EL P ERÍO DO RO MÁNTI CO DE LA

MÚS ICA
Breve descripción de lo que es la música de la época romántica
En esencia, los compositores de la Era Romántica vieron la música
como un medio de expresión individual y emocional.  De hecho,
consideraban a la música como la forma de arte más capaz de
expresar toda la gama de emociones humanas.  Como resultado, los
compositores románticos ampliaron el alcance del contenido
emocional. Se esperaba que la música se comunicara con la
audiencia, a menudo mediante el uso de una forma narrativa que
contaba historias distintas.
Los compositores románticos priorizaron el contenido emocional o
narrativo de la música por encima de su forma, razón por la cual
rompieron muchas de las reglas de los compositores clásicos.  Los
compositores románticos no rechazaron ni rompieron con el lenguaje
musical desarrollado durante el Período Clásico.  Usaron sus formas
como base para su trabajo, pero se sintieron libres de restricciones.
Beethoven es el creador de este enfoque. Vivió y trabajó durante la
transición del período clásico al romántico, y fue una inspiración para
los compositores románticos que le siguieron.
Las sinfonías de Beethoven "cambiaron el terreno" de lo que podría
ser una sinfonía. También demostró características futuras de la Era
Romántica, como componer obras autobiográficas y nombrar
movimientos, como el tercer movimiento de su Cuarteto de Cuerdas
No. 15 en La menor, Op. 132 ( Canción de Acción de Gracias a la
Deidad de un convaleciente en el modo Lidio  ).
 
 
En última instancia, los compositores románticos evolucionarían y
expandirían la estructura clásica formalista hacia un lenguaje musical
más complejo y rico.
Orígenes y contexto del período romántico
La música llegó un poco tarde a la fiesta del período romántico.  Los
historiadores discuten sobre las fechas de inicio y finalización del
período romántico. Una fecha como el 19  º  siglo, mientras que otros lo
sitúan a finales del 18  º  siglo. Esto es cierto para la literatura
romántica. Obras como Songs of Innocence (1789) de William
Blake y Kubla Khan (1797) de Samuel Coleridge se consideran
ejemplos de la poesía romántica temprana. La Era Romántica alcanzó
su punto máximo a mediados del siglo XIX, abarcando todas las artes
y el pensamiento popular de la época.
El énfasis romántico en la autoexpresión individual surgió de las
ideas políticas del individualismo nacidas durante la era de la
Ilustración. Sin embargo, los románticos rechazaron el énfasis de esa
época en la lógica y la racionalidad. Estas ideas eran tan restrictivas
como las reglas relativas a las formas de música clásica.  También se
rebelaron contra las señas de identidad de la  Revolución Industrial ,
como la mecanización, la producción en masa y la urbanización, que
se consideraron contrarias a su visión de un estado natural idealizado
del ser.
Gran parte del arte de la era romántica, incluida la música, también
reflejó la tensión y el nacionalismo de la guerra y la revolución que se
extendieron por Europa desde la Revolución Francesa (1789) hasta
las revoluciones de mediados de siglo y las unificaciones nacionales
en la década de 1870. Ejemplos de esto incluyen la escultura  Salida
de los voluntarios en la fachada del Arco de Triunfo de París, que
alude a los soldados tanto de la Revolución Francesa como de las
Guerras Napoleónicas; y las pinturas del pintor español
Francisco Goya que representan la resistencia española a Napoleón  .
Estos eventos, ideas y atmósfera contribuyeron directamente a las
cuatro principales tendencias artísticas que se ven en las
composiciones románticas.
Cuatro inspiraciones artísticas principales de la música de la
época romántica
Ahora que comprende el contexto en el que se desarrolló la música
romántica, será fácil comprender por qué estos son los temas
artísticos (definidos de manera más amplia que el estricto sentido
musical de "tema") que aparecen continuamente en las obras durante
todo el período.
 Transmitir estados emocionales extremos, ya sean
autobiográficos, tomados de un personaje o situación literaria o
simplemente una representación del ser humano.

 Explorar la naturaleza, particularmente sus aspectos más

salvajes, como utilizar técnicas musicales para imitar los
sonidos de las tormentas o evocar la atmósfera de un bosque
denso y misterioso.
  La fascinación por lo sobrenatural como  reacción a los avances
científicos , que desmitificaba viejas creencias y creaba
incertidumbre sobre a dónde podría llevar la ciencia a la
humanidad.

 Incorporar música o historias populares como medio para

proclamar o reclamar el orgullo nacional.

Estos cuatro temas no están claramente delineados, ya que puedes

encontrar muchos o todos incorporados en una sola obra.  Una de las
formas en que los compositores románticos hicieron esto fue
escribiendo piezas inspiradas en la literatura.  Este método dio una
composición con un marco narrativo y emocional para el compositor.
El scherzo de Mendelssohn de Sueño de una noche de verano
 
El ascenso del virtuoso musical
Una última inspiración artística, aunque crítica, desarrollada en la Era
Romántica no es temática, sino muy personal: el compositor
como artista y virtuoso . Los compositores románticos eran a menudo
más que compositores. Probablemente también fueran artistas
intérpretes o ejecutantes y / o conductores.  El virtuoso tenía una
extraordinaria competencia técnica y un gran
reconocimiento. Paganini, Liszt y Brahms son todos excelentes
ejemplos del virtuoso romántico.
Los orígenes del virtuoso musical son tanto artísticos como
prácticos. El romanticismo se trata de la autoexpresión,
particularmente a través de la autoexpresión de un artista.  Así, los
compositores románticos se sintieron libres de tensar y torcer las
formas musicales clásicas de formas cada vez más personales.  Hoy
lo llamamos "marca". Sin embargo, incluso entonces, los
compositores románticos buscaban una forma de desarrollar su voz a
través de su música, una que fuera reconocible para el público.
Los compositores de la época tenían una libertad creativa más
personal porque ya no trabajaban bajo el noble sistema de
mecenazgo que definía las eras barroca y clásica.  Los compositores y
músicos ya no trabajaban al gusto de un duque o un príncipe.  La
Revolución Industrial condujo a un auge demográfico y mucha gente
vivía en las ciudades en crecimiento.  Se desarrolló una amplia clase
media que tenía algunos ingresos disponibles y tiempo para apreciar
las artes. Los artistas siguieron a la gente, actuando en festivales y
otros conciertos públicos. Los centros de arte se habían trasladado
de los castillos del campo a las ciudades.
En resumen, los compositores románticos podrían tener éxito popular
y financiero componiendo obras que agradan al público.  Sin embargo,
esto también llevó a una tensión artística que permanece hoy: el
grado en que el compositor dio plena expresión a sus motivaciones
artísticas personales (el lado del artista ) o si se contuvo para
complacer al público comprador de entradas.  Este ascenso del
virtuoso musical es también una de las razones por las que la Era
Romántica vio el crecimiento del crítico musical, como  ETA
Hoffmann . Los críticos de música ayudaron al público lego a navegar
por este nuevo mundo artístico.
Cómo la música de la época romántica se separó de la música
clásica
El lenguaje de la música de la época romántica no rompió con sus
predecesores clásicos sino que expandió su vocabulario y se sintió
libre de ignorar el formalismo clásico. Por ejemplo, Unfinished de
Schubert no se limita al fraseo tradicional de ocho compases.
 
 
Los compositores tampoco se sintieron obligados a limitar la
exploración de diferentes tonalidades de una obra, como se evidencia
en la Sinfonía n. ° 2 de Mahler.
 
 
Además de romper las reglas existentes, los compositores románticos
también desarrollaron nuevas técnicas o revitalizaron las menos
utilizadas para expresar una gama más amplia de estados
emocionales y narrativos. Utilizaron melodías más extendidas, rangos
más amplios de tono, tono y tempo, armonías más
sofisticadas. Algunas innovaciones clave de la era romántica
incluyen:
 Las armonías cromáticas estaban haciendo un mayor uso de
semitonos y progresiones de acordes inusuales.

 Melodías asociadas con una referencia externa, como un

personaje o una emoción que se expresa. Wagner fue pionero
en esta idea con el leitmotiv .

 No confiando en la cadencia para resolver un pasaje, pero

permitiendo una "melodía interminable".
  Uso de rubato , ajustando el tempo para reflejar el nivel de
intensidad emocional que la música debe transmitir en ese
momento.

 Tempos aumentados y ritmos complicados que exigían una

extraordinaria precisión y habilidad técnica para ser ejecutados.

 Mayor uso de técnicas como sul ponticello (reverencia cerca del

puente) y sul tasto (reverencia cerca del diapasón).

Los compositores románticos aprovecharon una variedad de

innovaciones mecánicas para explorar dinámicas y tonos más
ricos. En concreto, mejoras en la construcción instrumental, así como
la creación de nuevos instrumentos. La gama más amplia y la mejora
de los instrumentos permitieron a los compositores románticos
expresar gradaciones más precisas de volumen y tono.  Esto incluía
crescendos y diminuendos más largos y elevados.  También les
permitió hacer mayores saltos de tono y volumen, creando un nuevo
tipo de discordancia.
Cambios en los instrumentos durante el período romántico
El piano evolucionó significativamente durante el período
romántico. Por ejemplo, el número de teclas físicas se expandió de
cinco a ocho octavas. Los materiales utilizados para construir los
marcos de los pianos pasaron de la madera al metal, y la durabilidad
del metal utilizado para fabricar sus cuerdas mejoró.  Estas mejoras
enriquecieron el rango de tono y la calidad tonal del piano.
Del mismo modo, los materiales utilizados para construir instrumentos
de viento de madera también mejoraron y ampliaron su calidad y
variabilidad musical. Las innovaciones, como el desarrollo de la
válvula para instrumentos de viento, también contribuyeron a una
variedad más abundante de sonidos. Al igual que la invención de
instrumentos completamente nuevos, como la tuba de Wagner .
Sin embargo, uno de los cambios más significativos en la
instrumentación durante la Era Romántica no fue la naturaleza de los
instrumentos individualmente, sino los cambios en la instrumentación
de las obras.
Cambios en la orquesta durante el período romántico
Un medio fundamental para expandir la expresividad de la música,
principalmente a través del color tonal, dinámicas más amplias y
armonías más ricas, fue aumentar el número de instrumentos
necesarios para interpretar la composición.  Un ejemplo extremo de
esto es la Sinfonía núm. 8 de Mahler en mi bemol mayor (  Sinfonía de
los mil ), que requiere dos coros y 120 músicos, incluidos más de 70
músicos de cuerda.

 
Las orquestas de la época clásica tenían típicamente alrededor de 30
músicos. La orquesta continuó creciendo y evolucionando a lo largo
del Período Romántico, instalándose en la orquesta que conocemos
hoy.
Como se mencionó anteriormente, las secciones de viento y metales
crecieron gracias a la adición de una variedad de instrumentos, como
el flautín y el contrafagot, los cuales expandieron enormemente el
rango tonal de la música. La sección de percusión también vio
numerosos instrumentos agregados, desde bombos hasta el triángulo.
La sección de cuerdas también se expandió. Permaneció compuesto
por los mismos cuatro instrumentos: violín, viola, violonchelo y
contrabajo. Sin embargo, el número de cada instrumento de cuerda
aumentó. Amplíe el número de cadenas permitidas para la creación
de más subconjuntos dentro de la sección de cadenas.  Los
compositores románticos usarían diferentes configuraciones de
pequeños grupos de cuerdas para profundizar la textura y los
contrastes dentro de una obra.
Otra innovación orquestal de la época fue el uso intermitente de
instrumentos no tradicionales. Digamos, los cañones necesarios para
la Obertura de 1812 de Tchaikovsky como un ejemplo extremo.
 
 
Se necesitaba una orquesta ampliada para interpretar las sinfonías
más largas y dramáticas de la Era Romántica. Si bien la sinfonía
explotó con una nueva intensidad durante este tiempo, el período
también se destaca por los compositores que crean una variedad de
tipos de obras "en miniatura".
Cambios en las formas musicales durante el período romántico
Hemos visto que los compositores románticos dejaron de lado las
estructuras clásicas formales, como componer sinfonías con solo
cuatro movimientos. También compusieron obras de un solo
movimiento en una variedad de formas distintas:
 El estudio fue una composición breve destinada a mostrar la
habilidad del virtuoso y como ejercicio de formación para los
estudiantes. Los 24 Caprichos para violín solo de
 Paganini entran en esta categoría, al igual que muchas de las
obras de Chopin para piano.

 El preludio, utilizado en épocas anteriores para presentar una

obra más completa, se compuso como una obra
independiente. Los compositores románticos hicieron lo mismo
con la obertura, como Romeo y Julieta de Tchaikovsky .

 
 El improvisado fue una pieza corta destinada a sonar como si
estuviera siendo improvisada en ese momento.  Como tal, los
improvisados eran típicamente trabajos de un solo
instrumento. La mayoría de las improvisaciones se escribieron
para piano, pero pueden arreglarse para instrumentos de
cuerda.

 También hubo muchos formatos provenientes de la música

nacional o folclórica, como el lied alemán, la polonesa y
mazurca polaca y el vals vienés.

Otro subgénero importante de la composición romántica estaba

destinado a contar una historia específica o pintar una escena en
particular: programar música, que puede ser un solo movimiento o
puede tener múltiples movimientos.
Auge y alcance de la música programática en el período
romántico
La música del programa es música que cuenta una historia
discreta. Podría ser una historia de la vida del compositor o de su
imaginación. Sinfonía fantástica de Berlioz : un episodio en la vida de
un artista, en cinco partes , fue el relato detallado del amor no
correspondido del compositor por una famosa actriz de la
época. Cada movimiento se nombra:
 Pasiones

 Una bola

 Escena en los campos

 Marcha al andamio

 Sueño de una noche de sábado

Como puede deducirse de los nombres de los movimientos, el arco de
esta historia no le va bien al artista. Berlioz repartió programas en las
funciones para explicar la historia.
 
 
En otros casos, la historia se tomó de la literatura, la mitología o el
folclore local. Dvorák 's The Golden Spinning Wheel es un trabajo
basado en un poema Checa que cuenta la historia de amor
condenada y mujeres asesinas.
El supuesto de la música del programa es que debe tener notas del
programa para compartir con la audiencia y explicar el trabajo.  Eso
puede haber sido cierto cuando ganó por primera vez su mayor
popularidad durante el Período Romántico, pero repartir notas no es
la característica definitoria de la música de programa.  En parte
porque la música del programa no tenía que contar una historia
narrativa, sino que podía usarse para evocar el espíritu de una época
o un lugar.
El poema sinfónico o tonal, una forma popular de música programada
de la época romántica, tenía la intención de pintar una escena en la
que transporta al oyente, que puede ser o no una historia
narrativa. Por ejemplo, Sibelius compuso numerosos poemas tonales
de la antigua mitología finlandesa, pero compuso otros destinados a
invocar el espíritu de su país e inspirar patriotismo, como  Finlandia .
 
Por lo tanto, los poemas tonales de la época romántica abarcan toda
la gama de inspiración de la época romántica, desde compartir
intensos viajes emocionales, volver a contar historias de la mitología
griega o la literatura europea, explorar escenarios fantásticos (tanto
naturales como sobrenaturales) y como odas a un país o cultura. .
Expresión nacionalista en la música del período romántico
La Finlandia de Sibelius es un ejemplo de nacionalismo manifiesto en
la música romántica. En algunos casos, el trabajo no fue concebido
como una canción patriótica per se, sino que se basó explícitamente
en las tradiciones de la música popular que el compositor quería
destacar. Durante la Era Clásica, que dio prioridad a la universalidad
de formas estrictas y lógicas, incluidas las variedades de canciones
populares en la música compuesta para nobles, se habría
considerado provinciana, en el mejor de los casos.  Sin embargo, la
autoexpresión popular durante el período romántico a menudo se
manifestó como un amor patriótico por las tradiciones locales durante
una época de guerra. Las Rapsodias húngaras de Liszt ejemplifican
este enfoque.
No es necesario haber pertenecido a una nación o etnia en particular
para incluir su música en obras nuevas. El protestante
alemán Brahms recurrió a los violinistas judíos húngaros para
explorar los temas húngaros que usó en sus Danzas
húngaras . Dvorak fue contratado como director musical del
Conservatorio Nacional de Música de América en parte para
desarrollar un lenguaje musical clásico estadounidense basado en la
música folclórica estadounidense. Su New World Symphony fue el
resultado.

 
El enfoque de utilizar tierras ajenas al compositor como inspiración
era similar a la corriente nacionalista y se llamaba "exotismo".  La
distinción entre exotismo y nacionalismo podría volverse
borrosa. Aida de Verdi , una historia ubicada en Egipto, fue
encargada por la Ópera Real de El Cairo.  De Puccini Turandot ,
basado en una obra de teatro comedia del arte escrito en la 18   ª  siglo,
se estableció en China.
Explorando compositores románticos y sus obras
Hemos cubierto una serie de compositores de la época romántica y
algunas de sus obras. Como época artística que abarca desde 80
años hasta poco más de un siglo, generó un gran volumen de
compositores y música increíbles. Llamamos a nuestra lista de Spotify
de música de la época romántica "20 horas de la mejor música de la
época romántica", ¡ y cubre mucho ! Verás que lo dividimos por
formas, desde sinfonías hasta poemas tonales pasando por
conciertos y conjuntos de cuerda y cerrando con las óperas y ballets.
Si prefiere comenzar con la lista "imprescindible" de los compositores
de la época romántica, consulte esta lista de  diez de los más
influyentes . Encontrará algunos compositores ya discutidos, además
de algunos otros. Para cada compositor, también hemos vinculado
una interpretación extraordinaria de una de sus obras más
importantes.
El romanticismo evoluciona hacia su conclusión lógica: el
posromántica
La base de las ideas artísticas románticas fue la expresión personal y
la ruptura de reglas. No es de extrañar que el estilo musical continuó
evolucionando de manera significativa, y por finales de los 19   º  siglo,
los compositores eran cada vez más abstracto en lo que respecta a la
 atmósfera y sentimientos que querían expresar - una forma musical
del Impresionismo . También estaban comenzando a romper las
"reglas" de los románticos al regresar a las formas clásicas inspiradas
en temas populares románticos del misticismo y lo grotesco.  Mahler
es un excelente ejemplo de un compositor que une las eras romántica
y posromántica. Eventualmente, la ruptura de las reglas iniciada por
los románticos evolucionó a los modernistas y posmodernistas., como
John Cage, que parece haber rechazado por completo la idea de
reglas estéticas.
No es de extrañar que la música del período romántico, con su
expresividad y su inclinación por contar historias dramáticas, siga
siendo una de las épocas más populares de la música clásica.
.

El aria operística
Las diferentes formas, con un poco de historia y muchos
ejemplos.

 Arias
 Musical
 Temático

Arias

Una pieza lírica cerrada para voz solista (excepcionalmente, para

más de uno), ya sea independiente o formando parte de una ópera u
otra gran obra.
El diccionario de ópera de New Grove

Aria (a veces anglicanizado como aire y ocasionalmente pluralizado como arie)

es un término bastante amplio que captura vastas franjas de música en
múltiples géneros, incluidos oratorios, cantatas y musicales. Desde el Barroco
hasta el período romántico (aunque en un grado en constante declive) las
óperas estaban repletas de arias. Desde el período romántico tardío hasta la
actualidad, muchas óperas (la mayoría incluso) tienen pocas o ninguna.
Sin arias no significa que no se cante, todo lo contrario de hecho, la mayoría de
las obras de este período más reciente fueron escritas como obras
cantadas. Esto significa no hablar ni recitar en absoluto.

¿Cómo definir un aria en el contexto de la ópera? En estos términos, un aria es

quizás más fácil de entender en el contexto de la función que cumple que en su
definición de diccionario. A medida que se sumerja en la ópera y se encuentre
con una amplia gama de tipos de aria (algunos de los cuales cubriremos a
continuación), notará que las arias a menudo se definen por su contenido
emocional más que por su forma musical. Así que aquí va ...

Un aria en una ópera es una canción preparada para un cantante

solista en la que el personaje expresa una emoción o ideal que no
necesariamente impulsa la historia hacia adelante. Es una canción
formalizada, a menudo muy estructurada y llena de repetición, que
está diseñada tanto para mostrar las virtudes del cantante como
para realzar la narrativa.
La ópera 101

Esta definición está lejos de ser completa, pero ciertamente para la música
anterior a Gluck (aproximadamente antes de 1760) cubre la mayoría de
nuestras bases y, a pesar de las innovaciones de Gluck, realmente nos cubre
hasta principios de Verdi (la década de 1840 más o menos) y un poco más allá.

Antes de Verdi, las óperas eran esencialmente una gran colección de arias con
tal vez un dúo o un cuarteto en buena medida (¡hasta 40 o 50 arias en algunas
óperas excepcionalmente largas!). El impulso narrativo quedó relegado a las
reglas semiformales sobre qué tipo, cuántas y qué arias iban a aparecer en una
ópera.

Esta formalidad de distribución de aria se siguió hasta un grado casi absurdo

durante el siglo XVIII, un período en el que la ópera estaba dominada por el
género de la ópera seria. La ópera seria es un tema para otro día, pero basta
con decir que durante la mayor parte de la década de 1700 casi todas las
óperas no cómicas fueron ópera seria. Esta ortodoxia fue diseñada con reglas
rígidas:

1. Los mejores cantantes obtuvieron cuatro o cinco arias, al menos

una en cada acto.
2. Todos los cantantes subordinados obtuvieron menos, pero cada
cantante debe tener al menos uno.
3. Ningún cantante podía cantar dos arias seguidas
4. Ningún aria puede ir seguido de otro aria del mismo tipo.
5. Cada aria termina con el cantante abandonando el escenario.

Si todo eso le parece un poco ridículo, entonces estamos de acuerdo, y para

colmo, casi todas las arias tenían una forma musical: da capo (que
exploraremos a continuación).

Este rompecabezas de arias tuvo un efecto importante en la mayoría de las

óperas de este período: el control de un compositor sobre una ópera se
limitaba a arias individuales. Tenían poco concepto de crear un todo coherente
porque no había garantía de que se realizara de todos modos. Esta era una
época en la que las óperas se cortaban y volvían a ensamblar para adaptarse a
los diferentes gustos, las arias de una ópera podían introducirse en otra (con o
sin el permiso del compositor). Se desarrolló todo un género operístico llamado
pasticcio: ¡nuevas óperas construidas a partir de una colección de arias
preexistentes de otras óperas!

Entonces, con ese breve trasfondo de la historia de las arias operísticas,

podemos dividir nuestra exploración de las arias en dos partes, arias definidas
por su estructura musical y arias definidas por su contenido emocional.

Formas musicales

Las arias se pueden definir por su forma musical. Simplemente, esto es reducir

un aria sobre cómo interactúan las diferentes partes. Etiquetamos las
secciones con letras, ABCD ..., por lo que una sección repetida sería AA y dos
secciones diferentes seguidas serían AB.

Forma estrófica

La forma estrófica (también forma de coro) es la más simple de todos los tipos
de aria: todos los versos del aria se cantan con la misma música. Esto puede
entenderse como AAA, a menudo un bajo musical repetido sobre el que la
parte vocal se movía con mayor libertad. La forma estrófica estaba
desapareciendo cuando se desarrollaba la ópera en el siglo XVII, por lo que
hoy en día escucharás muy pocas arias de este tipo en los teatros de ópera.

"Dal mio permesso" del Orfeo de Monteverdi . Variaciones estróficas

sobre un bajo repetido.
Da capo

El aria de da capo dominó la ópera desde la época barroca hasta el bel

canto. Estructurada como ABA, la sección A repetida generalmente no estaba
escrita con el compositor escribiendo "da capo" (literalmente "desde la cabeza")
al final de la sección B. La sección A generalmente sería una canción
autónoma, la sección B contrasta por completo: escrita en una clave diferente y
generalmente más rápida. El aria luego volvería a la sección A solo que esta
vez con el cantante improvisando variaciones y agregando ornamentación
(varias florituras vocales) para embellecer la repetición con una nueva
emoción. El texto estaba dividido en dos partes, A y B, y el cantante repetía A
palabra por palabra.

Rondó

También puede ver esto escrito como rondò, rondeau, rondeaux. Un término
difícil porque ha significado diferentes cosas en diferentes momentos. En la
música clásica, el rondo generalmente significa una estructura ABACA en la
que cada nueva sección siempre regresa al primer tema (puede pensar en
esto, como la mayoría de la música pop siempre regresando al coro). La forma
rondó tal como se desarrolló para la ópera en las décadas de 1760 y 70 era
realmente ABAC con la apertura ABA más lenta que la sección C final. Estos
eran relativamente poco comunes y casi siempre se asignaban a las partes
principales y se colocaban cerca del final de la ópera. Esto llevó a que los
rondos se consideraran arias de especial importancia, lo que llevó a los
compositores a etiquetar las arias como rondos para apaciguar el ego de los
cantantes, ¡incluso cuando el aria no era un rondo según la definición del
término!

"Deh per questo istante solo" de La clemenza di Tito de Mozart

Cabaletta

El aria de cabaletta es la abreviatura de una forma de aria de dos partes que es

más precisamente la forma cantabile-cabaletta. La sección cantabile es
significativamente más lenta, la cabaletta más virtuosa proporcionando una
fuerte distinción entre las dos secciones. Esta forma de aria fue tremendamente
popular en la era del bel canto italiano desde alrededor de 1800 hasta
aproximadamente 1850, Bellini y Rossini llenaron sus óperas con ellos. Sin
embargo, no se extinguió del todo con La Traviata de Verdi que contiene una
de las cabalettas más famosas de todas, "È strano! È strano" de Violetta que
fluye hacia el fenomenal "Semper libera".
"È strano! È strano" de La Traviata de Verdi

Cavatina

Un aria breve en una o dos partes sin repetición (distinguiéndola de da

capo). Puedes encontrar cavatinas en algunas óperas de Handel, pero en su
mayoría se encuentran en obras de finales del siglo XVIII (Mozart escribió
algunas), un período en el que el aria de da capo cayó algo en desgracia,
aunque los compositores franceses se aferraron al término hasta bien entrado
el tiempo. Siglo 19. De lo contrario, definido de manera bastante vaga,
ocasionalmente lo verá usado en lugar de cantabile (¡no es útil!), Y luego llegó
a significar el aria de apertura para un cantante principal de la ópera italiana.

"Salut demeure" de Gounod Faust

Formas temáticas

Quizás debido al dominio de algunas formas de aria (principalmente da capo),

las arias de finales del siglo XVII hasta principios del XIX se categorizaron más
por su contenido y estilo tanto como por su forma. Hay literalmente docenas de
estos términos, pero hemos recopilado algunos de los más comunes (y más
agradables) a continuación.

Aria di bravura

Un aria rápida y virtuosa diseñada para lucir la voz del cantante con un exceso
de coloratura extravagante. Casi siempre se le da al papel de soprano principal.

"Martern aller Arten" de LDie Entführung aus dem Serail de Mozart

Aria Parlante

También conocidas como infuriata o agitata, son arias muy apasionadas. A

veces sobre temas violentos, muy silábicos (una sílaba por nota), llenos de
notas breves y con poca ornamentación. En la ópera seria, estos suelen estar
impulsados por la rabia, en la ópera buffa es más probable confusión y
angustia (¡la rabia es un poco pesada para la comedia!)

"Non so più cosa son" de Le nozze di Figaro de Mozart

Aria di baule

También conocido como aria de baúl, aria de maleta o aria de inserción. Se

trataba de arias cantadas por un cantante durante una ópera para la que ese
aria no había sido compuesta. Durante gran parte de la historia de la ópera, los
cantantes tuvieron un enorme poder y el aria di baule fue un síntoma de
ello. Para mostrar mejor sus voces, los cantantes famosos tendrían una
colección de arias que cantaron mejor y luego insertarían en cualquier ópera
como quisieran. Esto no era completamente gratuito para todos, los cantantes
a menudo tenían límites en estos incluidos en sus contratos y la mayoría hacía
al menos un esfuerzo para elegir un aria vagamente apropiada para la ópera
que realmente estaban cantando ... La práctica cayó en desgracia en el siglo
XIX (Verdi estipuló en sus contratos que no se realizarían inserciones) y con el
aumento de la interpretación "auténtica", el aria di baule es hoy esencialmente
un tabú.

Aria di sorbetto

De lo contrario, se conoce como aria de sorbete o helado. Si puedes creerlo,

esta era una aria escrita para un personaje sin importancia que caería en algún
lugar hacia el final de la ópera para dar a los vendedores de la ópera una última
oportunidad de vender sus productos al público.

"Il vecchiotto cerca moglie" de Il Barbiere di Siviglia de Rossini