Linea Del Tiempo Historia Del Arte
Linea Del Tiempo Historia Del Arte
Linea Del Tiempo Historia Del Arte
PINTURA RUPESTRE: Algunos autores mencionan su uso para acceder a los espírit
mágico-religiosas para propiciar la caza. En las pinturas rupestres generalmente se
origen vegetal como el carbón vegetal, de fluidos y desechos corporales como las h
CARACTERÍSTICAS/ o grasa, albúmina, orina, savia, tuétano, sangre.
TIPO DE OBJETOS
EVENTOS HISTÓRICOS El Homo sapiens sapiens apareció alrrededro del año 120000 a.C.
PERÍODO/
MOVIMIENTO EDAD DE PIEDRA 2.5 millones a.C. – 2500 a.C.
Caballo h. 15000 - 10000 a. C. Pintura rupestre Lascaux,
Francia. descubierta en 1940.
para acceder a los espíritus de los muertos y para obtener favores de los dioses. Se cree, en general, que está relacionado con prácticas
upestres generalmente se usaban uno o dos colores, incluyendo algunos negros, rojos, amarillos y ocres. Los colores también llamados p
hos corporales como las heces, compuestos minerales como la hematita, la arcilla y el óxido de manganeso, mezclados con un aglutinan
VENUS PALEOLÍTICAS: Son estatuillas femeninas de hueso, asta, marfil, piedra, terracota,
madera o barro, datadas en el Paleolítico Superior, dentro del cual constituyen la principal categoría de
arte mueble o mobiliar.
MEGALITOS: Entre los megalitos más conocidos están los dólmenes (mesa) , los menhires (una piedra) y los cromlechs (conj
generalmente organizados de manera circular).
dólmenes (mesa) , los menhires (una piedra) y los cromlechs (conjunto de piedras,
RELIEVES: El arte sumerio se caracteriza por tener un carácter político principalmente. Los relieves de reyes y conquistador
Algunas similitudes importantes con el arte egipcio son: Ley jerárquica, ley de frontalidad y figuras con una anatomía poco d
Algunas diferencias con el arte egipcio son: Utilizaban el arte para la vida después de la muerte, y no con fines políticos, po
idealización de la simetría en sus pinturas y esculturas, diferente a los sumerios.
e. Los relieves de reyes y conquistadores se colocaban en lugares públicos como forma de proselitismo y dominación.
dad y figuras con una anatomía poco detallada.
la muerte, y no con fines políticos, por lo que se colocaban dentro de tumbas y no en lugares públicos. Además, Los egipcios tenían una
00 – 539 a. C.)
Lammasu, una de las puertas de Dur Sharrukin, 713 a. C. PUERTA DE ISHTAR, h. 575.
El arte egipcio se utilizaba principalmente dentro de tumbas, pues su cosmogonía centraba la producción de imágenes
para la vida después de la muerte. Presenta tres características principales:
IDEALIZACIÓN DE LA SIMETRÍA: No se presentan con sus defectos y características físicas reales. No fue sino hasta la
aparición del rey sol Akhneatón, que se empezó a representar a las personas con sus defectos físicos.
PERSPECTIVA JERÁRQUICA: Se representa a los personajes más importantes con un tono de piel más oscura y de mayor tam
seguidos por los personajes secundarios, y más pequeños los que tienen una importancia menor. En el relieve de los portaes
se puede ver al rey Narmer de mayor tamaño, seguido por su esposa, y a una menor escala los portaestandartes.
ajes más importantes con un tono de piel más oscura y de mayor tamaño,
os los que tienen una importancia menor. En el relieve de los portaestandartes
or su esposa, y a una menor escala los portaestandartes.
SORTILEGIO 125 DEL PAPIRO DE ANI, LIBRO DE LOS MUERTOS, h. 1550 a. C.
LEY DE FRONTALIDAD: Se representa el cuerpo humano de una forma muy peculiar, de tal manera que en el otro mundo los d
como los demás seres y objetos del mundo terrenal.
Se representa ael cuerpo humano con la cabeza de perfil, los ojos de frente, el torso de frente, las manos de lado, todos los d
pies derechos.
iar, de tal manera que en el otro mundo los dioses puedan tener una imagen clara de la anatomía humana, así
orso de frente, las manos de lado, todos los dedos con la misma longitud, la cadera de lado, los pies de lado, dos
COLUMNA PAPIRIFORME.
Toma su nombre del estilo decorativo de la cerámica, en la que predominan los vasos sin fondo usados en rituales
funerarios. Igualmente son habituales los temas relacionados con la muerte.
Marca la ruptura entre las formas canónicas del período arcaico anterior y la transición al
vocabulario y expresión grandemente expandidos del periodo clásico de mediados de siglo.
El bronce y el mármol eran los materiales más empleados, de entre los cuales era muy
famoso el mármol rosado del monte Pentélico, en Atenas.
CLÁSICO, S. V y IV a.C.
La escultura griega se caracteríza por la idealización del cuerpo humano (el cual es el principal motivo de representación) c
ello que los rostros y los cuerpos de los diferentes personajes son tan parecidos. Al avanzar en los periodos de la civilización
contraposto, en el que un lado del cuerpo se mantiene extendido mientras que el otro se mantiene en flexión. Además se des
se da una búsqueda por la tridimencionalidad y desarrollo de diferentes perspectivas.
ÓRDENES ARQUITECTÓNICOS:
Se reconocen y distinguen los diversos órdenes fundamentalmente
por la forma de la columna, y más en concreto por la de su capitel. El
dórico siendo el más sencillo sin decoración, el jónico con Se llamaban atlantes las figuras de hombres que suele
decoración en forma de espiral, y el corintio con una decoración cornisas, etc. y que los latinos llamaban telamones. E
fitomorfa más elaborada. las cariátides.
Muchas de las más importantes obras de arte griego pertenecen a este per
s las figuras de hombres que suelen ponerse para sostener Laocoonte y sus hijos, la Venus de Milo, la Victoria de Samotracia, etc.). La
os latinos llamaban telamones. El equivalente femenino son innovaciones del segundo clasicismo: estudio de los ropajes, de la transpar
flexibilidad en las actitudes.
Fauno Barnerini (copia), Venus de Milo,
ca. 200 a.C. ca. 130-100 a.C.
ARQUITECTURA:
Los romanos emplearon profusamente el arco y la bóveda.
Los romanos no sólo construyeron bóvedas de cañón y
cúpulas, sino rudimentarias bóvedas de arista y de crucería.
ANFITEATROS: Es como un teatro doble, es decir, circular y cerrado, como una plaza de toros y de mayores
dimensiones que el teatro. Se dedicaba a los espectáculos cruentos: lucha de gladiadores. El coliseo, el más grande.
La fachada se articula en cuatro órdenes, cuyas alturas no se corresponden con los pisos interiores. Los tres órdenes
inferiores los forman 80 arcos sobre pilastras y con semicolumnas adosadas que soportan un entablamento puramente
decorativo. El cuarto lo forma una pared ciega, con pilastras adosadas y ventanas en uno de cada dos vanos. Respecto
a los aspectos estéticos, vemos la combinación de arco y dintel y la superposición de órdenes toscano, jónico y
corintio.
ARCOS DEL TRIUNFO: Un arco de triunfo es una estructura monumental en forma de arco con uno o más pasadizos
arqueados, a menudo diseñados para atravesar una calle o vía. Los dos elementos clave del arco de triunfo: un arco
redondeado y un entablamento cuadrado. El arco único era el más común, pero también se construyeron muchos arcos triple
La ornamentación de un arco tenía la intención de servir como un recordatorio visual constante de un triunfo o visita imperia
Las inscripciones en los arcos triunfales romanos eran obras de arte en sí mismas, con letras muy finamente cortadas, a vec
doradas.
ESCULTURA:
El primer gran monumento de la escultura imperial fue el Ara Pacis, también obra maestra de la arquitectura romana.
Especialmente en períodos en que la descripción realista estaba en vigor con más fuerza, se observa de inmediato una
incongruencia entre la forma de representación del cuerpo y la cabeza. Mientras que la cabeza se mostraba a menudo con to
signos del envejecimiento, los cuerpos estaban representados de acuerdo con los antiguos cánones de la escultura clásica g
idealizados con una eterna juventud y fuerza. Se hacía a menudo simplemente sustituir la cabeza de una célebre estatua de
por la de un patricio romano o del emperador.
a arquitectura romana.
bserva de inmediato una RESTRATO:
a se mostraba a menudo con todos los Desde la época de la República el retrato fue muy bien valorado y con el tiempo osciló cíclicamen
nones de la escultura clásica griega, una tendencia clasicista idealizante y otra de gran realismo. Entre los retratos, el busto y la cabez
eza de una célebre estatua de un dios formas más frecuentes. Mientras que los emperadores utilizaban los retratos principalmente para
del poder y su programa político, en la esfera privada se utilizaban en el contexto funerario.
ARTE BUDISTA:
con el tiempo osciló cíclicamente entre Aunque en India había una gran tradición de escultura y se dominaba el arte iconográfic
e los retratos, el busto y la cabeza eran las antropomórficamente, sino siempre a través de símbolos. Las representaciones antropo
os retratos principalmente para la reafirmación I d. C. en el norte de India. Los dos principales centros de creación han sido identificad
n en el contexto funerario. región de Mathurā, al norte de India.
ROMA (500 a.C. – 476 d.C.) ARTE ORIENTAL (653 a.C. – 1900)
Buda calmando el océano,
Mathura, siglo II período Ayutthaya, Tailandia.
rama autónoma de la caligrafía china de la que partió, fundada sobre los cuatro tesoros de la escritura: (pinceles, tinta, tintero y papel).
e papel. La pintura de paisajes constituye el género más “noble” de la pintura china clásica. No es un arte figurativo que se haya modela
a en la pintura. La concepción confucionista del mundo se refleja, asimismo, en la pintura de paisajes en los que las figuras o las constru
e la escritura: (pinceles, tinta, tintero y papel). La pintura china clásica aparece en torno al siglo III a.C., pero no sería
a. No es un arte figurativo que se haya modelado después, sino el resultado del sentimiento experimentado por el
de paisajes en los que las figuras o las construcciones humanas aparecen de forma muy reducida, situadas en un
XILOGRAFÍA:
Originaria de China, supuso la mecanización del proceso de impresión. Como método de impresión sobre tela, los ejemplos
más antiguos que sobrevivieron en China son anteriores al año 220. l texto o la imagen deseada se talla a mano con una
gubia o buril en la madera. Se utiliza habitualmente una sola matriz (llamada también taco) para cada página. A
continuación se impregna con tinta y presionándola contra un soporte (como el papel) se obtiene la impresión del relieve.
, supuso la mecanización del proceso de impresión. Como método de impresión sobre tela, los ejemplos
obrevivieron en China son anteriores al año 220. l texto o la imagen deseada se talla a mano con una
madera. Se utiliza habitualmente una sola matriz (llamada también taco) para cada página. A
pregna con tinta y presionándola contra un soporte (como el papel) se obtiene la impresión del relieve.
grafía (siglo V)
UKIYO-E: Pinturas del mundo flotante o "estampa japonesa", es un género de grabados realizados mediante xilografía o técn
producidos en Japón entre los siglos XVII y XX, entre los que se encuentran imágenes paisajísticas, del teatro y de zonas de
que podía ser producido de forma masiva. Por lo general, eran adquiridos por personas sin suficiente nivel económico como
original. El tema original de los ukiyo-e era la vida de la ciudad, particularmente actividades y escenas de lugares de entrete
técnicas permitían la producción de impresos a todo color, llamados nishiki-e, y datan de este periodo los ukiyo-e que se rep
calendarios. Utamaro, Hokusai, Hiroshige, y Sharaku fueron algunos artistas prominentes durante este periodo.
El puente Ōhashi en Atake Los actores kabuki, Sharaku
(1857), Utagawa Hiroshige. 1794.
El arte bizantino es una expresión artística que se configura a partir del siglo IV, fuertemente enraizada en el mundo helenís
continuación del arte paleocristiano. La obra cumbre de la arquitectura bizantina es la Iglesia de Santa Sofía, antigua basílic
convertida en mezquita y actualmente en museo. Su arquitectura es eminentemente espacial, aunque el efecto exterior ha s
otomanos, que lo enriquecieron con minaretes, espolones y grandes contrafuertes.
La iglesia de San Vital de Rávena es uno de los templos más importantes del arte bizantino. En esta iglesia de San Vital está
característicos de la estilística en la arquitectura medieval de Occidente, sobre todo en los que se refiere al sentido vertica
horizontalidad precedente.
MOSAICO:
El gusto por la riqueza y la suntuosidad ornamental del arte bizantino, eminentemente áulico, exigía el revestimiento de los m
sólo para ocultar la pobreza de los materiales usados, sino también como un medio para expresar la religiosidad y el carácte
Terminada la lucha iconoclasta, a mediados del siglo IX es cuando verdaderamente se configura la estética bizantina y su ic
cierta rigidez y monotonía, pero muy expresivas en su simbolismo, con evidente desprecio del natural y las leyes espaciales
cierta deshumanización.
Durante la Tercera Edad de Oro el mosaico continuó en uso hasta el siglo XIII, en esta época se enriquece la iconografía de
de los santos y evangélicos, a la vez, que por influjos italianos, se aprecia una mayor libertad compositiva y una evidente ma
X es cuando verdaderamente se configura la estética bizantina y su iconografía. Las figuras acusan una
simbolismo, con evidente desprecio del natural y las leyes espaciales; son alargadas y con un aspecto de
uso hasta el siglo XIII, en esta época se enriquece la iconografía de los ciclos "marianos",
alianos, se aprecia una mayor libertad compositiva y una evidente manierismo en las estilizaciones.
El Evangelista San Lucas, S. X Virgen de Vladímir, S. XII La Virgen y el Niño, S. XIII
PINTURA: Se la consideraba materialización de la misma divinidad (revelación de lo divino o teofanía), en algunos casos incl
con la consideración de "realizada por manos no humanas" (acheiropoieta). El amaneramiento y el convencionalismo de la
pintura bizantina que ya desde el principio más o menos la acompañan se hicieron más sensibles en el siglo VIII y llegaron a
apogeo en el XIII por la falta de expresión y el exceso de rigidez y angulosidad que se manifiesta en las figuras. Las principa
técnicas de la pintura bizantina fueron el mosaico, el temple sobre tabla (iconos), el fresco y la iluminación de manuscritos;
aunque hay incluso testimonios de tapicería y seda bizantina.
o utilizar en obras artísticas cualquier imagen relacionada con la figura humana. Es por esto que las obras pictóricas de esta cultura está
dades generalmente en color oro y rojo. Se utiliza sobre todo como elemento decorativo en las edificaciones, normalmente a través de la
sículos del Corán), dibujos geométricos o vegetales y, más raramente, mediante la representación figurativa de personas y animales. Per
grados y profanos. Como consecuencia de esta prohibición, los artistas musulmanes se interesaron en la arquitectura, y en ella se gene
a figura humana. Es por esto que las obras pictóricas de esta cultura están
omo elemento decorativo en las edificaciones, normalmente a través de la
mente, mediante la representación figurativa de personas y animales. Pero
artistas musulmanes se interesaron en la arquitectura, y en ella se generaron
La Kaaba, dentro de la mezquita Masjid al-Haram, Alminares de la mezquita
en La Meca. El-Tabia, Asuán.
Una mezquita es un lugar de culto para los seguidores de la fe islámica. Hoy en día la
mayoría de las mezquitas tienen cúpulas elaboradas, minaretes y salas para orar. La Kaaba
es una construcción cuya forma es la de un prisma rectangular que está dentro de la
mezquita Masjid al-Haram en La Meca (Arabia Saudita). Representa el lugar sagrado y de
peregrinación religiosa más importante del islam. Es la «casa de Dios», y hacia ella orientan
su rezo los musulmanes de todo el mundo ubicando el oriente.
ARTE ISLÁMICO, 476 - 1453 d.C. ARTE MEDIEVAL, HIBEROSAJÓN Y CELTA, S. V-XV
Detalle de la Cruz de
Ruthwell. San Juan en el Libro de Mulling.
En la arquitectura carolingia se ofrecen características que anuncian el estilo románico. El crucero (nacido en las basílicas
se acusa ahora claramente. Proliferan los ábsides contiguos, precedentes de la cabecera cluniacense. Aparece el arco perpi
semejante al fajón— y el crucero se alumbra con torre-linterna. Se crea el deambulatorio: pasillo detrás del altar mayor prolo
naves laterales. Al principio iba por el exterior del templo acabó penetrando dentro del recinto. Las cubiertas eran de mader
emplea el pilar compuesto. Las mismas torres son de madera.
Evangeliario de Godescalco,
Basílica de Santa Práxedes, Roma. C. 780 ca. 781-783
ue anuncian el estilo románico. El crucero (nacido en las basílicas paleocristianas) PINTURA CAROLINGIA: De la pintura, tanto de temas
os, precedentes de la cabecera cluniacense. Aparece el arco perpiaño — fragmentos, pero de extraordinario valor, en Saint-Ger
erna. Se crea el deambulatorio: pasillo detrás del altar mayor prolongando las Máximo de Tréverisop, así como las pinturas de San J
acabó penetrando dentro del recinto. Las cubiertas eran de madera, también se La miniatura carolingia está representada por una div
era. de Ada, Escuela de Tours, Escuela de Reims.
El arte románico fue un estilo artístico predominante en Europa Occidental durante los siglos XI, XII y parte del XIII. Fue sob
todo un arte religioso, que reflejaba los valores de la nueva sociedad feudal, que a la vez era
guerrera y cristiana. Algunas características del importante arte románico catalán son: Empleo del arco de medio punto, Pie
escuadrada pero no pulida, Cabeceras de semitambor adornadas con arquillos y bandas rítmicamente dispuestas (arcos o ba
lombardas), Los templos se cubren con bóvedas pétreas de cañón y horno, Las naves son más amplias y elevadas, al menos
comparación con antiguos edificios prerrománicos, Se emplean los pilares como sustentación, No hay figuración escultórica
as, muy repetidos, son casi únicamente religiosos y se encuadran en una función didáctica imprescindible dado el analfabetismo
ir contenidos alegóricos sólo accesibles a una minoría iniciada (la élite monacal y el alto clero). La plástica románica está dominada por
os espacios vacíos, tanto en las páginas de los manuscritos como en los muros de las iglesias, de formas y colores; preferentemente for
mitadas por trazos rígidos (contornos de líneas negras), y colores puros y brillantes, lo que se ha interpretado como una reacción a la os
ente vital. En entornos convencionales, sin sombras ni profundidad, con poca o ninguna representación de paisaje, y sin perspectiva line
guras son hieráticas y simplificadas (por ejemplo, los pliegues paralelos, los rasgos faciales idénticos), yuxtapuestas y frontales, multipli
ién hace la decoración abstracta en bandas, cenefas o grecas).
ivel arquitectónico, el estilo gótico nació en torno a 1140 en Francia, siendo considerada como el primer monumento
a basílica de la abadía real de Saint Denis. Como las nuevas técnicas constructivas hicieron virtualmente
os en beneficio de los vanos, el interior de las iglesias se llenó de luz, y la luz conformará el nuevo espacio gótico.
no figurada en pinturas y mosaicos; luz general y difusa, no concentrada en puntos y dirigida como si de focos se
es una luz transfigurada y coloreada mediante el juego de las vidrieras y los rosetones, que trasforma el espacio en
La utilización de uno de sus elementos, el arco apuntado, al que suele llamarse ojival, del que
se deriva la bóveda de crucería que permite desplazar los empujes a contrafuertes externos, que se
alejan aún más de los muros mediante el uso de arbotantes. Eso permitió la construcción de
edificios mucho más amplios y elevados, y el predominio de los vanos sobre los muros.
PINTURA GÓTICA: La característica más evidente del arte gótico es un naturalismo cada vez mayor, frente a las simplificada
idealizadas representaciones del románico. Con las nuevas tendencias filosóficas y religiosas se tendió a aproximar la repre
los personajes religiosos en un plano más humano que divino, dejándoles demostrar emociones y sentimientos, rompiendo e
y formalismo románico. La pintura se practicaba en cuatro técnicas principales: pintura mural, vidrieras, pintura sobre tabla
miniaturas.
cada vez mayor, frente a las simplificadas e En el principio del periodo gótico, el arte se producía principalmente con fines relig
eligiosas se tendió a aproximar la representación de cristianismo visible para una población analfabeta; otras eran expuestas como icon
emociones y sentimientos, rompiendo el hieratismo del gótico conservaban la memoria de la tradición bizantina, pero también crearon
ura mural, vidrieras, pintura sobre tabla y en el uso de la perspectiva y de otras cuestiones técnicas en pintura en cuanto al
mobiliar), los pigmentos y los aglutinantes. Se atribuye a Jan Van Eyck la inveción
La expulsión de los diablos de Arezzo, Las muy ricas horas del Retrato de Giovanni Arnolfini y
Giotto duque de Berry. su esposa, Jan van Eyck, 1434.
te se producía principalmente con fines religiosos. Muchas pinturas eran recursos didácticos que hacían el
analfabeta; otras eran expuestas como iconos, para intensificar la contemplación y las oraciones. Los primeros maestros
la tradición bizantina, pero también crearon figuras persuasivas, con perspectiva. En efecto, se produjeron lentos avances
uestiones técnicas en pintura en cuanto al tratamiento de los soportes (que permiten la mayor difusión de un arte
tes. Se atribuye a Jan Van Eyck la inveción de la pintura al óleo.
El concepto de renacimiento se aplica a la época artística que da comienzo a la Edad Moderna. El término «renacimiento» s
clásica griega y romana, y se aplicó originariamente como una vuelta a los valores de la cultura grecolatina y a la contempla
un tipo de mentalidad más rígida y dogmática establecida en la Europa medieval. Se inventa la perspectiva aérea, con el sfu
varias capas de pintura extremadamente delicadas, proporcionando a la composición unos contornos imprecisos, así como u
Filippo Brunelleschi, arquitecto y escultor renacentista, como inventor de la perspectiva cónica o lineal (una de las cinco for
pictórico; las otras son tamaño, escorzo, detalle y perspectiva aérea.
RENACIMIENTO, S. XV-XVI
San Juan Evangelista,
Fachada del Spedale degli Innocenti, Bruneleschi. Donatello.
tística que da comienzo a la Edad Moderna. El término «renacimiento» se utilizó reivindicando ciertos elementos de la cultura
como una vuelta a los valores de la cultura grecolatina y a la contemplación libre de la naturaleza tras siglos de predominio de
ecida en la Europa medieval. Se inventa la perspectiva aérea, con el sfumato (técnica pictórica que se obtiene por aumentar
proporcionando a la composición unos contornos imprecisos, así como un aspecto de antigüedad y lejanía). Se considera a
sta, como inventor de la perspectiva cónica o lineal (una de las cinco formas de representar la profundidad en el plano
erspectiva aérea.
RENACIMIENTO, S. XV-XVI
El nacimiento de Venus (1484). Temple sobre lienzo, Boticelli.
Leonardo da Vinci aportó muchas innovaciones que condujeron a la historia de la pintura hacia
nuevos rumbos. Quizá su principal aportación fue el sfumato, delicada gradación de la luz que otorga a
sus pinturas una gran naturalidad, a la vez que ayuda a crear espacio. Estudiaba cuidadosamente la
composición de sus obras, como en la Última Cena, donde las figuras se ajustan a un esquema
geométrico.
RENACIMIENTO, S. XV-XVI
Los desposorios de la Virgen
La escuela de Atenas, Rafael Sanzio, 1510-1511 de Rafael Sanzio.
Rafael Sanzio completa la tríada de genios del clasicismo. Su estilo tuvo un enorme éxito y
se puso de moda entre los poderosos. La pintura de Rafael buscaba ante todo la grazia, o belleza
equilibrada y serena. Sus madonnas recogen las novedades de Leonardo en lo que se refiere a
composición y claroscuro, añadiendo una característica dulzura. Anticipa claramente la pintura
manierista en sus últimas obras, cuyo estilo agitado y dramático copiarán y difundirán sus
discípulos.
Carácter especial presenta Venecia, en contacto constante con oriente, lo que da a este centro artístico un aire diferente, e
el que el color predomina sobre la línea y el paisaje sobre la persona humana, justo a la inversa de lo que ocurre en Florencia
sobresalientes pintores venecianos de la época fueron los Bellini, en particular Giovanni Bellini.
o constante con oriente, lo que da a este centro artístico un aire diferente, en Trascendente en la evolución del renacimiento
aje sobre la persona humana, justo a la inversa de lo que ocurre en Florencia. Los más y que acabó viviendo en Venecia, aportando la
fueron los Bellini, en particular Giovanni Bellini. Giorgione, al que se pueden atribuir cuadros co
n la evolución del renacimiento veneciano es la obra de Antonello da Messina, pintor siciliano que se formó en Flandes
endo en Venecia, aportando la minuciosidad flamenca. Una destacada figura veneciana de principios del siglo XVI fue
e se pueden atribuir cuadros como la Venus dormida, La tempestad y Los tres filósofos.
Venecia siguió dando grandes pintores, con obras plenas de sensualidad y colorido. Tiziano destacó en el retrato, temas mit
Renacimiento alemán, y uno de los grandes maestros de la Pintura occidental fue Alberto Durero (1471-1528). Adoptó ciertos
una realista representación de la naturaleza, destacó como grabador usando la técnica de la xilografía y también la calcogra
desnudo que hace en los muy clásicos Adán y Eva (1507) que se conservan en el Museo del Prado.
Virgen del canónigo Van der Paele (1434), Jan van Eyck.
olorido. Tiziano destacó en el retrato, temas mitológicos (Venus, Baco y Ariadna) y religiosos. El pintor más destacado del
al fue Alberto Durero (1471-1528). Adoptó ciertos rasgos de la pintura flamenca como el plegado de los paños. Inclinado al dibujo y a
la técnica de la xilografía y también la calcografía (grabados en cobre). Destaca toda su serie de autorretratos y el estudio de
en el Museo del Prado.
MANIERISMO (1527–1580)
Perseo con la cabeza de Medusa,
San Marcos liberando al esclavo (Tintoretto, 1548). Benvenuto Cellini, 1554.
nte se definió como la imitación de la maniera de los grandes maestros del Alto Renacimiento (por
Tintoretto pretendía dibujar como Miguel Ángel y colorear como Tiziano), posteriormente se entendió como una
l ideal de belleza clasicista y una complicación laberíntica1 tanto en lo formal (línea serpentinata, anamorfosis,
s movimientos, los escorzos, las texturas, los almohadillados, alteración del orden en los elementos
como en lo conceptual (forzando el decorum y el equilibrio altorenacentistas, una "violación de la figura"), que
so" característico del Barroco.
El Barroco fue un estilo heredero del escepticismo manierista, que se vio reflejado en un
sentimiento de fatalidad y dramatismo entre los autores de la época. El arte se volvió más
artificial, más recargado, decorativo, ornamentado. Destacó el uso ilusionista de los efectos
ópticos. Surgieron nuevos conceptos estéticos como los de «ingenio», «perspicacia» o «agudeza».
En la conducta personal se destacaba sobre todo el aspecto exterior, de forma que reflejara una
actitud altiva, elegante, refinada y exagerada que cobró el nombre de préciosité.
El término neoclasicismo surgió en el siglo XVIII para denominar al movimiento estético que venía a reflejar en las artes los
desde mediados del siglo XVIII se venían produciendo en la filosofía y que consecuentemente se habían transmitido a todos
deseo de los filósofos de la época de la Razón (filosofía) por racionalizar todos los aspectos de la vida y del saber humanos.
de la existencia del hombre) por una ética laica que ordenará desde entonces las relaciones humanas y llevará a un concept
co que venía a reflejar en las artes los principios intelectuales de la Ilustración, que
emente se habían transmitido a todos los ámbitos de la cultura. La Ilustración representaba el
ectos de la vida y del saber humanos. Vino a sustituir el papel de la religión (como organizadora
ciones humanas y llevará a un concepto científico de la verdad.
Edipo y la Esfinge, 1864, Dominique
Ingres. La boda pueblerina, 1761, Jean-Baptiste Greuze.
Los pintores, entre los que destacó Jacques-Louis David, reprodujeron los principales hechos
de la revolución y exaltaron los mitos romanos, a los que se identificó con los valores de la
revolución. La claridad estructural y el predominio del dibujo sobre el color son algunas de las
principales características formales de la pintura neoclásica. Obras como el Juramento de los
Horacios, por ejemplo, plantean un espacio preciso en el que los personajes se sitúan en un primer
plano. Jean-Auguste-Dominique Ingres aunque no fue un pintor neoclásico, tiene obras —como La
fuente— que representan este movimiento artístico.
Las esculturas neoclásicas se realizaban en la mayoría de los casos en mármol blanco, sin
policromar. El desnudo tiene una notable presencia. Antonio Canova (1757-1822) y Bertel
Thorvaldsen (1770-1844) resumen las distintas tendencias de la escultura neoclásica.
ental es la ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda
go revolucionario es incuestionable. Debido a que el Romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza, así como a la vida y
e presenta de manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla, e incluso dentro de una misma nación, se manifiestan distint
e ello también en todas las artes.
El Romanticismo es una reacción contra el espíritu racional y crítico de la Ilustración y el Clasicismo, y favorecía, ante todo:
La conciencia del Yo como entidad autónoma y, frente a la universalidad de la razón dieciochesca, dotada de capacidades va
fantasía y el sentimiento. La primacía del genio creador de un Universo propio, el poeta como demiurgo. Valoración de lo dife
lleva una fuerte tendencia nacionalista. El liberalismo frente al despotismo ilustrado. La originalidad frente a la tradición cla
cánones. Cada hombre debe mostrar lo que le hace único. La creatividad frente a la imitación de lo antiguo hacia los dioses
paraísos perdidos (de la infancia o de una nación). La obra imperfecta, inacabada y abierta frente a la obra perfecta, concluid
Frente a la afirmación de lo racional, irrumpió la exaltación de lo instintivo y sentimental. «La belleza es verdad». También r
pasiones y de los instintos que presenta el «yo», subjetivismo e imposición del sentimiento sobre la razón.
altación de lo instintivo y sentimental. «La belleza es verdad». También representó el deseo de libertad del individuo, de las
bjetivismo e imposición del sentimiento sobre la razón.
Realismo es la denominación de un estilo o movimiento pictórico que se dio en Francia a mediados del siglo XIX, cuyo
principal representante es Gustave Courbet. El compromiso con las clases bajas y los movimientos políticos de izquierda (e
contexto de la revolución de 1848) marcó la sensibilidad social e ideológica de este grupo de pintores realistas, que conecta
vertiente más comprometida socialmente del realismo literario: el naturalismo posterior.
Ya desde épocas anteriores se apreciaba un cansancio de los valores románticos y el deseo, entre los
artistas más inquietos, de incorporar las experiencias más directas y objetivas en sus obras. El proceso es
gradual aunque rápido, y entre el romanticismo pictórico y el realismo se establece una continuidad, sin embargo
sus planteamientos ideológicos y formales serán muy distintos.
El desesperado, autorretrato. Courbet.
Los pintores realistas franceses de mediados del siglo XIX compartieron una estética basada en la representación directa d
este principio básico varió desde la crudeza objetiva de Courbet hasta la simplificación gráfica de Daumier, pasando por el fi
radicalidad de los temas: ante la trascendencia que concedían al tema romanticismo y academicismo, los realistas entendía
cuestión puede ser objeto de interés pictórico.
Las espigadoras, 1857. Jean-François Millet.
lo XIX compartieron una estética basada en la representación directa de la realidad. La manera cómo se materializaba
de Courbet hasta la simplificación gráfica de Daumier, pasando por el filtro idealista de Millet. En cualquier caso, todos compartían la
concedían al tema romanticismo y academicismo, los realistas entendían que no hay temas banales y que, en consecuencia, cualquier
Cazando pájaros de noche, 1874, Jean-François Millet.
El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en
Normandía (Giverny y la costa normanda principalmente)— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz
«impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. De Turner tomarían los impresioni
gusto por la fugacidad, las superficies borrosas y vaporosas y el difuminado y mezcla de amarillos y rojos intensos, así como
descripción de un momento visual más allá de la descripción formal, en el que la luz y los colores dan lugar a una «impresión
poderosa.
En su Almuerzo sobre la hierba Manet presenta un bodegón. Pese a que las figuras representadas son
humanas, el autor trabaja el cuadro como si fuera una naturaleza muerta. Esto se evidencia por la ausencia de
conexión de unos personajes con otros: tres personajes van vestidos mientras que el cuarto está desnudo; las
miradas nunca se encuentran aunque haya un personaje hablando y la disposición en primer plano (cesta y comida),
en segundo (grupo) y tercer plano (mujer en el agua) es meramente compositiva. Este trabajo influenciará a los
impresionistas en la desatención del modelo y de la narración.
La ejecución del emperador Maximiliano, 1868-69,
Eduard Manet.
La segunda mitad del siglo XIX presenció importantes evoluciones científicas y técnicas que permitieron la creación de nue
los pintores darían nuevos colores a su pintura, generalmente al óleo. Los pintores consiguieron una pureza y saturación del
ocasiones, con productos no naturales. A partir del uso de colores puros o saturados, los artistas dieron lugar a la ley del co
es relativo a los colores que le rodean», y la ley de colores complementarios enriqueciendo el uso de colores puros bajo con
Las sombras pasaron de estar compuestas por colores oscuros a estar compuestas por colores complementarios que, a la v
característica principal es el uso de complementarios, de la luz a la sombra y en un mismo valor, esto se denomina modulad
Van Gogh se aproximó a la naturaleza con vigorosas pinceladas coloristas, evocadoras de las emociones
internas del artista. Su experimentación subjetiva, ejemplificada en Noche estrellada, precedió el expresionismo.
Todas estas denominaciones hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno, que representara
ruptura con los estilos dominantes en la época, tanto los de tradición academicista (el historicismo o el eclecticismo) como
(realismo o impresionismo). Dos ideas son fundamentales para entender la cultura moderna que estaba emergiendo: la conc
futuro ya ha comenzado”, que se relaciona con el concepto de progreso; y la convicción de que para tener futuro no sirven la
doctrinas de etapas anteriores, sino que es necesario crear sus propias normas.