidades que sean importantes para los integrantes de una
sociedad determinada; buscará mejorar cada vez más el nivel de vida.
El desarrollo está caracterizado por condiciones que dejan al alcance de todos
los grupos sociales, las organizaciones y los servicios de educación, salud,
alimentación y vivienda. Además, debe establecerse un respeto por las
diferentes culturas y tradiciones. Cada sociedad tiene sus propias prioridades,
por lo que cada una de ellas buscará su propia manera de suplir sus
necesidades. Tendrá su propio concepto de desarrollo, que buscará según los
aspectos culturales, económicos, religiosos, políticos y ambientales que posea.
Por lo anterior, hoy en día sólo una quinta parte de los países del mundo son
desarrollados; ellos han logrado niveles de crecimiento en todos los aspectos
citados anteriormente (culturales, sociales, económicos y políticos) pudiendo
satisfacer las necesidades internas del país y dando un nivel amplio de
bienestar a su comunidad.
El desarrollo y el bienestar social están limitados por la tecnología, los recursos
naturales y la capacidad del medio ambiente para absorber la actividad
humana. Se persigue entonces, la posibilidad de que al avanzar tecnológica y
socialmente, el medio ambiente se recupere al mismo ritmo que la actividad
humana lo afecte.
El Desarrollo Artístico-Musical.
29
“En la infancia, el arte es fundamental como un medio de expresión. Los niños
y niñas son seres en constante cambio y la representación gráfica que realizan
no es más que el lenguaje de su pensamiento. A medida que van creciendo
van percibiendo el mundo de forma diferente, por lo que la manera de expresar
su realidad va cambiando. Se expresan de forma directamente proporcional a
su desarrollo.”
El principal propósito contribuir a mejorar las condiciones del desarrollo artístico
cultural de las personas que viven en poblaciones económicamente vulnerables
y geográficamente distantes, entendiendo que la cultura es un componente
esencial para un desarrollo social con equidad, como proceso de integración
social
La cultura debe ser considerada en grande, no como un simple medio para
alcanzar ciertos fines de una base social. No podemos entender la llamada
dimensión cultural del desarrollo artístico- cultural, sin tomar nota de cada uno
de los papeles que desempeña la cultura.
En los últimos tiempos la cultura ha comenzado a redefinir paulatinamente su
papel frente a la economía y al desarrollo. Poco se duda ya acerca de su
importancia como inductora de desarrollo y cohesión social, de su relevante
papel ante la cuestión de la diversidad cultural, la integración de comunidades
minoritarias, los procesos de igualdad de género y la problemática de las
comunidades urbanas y rurales marginadas.
La Educación Rítmica.
Ya hemos visto una serie de juegos rítmicos para desarrollar el sentido rítmico
del niño pues bien ahora estos deberán ser adaptados para su aplicación en la
escuela.
Los ecos rítmicos en sus diversas formas (con palmas, zapateo, palabras o con
instrumentos) pueden efectuarse también en cadena, en tantos grupos como
sea necesario.
El maestro enuncia el modelo rítmico y a continuación lo repite un grupo, luego
el siguiente y así etc. Además de los ecos, como en el caso de la educación
auditiva, se ejecutan preguntas y respuestas rítmicas, dictados y adivinanzas
de ritmos.
Los ostinatos en que se combina palmas, zapateo, castañeteo y golpes sobre,
los muslos, despiertan gran interés y animación en la clase al ser efectuados
en forma colectiva al unísono, en canon o combinando dos o más esquemas
diferentes.
Las actividades generales que mencionamos deberán ser adaptadas a cada
grado a la capacidad y madurez de los alumnos. Así por ejemplo, los ecos, las
preguntas y respuestas los ostinatos podrán realizarse desde el primer grado
inferior hasta el sexto grado si se atiende al grado de dificultad y graduación de
los mismos.
Desarrollo Rítmico-Auditivo.
30
“La educación rítmica-auditiva, es llevada a cabo por el mismo niño,
prácticamente desde que nace, estimulado por el ambiente que le rodea, por
las canciones y la música que oye y además por sus propias necesidades
internas que buscan una forma rítmica para expresarse. Lograr una
conformación y desarrollo rítmico parecería ser el verdadero objetivo de
innumerables acciones y movimientos que realizan los pequeños sin otro
sentido, aparente plenos y cómodos en el momento en que la repetición se ha
encauzado rítmicamente.”
“Teniendo en cuenta estos hechos tan generalizados es natural que la
educación musical se apoye en un comienzo en la parte rítmica, sin que ello
signifique de ningún modo el descuido del aspecto melódico que Willems
considera ël elemento central y el más esencialmente característico de la
música”. Es necesario por otra parte, volver a recordar que la mayoría de las
actividades rítmicas a que nos hemos venido refiriendo son de carácter musical
puesto que casi siempre el niño se encuentra cantando o escuchando una
melodía mientras las realiza.
El niño vive plenamente el ritmo un amplio bienestar invade todo su ser. No
obstante, ya dijimos que es en la parte física donde el ritmo se encuentra más
arraigado sólo desde allí podrá elevarse luego hacia formas más complejas.
Por eso el sentido rítmico de las personas depende de manera directa de su
capacidad para reaccionar físicamente frente a la música. Invirtiendo los
términos, llegamos a la premisa básica que impulsara a Jaques Dalcroze a
crear la rítmica musical la ejecución de ritmos corporales contribuye al
desarrollo rítmico-auditivo en los niños.
La Educación Rítmico Auditiva en el pensum escolar
La actividad de los profesores de la especialidad de Educación Musical está

centrada en la enseñanza de la música. A veces se puede desperdiciar la
oportunidad de usar la música como herramienta didáctica para formar en otros
conocimientos, promover el desarrollo de la personalidad y estimular para el
trabajo, entre otras cosas.
El Diseño Curricular del Plan de Estudio del Nivel de Educación Básica, aborda
una rediseño del proceso educativo, a partir de los Ejes Transversales:
Lenguaje,
Desarrollo del pensamiento, Valores, Trabajo y Ambiente; los ejes impregnan
todas las áreas académicas, dándole así al proceso de enseñanza aprendizaje
un sentido global.
“En concordancia con las bases legales, los lineamientos del Modelo Curricular
plantean como finalidades del nivel de Educación Básica, entre otras cosas, el
fomento de valores tales como el amor, la identidad nacional, el respeto por la
vida, la libertad, la perseverancia, la honestidad, la convivencia, la
comprensión, la tolerancia y demás actitudes que favorezcan el fortalecimiento
31
de la paz entre las naciones y los vínculos de integración y solidaridad
latinoamericana.”
La justificación para la presencia del eje transversal Valores se basa en la crisis
moral que marca a la época actual.
Es motivo de preocupación la pérdida de valores que se observa
progresivamente en los diferentes sectores que conforman nuestra sociedad.
Entre los objetivos que debe alcanzar el estudiante de educación básica al
culminar el nivel tenemos: el conocer, comprender y apreciar las distintas
manifestaciones de su entorno cultural, mediante la sensibilidad estética y
expresión corporal; de manera tal que desarrolle la capacidad humanística y
artística que le permita tener una vida integral de la vida y el mundo.
La enseñanza de todo lo referente a la música se encuentra dentro del bloque
de contenido de la Educación Estética. La música, dentro de las artes, es un
medio de expresión y comunicación en la que interviene el tiempo, los sonidos,
el ritmo y el movimiento. "La educación con las artes es útil, eficaz y necesaria,
por las posibilidades prácticas y metodológicas que ayudan a un desarrollo
objetivo y material, y por los valores éticos y espirituales que nos llevan a
momentos supremos del intelecto, en una conformación y confrontación de la
razón y los sentimientos, para la sensibilidad de la persona y la sociedad".
El profesor de música ha adoptado como tarea principal cumplir con los
alcances en el dominio de instrumentos musicales, técnicas vocales y la
integración de ambos aspectos. En algunos casos enseñan sobre el origen y
significado de las diferentes manifestaciones musicales del país y de otras
partes del mundo como información adicional.
Como consecuencia de ello el profesor de música se limita al aspecto musical
de la educación estética y no ayuda a reforzar en los ejes transversales; es por
eso que deja en el docente integral la mayor carga de ésta responsabilidad, en
el caso de que la asuma, o deja a los alumnos con carencias en este sentido.
La música como recurso para la formación de valores promueve reacciones y
genera percepciones más allá de la imagen visual. Motiva a los alumnos a la
participación, integración grupal, creatividad; también ayuda a fijar más
fácilmente en la memoria los conocimientos que se necesitan transmitir. Es por
eso que se hace necesario profundizar sobre el uso adecuado de la música en
el alcance de las dimensiones en valores.
Si no se aplica la música como instrumento en la formación de valores,
entonces se deja a los alumnos de la primera y segunda etapa de Educación
Básica sin las herramientas que los conduzcan a la formación de un ser
humano capaz de desenvolverse en una sociedad pluralista.
La presente investigación busca incentivar a los docentes a utilizar la
enseñanza de la música como herramienta efectiva para la formación en
valores y se cumpla de ésta forma con los objetivos del Currículo Básico
Nacional de Educación.
LAS ARTES PLÁSTICAS.
32
Por artes plásticas se entiende una clase de arte al mismo nivel que las artes
escénicas, las artes musicales y las artes literarias.
Las artes plásticas se diferencian de todas aquellas en su forma de expresión,
ya que utilizan materias flexibles o sólidas, moldeadas, dispuestas o
modificadas de cualquier otra forma a voluntad por el artista.
Históricamente se consideran como expresiones de las artes plásticas a las
acciones realizadas por tipos de artistas determinados, se incluían las obras
realizadas por pintores, escultores y arquitectos. Hoy día, las artes plásticas se
caracterizan por incluir a todas aquellas formas de arte cuyos objetos finales u
obras son tangibles, eso significa que son reales y se pueden ver y/o tocar. El
concepto moderno de arte nos permite incorporar en la definición de arte
plástica no solo las expresiones clásicas del arte sino también nuevas formas,
podrían llamarse modernas, de manifestación artística. Entre ellas se
encuentran, por ejemplo, todas aquellas generadas por computadoras (arte
digital) o con cualquier otro elemento no convencional. Dentro de ellas existe la
arquitectura, pintura y escultura, como el grabado (se habla entonces de artes
gráficas), y algunas artes decorativas y artes industriales, como la cerámica, la
fotografía, la alta costura o la joyería.
Importancia de la Expresión Plástica en la Educación.

Indudablemente, desde el punto de vista educativo, lo que más nos interesa es
el efecto que el proceso creador produce en el niño, en la maduración de la
persona.
Aquello que enriquece al niño en su capacidad creativa no es la obra creadora,
sino su proceso creador; es decir, ese suceder continuo de decisiones, de toma
de postura ante un diálogo abierto con aquello que se está creando. Esto es lo
que le afianza en su personalidad. ¿Y no es acaso esto la base de partida de
toda educación?
Lo que no queda plasmado en el papel, aquello que no se puede elogiar como
obra maestra, puesto que no se ve ni se oye, es importante porque ha quedado
plasmado en lo más profundo del ser, y es el alimento de sus raíces que ha
sido engendrado durante el proceso creativo.
En la educación artística, el arte es utilizado nada más que como un medio y no
como un fin en sí mismo. El propósito de la educación por el arte es usar el
proceso de creación para conseguir que los individuos sean cada vez más
creadores, no importando en qué campo se aplique esa capacidad.
La introducción de la educación artística en los primeros años de la infancia
podría muy bien ser la causa de las diferencias visibles entre un hombre con
capacidad creadora propia y otro que, a pesar de cuanto haya sido capaz de
aprender, no sepa aplicar sus conocimientos, carezca de recursos o iniciativa
propia y tenga dificultades en sus relaciones con el medio en que actúa. Puesto
que el percibir, el pensar y el sentir se hallan igualmente representados en todo
proceso creador, la actividad artística podría muy bien ser el elemento
necesario de equilibrio que actúe sobre el intelecto y las emociones infantiles.
Es posible comprender ahora hasta qué punto la educación estética no es cosa
superflua, sino por el contrario, un medio esencial de formación de sí con
fidelidad a lo que uno es un medio para conocer lo que se es y para ejercitarse
en dirigir la propia conducta. No es pues, una especialidad consagrada al
dibujo o a la estética, es una modalidad particularmente importante de
formación de la voluntad y de control propio, a condición de que se haya
comprendido que el voluntarismo es lo contrario de la voluntad.
33
Los Elementos de la Expresión Plástica.
Las artes plásticas tienen su propio lenguaje, que consiste en un conjunto de
aspectos visuales de gran variedad; estos se pueden organizar en
conformaciones fácilmente definibles y tangibles, cuyas unidades básicas y
estructurales reciben el nombre de elementos plásticos.
Cada artista empieza con los elementos plásticos de su medio y el estado físico
de su obra depende de tales elementos. Así como el escritor elige sus
palabras, construye frases, ordena sus párrafos. El pintor despliega sus colores
en la paleta, pinta formas con esos colores en el lienzo, las combina en grupos
mayores de tamaño y formas variables. Incluye líneas, colores, luces, sombras
y texturas, hasta configurar su obra.
El punto, la línea, la forma, el color, y la textura son elementos expresivos.
EL PUNTO: Es el resultado del primer encuentro de la punta de un lápiz, un

buril, la pluma o pincel, con el plano básico material: el papel, la madera, la
tela, el metal.
Concebido en la imaginación o en lo abstracto, el punto es idealmente pequeño
y redondo.
LA LÍNEA: Es la huella del punto móvil y, por consiguiente, un producto que
obtenemos mediante una sucesión de puntos y con este movimiento se
transforma de un estático en dinámico.
Cuando la línea se utiliza en obras de artes como elemento principal, tomando
como base su capacidad de síntesis, su ritmo y la libertad con que el artista la
traza, puede ser determinante en el estilo artístico.
La línea como elemento contractivo, define el contorno de la forma. El valor
expresivo de la línea se relaciona con la sensación, idea y sentimiento de
observador. Con la línea, el artista expresa volumen, movimiento y espacio
bien determinado.
En algunas técnicas de las artes graficas, el trazado de líneas es básico.
Cada tipo de línea posee un sentido psicológico especial, en correspondencia
con las formas, y de acuerdo con las sensaciones que producen. La línea,
según el sentido y la forma que tiene, expresa o dice una idea o sentimiento.
• Línea inclinada: Emite la impresión de caída y descanso.
• Línea vertical: Puede expresar esbeltez, espiritualidad
• Línea horizontal: Puede expresar paz, tranquilidad, el reposo y descanso
CONTORNO Y FORMA: Cuando la línea se cierra sobre si misma describe el
contorno de una forma, determinando una tensión entre el espacio creado y
sus límites. Los contornos pueden ser estáticos o dinámicos dependiendo del
uso que se les dé o de
las diferentes direcciones que éste adopte.
Hay tres contornos que encierran los principios básicos de verticalidad,
horizontalidad, centro e inclinación, estos son el cuadrado, el círculo y el
triángulo equilátero. Cada uno de ellos tiene su carácter específico
atribuyéndoseles significados variables dependientes de asociaciones de ideas
o de nuestras propias percepciones psicológicas y fisiológicas. Así:
• El cuadrado: Es una figura de cuatro lados de igual longitud que se unen en
ángulos rectos. Su direccionalidad es la vertical y horizontal y su proyección
tridimensional, el cubo. Su modificación primaria es el rectángulo cuya
proyección es el prisma. Se asocia a ideas de estabilidad, solidez y equilibrio.
(También: torpeza, honestidad, rectitud, esmero y permanencia).
34
• El círculo: Es una figura continuamente curvada cuyo perímetro equidista en
todos sus puntos del centro. Representa tanto el área que abarca, como el
movimiento de rotacion que lo produce. Su direccionalidad es la curva y su
proyección tridimensional la esfera. Las modificaciones del círculo son el óvalo
y el ovoide. Este contorno tiene un gran valor simbólico especialmente su
centro, y tiene diferentes significaciones tales como: protección, inestabilidad,
totalidad, infinitud, calidez, cerramiento, etc.
• El triángulo equilátero: Tiene los tres lados y ángulos iguales. Es una figura
estable, con tres puntos de apoyo, uno en cada vértice, aunque no tan estático
como el cuadrado. Su direccionalidad es la diagonal y su proyección
tridimensional el tetraedro.
Variaciones del triángulo equilátero son el triángulo isósceles, escaleno,
rectángulo y obtusángulo. Puede tener un fuerte sentido de verticalidad
siempre que lo representemos por la base. Se le asocian significados de
acción, conflicto y tensión.
A partir de combinaciones y variaciones de estos contornos básicos derivan
todas las formas imaginables.
LA LUZ Y EL COLOR: El ojo recibe parte determinada de ondas
electromagnéticas y las transforma en sensaciones de luz y experiencia de
color.
La luz se manifiesta en una gradación que tiene dos extremos, el blanco y el
negro. El blanco esta en el extremo superior de esa gradación y representa el
mayor grado de luminosidad y el negro esta en el extremo inferior y representa
la penumbra.
Desde el punto de vista físico, el color es un fenómeno asociado a las
innumerables combinaciones de la luz, relacionado con las diferentes
longitudes de onda en la zona visible del espectro electromagnético, que
perciben las personas y animales a través de los órganos de la visión, como
una sensación que nos permite diferenciar los objetos con mayor precisión.
Todo cuerpo iluminado absorbe una parte de las ondas electromagnéticas y
refleja las restantes. Las ondas reflejadas son captadas por el ojo e
interpretadas en el cerebro como colores según las longitudes de ondas
correspondientes. El ojo humano sólo percibe las longitudes de onda cuando la
iluminación es abundante. A diferentes longitudes de onda captadas en el ojo
corresponden distintos colores en el cerebro.
Con poca luz vemos en blanco y negro. En la denominada síntesis aditiva el
color blanco resulta de la superposición de todos los colores, mientras que el
negro es la ausencia de color. En la síntesis sustractiva (mezcla de pinturas,
tintes, tintas y colorantes naturales para crear colores) el blanco solo se da bajo
la ausencia de pigmentos y utilizando un soporte de ese color y el negro es
resultado de la superposición de los colores cian, magenta y amarillo.
La luz blanca puede ser descompuesta en todos los colores (espectro) por
medio de un prisma. En la naturaleza esta descomposición da lugar al arco iris.
LA TEXTURA: Identificamos a la textura como la apariencia externa de los
materiales, objetos o cosas que nos rodean.
Cuando miramos el mundo natural o el artificial, podemos descubrir diversas
texturas como, por ejemplo: en la corteza de los árboles, las piedras, las
paredes, los muros, y en nosotros mismo descubrimos texturas cuando nos
palpamos la piel, el pelo, nuestros vestidos. La textura puede ser visual o táctil.
• Textura visual: Es visual cuando presenta sugerencias diferentes sobre una
superficie que solo pueden ser captadas por el ojo, pero no responde al tacto.
35
• Textura táctil: Presenta diferencias que responde, a la vez, al tacto y a la
vista. La textura es expresiva, significativa y trasmite de por sí reacciones
variables en el espectador, las que son utilizadas por los artistas, que llevan la
materia a un nivel superior del que ella tiene, para aumentar el grado de
contenido a transmitir en su obra.
Las Técnicas de Expresión Plástica.
Cuando hablamos de técnicas, nos referimos concretamente a dibujo, pintura,

grabado y collage (en el espacio bidimensional) y al modelado y la construcción
(en el espacio tridimensional).
La introducción de las técnicas plásticas en la escuela infantil debe realizarse
mediante la libre manipulación de materiales más o menos cercanos al niño. La
introducción de herramientas como tijeras, punzones, espátulas, pinceles no se
debe realizar hasta que el niño esté lo suficientemente maduro para nuevas
experiencias y modos de expresión o cuando la mano del niño no pueda
conseguir por sí sola lo que desea.
Es importante atender a las actitudes y los hábitos; enseñar al niño a apreciar
el material, a respetar y a utilizar correctamente las herramientas, a recoger y
limpiar el rincón, a mantenerlo en orden, a valorar las imágenes que él o los
demás realizan.
Todo ello además de ser importante para la formación de la sensibilidad y
sociabilidad, contribuye a la buena marcha de las actividades plásticas del
grupo en general.
No hay que olvidar el papel del propio cuerpo como técnica pictórica
(dactilopintura) o como soporte plástico (maquillaje y disfraces) por la
intensidad con que son vividas estas experiencias tanto de forma positiva como
negativa.
Son innumerables los materiales que podemos emplear, pero todos deben ser
escogidos teniendo en cuenta una serie de aspectos tales como:
• Edad a quien va dirigido
• Finalidad que perseguimos
• Intereses de los niños
• Capacidades y limitaciones de los niños
• Nivel de peligrosidad: toxicidad, punzantes o cortantes
Dibujo.
El dibujo es la representación gráfica sobre una superficie, generalmente plana,
por medio de líneas o sombras, de objetos reales o imaginarios o de formas
puramente abstractas.
El dibujo suele hacerse a lápiz, tiza, tinta o carboncillo, o combinando algunos
de estos procedimientos. Hay dibujos que son reconocidos casi universalmente
a los que se llama símbolos. Ejemplos de éstos son las señalizaciones que
prohíben fumar, signos que diferencian géneros o señales de peligro o
advertencias en las que se utiliza el lenguaje gráfico como un modo más
directo y eficiente de entregar el mensaje.
Más que una técnica gráfica basada en el uso de la línea, el dibujo es la
expresión de una imagen que se hace en forma manual, es decir, se usa la
36
mano para realizarlo. Los instrumentos que se pueden usar son muchos, como
también la superficie donde se puede hacer. Los más usados son el papel
como soporte y el lápiz como el instrumento, pero actualmente se usa la
computadora utilizando el teclado, un ratón de ordenador, o con un lápiz óptico
auxiliándose de una tabla o tableta digitalizadora.
Para iniciar y desarrollar esta técnica, se lo debe hacer con la práctica. Como
sugerencias generales para todas las etapas, es importante señalar que los
padres deberían poner al alcance de los chicos hojas y lápices por lo menos
desde los dos años, que nunca deben criticar sus producciones ni anticiparse al
significado de sus dibujos: preguntar ¿Qué hiciste? es lo más adecuado.
Para que el hecho de ensuciar o ensuciarse no sea un obstáculo a la hora de
expresarse por medio del dibujo es conveniente acondicionar la mesa con
papel de diario o un plástico protector y tener a mano una camisa vieja para
dejar al niño que explore distintos materiales sin miedo a arruinar su ropa
nueva.
Pintura.
La pintura es la técnica que permite plasmar un mensaje visual sobre una
determinada superficie utilizando diferentes pigmentos y otros materiales.
Conjunto de colores dispuestos sobre una superficie según un cierto orden y
con una finalidad representativa, expresiva o decorativa.
La pintura es muy importante en la educación, pues a través de la pintura los
niños descubren a un mundo lleno de colores, formas, trazos, y de imaginación.
Las imágenes crean claridad de expresión. Dicen muchas veces lo que muchos
no consiguen decir con palabras. Simbolizan sentimientos y experiencias. La
pintura estimula la comunicación, la creatividad, sensibilidad, y aumenta la
capacidad de concentración y expresión de los niños. Será por eso que la
pintura está también indicada en los tratamientos terapéuticos de los niños.
Con la pintura se disminuye la ansiedad y se amenizan los miedos y las
expectativas. A través de un pincel o de otra herramienta, los niños expresan
sus inquietudes y sus emociones, se tranquilizan y serenan. Y al mismo tiempo,
desarrollan sus gustos y perfil artísticos.
En resumen, la pintura es beneficiosa para los niños porque:
Ayuda en el desarrollo de su individualidad y de su autoestima
Fomenta una personalidad creativa e inventiva
Desarrolla habilidades para resolución de problemas
Organiza sus ideas
Estimula su comunicación.
La hace más efectiva.
Favorece la expresión, la percepción, y la organización
Desbloquea la creatividad
Favorece la expresión de los sentimientos Serena y tranquiliza
Grabado.
De una forma general la técnica del grabado consiste en transferir una imagen
dibujada en una superficie rígida llamada "matriz" con la finalidad de alojar tinta
que después se transfiere por presión a otra superficie como papel o tela.
La técnica del grabado, también se denomina estampado. Las técnicas de
estampado más idóneas para la educación básica pertenecen a tres
categorías: los moldes, los sellos y las plantillas. Con cualquiera de ellos es
posible copiar figuras.
La herramienta más fácil de utilizar es el sello, pero justamente es la que
resulta más difícil de construir y cuya construcción lleva más tiempo. Los
37
moldes, en cambio, son más fáciles de construir pero requieren que la persona
sea más cuidadosa al utilizarlos (por ejemplo, que la pintura no se pase del
borde) y disponga de más tiempo para realizar la tarea de estampar el diseño.
Las plantillas se pueden conseguir en las librerías y las hay de motivos
variados pero al utilizarlas, muchas veces la pintura se corre y el dibujo queda
borroso. No ocurre lo mismo cuando, en vez de pintura, se utilizan lápices de
colores para pintar.
En la medida en que los alumnos tomen contacto con una variedad de técnicas
para copiar formas y figuras estarán en condiciones de ampliar la información
sobre la aplicación de cada técnica en particular, reconociendo aspectos
comunes e invariantes entre diversos casos, Así, por ejemplo, pueden
realizarse en clase ensayos para imprimir formas, ya sea de figuras o letras,
sobre plastilina o arcilla (simulando el modo en que se imprimen figuras o
formas sobre la masa durante la producción de galletitas, por ejemplo).
Mediante un análisis comparativo podrán reconocer que, en algunos casos la
copia de la figura se realiza con el agregado de alguna sustancia (tinta, por
ejemplo) sobre el material. En otros casos, en cambio, la figura se imprime
mediante la deformación del material.
Collage.
El collage es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos
diversos en un todo unificado. Se puede componer enteramente o solo en parte
de: fotografías, madera, piel, periódicos, revistas, objetos de uso cotidiano, etc.
Reunir los elementos elegidos y disponerlos sobre un espacio plano y en un
cierto orden es el objetivo perseguido. A través del manejo de estos materiales
se logra como resultado la creación de una composición original e imaginativa.
El collage supone un medio de expresión cargado de libertad que se manifiesta
en las múltiples formas y procedimientos empleados, por tanto resulta ser una
nueva forma de expresión artística ilimitada que permite al artista dar rienda
suelta a su inspiración y a su fantasía.
Las tres formas de "Collage" más utilizadas son: collage con papel y cartulina,
collage con materiales sólidos, y collage con relieves de pintura.
Collage con papel y cartulina:
Los collages hechos con papeles utilizan como materiales distintas formas
imaginativas:
Papeles mojados por la lluvia, papeles arrugados, papeles en blanco y negro o
color, papeles pintados o decorados con lápices, carboncillos, con colores al
agua (gouache o acrílico), periódicos, carteles, folletos, programas, boletines
(la tipografía impresa se puede convertir en parte primordial de la obra). Los
papeles son pegados con cola blanca sobre un soporte (un cartón rígido de
cierto grosor).
Collage con materiales sólidos:
En Francia, los collages realizados con ayuda de materiales sólidos reciben el
nombre de "ensamblajes".
Los materiales básicos utilizados son elementos corpóreos tales como:
• Fragmentos de madera: Tiras, listones, molduras de marcos, madera rota
quemada o pintada agrupadas de distintas formas.
• Tejidos: Telas, hilos, cordeles, cuerdas, sacos usados
• Metales: Bidones, chapas de metal, clavos, tornillos
• Otros objetos: Fragmentos de cosas fuera de uso, chucherías de desecho,
cabezas de muñecas, juguetes viejos, soldaditos de plomo, cucharas,
tenedores, latas de conserva
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Unir, combinar, fijar materiales sobre un soporte rígido y resistente que aguante
un peso importante es la misión del trabajo realizado.
La apariencia resultante del mosaico realizado con materiales sólidos puede
ser modificada con un acabado con pintura o mediante la aplicación de fuego
que altere la textura y el color de las partes hechas con madera.
Collage con relieves de pintura:
A través de la acumulación de pintura en un montón y aplicándola en capas
superpuestas que alcanzan gran grosor y consistencia podemos conseguir un
collage con relieve. A partir de este volumen de materia se van creando formas
imaginativas.
Otros materiales utilizados para acompañar a la pintura son colores en polvo,
arena, aserrín, virutas de madera, plástico, etc.
El empleo del procedimiento collage, con sus diferentes tipos y modos de
trabajo, puede aplicarse a cualquier curso o nivel, teniendo en cuenta que
habrá que adecuarlo a la evolución gráfica del alumnado.
Como profesor o profesora tendremos presentes algunos de estos aspectos:
• Cuál va a ser el grado de exigencia.
• El planteamiento de la actividad y su complejidad.
• Qué objetivos pedagógicos vamos a conseguir.
• Evitar definiciones y descripciones muy exhaustivas que podrían ser
interpretadas como una receta.
Son varios los factores que hay que tener en cuenta: En primer lugar, la libertad
del lenguaje visual. En segundo lugar, los aspectos pedagógicos y su viabilidad
como medio plástico.
Es importante no perder de vista el aspecto artístico, ya que nos encontramos
con un medio de expresión que se ubica dentro de nuestra época, y gracias a
determinados artistas del siglo XX, que han investigado y profundizado en el
tema, se puede comprobar las grandes posibilidades pedagógicas que posee
este procedimiento.
De este modo se produce un acercamiento del alumnado al mundo del collage,
consiguiéndose que muchos encuentren en este lenguaje artístico, un medio de
comunicación a través del cual poder exteriorizar y expresar sus inquietudes,
sus intereses, todo aquello que fluye en su mundo interior.
El collage se presenta como medio de expresión cercano a la realidad que vive
el alumnado a diario, ya que le ayuda a expresarse manipulando papeles ricos
en texturas, colores, formas, cuya ordenación responde a criterios tanto
artísticos, como creativos.
La creatividad, la fantasía, la imaginación, se ven enriquecidas no sólo por
medio del propio tanteo experimental del alumnado, interiorizando en primer
lugar lo que fluye en su interior; manipulando, en segundo lugar, con los
papeles y materiales; y por último, expresando y exteriorizando sobre un
formato, de una forma creativa, lo que ha querido manifestar; sino también,
enriqueciendo sus conocimientos artísticos, con el aprendizaje de técnicas y
procedimientos pictóricos, que poco a poco irán ampliando sus posibilidades
expresivas y artísticas.
Modelado.
El modelado es un proceso de transformación de un material blando en figuras
o adornos.
Los trabajos de modelado son aptos para todas las edades, siendo un trabajo
habitual en los centros escolares. Para trabajar con niños muy pequeños
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podemos usar la plastilina o la masa blanda, pensadas para que no pase nada
si los niños se la llevan a la boca.
Se puede modelar plastilina, masa de modelar, arcilla, masa de pan o de sal,
etc.
Cuando se trabaja con masas, de diferentes tipos es importante utilizar
diferentes materiales, que se va a adecuar a las diferentes edades de los niños
y además a las características de los grupos a los que nos enfrentamos.
Algunos de estos materiales pueden ser:
Palos de escoba cortados: sirven para estirar la masa, se puede utilizar
también, si esta al alcance, palos de amasar de tamaño pequeño.
Herramientas caseras como cuchillos, tenedores, cucharitas, siempre teniendo
en cuenta que no sean peligrosos para los niños. Cualquier tipo de palito, ya
sea de helado o cualquiera que consideremos útil para el propósito que
buscamos.
Crema para manos, o vaselina: se utiliza para que la masa no se pegotee en
las manos de los niños ni en el palo de amasar, o la superficie de trabajo.
Superficie de trabajo: algo que sirva de base para proteger la mesa sobre la
que se trabaja. Puede ser goma eva, una plancha de corcho, o cualquier tipo
de madera que sea lisa. Se puede utilizar en reemplazo cualquier elemento que
sea impermeable o antia herente.
Témperas, acrílicos, óxidos, anilinas, colorante de tortas o velas: sirven para
teñir las masas o pintar las piezas una vez secas. Hay gran variedad de colores
y de elementos.
Quizás dejamos sin nombrar alguno que podría servir, pero hay que utilizar la
imaginación.
Palillos: según la edad pueden servir para realizar las uniones. O formar el
esqueleto de las piezas y sostenerlas. marcadores escolares: se utilizan para
hacer las caras una vez que la pieza esta seca. esponjas: pueden provocar
determinadas texturas sobre la pieza, según el tipo de esponja.
Barniz: protege las piezas una vez secadas, hay que tener en cuenta que la
pieza debe estar completamente seca. En caso de no contar con este material
se puede reemplazar con cola vinílica, que le da un brillo muy especial.
Moldes: si se quiere hacer piezas en serie, o en mucha cantidad. Se
recomienda que los niños prescindan lo menos posible de ellos, ya que coartan
su capacidad creadora. papeles de revista o papeles blancos: siempre es útil
tenerlos a mano para evitar que la masa ensucie las mesas o el lugar donde se
trabaja, masas como la de polenta quedan muy pegajosas y tienden a
manchar. Se recomienda evitar el papel de diario ya que mancha con la tinta
las producciones.
Construcción.
La construcción es el proceso de armar cualquier cosa, como casas,
rascacielos, puentes, presas, caminos e incluso barcos. Se trata de trabajos
manuales tridimensionales en los que se puede utilizar una gran variedad de
materiales, y al igual que en los otras técnicas la selección del mismo depende
de la edad de los participantes en las actividades de construcción.
Los materiales para las construcciones pueden ser plásticos (de fábrica), de
material descartable, de material reciclado, etc. Para las construcciones se
requiere del manejo de las otras técnicas plásticas, puesto que en estos
trabajos se requiere de plegar, trenzar, tejer, recortar, pegar, dibujar, modelar,
iluminar, picar y bordar tiras y cuadrados de papel o de otros materiales
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(cartón, cintas, telas, etc.) para realizar variadas combinaciones de formas y
colores.
Con esta técnica los niños confeccionan sobres, figuras comunes y de adorno,
construyen y adornan cajas para diversos usos así como cestas, cuerpos
sólidos y otros objetos, arman edificios y confeccionan flores y aun muebles en
miniatura. El dominio de esta técnica plástica requiere de ejercitación práctica
que consiste en hacer una variada y considerable cantidad de trabajos
manuales.
La Plástica y la Música.
Desde la Antigüedad, los músicos aprovecharon el lenguaje colorista para

traducir sus conceptos abstractos; de hecho, son múltiples los préstamos
semánticos que un arte ha hecho al otro. El color, croma entre los griegos, es
una palabra que se utiliza como equivalente de timbre. El adjetivo brillante, una
cualidad indiscutible del color, es empleado por los músicos en el sentido de
nítido.
No obstante, aunque los ejemplos sean menores, lo mismo sucede a la
inversa, pues los términos tono y armonía fueron una herencia que la música
hizo a la pintura. A la llamada en música, escala cromática, Rousseau
explicaría: la escala cromática está en medio de la diatónica y la enarmónica,
así como el color está entre el blanco y el negro. O bien porque el cromatismo
embellece al diatónico con sus semitonos, que logran, en música, el mismo
efecto que la variedad de los colores tienen en la pintura.
Se conoce que hay oídos privilegiados que relacionan sonidos con colores.
Esto le ocurría al compositor Olivier Messiaen, que textualmente decía: ―Uno
de los grandes dramas de mi vida consiste en decirle a la gente que veo
colores cuando escucho música, y ellos no ven nada, nada en absoluto. Eso es
terrible. Y ellos no me creen.
Cuando escucho música yo veo colores. Los acordes se expresan en términos
de color para mí. Estoy convencido de que uno puede expresar esto al público.
Como él el ruso Alexander Scriabin mezclará música y colores hallando cada
sonido su correlativo en una gama cromática proyectada en haces de luz.
La relación entre las notas y los colores iban desde:
• do rojo
• sol naranja-rosa
• re amarillo
• mi azul blanquecino
• si parecido a mi
• fa sostenido azul vivo
• re bemol violeta
• la bemol violeta púrpura
• mi bemol como el acero
• si bemol con brillo metálico
• fa rojo oscuro
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Es de destacar que a finales del siglo XIX y principios del XX con las
vanguardias fueron un momento del arte en el que numerosos artistas
estudiaron y profundizaron en la relación que tenían las artes entre sí, sobre
todo las representaciones plásticas y la música.
Desde las teorías del divisionismo de Seurat o Paul Signac que escribirá que
para los puntillistas "la pincelada no es más que una de las innumerables
partes que en conjunto componen el cuadro; un elemento, que desempeña el
mismo papel que la nota en una sinfonía".
En el cubismo, futurismo, surrealismo, dadaísmo y el resto de ismos que
comprendieron sobre todo los comienzos del siglo XX se pueden comprobar
alusiones a la música, las notas, el pentagrama, los instrumentos musicales
como las numerosas guitarras representadas por Picasso. También los cuadros
de Paul Klee y Miró no dejan de ser pentagramas repletos de música.
Pero sin duda el pintor que quizá estudió en profundidad la relación de los
colores y las formas con la pintura fue Vasily Kandinsky. Muy seguido de cerca
por cierto con la música de Schoenberg que trazaría un paralelismo nada
casual con la obra pictórica de Kandinsky, y también con teorías tonales muy
cercanas a las de Scriabin que pretendieron encontrar equivalencias entre
sonido, color y sentimiento.
A sus más ambiciosas obras las llamó Composiciones, lo que probablemente
conlleva una metáfora musical. A través de ellas intentó ejercer sobre el
espectador un impacto como el que podría sentir con la música. Y es en su
obra De lo espiritual en el arte donde se encuentran parte de estas teorías y
experiencias que aúnan forma, sonido y color.
Decía Kandinsky que los puntos pueden ser interpretados en música con
golpes de instrumentos de percusión, de tambor y triángulo, piano. Las rectas
eran consideradas como únicas y solitarias, desplegando un fuerte sonido que
jamás se apaga totalmente, como puede representar el órgano.
En cuanto a los colores musicalmente los relacionaba con instrumentos que los
complementaban.
El azul claro a una flauta, el oscuro a un violoncello y el más oscuro al
contrabajo o al órgano.
El amarillo es un sonido muy agudo.
El verde absoluto nos evocaba a los tonos tranquilos, alargados y semi-
profundos del violín.
El blanco suena como un silencio puro y alegre mientras que el sonido interior
del negro es como un silencio sin futuro y sin esperanza, triste como la muerte.
Una pausa completa y definitiva tras la que comienza otro mundo.
El rojo cálido y claro musicalmente recuerda un sonar de trompetas
acompañadas de tubas; en un sonido insistente, irritante y fuerte, mientras que
el marrón puede compararse con el redoble de tambor.
El naranja recuerda la campana de una iglesia llamando al Ángelus, o de un
barítono potente o de una viola interpretando un largo.
El violeta recuerda el sonido del corno inglés o de la gaita y, cuando es
profundo, a los tonos bajos de los instrumentos de madera.
Aclaraba Kandinsky que es evidente que las definiciones dadas de los colores
son muy simples y aproximadas, pero los tonos de los colores a la vez que los
musicales son de naturaleza más matizada, despiertan vibraciones anímicas
mucho más sutiles que las que se puedan expresar con palabras. Varía la
combinación de colores, las formas que adquieran los mismos, triángulo,
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círculo, cuadrado, el mayor o menor grosor de una línea, el contraste o la
armonía de la composición.
Y para terminar, Kandinsky decía que por algo se utilizaban los adjetivos
alegre, triste, serio, vivo… para definir un lienzo, los mismos adjetivos utilizados
comúnmente por los músicos, allegro, serios, grave, vivace para determinar la
interpretación de una pieza.
EL LENGUAJE DE LAS ARTES DE LA REPRESENTACIÓN
El término artes de la representación o artes escénicas hace referencia al

estudio y práctica de toda forma de expresión capaz de inscribirse en el
universo del teatro, de la danza, de la ópera, del cine y, en general, del
mundo del espectáculo.
Hay en ellas conceptos fundamentales que nos ayudan a definirlas. Estos son:
Espacio – tiempo. La acción (física, verbal).
La estructura y sus componentes (texto, personaje, conflicto, situación).
Estos elementos son comunes y son los que las diferencian y les dan su
carácter particular. En todas estas artes encontramos los mismos elementos
conviviendo en niveles de relación y calidad distintas.
Todo hecho escénico parte del conflicto que genera un personaje ficticio. Este
conflicto se expone o resuelve en la representación mediante recursos como la
acción o el texto, ya sea este último dicho -como en el teatro-, cantado -como
en la ópera- o bailado - como en la danza-. Toda representación implica un
reordenamiento de la realidad en un conjunto de opciones que dependen de los
códigos vigentes de acuerdo al contexto cultural dominante en cada época. En
este sentido, se debe entender a la representación como un juego de artificios.
En la educación básica es necesario el manejo del lenguaje de las artes de la
representación, de los cuáles los más apropiados al desarrollo infantil son el
teatro, la danza y el cine, aunque este último depende mucho de la
disponibilidad de los medios tecnológicos necesarios para su aplicación.
EL TEATRO.
El Teatro fue considerado un arte autónomo desde la antigüedad. Es una

manifestación artística que conjuga varias expresiones humanas.
Como texto, pertenece al campo de la literatura en donde constituye un género
independiente. Mas, las obras teatrales están hechas para ser representadas
antes que leídas. La representación teatral armoniza varios elementos. Los
principales son:
Texto (diálogos), actuación (gesto y voz), espacio y tiempo escénicos.
Hasta hace pocas décadas, en nuestro país el teatro estuvo muy asociado a
las festividades escolares. Era ejecutado por un grupo de alumnos o alumnas
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capaces de memorizar los papeles y de actuar con espontaneidad y
desenvoltura frente al público.
Esta costumbre escolar vino a menos con la institución de la jornada única. Ya
no existe tiempo para repasar la comedia o el drama. En contadas
instituciones, sobre todo a nivel de educación secundaria, se opto por una
alternativa más restringida pero más orgánica: el club de teatro.
La idea de insertar el teatro en la escuela tiene como objeto desarrollar la
capacidad expresivo – interpretativa que permite la expansión de la
personalidad.
Hacer el papel de otros, asumir un rol no cotidiano favorece la desinhibición y el
regocijo. Posibilita observar personajes típicos y hechos comunes de la vida o
de la historia. Tomar distancia frente a la realidad, reflexionar y juzgar actitudes
y formas de ser de las personas. El teatro, como reflejo de la vida, como
reconstrucción de la condición humana, es una escuela de formación de
valores humanos.
Los títeres, el mimo, la dramatización son formas sustitutas del teatro de
actores. Esas modalidades pueden tener grandes posibilidades de ejecución y
aplicación en la escuela.
Elementos del Teatro.

Entre sus elementos tenemos: El autor, el actor, el director y el público.
El autor, es la persona que produce el guión teatral, para ello se inspira en
hechos reales o ficticios.
También se le denomina dramaturgo. En los casos en que los actores
intervienes en la creación, se le denomina obra de creación colectiva.
El actor, Es quien interpreta determinado rol en una obra teatral, dando vida a
los personajes que existen en el guión. Su tarea consiste en que su
individualidad se torne instrumento para el arte. Su actuación debe armonizar
siempre con la del elenco y debe poseer la concentración, como cualidad
básica. Para que su actuación sea integral, debe existir unidad entre la
expresión verbal, la expresión mímica-corporal, y la caracterización (maquillaje,
peinado, vestuario, etc.).
El director, es el responsable de la calidad escénica de una representación
teatral.
Debe conocer muy bien las técnicas teatrales, además debe poseer una gran
sensibilidad artística, lo que le permitirá imprimir a todas las representaciones
teatrales un sello de delicadeza y buen gusto. El espíritu de organización en el
director es importante, pues ello le permitirá aprovechar al máximo las
aptitudes de todos los miembros del elenco teatral.
El público, constituye un elemento fundamental, no sólo en el momento de
apreciar la obra, sino también en el proceso de creación, yq que puede existir
expectativas que lo condicionen. El público varía según los alcances de cada
obra, eso significa que hay espectáculos teatrales para niños, otros solamente
para adultos y otros diseñados para público de toda edad.
El Proceso de Montaje Teatral
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El montaje es el proceso que se inicia con la elección de una determinada
pieza teatral y concluye con el estreno de la misma.
La puesta en escena de una obra no es nada fácil, todos los integrantes del
grupo teatral tienen que esforzarse por funcionar de un modo acorde y
armónico, ya que el individualismo es perjudicial para la obra.
Selección de la obra:
Se deben elegir obras amenas, vistosas y con lección de cultura. La obra debe
poseer una buena adaptación, debe ser asequible para niños y jóvenes.
Lectura de textos:
Se inicia con la primera lectura que el director y los actores hacen de la obra
escogida.
Cada actor subraya su texto en la primera lectura, que podemos llamar: lectura
de subrayado. Seguidamente haremos la lectura de comprensión, es decir,
enterarnos de lo que dice el texto. Luego, es necesario un comentario acerca
de la obra y de sus personajes para llegar a una conclusión, y así tener una
idea clara de lo que se va a representar.
Análisis del texto dramático:
Para acceder al análisis textual es importante no dejar de lado ciertos aspectos:
• Biografía del autor y época en que fue escrita, por la influencia que esta
pueda ejercer en el texto.
• Realizar una síntesis o argumento de la obra.
• Diferenciar los temas principales de los secundarios, teniendo en cuenta que
si se altera la intención del autor, estaríamos ante otra versión.
• Establecer y delimitar la estructura externa (en cuántas escenas se divide) e
interna de la obra.
Dramaturgia del personaje:
Para la construcción de un personaje es importante tomar en cuenta lo
siguiente:
• Rasgos del personaje: físicos, psicológicos y sociales.
• Es vital conocer la historia del personaje, desde la infancia hasta el momento
de la obra.
• Es necesario saber los objetivos del personaje, ya que siempre tiene deseos
que quiere conseguir.
• Caracterización: voz (tipo de lenguaje, entonación), cuerpo (gesto y
movimiento), vestuario y maquillaje.
Escenografía:
Después de resolver el asunto del texto y de la actuación, debemos
preocuparnos de la escenografía.
La escenografía es un elemento importante de la pieza teatral porque crea una
atmósfera de ilusión al servicio de la misma. A la persona encargada de la
escenografía se la conoce como ―escenógrafo y antes de realizar su labor,
debe recurrir al guión teatral.
Música escénica y efectos sonoros:
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La música escénica es un factor importante para definir el ambiente y crear en
el público un estado emotivo. La música debe unificar el estilo de la obra y no
ser un cuerpo extraño dentro de ella. La música instrumental debe acompañar
a la acción y puede, en un momento preciso, expresar mejor la situación
dramática que las propias palabras del actor.
Para ajustar el tiempo de la música a la realización de la obra, se debe tomar
un guión, un lápiz y una hoja, para apuntar los segundos o minutos que dure la
música o los efectos de sonido y encuadrarlos en él. No se puede emplear más
de dos minutos de una misma composición musical. Tampoco se debe colocar
música de fondo durante una charla o monólogo, sino antes o después de una
escena importante.
Por otro lado, los efectos sonoros deben ensayarse hasta alcanzar precisión, y
su intensidad no debe ahogar los parlamentos. Es conveniente que exista un
encargado especial de la música y efectos sonoros.
Maquillaje y vestuario:
El objeto del maquillaje es sugerir el carácter del personaje y hacer que la
facciones del actor parezcan normales. El maquillaje se ensayará bajo las
exactas condiciones de iluminación teatral, a fin de evitar inconvenientes con el
efecto del maquillaje en el actor.
Así mismo, el vestuario ayuda a crear el estilo y el ambiente de la
escenificación. Cada traje establece el carácter del personaje. En el diseño del
vestuario, el color es un fuerte estímulo visual para el espectador, y por lo
general, se suelen usar colores más vivos que los del decorado, o por lo menos
en contraste con él, para realzar su figura.
Los ensayos:
Una vez conocida la orientación del director, dominado el texto y memorizado
una parte del mismo, empiezan los ensayos, que forma parte del trabajo en
escenario.
En los primeros ensayos, los actores de desplazan por todos los planos y
espacios del escenario. Después de bosquejar la escenografía y ubicar los
muebles en el espacio escénico, los actores caminarán respetando las
indicaciones hechas por el director, quién determinará los desplazamientos y el
lugar donde dirán sus parlamentos los actores.
Según avanzan los ensayos, el director trabajará el ritmo, para que la obra no
resulte lenta y aburrida, y la interrelación de los personajes. El ensayo general,
que se realiza cerca al estreno de la obra, debe realizarse en el mismo local
donde se darán las funciones, a fin de no encontrarnos con sorpresas
desagradables.
El Teatro de Títeres.
Otra rama teatral importante, especialmente en el área educativa y de la cultura

estética es el teatro de títeres:
Se conoce que el títere como objeto, es un muñeco que se construye de
diversos materiales, como pasta, tela, etc., que se mueve o se maneja por
medio de hilos u otro procedimiento, y se utiliza para la representación teatral.
La persona que maneja títeres se denomina titiritero. En el ámbito educativo,
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los títeres se constituyen en un recurso didáctico muy valioso, utilizados más
generalmente en la educación inicial y preescolar, que permiten expresar ideas
y sentimientos, así como representar hechos cotidianos.
Pueden emplearse como medida terapéutica con excelentes resultados.
Sus posibilidades educativas son numerosas. Los títeres son muy valiosos en
el desarrollo verbal, en la expresión del niño, en la coordinación manual y el
desarrollo de la imaginación y creatividad. Contribuyen al sostenimiento y a la
evolución de las tradiciones orales y cuentos clásicos, y aún así son fuente de
nuevas historias.
El teatro de títeres tiene mensaje. Rara vez es un teatro vacío. Enseña, critica,
muestra y puede despertar una reflexión. Lo que a través de la palabra simple y
directa no se logra comunicar al niño, a través de estos personajes mágicos se
puede convertir en un conocimiento importante y significativo para él. Es un
vehículo de comunicación con la infancia que no tiene parangón.
Para las representaciones del teatro de títeres es conveniente observar las
siguientes recomendaciones:
Entramos o salimos de escena siempre por los costados, tratando de no
superponer los movimientos con otros títeres que se encuentren en escena.
La mejor manera de entrar y salir del escenario es hacer que tu títere aparezca
como si éste estuviera caminando arriba o abajo de una rampa.
Pocos muñecos en escena para que no se produzca confusión en el público, ya
que se confunden las voces y a veces no se sabe quien habla.
Al hablar, el personaje debe gesticular en tanto el resto permanece inmóvil,
salvo que la obra diga lo contrario.
El final de su muñeca debe situarse en la base del teatrito, ya que si elevamos
demasiado el brazo se verá por arriba del escenario y el títere perderá su
esencia dramática.
Evalúe sus movimientos en el espejo, para poder corregir sus errores.
La voz es un elemento fundamental para dar vida al muñeco. El tono de voz
tiene que ser alto pero no debemos gritar, ya que esto deformaría nuestra voz y
le restaría claridad.
Adecuaremos la voz al personaje que re presente cada títere y mantendremos
el mismo registro y timbre durante toda la obra.
LA DANZA.
La danza es una expresión artística tradicionalmente muy ligada a la música.

Constituye el uso social más difundido de la música. Sin embargo de depender
del ritmo no solo es un arte temporal, es además un arte espacial ligado al
movimiento del cuerpo. La materia prima de la danza es el cuerpo humano con
sus infinitas posibilidades expresivas.
En cuanto expresa imágenes en movimiento se relaciona con la plástica. Pero
cuando cuenta una historia o representa una anécdota, puede ser considerada
una forma dramática. Por estas características puede ser considerado un arte
de síntesis.
Importancia de la Danza.
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La danza, probablemente, es tan antigua como la humanidad: algunas pinturas
rupestres que datan de hace muchos miles de años muestran imágenes que
parecen figuras danzando. Por lo tanto, entre las manifestaciones del arte, es
considerada una de las más abstractas, de igual manera, constituye, junto con
la música, la de mayor consumo por su poder de comunicación y expresión.
Para educar a través de la danza, es necesario tanto el conocimiento teórico
como el práctico, entre ambos debe existir un adecuado equilibrio en el sistema
de influencias de lo artístico. El primero contribuye a que el individuo pueda
analizar lo que verdaderamente tenga valor artístico; posibilita las habilidades
para descubrir detalles imperceptibles para el individuo no educado
artísticamente; eleva el gusto estético personal, y brinda el conocimiento del
desarrollo histórico de la manifestación.
Por su parte el conocimiento práctico, vivencia las particularidades que este
puede poseer en las distintas edades, acorde con esta manifestación artística.
Cuando sólo se considera el conocimiento teórico, se pierde el contacto directo
con el arte y éste se transforma en una relación de conceptos, con un enfoque
verbalista.
Es imposible hacer consideraciones sobre el arte sin conocerlo, sin establecer
una relación directa y vívida con el hecho artístico, y a la inversa, cuando sólo
se considera el conocimiento práctico, se mantiene el contacto directo con el
arte, pero limitadamente el educando no tiene un suficiente desarrollo
intelectual ni el conocimiento teórico para comprenderlo y asimilarlo en toda su
dimensión.
La danza, como toda actividad humana, es producto de la evolución. Al igual
que la mente humana ha ido evolucionando en un proceso de selección hasta
los más avanzados estadios culturales, podemos decir ¿son los estudiantes
capaces de utilizar la danza como un vehículo para llegar al conocimiento?
La danza mezcla armoniosamente movimientos; nuestros cuerpos pueden
retorcerse, saltar, estirarse y dar vueltas, casi siempre, al ritmo de una música,
ya que el cuerpo humano está hecho para moverse.
El mundo ofrece una variedad apasionante de danzas. Partiendo de lo anterior
mente expuesto el objetivo de este trabajo es reflexionar sobre la importancia
de la danza como herramienta técnica y metodológica para la formación
integral de los educandos.
Los estudiantes a partir de los conocimientos que poseen de la vida práctica
definen a la danza como una manifestación que sirve para recrearse, ignorando
que el estudio apreciativo de la danza va más allá de simples movimientos
acompañados con sonidos musicales.
A través de la danza como manifestación artística los estudiantes pueden
formar su gusto estético utilizando el arte como vehículo para alcanzar una
correcta Educación Estética, la misma, nunca debe presentarse como un
complemento de las distintas facetas que integran la formación multifacético y
armónico del individuo." Por lo que toda educación cívica, política, moral, física
debe ser al mismo tiempo estética, la que a su vez es inseparable de las
variadas tareas de la formación del ciudadano.
La estética se ocupa un tanto del estudio de lo bello, que constituye una de las
categorías más importante de la estética. Abarca todas las esferas de la
realidad, la naturaleza y el mundo de los objetos creados por el hombre esta
última parte es el medio circundante que rodea al sujeto, lo bello no está dado
por la cantidad de objetos o prendas, gestos, movimientos que pueda tener el
individuo sino, por la limpieza, el orden, la sencillez con lo que sepa utilizarlos,
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por eso tanto en la vida diaria como en las obras de arte deben ser introducidos
elementos de la belleza utilizándolo de una forma creadora.
El medio influye poderosamente sobre la educación estética; esta se
fundamenta en los conceptos políticos, ideológicos, intelectuales y morales que
guían la sociedad, la Educación Artística es la principal vía para alcanzar una
adecuada Educación Estética a través de sus diferentes manifestaciones.
La danza, manifestación artística que se expresa mediante movimientos
corporales, gestos que siguen rítmicamente las audiciones de diferentes
géneros musicales, es el "lenguaje del cuerpo" como plantea Paula Sánchez en
su libro Educación Musical y Expresión Corporal, a este lenguaje se le agrega
los sentimientos, emociones, vivencias, imágenes, ideas que al traducirse estas
experiencias internas en movimientos, gestos da origen al término danza.
Uno de los rasgos que la caracterizan es el movimiento corporal, o sea, la
utilización del cuerpo. La expresión del mensaje mediante el lenguaje
extraverbal.
A diferencia de las otras artes (la literatura, la pintura o la escultura), la música
y la danza transcurren en un breve plazo de tiempo y espacio, más allá del cual
las imágenes significativas del movimiento desaparecen del ojo del espectador.
Lo que no haya podido captarse en esa fugaz relación, solo podrá
sustitutivamente incorporarse a la sensibilidad del observador por la memoria
de lo visto o escrito por algún crítico que se expresa a través de puntos de
vistas muy personales, o por un video.
De ahí que el arte de la danza necesite unas antenas perceptivas bien
desarrolladas para el verdadero disfrute de sus obras, so pena de percibirlas
solo a medias, o lo peor, de forma superficial y frívola como sucede
actualmente con los estudiantes que utilizan la danza como medio para la
recreación, ignorando el caudal de conocimiento que se puede alcanzar a
través de esta manifestación artística.
La danza por su parte es un proceso que ha ido evolucionando hasta los más
avanzados estadios culturales, sin que hayan desaparecidos niveles culturales
anteriores producidos por la ideología de etapas socio-políticas-económicas
determinadas y que aún coexisten con las más avanzadas; así también la
danza en su trayectoria de siglos ha ido creando formas, maneras y estilos, que
existen unos al lado de los otros y se influyen mutuamente.
La variada serie de contradicciones que se plantean entre unos y otros hacen
necesario tener una visión dinámica, siempre en movimiento para poder
apreciarlas.
Esa manera de verla será el punto de vista que se adoptará para su
apreciación.
Siempre será estudiada como una actividad viva con diversas ramificaciones
hacia el pasado y hacia el futuro, todas ellas relacionándose con el presente,
influyéndose y modificándose entre unas y otras.
Una de las situaciones que se van a encontrar en la actividad danzaria es la
danza bien proyectada a una imagen precisa y objetiva del mundo, en este
caso surge la danza de acción, de narración o caracterización de un objeto o
persona. Esta constituye una danza donde siempre hay una imagen a plasmar
o reproducir: una visión de hechos, acontecimientos o sujetos que se reviven.
Es una danza que supone la experiencia anterior con seres, objetos y hechos
acontecidos. Implica una imitación de esa experiencia dentro del contexto
artístico de la danza y a través de sus propios medios expresivos, como es el
movimiento físico.
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Por otro lado, existe la danza que no proyecta imagen, esta, se entrega a una
acción subjetiva sin relación con el mundo externo, nombrada danza abstracta,
en ella encontramos una danza desligada de las imágenes del mundo exterior,
donde el movimiento que la origina está impulsado por una energía subjetiva
dependiente al sujeto ejecutante de la danza, que se establece relación directa
con la experiencias anteriores en que la narración no desempeña papel alguno.
Esta danza no se desenvuelve dentro de un mundo fuertemente emocional,
íntimamente ligado al automatismo del subconsciente, el éxtasis o trance es un
frecuente resultado.
Representa una danza abstracta, en ocasiones catártica y en otra de un fuerte
racionalismo, aunque siempre regida por un principio de no representación.
La vía del ritual religioso, la vía de la recreación colectiva y la vía del
espectáculo teatral han sido y son los tres caminos por donde la danza transita
en su constante necesidad de comunicación, estas vías pueden servir para
desarrollar el conocimiento sobre la danza en los estudiantes, lo cual le servirá
para poder apreciar cada uno de los géneros danzarios.
Como se puede apreciar la importancia de la danza es diversa si se tiene en
cuenta todas las posibilidades que presenta la misma para el trabajo con los
educandos de los diferentes subsistemas de estudio, sin embargo, durante el
desarrollo de múltiples actividades se pudo determinar que en el mayor de los
casos muchos de los docentes no la utilizan como vía motivacional y de
formación general. El conocimiento de sus características, su nivel de alcance,
así como los elementos que expresan las herramientas didácticas, constituyen
aspectos de interés en el trabajo pedagógico de las instituciones escolares.
A partir de todos los fundamentos expresados, se puede afirmar que: la
actividad danzaria es uno de los medios que contribuye a desarrollar la
educación estética, artística y general e integral de los educandos, por ello su
utilización precisa de su conocimiento, no solo como vía de aprender diversos
contenidos correspondiente al mundo que nos rodea sino que la misma ha de
tenerse en cuenta como herramienta metodológica en el trabajo docente
educativo a realizar en las distintas educaciones.
La Coreografía.
La Coreografía (literalmente "escritura de la danza", también llamada

composición de la danza), es el arte de crear estructuras en las que suceden
movimientos. Las personas que hacen coreografía son llamados coreógrafos.
Si bien es usado principalmente en relación con la danza, el término
coreografía puede ser aplicado en varios escenarios, entre ellos: combate en
escena (coreografía de acción o de lucha), gimnasia, patinaje, cinematografía,
etc.
Tipos de Coreografía.
Entre los principales tipos de coreografía tenemos los siguientes:
• Coreografía Monologa: esta depende de una sola persona, puede ser
instruida por otra pero la que lo lleva al escenario es el que danzara. Es una de
50
las coreografías minoritarias de entre las modernas y se aplican a base de las
obras literarias, operas.
• Coreografía grupal: esta es la danza más usada en todo el mundo. Estas se
construyen por el llamado Coreógrafo quien corrige los movimientos que se
actuaran, los grupos coreógrafos son de 6 a 10 personas, suelen estar basadas
en un personaje principal que actúa de manera casi diferente a los otros.
• Coreografía expresiva: es aquella en el que recurren muy pocas expresiones
interjectivas y mucha danza, ésta coreografía la utiliza en algunas de sus
canciones Britney Spears.
• Coreografía distributiva: esta es muy utilizada en estas épocas. En esta
recurre una división mientras que las otras personas bailan, el principal hace
actos pero vuelve a recurrir a ellos, se pueden dividir entre las personas por
ejemplo: el principal danza igual que 5 personas colocadas atrás, mientras que
dos al lado del principal danzan igual pero diferente a los otros.
• Coreografía Folklórica: esta es la más usada entre los pueblos rurales en la
que destacan los bailes o danzas culturales sembrada en un país. Esta la usan
los países para destacar la cultura entre las personas y dar conciencia al
pueblo y entretenerlos.
La Música y la Danza.
María Dolores Moreno Bonilla- Profesora de Danza manifiesta lo

siguiente:
La música y la danza son dos disciplinas distintas, impartidas por profesionales
especializados, que tienen objetivos y contenidos diferenciados. Sin embargo
ambas tienen numerosos aspectos en común, de los que pueden beneficiarse
mutuamente.
Autores de reconocido prestigio en la pedagogía musical como Dalcroze y Orff,
no conciben la enseñanza musical si esta no va acompañada de movimiento.
Por su parte, la música proporciona al bailarín o bailarina los elementos que
necesita para apoyarse, expresar y comunicar sentimientos. Ambas disciplinas
poseen elementos comunes que permiten su conexión. Estos elementos son:
1. El ritmo.
El ritmo se puede definir como una organización temporal del sonido, que nos
permite predecir cómo van a ir apareciendo en lo sucesivo. Los pasos de danza
tienen un ritmo interno propio. Este debe interactuar con el ritmo de la música
para poder coordinarse y conseguir una base firme en el movimiento. Para
los/as bailarines/as el ritmo es una constante que proporciona la principal
fuerza de movimiento.
El ritmo tiene dos componentes que son el pulso y el acento:
• El pulso es una percusión que se repite periódica y regularmente en una obra
musical. En danza constituye un latido que permanece siempre y que todo
bailarín/a debe seguir internamente, para evolucionar adecuadamente dentro
de su desarrollo coreográfico.
• El acento se define como la mayor intensidad de una pulsación con respecto
a otra y va a definir las diferentes clases de ritmos. En Danza, el bailarín/a
utiliza estos acentos musicales en correlación con los acentos musculares,
51
para marcar el impulso de salida de un movimiento, para fijar la posición en el
espacio en un punto culminante de la coreografía o para marcar el momento
final del movimiento.
2. El compás.
Es un instrumento que permite ordenar los distintos ritmos naturales, con la
finalidad de hacer más fácil su lectura y ejecución. Existen distintos tipos de
compases según el acento base se repita cada dos, tres o cuatro pulsaciones.
En danza, gran parte de la música que se utiliza para bailar es contada y el
compás musical nos indica cómo se debe contar la pieza que se está
coreografiando o interpretando. Así por ejemplo un compás binario se contaría
uno y dos y tres y cuatro.
Un compás ternario sería por ejemplo 123, 223, 323, 423. Las palabras que se
utilicen en una frase de movimiento pueden ser diferentes (1ya, 2ya, 3ya, 4ya),
pero la medida no varía.
3. El tempo.
Señala aspectos relacionados con la rapidez, es decir, hace referencia al grado
de lentitud o velocidad con que deben ser marcados los tiempos de un compás.
Para ello se utiliza un vocabulario especial que permite calificar sus matices:
adagio, allegro etc.
En danza los movimientos tienen también su propio tempo. El tempo de un
movimiento podemos sentirlo a través de la velocidad de su realización, la
duración, el intervalo entre dos acontecimientos, las pulsaciones,
acentuaciones, silencios y la intensidad de su ejecución.
Así existen movimientos grandes y ligados que tienen un tempo lento o largo, y
otros movimientos que son más precisos y rápidos que se realizan tipo allegro.
Sin embargo, cualquier variación o combinaciones de pasos, se pueden
ejecutar a diferentes velocidades (en función de las necesidades
coreográficas), el requisito indispensable es que vaya acoplado y coordinado
con el tempo que la música lleve.
4. Los matices.
Se define como los diferentes contrastes que pueden aparecer en el transcurso
de una composición y que afectan a un fragmento de la misma en un momento
determinado.
Hay dos tipos de matices: uno que afecta al grado de rapidez o lentitud con el
que se ejecuta determinado fragmento o agógica y otro que afecta al grado de
intensidad con que se ejecutaría determinado fragmento o dinámica.
La acción de la dinámica en la música viene dada por la variación de los
matices de fuerza, suavidad, gravedad o ligereza de los sonidos, bien por
transición o bien progresivamente.
En danza, los grados de intensidad (altos y bajos) de la música, ayudan al
bailarín/a a la realización de una interpretación variada, no aburrida. Se suelen
asociar determinados niveles de dinámica, con algunas variaciones o
combinaciones de movimiento. Por ejemplo los grandes saltos se asocian con
una dinámica fuerte. Por otro lado se puede asociar expresión de sentimientos
a los diferentes tipos de dinámica, por ejemplo una dinámica fuerte puede
servir para expresar alegría. La agógica permite apreciar la duración con la que
se ejecuta un fragmento musical (su lentitud o rapidez).
En la danza se suelen utilizar diferentes tipos de agógica:
• Hay pasos que por sus características necesitan ralentizar o acelerar la
música.
52
• Hay momentos en los que las variaciones de movimientos, están constituidas
por dos partes bien diferenciadas que necesitan agógicas distintas.
• Por último en el desarrollo de una coreografía se pueden alternar diferentes
tipos de agógicas, cambiando a más rápido o más lento en distintas ocasiones.
Con todo lo expuesto podemos comprobar que existen muchos elementos de
conexión entre la música y la danza y no nos cabe duda de que la danza está
íntimamente ligada a la música, sin embargo la música para danza tiene un
objetivo diferente al de la música para un concierto.
La música para concierto tiene como finalidad ser escuchada. La música para
la danza tiene como finalidad realzar el movimiento. La interacción entre los
diferentes aspectos que tienen en común la música y la danza, motivan al
bailarín hacia la ejecución de los diferentes pasos y estimula al espectador
hacia el disfrute de lo que está percibiendo.
EL CINE.
Aunque ligado a otras artes, el cine resulta un arte original y perfectamente

diferenciado. Si bien la imagen tiene un peso especial dentro de la expresión
cinematográfica, es un error considerar al cine como rama de la plástica. Por su
nacimiento y los recursos tecnológicos que requiere es un arte de la época
contemporánea.
Refleja, como ningún otro arte, la realidad actual dinámica, expansiva (real y
virtual). Es como se lo califico desde el principio, una fábrica de sueño, donde
todo lo imaginado es posible, donde la dimensión de lo real no tiene espacio, ni
tiempo, pues, el pasado, el presente y el futuro; el aquí, el allá y el más allá, se
enlazan, se fusionan, se diluyen.
El cine tiene sus propios elementos artísticos, entre los que destacan los
planos y encuadres, la banda sonora y el guion. Se diferencia radicalmente de
otras expresiones artísticas en cuanto es un arte de equipo, en el confluyen
técnicos, actores y empresarios. El cine nació como una diversión, luego fue
aventura, hoy es, arte e industria.
EL VIDEO.
El video es una expresión menor del cine, arte de menor formato, reducido en
costos, con menos posibilidades expresivas, pero con más posibilidades de
difusión en circuitos cerrados y abiertos. ¿Tiene importancia introducir
expresiones audiovisuales en la escuela? Sin duda. Si queremos acoplar la
escuela a los cambios actuales, la alfabetización cinematográfica y videográfica
es indispensable. Es necesario que se dé la oportunidad en la escuela de
53
visionar, disfrutar y valorar filmes apropiados para niños, a través del uso del
video educativo.
El Video Educativo.
Desde una perspectiva general, se puede considerar video educativo a todo
aquel material audiovisual independientemente del soporte, que puedan tener
un cierto grado de utilidad en el proceso de enseñanza aprendizaje. Este
concepto genérico engloba tanto al video didáctico propiamente dicho
(elaborado con una explícita intencionalidad didáctica) como aquél video que
pese a no haber sido concebido con fines educativos, puede resultar ventajoso
su uso, en este caso, se hace necesaria una intervención más activa del
docente. De cualquier manera, todo material audiovisual es susceptible de ser
empleado didácticamente, siempre que su utilización esté en función del logro
de objetivos previamente formulados por el docente.
Clasificación de Videos Educativos.
Visto el concepto global que involucra el término video educativo, es preciso
proponer una categorización en la cual se considere todas las aplicaciones
potenciales que pueda tener el video. Por lo tanto, un video educativo se puede
clasificar en:
• Video documental: muestra de manera ordenada información sobre un tema
concreto (por ejemplo, un video sobre la actividad minera en el oriente
ecuatoriano).
• Video narrativo: tienen una trama narrativa a través de la cual se van
presentando la información relevante para los estudiantes (por ejemplo, un
video que narra la vida de un personaje histórico).
• Lección monoconceptual: es un video de muy corta duración que se centran
en presentar un concepto determinado (por ejemplo, un video sobre el
concepto de la cadena alimenticia, o la simulación del vuelo de un pájaro).
• Lección temática: es el clásico videos didáctico que va presentando de
manera sistemática y con una profundidad adecuada y gradual a los
destinatarios los distintos apartados de un tema concreto (por ejemplo, un
video sobre las influencias del arte precolombino).
• Video motivador: pretende ante todo impactar, motivar, interesar a los
espectadores, aunque para ello tengan que sacrificar la presentación
sistemática de los contenidos y un cierto grado de rigor científico (por ejemplo,
un video que pretende alertar sobre los peligros del SIDA). Muchas veces
tienen una estructura narrativa.
54

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UNIVERSIDAD NACIONAL DE LOJA

ÁREA DE LA EDUCACIÓN, EL ARTE Y LACOMUNICACION

LA MÚSICA EN EL CONTEXTO MUNDIAL,

TALLER DE CULTURA ESTÉTICA MUSICAL

PERIODO SEPTIEMBRE 2011-FEBRERO 2012

Coordinación del Curso: Lic. Verónica Pardo Frias

Lic. José Aníbal Pucha Sivisapa

La formación profesional que la Universidad Nacional de Loja viene brindando a

El elemental conocimiento que las personas poseen sobre la música universal,

En el curso de Cultura Estética, el alumno de la Carrera Superior de Música

Con el tratamiento de este curso se pretende despertar en el alumno la creatividad,

El curso tendrá una duración de cinco meses, del 13 de septiembre de 2011 a

El presente curso nace de acuerdo a la problemática planteada en el módulo como

Es importante que en esta fase de formación del estudiante se vayan moldeando

El presente curso denominado: Cultura Estética, va a permitir a los estudiantes de

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3.2. OBJETIVOS ESPECÍFICOS.

Equipo Docente: Lic. Verónica Pardo Frías

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CLASE DEL 04 DE OCTUBRE DE 2011

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