Pintores Del Ultimo Tercio Del Siglo XV

Pintores del Ultimo
Tercio del Siglo XV

ESCUELAS DE PADUA Y FERRARA
Francesco Squarcione
(Padua,1395-1468)
 Pintor, comerciante de arte y formador de artistas activo durante el Renacimiento.
 Squarcione: Figura de la expansión del Renacimiento en el norte de Italia
 Figura importante de la introducción del Renacimiento en las regiones de Padua y Toscana.
 Pasión e interés por las antigüedades clásicas.
 Viajó por Italia y Grecia en busca de antigüedades clásicas, armando una amplia
colección.
 Realizó dibujos y bocetos de las piezas, el cual sirvió como modelo para sus alumnos.
 Fundación de taller de formación artística del cual surgieron artistas destacados de las
regiones externas a Florencia.
 Combinación de elementos góticos con características donatelianas.
 Alumnos destacados: Andrea Mantegna / Carlo Crivelli / Marco Zoppo / Giorgio Schiavone
Placa de Virgen de
Donatello
Madonna y Niño (Francesco Squarcione)

 Técnica: Témpera sobre tabla de álamo.
 Fecha: 1455 d.C.
 Dimensiones: 82 x 70 cm.
 Ubicación: Gemaldegalerie, Staatliche Museen,
Berlín.
María está representada frente a un paño rojo,
que en los lados revela un paisaje ocupado casi
en su totalidad por un cielo salpicado de nubes.
En el primer plano hay un estante bajo de
Firma del artista
madera, donde también se encuentra la firma
del maestro. Una manzana descansa sobre ella,
y el Niño también tiende una pierna en su
impulso hacia la madre. La Virgen, de perfil,
tiene un velo oscuro con un borde rojo, que
envuelve al niño a la izquierda, creando un
pliegue ancho. Más abajo se puede ver su
vestido rojo.
En la aureola y en la manga de oro bordada hay

inscripciones camufladas por el bordado. A la
izquierda hay un candelabro, mientras que en la
parte superior se extiende una suntuosa
guirnalda, con frutas, cintas y flores, una cita
derivada de la antigüedad.
Manzana
Detalles del Estilo
 Perspectiva y línea: elemento generador de
la forma.
 Influencia de Donatello: Donatello vivió en
Padua entre 1443-1453. Detalle de inscripciones
 Elementos estilísticos propios: adornos de
flores y frutas / colores intensos / líneas
elaboradas que sobresaltan las figuras.
 Bambino con influencia y acabado toscano.
Políptico de Lazara
 Técnica: Temple sobre tabla.
 Fecha: 1449-1452 d.C.
 Ubicación: Museo Cívico de
Padua.
 Pintura en Cinco compartimientos.
 Encargada para la Capilla de la familia Leone
de Lazara en la Iglesia de Santa María de
Carmine.
 Personajes: San Giralamo / Santa Lucía /
Giovanni Battista / Antonio Abate / Giustina.
 Estilo gótico tardío con fondo dorado.
 Alargada y diferente proporción de
personajes
 Empleo de la línea ondulada.
 Colores intensos y esmaltados / Lineas
marcadas que destacan las figuras como
esculturas.
 Influencia de la escultura de Donatello.
 Indicios de perspectiva en los pedestales.
 Posibles influencias de paisaje de Domencio
Veneziano y Filippo Lippi
Andrea Mantegna
(Padua, 1431 – Mantua, 1506)
Posible autorretrato de Andrea Mantegna en su

obra La presentación de Cristo en el Templo.
Andrea Mantegna
(Padua, 1431 – Mantua, 1506)
 Pintor del Quattrocento italiano.  Mecenazgo de los Gonzaga
Desarrollo con Squarcione  En 1459, Luis III de Gonzaga convence al artista de trasladarse a
Mantua, Mantegna de esta forma trabajará toda su vida para
 Inicio a los 10 años en el taller de Francesco Squarcione en la familia Gonzaga.
Padua.
 Mecenazgo de Isabel de Este y Francisco II de Gonzaga
 Squarcione le hizo estudiar copias de yeso de estatuas antiguas
y algunas pinturas sobre tela, originarias de Toscana y Roma.  Decoración mural de la Cámara de los Esposos en el Palacio
Ducal de Gonzaga.
 Estímulo de superación a partir de su rivalidad con otros
discípulos como Marco Zoppo/Niccolo Pizzolo/Dario de Treviso.  Triunfos del Cesar
 A los 17 años se independiza del taller de su maestro para el  El Parnaso
desarrollo de su propio talento artístico.
 Tránsito de la Virgen
Desarrollo propio
 San Sebastian
 Se casa con Nicolosia Bellini, hermana de Giovanni y Gentile
Bellini, hija de Jacopo Bellin (Rival de Squarcione). A partir de  Lamentación sobre Cristo muerto
este hecho, se desarrolló una enemistad entre anteriormente  Interés y defensa de la figura clásica
maestro y discípulo, Squarcione fue muy duro de critico con su
antiguo discípulo, lo que causó en Mategna un profundo dolor  Perfectas proporciones, solidas y de gran expresividad.
y asimismo, un progreso de desarrollo y superación.
 Perfección del dibujo de figuras al natural
 Andrea Mantegna frecuenta los recintos de Padua.
Frecuentando y apreciando las piezas de arte de la antigua  Influencia de Donatello (perspectiva) / Andrea Mantegna
Roma, logrando perfilar su propio estilo. mejora el dibujo de escorzo, vistas desde abajo, invento difícil y
admirable.
Tránsito de la Virgen
 Técnica: Témpera y técnica de oro
sobre tabla.
 Fecha: 1462 d.C.
 Ubicación: Museo del Prado, Madrid.
 Encargada por Luis III Gonzaga en 1458 para la capilla del Palacio
Ducal de Mantua.
 Presencia de 11 apóstoles / formación de un grupo perspectiva en
U y de severos ropajes.
 Presencia de elementos de homenaje (cirios / palmas / libros de
difuntos / incensario).
 Escena representada a partir de los Evangelios Apocrifos
 Figuras enmarcadas en arquitectura renacentista.
 Escena con paisaje del lago Mincio, alusión a los lagos de Mantua /
presencia del puente de San Giorgi. La escena parece transcurrir
en el Palacio Ducal de Mantua.
 Estilo veneciano
 Colores frios (habitual de Mantegna)
 Posible influencia del paisaje de Giovanni Bellini
 Acentuación del tema sin acentos milagrosos.
 Presencia de pilares / Piso de mármol ajedrezeado
 Suavidad de formas y colores (iniciado en el retablo de San Zeno) /
Mayor naturalidad de gestos humanos.
 Luz proveniente de la derecha / Perspectiva del piso expresa
profundidad / Figuras dispuestas del estilo clásico / Poses de canon
clásico.
Lamentación sobre Cristo Muerto
 Técnica: Óleo sobre tabla
 Fecha: 1457-1501 d.C. (aprox.)
 Ubicación: Pinacoteca de Brera,
Milán.
 Una de las pinturas mas famosas de Andrea
Mantegna, conocida por su vertiginosa vista en
perspectiva de la figura de Cristo reclinado, con
la particularidad del llamativo recorrido visual.
 Escorzo (recurso de profundidad)
 Fuerte contraste de luces y sombras / transmisión
de profundo sufrimiento y desolación.
 Violenta perspectiva / distorsión de detalles
anatómicos / Representaciones de los detalles
de los estigmas sin idealismo.
 Colocación de los genitales de Cristo en el
centro geométrico de la composición.
 Presencia de la Virgen María, una mujer y San
Juan Evangelista que lloran la muerte de Cristo.
 Desproporción de figuras y rostros.
 Innovación propia del Renacimiento al
representar la figura humana sin simbolismo.
 Retrata el traumo físico-emotivo humano sobre
el ideal espiritual.
 Presentación de Cristo como mortal al estilo
clásico.
Detalle de los estigmas de
Cristo.
Detalle del centro de
Detalle de personajes composición.
emotivos
Judith con la cabeza de
Holofernes
 Técnica: Temple con oro y plata sobre tabla.
 Fecha: 1495 d.C.
 Dimensiones: 30 x 19.7 cm.
 Ubicación: National Gallery of Art, Washington
 Judith en el Renacimiento:
Representa la virtud cívica, la
intolerancia a la tiranía y la justa
causa triunfal sobre el mal.
 Presencia de colores brillantes y
variados.
 Representación de Judith como una
estatua clásica / Detalles de la
postura y las esculturas clásicas /
Detalle de los pliegues y la disposición
de la figura humana.
 Contraste de la serenidad de Judith
ante el horro de la escena realizada.
 Piso trabajado a partir de una
perspectiva diagonal.
Retorno de Judith Judith y Holofernes
Sandro Botticelli Donatello
1470 d.C. 1453-1457 d.C.
Oración en el Huerto
 Técnica: Temple sobre tabla
 Fecha: 1455 d.C.
 Ubicación: National Gallery of
Londres.
 Jesús está orando en Getsemaní,
representado como un árido paisaje rocoso
donde el Salvador está arrodillado sobre un
espolón elevado que se asemeja a un altar.
Delante de él aparecieron unos ángeles que
anunciaron su destino mostrándole los
instrumentos de la Pasión.
 Presencia de los discípulos (Pedro/Santiago y
Juan)
 Presencia de la ciudad ideal de Jerusalén,
con presencia de elementos arquitectónicos
de la Antigua Roma, Venecia y Verona.
 Ambiente oscuro y crepuscular / Presencia
de naturaleza y rocosidad / Idea de
profundidad y perspectiva / Presencia de
líneas onduladas / Resalte de las figuras.
 Contraste cromático
 Árbol seco y buitre (Simbología de muerte)
 Conejos (alma de Dios) /Árbol arrancado
(pecado).
Oración en el Huerto
Giovanni Bellini
Detalle
Cámara de los
Esposos
 Técnica: Pintura al fresco sobre paredes
 Fecha: 1465-1474 d.C.
 Ubicación: Palacio Ducal de Mantua, Italia.
Es mundialmente célebre por el ciclo de

pinturas al fresco que decora sus
paredes, obra de Andrea Mantegna, y
realizado entre los años 1465 y 1474.
Mantegna ideó una decoración que
recubriera todas las paredes y el techo,
adecuándose obviamente a los límites
arquitectónicos, pero al mismo tiempo
trascendiendo esos propios límites físicos
de la estancia. El tema general es la
celebración político-dinástica de la
familia Gonzaga, con la ocasión de la
elección como cardenal de Francesco
Gonzaga.
Pared Norte, La Corte Pared Oeste, El Pared Este
Encuentro
Giulio Carlo Argan evidencia como la pintura de Mantegna aquí, como en otras obras, se caracteriza
por su evocación de imágenes de la antigüedad clásica. Mantegna es el primer gran "clasicista" de la
pintura. Su arte puede ser definido como un "clasicismo arqueológico.
Pared Norte, La
Corte.
 Fecha: 1465-1474 d.C.
 Ubicación: Palacio Ducal de Mantua,
Italia.
Óculo de la bóveda de la
Cámara de los Esposos
 Fecha: 1465-1474 d.C.
 Ubicación: Palacio Ducal de Mantua, Italia.
 División de la bóveda / Espacio dividido por

figuras, fondo dorado y pinturas.
 Perspectiva de profundidad “ligera curva
clavada”.
 Óculo: Ronda ilusoria abierta al cielo.
 Personajes de cortesana, sirvientes, docena de
putti, un pavo real y un jarrón.
 Diversidad de poses aferradas al interior del
marco.
 Libertad de movimiento de los cuerpos en el
espacio.
Minerva expulsando los vicios
del Jardín de la Virtud.
 Técnica: Temple sobre lienzo.
 Fecha: 1499-1502 d.C.
 Ubicación: Museo del Louvre
, Paris, Francia.
 Diseñado para el estudio de Isabella
d'Este, ubicado por primera vez en
el castillo San Giorgio en Mantua, y
los textos del poeta Paride da
Ceresara se utilizaron para definir su
Contenidos alegoricos.
 Adquirido por el cardenal Richelieu,

el cuadro fue transferido a sus
colecciones en el Chateau de
Richelieu, donde permaneció hasta
la Revolución. Mientras tanto, fue
objeto de una incautación
revolucionaria en 1793, que se
transfirió al Museo del Louvre en
1801.
Adoración de los
Reyes Magos
 Adoración de los Reyes
Magos
 Ténica: Temple y óleo sobe
madera
 Dimension: 54 x 70 cm.
 Ubicación: Getty Museum,
Los Angeles.
Cosimo Tura
(Ferrara, 1430 – 1495 d.C.)
 Alumno de Francesco Squarcione de Padua. / Estuvo bajo el mecenazgo de los duques Borso de Este y Hercules
I de Este.
 Decoración de las habitaciones, biblioteca y estudio de Giovanni Pico della Mirandola
 Frescos del Palacio Schifanoia de Ferrara.
 Composiciones de exuberancia decorativa (Influencia de Padua)
 Plasticismo escultórico y realismo de las figuras
 Empleo de colores fantásticos, paisajes imaginativos y búsqueda de los detalles.
 Conciliación del estilo gótico internacional con el desarrollo renacentista de Padua.
 Influencia del estilo quattrocentista de Mantegna y Piero della Francesca. (Primer periodo-Influencia de
Mantegna)
 Influencia de Donatello a través de Squarcione (Perspectiva lineal/ expresividad humana en las figuras)
 Influencia de Piero della Francesa (entre 1458-1459): Construcción espacial geométrica / Uso de la luz clara y
aguda en el fondo /Profundidad espiritualidad de las figuras.
 Influencia de los Flamencos: Gusto minucioso de los detalles a través de la representación de los objetos
partiendo del uso de diversos materiales para realizarlo.
Santo Domingo
 Técnica: Óleo y oro sobre
tabla.
 Fecha: 1475 d.C.
 Dimensiones: 51 X 32 cm.
 Ubicación: Galería Uffizi,
Florencia (Italia)
 El santo, sobre un fondo dorado, tiene una

cara demacrada y está iluminado por una
luz incidente que le da a la figura un reflejo
de piedra y metal, como es típico de la
pintura de Ferrara. La capucha negra
envuelve el tema dando un relieve
escultural al conjunto y como fondo al
canto de las manos, totalmente iluminado
(a diferencia de la cara) y de gran
virtuosismo.
 Las puertas del órgano de la catedral de Ferrara son cuatro paneles
pintados al temple sobre lienzo (349x152 cm cada uno) por Cosmè
Tura en 1469 y ahora se conservan en el museo de la catedral en
Ferrara . Originalmente fueron decorados al frente y atrás (hoy las
pinturas están separadas), presentan a San Jorge y la princesa
(puertas cerradas) y la Anunciación (puertas abiertas).
 Las puertas del órgano muestran diferentes influencias básicas, que

se pueden encontrar en las obras de Cosmè Tura: la gótica
cortesana , la pierfrancescana , la toscana filtrada por las escuadras La Anunciación
y la mantegna . Todo esto, sin embargo, es reelaborado con
extrema originalidad por el autor, quien obtuvo resultados de gran  Técnica: Óleo y oro sobre
expresión. tabla.
 Características de la Anunciación:
 Ambientación de arquitectura antigua clásica regida por la regla  Fecha: 1475 d.C.
de Perspectiva.
 Influencia de la obra de Andrea Mantegna
(Edificios/Festones/Espolones estratificados).  Ubicación: Galería Uffizi,
 Trazado energético y emocional de las figuras.
Florencia (Italia)
 Presencia del escorzo.
 Detalles naturalistas (ardilla, pajarito,etc)
 Presencia de bajorrelieves pintados alegóricos a los planetas, la
astronomía, y la literatura filosófica.
Panel Central del Triptico de Roverella.
1470 – 1474 d.C.
El políptico consistía en seis compartimientos principales, con una gran Virgen y un Niño
entronizados en el centro y en los lados dos paneles inferiores, con santos y personajes de la
familia Roverella, coronados por un panel con un santo arrodillado cada uno. En la parte
superior estaba la gran luneta con la Piedad , una obra de gran participación emocional,
quizás inspirada por uno de los numerosos grupos escultóricos que representan la Lamentación
sobre el Cristo muerto , muy común en Romaña. En la parte inferior había una predela
compuesta de un número no especificado de redondeles (quizás siete), de los cuales tres se
conocen hoy.
De los paneles laterales solo se han conservado los santos Maurelio y Paolo con Niccolò
Roverella , en los cuales, en el ropaje del manto de Paolo, notamos ese estilo típico de Tura al
hacer los pliegues como si fueran pesados y húmedos, con un fuerte claroscuro. En general,
hubo perspectivas notables con un punto de fuga reducido, lo que hizo posible ver las bóvedas
de los fondos arquitectónicos como lacunares , como es evidente en el compartimiento
central.
Los paneles conocidos son:
 Madonna y el niño entronizado , 239x102 cm, Londres , National Gallery

 Piedad y santos , 132x267 cm, París , Musée du Louvre
 Santos Maurelio y Paolo con Niccolò Roverella , Roma , Galleria Colonna
 Circuncisión , redonda, diámetro 38 cm, Boston , Isabella Stewart Gardner Museum
 Escape a Egipto , redondo, diámetro 38 cm, Nueva York , Museo Metropolitano
 Adoración de los Magos , redondo, diámetro 38 cm, Cambridge , Fogg Art Museum
 San Jorge , 39x29 cm, San Diego , Museo de Arte de San Diego
San Giorgio
Santos Maurelio y
Paolo con Niccolò
Roverella
Piedad o Lastima
(Panel central del Tríptico Roverella (1470)
Ronda de la Circuncisión
San Jerónimo penitente
 Técnica: Temple sobre tabla
 Fecha: 1470-1471 d.C.
 Ubicación: National Gallery, London.
San Jerónimo es representado penitente en el desierto, con el sombrero

del cardenal tirado al suelo, la piedra con la que solía golpear el pecho en
la mano y los libros cerca, símbolo de su actividad como erudito con la
Vulgata . Detrás del santo hay un árbol con algunas aves simbólicas, como
el pájaro carpintero y el búho (símbolos quizás de los pecados de la
humanidad), y no lejos está también el león fiel, a quien, según la leyenda,
Jerome quitó una espina. Pata ganando lealtad.
El fondo muestra espolones rocosos con figurillas y una iglesia que

recuerda las arquitecturas de Leon Battista Alberti , invitado de la corte de
Ferrara donde estaba activa la Tura. A la izquierda hay dos pequeñas
figuras de patrones arrodillados: un notable y un fraile franciscano, en la
misma posición que la recepción de los estigmas de San Francisco .
El estilo es típico del artista, con colores metálicos y brillantes, moldeado

por un incisivo claroscuro que esculpe las figuras, como se puede ver
claramente en el panel de San Jerónimo.
Francesco del Cossa
(Ferrara, 1436 – Bolonia, 1477)
 Pintor quattrocentista italiano, junto a Cosmé Tura y Ercole de Roberti son los pintores mas importantes de
la Escuela de Ferrara del siglo XV.
 Considerado el mas importante maestro de la Escuela de Ferrara.
 Compostura, solemnidad en las figuras.
 Expresión de humanidad y naturalidad de las formas.
 Acercamiento a la cultura figurativa florentina contemporánea (Domenico Veneziano y Maso Finiguerra)
 Composición con perspectiva e iluminación permiten naturalidad de las figuras.
 Estilo influenciado por Donatello, Mantegna y Piero della Francesca.
 Influencia de Piero della Francesca: Monumentalidad y luminosidad de los personajes / variedad de
temas, poses y antecedentes.
Santa Lucía
 Técnica: Pintura al temple de huevo y fondo
dorado sobre tabla.
 Fecha: 1472-1473 d.C.
 Dimensiones: 79 X 56 cm
 Ubicación: National Gallery of Art, Washington.
Santa Lucía se representa de pie sobre un parapeto de piedra

que sirve de base para el panel. La diferente tipología del fondo
(oro con respecto al cielo y las figuras de los paneles inferiores)
había dudado de que la obra fuera parte del políptico, pero
después de todo se uniría al pequeño Paraíso representado
arriba en el panel central del San Vincenzo Ferrer . Lucía, por lo
tanto, al igual que Floriano, se encontraría en una especie de
logia paradisíaca desde la que mira para ver la escena principal
del políptico, con un gesto bien caracterizado. La santa sostiene
en su mano la palma del martirio y sus ojos, con la sugerente
metáfora de asimilarlos a dos cogollos que salen de un tallo.
Su figura es solemne y majestuosa, influenciada por la influencia

de Piero della Francesca , y se presta gran atención a la
representación anatómica y naturalista del tema, como se ve en
los gestos suaves y la rendición de manos, con el gesto típico del
dedo meñique levantado. En el caprichoso movimiento de la
tela alrededor del cuello encontramos ecos más típicos de la
escuela Ferrara, en particular de Cosmè Tura .
Retrato de hombre con sortija
 Fecha: 1472-1477 d.C.
 Ubicación: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid
El retrato se inscribe dentro de la moda italiana que se

desarrolló durante la segunda mitad del siglo XV, cuando
los modelos abandonaron el rígido perfil para aparecer
ante el espectador casi de frente. Nuestro protagonista
está dibujado con fuerza y en él se perfilan con precisión
los mechones del cabello, los ojos, los párpados y el borde
de la nariz. La posición de la mano con la sortija y el
parapeto donde se apoya, acentúan la profundidad de la
composición, y sirven al artista para jugar con la difícil
posición que se adopta para el dedo meñique y para la
sombra que proyecta la manga sobre el antepecho. El
paisaje que sirve de soporte, con extrañas y caprichosas
rocas, se ha puesto en relación con el que aparece en el
San Vicente Ferrer de la National Gallery de Londres.
Sala de los Meses en
el Palacio Schifanoia,
Ferrara.
 Técnica: Ciclo de frescos
 Fecha: 1470 d.C.
 Colacoración de diversos artistas
 Cosme Tura y Francesco del Cossa
y Ercole de Roberti.
Alegoría de Marzo
 Técnica: Pintura al fresco.
 Fecha: 1468-1470 d.C.
 Ubicación: Salone dei Mesi di Palazzo Schifanoia, Ferrara
Marzo también se divide en tres bandas horizontales: una superior

con el triunfo de la deidad patrona del mes, en este caso Minerva
, una central con el signo zodiacal ( Aries ) y los tres "decanos", y
una inferior con escenas Del gobierno de Borso d'Este .
Desde un punto de vista estilístico, el mes de Marzo se caracteriza

por formas sólidas y sintéticas, derivadas de la lección de Piero
della Francesca , con una iluminación clara y una construcción de
perspectiva impecable que hacen que incluso los detalles más
improbables y visionarios, como las rocas, sean probables. en el
fondo se ven como "mechones de crema" con castillos posados. El
mundo natural y las actividades humanas se describen con
minuciosidad y participación empática.
El gusto por la línea afilada y dentada, típica de los Ferrarese, se

puede encontrar en las bandas de tela que decoran el vagón
Minerva o en las rocas estalagmitas que se pueden ver en el
fondo.
Decano de la Izquierda Decana del centro Decano de la Derecha
El primer decano, a quien Aby (Aries) joven elegante que lleva un rico cinturón
Warburg llamó Vir niger y otros como El segundo es una mujer joven que con un medallón en las caderas y
Laziness , es un hombre de piel oscura viste una túnica púrpura y flota sostiene un círculo en una mano y en la
con una mirada enojada, con ojos sobre Aries. Ya se interpreta como otra una flecha: ya explicada como una
rojos, vestido de blanco y harapiento, Primavera o Sabiduría , es más alegoría de la actividad , tiene un
con una larga cuerda que rodea sus probable que sea Cassiopeia y atributo de Marte (la flecha), uno que se
caderas: Su aspecto amenazador también se refiere a la diosa egipcia refiere a la Vía Láctea (el circulus lacteus ,
expresa la función de "guardián" del de la dama equina del Nilo, Thueris . es decir, el círculo) y otro que alude a la
signo de Aries. constelación de los Auriga (cordones)
Triunfo de Minerva
Borso de Este
Alegoría de Abril
 Técnica: Pintura al fresco.
 Fecha: 1468-1470 d.C.
 Ubicación: Salone dei Mesi di Palazzo Schifanoia, Ferrara
Al igual que los otros meses , también abril se divide en tres bandas horizontales:
una superior con el triunfo de la deidad patrona del mes, en este caso Venus , una
central con el signo zodiacal ( Toro ) y los tres "decanos", y una inferior con escenas
Del gobierno de Borso d'Este .
Desde un punto de vista estilístico, el mes de abril se caracteriza por formas sólidas
y sintéticas, derivadas de la lección de Piero della Francesca , con una iluminación
clara y una construcción de perspectiva impecable que hacen que incluso los
detalles más improbables y visionarios sean probables. El mundo natural y las
actividades humanas se describen con minuciosidad y participación empática. El
gusto por la línea afilada y dentada, típica de los Ferrarese, nos captura en las
bandas de tela que decoran el carro de Venus o en las rocas estalagmitas que se
pueden ver en el contexto de Triumph.
En la parte inferior es notable la construcción de escenas en diferentes niveles,

pero todas unificadas por perspectiva, con destellos de gran inspiración inventiva.
Un efecto de gran ilusionismo es dado por el joven con el halcón en el centro

sentado en el marco que es la base de los frescos, colgando sus piernas sobre el
borde de los frescos, en un juego que rompe la rígida separación entre el mundo
pintado y el mundo del espectador. . Este efecto se deriva de la lección de
Donatello filtrada con toda probabilidad por Andrea Mantegna .
El triunfo de Venus muestra a la diosa que avanza en un carruaje estacionado hacia la fiesta, dibujada por dos cisnes blancos (iconografía
tomada de los Triunfos de Petrarca ), que se mueve deslizándose sobre las aguas de un río. En ella, la diosa del amor celebra su victoria sobre
Marte , representada en la armadura de un caballero medieval, encadenada y arrodillada frente a la diosa. Su presencia simboliza la retirada
de los instintos de guerra frente al amor. En el fondo, en un paisaje de rocas fantásticas, puedes ver las tres Gracias , mientras que en el césped
junto al río se mueven conejos blancos, símbolo de la fertilidad. Los setos de rosas en la mitad izquierda aluden al mito de la muerte de Adonis .
Alrededor del carro, grupos de jóvenes elegantes hacen música y hablan sobre el amor: algunos se abandonan a los tiernos abrazos o gestos
más audaces.
Desde la izquierda te encuentras con La segunda figura es un joven
La tercera figura es un demonio con
una mujer vestida de rojo con un sentado, vestido con botas,
colmillos de cerdo, piel rojiza y
niño, ya identificada como la brachette y turbante, sosteniendo en
armado con una flecha, que sostiene
felicidad materna y muy sus manos una llave grande, que sería
en su mano derecha un dragón y
probablemente una alusión al mito una transposición del dios cincefalia
delante de un caballo blanco y un
de las Pléyades Anubis , superpuesta a la figura de
perro, ya explicado como Dissolutizza
Sirius .
Anunciación
 Técnica: Temple sobre papel
 Fecha: 1470 d.C.
 Ubicación: Gemaldegalerie Museum, Berlín.
 Separación física de los personajes.

 Actitud y formas diversas con relación a las figuras.
 Juego de colores y sombras entre el Angel y María.
 Espacio iluminado, diseñado y preciso / Presencia de
arquitectura antigua (Anacronía)
 Presencia de perspectiva.
El Ángel Gabriel, activo, alado, e inmortal quien trasmite el
mensaje. Su nombre significa ”el hombre de Dios”. El es
representado de pie durante la primera parte de la Edad
Media después a partir del s. XIII de rodillas (influencia del
amor cortés, arrodillándose a los pies de una dama).
Después del Concilio de Trento (fin 1563), el es
representado en pleno vuelo, para acentuar la
majestuosidad del instante y del personaje. El gesto del
ángel varia: él señala el cielo, tiene las manos cruzadas
para mostrar su respeto a maría, tiende la mano en signo
de saludo… Él lleva a veces un objeto: una vara, un cetro,
una rama de olivo (símbolo de paz), una palma ( símbolo
de la muerte de Cristo), una flor de lys ( flor blanca, sin
estambre símbolo de la pureza y la castidad de la virgen).
Podemos leer también el mensaje en una banderola (un
fragmento con versos) o bien en un lugar cercano a la
boca: ave maría…
María , humana y sumisa, pasiva ella recibe el mensaje divino. Ella
frecuentemente vestido con un vestido rojo y un manto azul Está
sentado o arrodillada en pedido a Dios, por ejemplo al recibir el
anuncio.
Algunos objetos son colocados en relación con ella:
.el libro en recuerdo de una antigua tradición que hace de María ”el
libro animado de Cristo”. El objeto es anacrónico porque pertenece
a un libro de misas o libro de horas, típico de la Edad media.
.la rosa sin espinas pues ella tuvo concepción en pecado.
La escena se desarrolla en la casa de María y José, en una
Iglesia, en el jardín. El interior representado niega” la
condición humilde de María, mujer de un carpintero “. La
habitación es mucho más refinada, intima con los símbolos
matrimoniales: ( el cofre de casamiento, la puerta destaca
que María es la puerta que se abre a Dios, la ventana que
deja ver el rayo de luz, es atravesada tanto como maría).
Podemos encontrar también las manzanas que recuerdan
la desobediencia de Eva al contrario de María, un pavo
real símbolo de resurrección, la rosa.
El caracol es también un símbolo de la
resurrección. El es para algunos un símbolo de
la Virgen- una inglesa lo ha encontrado- en
aquella época creían que los caracoles eran
fertilizados por el rocío que caía del cielo en la
mañana, del mismo modo que la Virgen es
fertilizada por el rocío del cielo, esto hace del
caracol una figura semejante a María, y
autoriza su presencia. Pero su enormidad no
está prevista por la Iconografía. Resumimos que
en una escala real, el caracol tene una
dimensión como un hecho normal, es un buen
caracol Bourgogne posando, pintado no
dentro de la tabla pero si sobre su borde. Esto
significa que este caracol, Francesco del Cossa
lo ha pintado dentro de nuestro mundo, no en
aquel de la pintura, pero sí en el nuestro, y que
desde este mundo el caracol está a punto, a
medio camino de entrar en la tabla.
Tríptico Griffoni
La predela muestra un solo panel:
 Técnica: Temple sobre panel
Predela con historias de San Vicente Ferrer por Ercole de
 Fecha: 1472-1473 d.C. 'Roberti, 27.50x217 cm, Galería de imágenes del Vaticano
, Roma
 Ubicación: Altar de San Petronio en Bolonia.
Los pilares laterales estaban compuestos por ocho figuras
Del Cossa hizo todos los compartimentos principales: los inferiores de santos en nichos pintados, de los cuales se conocen
tenían un sabor más moderno, con fondos arquitectónicos, mientras siete, todos de Ercole de 'Roberti:
que los superiores eran más arcaicos, con un fondo dorado. De
'Roberti, en cambio, curó la pintura de la predela y los santos en los San Miguel Arcángel , 26x11 cm, Museo del Louvre , París
pilares. Sant'Apollonia , 26x11 cm, Museo del Louvre , París
Los compartimentos que hoy conocemos son: San Antonio Abad , 26x11 cm, Museo Boymans-van
San Vincenzo Ferrer por Francesco del Cossa, 153 × 60 cm, Beuningen , Rotterdam
National Gallery , Londres San Petronio , 26x13 cm, Galería Nacional de Imágenes ,
San Pedro de Francesco del Cossa, 112 × 55 cm, Pinacoteca di Ferrara
Brera , Milán Santa Catalina de Alejandría , 26,3 x 9,3 cm, Fundación
San Juan Bautista de Francesco del Cossa, 112 × 55 cm, Giorgio Cini , Venecia
Pinacoteca di Brera , Milán San Jerónimo , 26.3x9.3 cm, Fundación Giorgio Cini ,
Saint Florian por Francesco del Cossa, 79 × 55 cm, Galería Venecia
Nacional de Arte , Washington San Jorge , 26.3x9.3 cm, Fundación Giorgio Cini , Venecia
Santa Lucía por Francesco del Cossa, 79 × 56 cm, Galería En las tablas de Del Cossa, se puede notar la influencia
Nacional de Arte , Washington de Piero della Francesca por la monumentalidad y la
Crucifixión de Francesco del Cossa, redonda, 63 cm de diámetro, luminosidad de los personajes, junto con una variedad
Galería Nacional de Arte , Washington caprichosa de temas, poses y fondos. La norma de
Anunciando ángel de Francesco del Cossa, redondo, diámetro 25 perspectiva y la verdadera iluminación también pueden
cm, Museo de Villa Cagnola , Gazzada . dar naturalidad a los elementos más improbables, como
Virgen anunciada por Francesco del Cossa, redondo, diámetro 25 los pequeños ángeles en San Vicente Ferrer o los castillos
cm, Museo de Villa Cagnola , Gazzada . que parecen germinar de las rocas en los fondos.
Posible San Vicente de
reconstrucción Ferrer
San Giovanni
Bautista
Escuela Veneciana
SIGLO XV
Carlo Crivelli
(1435 – 1495 d.C.)
 Pintor italiano del Quattrocento.
 Situado cronológicamente dentro del Primer Renacimiento pero con sensibilidad decorativa
propia del Gótico Tardío.
 Predominio de la técnica del temple.
 Primeros años en Veneto (Influencia de Vivarini, Squarcione, Mantegna)
 Trabajó gran parte de su vida en La Marca de Ancona.
 Estudió en la escuela de Vivarini, posteriormente trabaja en el taller de Squarcione.
 Ecos de sensibilidad bizatina / Ambientes urbanas elaborados de detalles alegóricos /
Introducción de paisajes con fondo /Inclinación de inclusión de frutas y flores.
 Marcada individualidad
 Figuras y formas claras y definidas en el contorno / Atención al detalle.
 Exclusividad de temática religiosa
 Necesidades espirituales de emoción y sentimiento.
Madonna Virgen y niño
sosteniendo manzana
 Técnica: Temple y oro sobre madera
 Fecha: 1480 d.C.
 Dimensión: 46 X 33 cm.
 Ubicación: Victoria and Albert Museum.
El esquema es típico del artista, con la media figura de Madonna
inclinada sobre una balaustrada de piedra en la que se encuentra el
Niño, envuelta en este caso por el manto de Mary. En el fondo, una
carpa baja aísla a las figuras centrales, enriquecida por una guirnalda de
hojas y frutos y vislumbra dos piezas de paisaje a los lados: seca a la
derecha y exuberante a la izquierda, de acuerdo con el simbolismo de
la vida y la muerte antes y después de la venida de Cristo. .
Muchos otros son los símbolos relacionados con la Pasión y la redención
humana a través del sacrificio de Cristo, a partir de la manzana, el fruto
del pecado original , el clavel rojo (como la sangre que Jesús
derramará), el rubí que adorna el collar sostenido en la frente. María, casi
un símbolo de su premonición. Otros símbolos están vinculados al tema
de la virginidad , humildad y fecundidad de María: perlas, violetas y
melocotones respectivamente.
La mosca que aparece en la balaustrada, junto a la firma del artista, es
una cita culta del arte flamenco .
El vestido de María es suntuoso, compuesto por un damasco dorado
grabado con la tableta. Este decorativismo cuasi-bizantino contrasta la
elegancia extrema de rostros y encarnados, idealizados en el caso de
Mary (como sus dedos largos y afilados), más realistas en el caso del Niño
(como en los pliegues de los típicos muslos del bebé). .
San Esteban
 Fecha: 1476 d.C.
 Ubicación: National Gallery of Londres.
San Esteban está considerado como el primer mártir

cristiano. Era un diácono que vivía en Jerusalén, en el
siglo I, y que fue condenado por los judíos a morir
lapidado. Cuando los artistas pintan las escenas de los
martirios, es relativamente fácil reconocer a los santos
representados, pero cuando pintan solo al santo tienen
que rodearlo de objetos que nos permitan identificarlo. En
este caso, para que sepamos quién es, Crivelli le ha
pegado dos piedras en los hombros y otra en la cabeza,
que la verdad es que quedan un poco ridículas. Va
vestido de diácono, su profesión, y lleva un libro, porque
era un tipo muy cultivado (el que no existiesen libros en el
siglo I es lo de menos). La palma que sujeta en la mano
izquierda es el símbolo típico del martirio. Todos los santos
que la llevan han fallecido de una muerte lenta, dolorosa
y en ocasiones bastante imaginativa.
San Bartolomeo
 Técnica: Temple y oro sobre tabla
 Fecha: 1472 d.C.
 Ubicación: Pinacoteca del Castello Sforzesco de Milán
En el panel acanalado, que se suponía que estaba en la

mitad izquierda, se representa a San Bartolomé a medio
cuerpo mientras se dobla suavemente hacia la derecha
y hacia adelante, sosteniendo un libro en su pecho con la
mano izquierda y la derecha levantando suavemente el
instrumento de su martirio, un cuchillo afilado. con la que
fue desollado vivo. Manos expresivas: la izquierda
ensancha ligeramente el pulgar de los otros dedos, la
mano derecha deja el dedo meñique ligeramente
levantado en el mango del cuchillo.
Notable es la identificación fisonómica y expresiva de la
cara, que aparece concentrada dirigiendo la atención
hacia la izquierda pero abriendo los labios como para
hablar con una figura en el panel adyacente.
San Francisco
 Fecha: 1471 d.C.
 Ubicación: Museo Real de Bellas Artes de Bélgica , Bruselas
San Francisco estaba a la derecha de María, en el puesto que generalmente

pertenecía al dueño de la iglesia. Se le representa de pie, vestido con un hábito,
mientras que con sus manos abre delicadamente un corte en la tela al nivel del
pecho para mostrar la herida en el costado; En las manos también se pueden ver
los signos de los otros estigmas . La mirada se dirige hacia el exterior, con la boca
abierta en una mueca que parece casi grotesca, acentuada por las venas
pulsantes en los tiempos y la rotación de la cabeza.
También se acentúan los gestos de las manos, como es típico de las obras de
Crivelli, con cada uno de sus dedos en una posición estudiada, un poco
'artificialmente teatral, pero muy especial de su estilo.
La cortina a lo largo de la pierna corre recta con pliegues de plomo, generando

fuertes efectos de claroscuro, mientras que en la manga ondula, evitando cualquier
esquematismo.
San Francisco recoge la sangre
de Jesús en un Cáliz
Anunciación con San Emidio
 Fecha: 1486 d.C.
 Dimensión: 207 X146 cm.
 Ubicación: National Gallery of Londres.
Es una de las obras más famosas del artista, en la que la

combinación entre la racionalidad de la perspectiva del
Renacimiento y el decorativismo gótico alcanza su punto máximo,
lo que la convierte en una de las obras maestras más importantes
del Renacimiento en las Marcas.
El tema del anuncio, así como el evento del día de la ciudad,
recordó simbólicamente las "buenas nuevas" recibidas: este
significado se evidencia en la inscripción y, sobre todo, en la
presencia de los escudos de armas de la ciudad, el obispo y el
pontífice. En la suma concordia. La presencia misma de San Emidio
, el santo patrón de Ascoli, que ofrece un modelo de la ciudad al
Arcángel Gabriel, es en sí mismo unicueto y vincula explícitamente
el trabajo con los eventos contemporáneos
Vista de Perspectiva (Capilla Ovetari de Padua de Mantegna)
La habitación de la Virgen está representada con
atención a los detalles, entre elementos simbólicos, pero
ha caído en la vida cotidiana, como la cama
cuidadosamente rehecha, un signo de una vida casta y
virginal, o la extraordinaria naturaleza muerta de objetos
sobre el estante, donde se ve una botella. El vidrio, un
símbolo de la pureza, o una vela encendida, un símbolo
de la fe. Una ventana con rejilla, también hecha aquí con
un dominio completo de la perspectiva, contiene un
pequeño árbol en jarrón, alusión al inevitable hortus
conclusus , y premisa la comunicación ideal entre el
ángel y María. El artista se cuidó mucho de la
reproducción de los materiales más diversos, desde la
madera hasta el tejido, desde las brillantes gemas del
vestido y el obispo de la mitra hasta la opacidad de la
terracota o la alfombra que se encuentra al borde de la
logia del palacio de María (un edificio elaborado y
totalmente renacentista), donde también hay un pavo
real, otro símbolo cristológico de la inmortalidad. Junto a
esta fidelidad óptica hay un verdadero triunfo decorativo,
dado por la riqueza de los bajorrelieves dorados que
decoran el edificio y los vecinos. Todo esto también se ve
reforzado por la luz dorada que impregna toda la escena.
La escena se sitúa en la vertiginosa vista en
perspectiva de la calle a la izquierda, que
termina en un arco; esta construcción
espacial está inspirada en una
composición pintada treinta años antes
por Andrea Mantegna en la Capilla
Ovetari de Padua (el martirio de San
Cristóbal ). A través de un agujero en la
pared, un rayo divino acompaña la huida
de la paloma del Espíritu Santo , que se
acerca a María humildemente arrodillada
ante el atril en el que consultaba los
Evangelios.
A la izquierda, la calle está llena de personajes inspirados en
la vida civil de los Ascoli de la época: hay figuras reconocibles
en trajes de magistrados civiles, frailes y otros transeúntes. Aquí
también hay numerosos detalles tomados del mundo
cotidiano, como alfombras tendidas al sol, árboles jóvenes,
jaulas de pájaros, palomas sobre palos que salen de una
paloma, sobre el fondo de un cielo azul intenso. Las palomas,
las letras, las sábanas, todas se refieren al tema de esperar el
mensaje papal, subrayado por el gesto del hombre cerca de
la perspectiva del fulcro, debajo del arco, que eleva el borde
hasta lo alto, que se eleva desde la luz con la luz. mano,
esperando el mensaje fatídico traído por una paloma; luego,
este mensaje llega y lo lee el hombre que mira el arco, que
lleva el hombre cerca de la jaula.
No podían faltar, como muestra de habilidad, algunos

elementos de virtuosismo de perspectiva, presentes en
muchas otras obras del artista e inspiradas en la cultura
figurativa del arte de Paduan : es el pepino que sobresale en
primer plano hacia el espectador, casi invitándolo. para
recogerlo, y la manzana, cuidadosamente sombreada, que
se nota junto a ella. Estos también son elementos simbólicos,
que recuerdan la fecundidad de María (que en ese momento
es concebida por el Espíritu Santo) y el pecado original que
será lavado por la encarnación y el sacrificio de Cristo.
La riqueza de los detalles significa que, casi como en una

obra flamenca, cada uno de ellos tiene casi una vida
independiente, una singularidad distinta, aunque todos
participan en la unidad formal y sustancial del retablo
Políptico de San
Domenico di Camerino
 Técnica: Temple y
oro sobre tabla
 Fecha: 1482 d.C.
 Ubicación:
Pinacoteca de Brera,
Milán
https://translate.google.com.p
e/translate?hl=es-
419&sl=it&u=https://it.wikipedia
.org/wiki/Carlo_Crivelli&prev=s
earch
El políptico probablemente se pintó en Camerino y es el primer trabajo del artista para la ciudad
de Varano . Estaba ubicado en la iglesia de San Domenico , donde, a diferencia de otras obras
recolectadas en la iglesia de San Domenico luego del terremoto de 1799 , ya existía en la
antigüedad porque estaba pintado para decorar el altar, como lo demuestran los dos santos
dominicanos. Junto a la Virgen en la posición destacada: Santo Domingo y San Pedro Mártir . Se
eliminó durante la dominación napoleónica (el mismo destino que afectó a los otros dos polípticos
de artistas camerinos) en 1811 y se llevó a Milán, donde llegó a Brera el 24 de septiembre.
El trabajo ya había sido desmembrado, ya que las piezas individuales se inventariaban por
separado, y esta reelaboración debía realizarse para facilitar el transporte o incluso ya en
Camerino, después del terremoto. En ese momento faltaba el panel central de la predela,
mientras que existían los tres paneles de las cúspides, que luego se intercambiaron a Filippo
Benucci en dos fases, en 1832 y 1834 , y luego tomaron la calle del mercado de anticuarios (el
mismo destino que ' Anunciación con san emidio ).
San Jorge matando al dragón
 Fecha: 1470 d.C.
 Ubicación: Museo Isabella Stewart Gardner, Boston.
San Giorgio , así como el dueño de la iglesia, era el protector de la ciudad de

Porto San Giorgio , cuyo castillo, dedicado al santo caballero, se puede
vislumbrar en el fondo. Esto explica la preeminencia del santo que, con una
historia figurativa (rara en la producción de Crivelli) ocupa todo un
compartimento del políptico.
En un caballo de crianza, que se asemeja mucho a la pose de la puerta del
órgano de la catedral de Ferrara de Cosmè Tura , George se prepara para lanzar
con la espada el golpe final sobre el dragón, que ya tiene la lanza rota para
perforar la espada. Mandíbulas y cuello. Vigorosa es la acción, a pesar de la
delgadez del joven físico de Giorgio, hecha vibrante por el uso de líneas
quebradas de fuerza y contrastes expresivos, entre el caballo y el monstruo en
tensión y la calma del santo, consciente de la victoria en el nombre. de Dios.
Arriba, a la izquierda, la princesa reza por el éxito de la empresa.
Golpea la decoración chispeante, especialmente en la armadura del jinete y en
los arneses del caballo, donde las aplicaciones de tableta a menudo utilizan
efectos de alivio. Los bordes de la armadura se reanudan en las torres
puntiagudas del castillo en las colinas, con un aspecto de cuento de hadas.
La falta de rendimiento atmosférico típico de Crivelli (la escena aparece como
"bajo vacío", donde el aire no circula) se ve compensada por el modelado
refinado de luz y sombra, derivado de la observación directa de la naturaleza y
capaz de dar efecto al conjunto. de esplendor metalico.
San Jorge
 Fecha: 1472 d.C.
 Ubicación: Museo Metropolitano, Nueva York.
Sobre un fondo dorado elegantemente trabajado como un damasco, se representa a San Jorge en
una pose orgullosa, en la armadura ricamente decorada y con el dragón a sus pies. Unificado al
resto del políptico de la plataforma a sus pies, sin embargo, parece aislado de los otros santos y de la
misma Madonna si, según la reconstrucción actual, estaba a la derecha y en la misma dirección, es
hacia el exterior y no hacia la Madonna en el centro. Quizás el artista quiso enfatizar con una pose
inusual la originalidad creativa que lo llevó a retratar a cada personaje diferente de los demás, y se
caracterizó intensamente. Giorgio aparece como un joven apuesto que, con un elegante contraste ,
se apoya contra la lanza rota (el punto está en la cabeza del dragón) y apoya la otra mano sobre
un costado. Los rizos rubios del cabello se tratan uno a uno con un borde oscuro, con la paciencia
del cincelador, lo que le da un efecto antinatural y metálico, lejos, por ejemplo, de la suavidad de
las melenas leoninas de la ropa exterior, que, por el contrario, sería de metal. Aparecen brillantes. Es
un ejemplo de un efecto deliberadamente irreal, que le da al conjunto un tono mágico y de cuento
de hadas.
La rica armadura antigua, con profusión de spunzoni, recuerda los modelos florentinos
contemporáneos, que tal vez el artista vio circular en el entorno de Paduan .
La cara y las manos tienen una carga expresiva intensa incluso en la relajación de la expresión: esto
se debe a la meticulosa investigación naturalista del artista, que no dejó de representar todas las
variaciones de la epidermis debido a la superficie oculta de los huesos, tendones y venas pulsantes.
Este tipo de hiperrealismo, derivado principalmente del estudio de Donatello , se combina con una
atención muy similar y paralela al aparato decorativo, que constituye una curiosa combinación, que
es el núcleo expresivo de su poética, muy original en el panorama italiano. época.
Virgen de la Pasión
 Fecha: 1460 d.C.
 Ubicación: Museo del Castelvecchio, Verona.
La mesa rectangular, probablemente nacida para la devoción privada, muestra a Mary que,
inclinada sobre un parapeto, sostiene con las manos unidas al Niño, apoyado en él, sobre una
almohada oscura y un paño rojo que acaba de explicar. Detrás de ella cuelga una cortina de
escamas, frente a la cual se encuentra una exuberante guirnalda de frutas, sobre la cual se
alzan los dos jilgueros , simbolizando el sacrificio de Cristo: una leyenda medieval recordada
como un jilguero, que se creía que vivía entre cardos y zarzas. , alivió temporalmente el
sufrimiento de Cristo en la cruz al sacar la espina de la corona y teñirse con la sangre divina
que le dejó la mancha roja en la cabeza.
El tema de la Pasión se expresa aún más claramente por el putti que aglutina el parapeto que
sostiene los símbolos de la Pasión (desde la izquierda, la escalera con la que Cristo fue
depuesto, la lanza de Longino , la columna del azote con el gallo que le recordó a Pedro su
traición). , los látigos, la corona de espinas y la cruz); El mismo parapeto tiene en su frente una
losa de mármol moteado, en la tipología que recuerda la piedra de la unción . A la derecha se
ve una vista de cuento de hadas de Jerusalén y Gólgota , realizada con particular
profundidad. En ella, la puesta de cruces contra el cielo abierto recuerda las obras flamencas .
En la parte superior, debajo de un arco decorado con espejos y flanqueado por columnas
gemelas, hay dos ángeles músicos (con laúd y con el arpa ).
La pintura revela un complejo de influencias, que se refieren directamente a la Squarcione
degli Angeli con los símbolos de la Pasión de la Academia Carrara de Bérgamo , así como a
Marco Zoppo y, sobre todo, a Giorgio Schiavone . Los elementos de las squarciones son
evidentes, a partir del típico festón de frutas, la riqueza decorativa y el acento dramático
acentuado, indirectamente derivado de Donatello . Otros ecos de Paduan se leen en el
clasicismo de la arquitectura, como en los frescos de la Capilla Ovetari , o en los complejos
destellos de las cabezas de los ángeles en la parte superior, derivados de Niccolò Pizolo y su uso
pionero de la perspectiva desde abajo.
Madonna de la Rondine
 Fecha: 1490-1492 d.C.
 Ubicación: National Gallery of London.
Los ottoni , cuyo emblema aparece en el centro en el paso del

trono de la Virgen, fueron los señores de Matelica y encargaron el
trabajo para la iglesia de San Francesco degli Zoccolanti de su
ciudad. La fecha de ejecución no se conoce, pero ciertamente
es posterior a 1490 , año en que el artista recibió el título de millas ,
que también obtuvo en la firma. Los clientes fueron Ranuzio
Ottoni, y el guardián del convento franciscano, Giorgio di
Giacomo, para quien la figura de San Jorge se colocó en la
predela.
Aunque se ha observado que el estilo tardío del artista retrocede

sobre sí mismo, rechazando contribuciones sustanciales del gusto
ya dominante del Renacimiento , el artista también demuestra en
el Altar Ottoni un espíritu de investigación que evita cualquier
repetición del repertorio, estudiando nuevas poses y nuevas.
Decoraciones para sus súbditos y dedicándose con sumo
cuidado a la búsqueda de la verdad en los detalles más
pequeños, vinculados a objetos, animales, fisonomía. Notable,
como siempre, es el estudio de la luz y la sombra, con efectos de
virtuosismo ilusionista: note, por ejemplo, la sombra que la cola de
la golondrina proyecta en la coronación del trono, casi para
certificar su verdadera presencia recién detenida por el vuelo.
Piedad (1493)
 Fecha: 1493 d.C.
Piedad
 Fecha: 1494 d.C.
 Ubicación: Museos Vaticanos.
La obra, firmada por Carlo Crivelli,

probablemente era la parte alta (cimacio) de
un políptico, adquirida en 1831 por Pío VII
(pontífice desde 1800 hasta 1823) en Las
Marcas. Tras abandonar Venecia, el artista pasó
la mayor parte de su vida trabajando en esta
región, como jefe de un importante taller para
iglesias y conventos locales. En esta
composición se pone de manifiesto la
originalidad extrema del leguaje elaborado por
Crivelli, en el que las conquistas renacentistas en
cuanto a perspectiva y nítida modelación de
volúmenes se mezclan con acentos decorativos
y con el uso del oro de estilo tardogótico. La
línea retorcida crea figuras casi abstractas e
irreales, y a pesar de ello, la composición logra
un efecto de solemne y extraordinario
dramatismo.
Jacopo Bellini
(1396 – 1470 d.C.)
 Pintor italiano de finales del gótico internacional y el comienzo del Renacimiento.
 Contacto con artistas como: Antonio Vivarini, Gentile da Fabriano. Y en Venecia, con Paolo Uccello, Nanni di Bartolo, Fra
Filippo Lippi, Andrea del Castagno, Masolino da Panicale y Beato Angelico.
 Fue discípulo de Gentile da Fabriano entre 1410. En 1423, viaja a Florencia y entra en contacto con artistas jóvenes florentinos:
Brunelleschi, Donatello y Masaccio.
 En 1424 abre su taller en Venecia.
 Jacopo Bellini sigue siendo dos importantes álbumes de dibujos, entre los ejemplos más antiguos conocidos de diseño
autónomo, que se utilizaron como un repertorio de modelos para su taller. El primero ( 1430 - 1450 circa) se encuentra en el
Louvre de París y el segundo ( 1450 - aproximadamente 1460 ) en el British Museum de Londres
 Más allá del entorno espacial, los dibujos se caracterizan por un mundo gótico tardío sustancialmente intacto, donde una
multitud de episodios pintorescos y detalles minuciosos carecen de interés cognitivo o ético. Las pequeñas figuras humanas,
que solo tienen un papel accesorio.
 También se menciona constantemente el arte clásico, sobre todo insertando estatuas o copiando monedas como decoración
de los edificios, o eligiendo fiestas clásicas como arcos redondos y ornamentos geométricos (incluso si la gracia permanece. la
típica de la arquitectura veneciana).
 De esta forma de construcción surge una reconstrucción fantástica del mundo antiguo, suspendida entre la tradición y la
modernidad, entre la realidad y la fábula, donde la cita se toma de manera individual, se descontextualiza y se coloca
arbitrariamente, como ya había hecho Pisanello y su taller.
Madonna junto al niño y príncipe
de la casa de Este
 Técnica: Óleo sobre madera de álamo
 Fecha: 1440 d.C.
 Ubicación: Museo del Louvre, París.
Gentile Bellini
(Venecia, 1429 – Venecia, 1507 d.C.)
 Pintor italiano medallista de la República de Venecia,
hijo mayor de Jacopo Bellini.
 Influencia de Ansuino y Mantegna, destacó por su
construcción de figuras con líneas de contornos
grabadas, creando figuras aplanadas en la superficie.
 Mejor retratista de la aristocracia veneciana.
 Vedutismo: Composiciones pictóricas de ciudades y
naturaleza de la vida.
La espacialidad del fondo no es orgánica, sino que se
construye en bloques separados, sin un solo punto de fuga . Al
carecer de un centro de representación, se anima al ojo del
espectador a vagar de un grupo a otro, de un detalle a otro.
Los personajes de la escena están representados con un

cuidado meticuloso, lo suficientemente grande como para Procesión en la Plaza
contener retratos e identificar cuidadosamente los diversos de San Marcos
detalles de su estado social, como la ropa y los accesorios.
Falta la representación dramática de la acción, mientras que  Técnica: Pintura al temple sobre
todo contribuye a proporcionar una crónica precisa del evento. lienzo.
La procesión continúa con el doge en la cabeza, precedido
 Fecha: 1496 d.C.
por los portadores de pancartas y trompetistas y otros símbolos
de poder. Luego están los cohermanos de la Scuola Grande di  Dimensión: 347 X 770 cm.
San Giovanni Evangelista, vestidos de blanco, vistiendo ceri y un
dosel, bajo los cuales, más o menos en el centro de la pintura,  Ubicación: Galería de la
está el cofre que contiene la reliquia venerada. Academia, Venecia.
El estilo de pintura es típico de los gentiles: una línea seca

delimita a los sujetos, dentro de los cuales el color se extiende
de manera neutral, lo que tiene el efecto de la cristalización del
dato real.
San Marco , en un escenario en forma de puente a la izquierda, está ocupado en
una plaza imaginaria en Alejandría, Egipto , frente a un grupo mixto de personajes,
incluidos algunos otomanos con turbante, una serie de mujeres turcas cubiertas por
un largo velo blanco y una serie de dignatarios venecianos en sus ropas, que
contrastan con el exotismo de los otros personajes. El fondo se compone de un
escenario de gran ciudad cerrado por tres lados, claramente concebido por
Gentile, dominado por una solemne mezquita-basílica que parece una combinación
de San Marco en Venecia (con espejos de mármol y el tema del arco como una
corona) y Santa Sofía en Constantinopla (con la forma semicircular de la Sermón de San Marcos
arquitectura llena de contrafuertes ). A la izquierda hay un alto obelisco entre los
minaretes y a la derecha hay un campanario , un minarete y una columna
honorífica . En los laterales hay una serie de edificios sencillos, con paredes lisas
en Alejandría de Egipto
encaladas, que fueron simplificadas en gran medida por Giovanni Bellini, que cubren  Técnica: Óleo sobre lienzo.
los edificios altos y estrechos ya pintados por su hermano, como muestran las
radiografías.  Fecha: 1504-1507 d.C.
Desde un punto de vista estilístico, el lienzo se caracteriza por la ausencia de una  Dimensión: 347 X 770 cm.
profundidad espacial real, deseada para la ubicación original particular de la obra,
que se colgó a lo largo de una de las paredes de las habitaciones rectangulares de
 Ubicación: Pinacoteca de Brera,
la Scuola Grande. La lectura ideal se realiza de forma lineal, a lo largo de los dos
planos horizontales paralelos compuestos por el grupo de figuras y el fondo con el Milán.
majestuoso edificio central. No todos los elementos están conectados al mismo
punto de fuga, como es típico en la pintura de Gentile, que Giovanni trató de
corregir en parte. Esto se ve claramente en el campanario de la terraza a la derecha
de la basílica, que parece tomarse de "sott'in su" (se puede ver la parte inferior de los
balcones) mientras que esto no ocurre en los otros minaretes del fondo.
Giovanni, moviendo y animando a los personajes, aligeró el rigor ordenado del estilo
de su hermano y les dio una peculiaridad peculiar, dando a toda la historia una
dimensión más humana y moderna
Anunciación
 Técnica: Técnica mixta sobre tabla.
 Fecha: 1475 d.C.
 Dimensión: 133 X124 cm.
 Ubicación: Museo Nacional Thyssen-
Bornemisza, Madrid
La composición de esta Anunciación se diferencia de todas las
que se han examinado hasta ahora, entre otros detalles, por su
puesta en escena, ya que el pintor ha escogido el centro de
una ciudad vacía para que san Gabriel lleve su mensaje a
María. En este marco, como es lógico, se ha puesto mucho
cuidado en la arquitectura que envuelve a los protagonistas y
en la que se encuadran. La Virgen, a la derecha, aparece
arrodillada delante de un ligero atril móvil en un amplio y
geométrico pórtico que se decora, al exterior, con un rico
entablamento y con bonitas columnas adosadas. El ángel, sin
embargo, se arrodilla en medio de una estrecha calle enlosada
que nos conduce a una plaza porticada cuyo frente hace de
pantalla, pero que nos permite divisar extramuros un verde
paisaje.
Tanto la estructura como el acentuado ángulo de las fachadas
de los edificios sirven para resaltar la perspectiva y ampliar la
profundidad. En esta compleja construcción, la crítica ha
reconocido la influencia del cuñado del pintor, Andrea
Mantegna, y más concretamente su trabajo en los frescos del
ciclo de los Eremitani de Padua, donde el artista inició su
exploración de la representación ilusionista del espacio.
Retrato de Sultán Mehmet II
 Técnica: Óleo sobre lienzo.
 Fecha: 1480 d.C.
 Ubicación: Victoria and Albert Museum, Londres.
Retrato de Gentile Bellini
Retrato de Dux Giovanni
Mocenigo
 Técnica: Témpera sobre lienzo.
 Fecha: 1478 d.C.
Madonna con el niño en
trono
 Técnica: Óleo sobre tabla.
 Fecha: 1475-1485 d.C.
 Ubicación: National Gallery Of Londres, UK.
Giovanni Bellini
(Venecia, 1433 – Venecia, 1516 d.C.)
 Pintor italiano de Venecia, trabajó la pintura veneciana
desde la tradición bizantina hasta los caminos de
Padua por Andrea Mantegna, de las lecciones de Piero
della Francesca, Antonello da Mesina y Alberto Durero.
 Vinculado al taller de Jacopo Bellini y Antonio Vivarini
Cristo bendiciendo
 Fecha: 1465-1470 d.C.
 Ubicación: Museo del Louvre, Paris.
El Pala di Pesaro está considerado como uno de los primeros trabajos completamente
maduros de Giovanni Bellini , pero su notoriedad no fue suficiente para disolver las
numerosas dudas sobre la datación y las circunstancias de la comisión.
El retablo estaba en la iglesia de San Francisco en Pesaro , donde permaneció hasta
Pala Di Pessaro las supresiones napoleónicas de 1797 ; Con el paso del edificio a la propiedad
municipal y tras varias vicisitudes, la pala aterrizó en museos cívicos. La Pietà, en
cambio, fue trasladada a París , donde fue recuperada en 1815 por Antonio Canova ;
llegó a Roma y llegó a la Pinacoteca del Vaticano, donde todavía está presente,
 Fecha: 1471-1483 d.C. recibiendo numerosas atribuciones a lo largo del tiempo, desde Bartolomeo
Montagna hasta Giovanni Buonconsiglio y Andrea Mantegna . Dal Frizzoni sobre (que
 Dimensión: 262 X 240 cm. escribió en 1913) la obra fue reconocida como la coronación del retablo de Pesaro ,
 Ubicación: Museo Cívico, Pesaro. que en ese momento había sido reemplazada por una mesa con San Jerónimo . La
única voz discordante en esta combinación que se ha vuelto tradicional es la de
Ileana Chiappini, quien, al registrar las diferencias en el punto focal de las obras,
planteó la hipótesis de que habían sido yuxtapuestas solo en un segundo momento
después de la creación separada.
La técnica de la pintura, además de presentar un uso temprano del color al óleo,

también sorprende en el uso, junto con el azul tradicional de lapislázuli y azurita , del
pigmento de esmalte celeste , derivado de la industria del vidrio, veinte años antes de
Leonardo. Da Vinci , quien lo usó en los apartamentos de Ludovico il Moro en Milán en
1492, fue considerado anteriormente como el introductor de Italia.
La obra está firmada “IOANNES BELLINVS” sobre
un cartellino sobre un arbusto que queda abajo a
la izquierda.
La tabla representa a San Francisco de Asís
mientras se encuentra en éxtasis recibiendo los
estigmas.
A la izquierda se encuentra un asno inmóvil que
puede interpretarse como símbolo de humildad y
paciencia o también la estupidez y la
obstinación.
A la derecha, sobre un banco, se encuentra una
calavera, símbolo de la muerte.
Es una de las obras que el artista realizó en torno
al año 1480, como la Resurrección de Cristo que
se conserva en los Museos de Berlín y el San
Jerónimo del Palacio Pitti, Florencia. Estas obras se
caracterizan por enmarcar una amplia gama de
sentimientos humanos en la variedad del campo
y el cielo italianos. Cuida el detalle sin caer en lo
anecdótico.
Éxtasis de San
Francisco
 Técnica: Óleo y temple sobre tabla.
 Fecha: 1480 d.C.
 Ubicación: Col. Frick, Nueva York.
Virgen con el
niño entre dos
Santas
 Técnica: Óleo sobre
tabla.
 Fecha: 1490 d.C.
 Ubicación: Museo del
Prado, España.
La Virgen sostiene en su brazos al

Niño Jesús flanqueada por dos
santas en una Sacra
Conversazione. La santa de la
izquierda se ha identificado como
Santa Catalina y la de la derecha
como Santa Úrsula, que porta la
flecha de su martirio, o Santa María
Magdalena. Excepto la figura del
Niño, las demás se representan de
tres cuartos sobre un fondo de
cortinaje verde.
Pietá
 Fecha: 1460-1470 d.C.
 Ubicación: Pinacoteca de
Brera, Milán.
La tabla se fecha generalmente a
aquellos años en los que la producción
de Giovanni Bellini (hermano de
Mantegna) va liberando de forma
decisiva influencia de Andrea Mantegna
, en el que el artista estaba obligado por
las limitaciones culturales de interés
común y el parentesco.
La pintura, ya en la colección Sampieri
en Bolonia (catalogada No. 454), ingresó
a Brera en 1811 con la donación del
virrey del Reino de Italia Eugenio di
Beauharnais . Actualmente se encuentra
al final del corredor de los pintores
venecianos del Renacimiento ,
presentando la sala establecida por
Ermanno Olmi para el Cristo muerto de
Mantegna
La nitidez de contorno y elementos gráficos (líneas
pintadas en el cabello de John uno por uno o en la
vena del botón del brazo de Cristo) aún recuerdan la
lección de Mantegna, pero el uso del color y la luz es
muy diferente de la de su hermano. Los tonos son, de
hecho, se suavizaron y tratar de devolver un efecto de
iluminación natural, un día claro aire libre, frío y
metálico como el amanecer del renacimiento, lo que
favorece el sentido angustiado de la escena,
haciendo en un sentido como caja de resonancia de
las emociones humanas. La luz se mezcla con los
colores que suavizan la representación, gracias al
borrador particular de la pintura a intervalos muy
cercanos.
En lugar de centrarse en el espacio de perspectiva ,
Bellini parece más bien interesado en la representación
de la humanidad dolorosa de los protagonistas,
derivada del ejemplo de Rogier van der Weyden ,
según un estilo que más tarde se convirtió en una de
las características más típicas de su arte. Las estatuas
de las figuras, que se encuentran aisladas contra el
cielo claro, amplifican el drama, que se condensa en
el diálogo silencioso entre la madre y el hijo, mientras
que la mirada de San Juan traiciona a un compuesto
consternado. El intercambio de emociones se refleja
entonces en el hábil juego de las manos, con una
sensación de dolor y amargura.
Autorretrato de Giovanni Bellini
Retrato del Dux Leonardo
Loredan
 Técnica: Óleo y temple sobre tabla.
 Fecha: 1501-1504 d.C.
 Dimensión: 62 x 45 cm.
 Ubicación: National Gallery of Londres.
Madonna del
Prado
 Fecha: 1505 d.C.
 Ubicación: National Gallery
Of Londres.
Retablo de San Giobbe (Sacra
Conversació
 Fecha: 1487 d.C.
 Ubicación: Galeria de la Academia, Venecia.
El trabajo es una conversación sagrada : alrededor del alto trono de mármol de María y
el Niño, a cuyos pies hay tres ángeles músicos, seis santos están dispuestos
simétricamente, tres a cada lado: a la izquierda San Francisco , Juan el Bautista y Job , a
la derecha Santos Domingo , Sebastiano y Ludovico di Tolosa . Los santos fueron
reanudados e imitados durante décadas: por ejemplo, San Francisco reaparece casi
idéntico en el Retablo de Castelfranco di Giorgione.
La parte más extraordinaria está representada por la bóveda de artesonado que
introduce una perspectiva a la composición sagrada, con pilares en los lados, que son los
mismos que los reales del altar original. El nicho profundo y sombreado del fondo amplía
el espacio alrededor del grupo sagrado, a la sombra de una gorra cubierta con
mosaicos dorados en el estilo veneciano más típico. Por lo tanto, es una extensión virtual
del espacio real de la nave, con figuras que son tanto monumentales como cálidamente
humanas, gracias a la rica combinación de colores. La luz reverbera en los detalles,
siendo capturada por los mosaicos o los instrumentos musicales de los ángeles.
Mary se muestra aislada y absorta en su majestad, con un niño muy parecido al de
Madonna Contarini , siempre en la Academia, y la herencia bizantina es aún perceptible
en el destacamento icónico de la deidad, lo que lo hace misterioso e inalcanzable. .
Presentación en el Templo
 Fecha: 1460 d.C.
 Ubicación: Venecia.
Los personajes principales son casi idénticos a los de

Mantegna: la Virgen sostiene al Niño en pañales con los
pies apoyados en una almohada, mientras que un viejo
sacerdote barbudo se acerca para llevarlo. En frente del
centro está San José , que algunos han identificado en un
posible retrato de su padre Jacopo , mientras que en los
lados el pintor agregó dos figuras más, lo que anima al
grupo y lo compone como una pequeña multitud
humana. Los personajes han sido identificados de diversas
maneras, pero siempre dentro de la familia del pintor: los
dos hombres de la derecha serían un autorretrato de
Giovanni (que mira al espectador) junto a su cuñado
Mantegna o su hermanastro Gentile; Las mujeres de la
izquierda podrían ser Nicolosia, hermana de Giovanni y
Gentile, así como la esposa de Andrea, y la madre Anna.
En lugar del marco de mármol, Bellini dejó solo una
balaustrada, acercando así a los personajes al
espectador. La dimensión más humana de la escena
también está subrayada por la falta de halos y el color
más suave, sintonizado con tonos blancos y rojos
alternados.
La obra tiene un evidente significado devocional. María
entronizada con el Niño, "avariciosa con nuestro Dios
Summo Chreator" (como escribió Barbarigo), recibe la
presentación de Agostino Barbarigo arrodillado por San
Marcos , protector de Venecia y, por lo tanto, de los
Dogos. Por otro lado está Agostino di Ippona ,
homónimo y protector del cliente. María alude al paisaje
de fondo y la fortaleza amurallada, símbolo del
inexpugnable Verginità, que se parece al del retablo de
Pesaro ; La expiación y la desgracia del doge se
referirían al árbol muerto, un símbolo de la muerte y la
culpa para expiar. En el trono se puede ver el emblema
del Barbarigo .
La pintura presenta una serie de importantes

innovaciones que lo convierten en un paso crucial en la
producción de Bellini y en la pintura veneciana en
general. El concepto espacial del siglo XV se abandona
por primera vez en favor de una relación más libre entre
la naturaleza y la conversación sagrada , representada
por la simple balaustrada que divide y fusiona al mismo
tiempo a los personajes en primer plano con el fondo.
Aquí encontramos el motivo de la cortina detrás de la
Virgen, que aísla su figura haciéndola destacar en todo
su majestad y su icónico aislamiento divino. El niño se
pone de rodillas y bendice al perro con suavidad, como
Retablo de Barbarigo
si aceptara su petición de perdón.  Técnica: Óleo sobre panel
Rocco (1969) fue el primero en mostrar cómo el trabajo  Fecha: 1488 d.C.
fue uno de los primeros experimentos en pintura tonal de
Bellini, otorgado a un sentimiento diferente al de
Giorgione , que carece del tema del lirismo profano.  Ubicación: Iglesia de San Pietro Martire , Murano
Vittore Carpaccio
(1465 – 1526 d.C)
 Pintor italiano. Fue uno de los protagonistas de la producción de lienzos en Venecia entre los siglos XV y XVI,
convirtiéndose quizás en el mejor testigo de la vida, el vestuario y la extraordinaria aparición de la Serenissima en
aquellos años. Al igual que otros grandes maestros italianos de su generación ( Perugino , Luca Signorelli , el mismo
Andrea Mantegna ), después de un período de éxitos pomposos, experimentó una crisis poco después del siglo XVI
debido a la dificultad de asimilar las contribuciones revolucionarias y modernas del nuevo "gran" "( Leonardo da Vinci ,
Miguel Ángel , Rafael , Giorgione y Tiziano). Vivió los últimos años relegado a la provincia, donde su estilo tardío todavía
encontró admiradores.
 Influencia de Antonio da Messina, los pintores nórdicos: A través de la aguda identificaión fisionómica de los personajes
y la atención al detalle.
 Influencia de Padua y Ferrara: Pliegues rizados de las cortinas.
 Influencia de Gentile Bellini: Sujetos superan en numero el fondo, relaciones espaciales y de perspectiva no
geométrica ordenada de manera unitaria.
 Carlo Argan: La pintura de Carpaccio ve y comunica lo que ve, nos enseña a filosofar o fantasear.
 Destque del vedutismo.
 Construye una nueva concepción del espacio: un espacio hecho de cosas y ya no de líneas de perspectiva, de
formas y proporciones geométricas.
La cristiana Orsola , hija del rey de Bretaña , aceptó casarse
con Ereo, el príncipe pagano de Inglaterra, siempre que la
futura esposa se convirtiera y la acompañara en una
peregrinación a Roma . La escena muestra a los embajadores
británicos que llegan del rey de Bretaña a pedirle a Orsola
como su novia y es parte de la serie de las tres embajadas ,
generalmente identificadas como las últimas de la serie, con la
Llegada de los
despedida y el regreso . Embajadores británicos a
La composición muy amplia se establece de tal manera que los la corte de Bretaña
diversos momentos de la historia fluyan de una manera más
 Técnica: Óleo sobre lienzo
natural, rítmica con un ritmo bien ordenado, que se inspira en el
ejemplo de manifestaciones teatrales y ceremonias religiosas y  Fecha: 1495 d.C.
civiles de la República de Venecia. Sería imposible imaginar  Dimensión: 275 X 589 cm.
una orquestación tan amplia sin la unificación garantizada por
 Ubicación: Galería de la Academia, Venecia.
la perspectiva y la luz dorada, que impregna la pintura al vibrar
libremente en todos los detalles y generar esa atmósfera
particular en la que parece que el aire circula libremente. En la
ceremonia diplomática, la luz brilla intensamente desde la
izquierda, generando sombras nítidas.
La cristiana Orsola , hija del rey de Bretaña, acordó
casarse con el rey pagano Ereo de los ingleses a
condición de que la futura esposa se convirtiera y
fuera con ella en una peregrinación a Roma . La
escena muestra a los embajadores británicos
regresando a casa llevando la respuesta de Orsola y
su padre, y es parte de la serie de las tres embajadas Regreso de los
, generalmente identificadas como las últimas de la
serie, con la llegada y la despedida. embajadores a la corte
La amplia composición se establece con una
inglesa.
orquestación estudiada en la perspectiva unitaria,  Técnica: Óleo sobre lienzo
con una luz dorada, que impregna la pintura  Fecha: 1495 d.C.
vibrando libremente sobre todos los detalles y  Dimensión: 297 X 527 cm.
generando esa atmósfera particular en la que
parece que el aire circula libremente. Los planos se
suben por la luz, con un uso muy rico del color. El
ritmo es lento y suspendido mágicamente, con una
"suspensión sentimental" que tuvo en esos años entre
los artistas más apreciados también el Perugino .
El sueño de Santa Úrsula
 Técnica: Temple sobre lienzo
 Fecha: 1495 d.C.
La cristiana Orsola , hija del rey de Bretaña, aceptó casarse

con Ereo, el príncipe pagano de Inglaterra, siempre que la
futura esposa se convirtiera y la acompañara en una
peregrinación a Roma . El viaje tuvo lugar, pero a su regreso,
en la ciudad de Colonia , los peregrinos fueron martirizados
por los hunos .
El presagio del destino trágico ocurre en Orsola mientras
descansa en una cama doble que no ha sido tocada por el
lado del novio: un ángel aparece en su sueño con la palma
del martirio, "empujado" por una luz divina que invade la
habitación.
Extraordinaria es la capacidad de mantener una unidad
ambiental integrada al mismo tiempo que se concentra en
los detalles más minuciosos.
De la pintura hay un dibujo preparatorio en el Gabinete de
Dibujos y Estampas de los Uffizi , que muestra cómo la cama
se ha destacado al dar a la escena narrativa un desarrollo
más claro. El ritmo es lento, lírico y suspendido mágicamente,
la luz investiga con precisión los detalles con la precisión de
un Vermeer y el color es denso con efectos atmosféricos que
mejoran el sentido encantado de la apariencia.
La cristiana Orsola , hija del rey de Bretaña, acordó casarse con el
rey pagano Ereo de los ingleses a condición de que la futura
esposa se convirtiera y fuera con ella en una peregrinación a Roma
. Al regresar de la peregrinación, aterrizan en Colonia ocupada por
Martirio de los peregrinos y los hunos , donde Atila se enamora de Orsola y trata de hacerla
suya. Ante la negativa de la mujer, se desata la furia de los hunos
Funerales de Santa Úrsula que mártires con sus compañeros, incluido el papa Ciriaco
(personaje legendario), y once mil vírgenes.
 Técnica: Temple sobre lienzo
 Fecha: 1493 d.C. Funeral
La escena funeraria se compone de acuerdo con los sentimientos
 Dimensión: 271 X 561 cm. de conciencia solemne, con una procesión tranquila que pasa
silenciosamente detrás del catafalque del santo, llevada sobre los
hombros de dos obispos y cubierta por un dosel de bordados
preciosos. Están entrando en una especie de mausoleo, en cuyo
frontón leemos "Ursula".
Los retratos de los personajes actuales son muy precisos, entre ellos
la mujer arrodillada a la derecha, quizás un miembro de la familia
Caotorta que ya había muerto en 1493 , explicando así su posición
separada de la escena. En el fondo se puede ver un panorama de
la ciudad con ruinas y edificios con formas típicamente venecianas.
La escena, según un patrón probado durante mucho
tiempo, se desarrolla por completo en el proscenio del
primer piso, con grupos de personajes que, con su ropa y
sus sombreros, crean una variada obra cromática sobre
el fondo del verde pajizo de la tierra. San EstebanCriado
en un pedestal romano entre antiguas ruinas, indica el
camino de la redención haciendo un gesto hacia el
cielo, mientras grupos de personas escuchan su
predicación. A la izquierda, un grupo de personas
vestidas de oriental y bizantino por los hombros y de perfil,
en el medio un grupo de chicas jóvenes (incluida una
monja oriental con rostro cubierto), rodeadas por otro
grupo similar de personajes masculinos de pie. a la
derecha hay un tercer grupo con dos peregrinos de pie y
un hombre con un turbante sentado en una roca. El
fondo, fantástica visión de la ciudad de Jerusalén., está
poblada por un conjunto repleto de edificios encalados
encalados, con pequeñas cúpulas y otros inventos
arquitectónicos. Forman un arco que "mancha" la luz de
la luz, zigzagueando a lo largo de la cresta de las alturas.
Más lejos puede ver colinas y montañas, típicamente
venecianas, que se desvanecen en la niebla. Entre los
edificios se encuentra el Arco de Trajano de Ancona . Predicación de San Esteban
Las evidencias son las referencias al sermón de San  Técnica: Óleo sobre lieno
Marcos en Alejandría, Egipto por Gentile y Giovanni Bellini  Fecha: 1514 d.C.
(1504-1507), con citas textuales especialmente en
edificios y personajes exóticos.  Dimensión: 152 X 195 cm.
 Ubicación: Museo del Louvre, Paris.
Nacimiento de la Virgen
 Técnica: Óleo sobre lienzo
 Fecha: 1508 d.C.
Presentación de
Jesús en el templo
La Madonna, envuelta en una extraordinaria
capa de damasco dorada y azul, sostiene al
bebé en su regazo mientras, con un burro tirado
por San José , se aleja de Palestina, donde el
rey Herodes ordenó la masacre de los inocentes
, buscando refugio en Egipto. . Los personajes
pasan la vista idílica del paisaje, integrándose
perfectamente gracias a los efectos
atmosféricos de la luz y el color, que en esos
años alcanzaron un vértice en la producción de
Giovanni Bellini . En comparación con su
colega, Carpaccio mantuvo sin embargo una
línea más clara y menos matizada, con un sabor
más arcaico, en figuras humanas, mientras que
el cielo presenta esa suavidad tonal que
denuncia un estudio cuidadoso de la verdad.
Rara es la presencia de este tema iconográfico,

de sabor puramente narrativo, en una pintura
independiente, mientras que se encuentra con
frecuencia en las tabletas de predela (pero este
no es el caso para el tamaño demasiado Escape a Egipto
grande). También sería inusual usarlo como un
trabajo para la devoción privada, donde se  Técnica: Temple sobre tabla.
preferían imágenes de una naturaleza más
meditativa. Algunos entonces plantearon la  Fecha: 1500-1510 d.C.
hipótesis de que la pintura podría estar  Dimensión: 73 X 111 cm.
destinada a una de las muchas cofradías
venecianas de la época.  Ubicación: National Gallery of Art,
Washington.
El lienzo muestra el tercero de los tres episodios relacionados con las
historias de San Jorge : los otros dos son San Jorge y el dragón y el
Triunfo de San Jorge .
Después de matar al dragón y liberar a la princesa, el caballero
cristiano es bienvenido en la ciudad de Selene de Libia , donde los
gobernantes le dan grandes honores. La escena muestra cómo el
rey y la reina de la ciudad se convierten al ser bautizados, seguidos
por otras figuras arrodilladas.
Esta escena y la siguiente en Saint Trifone muestran un cierto
cansancio compositivo, con una pérdida de tensión, vinculado a la Bautismo de los
inmovilidad del bloque con la alfombra en primer plano a la
izquierda, que esconde una parte de la procesión y en la que hay Selenitas
tres músicos de pie. Esto se compensa en parte con la vivacidad y
la riqueza cromática de algunas piezas, como la de los jugadores.  Técnica: Temple sobre panel.
La ceremonia tiene lugar en la parte superior de los escalones de
un edificio en el que se ven dos columnas, quizás de un pórtico. En  Fecha: 1507 d.C.
el primer plano, hay un sirviente moreno de rodillas sosteniendo un
galgo , un turbante inclinado y un gran loro rojo en su correa .  Dimensión: 141 X 285 cm.
La escenografía consiste en una calle llena de edificios
monumentales que culminan en un importante templo de planta  Ubicación: Escuela de San
central, que recuerda el sueño urbano de la ciudad ideal del Giorgio degli Schiavoni ,
primer humanismo; más allá de las paredes hay numerosas torres y Venecia
agujas arquitectónicas, mientras que más lejos en la distancia, dos
colinas suaves se inclinan simétricamente hacia el centro de la
composición, iluminadas por la niebla. La luz dorada y el color
denso garantizan la unificación de todos los elementos, creando
esa sensación atmosférica particular que hace que uno perciba el
"aire" en la pintura.
Retrato de caballero
 Técnica: Temple sobre lienzo.
 Fecha: 1510 d.C.
 Ubicación: Colección Thyssen-
Bornemisza , Madrid
El joven caballero es retratado de pie en el primer piso, con las piernas

abiertas brújula firmemente en el acto de desenvainar la espada, contra
el fondo de un paisaje descrito con una meticulosa atención al detalle,
digno de la pintura flamenca .
El perfil de un jinete armado se separa de las paredes de un castillo

fuertemente cortado en las profundidades, en cuyas paredes podemos
ver la señal de madera de un caballo al galope. Junto al hombre, vemos
aparecer un perro, mientras que otro está justo detrás del caballero en
primer plano. Cada planta y especie de fauna es perfectamente
reconocible; Entre los animales se puede ver, además de los perros antes
mencionados, un armiño (símbolo de pureza e integridad), un venado,
un pavo real (símbolo de la inmortalidad), un leprotto y numerosas aves,
algunas en vuelo y otras en el cuerpo de agua que Se abre a la
derecha.
Un cartucho en el suelo de la izquierda lleva el lema " MALO MORI /

QUAM / FOEDARI " ("Mejor morir que contaminar"), que se refiere a la
virtud del caballero desconocido.
Antonello Da Messina
(Messina, 1430 – Messina, 1479)
 Pintor italiano. Fue el principal pintor siciliano del '400 , primero en el difícil equilibrio
de combinar la luz, la atmósfera y la atención al detalle de la pintura flamenca con
la monumentalidad y la espacialidad racional de la escuela italiana. Sus retratos son
famosos por su vitalidad y profundidad psicológica.
 Durante su carrera, mostró una capacidad dinámica constante para incorporar
todos los estímulos artísticos de las ciudades que visitó, cada vez que ofrecía
importantes contribuciones autónomas, que a menudo se destinaban a enriquecer
las escuelas locales. Especialmente en Venecia revolucionó la pintura local,
admirando sus logros, y luego los grandes maestros de la laguna, apripista de esa
pintura "tonal" dulce y humana que caracterizó el Renacimiento veneciano.
Anunciación de Palermo
 Técnica: Óleo sobre madera.
 Fecha: 1475 d.C.
 Ubicación: Galería Regional de Palazzo
Abatellis , Palermo
La postura es de tres cuartos, el fondo oscuro y la representación

esencial se derivan de los modelos flamencos, en particular de
Petrus Christus que quizás Antonello conoció directamente en
Italia. La luz está pastando e ilumina la cara casi gradualmente,
mostrando las características y la verdad del personaje. El uso de
colores al óleo permite una cuidadosa calidad de luz, con
combinaciones muy suaves que pueden devolver la consistencia
diferente de los materiales, madera, papel, tela, carne.
Sin embargo, a diferencia de las obras flamencas, Antonello tiene
un firme ajuste volumétrico de la figura, con una simplificación del
estilo "epidérmico" de los flamencos que le permite concentrarse
en otros aspectos, como la fisonomía individual y el componente
psicológico, así como el realismo más avanzado.
La obra representa uno de los objetivos fundamentales de la
pintura renacentista italiana. La pureza formal, el aspecto
magnético y la mano suspendida en una dimensión abstracta lo
convierten en una obra maestra absoluta.
Cristo en piedad y ángel
 Fecha: 1476-1478 d.C.
 Ubicación: Museo del Prado. Madrid.
Antonello da Messina regresa en 1476, cuando tiene unos 47 años, definitivamente

en Messina, después de rechazar la oferta para convertirse en un retratista oficial
para los señores de Milán, la Sforza. Con su regreso a su ciudad natal de Messina, el
pintor acentuará en gran medida el realismo y la intensidad de la expresión en obras
verdaderamente asombrosas, como la Anunciata de Palermo y la Piedad , pintadas
entre 1476 y 1478, por orden de un particular.
Es, sin duda, una obra para un cliente privado, pintada para inducir a quienes
buscaban meditar en la pasión de Cristo. El realismo con el que se hace la muerte,
el contraste entre la encarnación rosada del ángel y el más cadaveroso de Cristo, el
dolor extremo del ángel, el contraste entre las figuras en el primer plano y el paisaje,
pretendían implicar emocionalmente al espectador y recuérdele el precio que
Cristo había ganado para su salvación.
El rostro de Cristo probablemente fue tomado de la pequeña tableta de Cristo en la

columna (c. 1476) por Antonello, que ahora es visible en el Museo del Louvre . La
iconografía en la que el ángel muerto sostiene al Cristo muerto es de origen nórdico,
pero ya estaba presente en las obras de Carlo Crivelli . El cuerpo de Cristo se
traduce de forma naturalista, tanto en el lado sangrante como en el rostro sufriente
al que la belleza idealizada del rostro del ángel actúa como contrapunto.
Crucifixión de Sibiu
 Fecha: 1454-1455 d.C.
 Ubicación: Brukenthal National Museum Sibiu, Romania
La crucifixión es el tema de tres pinturas diferentes del maestro

del Renacimiento italiano Antonello da Messina ; los dos primeros
se completaron alrededor de 1454/1455, el tercero en 1475. Se
encuentran en el Museo Nacional Brukenthal ( Sibiu , Rumania );
el Museo Real de Bellas Artes de Amberes ( Amberes , Bélgica ) y
en la Galería Nacional ( Londres , Reino Unido ),
respectivamente.
Una obra temprana que parece estar influenciada por la

escuela flamenca , la Crucifixión de Sibiu se atribuyó
anteriormente a un desconocido pintor alemán del siglo XIV.
Una vista simbólica de Messina se representa en el fondo,
probablemente una alusión a Jerusalén según lo solicitado por el
cliente desconocido, de una manera típica de la época
Crucifixión de Amberes
 Fecha: 1454-1455 d.C.
 Ubicación: Museo Real de Bellas Artes de
Amberes, Amberes, Bélgica
San Jerónimo en el estudio
 Fecha: 1474 d.C.
 Ubicación: National Gallery of
Londres.
En el primer plano, a la izquierda, la perdiz alude a la Verdad de Cristo
, mientras que el pavo real recuerda a la Iglesia y a la omnisciencia
divina. En el piso en el que se encuentra el escritorio del Santo, desde
la izquierda vemos un gato y dos macetas: es una caja , que recuerda
la fe en la Salvación divina, y un geranio , referencia a la Pasión de
Cristo . En el banco de la derecha está el sombrero del cardenal . A
pesar de su pequeño tamaño, la pintura adquiere un efecto
monumental gracias a la articulación de la arquitectura catalana ,
que juega con plenitud y vacío, ya la luz que incide en el tema y que
se infiltra desde las ventanas al fondo, vislumbrando un paisaje
meticulosamente tratado. La perspectiva central hace que la mirada
converja directamente en la figura del Santo y luego se aleje según los
detalles del estudio. . Síntesis de la perspectiva y la luz, el San Jerónimo
en el estudio , es probablemente el trabajo que Antonello trae como
un "ensayo de pintura" para su estancia en Venecia (1475-1476), que
se mostrará como evidencia de futuras comisiones.
Girgio Barbarelli (Girgione)
(Castelflanco, 1478 – Venecia, 1510)
 Pintor popular en vida, no firmó ningún trabajo y su iconografía es un misterio.
 Trabajó en el taller de Giovanni Bellini: prueba de los colores y paisajes.
 Primera etapa de obras sacras: si para Bellini todo está impregnado de lo sagrado y
la creación aparece como una manifestación divina, para Giorgione todo tiene un
aspecto secular, con una naturaleza que parece dotada de su propia norma interna
innata, en la que los personajes están inmersos en sentimientos reales y " terrestre “
 Los "giorgioneschi" caracterizaron sus obras con colores que recrean efectos
atmosféricos y tonales, con iconografías derivadas de sus obras, especialmente de
formato pequeño y mediano para coleccionismo privado. Entre los temas de
Giorgione, el retrato individual o grupal, con un profundo interés psicológico, y el
paisaje que, aunque todavía no se considera digno de un género independiente,
adquirió una prominencia fundamental en armonía con las figuras humanas
Caballero de la Orden de
Malta
 Fecha: 1510-1515 d.C.
 Dimensión: 80 x 64 cm.
 Ubicación: Galeria Uffizi, Florencia.
 Disputa con Tiziano.
Autorretrato como David
 Fecha: 1509-1510 d.C.
 Ubicación: Museo Herzog Anton Ulrich ,
Braunschweig
La Tempestá
 Fecha: 1502 -1503 d.C.
 Ubicación: Galería de la Academia,
Venecia.
Desde un punto de vista estilístico, en este trabajo,
Giorgione renunció a las minucias descriptivas de las
primeras pinturas (como la Prueba de Moisés y el Juicio de
Salomón en los Uffizi ), para llegar a una mezcla de colores
más rica y matizada, que recuerda la perspectiva aérea
leonardiana. (probablemente tomado de las obras del
Leonardesque en Venecia), pero también de las
sugerencias nórdicas, de la escuela danubiana. La
extraordinaria textura de la luz se puede leer, por ejemplo,
en el tejido paciente del follaje de los árboles y su
contraste con el fondo oscuro de las nubes.
Giulio Carlo Argan enfatiza el aspecto filosófico que

subyace en este trabajo y escribe: "Esta relación profunda,
vital e irracional entre naturaleza y humanitas es la poesía
de Giorgione: un poema que también tiene su
determinación histórica en el panteísmo naturalista de
Lucrecio "
El trabajo puede ser considerado como un
"manifiesto" del desarrollo estilístico de la pintura
veneciana en la apertura del siglo XVI, con la
superposición sensible de esmaltes de colores, un
recurso de contenido para el dibujo y una línea
de contorno difuso, elementos clave de
tonalismo.
El tema debe ser una alegoría de la poesía y la
música, con las dos mujeres de belleza ideal, que
son como dos apariencias irreales generadas por
la imaginación y la inspiración de los dos jóvenes.
La desnudez, después de todo, está vinculada a
la esencia divina y la mujer con el vaso de vidrio
sería la musa de la trágica poesía superior,
mientras que la de la flauta es la musa de la
poesía pastoral. Entre los dos jóvenes, el laudista
bien vestido sería el poeta del lirismo exaltado,
mientras que el de la cabeza descubierta sería un
letrista común, según la distinción hecha por Concierto Campestre
Aristóteles en la Poética.
Algunos también han identificado la  Técnica: Óleo sobre lienzo.
representación como una evocación de los  Fecha: 1509-1510 d.C.
cuatro elementos que conforman el mundo
natural (agua, fuego, tierra, aire) y su relación  Dimensión: 118 X 138 cm.
armoniosa  Ubicación: Museo del Louvre, Paris.
Pala di Castelfranco
 Fecha: 1503-1504 cm.
 Ubicación: Iglesia de San Liberal, Castelfranco Véneto
Fue un encargo en homenaje al hijo del condotiero local,

como retablo del altar donde sería enterrado.
Se trata de una composición triangular en el que se ve a la

Virgen entronizada con el Niño, custodiada por los santos
Liberal, patrón de Castelfranco Véneto y Francisco de Asís, a
quien se representa con su atributo clásico: el hábito de la
orden franciscana, fundada por él2y descalzo. Los expertos
consideran la sugestión conseguida del sfumato en las
cabezas de las vírgenes de dos obras comparables, la de la
Pala de Giorgione y la Virgen con niño y santos de su maestro
Giovanni Bellini.
Por su afinidad temática y compositiva es comparada a la

Pala Pesaro de Tiziano.
La pintura retrata a una joven mujer desnuda, cuyo perfil parece
acompañar al paisaje que le sirve de trasfondo. Giorgione ha
puesto mucha atención al pintar ese paisaje, lo cual se hace notar
en los detalles y los sombreados, de este modo la obra posee una
exquisitez y un puro ritmo de línea y contorno. La textura de las
Venus durmiente figuradas telas en donde yace tranquilamente la diosa y el
armonioso, bucólico paisaje, dotan a este cuadro de un justo
equilibrio entre la placidez y la sensualidad. La obra quedó
 Técnica: Óleo sobre lienzo. inconclusa debido al fallecimiento del Giorgione, y el cielo fue
 Fecha: 1507-1510 d.C. posteriormente acabado por Tiziano.
 Dimensión: 108 X 175 cm. La elección de una mujer desnuda al aire libre efectuada por
Giorgione señala una revolución en la historia del arte y es
 Ubicación: Gemäldegalerie Alte Meister. considerada por algunos como el punto de inicio para el arte
moderno.
Las connotaciones eróticas son sutilmente planteadas

(recientemente durante una restauración fue borrado un Cupido
añadido al paisaje con posterioridad a los aportes de Tiziano): la
Venus tiene levantado su brazo derecho mostrando así el hueco de
la axila, esto es una metáfora del sexo femenino, al mismo tiempo
su mano izquierda reposa dulcemente sobre la región pubiana. El
paisaje con sus formas curvas refuerza las de la mujer.
Adoración de los Pastores
 Fecha: 1500-1505 d.C.
 Ubicación: National Gallery, Washington.
La obra se puede dividir en dos partes: a la derecha,

la cueva oscura de la natividad, donde se reúne la
Sagrada Familia y a la que los dos pastores pasan por
alto; a la izquierda hay un gran paisaje, con algunos
pequeños episodios de la vida cotidiana. Algunos
querubines aparecen en la parte superior, cerca del
techo de la cueva.
La luz ahora se convierte en un incidente en túnicas

relucientes, especialmente la de José, ahora tenue y
sofocada. Típicamente, Giorgionesca es el
predominio del color, que determina el volumen de
las figuras, dispuestas en capas superpuestas sin el
límite definido dado por el contorno, que por lo tanto
tienden a fusionar sujetos y paisaje: son los efectos
atmosféricos de la tonalidad que tenía en el maestro
de Castelfranco. Uno de los intérpretes
fundamentales.

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Pintores del Ultimo

Tercio del Siglo XV

Madonna y Niño (Francesco Squarcione)

En la aureola y en la manga de oro bordada hay

Posible autorretrato de Andrea Mantegna en su

Es mundialmente célebre por el ciclo de

 División de la bóveda / Espacio dividido por

 Adquirido por el cardenal Richelieu,

 El santo, sobre un fondo dorado, tiene una

 Las puertas del órgano muestran diferentes influencias básicas, que

Los paneles conocidos son:

 Madonna y el niño entronizado , 239x102 cm, Londres , National Gallery

San Jerónimo es representado penitente en el desierto, con el sombrero

El fondo muestra espolones rocosos con figurillas y una iglesia que

El estilo es típico del artista, con colores metálicos y brillantes, moldeado

Santa Lucía se representa de pie sobre un parapeto de piedra

Su figura es solemne y majestuosa, influenciada por la influencia

El retrato se inscribe dentro de la moda italiana que se

Marzo también se divide en tres bandas horizontales: una superior

Desde un punto de vista estilístico, el mes de Marzo se caracteriza

El gusto por la línea afilada y dentada, típica de los Ferrarese, se

En la parte inferior es notable la construcción de escenas en diferentes niveles,

Un efecto de gran ilusionismo es dado por el joven con el halcón en el centro

 Separación física de los personajes.

San Esteban está considerado como el primer mártir

En el panel acanalado, que se suponía que estaba en la

San Francisco estaba a la derecha de María, en el puesto que generalmente

La cortina a lo largo de la pierna corre recta con pliegues de plomo, generando

Es una de las obras más famosas del artista, en la que la

No podían faltar, como muestra de habilidad, algunos

La riqueza de los detalles significa que, casi como en una

 Fecha: 1470 d.C.

 Ubicación: Museo Isabella Stewart Gardner, Boston.

San Giorgio , así como el dueño de la iglesia, era el protector de la ciudad de

 Fecha: 1472 d.C.

 Ubicación: Museo Metropolitano, Nueva York.

 Fecha: 1460 d.C.

 Ubicación: Museo del Castelvecchio, Verona.

 Fecha: 1490-1492 d.C.

 Ubicación: National Gallery of London.

Los ottoni , cuyo emblema aparece en el centro en el paso del

Aunque se ha observado que el estilo tardío del artista retrocede

 Fecha: 1494 d.C.

 Dimensión: 105 X 205 cm.

 Ubicación: Museos Vaticanos.

La obra, firmada por Carlo Crivelli,

Los personajes de la escena están representados con un

El estilo de pintura es típico de los gentiles: una línea seca

El retablo estaba en la iglesia de San Francisco en Pesaro , donde permaneció hasta

La técnica de la pintura, además de presentar un uso temprano del color al óleo,

La Virgen sostiene en su brazos al

Los personajes principales son casi idénticos a los de

La pintura presenta una serie de importantes

La cristiana Orsola , hija del rey de Bretaña, aceptó casarse

Rara es la presencia de este tema iconográfico,

El joven caballero es retratado de pie en el primer piso, con las piernas

El perfil de un jinete armado se separa de las paredes de un castillo

Un cartucho en el suelo de la izquierda lleva el lema " MALO MORI /

La postura es de tres cuartos, el fondo oscuro y la representación