RESUMEN BARROCO

Cuándo comienza el Barroco Qué personajes y hechos destacan en este periodo

Se conoce con el nombre de Barroco al periodo que va desde 1600 hasta 1750. Está encuadrado entre
el Renacimiento y el Clasicismo. Johann Sebastian Bach será el genio indiscutible de esta época. La
palabra “Barroco” significa recargado, excesivo o adornado

Qué hechos destacan en el contexto histórico del Barroco Explica cómo influyen estos hechos en
la música de la época.
Las monarquías absolutas dominan el panorama político de Europa. El poder sigue estando en manos
de la aristocracia y de la Iglesia que quieren mostrar su autoridad organizando grandes espectáculos en
los que la música siempre estará presente. Se convierten, para ello, en mecenas de los mejores artistas,
los cuales trabajarán en sus grandes cortes y palacios.

En qué aspectos fundamenta su pensamiento el hombre del Barroco? Principales artistas y

científicos de la época
El Barroco es una época de gran fecundidad para el mundo de la cultura, el arte y la ciencia. En esta
época se darán cita personajes importantes en el mundo de la literatura como Lope de Vega, Calderón,
o Moliere; en la pintura contaremos con artistas como Velázquez o Rembrant; además de destacar
científicos como Galileo Galilei o Newton.
El hombre barroco fundamenta su pensamiento en torno a dos aspectos opuestos: la razón y el
sentimiento. La razón en cuanto que intentan buscar la lógica y el lado científico de todo. El
sentimiento del ser humano que se hará evidente en todos los campos; en el musical sobre todo en la
ópera.Este pensamiento barroco (razón-sentimiento) se va a hacer muy patente en el panorama
musical. Así pues, en este periodo se busca una codificación de todos los parámetros musicales (ritmo,
tonalidad,...) como forma de ordenar y racionalizar la música. Esto lo podemos constatar en la
siguiente frase de J. P. Rameau
"...la música es una ciencia que debe disponer de unas reglas bien establecidas; dichas reglas deben
derivar de un principio evidente, principio que no puede revelarse sin ayuda de las
matemáticas...”

Dónde surge el policoralismo

La música religiosa, aunque ha perdido su gran hegemonía, sigue teniendo un gran peso en el Barroco.
Tanto la iglesia protestante como la católica aprovecharán las innovaciones que se dan en la música
profana para crear nuevas formas.

Una de las técnicas que más se desarrollará dentro de esta música será el "policoralismo", que se dará
sobre todo en la escuela veneciana. Esta técnica surge en la iglesia de San Marcos (Venecia). En Roma
evolucionará exigiendo varios coros que se colocan en distintos lugares de la iglesia. La iglesia
protestante sigue manteniendo el coral como forma más representativa, y la católica continúa
cultivando motetes y misas. En este periodo, hay tres formas nuevas; el oratorio, la cantata y la
pasión.

Qué es un oratorio Cuáles son las principales características de un oratorio

Es una especie de ópera religiosa, ya que cuenta con los mismos apartados que ésta (arias, coros,
interludios, recitativos...). Tiene otras similitudes como la gran extensión y el carácter dramático; sin
embargo en el oratorio encontramos características propias:

• Los textos son religiosos, normalmente extraídos de la Biblia.

• El oratorio no se escenifica. Se interpreta en un lugar de culto sagrado.
• Existe la figura de un narrador que va explicando la acción mediante el recitativo.

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Los grandes compositores de este género son G.F.Haendel, cuyo oratorio más conocido es "El Mesías"
y J.S.Bach, con obras como el "Oratorio de Navidad".

Diferencia existente entre una cantata y una sonata

El término cantata significa etimológicamente "música para cantar" y surge en contraposición a la
sonata “música para sonar”. Es un género que nace dentro de la música vocal profana. Entre los
compositores más destacados J.S.Bach y su cantata 147 “Jesús la alegría de los hombres”

Qué es una pasión Qué criterios se siguen al asignar los diferentes personajes en la
interpretación de una pasión
Es un oratorio que trata exclusivamente de la pasión y la muerte de Jesucristo, inspirándose en los
Evangelios. Los personajes importantes del Evangelio son interpretados por los solistas, mientras que
otros personajes (discípulos, pueblo...) son interpretados por el coro. J.S.Bach, con dos obras
fundamentales "La pasión según San Mateo" y "La pasión según San Juan" es el compositor más
destacado del género.

Dónde surge la "Camerata Fiorentina" Cual era su visión de la música y qué pretendían al crear
la ópera.
A finales del siglo XVI, en Florencia surge un grupo de artistas e intelectuales conocidos como la
"Camerata Fiorentina". Estos artistas están en contra del desarrollo por su complejidad, perdían la
esencia principal que debe cumplir la música, que no es otra que la de conmover al oyente y hacer
brotar en él todo tipo de sentimientos. Los artistas de la Camerata buscaban un género capaz de abarcar
todas las formas artísticas posibles y por ello denominarán a la ópera como "la obra de arte total", ya
que va a reunir en una sola forma a las distintas artes: poesía, música, teatro, danza, pintura ...

Cuándo surge la ópera

La ópera es un género musical profano que va a surgir en Italia a comienzos del siglo XVII. La
primera ópera de la que tenemos noticia es "Dafne", de Jacobo Peri, estrenada en 1597; pero esta obra
no se conserva en su totalidad.
El antecedente más significativo de la ópera lo encontramos en el "entremezzo", que eran pequeñas
actuaciones musicales que se desarrollaban en los intermedios de los dramas teatrales.

Cuál fue el papel de Monteverdi en el nacimiento de la ópera

En 1607 cuando C. Monteverdi cree "Orfeo", que se confirmará como la primera gran ópera. Esta
obra, será tomada como referencia por todos los compositores que le sucederán. Además, el propio
Monteverdi, creará otras óperas que alcanzarán una gran fama como "La coronación de Popea" y "El
retorno de Ulises".

Cómo se va a ir extendiendo la ópera por Italia y Europa.

Este género fue tomando mucha importancia en toda Italia. Varias ciudades se convirtieron
sucesivamente en capitales operísticas (Roma, Venecia, Nápoles,...), añadiendo cada una sus propias
innovaciones. El resto de Europa adoptó el estilo operístico italiano, excepto Francia que creará su
género propio.

Define lo que es una obertura

OBERTURA: Es la parte inicial de una ópera. Es instrumental. La música comienza con el telón
cerrado, que se abre en el transcurso de la obertura para que los espectadores tengan su toma de
contacto con el escenario.

Cuáles son las partes de la ópera?

En la ópera se pueden distinguir las siguientes partes:

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OBERTURA: Es la parte inicial de una ópera. Es instrumental. La música comienza con el telón
cerrado, que se abre en el transcurso de la obertura para que los espectadores tengan su toma de
contacto con el escenario.
RECITATIVOS: Son partes cantadas por solistas en las que se desarrolla la acción. Para que esto sea
posible se debe realizar con un texto casi declamado y sin adornos.
ARIAS: Son las partes más importantes y más vistosas de la ópera. Realizadas por solistas; ahora la
acción se para y el cantante expresa sus sentimientos por medio del lucimiento de su voz.
COROS: Son fragmentos en los que canta un numeroso grupo de personajes.
INTERLUDIOS: Partes instrumentales que se intercalan entre todos los fragmentos anteriores.

Señala las principales diferencias existentes entre la ópera seria y la ópera bufa.
• ÓPERA SERIA: Basada en argumentos mitológicos y heroicos. Es el primer tipo de ópera que va a
existir y será el preferido por la aristocracia debido a su refinamiento. A este tipo pertenece la primera
ópera: "Orfeo" escrita por Monteverdi.
• ÓPERA BUFA: Es posterior a la seria. Los argumentos son cotidianos y fáciles de entender. Se
convertirá en la ópera preferida del pueblo, era bastante típico que el argumento fuese una crítica
social hacia las clases poderosas. La primera ópera de este tipo ,"La Serva Padrona" fue escrita por
Pergolesi en 1733.
Además, podemos distinguir las diferencias territoriales que fue adquiriendo la ópera en los distintos
territorios en los que se desarrollaba:
• FRANCIA: Se llamará "Tragédie Lyrique". Las características principales serán la introducción del
ballet dentro del espectáculo y el gran despliegue de medios que utilizarán los franceses en sus
creaciones. El compositor más importante será J. B. Lully.
• ALEMANIA: Aunque también van a desarrollar ópera seria, hay un género que parte de la ópera
bufa italiana y que alcanzará un gran desarrollo: el Singspiel.
• ESPAÑA: Se creará un género que se denominará Zarzuela y cuya característica más significativa
será la sucesión de partes cantadas y habladas.

Cuáles son las tres formas instrumentales más significativas del barroco
La música instrumental en el Barroco logra la total autonomía que había empezado en el
Renacimiento. En este desarrollo, desempeñarán un papel decisivo la evolución técnica de los
instrumentos y el nacimiento de la orquesta como grupo organizado.

Podemos hablar de tres formas musicales dependiendo de las agrupaciones instrumentales que los
interpreten:

• MÚSICA PARA INSTRUMENTOS SOLISTAS: las piezas para instrumentos solistas permitían al
intérprete hacer gala de un gran virtuosismo, luciendo su habilidad técnica y su expresividad musical.
Uno de los géneros más importantes de música para solistas será "la fuga" (forma contrapuntística por
excelencia)
• MÚSICA DE CÁMARA: se denomina así a la música interpretada por dos o más instrumentistas sin
llegar a ser un grupo numeroso. Es música de carácter íntimo destinada a ser interpretada en pequeñas
salas.
• MÚSICA PARA ORQUESTA: Hasta este momento no se indicaban los instrumentos que debían
interpretar cada parte de la obra, ya que no había normas que regulasen el número y la composición de
la orquesta, y la elección de los instrumentos dependía de las circunstancias. A partir del siglo XVII
los compositores empezaron a especificar en la partitura guión cuántos y cuáles eran los instrumentos
que debían interpretar cada parte.

Cuáles son las tres formas orquestales más significativas del Barroco.
A partir de mediados del siglo XVII surgirán las grandes formas instrumentales barrocas
LA SUITE: es una forma compleja compuesta por la sucesión de danzas de distinto carácter.

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El número y la disposición de las danzas es variable. Aunque existen suites escritas para un solo
instrumento, la forma se desarrollará más dentro de la música orquestal,uno de los principales
compositores será J.S.Bach.
LA SONATA: el significado de la palabra sonata es "música para sonar" (tocada por instrumentos). Es
una forma compleja, ya que se desarrolla en cuatro movimientos que contrastan en cuanto al tempo. La
estructura de ésta fue establecida por Arcángelo Corelli.
EL CONCIERTO: el término deriva de la palabra concertare, que quiere decir contraponer cosas
distintas. Es una forma compleja, normalmente de tres movimientos contrapuestos en cuanto al tempo.
Según como intervengan los instrumentos el concierto puede ser:
Concerto grosso: en el que se establece un contraste entre un grupo de solistas (concertino) y el resto
de la orquesta (tutti), que van alternándose en la interpretación de la obra.
Concerto a solo: compuesto para un solo instrumento solista que contrasta con la orquesta.Las "Cuatro
Estaciones", compuesto para violín por A.Vivaldi.

Cuáles son los principales instrumentos de viento utilizados en el Barroco

El oboe: aparece en Francia hacia 1650 como adaptación a la chirimía renacentista.
El clarinete: los primeros clarinetes comienzan a construirse a principios del siglo XVIII.
El órgano: es el instrumento más espectacular del Barroco. Autores como J.S. Bach desarrollarán la
técnica de este instrumento hasta límites desconocidos hasta entonces.

Qué instrumentos se consideran los protagonistas de la música barroca?

El violín: La familia de cuerda frotada (violín, viola, violonchelo y contrabajo) será la gran
protagonista de la música barroca. Los mejores luthiers, como la familia Stradivarius, van a realizar los
mejores violines de la historia.

Elabora un pequeño resumen acerca de la Danza Barroca.

La aristocracia europea sentía pasión por el lujo y las grandes fiestas. Para celebrar cualquier
acontecimiento, organizaban festines en los que la música y la danza siempre estaban presentes.
En el año 1700, un importante maestro de baile, llamado Feuillet, creó el primer sistema de notación
de danza de la historia. La danza, poco a poco, fue adquiriendo una reglamentación que dará lugar a la
DANZA CLÁSICA.
Las danzas que se bailaban en los salones europeos seguían siendo básicamente las mismas que se
habían dado a lo largo del Renacimiento (pavana, gallarda, etc,...). Pero a partir de 1600 surgirá una
nueva danza que se convertirá en la protagonista del periodo: EL MINUÉ.

Realiza un breve comentario sobre “Los Castrati” y “Los Stradivarius”.

El siglo XVIII fue la era del cantante castrato y el tiempo en el que desarrolló su mayor actividad.
Durante varios siglos se recurrió a la castración masculina para que el cantante pudiera conservar la
voz clara y aguda (blanca) en su edad adulta. Esta práctica tiene su origen en la Edad Media, debido a
que a las mujeres les estaba prohibido cantar en la iglesias. En el siglo XVI el papa Pablo IV prohibió
las voces femeninas en la catedral de San Pedro y con ello comenzó la hegemonía de los castrati.
Algunas características de estos cantantes, en el periodo barroco, son :

• No se dedicaban sólo a la música religiosa, como en su origen, sino que cantaban óperas y todo tipo
de música profana.
• Los castrati ganaban sumas fabulosas. Eran muy famosos y su sueldo hoy lo podríamos equiparar con
lo que cobra un famoso, por ejemplo un futbolista de élite.
• Trabajaban mucho la técnica de la respiración, por lo que algunos podían aguantar hasta un minuto
manteniendo una misma nota y sin respirar.
El más famoso de todos fue Farinelli, que trabajó en la corte del rey español Felipe V,

La ciudad de Cremona ha pasado a la historia por haber dado a conocer a los mejores constructores de
violines del mundo. Todo comenzó cuando un personaje llamado Andrea Amati fundó un taller en el
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que siguieron trabajando sus descendientes. Antonio Stradivarius trabajó en ese taller, hasta que, una
vez aprendido el oficio, fundó su propio negocio en la misma ciudad.

Con Stradivarius, el arte de fabricar violines llega a su máximo esplendor. Escogía con esmero madera
de arce, abeto y ébano; tallando, ahuecando y dando forma a las aproximadamente setenta piezas de las
que constaba cada instrumento. Luego las ajustaba, las pegaba y les aplicaba un barniz rojizo. El
resultado era una obra de arte cuya sonoridad aún no ha sido superada. Hoy en día, la fabricación de
los Stradivarius sigue siendo un secreto, del que se conocen algunos datos:
Se piensa que el secreto de su sonoridad residía en su barniz. No se ha conseguido la forma exacta de
su composición, ya que se ha llegado a la conclusión de que puede tener unas diez capas de barniz
compuesto por varios pigmentos. En esta operación los luthiers invertían varios meses. La mejor
madera para la construcción de violines es la de abetos del Tirol, situados entre 1200 y 1500 metros de
altitud y expuestos al oeste. Esta madera necesitaba cinco años de secado.
De todos los instrumentos que fabricó Stradivarius (unos 1100) hoy en día sólo se conservan la mitad.
Los últimos los construyó cuando tenía más de 90 años.

Elabora en resuman de los siguientes autores.

1º J.S. Bach.
2º G.F. Haendel.
3º J.B. Lully.
4º A. Vivaldi.
5º H. Purcell