Historia Del Arte Capitulo b2
Historia Del Arte Capitulo b2
Historia Del Arte Capitulo b2
En thai, Phra Nakhon, 'la ciudad capital', o Krung Thep, “ciudad de los
ángeles”; capital y principal ciudad de Tailandia, situada en la parte central del sur del
país, a orillas del río Chao Phraya, junto al golfo de Siam. La ciudad engloba Krung
Thep, considerada la auténtica Bangkok, en la orilla oriental del río, y Thon Buri, que
se segregó de la ciudad en 1971, en su orilla occidental.
Bangkok se fundó en 1782 cuando el general Pya Chakri, accedió al trono de
Siam con el nombre de Rama I, y trasladó allí la capital desde Thon Buri, en la orilla
oeste del río, donde había estado desde 1767. La ciudad, cuya denominación actual
proviene de su cercanía a una pequeña aldea costera de pescadores llamada Ban Kok
('aldea de los olivos'), recibió el nombre de Krung Thep ('ciudad de los ángeles') y su
planeamiento se realizó sobre una red de canales, a imitación de los de la antigua
capital, Ayutthaya. Durante la II Guerra Mundial la ciudad fue ocupada por Japón, y
sufrió el bombardeo de las fuerzas aliadas durante los años 1944 y 1945.
La ciudad cuenta con maravillosas construcciones civiles, como el Palacio
Real, y varios templos, entre ellos el Jetupon, el Wat Phra Kaeo, el Wat Arun y las
pagodas Chang y Rajadhiva. Es sede de universidades, museos y galerías de arte.
Tailandia tiene aproximadamente 18.000 templos budistas repartidos por todo
el país, denominados wats. Disponen de santuarios para los budistas tailandeses, que
son alrededor del 95% de la población. El Wat Phra Kaeo (templo del Buda de
esmeralda), situado en Bangkok, data de 1785.
Templo de Wat Arum
El templo está localizado en el distrito de Bangkok Yai en la ribera occidental
del río Chao Phraya. El nombre completo del templo es Wat Arunratchawararam
Ratchaworamahavihara
La característica más llamativa de Wat Arun es su prang central (su torre estilo
Khmer). Unos escalones bastante pronunciados llevan a las dos terrazas, siendo la
altura de entre 66,80 m y 86 m, según las fuentes consultadas. Las esquinas del
templo están coronadas por otros 4 prangs satélites más pequeños. La decoración del
templo se realiza mediante el uso de conchas marinas y de trozos de porcelana que
habían servido anteriormente como lastre para los barcos que viajaban a Bangkok
desde China. Alrededor de la base de las torres se localizan varias figuras chinas de
soldados y animales. Por encima de la segunda terraza hay cuatro estatuas del dios
Hindú Indra cabalgando sobre Erawan.
En la costa hay 6 pabellones de estilo chino, hechos con granito verde y que
contienen puentes para desembarcar.
Pegado a las torres está la Sala de la Ordenación, en dónde está ubicada la
imagen del Buda Niramitr, supuestamente diseñada por el rey Rama II. La entrada
principal tiene un techo con una figura coronándola, decorada con cerámica y estuco.
Hay dos figuras de demonios, que caracterizan a los guardianes del templo, en la
parte principal.
El templo fue construido durante los días en que Ayutthaya era la antigua
capital de Tailandia y se conocía originalmente como Wat Makok (Templo de la Oliva).
En la época siguiente, siendo Thonburi la capital, el Rey Taksin cambió su nombre a
Wat Chaeng.
En el templo estuvo situado el Buda de Esmeralda durante un breve espacio de
tiempo, antes de trasladarse a Wat Phra Kaew (literalmente el Templo del Buda de
Esmeralda) en 1784.
Posteriormente, el Rey Rama II volvió a cambiar su nombre, llamándolo esta
vez Wat Arunratchatharam, lo restauró y amplió el prang central. El trabajo fue
terminado por el Rey Rama III. El Rey Rama IV fue quien le dio al templo su nombre
actual, Wat Arunratchawararam.
Como signo del cambio de los tiempos, en Wat Arun fue ordenado oficialmente
el primer occidental, Sean Patrick, de Estados Unidos, en 2005.
El prang central simboliza el monte Meru de la cosmología hindú. Los prang
satélites están dedicados al dios del viento, Phra Phai. Los demonios del camino de
entrada, son del Ramayana. La figura blanca se llama Sahassateja y la grande y verde
es conocida como Tasakanth.
Templo sagrado del Buda de esmeralda
El Templo del Buda de Esmeralda (Wat Phra Kaeo) es un templo budista (wat)
en Bangkok, Tailandia. El nombre completo del templo es Wat Phra Sri Rattana
Satsadaram. Es el templo budista más importante de Tailandia, localizado en el centro
histórico de Bangkok (distrito Phra Nakhon), dentro de los terrenos del Gran Palacio de
Bangkok.
La construcción del templo comenzó cuando el rey Buddha Yodfa Chulaloke
(Rama I) trasladó la capital desde Thonburi a Bangkok en 1785. Al contrario que otros
templos, no contiene ningún lugar para que los monjes lo habiten, sino que sólo tiene
edificios sagrados, estatuas y pagodas con una rica decoración.
El edificio principal es el ubosoth central, en el que se encuentra el Buda de
Esmeralda. A pesar de que es pequeño en tamaño es el principal icono religioso del
pueblo tailandés. La leyenda cuenta que la estatua se creó en India, pero que tuvo un
largo trayecto antes de llegar a Bangkok. Después de s. de cambios de ubicación, el
general Chakri (que se convertiría más tarde en el rey Rama I) lo capturó de Vientián y
lo llevó a Thonburi para luego llevarlo a su localización actual.
Muchos camboyanos creen que Wat Phra Kaeo, en Phnom Penh, sería el sitio
legítimo en dónde debería estar el Buda de Esmeralda, y muchos de los habitantes de
Laos consideran que el lugar legítimo es Haw Phra Kaew, en Vientián.
La muralla que se encuentra rodeando el templo está decorada hacia el interior
con escenas de la versión tailandesa de la mitología de Ramayana, el Ramakian.
Hacia el exterior las murallas están pintadas de blanco. Hay muchas figuras en el área
del templo con imágenes de esta historia, de entre las cuales destacan los gigantes
(yak) de cinco metros de altura. También surgen de la mitología hindú los reyes mono
y los gigantes que rodean la pagoda dorada.
El templo también contiene un modelo de Angkor Wat, añadido por el rey
Nangklao (Rama III), dado que el imperio Khmer de Camboya y los tailandeses
comparten las mismas raíces culturales y religiosas.
Por motivos culturales, se requiere llevar pantalones largos para poder entrar al
templo.
Una fila de impresionantes guerreros de 6 m de altura guarda la entrada del
venerado templo del Buda de esmeralda, cerca del palacio real de Bangkok. En el
interior de este wat ('templo' en tailandés), exquisitamente decorado, la estatua de jade
del Buda en postura contemplativa domina la estancia desde una elevada posición,
por encima del altar. Aunque el origen de esta estatua es todo un misterio, se cree que
llegó de la ciudad de Chiang Rai en el s. XV. El traslado de la estatua hasta el templo
estuvo rodeado de hechos insólitos. En una ocasión, los laosianos "secuestraron" la
estatua, pero el ejército tailandés les obligó a devolverla.
Wat Pho
Es un templo budista en el distrito de Phra Nakhon, Bangkok, Tailandia. Se
localiza en el distrito de Rattanakosin directamente contiguo al Magnífico Palacio.
Conocido también como el Templo de Buda Reclinable, su nombre oficial es Wat Phra
Chettuphon Wimon Mangkhlaram Ratchaworamahawihan. El templo también se
conoce como el lugar de nacimiento del masaje tailandés tradicional.
Wat Pho se nombra por un monasterio en India donde se cree que Buda ha
vivido. Antes de la fundación del templo, el sitio era un centro de la educación para la
medicina tailandesa tradicional, y las estatuas se crearon mostrando posiciones del
yoga. Una imagen de Buda enorme de Wat Phra Si Sanphet de Ayuthaya fue
destruida por Burmeses en 1767, el rey Rama I (1782-1809 d.J.C) incorporó sus
fragmentos para construir un templo para ampliar y renovar el complejo. El complejo
se sometió a muchos cambios en los próximos 260 años. Bajo el rey Rama III (1824-
1851 d.J.C) las placas inscritas con textos médicos se colocaron alrededor del templo.
Éstos recibieron el reconocimiento en la Memoria del Programa mundial lanzado por la
UNESCO el 21 de febrero de 2008. Contiguo al alojamiento del edificio Buda
Reclinable está en un pequeño jardín levantado, el centrepiece ser un árbol bodhi que
se propaga del árbol original en India donde Buda se sentó esperando la aclaración. El
templo se creó como una restauración de un templo más temprano en el mismo sitio,
Wat Phodharam, con el trabajo que comienza en 1788. El templo se restauró y se
extendió en el reinado del rey Rama III y se restauró otra vez en 1982.
Wat Pho es uno de wats más grandes y más viejos en Bangkok (con un área
de 50 rai, 80,000 metros cuadrados), y es patria de más de mil imágenes de Buda, así
como una de las imágenes de Buda solas más grandes de la longitud de 160 pies:
Buda Reclinable (Phra Buddhasaiyas). El complejo de Wat Pho consiste en dos
compuestos amurallados bisecados por Soi Chetuphon que corre Este - Oeste. El
compuesto amurallado del norte es donde Buda reclinable y la escuela del masaje se
encuentran. El compuesto amurallado del sur, Tukgawee, es un monasterio budista
trabajador con monjes en la residencia y una escuela. Fuera del templo, las tierras
contienen 91 chedis (stupas o montículos), cuatro viharas (pasillos) y un bot (lugar
sagrado central). 71 chedis de la talla más pequeña contienen las cenizas de la familia
real, y 21 grande contiene las cenizas de Buda. Cuatro chedis se dedican a los cuatro
reyes de Chakri. El templo tiene dieciséis puertas alrededor del complejo guardado por
gigantes chinos esculpidos de rocas. Estas estatuas al principio se importaron como el
lastre en el barco que comercia con China. El claustro externo tiene imágenes de 400
Buddhas de 1200 al principio comprado por el rey Rama V. En términos de
arquitectura, éstos se varían en estilos diferentes y posturas, pero éstos regularmente
se montan en la correspondencia a pedestales dorados. El templo principal se levanta
en la plataforma de mármol puntuada por leones mitológicos en las entradas. La
barandilla exterior tiene aproximadamente 150 pinturas de la epopeya, Ramakien, el
mensaje último de que es transedence del secular a dimensiones espirituales.
La imagen de reclinar a Buda es 15 m de alto y 43 m de largo de su brazo
derecho que apoya a la cabeza con rizos apretados en dos almohadas de la caja del
azul, lujosamente incrustado por mosaicos de cristal. El pie de 3 m de alto y de 4.5 m
de largo de demostraciones de Buda son incrustados por el de nácar. Se dividen en
108 paneles arreglados, mostrando los símbolos prometedores por los cuales Buda se
puede identificar como flores, bailarines, elefantes blancos, tigres y accesorios del
altar. Sobre la estatua es un siete paraguas tiered que representa la autoridad de
Tailandia. Hay 108 bolas de bronce en el pasillo que indica los 108 personajes
prometedores de Buda. La gente deja caer monedas en estas tazas ya que se cree
que trae la fortuna y ayuda a los monjes a mantener el wat. Aunque Buda reclinable no
sea un centro de peregrinación, permanece un objeto de la piedad popular.
El templo se considera la primera universidad pública de Tailandia, estudiantes
docentes en los campos de religión, ciencia y literatura a través de pintura mural y
esculturas. En 1962 una escuela para medicina tradicional y masaje se estableció. El
templo es patria de una de las escuelas del masaje tailandesas más tempranas. El
masaje tailandés tradicional y la medicina se enseñan en el Centro de la Asociación de
Médicos Tradicional, un pasillo del aire libre fuera del templo. Para terapeutas del
masaje tailandeses, la inscripción médica dentro del templo sirve de una base para el
tratamiento. Hay 60 placas inscritas, 30 cada uno para el frente y espalda del cuerpo
humano. Los puntos terapéuticos y los caminos de la energía conocidos como el
senador se grabaron y las explicaciones se esculpieron en las paredes al lado de las
placas. La investigación llena en los diagramas todavía no se completa - la derivación
hasta ahora es que las cifras representan relaciones entre posiciones anatómicas y
efectos producidos por el tratamiento en aquellas posiciones.
Suan Pakkad
También conocido como Palacio de Suan Pakkard es un museo en Bangkok,
Tailandia. Se localiza en Sri Ayutthaya Road, al sur del Monumento de Victoria. El
museo tiene antigüedades tailandesas en la pantalla, incluso la cerámica de Ban
Chiang más de 4,000 años. Al principio la casa del príncipe Chumbhotpong Paripatra y
su esposa, lo convirtieron en un museo que se abrió en 1952. El museo presenta un
grupo de cuatro casas tailandesas tradicionales con vestíbulos cubiertos entre ellos.
También hay las ilustraciones en la pantalla en su galería Marsi.
Suan Pakkad del nombre traduce como "Remiendo de la Col", pero la
colección del museo de cinco pabellones tradicionales es uno de los mejores ejemplos
de la arquitectura doméstica tradicional en la ciudad. El Pabellón de la Laca es el
edificio más asombroso y tiene más de 450 años.
Bangladesh
República del sur de Asia situada en la parte nororiental del subcontinente
indio.
Limita:
Al Oeste, Norte y Este: Con la India
Al sureste: Con Myanmar (antigua Birmania)
Al sur: Con el golfo de Bengala.
Arte
Al igual que el resto de países del Subcontinente indio, el aspecto artístico y
cultural de Bangladesh está dominado por la mezcla de las ricas civilizaciones que han
ido dejando su poso durante el paso de los tiempos. El Museo Nacional de Arte de
Dhaka presenta una copiosísima colección de arte budista, islámico e hindú, tal vez
una de las más desconocidas pero no por ello menos valiosa. Cabe decir que
Bangladesh, en tanto ligado al desarrollo de la región de Bengala, es un país con una
riquísima tradición literaria, cuyos orígenes se remontan al uso del dialecto bengalí
para textos escritos, durante la época medieval. En el s. XIX, el poeta Rabindranath
Tagore, aunque hindú, resulta su figura cultural más destacada, que ha hallado
continuidad en el s. XX de la mano de literatos como Kazi Nazrul Islam o Sarat
Chandra Chattopadhya, cuyo centro principal de acción lo constituye el círculo cultural
emanado de la Universidad de Dhaka. Igualmente deudor de este ambiente cultural es
el pintor Zainul Abedin, tal vez el más prestigioso artista natural de Bangladesh, cuya
visión de los problemas endémicos del país, el hambre y la pobreza, le valió el
reconocimiento de la comunidad artística internacional durante la década de los años
40 del s. XX. La estela de Abedin ha sido retomada por otros destacados artistas
pictóricos y figurativos, como Saíd Jahangir, Kazi Abdul Baset o Mohammad Kibria.
La cultura de Bangladés es una maravillosa combinación de varias culturas y
religiones, de 2500 años de antigüedad. El islam, el jainismo, el budismo y el
hinduismo son los diferentes cultos que influenciaron las artes de Bangladés.
La artesanía ocupa un lugar importante en la cultura bangladesí, donde
encontramos estilos únicos en los textiles, la joyería, el trabajo de la madera y el metal,
así como la cerámica.
Bangladesh, que es hoy una entidad política distinta, había sido una vez una
parte de Mayor Bengal y había compartido normas culturales similares como aquellos
del día de hoy Bengala Occidental. Antes de la partición de Bengal, los artistas de
ambos lados de la división viajaron libremente y el arte de la preindependencia
espectáculos de Bengal referencias marcadas a escenas y adornos específicos para
áreas que están ahora en Bangladesh. Los artistas como Jogen Choudhuri que
nacieron en áreas que ahora se caen a Bangladesh tomaron la inspiración de dibujos
de Alpana practicados extensamente en pueblos de Bangladesh. Muchos otros artistas
actuales como Ganesh Paine y Prokash Karmakar tenían raíces en Bangladesh
El mayor artista de Bangladesh, y probablemente uno del mayor artista del
subcontinente indio eran Zainul Abedin. Nació en Kishoreganj (ahora en Bangladesh),
pero había venido para estudiar el arte en el Colegio del Gobierno del Arte en Kolkata.
Su talento se reconoció cuando tenía sólo 24 años cuando sus patrones británicos
hicieron los arreglos para una exposición de sus trabajos en Londres y luego París.
Ambos los espectáculos eran el éxito inmenso. Zainul Abedin sin embargo mejor se
conocía por sus pinturas en el Hambre Bengal de los años 1940.
Después de la partición, Zainul tuvo que ir a Paquistán del Este, aunque del
begining estuviera contra la regla hegemonic del nuevo Gobierno paquistaní. En 1970,
dibujó una voluta llamada ‘Nabanno’ como la protesta contra marginar del pueblo
bengalí en Paquistán del Este. También apoyó el movimiento de libertad en Paquistán
del Este. En 1971, Bangladesh se formó con la ayuda del apoyo Militar indio. Este
nuevo arriendo traído de la vida a Zainul Abedin como algunos de sus mejores
trabajos se creó después de este período
Otro artista importante y un contemporáneo de Zainul Abedin eran Chittoprosad
Bhattacharya. Chittoparsad nació en Naihati (en Bengala Occidental), pero había
viajado extensamente en Bengal del Este como un miembro del Partido comunista de
Bengal indiviso. Pintó junto a Zainul Abedin en Hambre Bengal, rebelión Naval del
1943 y el movimiento de Tebhaga. Muy poco de las pinturas de Chittoprosad se
restaura hoy, aparte de una colección que se restaura en el Museo Dhaka.
Quamrul Hassan, segundo en la importancia a Zainul Abedin en Bangladesh
también era una voz política y había pintado en cuestiones políticas importantes que
afectan el país. SM Sultan otro artista importante nació en Narail tuvo la oportunidad
de ir a Kolkata en el año 1938. Pero después de la partición de Bengal, se perdió
completamente al mundo del arte.
Banks, Allan, pintor estadounidense (1948 – )
Realiza una pintura realista extrema, cuidada en sus detalles, elegante y
armoniosa. Tiene bastante del naturalismo y una técnica a la que domina
sobradamente. Su obra adquiere, a veces, un sutil aire poético que flota, sobre todo,
en sus retratos de niños. En "Los niños de las orejas caídas", parece haber reflejado
un instante de silenciosa tensión entre un chico y una chica en el que la niñez llega a
su fin cediendo ante una sensualidad adolescente que nace. La tensión que provoca el
deseo es sutilmente reflejada por la mirada del chico y la caricia de la niña al animalito,
que actúa como objeto sustituto. Es su mejor obra.
Bannister, Edward Mitchell, pintor canadiense (St. Andrews, New Brunswick,
1828 – Nueva Inglaterra, 1901)
Se radicó en Estados Unidos. Es un pintor del tonalismo. En gran parte de sus
obras tiene la inspiración de Millet y la Escuela de Barbizón en la elección de temas
campesinos. Se destaca en sus paisajes. que tienden a la idealización, pero ha hecho,
además, retratos y escenas de género.
Bannister nació en St. Andrews, New Brunswick y se mudó a Nueva Inglaterra
en la década de 1840, donde permaneció el resto de su vida. Mientras que Bannister
era muy conocido en la comunidad artística de su país de adopción de Providencia,
Rhode y admirado en el mundo más amplio Oriente arte de la costa (que ganó una
medalla de bronce por su óleo grande "Under the Oaks" en el Centenario de 1876
Filadelfia), que fue olvidado en gran parte durante casi un siglo por una complejidad de
razones, principalmente relacionada con los prejuicios raciales.
Con la ascendencia del movimiento de derechos civiles en la década de 1970,
su obra se ha celebrado de nuevo y se recoge. En 1978, Rhode Island College
dedicado su galería de arte en nombre de Bannister con la exposición: "Cuatro De
Providencia ~ Alston, Bannister, Jennings & Profeta". Este evento contó con la
presencia y comentadas por numerosos personajes destacados políticos de la época,
y apoyado por el Comité de Rhode Island para las Humanidades y de la Sociedad
Histórica de Rhode Island. Eventos como este, a través del paisaje cultural en su
conjunto, se han asegurado de que su obra de arte y la vida no será otra vez el olvido.
Aunque principalmente conocido por sus paisajes idealizados y paisajes
marinos, retratos Bannister también ejecutadas, escenas bíblicas y mitológicas y
escenas de género. Un autodidacta intelectual, sus gustos en literatura eran las típicas
de un pintor culto victoriano, incluyendo Spenser, Virgilio, Ruskin y Tennyson, de
cuyas obras gran parte de su iconografía se puede remontar.
Bannister murió de un ataque al corazón en 1901 mientras asistía a una
reunión de oración en su iglesia, Elmwood Avenue Baptist Church gratis. Está
enterrado en el cementerio del Norte en la Providencia.
El historiador Anne Louise Avery está compilando el Catálogo Razonado primer
trabajo de Bannister. Ver la Fundación Internacional para la Investigación Artística
para más detalles.
Obras importantes suyas son: El vendedor de periódicos (Boston Newsboy)
Newspaper Boy) (1869; aceite; 30 1/8 x 25 pulgadas; NMAA, Washington DC) Escena
del río (1883, óleo sobre lienzo, Honolulu Museum of Art) Sabin Point, Narragansett
Bay (1885, óleo sobre lienzo, Gardner House, Providence, Rhode Island) Río Palmer
(1885, óleo sobre lienzo, colección particular).
Banovsky, Miklos, pintor húngaro (1895 – 1995)
Fue un pintor naturalista que trabajó sobre temas de desnudos, paisajes
urbanos y bodegones.
Banti, Cristiano, pintor italiano (Macchiaiolo, Santa Croce sull'Arno, Pisa, 1824 –
Montemurlo, Prato, Toscana, 4 de diciembre de 1904)
Nacido en una familia burguesa acomodada, fue una figura muy importante en
la pintura italiana del siglo XIX, Banti recibió una educación neoclásica en el Instituto
de Arte de Siena, donde estudió bajo la guía de Francesco Cenci.
En 1848 ganó la competición trienal con la pintura "Domenico Mecherino figlio di Pacio
colono trovato a disegnare le pecore dal suo padrone Beccafumi". La planificación
exterior y el énfasis en el color de este trabajo, que recuerda los de Giuseppe
Bezzuoli, muestran que los intereses del joven Banti estaban lejos de la Academia de
Siena. En 1851 pintó un "San Rocco" para la iglesia colegiada de Santa Croce
sull'Arno, de nuevo inspirado en su colorido por Bezzuoli.
En 1854 se trasladó a Florencia, donde empezó a asistir al Caffé Michelangelo,
donde se reunían los Macchiaioli. La producción de los años 50 consta principalmente
de pinturas históricas, como " Episodio del Sacco di Roma", 1856, influenciado por
Saverio Altamura, un ejemplo del tratamiento "manchado" y similar a un boceto, típico
de la pintura histórica Florentina del periodo; "Galileo Galilei davanti all'Inquisizione",
que se exhibió en la Promotrice Flirentina de 1857; "Torquato Tasso y Eleonora
d'Este", 1858, "La congiura", 1859 donde se muestra claramente que Banti conocía la
pintura de Domenico Morelli de Nápoles, que se había mudado recientemente a
Florencia. En el mismo periodo se casó y frecuentemente permaneció en las villas de
Montorsoli y Montemurlo, donde los amigos y los artistas menos adinerados eran sus
invitados y donde reunió una colección importante de obras de Fattori, Boldini, Abbati,
Signorini, Lega y también algunos Corots y Courbets y una docena de Fontanesi.
En 1858 conoció en Florencia a Edgar Degas, que estaba trabajando en la
"Famiglia Bellelli". En la Primavera de 1860, consciente de la importancia creciente de
la "macchia" en la realización de la pintura, empezó a pintar "en plein air" en el campo
de Montelupo junto con Signorini y Borrani; después trabajó con Cabianca en
Montemurlo, luego en La Spezia con Altamura y Signorini. Anteriores a este periodo
son obras como "Bimbi al sole" y "Contadina con un bambino", donde obtuvo
simplificados y vívidos colores, de brillo extraordinario.
En mayo de 1861 fue a París con Signorini y Cabianca (volverá allí de nuevo
en 1871, 1874 y 1875). Aquí profundizó el conocimiento de la pintura de Barbizon
visitando una exhibición organizada por la Sociedad Nacional de Bellas Artes y
conociendo a Troyon y Corot. De regreso en Florencia, pintó "Riunione di contadine",
que muestra una nueva madurez y refinamiento estilístico. Aproximadamente en 1865
dio a luz obras maestras como "Tre vecchie in riposo", "In vía per la chiesa", "Le
guardiane di porci". Sin necesidades económicas, prefirió pintar para él, mostrando
algunos de sus trabajos y no buscando éxito, sólo lograr el reconocimiento de los
valiosos amigos Fattori y Signorini.
Pasó cada vez más tiempo en el campo, trabajando duro. En 1870 con
Signorini, Cecioni y Raffaello Sorbi fueron miembros del jurado de la Exhibición
Nacional de Parma; en esta ocasión, rompió su amistad con Signorini; después
empezará una larga amistad con Giovanni Boldini, que no se había trasladado todavía
a París.
En los años 80 alcanzó altos niveles de calidad con pinturas como "Tre
contadine sedute dinanzi a una siepe" y "Le lavoranti di paglia della Val d'Elsa", 1886,
qué donó al Ministro de Educación y donde se reconocen reminiscencias Rafaelescas
y del siglo XVI, filtradas a través del conocimiento de la pintura contemporánea
europea, En 1884 fue nombrado Profesor de la Academia de Florencia y miembro de
la Commissione riordinatrice degli Uffizi.
Su colección, que se dispersó luego de su muerte, comprendía también los
Corot y los Courbet, fruto de su experiencia parisiense.
Baptisterio
El nombre deriva probablemente de bapstisterium, gran pila que servía para el
baño privado en la época romana y que posiblemente fue utilizada en los orígenes del
Cristianismo para impartir el sacramento del bautismo con el rito de la inmersión. Los
primeros edificios construídos para este fín surgieron próximos y en comunicación con
las grandes basílicas. Se adoptó, en general, la planta central (en cruz griega,
cuadrada, circular u octogonal), ya sea porque los edificios de las termas romanas
constituían, por analogía, el modelo más facilmente utilizable, ya sea, porque este
esquema aseguraba a todos los bautizados una posición de absoluta igualdad en la
recepción del sacramento. Provistos, a veces, de deambulatorios, de pequeños
ábsides y de locales accesorios, los baptisterios estuvieron generalmente cubiertos por
una cúpula. La decoración, casi siempre de mosaico, desarrollaba motivos de la
simbología del bautismo y de la vida de San Juan Bautista. Carácterísticas
representaciones eran el ciervo bebiendo, la paloma, el tronco vacío con la cruz
(etimasia), racimos de uva, pavos reales, etc.
El baptisterio más antiguo que hoy se conoce es el de Dura – Europo, en Siria
(S. III). En Europa el más antoguo parece ser el de Letrán (Italia) que en la forma
actual se remonta a la época de Sixto III (s. V). Son famosísimos y bastabte
importantes el baptisterio de los ortodoxos en Ravena (s. V), el “bello San Juan”, de
florencia (según algunos de orígen tardo romano, aunque transformado y enriquecido
por obras de arte a partir del s. XI), el baptisterio de Pisa (1153), obra de Diotisalvi; el
de Parma (1190 – 1216), de Benedetto Antelami, etc.
A partir del s. XIV no se construyeron más baptisterios separados sino que se
puso simplemente una pila bautismal en una capilla de la iglesia. Después de la 2°
mitad del s. XVI, cuando se abandona el rito de la inmersión, la fuente bautismal se
redujo a una pequeña pila en una capilla frente a la entrada de la iglesia.
Detrás de la aparente rusticidad del baptisterio de Biella, en Italia, se disimula
una férvida sensibilidad arquitectónica que se descubre en la sabia complejidad de la
planta trilobulada y el pequeño motivo de las pequeñas hornacinas.
El monumento románico más antiguo de Florencia es el baptisterio de San
Juan. El edificio, iniciado en el s. XI y terminado solo en el s. XIII, se halla totalmente
revestido de taraceas marmóreas de 2 colores que adaptan sus sobrios dibujos al
nítido planteamiento de las caras de su estructura octogonal. Cada una de ellas está
dividida en secciones por 3 grandes arcos ciegos en las que han sendas ventanas con
frontones de variadas formas. La cúpula se halla cubierta, en el exterior, por un techo
marmóreo piramidal. Fue construído sobre un edificio tardorromano existente. En el
diseño de los mármoles incrustados que lo decoran existe ya un sentido de proporción
y de la armonía que los toscanos llegaron a cabo en el Renacimiento.
Durante el período romano se construyó en Ravena el Baptisterio de los
Ortodoxos; este es un edificio de planta circular, totalmente cubierto en el interior de
mosaico y de estuco de color, en su parte alta y de mármol en el inferior. Este tipo de
decoración eliminaba cualquier impresión de clausura material al edificio
transformando a las paredes en un juego de luz y color.
El baptisterio puede concebirse de varias maneras: como una construcción
exenta y separada del edificio del templo (forma común entre los baptisterios
originales), como un anexo de la estructura de la iglesia o, finalmente, como un lugar
totalmente integrado en ella.
Su origen arquitectónico está en el frigidarium romano, ya que los primeros
cristianos no utilizaron una edificación especifica para este rito; sólo era necesaria una
piscina para realizar la inmersión del neófito. Estas piscinas se encontraban en las
propias casas romanas y en las catacumbas, que hasta el s. II se utilizaron como
templo (iglesias-casa). A partir del s. III se construyeron espacios específicos
dedicados a esta función, bien dentro de la iglesia, bien en su parte exterior, que
mantienen un esquema compositivo más o menos fijo, donde las piezas pueden variar
ajustándose al rito empleado.
A partir de la paz del emperador Constantino I (s. IV), con su conversión al
cristianismo, proliferó la construcción de basílicas, en muchas de las cuales se
situaron los baptisterios, aunque, en este primer momento, no tuvieron una ubicación
ni una tipología de planta uniforme.
Entre los baptisterios exteriores, los más comunes eran los de planta
centralizada, circular u ortogonal, con o sin deambulatorio de columnas, que permitía
la asistencia numerosa de familiares y amigos e incluso la celebración de bautizos
múltiples. Se podía centralizar un eje y ponerlo en relación proporcional con la altura.
También era común situar en una posición más baja las piscinas para facilitar la visión
del rito a los asistentes; pero este bautismo por inmersión fue desapareciendo según
se fue generalizando el bautismo de los niños por aspersión, sistema más lógico, ya
que con este sacramento se perdona el pecado original y se nace a la vida de la
gracia. Así, la piscina se sustituyó por grandes pilas que durante el románico y el
gótico alcanzaron su mayor valor artístico.
Las primeras de estas construcciones, en la época paleocristiana, solían estar
cubiertas con cúpulas sostenidas por columnas que se decoraban con pinturas o
mosaicos de temas alegóricos y paisajes que representaban el gozo de la iglesia por
el nacimiento de un nuevo hijo. Los temas más representados eran la fons vitæ 'fuente
de la vida', de donde beben agua algunos animales, el bautismo del centurión
Cornelio, las bodas de Canaán, la resurrección de Lázaro o el bautismo de Jesús (que
era el tema más representado). Esta cúpula podía estar simplemente pintada con un
cielo azul estrellado; las escenas didácticas se colocaban en las paredes del
deambulatorio.
Los baptisterios paleocristianos estaban normalmente dedicados a San Juan
Bautista, y su ubicación en la iglesia podía estar cerca de la puerta, como símbolo de
que el bautismo es la Puerta de la Iglesia, o junto al altar, para significar la íntima
relación entre los dos sacramentos, el del bautismo y el de la eucaristía, y facilitar
también la celebración de la palabra de la que consta el primero de ellos.
De la época constantiniana se puede destacar el baptisterio de los ortodoxos
de Rávena (San Juan de la Fuente) y el de los arrianos, reconstruidos en la época de
Justiniano (s. IV, primera edad de oro de Bizancio), que son de planta octogonal, al
igual que la pila (el número ocho simbolizaba la resurrección), con un interior
ricamente decorado con mosaicos y construido con fábrica de ladrillo, cuyo espacio se
refleja en la volumetría exterior. Las imágenes tienen cierto carácter naturalista y la
escena principal representa el bautismo de Jesús. Otros exponentes son el de Santa
Tecla y el de San Juan de Letrán, en Roma (s. III). Este último es prototipo de
construcción exenta, de planta octogonal con deambulatorio de columnas, y en él se
incorpora un nártex de entrada marcando un eje.
Hasta el s. VIII son comunes las construcciones exentas de esta tipología
edificatoria, pero después del s. IX es muy raro encontrarlos, excepto en algunas
composiciones urbanas del románico italiano, como el conjunto catedralicio de Pisa
(finales del s. XI), que consta de duomo o catedral, baptisterio de planta circular y
decoración de arcos ciegos sobre columnas clásicas, y su famoso campanille o torre
inclinada. Todos los edificios siguen el mismo eje.
Baquoy, Pierre Charles, pintor y grabador francés (París, 1759 – 1829)
Fue conocido por sus representaciones de personajes históricos famosos.
Baquoy nació y murió en París. En su época era considerado un eminente artista-
grabador y, entre otras cosas, era profesor de dibujo y empleado del Musee Royal.
Fue el ilustrador de la edición de Kehl de Voltaire[1] y también realizó algunos
de los grabados de las Obras Completas de Rousseau (Émile y Theátre et Poesies) de
1788-1793[2].
También fue uno de los pintores que retrató la sociedad contemporánea de
París para las primeras revistas de moda como el Journal des Dames et des Modes[3]
y "La Mesangere" (publicado entre 1797 y 1839).
Sus dibujos de este tipo, al igual que los de otros como el editor de La
Mesangere Pierre Antoine Leboux de la Mesangere, Paul Gavarni, Antoine Charles
Horace Vernet y Louis-Marie Lanté se consideran un recurso esencial para el estudio
de la moda y la sociedad de la época.
Bar, Francois Nicolas de, pintor francés (Bar-le-Duc, 1632 – Roma, 1695)
Nacido en el entonces Ducado de Lorena, en ese momento independiente del
Reino de Francia, se trasladó a Roma, donde trabajó principalmente como pintor.
Relativamente poco conocido, su estilo comenzó a presentarse como atípico en la
pintura clásica.
Barabas, Miklós, pintor húngaro (Kézdimárkosfalva, Mărcuşa, actual Rumania,
1810 – Budapest, 1898)
Generalmente se conoce por sus pinturas del retrato, incluso un retrato famoso
de Franz joven (Ferenc, en húngaro) Liszt hecho en 1847 y un retrato de 1853 del
emperador Franz Joseph I.
Miklos Barabás se licenció en la escuela protestante de Nagyenyed. Pintó de
una edad temprana y en 1829 era un alumno de J. Ender en Viena un rato. Detrás en
Kolozsvár (Cluj, en rumano) en 1830 aprendió la litografía de Gábor Barra. En 1834-
1835 viajó a Italia, donde aprendió la acuarela que pinta de Scottsman Guillermo
Leighton Leitch que era seis años su mayor; se hicieron amigos y viajaron y pintaron
en la región de Lago Maggiore en 1834, y Leitch era una gran influencia en el futuro
trabajo de Barabás. Finalmente se instaló el Parásito en 1855.
Ganó el gran apoyo de los líderes políticos y literarios de la Edad de la
Reforma y era sin duda un pionero del arte nacional húngaro. Era un fundador y
miembro activo de la vida de arte en Hungría, y los principios de la pintura del género
húngara también se unen con su nombre. Su "Familia rumana que Va A La Feria"
(1844) se consideró la pintura del género popular más hermosa de su tiempo. Se
encontró con el gran éxito en la exposición de 1844 de la Asociación del Arte de Viena,
y más tarde en el Parásito. Gastó la mayor parte de su vida en el Parásito. Durante el
absolutismo, tuvo que afrontar problemas financieros, obligándole a tomar fotos y
pintar altares durante algún tiempo. A consecuencia de su lucha, la Sociedad de Arte
se estableció en 1859, de que era el presidente de 1862 hasta su muerte
Comienzo en sus años 20 pintó un gran número de Hungría, Austria y la élite de
Rumania en retratos formales. Los sujetos incluyeron a hombres y mujeres de política,
música y literatura, líderes religiosos, hombres militares y alta sociedad, pero también
pintó escenas de vida rural y retratos de la familia campesinos. Su estilo realista
estuvo en boga a mediados del 19no s. Europa, en las décadas justo antes de que la
fotografía se inventó y la revolución artística del Impresionismo. Aún en 1884 pintó un
retrato famoso del grande poeta húngaro János Arany. El revolucionario Lajos Kossuth
y el poeta/revolucionario Sándor Petöfi también están entre sus sujetos famosos.
Se hizo miembro del Parlamento de Hungría en 1867, representando al
Parásito. Murió en Budapest.
Barabino, Carlo, arquitecto y urbanista italiano (Génova, 1768 – 1835)
Barabino era seguramente el arquitecto genovés más importante y creativo del
s. XIX.
Su trabajo, desarrollado principalmente en el campo genovés, tenía la
importancia enorme para la configuración del s. diecinueve de la ciudad. Su matriz
cultural impresionada a los principios del neoclasicismo, tenía la coherencia formal
extrema e influyó en el gusto de la primera mitad del s.. Su trabajo del planificador
urbano determinó el desarrollo de la ciudad como de antemano había estado solo
Galeazzo Alessi.
Barabino tenía su primera formación a la Academia Ligustica de Génova y, en
1788 fue a Roma, estudiando al taller de Giuseppe Barbieri. En 1793, después haber
ganado premios de la arquitectura importados, volvió a Génova cuando la actividad
profesional comenzaba.
A los principios de su carrera, en cuanto a su proyecto de “La prolongación del
Embarcadero de Génova, con baños, batería, cuartel, y con un monumento al
ciudadano Colombo para el uso de la linterna”, se recibió entre los miembros del
mérito de Ligustica el 16 de agosto de 1795, con Lorenzo Fontana (sobrino esto dura
de Gaetano Cantoni) y Giacinto Pellegrini. El 7 de junio de 1802 Barabino se llamó a la
Academia para manejar las escuelas reunidas de la arquitectura y de la
ornamentación, pasando aquí a A. Tagliafichi y a G.B. Cervetto, con la tarea del
trienio.
Entre los primeros proyectos de Barabino hay Lavar-casas neoclásicas de la
república de Ligurian, en el camino de los Criados, de 1797. Después de causa de la
malversación con relación a este trabajo, quizás Barabino de que no era culpable,
debería haber gastado algunos años de la actividad en el mudo, antes de surgir de
nuevo como el arquitecto principal de la ciudad.
En esta primera fase tenía pequeñas tareas. En 1801 se llamó Milano para
participar del jurado que debe examinar el proyecto del Tribunal Bonaparte de
Giovanni Antolini. En 1805 abrió el estudio con Giovan Battista Crovetto. En 1818 se
designó a un arquitecto de la Municipalidad.
1825 fue un año clave para el arquitecto que cubrió para la década siguiente la
lista con el mayor arquitecto de la ciudad. Barabino produjo en éstos importantes
algunos años proyectos arquitectónicos, en primer lugar entre todo el Teatro Carlo
Felice, y era el coordinador principal de los proyectos del urbanismo de la ciudad, que
influyó en el desarrollo de las décadas siguientes esto.
Barabino también tenía una actividad didáctica intensa. Ya en 1807 abrió un
taller de la instrucción con Crovetto. Era, de 1808 a 1811 el director de la
ornamentación a la misma Academia, mientras 1824 hasta la muerte asumió la
dirección del instituto entero. Entre sus alumnos Giovan Battista Resasco e Ignazio
Gardella (mayor).
La muerte lo escogió en la epidemia de cólera de 1835 cuando el proyecto sólo se
había confiado a él para el transporte del cementerio monumental de Staglieno.
Sus principales proyectos fueron: el busto de Carlo Barabino contuvo en la
escalera espacial del Palacio de la Academia a Génova (detalle), trabajo de
Giambattista Cevasco, la Casa de 1796 Masuccone (en cuadrado Matteotti, entre el
cuadrado, vico Notari, vico Hierbas). 1797 lavar-casas públicas de los Criados (hoy en
los Jardines Baltimora, restaurado y juego otra vez por Ignazio Gardella), el frente de
1819 de la iglesia de Siro Santo. En 1821 planeo para el parque de Acquasola. Los
trabajos del parque serán dirigidos por el arquitecto entre 1825-1826. En esta
realización de ello se une en único construir terrazas en el Terraplén de Acquasola, los
montones de Acquasola, las paredes de Acquasola llegando al terraplén de Luccoli,
ocupado por el chalet Small DiNegro. En 1825 propone el Proyecto de aumentar las
residencias en la ciudad de Génova. Tal plan del urbanismo concibe una extensión
urbana para ases rectilíneos externos para ese que era la ciudad medioevale. El
desarrollo siguiente de la ciudad, sin embargo en las diferencias realizadas, mantendrá
de este plan el sistema para ases rectilíneos. El Teatro de 1828 Carlo Felice. El teatro
se investirá en 1828. El teatro se ha destruido después de bombardeos de la Segunda
Guerra Mundial, y luego se ha reconstruido en los exteriores en el proyecto de Ignazio
Gardella y Aldo Rossi. En 1826 el Palacio de 1832 de la Academia Ligustica de Bellas
artes. En 1834 planeó para el frente de la iglesia de la Anunciada, que vuelve a tomar
un proyecto precedente de 1816 (el proyecto se realizó, con variaciones y de manera
incompleta, en Battista Resasco de Giovan de su alumno). En 1834 planific para el
sifón del puente para el acueducto cívico (el Acueducto histórico de Génova), que
cruza el valletta del Cementerio monumental de Staglieno. En 1835 planificó para el
Cementerio monumental de Staglieno (también esto fue realizado por su alumno
Giovan Battista Resasco).
Barabino, Simón, pintor italiano (Val Polcevera, Génova, 1585 – 1660)
Fue pronto al aprendizaje de Bernardo Castello en quien aprendió a dibujar
desnudo, él mismo distinguiéndose inmediatamente, y luego hizo el arte del color su.
En Génova dominaban en ese momento el campo de la pintura los dos
grandes ancianos, Giovanni Battista Paggi y Bernardo Castello. Dos los Botones
ayudaba a sus discípulos en el momento que los cedían autónomo su tienda (como
era por ejemplo para Sinibaldo Scorza), mientras Bernardo Castello para una especie
de envidia casi patológica y celos de la profesión venía ese momento para dificultarlos
en todas las maneras. Simone Barrabino, la víctima de tal actitud del maestro, debería
haber abandonado la tienda de éstos con una rotura aguda en 1605.
Era el momento en el cual allí nació la gran pintura genovesa de los
Seiscientos: Ansaldo y Bernardo Strozzi comenzaban a ser famosos, y cerca los
Botones eran sus contemporáneos Braccelli, Cappellino, Castellino Castello (el primo
de Bernardo), Domenico Fiasella dijo Sarzana y los hermanos Montanari se había
hecho ya autónomo.
Los trabajos de Simone que ayudaron a encender el gelosie de Bernardo
Castello parecen identificados desde allí "El Vergine con el Niño y Ángeles con en alto
el Padre Eterno y en el primer plan lejos abajo dos ángeles y el paisaje de fondo", del
Santuario de la Virgen (Génova, entre las Paredes de los Ángeles y Val Polcevera), en
el altar correcto del transetto, y en “San Leonardo hace el parto a una mujer”, puesto
en el oratorio de Santi Giacomo y Leonardo, oratorio entonces demolido (la tela de
Barrabino se llevó entonces en el ábside de la iglesia dirimpettaia de Giovanni di Prè
Santo, donde todavía está al lado de una pintura de Lazzaro Tavarone).
Simone Barabino realizó las telas más numerosas para personas privadas,
entre cual El Desnudamiento de Cristo della Raccolta Rizzi a la Rebelión de Sestri ya
erróneamente atribuido a Lazzaro Tavarone. La atribución, así como éste, de muchos
trabajos del Barabino al Tavarone era debido al malentendido por lo tanto se vio en
ellos el gusto casi truculento la fase lenta de Luca Cambiaso, luego hizo un informe al
discípulo de éstos, Lazzaro Tavarone. De hecho "truculento" supuesto estaba en
Barrabino que el camino de las enseñanzas después de Bernardo Castello de hecho
de icasticità y la limpieza del dibujo, de la anatomía, de pule de colores y explotación
de la luz.
A las maneras tomadas de Bernardo Castello, Simone Barabino podría añadir
las novedades ilustradas introducidas en Génova en la década pasada de XVI s.,
volviendo también a Pageboys, al cual devuelven el severo y caras de moustached (el
ejemplo de la Flagelación de G. B. Pageboys, rece a la galería National del Espía del
Palacio en Ello), recuerda a cierto manierismo lento.
Para el convento franciscano de Antonio Abate Santo a Pegli Barabino pinta la
Última Comida con los Apóstoles, donde muestra una gran capacidad constituyente
mientras las personas son capaces de meter tredici alrededor de un pequeño consejo;
era la prueba más válida para un pintor joven, a pesar de unos forzar que aquellos del
segundo personaje a la izquierda o del último a la derecha, o del brazo de Giovanni
Santo levantaron en no mucho camino ortodoxo. Resulta ser además una coherencia
estilística lo que logra mover bien cada elemento y cada color cerca; a los personajes
los quedan dar vueltas y la luz suministra la unidad de la composición.
Barabino se hace conocido cómo el delineante fuerte, exacto, metálico, rápido,
en las partes anatómicas con la característica escribe a máquina fisionomici, o en la
pañería hábilmente tratado.
En el Anunciado de Vastato es su trabajo “San Diego con el petróleo de la
lámpara sana un muchacho”, al principio ponga en uno de los altares del transetto, y
en la transformación de 1645 movido a ese del Crucifijo. Era el último trabajo realizado
por el pintor a Génova, en la cual libera su pintura de la inicial meticulosa descrittività,
devuelve su pincelada más derretida, puede con su elección la esencial. El espacio se
crea de la arquitectura falsa, que es comparada por el dibujo de dos grupos de
oponerse a cifras. Las influencias de Bernardo Castello reaparecen en el joven del
primer plan a la izquierda y en el putti hecho girar en la parte alta, pero aquí el alumno
supera al maestro. Notando esto, Berbardo Castello se hizo su accerrimo enemigo y
también movilizó a otros pintores de su círculo contra el joven artista. Todo esto
comenzó a obstaculizar constantemente a Barabino que hace imposible con la crítica
continua el ejercicio de la profesión a él en Génova.
Simone se trasladó a Milano. Los Raptos de los cuales pone los trabajos en
una lista realizó en la ciudad del jefe de Lombard.
Aquí dibujó algunos primeros éxitos. Decidió dejar sin embargo la pintura para
darse al comercio de obras de arte. En este campo no mostró ninguna capacidad y fue
al colapso. Se encarceló por deudas y murió no todavía viejo, en la pobreza y después
del encarcelamiento repetido.
Obras suyas fueron: Adoración de los pastores, Génova, Palacio Blanco Diego
santo con el petróleo de la lámpara sana un muchacho, Génova, Basílica del
Anunciado Más santo de Vastato.
Barambio, Gregorio, pintor y religioso español
Religioso de la Merced calzada. Pintó por los años de 1738 un cuadro que está
en un retablo al lado de la capilla mayor de su convento en Burgos, y representa a San
Pedro Nolasco con un esclavo, executado con diligencia. De su mano hay mas
pinturas en otros conventos de su religion. Fué maestro en el dibujo de D. Celedonio
de Arce, escultor.
Baranceanu, Belle Goldschlager, pintora, profesora, muralista, litógrafa,
grabadora e ilustradora estadounidense (Chicado, Illinois, 1902 – La Jolla,
California, 1988)
Baranceanu era el apellido de soltera de su madre). Sus padres, ambos
inmigrantes judíos rumanos, se separaron durante la primera infancia de Belle, y ella
creció en la granja de sus abuelos maternos en Dakota del Norte.
Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Minneapolis con Anthony Angarola,
con quien estuvo comprometida hasta su muerte en 1929. Activa en Chicago durante
la década de 1920 como profesora y expositora, trabajó en Los Ángeles, California en
1927-1928[5]. Se trasladó a San Diego en 1933.
Durante la Gran Depresión, Baranceanu se involucró en la serie de programas
de trabajo iniciados por el gobierno federal para mantener a los artistas empleados
durante esos tiempos difíciles. Su primer mural, realizado para el Proyecto de Obras
de Arte Público de la Administración de Obras Civiles (noviembre de 1933 - junio de
1934) titulado San Diego, se encuentra en la colección del Museo Nacional de Arte
Americano en Washington, D.C. Otros murales fueron realizados en anticipación de la
Exposición Internacional del Pacífico de California (1935-36) para el Proyecto de Arte
Federal de la Administración de Progreso de Obras (WPA). Estos incluían Hermanos
de la Iglesia, Niña con un cervatillo y El progreso del hombre.[4] Pintó murales de óleo
sobre lienzo en la oficina de correos de La Jolla (Vista panorámica del pueblo) en 1936
para la Sección de Pintura y Escultura,[6] y en la Escuela Secundaria Roosevelt
(Construcción de la presa Padre y la salida de Potola) en 1937-38. 7] Entre 1939 y
1940 realizó otro mural de la WPA titulado Las Siete Artes en el Auditorio del Liceo de
La Jolla.[4]
Baranceanu era miembro de la Sociedad de Artistas de Chicago.
Expuso su trabajo en el Instituto de Arte de Chicago, el Instituto Carnegie, el
Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, el Museo de Arte de Denver y otros.
Baranceanu enseñó en la Escuela de Artes y Oficios de La Jolla y en la Escuela
Frances Parker. Murió en La Jolla, California, el 17 de enero de 1988.
Barandiarán Ayerbe, José Miguel, sacardote, etnólogo y arqueólogo español
(Atau, Guipúzcoa, 1889 – 1991)
Miembro de una familia numerosa, en 1906 ingresó en el Seminario Conciliar
de Vitoria, donde pasó los siguientes treinta años de su vida. Estudió francés, inglés y
alemán y, en el Seminario, las carreras de Filosofía, Magisterio y Teología. Una crisis
religiosa, en 1913, le empujó a marchar a Alemania, donde tuvo oportunidad de
conocer al profesor Wundt, que impartía un curso sobre Psicología de los Pueblos en
la Universidad de Leipzig. Influido por el psicólogo alemán vio que era imprescindible
el estudio de la cultura de la propia tierra, de tal forma que decidió marchar a Bélgica y
a Francia para ampliar estudios de Etnología, Antropología y Paleontología Humana
en la Sorbona y en el Instituto de París.
Regresó al País Vasco, se ordenó sacerdote y hasta 1936 fue profesor en el
Seminario Conciliar de Vitoria. Durante ese tiempo realizó diversos trabajos de campo
junto a los catedráticos Telesforo de Aranzadi y Enrique de Eguren, investigaciones
que comenzaron por una serie de excavaciones arqueológicas del castillo medieval de
Jentilbaratza (Ataun) y los dólmenes de la sierra de Aralar. En 1927 fundó las revistas
Idearium y Gymnasium, dedicadas a la investigación socio-religiosa, y por estas
fechas hizo su doctorado en Teología y Prehistoria. Fundó la Sociedad de Estudios
Vascos, y su labor empezó a ser reconocida, lo que le hizo ser considerado por la
intelectualidad mundial como uno de los puntales de la cultura vasca. El estallido de la
Guerra Civil española hizo que se viera obligado a exiliarse en Francia, lo que no le
impidió continuar con sus investigaciones en el País Vasco Francés desde las
localidades de Biarritz y Sara, donde estableció su residencia -allí le sorprendió
también la Segunda Guerra Mundial, durante la cual estuvo confinado durante algún
tiempo en Normandía. En 1951, comisionado por el gobierno francés realizó el censo
de los monumentos megalíticos de este país y estuvo al frente de la Sociedad de
Prehistoria.
Desde que regresó a España del exilio en 1953, para encargarse de la cátedra
de la Universidad de Salamanca, Barandiarán fue objeto de numerosas
condecoraciones y honores, entre las que cabe destacar la Medalla de Oro y el título
de Hijo Predilecto de Guipúzcoa (1982). En 1989 recibió la Medalla de Plata de la
Academia de la Lengua Vasca, creó la Fundación que lleva su nombre y, también ese
año, el ayuntamiento de Vizcaya le nombró "Hijo Predilecto" y fue galardonado con la
Medalla de Oro de Bellas Artes. En 1990, el ayuntamiento de San Sebastián le
concedió la Medalla de Oro de la ciudad. Cuando llegó a los cien años, Barandiarán
-que se encontraba trabajando en la elaboración del Atlas etnográfico- fue objeto de un
merecido homenaje que le ofrecieron diversas personalidades del mundo de la cultura
y de las artes. En 1991 quedó finalista por segunda vez al Premio Príncipe de Asturias
de las Ciencias Sociales -la primera había sido en 1988-, que, finalmente, fue otorgado
al historiador vasco Miguel Artola.
Era doctor Honoris causa por la Universidad Eclesiástica de Vitoria, la
Universidad del País Vasco, la Universidad de Deusto y la Complutense de Madrid
(1987); además, fue miembro de la Real Sociedad Española de Antropología,
Etnografía y Prehistoria; también perteneció a la Asociación Catalana de Antropología,
Etnografía y Prehistoria; a la Sociedad Ibérica de Ciencias Naturales, a la Asociación
Española para el Progreso de la Ciencia, a la Real Sociedad Española de Historia
Natural, a la Societé Francaise d'Etnographie y a la Folklore Society. Fue miembro del
Consejo Permanente del Congreso Internacional de Ciencias Antropológicas y
Etnológicas, correspondiente de la Real Academia de la Lengua Vasca, presidente de
Honor de la Sociedad de Ciencias Naturales Aranzadi, miembro de Honor del Instituto
Arqueológico de Alemania, miembro de la Comisión Internacional de Artes y
Tradiciones de la Sociedad de Naciones y miembro correspondiente de la Academia
de la Lengua Española.
Entre los más de trescientos trabajos que escribió, recogidos en diversas
publicaciones, parte de los cuales integran la Gran Enciclopedia Vasca, cabe destacar
algunos como Mitología vasca, El mundo de la mente popular vasca, Historia
comparada de las religiones, etc. Asimismo, los resultados de sus estudios en su tierra
y en los Bajos Pirineos están recopilados en sus Obras Completas; entre éstos
sobresalen el Diccionario mitológico sobre el País Vasco, la obra Prehistoria en
Vasconia y las seis monografías sobre el pueblo vasco que escribió en 1987.
Barandilla
La barandilla (también conocida como baranda) es un tipo de parapeto formado
de balaustres que constituye un elemento de protección para balcones, escaleras,
puentes u otros elementos similares.
La barandilla sigue el perímetro de la estructura con una altura constante
permitiendo apoyarse gracias a su travesaño superior llamado pasamano o
pasamanos. En su forma actual, las barandillas constituyen una evolución de las
soluciones típicas aplicadas a edificios populares de inicios del s. XIX.
La barandilla constituye un elemento de cierre o separación de estructura ligera
que por su configuración permite el paso de la luz no impidiendo así las vistas. En
ciertas ocasiones puede ser llamado antepecho.
Tipos de barandilla
Barandilla para escaleras
Barandilla de planta: permite de asegurar un balcón
Barandillas para cubiertas no accesibles al publico: permite de asegurar las
cubiertas durante las operaciones de mantenimiento o de limpieza.
Se aplican diferentes reglas para la construcción de una barandilla donde va
estar instalado. La balaustrada puede ser de metal, madera, pétrea, de hormigón
armado, etc.
Tipos de fijación
Los balaustres son generalmente fijados a los elementos resistentes
horizontales superior e inferior, y se disponen con:
Anclaje a la base del balcón (Fijación sobre platina) y su perímetro para
impedir la filtración de agua a través del pavimento.
Anclaje al intradós del balcón (Fijación sobre el lado). Más fiable en
cuanto a que el punto de fijación no está expuesto a la lluvia.
Contra peso, la barandilla no esta fijada pero esta puesto sobre una
cubierta con contra peso.
Barandillas con formas especiales
Según la posición que ocupan, las barandillas pueden asumir configuraciones
particulares.
Los balaustres están formados a veces por elementos continuos en toda la
altura del edificio asumiendo a menudo funciones decorativas. Para protegerlos, es
necesario tener en cuenta la dilatación que pueden sufrir por causa de las variaciones
de temperatura.
Si los balcones no sobresalen de la fachada, la barandilla puede comprender
un travesaño superior (con funciones de pasamanos) y uno inferior, cerrados con
elementos del mismo estilo.
También se pueden encontrar parapetos mixtos, realizados tanto con vanos
como con zonas rellenas o elementos de vidrio.
Baratta, familia de escultores italianos del s. XVII y XVIII
Baratta, Francisco, escultor italiano (Massa Carrara, s. XVII)
El maestro Algardi, primero, y luego Bernini fueron los responsables de su
educación. En el taller del último realizó importantes encargos como el Extasis de San
Francisco para la capilla Raimondi de San Pietro in Montorio. También es autor de
figuras mitológicas y de la Alegría de El Río de la Plata para la fuente de los Ríos de la
plaza Navona.
Entre sus obras se encuentran el bajorrelieve del altar de la capilla de San
Francisco de Asís, realizado por encargo del marqués Raimondi de Savona para la
iglesia de San Pedro de Montorio; la estatua del Río de la Plata en la Fuente de los
Cuatro Ríos en la Plaza Navona; así como varias otras estatuas de Hércules, Lucrecia
y Cleopatra, realizadas para la galería real de Dresde.
Baratta, Pietro, escultor italiano (1659 - 1729)
Fue un escultor italiano del período Barroco, activo en Venecia en la segunda
mitad del s. XVII hasta principios del s. XVIII.
Sobrino de Francesco Baratta el viejo, que trabajó en el estudio de Bernini en
Roma. Sus hermanos Francesco y Giovanni fueron también escultores. Era maestro
del escultor Francesco Robba.
Es el autor de las esculturas de la fachada de la Capilla de Villa Manin en
Passariano de Codroipo (Udine), incluidas las estatuas de los cuatro evangelistas y de
la Virgen y el Niño.
A Pietro Baratta, también se le atribuyen cinco estatuas que representa a San Rocco,
San Antonio abad, la Beata Virgen del Rosario, San Mateo y San Juan Bautista en la
fachada de la iglesia parroquial de Santa Maria en Villa Vicentina (VI), construida entre
1660 y 1680 en el sitio de un edificio anterior.
Pietro Baratta también ha creado una estatua de San Ignacio de Loyola, al que
representa con una expresión contemplativa, mientras sostiene en la mano la Biblia
abierta, para la iglesia de Santa Maria Assunta, en Venecia.
Baratta, Giovanni, escultor italiano (Massa Carrara, 1670 - 1747)
Escultor italiano del período Barroco. Nacido en Carrara, pero activo en
Florencia y Livorno. Fue alumno de Giovanni Battista Foggini. Fue el sobrino de
Francisco Baratta el viejo, que trabajó en el estudio de Bernini en Roma. Giovanni tuvo
dos hermanos que también fueron escultores: Francesco Baratta el Joven y Pietro.
Tiene esculturas en la Iglesia de San Ferdinando en Livorno.
Baratta, Fausto di Leopoldo Rossi, escultor italiano (Carrara 1832 – Barcelona,
1904
Trabajó en colaboración con su hermano Angelo Baratta, que llevaba la parte
burocrática de su negocio, mientras que Fausto se encargaba de la labor artística. Se
especializó principalmente en escultura funeraria. En 1842, todavía en su ciudad natal,
ganó un Concurso de Invención por su obra Muerte de Catilina.
Una de sus primeras obras en Barcelona fue la fuente de la plaza del Rey
(1853), ejecutada sobre un proyecto del arquitecto Francisco Daniel Molina. Era de
estilo neogótico, con una planta octogonal rematada por una aguja de piedra, por lo
que asemejaba más bien un panteón funerario. Debía estar decorada con unas
alegorías de los ríos de las cuatro provincias catalanas en cuatro de sus lados, y en
los otros cuatro unas figuras de leones que arrojarían agua por la boca; sin embargo,
finalmente solo se realizó el lado dedicado a Barcelona, decorado con el escudo
condal. La fuente desapareció en la reforma de la plaza efectuada entre 1931 y 1934.3
Entre sus obras más destacadas se encuentra la Fuente del Genio Catalán
(1856), en el Pla de Palau (Barcelona), que realizó junto a Francesc Daniel Molina y el
escultor Josep Anicet Santigosa. Se construyó en homenaje al marqués de Campo
Sagrado, quien fomentó la llegada de agua procedente de Montcada en unos años de
fuerte sequía. Sobre un estanque circular se halla un pedestal con estatuas alegóricas
de las cuatro provincias catalanas, mientras que sus cuatro bocas de agua, con forma
de cabeza de león, representan los principales ríos del Principado (Ebro, Segre, Ter y
Llobregat); sobre un pilar octogonal se alza la figura del Genio Catalán, un joven
desnudo con alas que sostiene una estrella en su mano derecha, que representa el
Progreso, y una palma de la Victoria en la izquierda. Baratta se encargó de los
trabajos en mármol, si bien no está del todo establecida la autoría del Genio Catalán,
si de Baratta o de Santigosa.4
En 1860 ejecutó el pedestal del Monumento a Fernando el Católico erigido en
la plaza Real, con una escultura del monarca obra de Josep Piquer, que al ser
realizada en yeso se descompuso en un plazo de trece años; quedó por unos años el
pedestal, que fue retirado en 1868.5
Fue autor también del panteón de Juan Vías Paloma e Isidora Ochoteco en el
Cementerio de Poblenou (1873).
Barba, Alonso, escultor y arquitecto español (c. 1524 – Jaén, 1595)
No se tienen fechas concretas de su nacimiento, pero se cree que fue
alrededor de 1524 ó 1525. En cuanto a su lugar de nacimiento, diversos autores le dan
también poblaciones diferentes, Galera Andreu lo cree con raíces de Pegalajar y Pretel
Marín lo daba como de origen manchego (concretamente en la localidad de Moral de
Calatrava, Ciudad Real). Casado en Jaén en el año 1554 con Bernardina de Valencia,
tuvieron nueve hijos.
Su muerte se produjo en Jaén en 1595, siendo sepultado en la iglesia de San
Ildefonso de esta ciudad.
Trabajó principalmente por toda la provincia de Jaén, aunque su aportación
más conocida fue en su catedral, primero junto a su maestro y amigo Andrés de
Vandelvira y a la muerte de éste, como continuador de su obra.
Otras obras suyas son: la entrada de la fachada principal del convento de
Santo Domingo. 1582 Jaén, las trazas para la fuente monumental del Arrabalejo, 1574.
Jaén; continuó las obras, tras la muerte de Vandelvira, de la catedral de Baeza, la
Iglesia de la Santa Cruz de Pegalaja, la Iglesia de Nuestra Señora de la Encarnación
en Cambil, las trazas de la capilla mayor de la parroquia de San Pedro Apóstol de
Castillo de Locubín, la reedificación de la iglesia parroquial de San Pedro de Sabiote,
la portada principal de la iglesia de San Pedro de Úbeda. el crucero, casi una réplica
del de la catedral de Jaén, en la Iglesia de San Isidoro de Úbeda.
Barba Guichard, Ramón, escultor y dibujante español (Madrid, 1892 – Santa fé de
Bogotá. 1964)
A los 13 años de edad ingresó a la Escuela de Artes y Oficios de Madrid y
luego a la Escuela de Artes Decorativas, Central San Mateo, de Madrid.
En la Escuela de Artes y Oficios y "ganó una beca para estudiar dibujo al
natural en el Círculo de Bellas Artes, mientras trabajaba de día como aprendiz, en el
taller de Miguel Blay. Allí aprendió los secretos del modelaje y de la talla, y pasó al
mármol la mayoría de los trabajos de Blay, dedicados a personajes históricos y
religiosos".2
Con el fin de independizarse y comenzar a hacer sus propios trabajos, viajó a
México, Cuba y en 1925 llega a Colombia, donde se establece como escultor en la
capital, Bogotá. 1927 - Ejecuta un Cristo Labrado para la tumba del pintor Roberto
Pizano. Ese mismo año adquiere la nacionalidad colombiana. 1930 - Es nombrado
profesor de escultura al natural de la Escuela de Bellas Artes de Bogotá. 1930 -
Participa en la exposición organizada por la Escuela de Bellas Artes con un Busto de
J. A. Silva y "Ofrenda a la Diosa Bachué". Fue uno de los colaboradores más
entusiastas del grupo "Bachué" que buscaba la formación de un nacionalismo
trascendental, y sobre todo la creación de un arte americano. 1930 - Expone al lado de
Pierre Daguet en la Sociedad de Arquitectos en Bogotá. 1934 - Contrae matrimonio
con su discípula Josefina Albarracín. De este matrimonio nacieron tres hijos: Teresa,
Carolina y Julián. 1938 - El 21 de marzo de 1938 Ramón Barba realizó su primera
exposición individual, organizada por Carlos Puyo Delgado, y participa en la
exposición colectiva. que fue organizada para conmemorar el cuarto centenario de la
fundación de Bogotá, con un busto en mármol de doña Josefina Albarracín, con el cual
obtuvo un premio. 1940 - En el V Salón de Artistas Colombianos obtuviene el primer
premio en escultura con Mujer Joven (mármol blanco). Había presentado, además,
Madre del pintor Gómez Jaramillo (granito de Boyacá) y Promesero chiquinquireño
(madera del país). 1945 - Realiza la que quizás sea su obra más reconocida:
"Juramento de un Comunero", escultura en madera de 2.5 metros de altura y de gesto
solemne, basada en el tema de la rebelión de los Comuneros del Socorro, en 1781.
"Además de la temática social, preferida por Barba, trabajaba obras de carácter
religioso, entre las que puede destacarse el alto relieve El descendimiento, realizado
en 1946, talla de 2.75 x 2.45 metros, conjunto de cinco figuras monumentales que
representan a Cristo sostenido por su madre, María Magdalena, José de Arimatea y
Nicodemus". 1953 - Participa en la Exposición Grancolombiana, de la Universidad
Javeriana, con la talla en madera "Los Comuneros".
Ese mismo año es nombrado profesor de escultura de la Escuela de Artes de la
Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá. 1947 - Gana el concurso para ejecutar las
esculturas de Santa Isabel de Hungría y San Luis Beltrán, patronos de la Catedral de
Bogotá. Estas esculturas, que tienen 1,80 m. de altura cada una, adornan actualmente
el tímpano de la fachada de la Catedral. 1951. Participa en la Exposición Bienal de
Madrid con "Descendimiento" y "El Hombre de la Cruz", la cual hace parte del grupo
de los Comuneros, al que dedicó por varios años de investigación y trabajo. 1958 -
Participó en el XI Salón de Artistas Colombianos con "10 de Mayo", escultura en arcilla
cocida. "Barba trabajaba sin descanso en su taller de la carrera 15 con calle 19.
Comenzaba su oficio todos los días a las 7 de la mañana y terminaba a las 6 de la
tarde; no le gustaba trabajar con luz artificial. Una vez terminaba su obra, después de
meses de labor, la guardaba tapada en un cuarto anexo al taller. Mientras tallaba, sólo
le permitía la entrada a Bernardo Cáceres, un obrero de construcción que tenía
contratado para ayudarle a preparar la madera y luego desbastarla. Cáceres estuvo a
su lado hasta su muerte; fue su ayudante por cerca de 30 años. Sus restos reposan
junto a los del maestro Barba en el cementerio Jardines de Paz". Además de su
inmensa obra artística, el maestro fue asesor de la Plaza de Toros de Santamaría
durante 27 años y trabajó con "El Tiempo" como fotógrafo durante mucho tiempo.
Obras suyas son:
Estatuas: El Indio Sancho, talla en madera El Padre Almansa (En el
Museo Nacional de Colombia N° 2304). Los Promeseros (En el Museo Nacional de
ColombiaNº 2305).
Santa Isabel de Hungría y San Luis Beltrán, en la Iglesia Catedral de Bogotá.
Guerrillero del Tolima.
Cabezas: Jaime Jaramillo Arango (mármol) Ludwig van Beethoven
(piedra), en el Conservatorio de Música de Bogotá; Niño (propiedad de Alberto Lleras
Camargo).
Bustos: Promesero boyacense José Asunción Silva (colocado primero
en el Parque Santander de Bogotá y luego en el Parque de la Independencia.
Actualmente en la hacienda de Yerbabuena, del Instituto Caro y Cuervo) Pedro A.
López; Doña Josefina Albarracín de Barba, su esposa (mármol con el cual ganó un
premio), etc. Los Comuneros (talla en madera) Manuela Beltrán (talla en madera).
Barbacki, Boleslaw, pintor polaco (Nowy Sącz, 1891 – Biogenica, 1941)
Fue pintor, activista social, educador, actor, director. Se le conoce
principalmente como retratista. Su trabajo y su actividad patriótica están conectados
con Nowy Sącz, donde nació, pintó, organizó la vida social y murió trágicamente,
fusilado por los nazis en la cercana Biegonice.
Era hijo de Leon Barbacki y Helena Barbacka de Pawłowski, nació el 10 de
octubre de 1891 en Nowy Sącz. Desde su temprana infancia mostró interés por el
dibujo. Ya a la edad de 5 años, su pasatiempo favorito era dibujar con lápiz sobre
papel. Como alumno del gimnasio de Nowy Sącz, comenzó a tomar clases de dibujo
con el pintor Antoni Broszkiewicz. A la edad de 15 años, junto con su colega Romuald
Mossoczy, fundó el Círculo Patriótico Filaret, que reunía a los estudiantes del gimnasio
y tenía como objetivo asimilar los valores patrióticos a sus compañeros. En ese
momento, se crearon sus primeras pinturas al óleo sobre tela, cuyo tema se refería a
la tradición de los levantamientos nacionales - "Los últimos romanos", "El retorno de
las legiones", "Eryny".
En 1910-1914 Barbacki estudió en la Academia de Bellas Artes de Cracovia,
en la clase del profesor Teodor Axentowicz. Al mismo tiempo, comenzó sus estudios
en la Universidad Jagellónica, inicialmente en la Facultad de Filosofía, pasando luego
a la Facultad de Derecho, que terminó en 1916. En la Academia de Bellas Artes fue un
estudiante sobresaliente - en cada semestre recibió el primer premio de la clase,
habitualmente otorgado por el profesor Axentowicz.
En noviembre de 1914, tras el estallido de la Primera Guerra Mundial, se fue a
Ischl en el Tirol con su padre y su familia. Utilizó los pocos meses que pasó allí para
pintar paisajes alpinos, retratar a los intelectuales locales y aprender sobre las
colecciones de pintura de Munich y Salzburgo. Desaparecido de su casa todo el
tiempo, volvió a Nowy Sącz en junio del año siguiente.
El año 1916 fue un gran avance para la carrera artística de Barbacki. Luego se
graduó en derecho, pero decidió dedicarse por completo a la pintura. Esta convicción
fue confirmada por la primera exposición pública de sus obras, organizada por el pintor
cracoviano Eugeniusz Gros en la sede de la Cruz Roja de Nowy Sącz. La exposición
fue recibida con entusiasmo, y el reconocimiento con el que el pintor se encontró y los
pedidos de sus retratos le convencieron finalmente de que abandonara su profesión de
abogado.
En 1918 organizó la Sociedad Dramática permanente en Nowy Sącz, donde
trabajó como actor, director, escenógrafo e instructor hasta el estallido de la Segunda
Guerra Mundial. En 1920. Barbacki empezó a trabajar como profesor de dibujo en un
instituto femenino. De octubre de 1924 a junio de 1925 permaneció en París, donde
estudió principalmente pintura clásica en el Louvre.
En 1926, fundó la Escuela Industrial de Sastrería para Mujeres de tres años de
la Sociedad de la Escuela Popular en Nowy Sącz. Este centro, del que fue director
hasta 1937, tenía como objetivo la educación profesional de las niñas pobres de los
estratos sociales más bajos. Luego, en 1929, estableció Wytwórnia Przemysłowa
Wytwórnia Towarzystwa Szkoły Ludowej (Taller Industrial de la Sociedad de Escuelas
Populares), que se convirtió en un lugar de trabajo para muchas mujeres graduadas.
En 1932 Barbacki fue elegido presidente de la Sociedad de Gimnasia Sokół en Nowy
Sącz, donde había estado activo desde 1919. Ocupó el cargo de presidente hasta
1939, ampliando constantemente las actividades de la Sokół y mejorando su
organización.
Tras el comienzo de la Segunda Guerra Mundial y la entrada de los alemanes
en Nowy Sącz, Barbacki se quedó en la ciudad y se encargó de asegurar la biblioteca
ubicada en Sokół y el equipo de teatro de la Sociedad Dramática. El 20 de enero de
1941 fue arrestado por primera vez por la Gestapo. Fue liberado después de un mes
de interrogatorios brutales. A pesar de la persuasión de mucha gente, Barbacki decidió
no esconderse ni salir de la ciudad. El 2 de julio de 1941 fue arrestado de nuevo. En la
prisión hizo su último trabajo, dibujando en papel de contrabando unos 30 retratos a
lápiz de sus compañeros de prisión. El 21 de agosto de 1941, Bolesław. Barbacki fue
disparado junto con un grupo de 45 prisioneros polacos por los nazis en Biegonice,
cerca de Nowy Sącz.
Su pintura de Barbacki se asocia más a menudo con retratos realistas al óleo -
son la forma dominante en su trabajo. En sus pinturas se esforzó por representar los
rasgos de la persona retratada lo más fielmente posible. Evitó idealizar las figuras,
usando el simbolismo y las formas modernas de pintura operando en un esquema.
Rechazó conscientemente la ideología de sus vanguardias contemporáneas, no se
identificó con ningún movimiento ideológico ni con ningún grupo creativo.
Durante todo el período de su trabajo, se esforzó por perfeccionar su técnica
hacia la capacidad de representar fielmente la naturaleza. Puso énfasis en lograr la
armonía de los colores y la luz. Sus pinturas posteriores contienen una composición de
fondo más dinámica en cuanto a los colores que usó. Las figuras retratadas son
siempre muy plásticas, con un claro dibujo del cuerpo. En sus pinturas, Barbacki
también usó motivos con un paisaje, el interior del bosque, un camino o un arroyo.
También pintó escenas de la vida cotidiana en casas solariegas, bodegones, así como
retratos de grupo y desnudos. Era un artista muy trabajador, su producción pictórica es
de unos 800 trabajos de caballete.
Barbadillo, Manuel, pintor español (Cazalla de la Sierra, Sevilla, 1929 – Málaga,
2003)
Desde pequeño mostró afición por el dibujo y, en 1941 entró como aprendiz en
el estudio del pintor sevillano José Arpa. Entre 1944 y 1947 trabajó el modelado con el
escultor, también sevillano, Emilio García Ortiz. Posteriormente estudió en la Escuela
de Artes y Oficios de Sevilla y se licenció en Derecho en 1953, año en el que decidió
dedicarse por completo a la pintura. Se trasladó a Marruecos para trabajar, viajó por el
norte de África y se interesó especialmente por el pensamiento y arte orientales.
Hasta 1957 desarrolló una obra figurativa, de estudios del natural con notas
expresionistas, con unas formas que progresivamente van descomponiéndose en
planos geométricos. En 1957 decidió instalarse en Nueva York, ciudad en la que
estuvo hasta 1963. Su pintura evolucionó hacia la abstracción, pasó de un estilo
gestualista a una pintura de materia, experimentando con nuevos materiales como el
látex y las resinas e incorporando objetos.
En 1964 realizó sus primeras experiencias modulares. Sobre la base de una
leyes matemáticas que extraía de los procesos de crecimiento orgánico, estudió las
posibilidades combinatorias de unidades menores para formar composiciones que se
caracterizan visualmente por la ondulación de líneas y la bicromía blanco-negro.
En 1967, como miembro fundador, participó en la creación del grupo Nueva
Generación, y un año después colaboró en la elaboración del seminario "Generación
Automática de las Formas Plásticas" del Centro de Cálculo de la Universidad
Complutense de Madrid.
Desde principios de 1955 hasta marzo de 1957, además de algunos meses
entre 1958-59, reside en Marruecos, lugar donde su obra deja de ser figurativa para
convertirse en abstracta, en gran parte como consecuencia del fuerte impacto que le
produce la civilización del país magrebí. Prolongada hasta 1957-58, la producción
figurativa evoluciona, desde los iniciales estudios del natural, primero hacia el
impresionismo, y, después, hacia un expresionismo con es-porádicas influencias
constructivas que terminará siendo una especie de expresionismo estructurado en el
que se subrayan los valores texturales y se asiste a una paulatina eliminación de la
perspectiva. Cuando ya entrado el año 1959 se traslade a Nueva York, ciudad en la
que vivirá hasta el otoño de 1962, su obra hace ya varios meses que discurre por la
senda de la abstracción informalista, al principio dominada por un expresionismo
abstracto de gran variedad cromática que, en poco tiempo, verá drásticamente
reducido el color hasta derivar en cuadros muy sobrios, monocromos, densos en
materia pictórica y de un acentuado carácter experimental.
Hacia 1960, en correspondencia con el clima artístico de los Estados Unidos,
su pintura, agotados los excesos subjetivistas del bienio anterior, entra en una nueva
etapa caracterizada por una obra abstracta estructurada, cuyos ecos alcanzan hasta
1963. Esta fase, distinguida por la búsqueda de un lenguaje cada vez más racional y
equilibrado, ofrece, junto al contraste entre zonas lisas y texturadas, una creciente
esquematización compositiva, finalizando con la presencia dominante de la simetría en
las composiciones y el empleo de formas matéricas casi iguales que se repiten
cubriendo el lienzo (quizás por influencia del uso del concepto de repetición propio del
pop americano). Estas curiosas estructuras de repetición de la pintura de materia que
Barbadillo hace en 1962, pueden considerarse, como ha señalado Juan Antonio
Aguirre, «el puente de enlace entre sus anteriores obras matéricas y la fase que
inmediatamente iniciaría», fase que se desarrolla durante 1963 y parte de 1964 y en la
que, abandonada de manera definitiva la materia, hace una obra abstracta geométrica,
generalmente sobre papel o cartulina, de la que lo más destacado es el hallazgo de
«una silueta como de media ojiva, que permitiría una estructura menos estática».
Además de la eliminación de la materia, el otro avance fundamental de esta etapa, en
rigor una fase protomodular, es la correcta comprensión y posterior utilización de la
naturaleza binaria de la forma.
El lenguaje binario será la inesperada solución del impasse en que se hallaba
el pintor como consecuencia del sistemático empleo de la redundancia formal. A partir
de 1964, con la sustitución del concepto de forma por el de módulo, se inicia el periodo
más largo y fructífero de su producción, el de la sintaxis modular, dividido en cuatro
etapas hasta la actualidad, según el número de módulos empleados. En la primera,
comprendida entre 1964-68, el pintor experimenta con un solo módulo, un módulo
cuadrado en forma de cuernecillo o U constituido a partir de dos formas básicas, un
cuadrado y un cuarto de círculo. Los aspectos más relevantes de la etapa son el
problema del ritmo en la organización del cuadro, la creación de macromódulos (por la
fusión de módulos adyacentes cuyas zonas blancas o negras coinciden en color en el
lado común) y el cuidado en la forma exterior del módulo a fin de posibilitar los giros y
los acoplamientos. En la segunda (1968-1979), Barbadillo opera con un sistema de
cuatro módulos, constituidos por combinaciones de dos formas elementales comunes
a los cuatro, esto es, las mismas formas básicas que habían servido para constituir el
primer módulo. Aunque el descubrimiento de los tres nuevos módulos tiene lugar
después de la primavera de 1968, en realidad la etapa se inicia en el mes de abril de
ese año, cuando Barbadillo es invitado a participar en un curso de ordenadores en el
Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid (CCUM). Su posterior
inclusión, desde el primer momento de su creación por Ernesto García Camarero en
diciembre del mismo año, en el Seminario de Generación Automática de Formas
Plásticas del CCUM, convertirá esta etapa en decisiva, ya que con ella comienza una
estrecha relación con la computadora, entendida como herramienta de trabajo, que
Barbadillo no abandonará ya nunca.
A pesar de la enriquecedora experiencia del CCUM, alargada por nuestro autor
hasta principios de 1972, la etapa se cerró con una crisis personal, que incluso lo
mantuvo alejado durante algún tiempo de la máquina. El comienzo de la tercera etapa
(1979-84) viene marcado por la solución satisfactoria de la crisis precedente y el
renovado interés en las investigaciones formales, gracias en gran parte a la aparición
de los ordenadores personales y la consiguiente autonomía del pintor. Durante ella,
primeramente los módulos usados hasta entonces se descomponen en las dos formas
simples que los constituían, las cuales operan de modo independiente (giran o
invierten sus posturas o su color) sin integrarse en módulos. El posterior
reagrupamiento de esas dos formas básicas, terminará concretándose en 1984 en un
renovado repertorio de cinco módulos, que producirá unas obras con un carácter más
orgánico. La última etapa, desde 1984 hasta la actualidad, comienza con el
descubrimiento de dos nuevas formas básicas y cinco nuevos módulos de perfiles
idénticos a los anteriores, pero con un círculo del color opuesto en su interior. El
sistema modular, por tanto, con el que el pintor ha trabajado hasta el final de su vida,
estaba constituido por diez módulos generados a partir de cuatro formas básicas.
Fascinado hacia 1963-64 por la lectura del libro Cibernética y sociedad, de
Norbert Wiener, el esencial carácter cibernético de la obra modular de Barbadillo no
está tanto en el uso de la máquina, cuanto en el soporte teórico y en la concepción
cibernética del mundo que encierra. El primero se manifiesta en el automatismo de los
módulos para constituir macromódulos, en la facultad de retroalimentación, cuya
consecuencia es la autorregulación, y en la enorme capacidad combinatoria de los
módulos. En cuanto a la imagen cibernética del mundo, se fundamenta tanto en la
aceptación de la existencia de un universo contingente, como en la admisión de la
existencia de enclaves organizados que resisten a la tendencia general a la entropía y
potencian a su vez la organización del cosmos.
Autor de varios textos imprescindibles para acercarse a su obra —entre los que
sobresale, por la armoniosa unión de rigor analítico y hermosura poética, el titulado
Tambores y computadoras (1983)—, Barbadillo ha sido miembro hasta su
desaparición de la Computer Arts Society, ha formado parte del Consejo Artístico de la
Gesellschaft für Computer Grafik und Computer Kunst, de Munich, ha expuesto
individualmente en Sevilla, Tánger, Tetuán, Melilla, Málaga, Madrid, Barcelona, Bilbao,
Buenos Aires, Caracas, Filadelfia, Berlín y Nueva York, así como en gran número de
colectivas en España, Estados Unidos, Canadá, Bélgica, Francia, Brasil, Croacia,
Reino Unido, Austria, México y Japón. Su obra está representada en numerosas
colecciones públicas y privadas de Europa y América, y en España, entre otras, en el
Centro de Arte Reina Sofía y en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo.
Barbari, Jacopo de, pintor y grabador italiano (hacia 1445 – 1516
El pintor y grabador Jacopo de - Barbari aparece en algunos documentos como
«de origen veneciano», pero en otros se le denomina «Jacob Walch», sugiriendo un
origen alemán. De lo que estamos seguros es de que trabajó en Venecia, donde hizo
un famoso grabado que representa un minucioso mapa de esta ciudad en el año 1500.
Ese mismo año se le nombró pintor de corte del emperador Maximiliano en
Nuremberg, y a partir de ese momento vagó por las cortes de Alemania y los Países
Bajos.
Sus grabados suelen desarrollar temas clásicos con influencias del arte
italiano, especialmente de Mantegna.
Entre las pocas pinturas de este artista que han llegado hasta nosotros destaca
una de las primeras «naturalezas muertas» que se conocen (1504; Alte Pinakothek,
Munich).
Bárbaro, arte
Se llama así a las obras de arte que, en Occidente, produjeron los pueblos
godos, merovingeos y longobardos, en un período que abarca los s. V al IX.
Características de este arte son la flata de figura humana, los dibujos geométricos
(trenzas, nudos, espirales, cruces, cruces gamadas, etc.), la riqueza de los materiales
empleados y los efectos de luz y color.
Las obras que han llegado hasta nosotros son numerosas y precisamente en
artes santuarias de ofebrería: coronas votivas, hebillas de cinturón, diademas, cruces
pectorales, lámpras, estribos, platos, cofres, etc. Los procedimientos más utilizados en
orfebrería bárbara son: engarce insercipon de piedras preciosas o vidrios coloreados
en cavidades hechas previamente en el metal), el engaste (incrustación de una piedra
o vidrio en el metal), ataujía (labrar con hilos de oro o plata sobre objetos de hierro,
bronce, etc., o inserción por batimiento de una lámina de oro o plata en el surco de un
dibujo hecho a buril), el cincelado (labra con cincel de piedras o metales), y el
cloisonné (generalmente sobre oro, es la técnica del esmalte alveolado cuyos colores
se separan mediante tabiques del propio metal).
En España los visigodos nos han legado bellas y ricas muestras de su arte. En
el s. XIX, en 1858, tuvo lugar el hallazgo de unos de los tesoros más importantes de
este arte, el de Guarrazar (Toledo), compuesto de diversas coronas votivas, entre las
que destaca la de Recesvinto, que ostenta la siguiente leyenda: “ Reccesvinthus rex
offeret”. Este tesoro fue llevado a París, donde se conservó en el Museo de Cluny,
pero gracias a las gestiones del gobierno y del Museo Arqueológico Nacional de
Madrid, volvieron a España y hoy pueden conservarse en las salas de dicho Museo.
Otro tesoro de extraordinario interés es el descubierto en 1926 en Torredonjimento
(Jaén) que, destruído en parte por sus descubridores, se conserva incompleto en el
Museo Arqueológico de Barcelona. Junto a estos tesoros se conservan también
muchas piezas sueltas, como broches de cinturón con cabujones (piedras preciosas,
pulimentadas y no talladas, de forma convexa), fíbulas que representan un mismo tipo
de águila estilizada. Con la cabeza vuelta a la derecha o izquierda y con las alas algo
extendidas, cruces pectorales, armas, hebillas, etc.
Fuera de España hay que mencionar, en primer lugar, el tesoro de la catedral
de Monza (Italia), formado por la famosa “corona de hierro” de los longobardos, que no
es de tal material, sino de oro con incrustaciones de perlas y piedras preciosas;
evangeliarios, una cruz, una corona votiva, una gallina de oro con sus polluelos sobre
un plato, etc. En Francia citaremos una bandeja del tesoro merovingio de Gourdou y el
cáliz de Chelles, hoy desaparecido, que fue obra de San Eloy. Por último, en la
Biblioteca Morgan, de New York, se guarda una tapa de evengeliario procedente de
Lindau (Isla del lago de Constanza), obra alemana, cincelada, esmaltada y con piedras
preciosas.
También se conservan obras arquitectónicas, esculturas y miniaturas, aunque
no sean de valor tan elevado como el de la orfebrería. Ejemplos de arquitectura son: la
tumba del Rey Teodorico en Ravena; en España, la Iglesia de San Juan de Baños
(Palencia), la iglesia de San Pedro de la Nave (Zamora) y las pequeñas iglesias de
Santa María (Quintanilla de las Viñas, Burgos) y de Santa Comba de Bande (Orense).
Lo más característico en la arquitectura visigoda es el llamado arco de herradura.
En cuanto a la escultura, el tema decorativo es el mismo que el de la
orfebrería: líneas, cruces, espirales, etc. Y como ejemplo de miniatura citaremos el
pentateuco de Ashburham, por haber cido Bertram Ashburham, célebre coleccionista
inglés, su último poseedor, y que hoy se conserva en la Biblioteca Nacional de París.
En el arte italiano, el arte bparbaro se advierte claramente en los relieves del
altar de Requis, lleno de figuras estilizadas y achatadas y de otivos ornamentales
geométricos que forman guardas.
En el arte italiano de la temprana Edad Media adquiere gran importancia la
escultura de tipo ornamental. El sentido del vacío y de la profundidad se atenua hasta
perderse en estos relieves chatos, con motivos elegantemente caligráficos.
Particularmente representativo de esta tendencia es el sarcófago de mármol de la
abadesa Teodota (s. VIII, Museo Cívico de Pavia), que funde en armoniosa síntesis
representaciones alegorías cristianas y motivos tomados de las artes bárbaras, según
un esquema sintético de tipo puramente bizantino.
El arte mueble de los pueblos bárbaros
Cuando el Imperio romano se dividió en dos partes: Imperio de Occidente e
Imperio de Oriente, las normas del antiguo clasicismo, que habían sido unlversalizadas
durante la época alejandrina y sostenidas después por Roma, habían perdido ya gran
parte de su antigua eficacia. La atmósfera dentro de la cual el cristianismo se había
desarrollado, a pesar de las persecuciones, representó por todo el ámbito imperial una
insinuación cada vez más fuerte de preocupaciones e ideas propias de una mentalidad
nueva. No debe, pues, sorprender que el anterior mundo greco-latino tendiese a
desintegrarse durante los primeros s. de la Era cristiana. Con él se desmoronaba todo
un sistema de tradiciones estéticas que habían implicado una determinada concepción
del Arte.
Al hundirse, en el s. V, el Imperio de Occidente ante la oleada de invasiones de
los pueblos bárbaros, la estructura estatal y el espíritu de mando habían logrado en
Bizancio conservar su equilibrio; pero incluso allí se implantaba entonces una
concepción plástica en la cual se ve cómo, paulatinamente, la representación (que se
basó en el contorno fijado por el dibujo y la concreción de la forma) quedaba
postergada ante la importancia de elementos que antes se habían considerado como
del exclusivo dominio de lo decorativo: la calidad de la materia, los efectos de color y
de luz. El interés por la figuración humana, que en Bizancio persistiría hasta el
estallido de la crisis iconoclasta en el s. VIII, fue desapareciendo en Occidente durante
el transcurso del s. V, y no existió nunca en el arte bárbaro de los pueblos germánicos,
que fue el que, en definitiva, se impuso en la parte occidental de lo que había sido el
Imperio romano unitario.
Indudablemente, la presencia de los bárbaros en los confines imperiales desde
el s. IV contribuyó mucho a este estado de cosas. A la admisión de estas gentes en las
legiones romanas había sucedido su instalación en los territorios limítrofes, que les
habían sido cedidos a título federativo, como medida para asegurar la defensa de las
fronteras. En efecto, hacia el año 370, al ser rechazados en el Asia por los mongoles,
los hunos se precipitaron sobre los ostrogodos y esto determinó también un rápido
desplazamiento de los visigodos, que al mando de Alarico se lanzaron en 395 sobre el
territorio bizantino; después se encaminaron a Italia y en el año 410 entraban en
Roma. Muerto Alarico, pasaron, bajo el caudillaje de Ataúlfo, a España, y con Walia, al
sur de la Galia.
En cuanto a los ostrogodos, poco después se establecieron también, como
peligrosos vecinos, en las fronteras del Imperio de Oriente, de donde, a fines del s. V
el emperador Zenón logró apartarles, mediante el ardid de revestir a su caudillo
Teodorico del gobierno de Italia, país que de hecho estaba ya perdido para el Imperio
y que aquél invadió en el 489. Cuatro años más tarde, lograba vencer y matar en
Pavía a Odoacro, rey hérulo, y conseguía poco después hacerse único dueño de la
antigua sede del Imperio de Occidente. Por otra parte, los francos y burgundios se
habían establecido ya antes en la Galia. El antiguo territorio occidental del Imperio
quedó ocupado por pueblos de razas nórdicas.
Nada más alejado de las formas del clasicismo que la sensibilidad artística de
estos invasores. Es éste un aspecto que se evidencia en su arte por excelencia, la
orfebrería, la cual, como se estudia en él capítulo correspondiente, junto al Mar Negro
y en Hungría (es decir, en la parte donde más largamente los godos pudieron convivir
con los restos de la antigua cultura) había revestido, gracias a los escitas y sármatas,
formas asiáticas, tanto por su concepto como por su realización.
Junto a este fermento, hay que considerar también como importante el que
pudo derivar del sustrato escandinavo, del cual procedían las dos ramas del pueblo
godo, cuyo empuje desempeñó papel tan decisivo al producirse las grandes
invasiones. La fusión de estos dos elementos, asiático y nórdico, operada entre el Mar
Báltico y el Mar Negro, hubo de determinar las características del llamado Arte
Bárbaro "Germánico", que fue el difundido a través de Europa por la Völkerwanderung
o "migración de pueblos".
Es un arte que se limita a las creaciones suntuarias y ofrece una extraordinaria
unidad. Hay, es verdad, los hallazgos lujosos que han tenido lugar sobre todo en
Rumania y en el Banato, como el de Petrossa y el de Nagy-Szent-Miklos, que
atestiguan cuan importantes y variadas podían ser las preseas poseídas por los jefes
de las gentes bárbaras. Pero el segundo de estos dos tesoros se compone casi
exclusivamente de piezas persas sasánidas, o inspiradas en este arte, y al parecer no
perteneció a ningún caudillo bárbaro propiamente dicho, sino a un jefe pechenego. En
cuanto al tesoro de Petrossa, hallado en 1837 y que perteneció al rey godo Atanarico
(muerto en 381), lo componen piezas de una inusitada riqueza, pero que por su origen
diverso y calidad excepcional se apartan de lo corriente.
El estilo de la orfebrería típica de los bárbaros arruinó el Imperio de Occidente,
según lo revelan los objetos hallados en multitud de sepulturas francas, burgundias y
visigóticas, se basa en la ornamentación geométrica, y su adorno preferido es el
cloisonné. Por lo general se trata de fíbulas, que reproducen un mismo tipo de ave
estilizada, una águila, o mejor quizá, uno de los cuervos que en el mito de Odín
acompañan a esta divinidad heroica germánica: Hugin (que mira hacia delante y
simboliza la premonición del futuro) y Mummin (que mira hacia atrás y representa el
recuerdo del pasado).
La estilización de estas aves rapaces se ajusta de modo invariable a un
esquemático diseño que representa la silueta del ave (sin garras) con la cabeza
erguida y vista de perfil y las alas semiabiertas; en el centro hay un óvalo o círculo que
lleva engastada una piedra o cabujón, y otro engarce semejante figura también en el
ojo.
Las representaciones del disco solar serian una particular herencia del arte
visigodo, cuyo origen simbólico se remontaría hasta sociedades muy primitivas.
Situado en el centro, el rostro de Cristo emana haces de luz para iluminar todos los
confines de la tierra, y entre cuyos rayos pueden descubrirse signos heráldicos del
noble propietario de la pieza y las letras griegas que marcan el principio y el fin de la
Creación.
Esta clase de pinjantes demuestran una predilección por las materias ricas
(oro, incrustación de granates, en los ejemplares más lujosos). Cuando se elaboraron
en chapas de cobre cinceladas formando alvéolos repartidos con rigor geométrico (que
fue el caso más frecuente), tales alvéolos se rellenaron con vidrio o esmalte para
producir la ilusión de una joya preciosa.
Otro tipo frecuentísimo de fíbula es de esquema alargado, y consta de dos
cuerpos, uno superior cuadrangular o abierto en semicírculo, y otro inferior, de silueta
piriforme, unidos ambos por un saliente semicírculo. Estas fíbulas de tipo nórdico
antiguo llevan adorno inciso hecho a bisel, decoración por cloisonné o relieve
cincelado. Estas mismas técnicas se aplicaron también a los broches de cinturón, cuyo
tipo más divulgado es el de una placa cuadrada, rellena de series paralelas de
alvéolos.
La técnica del cloisonné, con esmaltes imitando incrustación de rubíes, es la
que adorna también la montura de un ejemplar importante, elaborado en oro: la
espada del rey franco Khilderico, muerto en 481, padre del rey Clodoveo. La bandeja o
patena del tesoro merovingio de Gourdon, en Francia, del s. VI, muestra la misma
técnica. La orla está formada por una decoración de piedras de colores, principalmente
granates; éstos han sido cortados en plaquitas regulares para introducirlos en los
pequeños alvéolos o cajones que forman los delgados tabiques de oro, soldados en la
plancha repujada de la patena.
Del mismo estilo era el famoso cáliz de Chelles, llamado de San Eloy, que
desapareció durante la Revolución francesa, pero del cual se conservan por fortuna
dibujos bastante precisos; era una copa muy alta, casi cilindrica, revestida
exteriormente de esta taracea de mosaico de granates. El cáliz merovingio de
Gourdon (del s. VI, como la patena que se acaba de citar) también ostenta placas de
esmalte y gemas con técnica de cloisonné. Lo mismo puede decirse del brazalete y
portamonedas anglosajones, del s. VII, hallados en la tumba real de Sutton Hoo (Gran
Bretaña).
Algunas veces, el mosaico de oro y de granates es tan fino, que forma como un
reticulado de malla; así son los adornos que decoran las piezas de oro del Museo de
Ravena, las cuales se supone que pertenecieron a la coraza de Teodorico porque
tienen los mismos adornos geométricos del friso que corona el sepulcro de este rey.
Evidentemente, esta técnica era la de los esmaltes de Bizancio, sólo que aquí se
sustituyeron los colores vidriados fundidos por piezas de granate y turquesas cortadas
en frío. La influencia bizantina en las joyas bárbaras se ve también en la técnica de las
filigranas. Los caudillos bárbaros hubieron de preocuparse en perfeccionar su arte
nacional de la orfebrería, ya que solían ir materialmente cubiertos de joyas: sobre sus
corazas se veían aplicados ricos broches de oro, sus escudos de cuero llevaban
también discos preciosos, sobre su pecho colgaban las armillas y condecoraciones,
parecidas a las que llevaban también los legionarios romanos.
Las necrópolis de los ostrogodos, descubiertas en Nocera-Umbra, en Italia, han
familiarizado con la profusa decoración de sus armas y joyas; hasta en los sepulcros
de mujeres y niños se encuentran con mucha frecuencia pequeños cuchillos con los
mangos decorados de filigranas de oro y granates.
Al instalarse definitivamente los pueblos germánicos en las provincias del oeste
de Europa, pronto utilizaron los antiguos talleres locales para sus joyas y piezas de
orfebrería. Por ejemplo, en el tesoro que regaló la reina longobarda Teodelinda a su
basílica de San Juan de Monza, cerca de Milán, además de su propio peine y de libros
y evangeliarios con tapas de oro e incrustaciones de piedras preciosas, hay objetos
tan singulares como la famosa gallina de oro, con sus polluelos, una cruz con
incrustaciones de niel y una corona votiva, de la cual pendía una cruz con piezas
engastadas.
En documentos contemporáneos se habla de aquellas joyas con gran elogio, y
aparecen reproducidas en el relieve de piedra que adorna el tímpano de una puerta
románica de la iglesia. En la misma basílica de Monza se conserva también la famosa
Corona de Hierro de los longobardos, con que después sería coronado Carlomagno
emperador de Occidente. Su nombre proviene de que su parte interior consiste en un
aro de hierro que la tradición supone hecho con uno de los clavos de Cristo; pero
exteriormente es de oro, y está guarnecida de florones con perlas y piedras preciosas.
Todo induce a creer que originariamente fue una joya votiva.
Coronas parecidas regalaron a las iglesias de España los monarcas y
magnates visigodos. Un historiador árabe recuerda que al entrar los mahometanos en
la catedral de Toledo encontraron entre las joyas del tesoro una serie de coronas
votivas regaladas por cada uno de los reyes godos a la iglesia primada de su capital.
Estas coronas debieron de ser fundidas por los sarracenos, pero otras del vecino
monasterio de Santa María de Sorbaces, escondidas seguramente para librarlas de
los árabes, fueron encontradas cerca de Guarrazar el año 1847.
Entre los teutones que permanecieron en la Europa Central, como los
alemanes y borgoñones, la decoración animalística fue menos influida por los gustos
de las poblaciones romanizadas del Imperio que los bárbaros invasores encontraron al
paso por el camino. Es muy significativo que la joya máxima, la obra maestra de este
estilo decorativo, sea una tapa de evangeliario, obra de artistas alemanes, nunca
romanizados y tardíamente cristianizados. En ella se combinan, alrededor de una cruz
central con adornos de cinceladura, pedrería y esmaltes de estilo nórdico parecido al
de las piezas anglosajonas.
Barbasán Lagueruela, Mariano, pintor español (Zaragoza 1864 – 1924)
De joven estudió en la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos
(Valencia), donde se matriculó entre 1880 y 1887, donde trabó amistad con Joaquín
Sorolla y Salvador Abril, que también se formaron en la Academia valenciana. Ese
último año se mudó a Madrid y comenzó a pintar cuadros de historia muy teatrales,
generalmente con localizaciones toledanas y presentó a la Exposición Nacional el
cuadro Noche de Walpurgis de Fausto.
Gracias a su obra José explicando el sueño del copero en el palacio del faraón,
fue pensionado en 1889 por la Diputación de Zaragoza para ampliar sus estudios de
pintura en la Academia Española de Roma, donde abrió su propio estudio de pintura y
fijó su residencia, realizando excursiones a Subiaco y Anticoli Corrado para trabajar el
natural.
Permaneció en Roma hasta los 57 años, momento en el que regresó a España
para ocupar un puesto en la Academia de Bellas Artes de San Luis (Zaragoza),
vacante por la muerte del pintor Pradilla.
Aunque pintó inicialmente alguna obra de carácter histórico (Pedro III en el
collado de las Panizas), enviada a la Diputación de Zaragoza en 1891, cultivó sobre
todo la pintura de paisaje y escenas de la vida rural. Su trabajo fue muy conocido en
Europa, debido a su participación en exposiciones de Berlín, Múnich y Viena, y menos
conocido en España debido a que, desde su marcha a Italia, no participó en ninguna
exposición celebrada en este país.
Sólo en 1923, dos años después de su regreso, realizó una muestra
antológica, muy elogiada, en el Centro Mercantil de Zaragoza. Tras su muerte, su hijo
organizó una nueva exposición antológica en 1925 que contribuyó a consagrarle
definitivamente como una figura clave de la pintura aragonesa de finales del XIX y
principios del XX.
Su estilo es realista, con cierta influencia del impresionismo (preimpresionismo
italiano, principalmente) y de la obra de Fortuny. Destaca por su colorismo y
luminosidad.
Barbatelli, Benardino, también conocido como Poccetti o Bernardino delle
Grottesche, pintor y decorador italiano (Florencia, 1548– 1612)
Fue un pintor y decorador italiano del manierismo, comenzó su aprendizaje
como decorador de fachadas y techos. En 1570 ingresó en la Accademia di Belle Arti,
el gremio de los artistas. Sus inicios fueron en el taller de Michele Tosini, con quien
participó en la decoración del Chiostro Grande de Santa Maria Novella en la década
de los 80. En 1583-85 colaboró en la realización de los frescos del Palazzo Capponi,
donde su trabajo expresa un brillante tardomanierismo.
En su trabajos de decoración en la Certosa di Galluzzo, muestra un fino
naturalismo conseguido gracias a un dibujo flexible y a su aguda captación de la luz
(Muerte y traslación del cuerpo de San Bruno, 1592-93). La composición es sencilla
geométricamente, con efectos cercanos a la simetría. En esta obra encontramos
recuerdos del gran arte renacentista: el Rafael cumbre del Alto Renacimiento, y la
maestría quattrocentista de Ghirlandaio.
Su trabajo en la Cappella del Giglio, en Santa Maria Maddalena dei Pazzi
(1599) es rica en efectos ilusionistas. El dibujo de Poccetti les da a sus figuras un
sentido cautivador, cada vez más cercanas al espíritu de la Alta Maniera, con algo de
su caprichosa elegancia.
En la parte final de su carrera, formó parte del movimiento que se ha llamado
Contramaniera, junto a artistas como Santi di Tito, Domenico Cresti, Domenico
Passignano, Ludovico Cigoli, Jacopo da Empoli, Andrea Boscoli y Gregorio Pagani.
Debido a su formación primitiva como decorador de fachadas y grutescos, nunca
perdió su interés por el valor ornamental de las formas. Siempre intentó la conciliación
de la verdad y la elegancia, conservando la complicación en el dibujo propia del
Manierismo. Esto le distingue de sus compañeros contramanieristas, que intentaron un
grado mayor de naturalismo en sus pinturas. Siempre fue fiel en el fondo a los
principios del Manierismo, y aunque incluyó detalles naturalistas en su trabajo, siempre
fueron ajenos a la esencia de su estilo.
Realizó grabados con el tema de la Crucifixión y Cristo portando la Cruz, de
factura poderosa. Sin embargo, no se prodigó más en el arte del grabado.
Entre sus obras merece citar: Matanza de los Inocentes (detalle), Ospedale
degli Innocenti, Florencia. Predicación de Jesús, Chiostro Grande, Santa Maria
Novella, Florencia. Decoraciones al fresco Frescos del Chiostro Grande de Santa
Maria Novella Frescos de la Certosa di Galluzzo (Escenas de la Vida de San Bruno,
1592-93) Frescos del Palazzo Capponi, Florencia Frescos del claustro de la
Confraternità di San Pier Maggiore, San Pierino
Frescos de la Certosa di Val d'Ema, Galluzzo Funeral y traslación del cuerpo de San
Bruno (1592-93) Frescos de la Cappella Neri o del Giglio en Santa Maria Maddalena
dei Pazzi, Florencia(1599) Frescos del Palazzo Usimbardi, ahora Acciaiuoli (1603)
frescos del claustro de San Antonio en San Marco, Florencia (comenzado en 1602)
San Zenobio convierte a la Fe al pueblo florentino (1588-89, Gallerie Fiorentine)
Matanza de los Inocentes (Florencia, Ospedale degli Innocenti, 1610).
Barbetti, Juan, religioso franciscano y arquitecto italiano (Osola, 1800 –
Popoyán, Colombia, 1887)
Sus principales obras fueron realizadas en Popayán, en las últimas décadas
del s. XIX. Bautizado con el nombre de Juan, a los 18 años fue a Roma para trabajar
con dos de sus tíos en asuntos de comercio, actividad a la que estuvo consagrado por
espacio de seis años. A los 24 años de edad, sintiéndose llamado por la vida religiosa,
pidió su admisión en la Orden Franciscana, y fue acogido en el famoso convento
romano de Aracelli, donde hizo su noviciado y profesó al cabo de un año, con el
nombre de fray Serafín. Alternó sus estudios eclesiásticos con la medicina, pero
sintiendo mayor predilección por la arquitectura, a ella se dio con más interés.
Deseoso de ir a trabajar en Tierra Santa, fue enviado a Jerusalén; sin embargo, allí no
permaneció mucho tiempo, pues fue enviado a la misión de Egipto, donde su
colaboración en unas obras era más necesaria. En cuatro años dejó terminada la
catedral de Alejandría, con su hermosa torre de cincuerita metros de altura; edificó en
seguida la catedral de El Cairo, de orden corintio; luego un hospicio y su capilla para el
servicio de la misión en la ciudad de Damieta y, por último, un colegio en Alejandría.
Acercándose a los sesenta años., después de tan meritorios trabajos, pidió y obtuvo el
permiso de regresar a su provincia en Italia. Pero no habían transcurrido seis meses
desde su regreso, cuando el provincial lo escogió para que viniera a Popayán a dirigir
la obra de la catedral, que empezada por el obispo fray Fernando Cuero y Caicedo,
también franciscano, iba a ser continuada por su sucesor, don Pedro Antonio Torres.
Fray Serafín llegó a su nuevo destino en mayo de 1859. Inicialmente vivió con sus
hermanos frailes en el convento de Popayán, pero luego pasó a la casa del obispo,
reclamado por éste para su compañía y para que supervigilara más fácilmente los
trabajos. Su asistencia a las obras de la catedral no le impidieron, sin embargo,
atender gratuitamente la reparación de la bóveda de la iglesia de la Compañía de
Jesús y retechar el templo de San Francisco. Aunque inicialmente pensó quedarse
solamente cinco años, tiempo que juzgaba suficiente para lo que se le contrató, la
guerra de 1860 y otro cúmulo de calamidades de que fue víctima el Cauca, paralizaron
los trabajos de la catedral. Sin embargo, fray Serafín no se quedó inactivo; durante esa
larga época de forzosa inacción, se puso al servicio del gobierno del Cauca para dos
obras muy importantes: la construcción de un puente sobre el río Juanambú y otro
sobre el río Palo, que desgraciadamente fue arruinado por una tremenda inundación
en 1880. Además, dirigió la composición de las calles de Popayán, obra iniciada en
1809, pero interrumpida por las guerras de la Independencia. Con todo, la obra más
importante de fray Serafín fue el puente del Molino, bendecido y dado al servicio
público el 31 de julio de 1883. Cierto día, mientras fray Serafín inspeccionaba la .obra
del puente de Juanambú, resbaló de una piedra y cayendo de una altura considerable,
se rompió en varias partes la pierna derecha. Desde entoncés quedó baldado y
anduvo en muletas durante cuatro años, hasta su muerte en 1887.
Barbey, Jeanne-Marie, pintora y fotógrafa francesa (Paris, 1876 – Bagnolet, Sena-
San Denis, 1960)
Nacida en París de padres bretones (el padre nacido en Carhaix y la madre
nacida en Gourin), Jeanne-Marie Barbey siente nacer en ella, muy joven, la vocación
de artista. Perteneciente a un medio modesto, en busca de seguridad material decidió
convertirse en profesora de arte. Pasa en 1895 el primer grado del diplomado de los
liceos y colegios, y luego el nivel superior. Apasionada por la Bretaña y sus
tradiciones, la artista, cercana al escritor Anatole Le Braz, habla bretón y asiste en
septiembre de 1904 en Gourin al séptimo Congreso de la Unión Regionalista Bretona.
En 1907 se graduó en la Escuela Normal de París. Sus primeros dibujos están
firmados Jeanne-Barbée. Tuvo por maestros a los pintores naturalistas Henri Royer y
Désiré-Lucas y fue amiga de Paul Signac. Jeanne Marie Barbey organizó en 1917 la
primera exposición de pintores de Armor.
Fue en el Morbihan donde se basó gran parte de su inspiración. Con motivo de
las frecuentes visitas que hizo en los primeros decenios del siglo XX a su hermano
Auguste, que dirigía el hotel de la Croix Verte en la plaza du Martray (actualmente
plaza Stenfort) en Gourin y practicaba la fotografía, hizo una provisión de imágenes
que alimentarían su siguiente obra pictórica. Es probable que las fotografías tomadas
fueran el resultado de una empresa a cuatro manos, el hermano desempeñando el rol
de técnico, pero todo el resto, las escenas íntimas en interiores bretones, las figuras
aureoladas de luz y ahogadas en la penumbra, los retratos de grupos cuidadosamente
dispuestos, de manera permanente uno siente la presencia de la artista detrás de la
lente.
Obviamente, no es la instantánea lo que interesa a Jeanne-Marie Barbey, sino
los efectos de luz y sombra que desea formular en las puestas en escena muy
compuestas, haciéndose eco de la pintura holandesa. Si su uso de la fotografía se
limita a la preparación de la obra pintada, no utiliza menos perfectamente su potencial,
jugando con la luz para capturar la belleza melancólica de lo común, para captar un
intercambio de miradas entre una madre y su hijo ... En su obra, el trabajo del
fotógrafo y la del pintor se complementan admirablemente, la fuerza de su rica paleta
de colores contrastantes jugando, ella, con los materiales.
Ella utilizó la fotografía como un boceto de su obra pictórica. Los cerca de 200
negativos que han llegado hasta nosotros revelan una mirada fotográfica llena de
empatía por las personas a las que retrata, pero también una mirada de pintor;
Jeanne-Marie Barbey utilizaba la fotografía como elemento compositivo en sus futuras
pinturas.
Debido a sus conexiones con Gourin y a su producción, Jeanne Marie Barbey
es actualmente identificada como una artista bretona. Sin embargo, nacida en París,
pasaba allí casi nueve meses al año. Ejerció la labor de profesora de dibujo en las
escuelas primarias de la ciudad de París hasta el 1 de octubre de 1939, fecha de su
jubilación. Jeanne-Marie Barbey compiló un verdadero retrato de la región de Gourin
(“Les luttes au pardon de Gourin”, “Jour de fête à Gourin”, “Procession des chevaux à
Saint-Hervé”). A través de su obra se puede leer su apego a este pequeño rincón de
Bretaña, que amaba por sobre todo.
Es la pintura a la que dedicó su vida, no a la fotografía; Sin embargo, el
reciente descubrimiento de una colección fotográfica que consta de un centenar de
imágenes revela el ojo de una fotógrafo inspirada.
Barbier, Alex, dibujante de cómics francés (Saint-Claude, 1950 – )
Asiste a la Escuela de Bellas Artes de Nantes cuando cumple los dieciocho
años y allí practica el dibujo y la pintura hasta que, tras siete años de preparación,
logra entrar en el mundo profesional con una historieta publicada en la revista Charlie
Mensuel. Con un dibujo personal y una fina inteligencia en los guiones, Barbier se abre
camino en el cómic francés con títulos tan personales como Lycaons (1979), que le
hacen ganar notable prestigio entre los críticos. Precisamente dos de los más
destacados especialistas en cómic de Francia, Patrick Gaumer y Claude Moliterni,
hablán de él como un pariente narrativo del novelista William Burroughs, por lo
atormentado de los contenidos que aborda y el tono ensoñador con el cual trata los
desvíos de la personalidad. Barbier es uno de los más destacados colaboradores de la
revista Hara-Kiri, donde edita a mediados de los ochenta su inacabada historieta Lettre
au maire de V, una de sus mejores creaciones. Artista inusual en el moderno
panorama del tebeo europeo, cada vez más ceñido a la comercialidad, la obra de este
dibujante no encuentra fácil acomodo en las editoriales y títulos suyos como Les
paysages de la nuit y Comme un poulet sans con permanecen inéditos.
Entre sus obras merecen citarse: de 1979: Lycaons; de 1982: Le Dieu du 12;
de 1984: Lettre au maire de V y de 1992: Dans un lit qui n’etait pas le sien.
Barbier, André Georges, pintor francés (Arras, 1883 – París, 1970)
Barbier nació en una familia adinerada de abogados. A la edad de veinte años,
Barbier dejó Arras y se estableció en París en el Quai aux fleurs, y en el mismo año,
1903, exhibió cuatro pinturas en el decimonono Salon des Independants.
Como tantos pintores de su tiempo, adoptó el estilo de vida itinerante, viajando
entre París, las afueras de París, la costa de Normandía y la Riviera, además de sus
viajes al extranjero, sobre todo a Italia.
Siguiendo a sus ilustres predecesores, Courbet, Corot y Monet, fue a Etretat
para pintar La Manneport y L'Aiguille. Los blancos acantilados, las playas pedregosas
y el mar con sus cambiantes tonos le cautivaron. En 1916 un gran evento tuvo lugar en
la vida de Barbier, cuando conoció a Claude Monet y le envió regalos de fruta, flores y
una de sus pinturas. Monet respondió con un regalo de tres pasteles, y nació una
amistad que duraría hasta la muerte de Monet en 1926. Ambos artistas se unieron en
un punto similar de operación artística, en particular en la creación de series de temas.
Como muchos de sus contemporáneos, fue atraído también por Normandía y Bretaña,
pero también la Costa Azul y otros lugares para compartir con amigos y artistas para
exhibir juntos.
Sus pinturas se mostraron en el Salon des Independants y el Salon d'Automne.
Sobre todo aquéllos llevados a cabo en colores delicados disfrutan hoy de gran
popularidad, porque muestran una proximidad atmosférica a la obra de Monet.
Debido a su riqueza, muchas de las obras de Barbier han permanecido en su
familia, pero hoy sus pinturas son ampliamente coleccionadas en América y Europa y
han sido compradas recientemente por miembros de las familias reales de Monaco y
Bélgica.
André Barbier exhibió en el Salon des Independants desde 1903 a 1914 y
finalmente entre 1967 y su muerte. Desde 1924 expuso en el Salon des Tuileries. En
1926 expuso una retrospectiva en la Société des Indépendants y en 1937 en la
Exposición Internacional. Barbier utilizaba su propio estilo distintivo para esbozar, en
un parpadeo azul-púrpura, algunas formas vagas enterradas bajo una luz muy
delicada en un tono monocromo hábil y discreto.
Otros polos de la cultura también lo atrajeron: además de Claude Monet fue un
conocido de Claude Debussy y de Paul Valery. Nació y vivió pintor, expresando en sus
paisajes, con una precisión sutil, la exactitud de las atmósferas al mismo tiempo que la
delicadeza de su sensibilidad. Por él ha continuado la tradición de los Impresionistas:
estaba bien vivo ante nuestros ojos en las exposiciones de sus obras que una vez
hicieron Durand-Ruel y Katia Granoff en París y Honfleur.
Las obras de arte de Barbier se conservan en colecciones públicas tan
importantes como el Musée des Beaux-Arts, Lyon; Musée Jean de La Fontaine,
Château-Thierry; Musée du Louvre département des Arts graphiques, Paris; Musée
national Magnin, Dijon.
Barbieri, familia de pintores italianos
Barbieri, Giovanni Francesco, conocido como Guercino, pintor italiano (Cento,
1591 – Bolonia, 1666)
Nació en Cento (provincia de Ferrara), una ciudad entre Ferrara y Bolonia, en
la región de Emilia-Romaña, hijo de Andrea Barbieri y de Elena Ghisellini, una familia
de condición humilde. Además de en su ciudad natal, vivió y pintó también en Roma y
Bolonia. A la edad de 17 años se asoció con Benedetto Gennari "el Viejo", un pintor de
la escuela boloñesa. En 1615 se trasladó a Bolonia, lo que le fue de gran provecho,
pues le permitió estudiar las valiosas pinturas allí conservadas. Sus propias obras se
ganaron los elogios de Ludovico Carracci, ya anciano. Pintó dos grandes lienzos, Elías
alimentado por cuervos y Sansón detenido por los filisteos, de un fuerte estilo
caravaggista (aunque es poco probable que pudiera ver ningún Caravaggio). Estos
óleos fueron pintados para el cardenal Jacopo Serra, el legado papal en Ferrara.
Los pastores de Arcadia (Et in Arcadia ego) (Roma, Galleria Nazionale d'Arte
Antica) fue pintado en 1618, a la vez que Marsias desollado por Apolo (Palazzo Pitti de
Florencia). Como dijo a menudo, su estilo en estos años estaba fuertemente influido
por los Carracci. Algunas de sus obras posteriores, en cambio, se asemejan más a las
de su contemporáneo Guido Reni, quien llegó a acusarle de plagio. Están pintadas con
más luminosidad y claridad, con figuras más dulzonas, lo que suscitaría críticas en
siglos posteriores. En vida, Guercino fue muy famoso, y hasta Cento fueron a verlo
personajes muy destacados, entre ellos Velázquez, quien lo visitó en 1629, en el
transcurso de su primer viaje a Italia (1629 — 31).
Guercino fue recomendado por el marqués Enzo Bentivoglio al papa, el
boloñés Alessandro Ludovisi, Gregorio XV. Pasó dos años (1621-23) en Roma, donde
pintaría muchas obras. De este periodo son los frescos del Casino de la Villa Ludovisi
(La Aurora, La Fama y La Noche), el techo de la Basílica de San Crisógono (1622)
sobre San Crisógono en la Gloria, su retrato del papa Gregorio (actualmente en el
Getty Center) y la que está considerada su obra maestra, El enterramiento de Santa
Petronila, para el Vaticano (actualmente en los Museos Capitolinos).
A partir de 1628 se produce un cambio estilístico en la obra del Guercino, que
los expertos han dado en llamar seconda maniera (segundo estilo). Ahora sus figuras
tendrán un aspecto más imponente, cercano a los ideales de perfección física que en
el siglo anterior había buscado la escuela romanista fundada por Rafael.
La orden franciscana de Reggio le pagó 300 ducados en 1655 por la obra San
Lucas mostrando una pintura de la Virgen y su hijo (actualmente en el Museo Nelson-
Atkins, en Kansas City). Los Corsini también le pagaron 300 ducados por la
Flagelación de Cristo pintado en 1657.
Destaca en Guercino su extrema rapidez de ejecución; realizó nada menos que
106 grandes obras de altar para iglesias, y 144 pinturas de otros temas y formatos. En
1626 empezó sus frescos en el Duomo de Piacenza. Guercino continuó pintando y
enseñando hasta su muerte en 1666. Para cuando falleció había amasado una fortuna
considerable.
Su presencia en museos españoles es muy relevante. El Museo del Prado
posee ocho pinturas, entre ellas Susana y los viejos, San Agustín meditando sobre la
Trinidad, Magdalena penitente y San Pedro liberado por un ángel (que sería grabado
por Ramón Bayeu), además de otros tantos dibujos. Destacan también Lot y sus hijas
(Monasterio del Escorial) y Cristo y la samaritana (Madrid, Museo Thyssen-
Bornemisza).
Obras destacadas suyas son: La Astrología, Blanton Museum of Art, Austin,
Texas, Estados Unidos. Abraham repudia a Agar e Ismael, Pinacoteca de Brera, Milán.
Sibila pérsica, Museos Capitolinos. Prendimiento de Cristo, Museo Fitzwilliam.
Desposorios místicos de Santa Catalina, Gemäldegalerie de Berlín. La reina
Semíramis recibe la noticia de la revuelta de Babilonia, Museo de Bellas Artes de
Boston.Triunfo de Todos los Santos (1613), su primer encargo de importancia, para la
iglesia del Spirito Santo, obra actualmente dispersa. San Mateo y el ángel (1615,
Staatliche Gemäldegalerie, Dresde) San Lucas (1615, Staatliche Gemäldegalerie,
Dresde) San Marcos (1615, Staatliche Gemäldegalerie, Dresde) San Juan Evangelista
(1615, Staatliche Gemäldegalerie, Dresde) Madonna della pappa (1615, Colección
Real, Estocolmo) Esponsales místicos de Santa Catalina y San Carlos Borromeo
(1615, Cassa di Risparmio (Caja de Ahorros), Cento) Paisaje de claro de luna con
carroza (1615, Nationalmuseum, Estocolmo) Paisaje fluvial con figuras (1615,
Colección privada, Nápoles) Predicación de San Antonio Abad (1615, Pinacoteca de
Brera, Milán) Frescos de la Casa Pannini (1615-17, Cento) Virgen del gorrión (1616,
Pinacoteca Nacional de Bolonia) Milagro de San Carlos Borromeo (1616, San
Sebastiano, Renazzo di Cento) Feria en Reno Vecchio (1617, Museos Vaticanos,
Roma) Susana y los viejos (1617, Museo del Prado, Madrid) San Sebastián es
socorrido por dos ángeles (1617, Fitzwilliam Museum, Cambridge) Et in Arcadia Ego
(1618, Galleria Nazionale d'Arte Antica, Roma) Erminia encuentra a Tancredo herido
(1618-19, Galleria Doria Pamphilj, Roma) Curación de San Sebastián (1619,
Pinacoteca Nacional de Bolonia) Sibila (1619, Cassa di Risparmio, Cento) Retorno del
hijo pródigo (1619, Kunsthistorisches Museum, Viena) Elías es alimentado por un
cuervo (1619, National Gallery, Londres) San Francisco en meditación (1619, Musée
Fabre, Montpellier) Cabeza de viejo (1620, Ashmolean Museum, Oxford) Vestición de
San Guillermo (1620, Pinacoteca Nacional de Bolonia) San Francisco en éxtasis con
San Benito (1620, Museo del Louvre) Erminia y los pastores (1620, Birmingham
Museum of Art) Matrimonio místico de Santa Catalina (1620, Gemäldegalerie, Berlín-
Dahlem) Rey David (1620, Musée des Beaux-Arts, Rouen) Frescos del Casino
Ludovisi (1621, Roma) Prendimiento de Cristo (1621, Fitzwilliam Museum, Cambridge)
Incredulidad de Santo Tomás (1621, National Gallery, Londres) Cristo y la adúltera
(1621, Dulwich Picture Gallery, Londres) Virgen con niño (1621 — 22, Instituto Städel,
Fráncfort del Meno) La Magdalena en el sepulcro (1622, Pinacoteca Vaticana, Roma)
Liberación de San Pedro (1622, Museo del Prado) San Mateo y el ángel (1622,
Museos Capitolinos, Roma) Entierro y Asunción de Santa Petronila (1622-23, San
Pedro, Vaticano) Retrato del papa Gregorio XV (1622-23, The J. Paul Getty Museum,
Los Ángeles) San Francisco en éxtasis (1623, Colección privada, Cento) San Pedro
(1623, Colección Koelliker, Milán) Presentación de Jesús en el Templo (1623, National
Gallery, Londres) Autorretrato (c. 1624, Richard L. Feigen & Co., New York) Crucifixión
(1625, Basílica della Ghiara, Reggio Emilia) Frescos de la cúpula de la Catedral de
Piacenza (1626) Retorno del hijo pródigo (1627-28, Galleria Borghese, Roma) Virgen
con el niño bendiciendo (1629, Pinacoteca Civica, Cento) Muerte de Dido (1629,
Galleria Spada, Roma) Cristo resucitado se aparece a la Virgen (1630, Pinacoteca
Civica, Cento) Retrato de Francisco I de Este, duque de Modena (1632) Retrato de
Maria Farnese, duquesa de Modena (1632) Magdalena (1632, Colección Koelliker,
Milán) San José con el niño Jesús (1633, Colección Lauro, Bolonia) Venus, Marte y
Cupido (1634, Galleria Estense, Módena) San Agustín en meditación (1635, Museo del
Prado) Santa Inés (1637, Trafalgar Galleries, Londres) Alegoría de la Pintura y la
Escultura (1637, Galleria Nazionale d'Arte Antica, Roma) Las lágrimas de San Pedro
(1639, National Gallery of Scotland, Edimburgo) Cleopatra (1639, Colección privada,
Ferrara) Cristo y la samaritana (1640, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid) Suicidio
de Catón (1641, Palazzo Rosso, Génova) Hércules (1642, Colección Koelliker, Milán)
San Juan Bautista (1644, Pinacoteca Nacional de Bolonia) Semíramis recibe la noticia
de la revuelta de Babilonia (1645, Colección Alec Cobbe, Surrey) Saúl intenta asesinar
a David (1646, Galleria Nazionale d'Arte Antica, Roma) San Pedro de Verona (1646-
47, Pinacoteca Nacional de Bolonia) Sibila pérsica (1647, Pinacoteca Capitolina,
Roma) Ecce Homo (1647, Staatliche Gemäldesammlungen, Mónaco) San Bruno
(1647, Pinacoteca Nacional de Bolonia) Erminia y los pastores (1648, Minneapolis
Institute of Arts) Santa Cecilia (1649, Dulwich Picture Gallery, Londres) José y la mujer
de Putifar (1649, National Gallery of Art, Washington D. C.) Susana y los viejos (1650,
Galería Nacional de Parma) Las lágrimas de San Pedro (1650, Colección Koelliker,
Milán) Lot y sus hijas (1650, Museo del Louvre) David con la cabeza de Goliat (c.
1650, National Museum of Western Art, Tokio) Sibila de Cumas con ángel (1651,
National Gallery, Londres) Sibila líbica (1651, Royal Collection, Windsor Palace) Sibila
de Samos (1651, Colección privada) Virgen con niño bendiciendo (1651, Galleria
Sabauda, Turín) San Pablo Ermitaño (1652, Pinacoteca Nacional de Bolonia)
Magdalena en el desierto (1652, Pinacoteca Nacional de Bolonia) San Juan Bautista
en el desierto (1652, Richard L. Feigen & Co., New York) San Jerónimo (1652,
Colección privada, Milán) El ángel se aparece a Agar e Ismael (1653, National Gallery,
Londres) San Andrés apóstol (1656, Colección Koelliker, Milán) Sansón y Dalila (1657,
Musée des Beaux-Arts, Estrasburgo) Abraham repudia a Agar e Ismael (1657,
Pinacoteca di Brera, Milán) Flagelación de Cristo (1658, Galleria Nazionale d'Arte
Antica, Roma) Ecce Homo (1659, Galleria Sabauda, Turín) Santa Bárbara (1659,
Colección privada, Milán) Santa Cecilia (1659, Colección privada, Milán) San
Francisco (1659, Colección privada, Milán) Virgen con niño (c. 1665, Fondazione
Cavallini Sgarbi, Ferrara), fragmento de un retablo.
Barbieri, Paolo Antonio, pintor italiano (Cento, Ferrara 1603 – 1649)
Fue un pintor italiano especializado sobre todo en la representación de
naturalezas muertas.
Aprendió las técnicas pictóricas básicas de su hermano mayor, Giovanni
Francesco Barbieri, llamado il Guercino. Giovanni colaboró con Paolo Antonio en la
realización práctica de algunas de sus obras, agregando figuras. Inicialmente
vinculado a las técnicas de claroscuro de su hermano. Paolo Antonio se distanció de
ese estilo para tender a un mayor naturalismo pictórico manfestado en el manejo de
colores vivvos, técnica que dominó desde sus inicios como pintor.
En la producción pictórica de la naturaleza muerta italiana, la contribución de la
región de Emilia-Romagna fue un tipo de pinturas con un tono bajo, nunca barroco.
Probablemente el iniciador de este gusto pictórico en Emilia fue Paolo Antonio
Barbieri. Este pintor expresa sus mejores habilidades artísticas en pequeñas pinturas,
en que la sobriedad de lo representado recuerda a las pinturas de la escuela de
Francisco de Zurbarán. Cesta de castañas, setas, frutas y queso, composición del
pintor Cento, es una de las piedras angulares de las naturalezas muertas del Seicento.
La exhibe el Instituto de Arte de Chicago.1
Paolo Antonio Barbieri solía anotar sus producciones pictóricas en un diario. Se
éste sus obras deberían ser más de cuarenta, además de una pintura hecha unos
meses antes de su muerte que no está incluida. Los temas principales de sus obras
son paisajes reales, especialmente campestres, utensilios de la vida cotidiana y
escenas de la vida rural; a estos temas se suma la representación, más frecuente a
partir de los años de plena madurez artística, de 1640 en adelante, de naturalezas
muertas representadas en forma de composiciones más complejas. Entre otros
trabajos, destaca la Spezieria.
Murió prematuramente, a los 46 años, en Bolonia (1649). Sus restos
descandan junto a los de su hermano, Giovanni, en la Iglesia de San Salvador
(Bolonia) .
Las pinturas de Barbieri se conservan mayormente en Ferrara, Cento, Modena
y Bolonia.
Barbieri, Domingo, llamado el Florentino, pintor, escultor y grabador italiano
(1501 – 1560)
Fue discípulo de El Bosco, a quien ayudó en las obras que hizo en
Fontainebleau y en Meudon. Dejó muchos grabados de mérito, como son: Descanso
de la Sacra Familia; Martirio de San Esteban; Magdalena penitente, de Ticiano; Juicio
final, de Miguel Ángel; Venus, Marte y el Amor, de El Bosco.
Barbizón, escuela de
La escuela de Barbizon, escuela francesa de pintura de mediados del siglo
XIX, fue parte de un movimiento europeo más amplio hacia el naturalismo en el arte,
que contribuyó de manera significativa al establecimiento del Realismo en la pintura
francesa de paisajes. Inspirados por el movimiento romántico en su búsqueda de
consuelo en la naturaleza, los pintores de Barbizon se apartaron sin embargo de la
pintoresca melodramática de los paisajistas románticos establecidos, así como de la
tradición académica clásica, que utilizaba el paisaje como mero telón de fondo de la
alegoría y la narración histórica. Los artistas de Barbizon pintaron el paisaje en
términos realistas y por su propio bien. Basaron su arte en las obras de los pintores
paisajistas franceses y holandeses del siglo XVII y de los ingleses contemporáneos,
todos los cuales abordaron su tema con una observación sensible y un profundo amor
por la naturaleza.
El nombre de la escuela fue tomado del pueblo de Barbizon, en el borde del
gran bosque de Fontainebleau, cerca de París, donde los dirigentes de la escuela,
Théodore Rousseau y Jean-François Millet, expulsados de París por la pobreza y la
falta de éxito, se establecieron en 1846 y 1849, respectivamente. Atrajeron a un gran
número de seguidores de pintores paisajistas y de animales, algunos de los cuales se
fueron a vivir a Barbizon, otros lo visitaron con poca frecuencia; los del grupo que se
hicieron más notables fueron Charles-François Daubigny, Narcisse-Virgile Diaz de La
Peña, Jules Dupré, Charles Jacque y Constant Troyon, todos los cuales habían tenido
un éxito indiferente en París.
Cada pintor de Barbizon tenía su propio estilo e intereses específicos. La visión
de Rousseau era melancólica, concentrándose en grandes extensiones de paisajes y
árboles en ciernes. Las escenas cercanas y detalladas de Dupré están impregnadas
de presagios. Daubigny prefería escenas de campos verdes y exuberantes, y Díaz
pintó interiores de bosques salpicados de sol. Troyon y Jacque pintaron escenas
plácidas con ganado. Millet, el único pintor importante del grupo para el que el paisaje
puro no era importante, hizo pinturas monumentales de campesinos que celebran la
nobleza de la vida humana en simpatía con la naturaleza. Todos estos artistas, a
pesar de su inspiración romántica, enfatizaron los aspectos simples y ordinarios más
que los aterradores y monumentales de la naturaleza. A diferencia de sus
contemporáneos ingleses, tenían poco interés en los efectos superficiales de la luz y el
color o en las variaciones atmosféricas. En su lugar, enfatizaron los rasgos
permanentes, pintando formas sólidas y detalladas en una gama limitada de colores.
También se preocupaban por el estado de ánimo, y alteraban las apariencias físicas
para expresar lo que veían como el "carácter" objetivo del paisaje.
Habiendo sufrido durante algún tiempo una total falta de reconocimiento, los
pintores de Barbizon comenzaron a ganar popularidad a mediados de siglo. La
mayoría obtuvo el reconocimiento oficial de la Academia de Bellas Artes y comenzó a
recibir grandes precios por sus pinturas; su trabajo fue particularmente popular a
finales de siglo. Algunos de los pintores de Barbizon eran maestros de composición y
descripción; otros eran menos competentes. Pero su importancia histórica es
innegable, ya que como grupo fueron fundamentales para establecer la pintura de
paisaje pura y objetiva como un género legítimo en Francia.
Barbizon, escuela americana de
Se ha denominado Escuela Americana de Barbizon a un grupo de pintores con
claras resonancias de estilo con respecto a la Escuela Francesa de Barbizon,
esencialmente la práctica plenairista y la producción preferente de paisajes y temas
rurales.
William Morris Hunt, alumno de Millet en Barbizón entre 1851 y 1853, sería
considerado como el pionero de dichos postulados pictóricos en Estado Unidos,
cuando, a su regreso de Francia, montó su estudio en Boston. Entre los pintores
englobados en esta escuela fantasma o círculo teórico de artistas, se encuentran
autores tan dispares como el propio Morris, pintor tardo-romántico, hijos de la escuela
del río Hudson como Innes, naturalistas con genio impresionista como Homer, místicos
de tendencia simbolista como Tanner o impresionistas casi puros como Hassam.
No obstante, el "estilo de Barbizon" no cuajó entre los artistas y el público
norteamericanos hasta los años 1880, consiguiendo sin embargo en la década de
1890 una gran popularidad y difusión.
Los artistas que la componían fueron: Henry Golden Dearth (estudió en París y
vivió en Normandía), Thomas Eakins (en París de 1866-1870), Childe Hassam (en la
Académie Julian de París en 1886-1889), Winslow Homer (en 1867 en París), William
Morris Hunt (con Millet en 1851-1853), Wilson Irvine (miembro de la colonia artística de
Old Lyme desde 1914), George Inness (en París de 1850-1854), Henry Ward Ranger
(entre 1883-1889 en París y La Haya)
Henry Ossawa Tanner (en París desde 1891 hasta su muerte en 1937), Horatio
Walker (en París en 1880).
Barca, Juan Bautista, pintor italiano (natural de Mantua, vivió hacia 1650)
Pintor de la escuela veneciana, natural de Mantua; trabajaba en Venecia en
1650. Dejó su patria siendo muy joven, para ir a establecerse en Verona, en cuyas
iglesias hay muchas
obras suyas.
Barcala, Washington, pintor uruguayo (Montevideo, 1920 - Madrid, 1993)
Hijo único de una familia con ascendencia española e italiana, se formó
compartiendo juegos y estudios con tareas en la fábrica de cajas de cartón propiedad
de sus padres.
Comenzó sus estudios en el Círculo de Bellas Artes bajo la dirección de
Guillermo Laborde entre 1938 y 1941. Luego pasó tuvo un breve pasaje por el Taller
Torres García en [1942].
Fue fundador del Grupo Sáez en 1949 junto a Manuel Espínola Gómez, Luis
Alberto Solari y Juan Ventayol. En 1960 integró el grupo de expositores que
representó a Uruguay en la Bienal de Venecia.
Se radicó en Madrid, España en 1974 desde donde continuó desarrollando su
técnica y exponiendo en varias oportunidades en dicho país.
En España encontró el lugar y los estímulos propicios para su aventura
creativa, contenida en sus cajas, objetos pictóricos construidos con trozos de madera,
telas, hilos, cartón, palos, papeles, puntadas, proponiendo silenciosos y sutiles
paisajes emocionales.
Allí trabajó con una materia prima que, muchos años más tarde, emplearía en su obra.
Barcala se familiarizó entonces con el cartón, con la máquina de coser, y con las
cajas, todas palabras clave para entender el mundo creativo de su madurez.
Su producción se ha desarrollado en torno a tres estilos: la pintura figurativa
(1946-1950); la pintura abstracta e informalista (1961-1964) es la etapa de las
Chatarras–, y su estilo más personal, durante la última etapa de su carrera artística,
desde 1967 (etapa de las Cajas).
Para expresar su pensamiento, Barcala no utiliza ni los tradicionales lienzos, ni
las ortodoxas pinturas sino que hace acopio de otros materiales con los que se siente
libre, con los que logra crear su estilo, su lenguaje.
El lenguaje de Barcala no sólo es de pintor, sino que se despliega en las
vecindades de otras disciplinas. Se puede afirmar que es un pintor de los límites, de
las fronteras.
"Mi pintura trata de crear relaciones Visuales donde la geometría, entendida en
sus figuraciones de invisibilidad, compone y ordena los espacios que se comportan
como realidades diversas por medio de pobres materiales que por sus logros y su
función creen un espacio mágico. Estos sentimientos íntimos que vuelco en imágenes
analíticas o de automatismo las llamo, para no entrar en catalogaciones imprecisas,
ordenaciones. Orden en las formas y en la materia, unidad entre ellas, busco una
estructura simple sin rebuscamientos dialécticos que hagan perder sus trazas de
humildad.”
Barceló Artigues, Miquel, pintor y escultor español (Felanich, Baleares, 1957 )
Un viaje a París en 1970 le permite descubrir el Art brut, estilo que deja una
fuerte influencia en las primeras obras que presenta en público. Formó parte del grupo
Taller Llunàtic de Mallorca. Estudió en la Escuela de Artes Decorativas de Palma de
Mallorca entre 1972 y 1973 y continuó en 1974 en la Escuela de Bellas Artes de Sant
Jordi de Barcelona, pero poco después abandona sus estudios. Actualmente reside
entre París, Mallorca y Malí, en los Acantilados de Bandiagara.
Empieza a ser más conocido cuando participa en la Bienal de Sao Paulo
(1981) y a raíz de la Documenta VII de Kassel (1982), en que Rudi Fuchs le presenta;
desde entonces su obra es incluida en las más prestigiosas muestras internacionales,
configurándose como una de las mayores revelaciones del arte español de los años
ochenta.
En 2010, es profesor invitado de la Escuela Nacional Superior de Arquitectura
de Versalles.
En 1986 se le concede el Premio Nacional de Artes Plásticas y, en 1988,
instala su taller en Malí, al mismo tiempo que expone su obra en los museos y salas
más relevantes del mundo. Entre ellas, destaca la importante retrospectiva que en
1996 le dedica el Centro Pompidou de París.
En el 2003, recibió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, uno de los
premios más importantes de España.
En 2004 expuso en el museo del Louvre las acuarelas que creó para ilustrar La
Divina Comedia, convirtiéndose en el primer artista contemporáneo vivo que expone
en el museo. En Nueva York ha expuesto en la galería de Leo Castelli.
En 2008, expone 84 piezas de su obra africana en el Centro de Arte
Contemporáneo de Málaga, al mismo tiempo que el desvío de Fondos de Ayuda al
Desarrollo (FAD) para la decoración de la Cúpula de la sala XX del Palacio de
Naciones Unidas en Ginebra levanta un torbellino mediático.
El 29 de noviembre de 2012 es investido Doctor Honoris Causa por la
Universidad Pompeu Fabra de Barcelona.
El 22 de septiembre de 2017 es investido Doctor Honoris Causa por la
Universidad de Salamanca, acto enmarcado dentro de la celebración del VIII
Centenario de la fundación de esta Universidad.4
Hay obras de Barceló expuestas en las Escuelas Menores de Salamanca, con
motivo del 800 aniversario de la Universidad salmantina. Septiembre de 2017.
Entre sus recientes exposiciones se encuentra la celebrada en el Caixaforum
de Madrid y Barcelona la muestra "Miquel Barceló. 1983-2009. La solitude
organisative", retrospectiva de los 25 años del artista. Tras el cierre en 2012 de la
galería Soledad Lorenzo, su obra pasó a ser representada en Madrid por la galería
Elvira González, que acogió la primera exposición del artista en enero de 2013.
Además Miquel Barceló está representado por Bruno Bischofberger y Tobias Mueller
Modern Art (muellermodern.com) en Suiza y por Acquavella Galleries en Nueva York.5
Obra suyas son la escultura en la Capilla del Santísimo de La Seu en Palma de
Mallorca. Sus enormes lienzos figurativos de finales de los años setenta con temas de
animales de marcado expresionismo reciben la influencia de Joan Miró, el action
painting ("pintura de acción"), Jackson Pollock, Antoni Tàpies, el arte conceptual y el
art brut. Posteriormente da paso a una pintura más entroncada con la tradición y así
surgen las series de las bibliotecas, los museos y los cines de forzadas perspectivas y
denso tratamiento pictórico.
Entre las características de su obra hay que destacar la inspiración en la
naturaleza, consiguiendo relieve a través del uso de unos empastes densos y
generalmente oscuros. El Mediterráneo y África han sido dos de sus más importantes
referentes. El descubrimiento de África en un viaje a Malí ha hecho que sus gentes y la
vida del desierto sea uno de los temas más desarrollados en su obra en los últimos
años, siempre reflejando una gran preocupación por la naturaleza, el paso del tiempo y
los orígenes.
En la última época ha evolucionado hacia referentes más intelectuales y
abstractos. En marzo de 2007 la catedral de Mallorca ha inaugurado la capilla
elaborada por él en arcilla. Consta de dos mundos: Los frutos del mar y los frutos de la
tierra. En mayo de 2007 también comienza los trabajos de decoración de la Cúpula de
la sala XX del Palacio de Naciones Unidas en Ginebra. Esta sala acogerá las
reuniones del Consejo de los Derechos Humanos y pasará a llamarse Sala de los
DDHH y de la Alianza de Civilizaciones.
La literatura ha sido siempre también una de sus inspiraciones. Ha sido
ilustrador de libros y él mismo suele redactar los prólogos de sus catálogos. La imagen
de la cabecera diario Público, editado desde septiembre de 2007, es obra del autor
mallorquín.
Barcelona
Ciudad de España, capital de la Comunidad Autónoma de Cataluña y de la
provincia de Barcelona, situada entre los ríos Besós y Llobregat, en la denominada
planicie barcelonesa, a 4 m de altitud.
Está enmarcada por la sierra de Collserola, al Norte; el monte de San Mateo, al
Sur; y el macizo de Garraf, al Este.
Arte
La ciudad de Barcelona posee un rico patrimonio monumental entre los que
figuran los siete edificios realizados por Gaudí y declarados por la UNESCO
Patrimonio Mundial: la Pedrera, el parque Güell y el palacio Güell, que gozan de tal
declaración desde el año 1984, y los declarados en el año 2005, la Casa Vicens, la
Casa Batló, la fachada del Nacimiento y la cripta de la Sagrada Familia.
Catedral de Santa Eulalia
La Catedral de Santa Eulalia es gran edificio gótico cuya construcción se inició
en 1298 y concluyó, en su parte esencial, en 1422. Sus obras se inician en 1298, y se
continúan a lo largo de todo el siglo XIV. La primera noticia referente a un arquitecto
de la catedral corresponde a 1317, cuando se requiere al maestro Jaume Fabre, que
había trabajado en Santo Domingo, en Palma de Mallorca, y que permanece en
Barcelona hasta 1356. Por tanto se desconoce al tracista del edificio original. A Fabre
le sucede Pedro Viader, y los Maestros Roque y Bartolomé Gual. Entre 1358 y 1388,
traba en la nave central Bernal Roca, y en 1389, termina el campanario. A Bargues
Arnau se debe el proyecto de varias de las capillas de la girola y de la Sala Capitular.
En 1448 se colocan las últimas claves de las bóvedas.
La planta es de salón con tres naves a la misma altura, con una girola esbelta
que parece inspirada en la de la catedral de Narbone. El transepto de pequeños
brazos muestra la original disposición de torres sobre ellos, así como el cimborrio se
sitúa a los pies de la nave y no sobre el crucero. La disposición de las naves confiere
un gran sentido de unidad espacial. Para soportar los empujes los contrafuertes se
sitúan en el interior corpantimentado el espacio y dejando huecos para capillas. El
sistema de iluminación difiere del de las grandes catedrales góticas, ya que los
paramentos recargados no pueden ser horadados con grandes ventanales, la luz tiene
que ir filtrándose por los elementos arquitectónicos que impiden una iluminación
generalizada. La unidad estilística y de conjunto se mantiene hasta el siglo XIV cuando
se realizan la fachada occidental y el cimborrio.
Casa del Arcediano
Casa del Arcediano, construcción del siglo XII restaurada en 1610 que
presenta una mezcla de elementos góticos y renacentistas. En su patio destacan una
hermosa fuente gótica, diseñada por el arquitecto Domenech i Montaner y un bello
buzón de mármol, del siglo XIX . La escalera del patio nos conduce a varias salas con
archivos y colecciones de Barcelona y Cataluña.
Palacio Episcopal
Palacio Episcopal, construido entre los siglos XII y XIII ha sido objeto de
importantes reformas. De sus dos fachadas destaca la barroca de la Plaza Nueva que
data del 1784; la otra, que da a la calle del obispo Irurita, es muy sencilla. En el interior
del patio se halla una interesante galería románica con arquerías, columnas y
ventanales del siglo XIII y otros góticos del s. XV.
Palacio de la Generalitat
Gran edificio, sede del Gobierno Autónomo, construido a principios del siglo
XV, que ha sido objeto de continuas remodelaciones, hasta el siglo XVII. Son varios
estilos los que se observan en la construcción. Elementos góticos, bastante puros, son
la escalinata del patio central y el piso superior de la galería que se desarrolla en torno
al mismo; en la fachada de la capilla de Sant Jordi, destacan los gótico-flamígeros y en
la puerta de la calle del Bisbe, obra de Marc Safron de los años 1416-1434,
encontramos elementos plenamente renacentistas, así como en la fachada principal,
obra de Pere Blai de 1595; características barrocas tiene la fachada norte, obra de
Pau Ferrer. En la galería de la primera planta del segundo patio se emplaza la Capilla
de San Jorge (1432) cuya fachada es uno de los ejemplos más bellos del arte gótico
catalán tardío. En su interior, tres naves, una cúpula decorada con temas históricos, de
los años 1927 y 1928, e interesantes bóvedas del XVII con cúpulas y capiteles
colgantes, constituyen el marco en el que se expone, entre otras obras, una valiosa
estatua de San Jorge del siglo XV. Continuando por el ala norte de la galería gótica se
alcanza el hermoso Patio de los Naranjos, obra de Pau Mateu y Tomás Barca
realizada hacia 1532, con solado de mármol. Seguidamente se llega al Salón del
Consistorio Mayor decorado con artesonado dorado y azulejos de Talavera de la
Reina. En la fachada de la Plaza de San Jaime, construida en 1597 según el gusto
italiano, encontramos las estatuas de los principales presidentes de la Generalitat: L.
de Tamarit, F. Boteller y J. Riu, así como una estatua de San Jorge. Su excepcional
balcón, de 1860, ha sido testigo de los grandes acontecimientos políticos de la ciudad,
en particular, y de Cataluña, en general.
Ayuntamiento o Casa de la Ciudad
El Ayuntamiento o Casa de la Ciudad, se encuentra situado frente al edificio de
la Generalitat y también es el resultado de importantes obras realizadas durante un
largo período. La fachada de San Jaime es obra de Jusep Mas i Vial, realizada entre
1832 y 1844 en el más puro estilo clasicista, y está flanqueada por estatuas que
representan al rey Jaime I y a su hijo adoptivo de la Ciudad Condal. La fachada de la
izquierda es de estilo gótico, obra de Arnau Bergués y de los escultores Jordi Joan y
Pere Sanglada. En su interior, un recinto con techumbre de madera policromada
permite el acceso a la escalera de mármol negro que sube al piso superior. Desde
esta planta se ve una antigua fachada del siglo XIV con puerta del XVII. El Salón del
Ciento, del siglo XVI, y el de Sesiones, también denominado de la Reina Regente, con
un cuadro de la Reina María Cristina y de Alfonso XIII, de Masriera, son los más
interesantes.
Palacio Real Mayor
Hermoso edificio adosado a la muralla romana en cuya fachada se distinguen
perfectamente sus diferentes etapas arquitectónicas. En la planta superior, ventanas
románicas triples del siglo XIII y un rosetón gótico del XIV, así como, una torre de
estilo renacimiento con galerías del 1555. Consta básicamente de la capilla dedicada a
Santa Águeda, obra gótica de principios del XIV, con el retablo gótico del Condestable
realizado por el pintor Jaume Huguet en 1465. Este palacio está enmarcado en un
bello entorno monumental. A la izquierda se encuentra la Capilla Palatina, a la derecha
el Palacio del Lugarteniente, con el archivo de la Corona aragonesa y el Museo de
Historia de Barcelona. En él suelen tener lugar, durante el verano, algunos de los
denominados Conciertos Góticos.
Capilla Palatina o de Santa Águeda
Erigida en el lugar que ocupara en otros tiempos el Oratorio de Santa María.
Tiene una sola nave cubierta con viguería policromada y ábside en el que destacan los
escudos de Jaime II y doña Blanca de Anjou. El bellísimo altar del Condestable, obra
del pintor gótico Jaume Huguet, constituye la obra maestra de la Capilla y está
considerado como la más perfecta expresión del arte catalán. Salón Mayor o del Tinell,
majestuosa sala, de enormes dimensiones, construida entre 1359 y 1362. La Capilla
de los Reyes, construcción ordenada por el rey Pedro II, y la atalaya o mirador del Rey
Martín, del siglo XVI, son las dependencias más destacadas. Ha sido escenario de las
asambleas del Parlamento y lugar de recibimiento de las personalidades más
importantes que visitaban a los reyes de Cataluña. En su muro norte se descubrió un
fresco del siglo XII que en la actualidad se expone en el vestíbulo.
Santa María del Mar
En 1329, Alfonso I el Bondadoso, tras la conquista de Sicilia, colocó la primera
piedra de una iglesia parroquial que pronto se convirtió en el centro de la zona
mediterránea de expansión catalana. Su arquitecto fue Berenguer de Montagut y es el
mejor ejemplo del gótico catalán. Sus torres octogonales están rematadas con
terrazas, en su fachada destaca un rosetón de estilo gótico tardío y en su muro norte
se desarrollan esculturas del siglo XV . Su ábside es obra de B. Salvador y data del
1542. El interior consta de tres naves de similar altura separadas con sencillas
columnas octogonales. En el presbiterio se encuentra el sepulcro del Condestable
Pedro de Portugal. Mención especial merecen algunas de sus vidrieras como la del
Juicio Final en la nave lateral izquierda; la Ascensión de Nuestro Señor en la capilla de
Santa María y la Sagrada Cena. En el Tesoro se conservan valiosos objetos de rica
orfebrería como una cruz de plata del siglo XVI y un cáliz del XVIII.
Iglesia de San Pedro de las Doncellas
Iglesia de San Pedro de las Doncellas, su construcción original es de 945.
Años después fue parcialmente destruida y en el siglo XIX fue objeto de numerosas
renovaciones; se demolió el claustro románico y se trasladó a otros conventos y
museos. De la fábrica antigua sólo quedan su fachada gótica del siglo XV, los muros
del siglo IX así como la bóveda y cúpula del siglo X.
Iglesia de los Santos Justo y Pastor
Iglesia de los Santos Justo y Pastor, antiquísimo templo con fachada
extremadamente sencilla. El interior es de una sola nave con capillas laterales y
bóvedas decoradas con relieves. Destacan el Retablo de San Félix, en la capilla del
mismo nombre, obra de J. de Bruselas y Pere Nunyes del 1525, y sus dos pilas de
agua bendita. Desde el siglo V este templo tiene el privilegio de los Testamentos
Sacramentales, que otorga el carácter de testamento, a pesar de no existir documento
escrito, la última voluntad de un agonizante si ésta es expresada ante el altar de San
Félix por algunos de los testigos del lecho de muerte. Este privilegio está consagrado
desde el año 1282 y aún sigue vigente en la actualidad.
Iglesia de Santa María del Pino
Iglesia de Santa María del Pino, su construcción comenzó en 1322 y fue
consagrada en 1453. En su fachada sorprende un grandioso rosetón y su torre de las
campanas, de planta octogonal, decorada con ventanas góticas y arcadas ciegas. Su
interior, una sola nave con capillas laterales, presenta un ambiente muy sobrio.
Destaca el sepulcro gótico del 1394 emplazado junto a la sacristía.
Convento de Santa Ana
Convento de Santa Ana, del conjunto conventual destaca su iglesia románica
del siglo XII, con pórtico gótico del año 1300. Su interior, caracterizado por la sencillez,
se cubrió en el siglo XIV por una bóveda vaída. En la Capilla de Todos los Santos, del
siglo XIII, se encuentra una bella imagen de la Dolorosa, obra de Pere Bruna. Frente a
esta capilla está emplazado el claustro del siglo XV.
La Sagrada Familia
Monumento capital del modernismo barcelonés, su construcción se inició en el
año 1882 por Francisco de P. Villar en estilo neogótico. Posteriormente se
encomendaron la obras a Gaudí quien modificó los primitivos planos neogóticos. En el
año 1921 concluyó el primer campanario y, cinco años más tarde, el famoso arquitecto
falleció quedando el monumento inconcluso. Todo él es una autentica alegoría
conseguida en cada uno de los elementos arquitectónicos. Las tres fachadas
simbolizan: el Nacimiento de Jesús (la del oeste), su Pasión y Muerte (la del este) y la
Glorificación (la del sur). Cada una de ellas está flanqueada por cuatro torres que, en
conjunto, simbolizan los Apóstoles y la gran cúpula la Virgen María. La única fachada
concluida es la del Nacimiento de Jesucristo y sus tres torres son el símbolo de la Fe,
la Esperanza y la Caridad. Destacan las portadas por su extraordinaria profusión de
escultura floral naturalista o abstracta. Las agujas caladas de esta fachada tan solo
alcanzan dos tercios de la altura proyectada por Gaudí. En la cripta de la catedral yace
el arquitecto y desde 1952 se prosiguen las obras según los planos trazados por
Gaudí.
Convento de Pedralbes
Convento de Pedralbes, fundado en 1326 por Jaime II y su cuarta esposa,
doña Elisenda de Montcada. Está precedido por un bello jardín desde donde se
observa su fachada y su torre. Sobre su pórtico se encuentran los escudos de la reina
Elisenda, de la familia Montcada y de Barcelona. Su claustro es realmente notable,
tiene tres plantas con arcos de estilo gótico florido sobre columnas con delicada
ornamentación. Desde aquí se ingresa en la Capilla de San Miguel, donde se
conservan en espléndido estado los famosísimos frescos de Ferrer Bassa.
Hospital de Santa Cruz
Hospital de Santa Cruz cuya construcción comenzó en el año 1401 y en
principio constaba de cuatro salas, ampliadas en 1509. En el siglo XVII fue una Casa
de convalecencia en estilo barroco. Su patio está considerado como obra maestra de
la arquitectura de la época. Lo más destacable es su nave gótica, actualmente sala de
lectura de la biblioteca, y el claustro gótico de 1417.
La Lonja
La Lonja, actual sede del Salón de Juntas de la Bolsa. Se construyó en el siglo
XIV como mercado y casa de contratación. En el siglo XVI se le dotó de un recinto
aduanero. Sus fachadas fueron renovadas en estilo clasicista y su interior, con tres
naves góticas, tiene arcadas de medio punto sobre las que descansa la techumbre
plana de madera.
Las Atarazanas y el Monumento a Colón
Las Atarazanas y el Monumento a Colón, las atarazanas, astilleros medievales,
se encuentran situadas al final de las Ramblas frente al monumento a Colón. Se
construyeron en el 1378 y a lo largo de los siglos se fueron adosando nuevas
dependencias. En la actualidad albergan el Museo Marítimo. El Monumento a Colón es
obra de C. Buigas Monrava del año 1886. Se trata de una gran columna de hierro,
sobre pedestal de piedra, con la estatua del descubridor; conmemora el hecho de la
presentación de Colón en Barcelona ante los Reyes Católicos a su regreso del primer
viaje.
Palacio de la Virreina
Palacio de la Virreina, situado en la Rambla de las Flores. El edificio fue
mandado construir por el virrey de Perú, el marqués de Castellbell, en 1772, al
arquitecto y escultor Charles Grau. Lo más notable del palacio es el Salón de
Recepción, posee dos ramas con capiteles suspendidos típicos catalanes, y el
Comedor, de estilo rococó. Actualmente alberga el Museo de Artes Decorativas y la
Colección Cambó.
La Casa Pedrera
La Casa Pedrera, una de las casas que el genial Gaudí construyó en la ciudad.
Tiene cinco pisos y está dedicada a Nuestra Señora del Rosario. Cada uno de los
pisos simboliza un misterio del Rosario.
Parque Güell
Situado en la zona norte de la ciudad, es obra de Gaudí por encargo del
empresario Eusebi Güell. La obras se inician en 1900 y concluyen en 1914. La entrada
al parque, abierta en la parte más baja, está flanqueada por dos pabellones ovalados,
de curiosas formas, decorados con cerámica policromada. Seguidamente, se accede
mediante una escalinata acogida por dos muros ondulados a la denominada sala de
las cien columnas, donde destaca la techumbre de mosaicos y la fuerte inclinación de
algunas de las columnas. Avanzando por los laterales se alcanza el gran mirador
construido en 1906. A partir de este punto el trazado del parque se ajusta a las
características del terreno, en perfecta simbiosis, respetando la vegetación.
Gran Teatro Liceo
Edificio planificado en 1848 por Garriga i Roca y concluido por Orio Mestres.
Tras su sencilla fachada, esconde uno de los más grandes Teatros de Opera de
Europa. A lo largo de su historia ha sufrido numerosos incendios, el más reciente, en
1993, lo destruyó en su totalidad. Fue reinaugurado seis años después, concretamente
el 7 de octubre de 1999, con la ópera Turandot, de Puccini.
Palacio de la Música
Palacio de la Música, construido en el año 1908 por Domenech i Montaner para
la Agrupación Coiral Orfeo Catalá. Su decoración es de estilo modernista catalán, con
materiales policromados y motivos florales. Actualmente se encuentra en él la más
importante Sala de Conciertos de Barcelona.
Parque de la Ciudadela
Parque de la Ciudadela, situado al final de la Avenida Salón Víctor Pradera. Su
nombre deriva de la ciudadela que mandó construir Felipe II para amedrentar a los
catalanes. Del original tan solo queda la capilla, el arsenal y el palacio del gobernador.
En 1888 tuvo lugar en este parque la Exposición Internacional, acontecimiento para el
que lo acondicionó Domenech i Montaner. En la parte occidental del parque, en el
edificio que antiguamente era el arsenal, se encuentra el Museo de Arte Moderno, y la
capilla fortificada es hoy día la Capilla del Ejército.
Parque de Montjuich y recinto de Exposiciones
Parque de Montjuich y recinto de Exposiciones, las obras del parque se iniciaron en el
siglo XIX y se erigieron el Palacio Nacional, otros pequeños edificios y el Pueblo
Español, con réplicas de los más destacados edificios de las provincias españolas. Su
arquitecto fue Puig i Cadafalch, y Rubio y Tuduri crearon los bocetos de parques y
jardines. Gaudí también dejó su inimitable huella artística en este famoso parque.
Museo arqueológico
Museo Arqueológico, situado en el Parque de Montjuich. Alberga colecciones
prehistóricas, iberas, griegas y romanas. Entre todas destacan los hallazgos más
importantes de las excavaciones de Ampurias.
Museo de Arte de Cataluña
Museo de Arte de Cataluña, emplazado en el Palacio Nacional de Montjuich.
Contiene las más importantes obras de arte románico de Cataluña (frescos de Tahull y
de los Pirineos) y de estilo gótico, especialmente obras de Jaume Huguet.
Museo de Arte de Cataluña
Museo Federico Marés, en el Palacio de los Condes de Barcelona. En su
interior se exponen esculturas de los siglo XII al XV.