ÍNDICE

INTRODUCCIÓN ....................................................................................1
ART NOUVEAU ......................................................................................2
CARACTERÍSTICAS ...............................................................................................2

PRINCIPALES EXPONENTES ................................................................................2

CASA TASSEL ........................................................................................................ 3

OBRAS REPRESENTATIVAS ..................................................................................4

ESTILO LIBERTY (ITALIA) .....................................................................5

CARACTERÍSTICAS ...............................................................................................5

PRINCIPALES EXPONENTES ................................................................................6

OBRAS REPRESENTATIVAS ..................................................................................7

JUGENDSTIL (ALEMANIA) ....................................................................8

CARACTERÍSTICAS ...............................................................................................9

PRINCIPALES EXPONENTES ................................................................................9

OBRAS REPRESENTATIVAS ................................................................................11

SUZESSION (AUSTRIA) ...................................................................... 12

HAUS DER WIENER SEZESSION ........................................................................13

PRINCIPALES EXPONENTES ..............................................................................14

ARQUITECTURA DE SEZESSION ........................................................................15

MODERNISMO (ESPAÑA) ...................................................................17

LLUÍS DOMÈNECH I MONTANER (1850-1923) ...................................................17

ANTONI GAUDÍ (1852-1926) ................................................................................18

ARQUITECTURA MODERNISTA ..........................................................................19

MAPA CONCEPTUAL ...........................................................................22

SEMEJANZAS Y DIFERENCIAS ..........................................................23
CONCLUSIÓN ......................................................................................24

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 INTRODUCCIÓN

El Art Nouveau surgió en Europa a finales del siglo XIX e inicios del siglo XX, que es un
movimiento artístico que se inspira en la naturaleza, y se utilizan formas como flores,
animales, entre otros. En el movimiento se caracteriza la utilización de líneas, figuras
geométricas y composiciones asimétricas. Con su expansión en Europa, se le conoce
diferente en cada país, como en Alemania es Jugendstil, en España es Modernismo, en
Italia es Liberty ó Floreale, Suzession en Austria.

La primera obra creada por el movimiento de Art Nouveau fue la Casa Tassel,
desarrollada a finales del siglo XIX creada por Victor Horta. Se crea un nuevo estilo joven,
libre y moderno, que lo que buscaba era la innovación y dejar atrás los estilos dominantes
de la época. Se incorporan los materiales como el hierro y vidrio, la forma que se busca
es la curvilínea con adornos que predominan la inspiración de la naturaleza. En el
proyecto el arquitecto también creó los muebles de la vivienda, con figuras orgánicas y
materiales de la época.

Fue de gran inspiración para los demás estilos de los países, pero cada uno tenía sus
similitudes y diferencias. En la mayoría de los movimientos, se caracterizaba por el uso de
formas geométricas, curvas, líneas. También por la inspiración de la naturaleza. En
algunos casos la decoración era muy ornamental y en otras buscaba la austeridad. El
Pabellón de Sezession era una combinación donde por fuera era sobria, por dentro era un
gran realce del arte, y para el movimiento de Austria su frase era “Para cada edad, su
arte, para el arte su libertad".

La Sagrada Familia, tenía un enfoque más religioso, se inspiró también en la naturaleza,

utilizándola en palmeras en el interior del templo, entre otros. Es considerada de las
mejores obras del modernismo en España, iniciada su construcción desde 1882, y
actualmente sigue, y este se va construyendo gracias a donativos y aportaciones
personales de la gente que la visita. Se tiene la idea de terminarse en el 2026 para el
centenario del arquitecto Antoni Gaudí.

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 ART NOUVEAU
El Art Nouveau es un movimiento artístico que surgió en Europa a finales del siglo XIX e
inicios del siglo XX, que en diferentes países se les conoce de otra manera como
Modernismo en España, Jugendstil en Alemania, Sezession en Austria, Liberty en
Inglaterra, Floreale en Italia, Estilo modernista o Modernisme en Cataluña, entre otros.
Este movimiento hace referencia a la utilización de líneas, figuras geométricas,
composiciones asimétricas, también por las investigaciones de Charles Darwin dieron
gran inspiración al arte para retomar los recursos naturales, como animales, plantas y
esto causa que el estilo sea más progresista y por último, la exaltación de las siluetas
femeninas están muy presentes en el movimiento.

CARACTERÍSTICAS

• El Art Nouveau es algo nuevo, que no busca la imitación de estilos pasados.

• Se comienza la utilización de técnicas como tipografía, xilografía, cartelismo e

impresión.

• Se inspira de la naturaleza, con formas orgánicas, también tiene influencia de estilos

japoneses.

• La mujer se convierte en un motivo privilegiado, el emblema supremo de la belleza con

las figuras femeninas para plasmar la sensualidad y el erotismo en objetos de arte
decorativos.

• Se valora lo artesanal aunque sin renunciar a los avances industriales.

• Se propone la idea de que hasta los objetos más cotidianos deben tener un valor
estético y que debe de ser accesibles para toda la población.

• Su estilo es la unificación de las artes puras y aplicadas, unión entre la industrial y el

artesano.

• Uso del hierro con una aplicación más variada, también tendencia a usar variedad de
materiales en un mismo edificio como la piedra, el vidrio, la madera, la cerámica, etc.

¿Qué es el Art Nouveau?

R/ Es un movimiento artístico que corresponde principalmente a Francia, al período que
se le caracteriza como “arte neobarroco”. Comprende específicamente del año 1885 a
1914 y lo que se buscaba con el movimiento era crear un nuevo arte contemporáneo
donde no se imitara los estilos anteriores, se inspiraba en la naturaleza para plasmar la
belleza y también la sensualidad de la figura femenina era utilizada como arte decorativo.

PRINCIPALES EXPONENTES

Hector Guimard, es el principal arquitecto representante del Art Nouveau en Francia. Se

caracteriza por la búsqueda de la estética, la armonía de las formas y la continuidad
estilística en el conjunto de la obra. En la época se consideraba que la decoración de
interiores debían estar integradas también estéticamente con el proyecto arquitectónico.

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Jacques Grüber, era un artista y maestro vidriero francés perteneciente a la École des
Beaux-Arts de Nancy, Francia, destaca en la realización de vidrieras en esta época junto a
Joseph Janin. La escuela de Nancy trabaja las artes aplicadas, como el mobiliario, la
arquitectura o la cristalería, entre otras artes decorativas del Art Nouveau. Hotel Mezzara
en París, por Hector Guimard (1910).

Victor Horta (1861-1947), Fue un arquitecto belga pionero del modernismo. Con 15 años
se trasladó a la Academia de Bellas Artes en Francia, en donde comenzó sus estudios
como arquitecto, inscribiéndose en la especialidad de Dibujo Arquitectónico. Se
caracterizó por el uso de la piedra, acero y vidrio que combinaban felizmente curvas y
curvas dobles que se abrazaban como pedúnculos de flores. Cuatro de sus obras
arquitectónicas han sido catalogadas como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

A pesar de lograr un éxito significativo durante su carrera arquitectónica, la reputación de

Horta disminuyó a medida que la opinión pública cambió contra el Art Nouveau. Varios de
sus edificios fueron vistos como no más que colecciones de decoraciones innecesarias, y
sus excepcionales atributos espaciales fueron ignorados. Pero después de la demolición
de La Maison du Peuple , en 1965, hubo una mejora radical en la apreciación del público
por su trabajo. Además de sus revolucionarios sistemas estructurales de hierro y vidrio,
diseñó con gran sensibilidad, delicadeza y belleza.

CASA TASSEL

Fue la primera obra del movimiento Art Nouveau, que se desarrolla a fines del siglo XIX e
inicios del siglo XX, causando un impacto en el estilo técnico y artístico, diseñado por
Victor Horta. La intención del Art Nouveau era crear un arte nuevo, joven, libre y moderno,
que representara una ruptura con los estilos dominantes en la época. En la estética nueva
que se trató de crear predominaba la inspiración en la naturaleza a la vez que se
incorporaban novedades derivadas de la revolución industrial, como el hierro y el vidrio.

Se emplea un diseño de planta abierta, así como una combinación de características

estructurales en hierro y formas botánicas curvilíneas, contiene elaborados adornos
serpentinos en metal y vidrio estaban ocultos detrás de una fachada de piedra que se
fusionó con las casas más convencionales al lado. Es un edificio de vivienda unifamiliar y
como la casa está realizada en un terreno estrecho, por lo que para iluminar los espacios,
Horta recurrió a iluminar la escalera principal con un enorme lucernario que conforma un
gran patio de luces.

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La fachada, en el primer piso se contempla que destaca por sus ventanas separadas por
columnas de piedra, en el segundo piso por una tribuna alta con columnas de hierro y
vidrio y en el último piso, por un balcón con barandilla de hierro. La fachada tiene un
desarrollo curvilíneo en dos de los tres pisos. Algo a destacar, es que los muebles también
fueron diseñados por el arquitecto Horta, actualmente estos siguen la línea de la vivienda,
de figuras orgánicas y materiales de la época.

OBRAS REPRESENTATIVAS

HOTEL MEZZARA EN PARÍS, POR HECTOR GUIMARD (1910).

EL CASTEL BERANGER POR HECTOR GUIMARD.

JULES LAVIROTTE POR ALEXANDRE BIGOT (1901).

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 ENTRADAS DEL METRO DE PARÍS POR HECTOR GUIMARD.

ESTILO LIBERTY (ITALIA)

El estilo liberty o también conocido como “Floreale” que significa floreal, es una propuesta
italiana del movimiento artístico del Art Nouveau que se da entre el siglo XIX y principios
del siglo XX. Consiste en un estilo armonioso inspirado en la naturaleza, con motivos
animales, y vegetales. Siempre se hacía la utilización de las líneas curvas y las formas
elásticas, que se representaban con motivos florales, molduras, pequeños animales como
son los insectos y moluscos.

El stile floreale, en la “belle epoque” que es la expansión del desarrollo, también la mejora
de las condiciones de vida y creciente integración de la economía internacional, sus
edificios tienen pequeñas asimetrías o bahías con curvas locas representativas del Art
Nouveau. El Liberty tiene el uso omnipresente de esculturas y molduras con motivos
florales y vegetales y estas decoraciones a menudo adornan balcones y las partes
superiores de las ventanas saledizas.

También este movimiento artístico destaca por el uso de las baldosas cerámicas que
forman dibujos en superficies importantes como en fachadas en la Casa Galimberti, a
través de Malpighi, que tiene molduras y cerámica.

Con la Exposición Universal de Milán de 1906 fue cuando se tuvo el mayor impulso al
desarrollo del estilo liberty, entonces se comenzaron a construir decenas de pabellones en
la sede de la exposición y también varias construcciones públicas, así quedando el estilo
liberty como el movimiento artístico dominante de la ciudad. La última muestra que tuvo el
estilo liberty tuvo lugar en Lugano en 1980.

CARACTERÍSTICAS

• Uso de las líneas curvas y la asimetría.

• Inspiración en la naturaleza y el uso abundante de los elementos de origen natural, con

preferencia en las formas florales y volutas redondeadas de tipo orgánico.

• Libertad en el uso de motivos fantásticos.

• Decoración de los edificios en hierro forjado o cemento decorativo, con tema floral.

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• A nivel estructural se destaca el uso del hormigón armado.

• Es común la utilización la pintura sobre las paredes de los edificios, a menudo con
azulejos de cerámica.

PRINCIPALES EXPONENTES

Pietro Fenoglio (1865-1927)

Fue un arquitecto e ingeniero, considerado uno de los más

importantes pioneros del Art Nouveau en Italia. Durante el
estilo Liberty, los arquitectos italianos durante ese período
buscaban un estilo nacional de arquitectura moderna,
entonces Fenoglio aprovechó y se convirtió en uno de los
partidarios del estilo en el norte de Italia y se convirtió en un
éxito como diseñador en un conjunto diversos de empresas
económicas, y que lo llevó a la dirección de un banco en
1915. Otras cosas a destacar son su participación en la
“Prima Esposizione d’Arte Decorativa Moderna” y también
que fue de los principales colaboradores de la revista
“L’architettura italiana moderna”.

Raimondo Tommaso D’Aronco (1857-1932)

Arquitecto italiano representante destacado del estilo

liberty. Siendo miembro de una familia de constructores,
estudio en Gemona, en la Escuela de Artes y Tradiciones,
por encargo de su padre a los 14 años de edad fue
enviado al Colegio Johanneum Baukunde in Graz en 1871
Viena, que era una escuela de construcción. Cumplió su
servicio militar voluntariamente en Turín como arquitecto
de fortificación donde ganó experiencia en construcciones
de madera. Luego entró en la Academia de las bellas artes
de Venecia, tuvo carrera como arquitecto. En1893 se
trasladó a Estambul con el motivo de una realización de
un diseño para un pabellón de una exposición nacional
otomana, pero un terremoto le hizo establecerse de
manera prolongada en la ciudad, donde efectuó varios
proyectos y restauraciones.

Giuseppe Sommaruga (1867-1917)

Arquitecto italiano nacido en Milán. Uno de los principales representantes del estilo liberty
en Italia. Estudió en la Academia di Belle Arti di Brera, consiguiendo el primer premio del
concurso internacional de arquitectura de Turín en 1890. Mencionando sus primeros
trabajos, entre los que destacan son el osario de Palestro y algunos edificios de viviendas
en su cuidad natal. Entre sus edificios destacan, el Palacio Castiglioni de Milán (1903), se
resalta la decoración escultórica que contribuye a la vitalidad de las formas; el Palacio
Salmoiraghi (1906), el mausoleo Faccanoni en el cementerio de Sarnico (1908), la villa
Romeo (actualmente clínica Columbus, 1913), la villa Romeo-Faccanoni (1913) y el Hotel
Palace.

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 OBRAS REPRESENTATIVAS

LA CASA FENOGLIO-LAFLEUR, PIETRO FENOGLIO (1902).

LA UNIVERSIDAD DE MÁRMARA, RAIMUNDO D’ARONCO (1894).

TEATRO MASSIMO, GIOVANNI BATTISTA Y ERNESTO BASILE.

PALAZZO CASTIGLIONI DI MILANO, GIUSEPPE SOMMARUGA (1904).

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 JUGENDSTIL (ALEMANIA)
Jugendstil en alemán se refiere “estilo juvenil”, que se hace refiere a un movimiento
variante del Art Nouveau de arte alemán de a finales del siglo XIX y su nombre se debe
por el nombre del periódico “Die Jugend” de Munich, que se centró en un estilo de diseño
conocido como Art Nouveau. Jugendstil evolucionó en dos fases: una fase anterior a 1900
dominada por motivos florales, enraizados en el Art Nouveau inglés y con el arte japonés,
y una fase posterior marcada por una tendencia hacia arte abstracto a la manera del
arquitecto y diseñador belga Henry van de Velde.

El movimiento fue influenciado por las ideas reformistas de John Ruskin y William Morris,
los diseñadores del Jugendstil, como Hermann Obrist, Richard Riemerschmid y August
Endell, que estos se basaban en ideas contemporáneas europeas que estaban ligadas al
estilo Art Nouveau. Además de intentar reformar el arte querían recuperar un estilo de vida
más sencillo. El estilo jugendstil compartía la similitud del estilo Art Nouveau del
optimismo de la juventud, un gran respeto a la naturaleza que se trasladaron a las obras
de la época.

Los diseñadores del Jugendstil por estudios como de Karl Blossfeldt, y dibujos botánicos
de Ernst Haeckel es que ayudaron a los diseñadores a comprender mejor a la naturaleza,
y así en las obras lograr darle un dinamismo y de desarrollo orgánico. El primer número
de Jugendstil fue publicado el 30 de mayo de 1896 y consistía en ilustraciones modernas
y ornamentadas, con textos satíricos y críticos.

Tenía un estilo floral que era generalmente sentimental y naturalista, basándose en

formas naturales y arte popular, entre algunos ejemplos se encuentran el bordado arte de
tapiz del escultor Hermann Obrist, que representa una flor en movimiento, y otro
destacado del estilo floral fue Otto Eckmann, y produjo una gran cantidad de ilustraciones
para periódicos como Pan y Jugend.

En Alemania llegó a un punto donde comenzaba a tener un interés en el diseño industrial

y las artes aplicadas, así como con el deseo de mejorar los productos alemanes para
competir en el mercado internacional. Entonces los diseñadores alemanes buscaron crear
diseños que fueran apropiados para las nuevas tecnologías que se estaban
desarrollando. Que fue lo que condujo a un estilo simplificado y funcional de diseño con
menos ornamentación. Alrededor del año 1897 se transformó el estilo floral en un estilo
más abstracto y geométrico.

A comienzos del siglo, Alexander Koch favoreció la arquitectura y los diseños más sobrios
y elegantes asociados con Charles Rennie Mackintosh y otros. Publicó un artículo sobre
la Escuela de pintura de Glasgow en 1898, invitó a Mackintosh a participar en un
concurso para diseñar una casa para un amante del arte en 1901, y presentó una portada
de revista diseñada por Margaret Macdonald Mackintosh en 1902.

El gobernante de Darmstadt en 1899 estableció una colonia de artistas con arquitectos y

diseñadores alemanes y austriacos, incluidos Peter Behrens y Joseph Olbrich. Estos dos
diseñaron casas Jugendstil para los residentes, y el Duque encargó muebles para la
colonia del Gremio de Artesanías siguiendo los diseños de Ashbee y Baillie Scott. Este
proyecto participó en exposiciones en Alemania, París, Italia y Estados Unidos.

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 CARACTERÍSTICAS

• Formas figurativas y geométricas.

• Superficies desprovistas de decoración.

• Formas naturales inspiradas por los avances de la ciencia y la tecnología.

• En 1900 se comenzaron a usar formas más abstractas y dinámicas.

• Se representa a la figura femenina con expresiones atrevidas y provocativas, pero con

enfoque más artístico.

• Aplicación a muebles, joyería, bordados, esculturas, fachadas e interior de casas.

PRINCIPALES EXPONENTES

Otto Eckmann (1865-1902)

Pintor y artista gráfico alemán, fue uno de los

miembros prominentes de la rama “floral” de
Jugendstil. Vivió su juventud en la Belle époque,
cuando en toda Europa estaba floreciendo un
nuevo estilo. Ya que nace el nuevo estilo inspirado
en la naturaleza sin rechazar los nuevos materiales
de la revolución industrial. Antes de cumplir los 30
años, Eckmann se dedica al diseño aplicado
creando logos, portadas de revistas, tipografías,
alfombras, jarrones y azulejos que influyeron en
todo los países infectados por el nuevo movimiento.

Mijaíl Eisenstein (1 867-1920)

Fue un arquitecto modernista e ingeniero civil, pero

desarrolló más la primera profesión. Construyó 19 edificios
en el centro de Riga encuadrados dentro del movimiento
Jugendstil. Hablaba varios idiomas y era una persona muy
culta que mostraba interés en las modas occidentales.
Como se informaba bastante consiguió inspiración de los
modelos de belleza femenina de las esculturas que
decoran. No todas las obras que creó encuentran dentro
del jugendstil, sus primeras obras y tres casas de
apartamentos se sitúan en un estilo neo-clásico y se
construyeron antes de 1901. Eisenstein no se preocupaba
por el diseño interior o la distribución, sino que se centraba
en la decoración de fachadas y vestíbulos. Sus fachadas
son recargadas, exuberantes y llenas de imágenes
cargadas de simbología.

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Hermann Obrist (1862-1927)

Fue escultor del movimiento Jugendstil. Estudió ciencias

naturales y medicina en Heidelberg y realizó varios viajes durante
los que tuvo visiones que determinaron su vocación artística. En
1887, se inscribió en la Escuela de Artes Aplicadas en Karlsruhe
para aprender las diferentes técnicas artísticas. Recibió un
premio por sus cerámicas y muebles en la Exposición de París
en 1889. Tuvo un gran éxito en Alemania por sus bordados
ornamentales y esculturas, también diseño elementos en
cerámica, muebles y monumentos.

August Endell (1871-1925)

Fue un diseñador, escritor, maestro y arquitecto. Fue uno de

los fundadores del movimiento Jugendstil. Estudió psicología
y filosofía, literatura alemana y arte en la Universidad de
Munich. Tenía la intención de obtener un doctorado en
ciencias académicas, pero cambió de dirección cuando
conoció a Hermann Obrist cuyo trabajo se caracterizó por la
ornamentación expresiva de la flora y fauna submarina
observada. Endell se preocupó más por traducir su idea del
espacio móvil en arquitectura y decoraciones. Endell
expresó ideas importantes sobre la intención estilística
subyacente al trabajo de los artistas de Jugendstil en ese
momento.

Henry Van de Velde (1863-1957)

Arquitecto, diseñador industrial y pintor belga que trabajó en varios países europeos
(Francia, Alemania, Suiza y Holanda). Pensaba que todas las artes debían supeditarse a
las artes decorativas, ya que mejorando el entorno
del hombre, el hombre mejoraba. Por ese motivo
diseñaba hasta el último detalle de sus espacios,
componiendo sus obras en su totalidad, a través de
una línea constructiva y utilitaria. En pueblos de
Alemania pasaba creando cerámica y porcelana,
lámparas, muebles y objetos de madera. En su
extenso legado, el germano Folkwang Museum
(1902) y la Leuring House (1903) en La Haya, sus
dos últimas obras art nouveau; Villa Esche (1903) y
la Hohenhof (1908) en Alemania, el sanatorio de
Trzebiechów (1905) en Polonia, el Teatro de los
Campos Elíseos en París (1914) o el museo Kröller-
Müller (1936) en Holanda.

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 OBRAS REPRESENTATIVAS

HOHENHOF DE HENRY VAN DE VELDE.

TALLER FOTOGRÁFICO ELVIRA Y TEATRO BUNTES, DE AUGUST ENDELL.

CALLE ALBERTA IELA, MICHAIL EISENSTEIN.

HACKESCHE HÖFE Y EDIFICIO DE VIVIENDAS EN STEINPLATZ, POR AUGUST ENDELL.

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 SUZESSION (AUSTRIA)
La suzession hace referencia a las acciones de los progresivos artistas de Viena, que
ellos dejaron atrás los métodos de la Academia de Artes de esa ciudad, porque tenía un
estilo de arte antiguo de arte académico. La Suzession es como se le llamó en Austria el
movimiento que por Europa se ha estado expandiendo llamado Art Nouveau, aquí la
sucesión vienesa es formada en 1897 con Gustav Klimt, donde creó su propio periódico
para lograr hacer que sus ideas llegaran a las personas. También construyó un edificio
nuevo, donde sería la sede llamada Haus Der Wiener Sezession, diseñado por el
arquitecto Joseph Olbrich.

La suzession tenía muy clara la idea de modernizar el arte austriaco, utilizando los últimos
movimientos de arte moderno, como las tendencias del post impresionismo y
expresionismo, como el famoso estilo Art Nouveau. Aunque lo que más se destaca del
movimiento fueron las pinturas de Klimt, como con su Friso de Beethoven y “El beso”
donde este último se benefició en gran medida del amplio conocimiento de Klimt sobre el
arte aplicado.

En Viena se tuvo una época donde tenían un avance intelectual radical, como con el
psicoanalista Sigmund Freud, el compositor Arnold Schonberg, el novelista Robert Musil y
el arquitecto Adolf Loos que tenían su base en Viena en ese momento y claramente los
artistas demostraron una igualdad en su área. La Secesión de Viena se formó el 25 de
mayo de 1897 por un grupo de diecinueve artistas y arquitectos que decidieron separarse
de la Asociación oficial de artistas vieneses. Mencionando algunos de los fundadores se
encuentran Gustav Klimt, Josef Hoffmann y Koloman Moser.

Como se rechazaba los estilos antiguos que la Academia promovía, los artistas querían
un estilo moderno, donde inspirándose del Arts and Crafts, donde utilizaban un arte
decorativo con artesanía, creían que el arte podría desempeñar un papel central en la
mejora social. Ellos también opinaban que no iba a ver una diferencia entre las artes
mayores con las menores, ni arte de los ricos con los pobres, ya que el arte era de todos.

Un impulso de la arquitectura suzession ocurrió en 1899 cuando el arquitecto de Viena,

Otto Wagner defendió el estilo Art Nouveau con su Estación Karlsplatz (1894) y la Casa
Mayólica (1898), desertó del establecimiento para unirse al nuevo grupo. Y a partir de
1900, con la Octava Exposición de la Secesión, en la que se mostró el arte aplicado
británico, la obra de Charles Rennie Mackintosh que fue la influencia dominante en
Sezessionstil. Porque tenía diseños rectilíneos y colores apagados que fueron preferidos
por los austriacos.

En 1905 hubo una división en la Secesión misma, los naturalistas del grupo se querían
centrar en el arte fino, y los artistas más radicales como eran Klimt, Hoffmann y Wagner,
querían promover las artes aplicadas y buscar lazos más estrechos con la industria. Al
final se fueron para formar un nuevo grupo, llamado el Klimtgruppe.

Después de que Klimt, Olbrich, Moser y Wagner habían muerto en 1918, su influencia
persistió, su enfoque funcionalista, las composiciones geométricas y la calidad
bidimensional de gran parte de la producción de los primeros secesionistas de Viena
anticiparon e inspiraron muchos movimientos modernistas en el arte, la arquitectura y el
diseño, incluido la Escuela de diseño Bauhaus así como el Art Déco. También la defensa
que tuvo el grupo en su libertad artística fue una idea que sobrevivió.

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 HAUS DER WIENER SEZESSION

La primera Exposición de la Sezession de Viena, se

presentaron trabajos de los miembros, como
producciones del escultor francés Auguste Rodin, y los
belgas Fernand Khnopff y Henry Van de Velde, todos
ex miembros de Les Vingt. Está exposición tuvo
mucha fama, que hicieron que los miembros del
movimiento le encargaran a Joseph María Olbrich que
diseñara un espacio de exhibición permanente que es
la Haus der Wiener Sezession (1898). Este es un
edificio moderno y funcional, que se basa en sus
formas geométricas y escasamente decorado con
frisos ornamentales de motivos vegetales y animales,
contaba con una inscripción en la puerta que decía:
"Para cada edad, su arte, para el arte su libertad".

Fue tan popular y a los miembros les encantaba porque era una declaración de sus
ideales como de las características visuales del nuevo arte que se estaba creando por el
grupo. La Secesión de Viena organizó veintitrés exposiciones en el nuevo edificio desde
1898 hasta 1905, y presentó al público austriaco impresionismo, como simbolismo, Arts
and Crafts, arte japonés y un Art Nouveau internacional.

El edificio ocupa un espacio muy céntrico en la ciudad de Viena, cerca a los palacios
imperiales. La composición de esta contrasta la combinación de volúmenes puros y líneas
rectas frente a un recargamiento decorativo de motivos orgánicos y caprichosos. Se crea
la esfera dorada hecha a base de hojas de laurel doradas símbolo de vitalidad y fertilidad,
de la Primavera Sagrada. Pero entre lo más interesante del edificio es su interior, aunque
es simple la sala de exposición, se puede modificar gracias a tabiques móviles, tomados
de la arquitectura tradicional japonesa.

Sobre el pórtico de acceso se puede leer “A cada época su arte, al arte su libertad”. Y en
el interior, Klimt pinta uno de los monumentos cumbres del Art Nouveau que es el gran
friso de Beethoven y aparece como un símbolo del arte llamado a salvar a la humanidad
de sus miserias. Se puede observar que el friso recorre toda la habitación y se muestra
una humanidad doliente rogando al gran artista que la salve, vestido como caballero que
va a la lucha contra el mal, también se ve el momento final de la reconciliación, el abrazo
y el coro que canta esa alegría. También las potencias del mal, que son una serie de
mujeres tipo serpientes que se retuercen como arpías que recuerdan ese viejo mío bíblico
de la identificación de la mujer con la serpiente.

En la arquitectura, aunque sea del movimiento Art Nouveau la Suzession, tiene

importantes diferencias como son:

• La Sezession predomina la sobriedad formal e incluso cierta severidad.

• En muchos aspectos, por su rupturismo, marca un giro de evolución en la arquitectura

moderna.

• En la Sezession destacan: Otto Wagner, Joseph Olbrich y Josef Hoffmann.

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 PRINCIPALES EXPONENTES

Otto Wagner (1841-1918)

Estudió en Berlín y Viena. En 1864, comenzó a diseñar sus

primeros edificios en estilo historicista. Pero cuando en 1894
se convirtió en profesor de arquitectura en la Academia de
Bellas Artes de Viena, había avanzado mucho el sentido de la
oposición a las corrientes arquitectónicas predominante de
arquitectura historicista y defiende la necesidad de una
renovación radical de la cultura arquitectónica para lograr
satisfacer las necesidades del presente. Se convierte con su
obra y con su enseñanza en el perversos de la arquitectura
sezessionista y en el ejemplo para las siguientes
generaciones.

En 1893, ganó el concurso para “El Plan Urbanístico de Viena” con su propuesta de dejar
de lado todas las cuestiones estéticas y se centra como objetivo fundamental facilitar la
movilidad, su plan se basa en una serie de vías radicales que los comunican entre sí. Con
la progresiva ampliación de nuevas circunvalaciones permitirían un crecimiento ilimitado
de la cuidad, que su resultado final obtuvo una especie de tela de araña quedando como
primer gran cinturón la avenida del Ring.

También diseña el sistema de metro, donde actúa como ingeniero y arquitecto. El aspecto
más interesante son las estaciones de metro, porque constituyen un problema nuevo.
Wagner realiza una serie de pabellones, entre los que destaca la estación de la Karlsplatz
y la estación de Shönbrunn, que intenta representar vestir el arte a algo que es
desagradable en nuestro subconsciente y meternos bajo tierra.

Josef Hoffmann (1870-1956)

Estudió arquitectura en la Academia de Artes aplicadas en

Viena donde fue discípulo de Carl Hasenauer y Otto
Wagner, cuyas teorías de una arquitectura funcional y
moderna influirían profundamente en sus trabajos
arquitectónicos. El primer edificio interesante de Hoffmann
es el Sanatorio Purkersdof de Viena, donde simplifica el
despliegue arquitectónico hasta el extremo. El edificio se
compone como una obra de arte total, donde el rigor
compositivo y estructural son fundamentales, se pone la
simetría y el clasicismo al servicio del racionalismo. En el
exterior del edificio, la decoración es extremadamente
sobria, reservándose para el interior, donde contrasta con
la severidad de la arquitectura.

En 1905, se crea la mansión de lujo, “Palacio Stoclet” afueras de Bruselas, con el tiempo
se convierte en las más grandes casas del siglo XIX, y se supone que la importación de
las ideas vienesas a la cuna del Art Nouveau, en su diseño se buscó la economía estética
simplificando las formas. Y en el exterior se destaca la torre escalonada con sus estatuas
adosadas, los miradores y la ventana vertical. La obra tiene una integración de
arquitectos, artistas y artesanos que la convierten en las mejores obra de arte total.

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 Adolf Loos (1870-1933)

Fue un arquitecto austriaco. Cursó estudios en la Escuela

Profesional de Reichenberg y en la Politécnica de Dresde. En
1893 viajó a Estados Unidos y tuvo la oportunidad de ver
visitar la Exposición Universal de Chicago, permaneció en el
país por tres años que de alguna manera influyó decisivamente
en sus criterios arquitectónicos. Loos fue admirador de
Wagner, y comparte la idea del anonimato como condición
básica del habitante de la metrópolis. Su arquitectura es más
una arquitectura silenciosa y discreta, y la idea de diseñar
espacios.

Entre los proyectos destacas de Loos, están El café museum

de Viena, que es un café tradicional, donde Loos realiza una
reforma que sorprende por su absoluta austeridad decorativa.
Se encuentra la Villa Karma, como anteriormente, su reforma radical está en el interior,
porque la envuelve con nuevos espacios. Entre los espacios exteriores de este último,
destaca el vestíbulo oval, la biblioteca en forma de L, todo es denominado por la idea de
un anonimato exterior pero con una gran sorpresa absoluta en la riqueza de materiales en
su interior.

Explicando mejor su arquitectura, es funcional, y tiene en cuenta las calidades de los

nuevos materiales. Para él, la arquitectura es la madre de todas las artes aplicadas, debe
de ser funcional y prescindir de ornamentación. Introdujo un nuevo concepto en sus
obras, el “Raumplan” que consiste en que cada espacio, tiene una importancia distinta.
Un ejemplo seria que una habitación no tiene la misma importancia que una sala de estar.

Las temáticas de sus construcciones contenían tres conceptos basados en sus estudios y
observaciones: 1. Raumplan o arquitectura de la planta espacial: Es la distribución de las
habitaciones con diferentes alturas dependiendo de sus funciones. 2. Teoría del
Aterrazamiento: Consiste en la posibilidad de acceder desde cada dormitorio a la terraza,
como símbolo de libertad personal. 3. Teoría del Revestimiento: Se basa en la utilización
de materiales para desligar las funciones espaciales.

ARQUITECTURA DE SEZESSION

ESTACIÓN DE METRO KARLSPLATZ, OTTO WAGNER.

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IGLESIA DE SAN LEOPOLDO, OTTO WAGNER.

PALACIO STOCLET, JOSEF HOFFMANN.

CAFÉ MUSEUM, ADOLF LOOS.

LOOSHAUS, ADOLF LOOS.

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 MODERNISMO (ESPAÑA)
El modernismo en España tuvo una gran expansión sobre todo en Cataluña, ya que
estaba abierta a las corrientes precedentes de Europa, fue una tendencia que inició por
Viollet-Le-Duc por querer recuperar el pasado arquitectónico medieval pero añadiéndole
aportaciones islámicas. Los orígenes catalanes los encontramos en la nueva Escuela
Provincial de Arquitectura, creada en 1871 y dirigida por el arquitecto Elies Rogent i Amat,
que en el futuro arquitectos crean variedad de edificios utilizando materiales como el
ladrillo y otros nuevos como son el hierro.

La arquitectura en vez de copiar las formas clásicas, se va a innovar, tomando el edifico

como un ente, como un ser vivo. De este modo, va a tener un fuerte componente
ornamental inspirado en la flora y en la fauna. Rechaza lo recto por lo sobrio, porque
como los españoles querían ser parte de la corriente modernista, debían de usar la curva
en todas sus expresiones como algo que transmite la vida.

Los orígenes catalanes se encuentran en la Escuela Provincial de Arquitectura creada en

1871 y dirigida por el arquitecto Elies Rogent i Amat. Pero que fue dirigida por Domènech i
Montaner con quien el modernismo catalán alcanzó un mayor desarrollo, y mostró la vía
para que la arquitectura reflejara un carácter nacional catalán sin olvidar las tradiciones de
las edades pasadas. También otro antecedente del modernismo catalán se encuentra en
el grupo Renaixença, movimiento literario y cultural que defiende un renacer de la cultura
catalana. Pero destacando las obras, se caracterizan por la ornamentación inspirada en la
arquitectura hispano-árabe y en el dibujo curvilíneo. Entre sus obras más destacadas
encontramos el Palau de la Música Catalana, el Hospital Sant Pau o el Institut Pere Mata
de Reus.

Como Domènech buscaba una arquitectura nacional, no se enfoca solo al ámbito catalán,
abarca todo el conjunto español. Explica que la arquitectura como en otros países, debe
enfrentarse al reto de la creación en los nuevos tiempos y adaptarse a los nuevos
materiales, que son el hierro y el vidrio, aunque no se debe renunciar a las raíces propias
ó imitar diferentes estilos como pasados que ayuden al trabajo del arquitecto.

LLUÍS DOMÈNECH I MONTANER (1850-1923)

Fue uno de los más importantes protagonistas del Modernismo

Catalán y varias de sus obras han sido reconocidas como
Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO. Estudió ciencias
físico-matemáticas y arquitectura, y se licenció en 1873. Al
terminar la carrera pudo viajar por Europa para conocer las
nuevas tendencias arquitectónicas. A su regreso a Barcelona,
se incorporó como profesor en la Escuela de Arquitectura, de la
que fue director en 1900.

Su obra arquitectónica en el modernismo se podría traducir en el uso de la ornamentación

y las líneas sinuosas. También en sus construcciones se puede ver la abundancia de la
decoración vegetal y las influencias exóticas que tiene del Art Nouveau francés y el
Jugendstil. Destaca en sus obras el uso de azulejos como forma decorativa que da un
aspecto armonioso que se integra a la construcción y el uso de las vidrieras como el
hierro en sus proyectos. Domènech estaba de acuerdo con el concepto en que la
decoración forma parte crucial e inseparable de la construcción.
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Mayormente los proyectos le eran encargados por la burguesía catalana, por ello se
encuentran muchas viviendas de su creación, pero también arquitectura de tipo cívico.
Podemos destacar el Palacio de la Música Catalana en Barcelona y el Gran Hotel, en
Mallorca, siendo este último ejemplo una muestra de como el modernismo catalán influye
de manera crucial en las Islas Baleares y que posteriormente dará sus frutos con
creaciones como Can Casasayas, llevada a cabo por Francesc Roca en 1909.

Contrariamente a otros arquitectos del modernismo, Domènech tendió con el paso del
tiempo a realizar edificios más ligeros, eliminando material en las estructuras pero
manteniendo la ornamentación como elemento de primer orden.

ANTONI GAUDÍ (1852-1926)

Fue un arquitecto español, máximo representante del modernismo catalán. Gaudí fue un
arquitecto con un sentido innato de la geometría y el volumen, en la escuela a pesar de
aprobar con la mínima calificación, siempre destacó en la geometría. También tenía una
gran capacidad imaginativa que le permitía proyectar mentalmente la mayoría de sus
obras antes de pasarlas a planos. Él era una persona diferente, pocas veces realizaba
planos detallados de sus obras; prefería recrearlos sobre maquetas tridimensionales,
moldeando todos los detalles según los iba ideando mentalmente.

Su forma de ver el mundo se explica porque

cuando fue un niño tenía una salud delicada,
razón por la que se vio obligado a pasar largas
temporadas de reposo en el Mas de Riudoms,
donde pasaba horas y más horas contemplando
y reteniendo los secretos de la naturaleza, que
consideraba su gran maestra y transmisora del
conocimiento más elevado por ser la obra
suprema del Creador. Así, Gaudí encontraba la
esencia y el sentido de la arquitectura en seguir
sus mismos patrones, siempre respetando sus
leyes.

Con su gran capacidad creativa, Gaudí concebía sus edificios de una forma global,
atendiendo tanto a las soluciones estructurales como a las funcionales y las decorativas.
Estudiaba hasta el más mínimo detalle de sus creaciones, integrando en la arquitectura
toda una serie de trabajos artesanales que dominaba él mismo a la perfección como era
la cerámica, vidriería, la forja de hierro, carpintería, etc. Hasta introdujo una nueva técnica
en el tratamiento del material, que es el “trencadís” que se hace con piezas de cerámica
de desecho.

La arquitectura de Gaudí está marcada por un fuerte sello personal, caracterizado por la
búsqueda de nuevas soluciones estructurales, que logró después de toda una vida
dedicada al análisis de la estructura óptima del edificio, integrado en su entorno y siendo
una síntesis de todas las artes y oficios. Por el estudio y la práctica de nuevas soluciones,
Gaudí se creó un estilo orgánico, inspirado en la naturaleza, pero sin perder la
experiencia aportada por estilos anteriores, generando una obra arquitectónica que es
una simbiosis perfecta de la tradición y la innovación.

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Gaudí ha alcanzado con el tiempo un amplio reconocimiento internacional, siendo
innumerables los estudios dedicados a su forma de entender la arquitectura. Hoy en día
es admirado por su obra “La Sagrada Familia” que a pesar de no lograr terminarla, se dejó
como un desafío para las generaciones futuras y se pretende terminar en 2026 para el
centenario de su muerte.

ARQUITECTURA MODERNISTA

Casa Batlló

Es un edificio del arquitecto Antoni Gaudí, máximo

representante del modernismo catalán. Gaudí diseñó el
proyecto de remodelación de la Casa Batlló a los 52 años,
cuando ya había superado las modas historicistas, y su
estilo arquitectónico había trascendido el mero
academicismo para reflejar una visión personal de la
arquitectura, de gran originalidad y sello innovador. Para
lograr una ventilación e iluminación Gaudí propuso un
gran patio central en el centro del edificio, al que daban
las habitaciones de servicios, mientras que los salones y
los dormitorios daban a la fachada.

La fachada se hizo con piedra arenisca de Montjuïc. Las columnas tienen forma ósea, con
representaciones vegetales. La fachada la revistió con su método trencadís que consistía
en pedazos de cerámica de varios colores que los obtenía en los desechos de la vidriería
Pelegrí, y cuya colocación dirigió personalmente desde el Paseo de Gracia. Y para su
diseño Gaudí realizó diversas maquetas en yeso, que modeló con sus propias manos
hasta conseguir la forma que buscaba.

Palau de la Música Catalana

Fue construido entre 1905 y 1908 por el arquitecto modernista Lluís Domènech i Montaner
como sede del Orfeó Català. financiado con fondos procedentes de suscripción popular.
El edificio se articula alrededor de una estructura central metálica recubierta de vidrio, que
al recibir la luz natural convierte el edificio en una obra mágica. El Palau de la Música
Catalana es una perla arquitectónica del modernismo catalán, la única sala de conciertos
declarada Patrimonio Mundial por la UNESCO el 4 de diciembre de 1997.

Es una sala mística que se encuentra

repleta de figuras como musas que
rodean el escenario, valquirias de
Wagner que surgen del techo, un
busto de Anselm Clavé a un lado y
uno de Beethoven al otro, y cientos
de elementos de la naturaleza, como
flores, palmeras, frutos, jarrones y
vitrinas llenas de joyas.

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La Pedrera o Casa Milá

Fue construido entre 1906 y 1912, por Antoni Gaudí y el apodo de “La Pedrera” viene
dado por el aspecto externo que tiene, donde principalmente se utiliza la piedra para el
diseño de la fachada y los balcones. Consta de seis plantas articuladas alrededor de dos
patios interiores, uno circular y otro oval, más un sótano, un desván y la azotea. Esta
estructura acoge dos edificios adosados e independientes, cada uno con su propia puerta
de acceso y su propio patio de luces, que están comunicados únicamente en la planta
baja.

Gaudí había asignado a la Pedrera un alto simbolismo religioso: en la cornisa superior, de

forma ondulada, tiene esculpidos capullos de rosa con inscripciones del Ave María en
latín, además según el proyecto original la fachada habría estado rematada por un grupo
escultórico de piedra, metal y cristal con la Virgen del Rosario con el niño Jesús en
brazos, rodeada de los arcángeles Miguel y Gabriel pero s abandonó el proyecto.

Palacio Consistorial de Cartagena

Es uno de los principales edificios modernistas de la cuidad de Cartagena, construido

entre 1900 y 1907, obra del arquitecto Tomás Rico Valarino. Es un edificio de planta
triangular, destaca por su fachada de mármol estructurada en tres bloques, dos laterales
rematados en sus extremos por sendas cúpulas de zinc y uno central más prominente,
con un portal sobre el que se alza el balcón principal y que está rematado con una gran
cúpula, también de zinc, de forma rectangular. En su interior destacan la gran escalera
imperial de mármol blanco, adornada con farolas doradas y rematada por una columnata
de hierro forjado que soportan la cúpula central bajo la que se encuentra un gran vitral
con el escudo de la ciudad.

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Sagrada Familia

Es una basílica católica de Barcelona, diseñada por el arquitecto Antoni Gaudí. Iniciada
en 1882, y todavía está en construcción. La parte construida por Gaudí fue declarada
Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 2005. En 1881, gracias a donativos, la
Asociación Espiritual de Devotos de San José compró una parcela de 12.800 m2 para la
construcción del templo y este proyecto lo emprendió Gaudí a lo largo de su carrera
profesional y al que dedicó 43 años de su vida.

Antoni Gaudí pretendía crear el templo perfecto, presenta la vida de Jesús y la historia de
la fe. Los elementos más destacables del templo cargado de símbolos religiosos son:

Las torres: Actualmente han sido eregidas 8 de las 18 torres diseñadas por Gaudí, donde
doce de ellas son dedicadas a los apóstoles, cuatro a los evangelistas, una a María y otra
a Jesús. Cada una de ellas estará dotada de diferente altura en función de la jerarquía
religiosa que representan.

Las fachadas: La basílica tiene 3 simbolizas fachadas.

Fachada del Nacimiento: Dedicada al nacimiento de Cristo, se trata de una

fachada profundamente decorada y llena de vida.

Fachada de la Pasión: Es más sencilla y simplificada que las otras fachadas,

pretende reflejar el sufrimiento de Jesús durante la crucifixión.

Fachada de la Gloria: La fachada principal, mucho más grande y monumental

que el resto, representará la muerte, el juicio final, la gloria y el infierno.
Consciente de que no iba a tener tiempo para construirla, Gaudí dejó hechos los
bocetos para que sus sucesores pudieran finalizar el trabajo.

El interior: Gaudí para diseñar el interior se inspiró en las formas de la naturaleza,

creando columnas con forma de tronco de árbol que convierten el interior del templo en
un enorme bosque de piedra.

Como todos los templos expiatorios, las fuentes de ingreso de la Sagrada Familia sólo
pueden ser de donativos y aportaciones personales.
Gracias a estos ingresos y a los avances tecnológicos en
temas relacionados con la construcción es posible que la
obra pueda llegar a terminarse en el plazo establecido. La
Junta Constructiva espera concluir la obra en el año 2026,
cuando se conmemora el centenario de la muerte de
Gaudí.

Otra de las muchas maravillas de la obra, es que destaca

el espectacular juego de colores y luces que se aprecia en
el interior al entrar los rayos de sol por las vidrieras, un
juego de sensaciones que cambia dependiendo si se visita
de día o de tarde. Además desde las torres se pueden
obtener unas de las mejores vistas de la cuidad, por
ejemplo, con la torre de la fachada del Nacimiento se
puede subir por unas escaleras para llegar más arriba ó
simplemente quedarse en la torre de la Pasión.
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MAPA CONCEPTUAL

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 SEMEJANZAS Y DIFERENCIAS

ART NOUVEAU LIBERTY JUGENDSTIL SEZESSION MODERNISMO

Tenía un estilo
Está presente la Se representan floral que era Decoración con
naturaleza con motivos florales, generalmente motivos
molduras, sentimental y
SEMEJANZA motivos vegetales y Inspiración en
pequeños naturalista,
decorativos con animales pero la flora y fauna.
animales como inspiradas por
la utilización de estilizada y
insectos y los avances en
hojas, flores, etc. abstracta.
moluscos. la ciencia y
tecnología.

Predominaron Composiciones Utilización de la

Uso de las
SEMEJANZA las formas Gran dinamismo geométricas y curva para
líneas curvas y
curvilíneas y en las obras. la calidad transmitir la
la asimetría.
rectilíneas. bidimensional. vida.

Espacios como
un todo Se contrasta la La decoración
Estilo
armónico y Estilo combinación de es una parte
SEMEJANZA armonioso que
complementando simplificado y volúmenes crucial e
se inspira en la
su funcionalidad funcional. puros y líneas inseparable de
naturaleza.
con su valor rectas. la construcción.
estético.

Diseños
Utilización de la Utilización del
rectilíneos y
pintura sobre “trencadís” y se
Diseño con colores
Juego armonioso las paredes de juega con el
DIFERENCIA menos apagados.
de la luz y el los edificios y a color en el
ornamentación Busca la
color. menudo con interior del
desde 1900. elegancia y
azulejos de edificio por las
predomina la
cerámica. vidrieras.
sobriedad.

La mujer se Libertad en el
Simbolismo
convierte en un uso de los Se transformó Su objetivo
religioso.
motivo motivos en un estilo más estético final
DIFERENCIA
privilegiado, es fantásticos, abstracto y era la “obra de
Identidad
la suprema destacando el geométrico. arte total”.
Nacional.
belleza. tema floral.

Se integraba en
Innovación Se basa en la
Empleo del la arquitectura
estructural para utilización de
hierro con Destaca el uso la artesanía,
DIFERENCIA crear materiales para
función del hormigón con materiales
monumentalidad desligar las
sustentable y armado. como cerámica,
y luminosidad funciones
decorativa. vidriería,
visual. espaciales.
carpintería, etc.

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 CONCLUSIÓN
Art Nouveau fue un movimiento artístico que logró expandirse por Europa y una parte de
Estados Unidos, que su inspiración fue la naturaleza, y en cada país se representaba
desde su punto de vista cultural. Se popularizó por la idea de dejar atrás los movimientos
que predominaban en su momento como el historicismo, ya que se quería lograr un
movimiento nuevo, juvenil y libre. En el siglo XIX fue una época de cambios en todos los
aspectos de la vida, el hombre trataba de buscar respuestas a pasos acelerados que
transformaban las perspectivas entre lo que eran y lo que debían de ser.

En el arte, las sociedades de los diferentes países estaban preocupados y comprometidos

a conservar y adaptarse a las nuevas condiciones de vida que se estaban creando,
entonces comenzaron a establecer nuevas relaciones de arte-ciencia, donde fueran
importantes ambas. Entonces el arte y ciencia se desarrollan a la par, adaptándose uno
de la otra, complementándose y de esta manera crear el modernismo.

Todas las variantes del modernismo de alguna u otra forma influyeron a las siguientes
corrientes pero yo destacaría el Jugendstil de Alemania como la que inspiró a los
siguientes movimientos, por su fase donde comenzaba a ser más abstracto, más simple,
donde buscaban la innovación estructural.

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