ESCUELA NORMAL DE LICENCIATURA EN EDUCACIÓN

PRIMARIA DEL ESTADO TONALÁ

CLAVE:
07ENL0009O

CURSO:
EDUCACIÓN ARTÍSTICA

PRODUCTO:

Investigación (EXPLORACION Y EXPERIMENTACION DE DIVERSAS FORMAS

AUDIOVISUALES Y PLASTICAS)

PRESENTAN EL ALUMNO:
RAMOS ALTAMIRANO EFREN

DEL SEXTO SEMESTRE

DOCENTE:

DR. JOSÉ RUBÉN PÉREZ ANZUETO

TONALÁ, CHIAPAS. 19 DE MAYO DE 2020.

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 Índice
Pág.

DIBUJO................................................................................................................................................. 3
EL grabado ........................................................................................................................................... 7
La pintura ............................................................................................................................................ 8
Escultura .............................................................................................................................................. 8
Cine.................................................................................................................................................... 14
Ilustración .......................................................................................................................................... 18
Collage ............................................................................................................................................... 19
Arquitectura ...................................................................................................................................... 21
Fotografía .......................................................................................................................................... 21
Video ................................................................................................................................................. 21

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DIBUJO
La palabra "dibujo" deriva de un vocablo latino, "designare", que significa designar, señalar.
El dibujo consigue mostrar una forma que suele corresponderse con un concepto u objeto
real. Está sometido a la más estricta bidimensionalidad y suele ser monocromo, o de muy
pocos colores en diferentes gradaciones. Para el arte chino y japonés, escribir y dibujar son
lo mismo y constituyen la más noble expresión artística del ser humano. La ejecución del
dibujo, por norma general, es breve, espontánea, por lo que suele asociarse al período previo
a la realización de una obra más trabajosa, como una pintura o una escultura. Sirve como
herramienta de trabajo, como boceto, apunte o recordatorio. Es la técnica más barata que ha
existido y puede llevarse a cabo en múltiples soportes y con diversos materiales. Puede
esgrafiarse (dibujo arañado en una superficie dura), grabarse, o cubrir una superficie. Se usa
el carboncillo, los estiletes y buriles, todo tipo de grafitos y mica, el pastel, la sanguina, la
punta de plata, tiza, tinta, etc. Los soportes son de lo más variados, aunque hoy es
preeminente el papel: pergamino, piel, tablillas, pizarra, piedra, tela y otros muchos. El
primer papel empleado en occidente se cree del siglo XII, difundido por los árabes. La
primera fábrica estuvo en Italia y es del siglo XIII. La difusión del dibujo tuvo lugar con la
llegada de la imprenta y de ahí rápidamente pasó a las técnicas de grabado y xilografía que
contribuyeron a la masiva presencia de las imágenes en el mundo moderno y contemporáneo.

Técnicas de dibujo.

• SECAS grafito, carbón, pastel, lápices de colores, sanguina y sepia.

• HÚMEDAS pincel y tinta, pluma y tinta, rotuladores y estilógrafos.

Lápices de grafito.

Alberto Durero (1471-1528) utilizaba <<punta de plata>> para conseguir dibujos muy
sutiles, aunque tenía algunos inconvenientes por la necesidad de preparar la base. Por ello
siguió buscando, para encontrar un medio de dibujo más inmediato <<el grafito>>. A lo largo
de los siglos los artistas han utilizado el lápiz de diversas maneras, Ingres con mínimas líneas,
Degas con mucha soltura, los estudios reflexivos de los Prerrafaelistas, la definición y
firmeza de Picasso... El dibujo de línea pura es la técnica más difícil, como Matisse lo utiliza
resolviendo tonos, colores, texturas y formas en unas pocas líneas.

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Composición.

El grafito es un carbono natural que, como el carbón se crea por la presión de la tierra sobre
la madera. El carbón se forma sólo por la presión, pero una combinación de presión y calor
hace cristalizar el carbono amorfo en láminas de cristales de grafito.

Tipos.

Lápices de dibujo. 1. lápiz hexagonal estándar. 2. lápiz redondo de dibujo. 3. portaminas. 4.

lápiz hexagonal grande. 5. lápiz de mina rectangular para bocetar. 6. y 7. barra de grafito.

Soportes.

Preferiblemente papel blanco o colores claros. El tipo de papel depende de la absorción, peso
o gramaje y textura.

Carbón
El Carbón se usa desde que los hombres en las cavernas cubrieron las paredes con dibujos de
animales de caza, usando palos quemados. Esta técnica se puede usar para dibujos más
elaborados como hace Jim Dine, pero lo más natural es utilizar la soltura y viveza del carbón,
como los dibujos más libres de Daumier o Millet que plasmaba la atmósfera, la luz y el color
del campo. Degas lo usa demostrando la importancia de la línea, la forma y Matisse destaca
el movimiento.

En la actualidad, el carboncillo se fabrica por métodos sofisticados, pero simplemente es

madera quemada, y es el medio más antiguo que se ha utilizado para el dibujo. Para su
fabricación se suele utilizar la caña de sauce.

Tipos.
La forma corriente de carbón se llama carboncillo, de diversos grosores y dureza.

1. Carboncillo delgado de sauce.

2. Carboncillo medio de sauce.
3. Carboncillo grueso de sauce.
4. Carboncillo para decorados.

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5. Lápiz de carbón.
6. Barras de carbón comprimido.
7. Carboncillo de vid.
Carbón comprimido> Se hacen de polvo de carbón comprimido en barras con un medio
aglutinante. y son más difíciles de borrar que el carboncillo. Lápices de carbón> Una barra
fina de carbón comprimido recubierta de madera. También existen lápices hechos de papel
enrollado en vez de madera, que son menos sucios y fáciles de manejar. Su gama va del extra
blando 6B 4B 2B HB que sería el duro.

Soportes.

La mayoría de los papeles de buena calidad son apropiados para esta técnica, pero los mejores
son suaves y granulosos, porque retienen más el carbón y soporta mejor los borrados y
frotados. Los papeles más lisos constituyen buenas superficies para el carbón comprimido.
Para su permanencia haremos uso de fijativos.

Técnica.

El carbón es adecuado tanto para línea como para mancha y excelente para bocetos previos
por su facilidad de corrección con algún trapo de algodón o goma de modelar. Otra forma de
sujetar el carboncillo es paralela al papel, para crear diferentes líneas. Para conseguir efectos
tonales podemos hacer uso del difumino, cuando dibujamos con carboncillo comprimido.
Los difuminos sirven para esparcir el carbón y crear tonos graduales o mezclados.

Pluma y tinta
L a tinta como medio para dibujar, se ha venido usando durante mucho tiempo. Los antiguos
egipcios y romanos usaban plumas de caña para dibujar y escribir sobre pergamino y papiro.
Europa en el siglo VII ya usaba plumas de ave, hasta que se inventó la plumilla de acero a
principios del siglo XIX y se comercializó el papel de calidad, lo que permitió la
experimentación. La marca de la pluma es una línea directa e inequívoca, que es fija y
permanente, algunos de los muchos grandes artistas que utilizaron la pluma para realizar
apuntes son Leonardo (14521519), Rembrandt, Durero Holbein.

Tipos de pluma.
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1. Pluma de ave.
2. Pluma de caña.
3. Pluma cartográfica.
4. Pluma de dibujo de acero.
5. Pluma de escribir, con plumilla de punta.
6., con plumilla plana.
7., con plumilla redonda.
8. Pluma técnica.
9. Rotulador
10. Rotulador de punta de fibra.
Además de las tradicionales plumas de ave o de caña y amplia gama de plumillas de acero
existen nuevos tipos, que podemos clasificar en: plumas de mojar, plumas fuente y plumas
deposito.

Algunas plumillas, especialmente las de acero, son muy flexibles y permiten variar la anchura
a lo largo de la línea. Las plumas técnicas crean un trazo uniforme. Las plumas de caña hacen
una línea gruesa y suave. Las cartográficas producen una línea aguda y encrespada. La
ligereza es la característica principal de una pluma de ave.

Plumas de mojar> son baratas, con una gran variedad de puntas. La pluma se llama plumilla
y el mango palillero. Plumas fuente> la mayoría solo funcionan con tintas de escribir, con
menos variedad de plumillas que la anterior. Plumas depósito> la tinta se vierte en el depósito
en lugar de absorberse como las plumas fuente.

Tintas y soporte.

Tintas para dibujo. Hechas para los artistas, a prueba de agua. Se secan en una película dura
y brillante que permite aplicar más capas encima. La más utilizada es la tinta china (tinta de
dibujo o negra). Tintas no resistentes al agua. Son similares a acuarela diluida, penetran en
el papel más que las tintas de dibujo y son mate. Papeles. Se necesita un papel algo grueso
(120gr), que acepta lavados, acuarelas y correcciones. Deben evitarse las superficies porosas
y absorbentes, pero cierto grado de absorción puede ser útil. Para realizar una línea precisa y
definida, necesitamos un papel de superficie dura.

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EL grabado
El grabado en madera, precursor ilustre de la imprenta y del libro nació humildemente y, en
un principio, no fue más que un procedimiento destinado a sustituir el trabajo de los
dibujantes y calígrafos. Se atribuye a las estampas piadosas el origen del grabado xilográfico,
juntamente con los textiles impresos y las cartas de juego. Durante la Edad Media, la estampa
fue la versión barata del arte y el paralelo modesto de la miniatura aristocrática. Con la
decadencia del orden feudal y el crecimiento de una clase media ávida de cultura, la vocación
por el arte popular se hizo cada vez más fuerte, triunfando sobre las manifestaciones del arte
caro y ostentoso. Los frescos monumentales son reemplazados por las tablas pintadas y las
vitelas miniadas por las artes gráficas, La enseñanza colectiva se sustituye por el aprendizaje
individual y a la lectura comentada del códice único sucede la interpretación personal del
feliz poseedor de un grabado o de un libro. Las nuevas tendencias arrancaron al hombre del
medio estático en que vivía, fuertemente arraigado a tradiciones, haciéndole sentir un nuevo
interés por las cosas ligadas a su contorno inmediato.

Textiles impresos

Las estampaciones xilográficas sobre materias textiles fueron de uso común durante la Edad
Media, artesanía heredada sin duda de los antiguos pueblos orientales. Paralelamente con los
fabricantes de naipes y de hojas de santos, existía la industria de los estampadores de telas.
Hasta los primeros años del siglo XIV los ejemplos se reducen a simples motivos decorativos,
pero poco después se producen diseños figurativos cercanamente, parecidos a los que, más
tarde, se usarían para los grabados sobre papel. Las grandes telas impresas reemplazaban, en
los templos pobres, a los frescos, los mosaicos o los tapices que adornaban las paredes de las
iglesias importantes. Los tallistas, imitando el diseño de/los "vitraux", ejecutaban la obra en
forma compartimentada: para luego iluminarla con oro, plata y colores artísticamente
distribuidos. En la India y en Persia, en Génova y en Venecia, las grandes maderas servían
para imprimir las "indianas" -telas para vestirsin duda de la misma manera en que fueron
hechas las legendarias "sindones" y las "othonias" que citan la Biblia y Homero. Los fenicios
y los egipcios elaboraron, por los mismos procedimientos, sus estofas pintadas, y Tiro,
Damasco y Antioquía las produjeron hasta el siglo IX de nuestra era, dando lugar a un intenso
comercio.

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La pintura
Definición de pintura:

Pintura: obra de arte elaboradas con pintura sobre una superficie. Algunas veces la superficie,
también llamada soporte, es un lienzo restirado, la manera en que la base (sobre la que se
aplica la pintura) es preparada en el soporte depende en gran parte del tipo de pintura que se
utilizará. Las pinturas son generalmente intencionadas para colocarse en las paredes, aun que
ha habido muchas excepcionales.

Pintura: ilustración, relación de parecido a algo.

Arte lienzo, caricatura, copia, delineado, etc.

John Berger, por otra parte, nos explica la pintura a partir de su nacimiento y de su función
primera. En su libro “Algunos pasos hacia una pequeña teoría de los visible”, no dice que la
pintura nace del encuentro del pintor con la realidad, con el modelo, y que servía como
confirmación de esta relación mágica, por ejemplo, entre la presa y el cazador, dicho de una
manera abstracta: entre lo existente y el ingenio humano. “La pintura era la manera de hacer
explicita, y así se esperaba que permanentemente, esa relación”

Escultura
Concepto.

La actividad específica de la escultura es el proceso de representación de una figura en tres

dimensiones. El objeto escultórico es por tanto sólido, tridimensional y ocupa un espacio.
Etimológicamente, la palabra escultura viene del latín sculptura, formada del verbo sculpere
(cincelar, labrar, tallar) y el sufijo –ura/-tura, que indica la actividad resultante de la raíz.

El procedimiento para generar dicho objeto nos remite a las variedades técnicas de la
escultura. Según teóricos y artistas italianos del Renacimiento (Alberti, Leonardo, Miguel
Ángel), un escultor es aquel que quita materia de un bloque hasta obtener una figura. Para
ellos, esculpir o tallar es quitar, y es escultor quien sabe quitar lo que sobra en un bloque, de
material sólido, que contiene un objeto escultórico en potencia. Así lo manifestaban dichos
escritores para poner de relieve el contraste entre escultura y pintura, ya que esta última
consiste, por el contrario, en añadir.

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Se trata de una operación conceptual y técnica a la vez. Para poder extraer la figura del
“claustro” en que está recluida, el escultor tiene previamente que verla, y después, valerse
del oficio para liberarla. Un escultor que no haya previsto exactamente la imagen que desea
expresar difícilmente podrá llevar a cabo una escultura, y si lo hace, resultará poco
convincente. Y, a la inversa, de poco le servirá la idea si desconoce los medios para
convertirla en objeto artístico.

También es escultor el modelador: el que efectúa un modelado, agrega, suma y modifica las
formas -lo mismo que el pintor-, valiéndose de un material blando, como cera, arcilla o yeso.
El modelado pertenece también al campo de lo volumétrico, aunque difiere radicalmente de
la escultura propiamente dicha por sus procedimientos y materiales específicos. Se relaciona
directamente con la “plástica” (del latín plasticus y este del griego πλαστικός, adjetivo del
verbo plasso (formar, modelar, forjar,). No será ya necesario proyectar con exactitud, se
podrá concebir sobre la marcha, e incluso cambiar el plan previsto.

El modelado puede constituir una finalidad en sí mismo o, por el contrario, ser un

procedimiento auxiliar de la escultura. En todas las épocas se ha utilizado el modelado como
fase inicial, de aproximación y boceto: es especialmente apto para el momento creativo y
para la captación rápida de las formas observadas -como el dibujo-. El artista podrá,
indistintamente, añadir o quitar de la masa blanda, mientras observa e interpreta el modelo.
Normalmente, si pretende realizar una escultura, hará numerosos bocetos de tamaño pequeño
del mismo modelo, de los que elegirá uno.

Pero muchos autores modelan con intención definitiva, bien para ofrecernos la pieza directa
del material ya endurecido, bien para trasladarlo a otro material (vaciado) por mediación de
un molde. El fundido en bronce y metales nobles es, pues, un tercer procedimiento de hacer
escultura, derivado del modelado.

En sentido estricto, durante siglos, sólo se consideró como verdadera escultura la primera
opción. Hoy, sin embargo, no se tiene una apreciación tan radical, y en materia de creación
artística se considera la operación de modelar tan válida como la de quitar de un bloque.
Además, desde principios del siglo XX, se han desarrollado formas de expresión
tridimensional que tienen que ver muy poco con estos dos procedimientos, y más con

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ensamblar, manipular, presentar, desarrollar…objetos y formas en un espacio (assemblage,
objet trouvé, instalaciones, etc).

La función de la escultura.

Los antiguos griegos y romanos plasmaron en sus estatuas el reflejo o representación de su

concepto de 'belleza ideal': la escultura era casi la ilustración gráfica de esa idea. La escultura
como obra de arte autónoma, con valor propio en sí misma, es un concepto moderno.

A lo largo de la mayor parte de la historia de la humanidad, la mayoría de personas eran

iletradas, y la escultura cumplió también una función didáctica o pedagógica, para explicar
al pueblo determinados acontecimientos o conceptos. Así, en la Edad Media, en la época del
arte románico, es frecuente referirse a los relieves de los tímpanos de las portadas como
«catecismos pétreos» o «biblias en piedra», ejecutados para ilustrar a la población analfabeta
sobre los pasajes de las escrituras, etc.

Combinada normalmente con estas, hay que citar la función ornamental de la escultura,
aunque a veces puede ser el objetivo principal, como ocurre con la decoración vegetal o la
geométrica. En los estilos anicónicos, como el islámico o el hebreo, lo decorativo cumple un
papel fundamental. También la escultura del siglo XX, sobre todo la abstracta, puede tener
principalmente esta función.

Canon de proporciones.

El canon es el conjunto de proporciones ideales de la figura humana y sus reglas de

composición, muy utilizadas por los antiguos artistas egipcios y griegos. Representa en
escultura y en pintura lo que el módulo en arquitectura. Los artistas griegos del siglo de oro
(siglo V a.C.) tuvieron ya su canon atribuido principalmente al escultor Policleto, que fijó
como altura ideal del cuerpo humano la correspondiente a “7 cabezas” del adulto
representado, entre otros detalles.

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Tipos de escultura.

Tradicionalmente, la escultura se dividía en dos grandes ramas, la estatuaria y la escultura

ornamental, según su “tema”: la forma y sensibilidad humana en el primer caso, o la
reproducción o estilización de los demás seres de la naturaleza, animales o vegetales. La
primera lleva con propiedad el nombre de escultura y tiene un ideal propio, desempeñando
la segunda un papel secundario al servir de auxiliar a la primera y a la decoración
arquitectónica.

Según su aspecto, se clasificaba básicamente en dos tipos: de bulto redondo y de relieve.

- De bulto redondo. - Es aquella que se puede contemplar desde cualquier punto de vista a su
alrededor. Si se representa la figura humana se denomina estatua. Si la estatua representa a
un personaje divino o está hecha para el culto religioso se llama imagen.

Técnicas tradicionales.

Como ya se ha señalado, en escultura existen variados procedimientos para la ejecución de

una obra. Los escultores suelen comenzar formando un modelo (de ahí “modelar”) con arcilla
o yeso, o sea una figura que ha de servirles como tipo o muestra. Este modelo equivale para
ellos al boceto para el pintor o el plano para el arquitecto. Después, el artista saca puntos de
su obra con auxilio de una cuadrícula haciéndola exactamente proporcional a su modelo. La
materia sobre la cual trabaja el escultor suele ser barro, piedra, madera, bronce, hierro, marfil,
plata u oro.

El procedimiento fundamental y clásico seguido por los escultores es el esculpido,

sirviéndose de escoplo y buril o cincel según los casos, pues incluso los otros procedimientos
de fundir y moldear exigen a veces retoques de cincel si la obra se quiere perfecta. Se usan
además el moldeado, el vaciado, el repujado, el embutido, el grabado y el estampado o
troquelado.

• Esculpir consiste en quitar partículas al bloque ya desbastado hasta lograr obtener la figura
que se pretende.

• Moldear es dar a una pasta la deseada forma añadiendo o quitando porciones de masa.

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• Vaciar es obtener una forma en hueco o vacío para llenarla después con fundición o con
una pasta cualquiera y lograr la forma positiva.

• Cincelar es retocar con cincel las figuras obtenidas tras esculpir o vaciar, y también formar
bajorrelieves con el cincel en una lámina metálica.

• Repujar es producir en una lámina de metal, a fuerza de golpes de martillo y sobre algún
molde, los relieves y los huecos necesarios para conseguir la forma que se pretende.

• Grabar es rehundir o fijar por incisión (mediante cincel, buril o aguafuerte) sobre material
duro un dibujo cualquiera.

• Estampar o troquelar es imprimir sobre una lámina de metal o de pasta un cuño o troquel
con las figuras en hueco para que éstas resulten de relieve.

• Embutir es aplicar sobre un molde duro una delgada chapa de metal precioso para que a
fuerza de golpes tome sus formas y después, quitando la chapa y uniendo los bordes de ella
quede una estatua u objeto artístico hueco, pero con apariencia maciza. También se llama
embutido o incrustado al resultado de introducir algunas piezas en las aberturas o surcos
practicados en otras. Variantes de estas incrustaciones son muy usadas en las artes
decorativas, como la taracea, que se hace con madera o marfil embutiéndolo en la superficie
de algún mueble de madera y la ataujía o damasquinado que se practica introduciendo
laminillas de metal precioso en los dibujos abiertos en bronce, hierro o acero. Con estas
formas decorativas se relaciona el granulado (sembrando de perlitas metálicas la superficie
de una joya o pieza similar) y la filigrana (aplicando hilos o cordoncillos de metal precioso
para producir un dibujo encima de una placa del mismo metal o de clase inferior).

Instrumental, Herramientas.

Se comprende mejor la escultura al saber cómo se ha realizado la obra, al conocer la técnica

empleada. El resultado no se produce por azar, es la culminación de un procedimiento.

La mayoría de las herramientas son punzantes o cortantes. El artista ataca la materia

presionando la herramienta directamente o golpeándola con un martillo. Frente al esfuerzo
mental que guía al pincel del pintor, el esfuerzo del escultor es fundamentalmente físico. A
la lucha con la dureza del material hay que añadir la incomodidad que supone moverse en

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torno del bloque y accionarlo con las manos. El escultor, frente al pintor, es un «obrero».
Ésta es la razón que adujeron los detractores de la escultura para separarla de las artes
liberales, considerándola “menor”. Podemos también afirmar que el esfuerzo físico necesario
es una de las causas de que el porcentaje de escultores sea escaso si se compara con el del
resto de actividades artísticas.

Son diferentes las herramientas con que se trabaja un material blando y uno duro. La madera
y el mármol cuentan con herramientas propias. La primera tarea es el desbastado, o
eliminación de grandes masas de materia. Al principio se procede con golpes rápidos y
certeros, ya que se desbasta materia claramente alejada de la figura que se quiere alcanzar.
Esta operación se hace en la piedra y en el mármol mediante el puntero, instrumento
puntiagudo, que horada y “desportilla”. Se prosigue con cinceles que son instrumentos
cortantes de filo recto, y con gubias, cuyo corte es en cambio curvo, lo que permite ir
formando las superficies convexas y cóncavas. En escultura de mármol y piedra se usa el
cincel dentado, que tiene dientes puntiagudos o rectos. Esta herramienta deja en la superficie
surcos de gran extensión y permite un desbastado próximo a la forma definitiva.

En ocasiones hay que practicar excavaciones profundas. Para ello está el taladro, que actúa a
percusión, con una punta larga. Los griegos descubrieron un instrumento muy adecuado para
la talla del mármol: el trépano, especie de berbiquí, que hace girar una punta de acero aplicada
a un lugar concreto. El trépano deja la huella de un agujero. Está recomendado para ciertas
partes, como las fosas nasales, el interior del oído, las barbas y cabellos, donde el uso de
instrumentos de corte a percusión es inadecuado, porque el material se rompe. Curiosamente,
el trépano es un instrumento poco usado, pero se han servido de él grandes artistas como
Miguel Ángel y Bernini. Las perforaciones y cortes profundos están presentes ya en la
estatuaria del período helenístico.

A continuación, casi siempre las superficies obtenidas han de ser alisadas. En la madera se
hace con limas, escofinas y lijas; y en el mármol se acude a la piedra pómez, al esmeril y a
todo género de «abrasivos», es decir, materiales con que se frota insistentemente la superficie
hasta dejarla brillante. Este alisado de las superficies es una tarea puramente mecánica y
puede ser confiada a un colaborador, pero es una operación importante. La estatuaria egipcia

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ofrece solemnes imágenes de granito cuya superficie brilla gracias al trabajo de legiones de
artesanos puliendo las superficies.

Cine
El cine (abreviatura de cinematógrafo) o cinematografía, es la técnica que consiste en
proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento,
mostrando algún vídeo (o película, o film, o filme). La palabra cine designa también las salas
o teatros en los cuales se proyectan las películas. Etimológicamente, la palabra
cinematografía fue un neologismo creado a finales del siglo XIX compuesto a partir de dos
palabras griegas. Por un lado, κινή (kiné), que significa "movimiento" (ver, entre otras,
"cinético", "cinética", "kinesiología", "cineteca", cinergia); y por otro de γραφóς (grafós).
Con ello se intentaba definir el concepto de "imagen en movimiento". Como forma de narrar
historias o acontecimientos, el cine es un arte, y comúnmente, considerando las seis artes del
mundo clásico, se le denomina séptimo arte. No obstante, debido a la diversidad de películas
y a la libertad de creación, es difícil definir lo que es el cine hoy. Sin embargo, las creaciones
cinematográficas que se ocupan de la narrativa, montaje, guionismo, y que en la mayoría de
los casos consideran al director como el verdadero autor, son consideradas manifestaciones
artísticas, o cine arte (cine de arte). Por otra parte, a la creación documental o periodística se
le clasifica según su género. A pesar de esto, y por la participación en documentales y filmes
periodísticos de personal con visión propia, única y posiblemente artística (directores,
fotógrafos y camarógrafos, entre otros), es muy difícil delimitar la calidad artística de una
producción cinematográfica. La industria cinematográfica se ha convertido en un negocio
importante en lugares como Hollywood y Bombay (el denominado "Bollywood"; un
vocabulario básico de términos relacionados con el cine asiático).

Historia.

La historia del cine comienza el 28 de diciembre de 1895, fecha en la que los hermanos
Lumière proyectaron públicamente la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon, la
demolición de un muro, la llegada de un tren, y un barco saliendo del puerto. El éxito de este
invento fue inmediato, no sólo en Francia, sino también en toda Europa y América del Norte.
En un año los hermanos Lumière creaban más de 500 películas, marcadas por la ausencia de
actores y los decorados naturales, la brevedad, la ausencia de montaje y la posición fija de la

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cámara. Pero los espectadores acabaron aburriéndose por lo monótono de las tomas. Y fue
Georges Méliès quien profundizo por primera vez en el hecho de contar historias ficticias y
quien comenzó a desarrollar las nuevas técnicas cinematográficas, sobre todo en 1902 con
"Viaje a la luna" y en 1904 con "Viaje a través de lo imposible", aplicando la técnica teatral
ante la cámara y creando los primeros efectos especiales y la ciencia-ficción filmada. A partir
de entonces la cinematografía no hizo más que mejorar y surgieron grandes directores como
Ernst Lubitsch, Alfred Hitchcock, Fritz Lang, o Charles Chaplin que mantuvieron en
constante evolución la técnica hasta que en 1927 se estrena la primera película con sonido El
cantante de jazz, a partir de la cual el cine tal y como se conocía dejo de existir y se
impusieron guiones más complejos que se alejaban de los estereotipados personajes que la
época muda había creado. Al cabo de los años la técnica permitió la incorporación del color,
llegando en 1935 con "La feria de las vanidades" de Rouben Mamoulian, aunque
artísticamente consiguió su máxima plenitud en 1939 con "Lo que el viento se llevó". El
color tardó más en ser adoptado por el cine. El público era relativamente indiferente a la
fotografía en color opuestamente al blanco y negro. Pero al mejorar los procesos de registro
del color y disminuir los costes frente al blanco y negro, más películas se filmaron en color.
Asegurando su lugar en sucesión al cine clásico como por su proximidad al postmodernismo.

Realización cinematográfica.

La realización es el proceso por el cual se crea un vídeo. Usualmente, en el cine de producción

industrial pueden distinguirse cinco etapas de realización: desarrollo, preproducción, rodaje,
postproducción y distribución. La realización supone asumir decisiones tanto a nivel artístico
como productivo, y la limitación únicamente está dada por los medios disponibles
(presupuesto del que se dispone y equipo con que se cuenta).

Equipo técnico

Producción: El productor cinematográfico es el encargado de los aspectos organizativos y

técnicos de la elaboración de una película. Está a cargo de la contratación del personal, del
financiamiento de los trabajos y del contacto con los distribuidores para la difusión de la
obra. Si su tarea se limita a algunos aspectos puntuales del proceso técnico o creativo, se lo

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llama "co-productor". También forman parte del área el director de producción, el productor
ejecutivo, el jefe de locaciones y el asistente de producción.

Dirección: El director cinematográfico es el profesional que dirige la filmación de una

película, el responsable de la puesta en escena, dando pautas a los actores y al equipo técnico,
tomando todas las decisiones creativas, siguiendo su estilo o visión particular. Supervisando
el decorado y el vestuario, y todas las demás funciones necesarias para llevar a buen término
el rodaje. También forman parte del área el asistente de dirección y el denominado script o
continuista. Por otro lado, trabaja en conjunto con el director de actores.

Guion: El guionista es la persona encargada de confeccionar el guion, ya sea una historia

original, una adaptación de un guion precedente o de otra obra literaria. Muchos escritores
se han convertido en guionistas de sus propias obras literarias. Dentro del guion
cinematográfico se distinguen el guion literario o cinematográfico, que narra la película en
términos de imagen (descripciones) y sonido (efectos y diálogo), y está dividido en actos y
escenas, y el guion técnico, que agrega al anterior una serie de indicaciones técnicas (tamaño
de plano, movimientos de cámara, etc.) que sirven al equipo técnico en su labor. También
pueden colaborar con el guionista otros escritores (co-guionistas) o contar con dialoguistas
que están especializados en escribir diálogos. El papel del guionista es muy importante, pues
su trabajo es la base de todo el proyecto, si el guion es bueno el director puede hacer una
película excelente, pero si éste es deficiente, aunque el director tenga muchos recursos, la
película quedará vacía.

Sonido: En rodaje, los encargados del sonido cinematográfico son el sonidista y los
microfonistas. En la postproducción se suman el editor de sonido, el compositor de la música
incidental y los artistas de efectos sonoros (foley) y de doblaje, para generar la banda sonora
original.

Fotografía: El director de fotografía es la persona que determina cómo se va a ver la película,

es decir, es quien determina, en función de las exigencias del director y de la historia, los
aspectos visuales de la película: el encuadre, la iluminación, la óptica a utilizar, los
movimientos de cámara, etc. Es el responsable de toda la parte visual de la película, también
desde el punto de vista conceptual, determinando la tonalidad general de la imagen y la
atmósfera óptica de la película. El equipo de fotografía es el más numeroso y se compone,

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además del director de fotografía, del camarógrafo, el primer asistente de cámara o foquista,
el segundo asistente de cámara, el cargador de negativos, el gaffer o jefe de eléctricos, los
eléctricos u operadores de luces, los grip u operadores de travelling o dolly, los
estabilizadores de cámara (steady cam) y otros asistentes o aprendices.

Montaje: El montaje cinematográfico es la técnica de ensamblaje de las sucesivas tomas

registradas en la película fotográfica para dotarlas de forma narrativa. Consiste en escoger
(una vez que se ha rodado la película), ordenar y unir una selección de los planos registrados,
según una idea y una dinámica determinada, a partir del guion, la idea del director y el aporte
del montador. El montador hoy en día trabaja con plataformas y programas profesionales
como Avid u otros métodos de montaje digital. Puede tener un asistente y a la vez suele
trabajar en conjunto con el cortador de negativos, encargado de realizar el armado de la
primera copia editada en film, basado en la lista de cortes, generada por el sistema de edición
offline.

Arte (Diseño de producción): El área artística puede tener un director de arte o varios, de ser
necesario. En el caso de haber más de uno, éstos están coordinados por un diseñador de
producción, quien está a cargo de la estética general de la película. Estos directores tendrán
asistentes y encargados específicos, como escenógrafos, encargados de vestuario, modistas,
maquilladores, peluqueros/as, utileros y otros miembros suplementarios como pintores,
carpinteros o constructores. También dependen de esta área especialistas en los efectos
visuales y ópticos que se realicen en el rodaje, así como otros efectos realizados durante la
fase de postproducción.

Stunts: (Doble (cine)) Los dobles de riesgo o dobles de acción son las personas que sustituyen
al actor en las escenas de riesgo. Donde la integridad física del actor o actríz podrían estar en
riesgo. En algunos casos la escena de acción demanda de los actores ciertas habilidades de
los cuales carecen, en este caso un especialista es contratado para realizar dicha escena. En
otros casos el mismo actor tiene las capacidades necesarias para realizar la escena de acción
sin embargo lo sustituyen por un doble para evitar el riesgo de un accidente y así atrasar toda
la filmación.

Storyboards: El storyboard se utiliza para definir las secuencias, así como las variaciones de
plano, gestos y posiciones de los actores, en cada una de las escenas antes de rodarla; en él

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vemos como si de un comic se tratase la película completa. Además, este elemento es
fundamental para la buena comprensión del equipo técnico hacia lo que se va a rodar,
incluyendo anotaciones con las dificultades de algunos planos o cosas a tener en cuenta. En
la creación de un storyboard los personajes y el fondo se pueden retratar únicamente mediante
siluetas, pero siempre recalcando los elementos importantes en la acción como pueden ser
flechas para indicar movimiento de cámara o de actores, o la expresión de una actriz en un
plano determinado.

Ilustración
La Ilustración fue un movimiento intelectual que se desarrolló en Europa en el siglo XVIII.
Aunque surgió en Inglaterra, fue en Francia donde cobró mayor importancia. Se centró en la
razón humana y su capacidad de investigar y conocer la naturaleza a través de la observación
y la experimentación. La confianza en la capacidad humana hizo que los ilustrados fueran
optimistas y creyeran que no había límites para el progreso que se podía alcanzar. Fue la base
de las ideas de las revoluciones.

Los pensadores de la Ilustración fueron conocidos como los ilustrados y, gracias a sus ideas,
la historia del mundo cambió por completo. Revolucionaron las ciencias, las artes y la
política, inspirados en su confianza en la razón humana. Su nombre proviene de la idea de
que la ignorancia es la oscuridad y que la razón y el conocimiento son la luz. En ese sentido,
ilustrar es iluminar, es apartar la sombra de la ignorancia. Por eso, el siglo de la Ilustración
también ha sido conocido como el Siglo de las Luces. En el Siglo de las Luces la razón pasó
a ser la herramienta para conocer el mundo. Hasta entonces, el camino del conocimiento era
la fe, pero los ilustrados buscaron respuestas por caminos distintos a los que proponían las
religiones. Los ilustrados consideraban que el mundo era una gran construcción mecánica y
que la ciencia podía explicar su funcionamiento. La matemática se convirtió en la ciencia
principal.

En cuanto a la religión, muchos de los pensadores de la Ilustración eran deístas. Esto significa
que creían en la existencia de un Dios que había creado el mundo y que luego había dejado
de intervenir, como un relojero que fabrica su reloj, le da cuerda, lo pone a funcionar y luego
se marcha. Otros creían que Dios no existía. Estas ideas afectaron profundamente la política
de la época, pues los monarcas absolutos que reinaban en Europa desde hacía siglos, habían

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justificado su derecho a gobernar en la idea de que era Dios el que les había encargado ese
poder. La Ilustración no solo hizo posible el desarrollo de las ciencias que luego se aplicarían
para fabricar las máquinas de la revolución industrial, sino que fue en esta época cuando
comenzaron a discutirse las ideas que más tarde dieron lugar a las revoluciones liberales y el
fin de las monarquías absolutas.

Collage
Es un procedimiento creativo importantísimo en el taller de Artes Plásticas. Se basa en una
actividad muy simple: pegar sobre un soporte todo tipo de imágenes, papeles, telas, objetos…
con la finalidad de realizar una nueva obra plástica o una imagen.

Este procedimiento favorece la creatividad del niño/a, porque implica trabajar, previamente,
la elección y selección de los materiales que vamos a utilizar en la elaboración de la obra o
la imagen. Los alumnos/as deben buscar y seleccionar papeles, telas, materiales de desecho…
que puedan ser susceptibles de formar o configurar una composición plástica.

Favorece el desarrollo de un conjunto amplio de habilidades y destrezas: recortar, rasgar,

trocear, pegar, superponer, trenzar, clavar, fijar al soporte de alguna manera… Los niños/as
tienen que hacer una serie de manipulaciones con los materiales elegidos (para darle la forma
que desean) y con los instrumentos (tijeras, manos y pegamentos).

Permite el trabajo sistemático con los ELEMENTOS FORMALES o VISUALES del

lenguaje plástico-visual: puntos, líneas, planos, volúmenes, texturas, formas y colores. De
una manera o de otra, siempre que trabajemos el “collage” estaremos utilizando esos
elementos visuales (sobre todo, el color, la forma y la textura). Pero podemos destacar (si nos
interesa) el empleo “forzado” de otros elementos formales: los puntos pueden ser “gomets”,
alubias, lentejas, piedrecitas… Las líneas pueden ser lanas, hilos, palillos, alambres,
macarrones… Los planos pueden ser trocitos de papel, formas geométricas, formas
naturales, recortes de revistas, recortes de prensa… El volumen se puede incorporar
utilizando objetos (que no sean muy pesados), para que nuestros collages tengan tres
dimensiones…

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El “collage” es un procedimiento creativo que nos permite favorecer la integración de
alumnos/as con necesidades educativas especiales, porque, por lo general, favorece una
manera de crear obras e imágenes mucho más sencilla y directa que el dibujo o la pintura.

El “collage” es una forma de acercar el arte contemporáneo a los niños/as. No se pueden

comprender muchas obras artísticas de nuestro tiempo sin el “collage”, porque los artistas
contemporáneos han incluido, en muchas de sus composiciones, objetos encontrados como
parte de la obra (cubismo, arte póvera, nuevos realistas, arte conceptual, instalaciones, nueva
escultura...).

El “collage” es una técnica creativa que se puede emplear con todas las edades y niveles
educativos: infantil, primaria, secundaria, educación especial… Se trata de adecuar las
posibles manipulaciones y propuestas al nivel de nuestros alumnos/as.

Bajo este nombre (“collage”) podemos agrupar otra serie de modos creativos paralelos: el
mosaico, los murales grupales, las construcciones con objetos encontrados (esculturas
tridimensionales).

Por último, el “collage” nos permite una amplia gama de posibilidades de uso (finalidades):
puede emplearse como actividad para trabajar los elementos visuales, puede emplearse para
el desarrollo de las destrezas manipulativas, puede emplearse como aproximación al arte
contemporáneo, puede emplearse como medio de representación o comunicación (murales),
puede emplearse como medio de autoconocimiento (figura humana).

Los soportes.

Un soporte adecuado es un elemento imprescindible para elaborar un “collage”. Se trata de

un plano-soporte en el que vamos a pegar (fijar) los diferentes materiales que hayamos
seleccionado. Generalmente, en la escuela trabajamos sobre cartulina, ya sea en formato A-
4, en media cartulina o en cartulina entera. Pero podemos emplear cartones (de los que llevan
los cuadernillos de papel charol), laterales de cajas, tapaderas de cajas, tablas, bandejas de
plástico y, aunque no es muy conveniente, papel de diferentes gramajes (desde folios a papel
continuo).

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Arquitectura
En el siglo XV, en su famoso tratado de aedificatoria, Alberti definió a la arquitectura como
el arte de la construcción. “nacido de la necesidad y nutrido por el uso”, y ratificó al arquitecto
como un artista que integra la obra en la obra lo firme, lo útil y lo bello.

Por eso, se entiende la necesidad de los arquitectos se preparan de los artesanos, a los que
consideraban inferiores en el reconocimiento social. Esa definición fue una constante en
Europa y justifico la aplicación de normas y de obligaciones morales a los artesanos, como
se puede comprobar en el compendio moral salmanticense, publicado en 1805.

Fotografía
Definición de fotografía.

Fotografía = cámara + luz + materiales fotosensibles + procesando en el laboratorio.

“arte, habilidad y ciencia de producir imágenes permanentes de objetos sobre superficies

fotosensibles.

La fotografía comienza en la cámara. La luz reflejada por el objeto a fotografiar entra por el
obturador y quema la película, la cual está constituida por materiales que hacen fotosensible,
es decir, sensible a la luz. Por lo tanto, en la película se queda gravado el negativo de la
imagen fotografiada, es decir, en donde se reflejó más luz aparece oscuro y donde había
sombras aparece más claro. Este negativo se convierte en positivo más tarde, en el
laboratorio. Antes de revelar la película, esto es, por medio de líquidos químicos provocar
reacciones en la película para que aparezca la imagen fotografiada.

Video
Concepto.

Definimos al video genéricamente como una secuencia de imágenes fijas tomadas

sucesivamente durante un lapso determinado a una velocidad específica de modo que al ser
reproducidas a esa misma velocidad generan en el ser humano la sensación de una imagen
en movimiento. En la mayoría de los casos, esas imágenes van acompañadas por audio.

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Esta técnica se sostiene en lo que se conoce como Persistencia de la Visión (POV) que es la
capacidad del ojo y el cerebro humano para interpretar imágenes estáticas sucesivas como si
fueran continuas.

En la definición inicial aparecen entonces algunas de las claves del video:

La captura de tomas estáticas conocidas como fotogramas, cuadros o frames.

La condición de que se emitan determinados cuadros o frames por segundo (Fps) para generar
la sensación de movimiento.

Eventualmente, la existencia de una pista de audio

La novedad que incorpora el video respecto de la fotografía entonces es la noción de cantidad

de imágenes por segundo (fps), y sobre ese punto no hay mayor complejidad que
simplemente conocer los estándares de cada formato para no incurrir en errores que
perjudiquen la calidad del producto. Además, habrá que considerar las condiciones para su
grabación y reproducción en soporte digital, con criterios que el video digital comparte con
el procesamiento del audio digital, y que veremos más adelante.

El resto de las características del video son compartidas con las de la fotografía.

Cada uno de esos frames, como en el caso de las imágenes estáticas, contienen la siguiente
información, determinada por los estándares de la industria:

☞ La resolución: cantidad de píxeles que formarán esa imagen tanto a lo ancho como a lo
alto, lo que además de la calidad de la imagen y el tamaño o superficie de la pantalla, nos
dará:

☞ La relación de aspecto: es decir, cuánto más ancho que alto será el cuadro.

☞ La profundidad de color.

Para una segunda instancia en el análisis de las particularidades del video digital quedan:

 Los formatos de compresión y sus correspondientes códecs.

 El bitrate o tasa de transferencia o tasa de bits de la tecnología en la que será reproducido,
que, como en el caso del audio, determinarán la calidad final del producto.

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