FACULTAD DE CIENCIAS ADMINISTRATIVAS, CONTABLES,

ECONÓMICAS Y TURISMO.

CARRERA PROFESIONAL DE TURISMO.

INFORME – SALIDA A INKILLTAMBO

CURSO: CIRCUITOS TURISTICOS INTERNACIONALES

DOCENTE: MG.IVONNE ASTETE SAAVEDRA

INTEGRANTES:
175262 LIMA APAZA LISEL VERONICA

AÑO: 2020
 DEDICATORIA

A mi familia por apoyarme en todo momento, por sus sabios consejos, sus valores, su motivación
constante que me ha permitido ser una persona de bien, pero más que nada por su amor y confianza.
INTRODUCCION

Es el segundo gran museo de la ciudad de París en Francia está dedicado a la producción artística
principalmente francesa comprendida entre los años 1848 y 1914, donde tuvieron lugar
movimientos tan destacados como el impresionismo. Cronológicamente, cubre la historia del arte
entre los maestros antiguos (que están en el Museo del Louvre) y el arte moderno y contemporáneo
(en el Centro Georges Pompidou).

Más que museo Orsay es una pinacoteca dedicada a las artes plásticas del siglo XIX y casi en
consecuencia, alberga la mayor colección de obras impresionistas del mundo, lo que en lo personal
me fascina.

En términos de tiempo podría decirse que el Louvre tiene las obras antiguas, el Orsay tiene las obras
del siglo XIX y principios del XX y el Pompidou tienen el arte moderno y contemporáneo.

El museo está emplazado en la vieja Estación de Orsay, construída para la Feria Mundial del 1900,
solo funcionó durante 39 años.

El edificio es bellísimo absolutamente Neoclásico Europeo, Solamente el edificio en sí mismo y los

detalles de ornamentación valen un capítulo aparte, el trabajo del techo, los mármoles y el hermoso
reloj. Y la estación Actualmente está debajo del Museo la actual estación que lleva el nombre
Musée d’Orsay.
1. HISTORIA

Su origen. La Exposición Universal de París de 1900 revolucionó el ordenamiento de la

ciudad con el objeto de modernizar las infraestructuras turísticas para poder albergar los
miles de visitantes que acudieron a la ciudad. Para impresionar a los visitantes se levantó la
famosa Torre Eiffel y la Estación de Orsay (que cumplía la doble función de ornamento y
terminal ferroviaria).

La Gared’Orsay, la estación de Orsay, fue construida por Víctor Laloux. Era la terminal del
tráfico ferroviario que unía Paris con Orleáns y satisfacía el deseo del gobierno francés de
facilitar el acceso para toda Europa la exposición universal. De ahí que se construyera una
estación más, a orillas del Sena, y teniendo como vecinos al Museo del Louvre y a la
Orangerie.

En el siglo XIX el lugar de la Estación de Orsay estaba ocupado por una serie de
construcciones que acabaron pasando al Estado el cual cedió estos terrenos para la
construcción de una nueva estación. La nueva terminal gozaba de una situación más
céntrica que la vetusta Austerliz. Tras dos años de construcción, el 14 de julio de 1900 se
inauguraron la estación y el hotel para la Exposición Universal. Se utilizaron 12.000
toneladas de acero así como 35.000 metros cuadros de vidrio. Recibió numerosas críticas
(al igual que la Torre Eiffel). Al exterior, Laloux disimuló las estructuras metálicas de la
estación con la fachada del hotel en sillar de Charente y de Poitou, de estilo académico. En
el interior, se impuso el modernismo: planos inclinados y montacargas para los equipajes,
ascensores para los viajeros, dieciséis vías en el subsuelo,

El Museo de Orsay Catedral de lo moderno

Breve recorrido por las grandes obras maestras del Museo de Orsay los servicios de
recepción en la planta baja y la tracción eléctrica. El gran hall de 32 m de altura, 40 m de
anchura y 138 m de longitud iba precedido a lo largo del muelle de un vestíbulo y de un
soportal abierto.

De 1900 a 1939, la Estación de Orsay desempeñó el papel de cabeza de la línea suroeste de

Francia. El Hotel de Orsay recibía, además de los viajeros, a las asociaciones y partidos
políticos que celebraban allí sus reuniones y banquetes. Pero a partir de 1939, la estación
dejaría de comunicar con los alrededores. Sus andenes resultaban demasiado cortos debido
a la electrificación progresiva de las líneas férreas y de la prolongación de los trenes.

El hotel siguió funcionando albergando a escritores y artistas que encontraban allí su

inspiración para diversas obras. Un ejemplo de ello fue el actor y director norteamericano

Orson Wells que en 1961 utilizado la estación para la adaptación de El Proceso de Kafka.
El hotel cerró sus puertas el 1 de enero de 1973, no sin antes haber desempeñado un papel
histórico ya que fue en el Salón de Actos en donde el general de Gaulle sostuvo la
conferencia de prensa en la que anunciaba su retorno al poder.

2. LA ADAPTACIÓN PARA ALBERGAR UN MUSEO

En 1973, la Dirección de Museos de Francia tenía en perspectiva el establecimiento de un

museo en la Estación de Orsay, en éste estarían representadas todas las artes de la segunda
mitad del siglo XIX, sirviendo como puente entre las colecciones clásicas del arte francés
expuestas en el Museo del Louvre y las colecciones modernas del Centro Georges
Pompidou. Amenazado de demolición y de reemplazo por un gran hotel moderno, la
estación benefició de un resurgimiento del interés por el siglo XIX y fue inscrita en el
inventario suplementario de Monumentos históricos, el 8 de marzo de 1973. La decisión
oficial de construcción del Museo de Orsay fue adoptada por consejo interministerial de 20
de octubre de 1977, por iniciativa del Presidente Valéry Giscard d’Estaing.
En 1978, el edifi cio fue declarado monumento histórico y se creó el establecimiento
público del Museo de Orsay para dirigir la construcción y el funcionamiento del
museo. La transformación de la estación en museo fue la obra de los arquitectos del grupo
ACT-Architecture (Rennaud Bardon, Pierre Lolboc y Jean-Paul Philippon). Su proyecto,
seleccionado entre seis proposiciones en 1979, debía respetar la arquitectura de Victor
Laloux a la vez que reinterpretarla en función de su nueva vocación. Éste permitía hacer
resaltar la gran nave, utilizándola como eje principal del recorrido y transformar la
marquesina en entrada
principal.
Los trabajos duraron 7 años durante los cuales se recuperó el abovedamiento original y se
devolvió al edifi cio el aspecto de antigua monumentalidad. A derecha e izquierda del
pasillo central del museo, convertido en una galería de esculturas, se construyeron diversas
salas.
Terrazas y galerías articulan el espacio interior del museo en tres niveles horizontales.
En la planta baja, las salas están distribuidas a ambos lados del patio central. En el nivel
intermedio,
las terrazas dominan el patio e introducen a las salas de exposición. El piso superior está
acondicionado encima del vestíbulo que bordea el muelle y que se prolonga en la
parte más alta del hotel que da a la calle de Bellechasse. El 1 de diciembre de 1986, el
Presidente de la República, François Mitterrand, inauguró el nuevo museo que abriría sus
puertas al público el 9 de diciembre.

3. EL MUSEO D’ORSAY
El acondicionamiento interior del museo fue realizado por un equipo de escenógrafos y
arquitectos bajo la dirección de Gae Aulenti. Con Italo Rota, Piero Castiglioni (consultor
para la iluminación) y Richard Peduzzi (para la presentación de la arquitectura). Gae
Aulenti se empeñó en crear una presentación unifi cada dentro de una gran diversidad de
volúmenes, sobre todo por la homogeneidad de los materiales utilizados: revestimiento de
piedra en el piso y en los muros. Este acondicionamiento responde al volumen desmesurado
de la antigua estación.
La señalización fue diseñada por B. Monguzzi y J. Widmer. En cuanto a la iluminación, se
utiliza tanto la luz natural como la luz artifi cial para lograr las variaciones de intensidad
necesarias en función de la diversidad de obras presentada

4. LA COLECCIÓN
Cronológicamente es una continuación de las colecciones del Museo del Louvre, al abarcar un
periodo relativamente corto de los siglos XIX y XX delimitado por dos destacados hechos
históricos: la Revolución de 1848 y el estallido de la I Guerra Mundial en 1914. Alberga pintura
realista, impresionista y postimpresionista, así como de otras corrientes más tradicionales como el
romanticismo y simbolismo. Todo ello, junto a escultura, artes decorativas, fotografía, cine y
arquitectura. Muchas de estas obras pertenecieron en origen al Museo del Louvre, hasta que una
ordenación de las colecciones estatales marcó el año 1848 como línea divisoria entre ambos
museos.

Las obras que el Museo de Orsay alberga en sus salas llenó un vacío originado entre la
colección del Louvre y las obras expuestas en el George Pompidou. Muestra, en toda su
diversidad, la creación artística del mundo occidental, de 1848 a 1914. Fue constituido por
colecciones nacionales procedentes principalmente de tres establecimientos:

• El Museo del Louvre para las obras de los artistas nacidos a partir de 1820, o emergentes
del mundo del arte con la segunda República.

• El Museo del Jeu de Paume, dedicado al impresionismo desde 1947.

• Museo Nacional de Arte Moderno, que al instalarse en el Centro Georges Pompidou, en

1976, solo conservó las obras de artistas nacidos después de 1870.
El arte del Segundo Imperio constituye el tema principal de la planta baja. A través de una
galería jalonada de esculturas de los años 1850 a 1875, se acceden a las diversas salas en las
cuales se exponen obras de, entre otros, Ingres, Delacroix y Monet. Se completa la planta
con pintura histórica y retratos de 1850 a 1880, junto con algunas obras de la escuela de
Barbizon.

El recorrido que proponemos desde Revista Atticus es un tanto singular. No se trata de un

recorrido lineal, sala por sala y en cada una de las plantas. Se trata de un recorrido lineal en
el tiempo. Dado que las obras que en el Museo de Orsay abarca un corto periodo de tiempo
(como ya hemos visto en torno a 1848 hasta 1914) la visita de las obras es lógico iniciarlas
por las pimeras que se iniciaron.
Asímismo enmarcamos esas obras en un estilo, en un movimiento o en una escuela
concreta, reseñando las características de dicho estilo y poniendo las obras en relación con
otras de otros autores o con las del propio artista.

5. LA OBRAS PICTÓRICAS

El museo de orsay conserva y expone la mayor colección de

pinturas impresionistas y postimpresionistas en el mundo lo mismo que notables conjuntos
de pintura simbolista, realista y académica, incluyendo escuelas diferentes de las francesas.
Más de 5000 pinturas componen la colección.

En esta lista no exhaustiva se encuentran los principales pintores del museo con varias de sus
obras y sus respectivos títulos, estén o no expuestas. Incluye igualmente los pasteles. Varias
obras también se encuentran en museos de las provincias como 21 de las 83 pinturas
de Pierre-Auguste Renoir, 20 de las 70 de Édouard Vuillard, 22 de las 64 de Maurice Denis o
18 de las 61 de Pierre Bonnard.

5.1 EL ENTIERRO DE ORNANS

El entierro del Ornans es un cuadro monumental y está considerado como una obra
maestra. En formato apaisado nos muestra una escena cotidiana, sin unos personajes
destacados, sin acción, con el tiempo detenido en el responso de un funeral: un sencillo
entierro en el pueblo natal del pintor. Los personajes que aparecen corresponden a gente del
pueblo. Entre ellos destacan: el cura del pueblo, el abate Bonnet, rodeado de varios curas y
monaguillos, las tres hermanas del artista y, en el extremo derecho, su madre con una niña
de la mano.

Todos ellos personajes serios y vulgares. Las figuras forman un grupo compacto y se
recortan sobre las montañas de la localidad representadas en diversa posturas y actitudes.
No muestran dolor. La muerte no ha producido dolor entre los asistentes, lo viven como un
hecho cotidiano. El relato narrado puede coincidir con el enterramiento del abuelo materno
del propio pintor.
Es una composición abierta que viene determinada por la disposición de las figuras. Estas
aparecen de pie, a modo de friso, imitando los sarcófagos de la antigüedad romana. La
disposición de los personajes parece seguir la leve línea de ondulación de las montañas del
cura que se encuentran al fondo del cuadro. Los personajes no tienen una disposición
jerárquica si bien se mantiene la tradicional separación de los sexos habitual en aquella
época (las mujeres a la derecha) y el clero aparece agrupado pero más bien es fruto de la
ceremonia.
La perspectiva vive dada por el claroscuro. Existe una sensación de barrera visual
acentuada por el negro de las vestimentas. La luz crepuscular no se utiliza para acentuar el
dramatismo sino para destacar la corporeizad de los personajes y la soledad del paisaje con
la línea llana de las montañas del Jura como telón de fondo. La línea del horizonte está
situada por encima de la cabeza de los
Asistentes. Solo existe una línea vertical: la cruz sostenida

La pintura
por uno de los sacerdotes, que tal y como aparece en el cuadro quisiera ser el cristo crucifi
cado del Gólgota, al recortarse su silueta sobre el fondo. La representación de la escena se
acentúa aún más mediante el acabado pictórico del cuadro. La luz es barroca, inspirada,
posiblemente, en Caravaggio. La gama cromática que utiliza es muy reducida, con colores
sobrios en los que predomina el negro y los grises. Con lo que transmite una sensación de
gran tristeza y desconsuelo. También utiliza pequeños toques de rojo (en los birretes y enla
toga) posiblemente infl uencia por las obras de Velázquez y Zurbarán. Solo rompe la
monotonía tonal el perro blanco situado en primer plano. En cuanto a la técnica de la
pincelada esta es minuciosa y abigarrada, aunque como corresponde a todo intento realista
acaba por soltarse un poco. La fuente de inspiración habría que buscarla en los retratos
colectivos de guardias cívicos holandeses del siglo XVII (F. Hals y Rembrandt), mientras
que la suntuosidad de los negros recuerda el arte español.
Al escoger como protagonistas de su cuadro a las gentes del pueblo, los campesinos y los
burgueses con los que Coubert se había relacionado en su infancia, está transformando el
cuadro histórico en una realidad contemporánea, sencilla y auténtica a la vez. Esta obra
supuso una revolución cuando fue presenta al Salón de 1850 – 1851. El enfoque del pintor
es radicalmente innovador tanto por las dimensiones utilizadas que normalmente eran
reservadas a la pintura histórica como por el tratamiento en sí de las figuras que lo
componen.
Ocupaba toda una pared del Salón con lo que Courbet estaba dando una dimensión histórica
a lo que en realidad había sido una ceremonia fúnebre más bien discreta. En los círculos
artísticos la obra no gustó por los propios personajes, poco agraciados físicamente y
vestidos con ropas vulgares, toscas, pobres, pues el pintor no ha recurrido a ningún tipo de
idealización. Además no ocurre nada destacado, es una escena casi estática, que muestra
una gran indiferencia entre los personajes. Muchos críticos denunciaron la “fealdad” de los
personajes, así como la trivialidad del conjunto que quedaron resumidas en la frase que uno
de ellos pronunció: ¿cómo se puede pintar gente tan horrible? Otro de los aspectos
criticados era la desproporción entre el tema y la realidad, entre los medios utilizados para
su realización y el contenido de la obra.
El entierro de Ornans alude al papel de la Iglesia como una autoridad social. Courbet toma
como tema un acontecimiento de carácter religioso: Muestra de forma esquematizada los
elementos que constituyen un ritual concreto, pero no su desarrollo. Ha pintado una oración
sin que nadie rece, con expresiones fijas y congeladas.
La obra también es un retrato colectivo. El grupo no es homogéneo ni su reparto es
simétrico. A la izquierda ha colocado a la mayoría de las autoridades civiles y eclesiásticas,
reconocibles por sus atuendos, y en la derecha aparece el resto del pueblo (familiares,
amigos y vecinos) vestidos de luto.
Pero ¿por qué Courbet decide pintar este momento, por qué decide plasmar su obra en unas
dimensiones majestuosas? La razón del porqué habría que buscarla en la misma idea
generadora del movimiento: la copia en directo, en el campo, en la calle. Es la crónica
social que el naturalismo acerca a la anécdota, a la crítica social. Un perro nunca antes
había sido un motivo representable en un entierro pero por qué no puede aparecer el animal
dentro de la escena entre un grupo numeroso de personas. En definitiva el artista actúa
como un notario de la actualidad recogiendo, con total naturalidad, la escena que en los
pequeños pueblos se repite de forma habitual: el pueblo despide a uno de sus vecinos; una
ceremonia formal más.
El cuadro no fue aceptado para la Exposición Internacional de París de 1855. Courbet y
otros compañeros decidieron montar una exposición paralela que en esta ocasión llevó por
nombre el Pabellón del Realismo llegando a tener más resonancia que “el arte oficial”. Este
pabellón fue el embrión del Salón de los Rechazados que se hizo popular al ser la sede de
las pinturas impresionistas rechazadas.
Algún estudioso ha querido ver en este cuadro una alegoría política. En este contexto, los
dos hombres que aparecen en primer término vestidos de jacobinos y situados de pie junto a
la tumba indicarían que en realidad a quien se está enterrando es a la República.
5.2 EL ORIGEN DEL MUNDO.

El origen del mundo es un cuadro realizado por Gustave Courbet en 1866. Se trata de una
pintura al óleo.
Representa en un primer plano el pubis desnudo de una mujer que se encuentra recostada
sobre una cama con las piernas separadas. Es un retrato sin rostro. Muestra la parte más
íntima de la mujer en el marco del completo anonimato.
Supuso una autentica conmoción tanto por la escala elegida así como el encuadre y hasta el
punto de vista elegido por el artista. Todo ello hace que el espectador experimente una
fuerte impresión de sensualidad y erotismo.
La naturaleza casi anatómica de la imagen y la desnudez absoluta es la respuesta más
sincera, ya que la convenciones del desnudo artístico presentan siempre un
velo púdico o sensual. En la actualidad a una gran parte del público el cuadro les sigue
cohibiendo y no deja de suscitar controversias y discusiones.
Es un cuadro que ha permanecido por mucho tiempo en el anonimato. No fue hasta 1995
cuando fue expuesto en el Museo de Orsay dejando el ambiente privado de sus
anteriores propietarios. Hoy es el día que causa asombro e incredulidad para los no
iniciados. En muchas publicaciones de principios del siglo XX e incluso hasta mediados
del siglo no aparecen apenas referencias ni mucho menos imágenes de la obra. La obra no
solo estaba oculta a la vista del público sino que también permanecía sin nombre, sin título,
víctima del puritanismo de la época que impide llamarle sexo al sexo y que impulsa la
invención de mil nombres para referirse a la cosa.
Lo que llama la atención de El origen del mundo es su realismo, su inquietante realidad. El
espectador se ha convertido en un voyeur. Llama poderosamente la atención la forma con
que el artista ha dispuesto la figura del torso de la mujer en el cuadro. Ha cortado las
piernas y no se ve más allá de los pechos. Esta disposición así como el punto de vista
constituye una auténtica novedad en la Historia de la Pintura. Otro de los cuadros de
Coubert que convulsionaron el mundo de la pintura fue El taller del pintor y que también
Se encuentra en el Museo de Orsay.

5.3 EL BAILE DEL MOULIN DE LA GALETTE

Este cuadro es uno de los más grandes y mejores en la producción del artista. Se mostró por
primera vea al público en la exposición de 1877. Para muchas personas decir Renoir es
decir Le Moulin de la Galette. Y son muchos los artistas que considran a este cuadro como
el más hermoso del siglo XIX Le Moulin de la Galette era un verdadero molino
abandonado situado en la cima de Montmartre, lugar de ocio y el paraíso de la bohemia
parisina habitado por artistas, literatos, prostitutas y obreros. Allí se encontraban dos
molinos con las aspas casi siempre inmóviles que parecían haberse conservado solo para
mantener el nombre del lugar. El nombre se debe a una pequeña galleta de maíz de centeno
que se ofrecía de acompañamiento a un vaso de leche a los aldeanos y excursionistas
visitantes de la colina de Montmartre. Hacia 1830, un conocido granjero, Debray,
descendiente de una familia de molineros lo transformó en una especie de sala de baile, de
cabaret. Con el paso del tiempo el local se convirtió en un lugar lleno de encanto. Los
domingos y festivos eran días de baile en Le Moulin, llenándose con la población que
habitaba el barrio: pequeños burgueses, obreros soldados, chulos, modistillas y chicas
acompañadas, por sus madres, en busca de novio. Los bailes comenzabana las tres de la
tarde y se prolongaban hasta bien entrada la medianoche. Una orquesta amenizaba la danza
mientras que alrededor de la pista se disponían mesas bajo los árboles para aprovechar la
sombra. Interpretaban canciones populares, valses, rigodones y polcas. El lugar también era
frecuentado por artistas que habitan los estudios fríos y húmedos de las calles cercanas.
Renoir, en su deseo de representar la vida moderna inmortaliza este lugar en uno de los
lienzos míticos del Impresionismo. La escena nos introduce en los jardines del Molino de la
Galette, con uno de sus célebres bailes concediéndonos una visión del lugar más amable y
elegante de lo que en realidad era. Renoir pasaba con frecuencia un rato las tardes el
domingo en este abigarrado local. Describir la alegra animación del baile del Moulin era un
proyecto muy tentador, pero necesitaba de preparativos. Tenía que encontrar cerca del
Moulin un local en el que pudiera instalar su tela, y tal vez alojarse. Encontró un local que
reunía buenas condiciones (un gran jardín con un piso decentemente amueblado y a un
precio razonable) en la calle Cortot, una callecita que

Descendía de Montmartre. Renoir se empeñó en pintar la tela al aire libre. Renoir ejecutó
su gran lienzo en el jardín, entre las mesas, allí donde las tardes de verano se bebía, se
bailaba y se flirteaba. Sus amigos le ayudaron a transportar el lienzo desde su
estudiovivienda hasta el local, y le sirvieron también como modelos para las principales
figuras. En la mesa se sientan los pintores: Lamy, Goeneutte y Georges Rivière, con sus
hermanas Estelle y Jeanne. Hacía la mitad del cuadro bailan el pintor cuabano Pedro Vidal,
de aspecto algo cursi, con su amiga Margot, una modelo muy solicitada y detrás pueden
verse a los pintores Gerves, Cordey, Lestringuez y Lhote. La primera impresión que nos
causa la contemplación de la obra es un tremendo desorden. La composición del cuadro es
compleja y difícil a causa tanto de sus dimensiones como de la multitud de personajes
retratados. La composición se basa en una diagonal, con las figuras en primer plano y abajo
a la derecha, por otro lado las figuras del fondo a la izquierda. Diversos personajes se
agrupan entre ellos formando un coloquio. Los tres personajes del primer se agrupan
entorno a la mirada de la mujer vestida de negro y de pie que está mirando al joven sentado
en la silla amarilla. Una pareja que baila, otra a su lado. un grupo situado a la derecha que
destacan porque los hombres llevan canotiers. Falta un primer plano ya que el encuadre se
centra en los personajes sin dejar espacio para el cielo. La luz es difusa con las manchas de
sol que penetran a través de los árboles. El artista logra, con sus colores alegres y
embriagantes, establecer un notable juego de luz y penumbra, y, sobre todo, un gran
equilibrio de las formas y una espléndida conjugación de los colores. Un tema que a
muchos de los impresionistas les preocupó era la luz del sol y sobre todo la incidencia que
ésta tenía sobre las personas. Aquí el sol es difuminado con la ayuda del ramaje. La sombra
que arrojan los árboles está repartida por el conjunto del cuadro como un tono general de
azul claro, color que se une en múltiples variaciones con el verde de las hojas, el amarillo
claro de los sombreros de paja, sillas y cabellos rubios y el negro de los trajes de los
hombres. Una atmósfera polvorienta, centelleante cubre todas las caras y da a sus contornos
y detalles aquella precisión a la que estaban acostumbrados los ojos de los observadores.
Un análisis técnico y estilístico nos permite descubrir que el protagonista del cuadro es la
luz. Una luz que inunda todo el cuadro y que circula revoloteando por toda la escena
unificando el color y alterando las formas y las figuras, de los que arranca una serie de
pequeños reflejos y matices tornasolados con los que logra esa sensación vibrante de
movimiento bullicioso y que el pintor consigue plasmar a base de pinceladas finas y
sueltas. El dibujo y la línea no tienen cabida en esta pintura en la que todos los cuerpos
parecen estar definidos y delimitados únicamente por manchas de color llenas de
luminosidad que lo invaden todo y se funden unas junto a otras. Renoir consigue con esta
cierta indefinición de contornos ese efecto de instantaneidad que buscaba sin por ello
perder la caracterización de rasgos y actitudes de los personajes que se observan sin
dificultad hasta en los más alejados de los primeros planos. Este cuadro marca un hito en la
historia de la pintura europea: revela una manera nueva de interpretar la naturaleza, la luz y
el bullicio. El sol lo inunda todo. Casi podemos oír el bullicio de la gente, de la música y de
la charla de los personajes que se divierten, que se mueven. Renoir retrata sabiamente, en
un lienzo de grandes dimensiones, un acontecimiento de la vida cotiadiana, algo que no se
había hecho hasta entonces.
6. ESCULTURA

En 1 de diciembre de 1986 el Museo de Orsayabre sus puertas al público reuniendo un

conjunto de más de mil esculturas. La mayoría de las obras se encuentran dispuestas a lo
largo de la gran nave central, un espacio idóneo que recibe la luz de forma natural
procedente de la gran cúpula que cubre el edificio. En 1973, la Dirección de Museos de
Francia tenía en perspectiva el establecimiento de un museo de Orsay en el cual estarían
representadas toda as artes de la segunda mitad del siglo XIX, sirviendo como puente entre
las colecciones clásicas del arte francés expuestas en el Museo del Louvre y las colecciones
modernas del Centro Georges Pompidou. Las esculturas expuestas están realizadas, en su
mayoría, en la segunda mitad del siglo XIX y el primer cuarto del siglo XX. Gran parte de
ellas proceden de antiguas colecciones del museo Luxemburgo, del museo del Louvre y de
los depósitos del Estado francés. El Museo de Orsay tuvo su origen en el Museo de
Luxemburgo que abrió sus puertas en 1818 bajo el reinado de Luis XVIII con el objetivo de
reunir las obras de artistas en vida. Es decir, que nació con la vocación de Museo de Arte
Moderno. En 1852 el museo contaba con apenas veinticinco esculturas. No será hasta 1875,
con la muerte de Barye, escultor francés, académico y uno de los primeros representantes
del naturalismo, cuando entren nuevas obras al producirse una auténtica revolución en la
manera de entender la escultura. En 1877 los fondos del museo ya cuentan con cerca de
cien esculturas y es ahora cuando empieza a abrirse a artistas más modernos. El primer
Rodin que adquiere el Museo Luxemburgo en 1881 es La Edad de Bronce con alguna
reticencia por parte del comité de adquisiciones. Posteriormente de forma paulatina los
fondos se van enriqueciendo con grandes figuras como Daumier, Bourdelle o Carpeaux.
Estas nuevas adquisiciones son de artistas franceses. Durante muchos años los creadores
extranjeros fueron los grandes olvidados. Conscientes de este problema los nuevos
conservadores al frente de la institución intentan paliar esta carencia. No será hasta 1890
cuando un belga, Constatine Meunier entre a formar parte de la colección del museo. Esta
nueva política trae como consecuencia la búsqueda de un nuevo espacio para poder exhibir
las esculturas. En 1923 se crea el Jeau de Paume de las Tullerías para albergar un museo de
las Escuelas Extranjeras vinculado con el museo del Louvre. Pero a partir de 1947 el Jeu de
Paume se ha convertido en el museo del impresionismo con pinturas y esculturas de los
grandes maestros que se habían convertido en auténticas estrellas. Aún así la escultura está
considerada como un arte secundario asociando las obras con los grandes maestros
impresionistas como el caso de Degas o Gauguin, siendo la excepción el genio Auguste
Rodin. El Museo de Luxemburgo cierra sus puertas en 1939 trasladándose las obras a otro
Museo de Arte Moderno construido con ocasión de una Exposición Universal (Palacio de
Tokio). Se queda pequeño antes de abrir sus puertas y los fondos del Estado se tiene que
repartir con desigual fortuna por diferentes localidades.

6.1 LA PUERTA DEL INFIERNO, AUGUSTE RODIN

Para la realización de La Puerta del Infierno debió tener muy presente las famosas puertas
de acceso al baptisterio de Florencia que realizó Ghiberti y que conoció, como hemos dicho
antes, durante sus viajes a Italia. El proyecto no se llevó a cabo. Había que aprovechar el
trabajo de Rodin. Y, nuevamente, cambió el concepto. Lo que iba a ser una puerta con dos
hojas ahora se convirtió en una especie de arco de triunfo. A Rodin este espacio le sirvió
como banco de pruebas de diferentes bocetos y obras como El pensador y El beso. Se
convirtió en el eje entorno al cual gira su creación artística. Trabajó en ella casi cuarenta
años y aun así la dejó inconclusa. En ella puso de manifiesto todo su interés artístico tanto
en la arquitectura gótica como el renacimiento italiano. Su aspecto es monumental. Mide
seis metros de alto por cuatro de ancho. Contiene cerca de 200 figuras de diversos tamaños
llegando a alcanzar un metro de altura alguna de ellas. La puerta consta de un podio o base,
un cuerpo central formado por un conjunto de rectángulos y está rematado por una cúspide.
Los rectángulos centrales recogen escenas que tiene que ver con la caída al abismo y el
inútil intento por salir del abismo. En la parte izquierda destaca la figura imponente de un
hombre caído en la desgracia. En la zona inferior sobresale del conjunto Angolino y El
beso. En toda la obra Rodin trata de recoger el tema clave que no es otro que el de hombre
que tiene que sufrir por sus debilidades y sus culpas, simplemente por el mero hecho de
existir. Así en Ugolino (que ya hemos visto el tema en este mismo artículo en la figura de
Carpeaux) el sufrimiento viene derivado del propio instinto natural, de la propia
supervivencia. Pero en el caso de El beso (El abrazo de Paolo y Francesca) se trata del
deseo que se impone a las leyes de la moral. Es el primer beso que se dan Paolo Malatesta y
Francesca de Rimini en el momento justo en que son sorprendidos por el marido de
Francesca (hermano de Paolo) quién mató a los dos amantes. En el friso superior y antes de
Las tres sombras nos encontramos con El Pensador, una obra que años más tarde Rodin
desarrollaría de forma independiente (al igual que sucedió con Ugolino y El beso). Algunos
autores han querido ver en esta figura al propio Rodin que asiste aterrado, contemplando el
mundo que le ha tocado vivir. Otros han expresado que se trata de un retrato de Dante: un
hombre atormentado por las desgracias que se le presentan en su mente. Las
representaciones que se encuentran esparcidas por los paneles tiene que ver con el género
humano y su escenografía se basa en el sufrimiento y tormento. Las pequeñas figuras están
llenas de vigor. El artista manifiesta su interés por las superficies rugosas con aspecto
inacabado. Corona el conjunto Las tres sombras que es la figura de Adán expulsado del
paraíso vista desde tres puntos diferentes. Sobre el friso se encuentra una inscripción que
vienen a resumir la simbología de La puerta del Infierno: “Dejad que toda esperanza se
disuelva cuando entréis aquí”.
6.2 NEGRO DEL SUDÁN

Cordier fue un discípulo de Rude. Francia abolió en 1848 la esclavitud. Ese mismo año presenta en
el Salón un busto de un sudanés que causa una gran expectación. Fue uno de los pocos escultores
que realizan sus obras policromas para lo que utiliza diferentes materiales como el ónice, pórfido,
mármol blanco y oscuro. Sus bustos se caracterizan por una gran naturalidad. Juega hábilmente
con los contrastes de los diferentes materiales para crear juegos de luces y sombras. Los modelos
están tomados al natural de sus numerosos viajes etnográficos que realizó por Egipto, Argelia y
Sudán. La buena acogida que tuvieron sus obras en buena parte se debe a la fascinación que
ejerció el orientalismo en la sociedad francesa del siglo XIX (ver Revista Atticus número 5, página
25 y siguientes). En esta obra retrata a un modelo africano, antiguo esclavo. Realizada en 1847 va
a suponer un punto de partida en su obra. A partir de entonces se dedica a viajar y a representar la
diversidad de la fisonomía humana. Supo dotar a la figura de un porte digno semejante al de un
gran emperador romano. El rostro es de bronce y la indumentaria así como el turbante con el que
va tocado es de mármol ónice de Argelia. Para el público de la época esta obra de Cordier causa
sensación al no estar habituados tanto en el modelo como en el contraste de colores ya que las
esculturas o eran en bronce o en mármol. Vista del conjunto de las tres piezas exóticas de
Cordiersituadas en la Galería Principal del Museo de Orsay. La escultura Una de las grandes figuras
de mediados del siglo XIX es Jean Baptiste Carpeaux. Esta considerado como el padre de la
escultura modernistfrancesa.
6.3 LAS CUATRO PARTES DEL MUNDO.

Jean Baptiste Carpeaux con esta obra consiguió superar el clasicismo dominante hasta ese
momento en la producción escultórica del siglo XIX. Se alejó del típico tratamiento
habitual en las figuras alegóricas de ese momento basadas en el tratamiento clasicista de la
figura humana. De esta manera está abriendo la puerta a una renovación en el lenguaje
escultórico que tendrá en la figura de Rodín su máximo valedor. Carpeaux con sus obras
buscó la manera auténtica y directa de expresar la tendencia del momento: la tendencia de
hallar en la escultura la viva expresión de la Naturaleza.

La Fuente de las Cuatro Partes del Mundo es otra de las grandes obras monumentales de
Carpeaux. Fue erigida en París, en 1874, en el Jardín del Obrservatorio. Cuatro figuras
femeninas que simbolizan las razas humanas, danzan en círculo sosteniendo sobre sus
hombros una gran esfera armilar. Para la alegoría de África, el artista eligió una mujer de
color con uno de sus tobillos “adornado” con un grillete como símbolo de la esclavitud a
que se vieron sometidos. América luce un toco indio muy característico. Curiosamente para
el continente asiático Carpeaux compuso una figura en la que el torso es de una mujer y la
cabeza de un hombre con rasgos orientales.
7. LA DIFERENCIA ENTRE LOS DEMÁS MUSEOS

Todos sabemos que la ciudad de París es una de las ciudades con mayor oferta de museos
en el mundo. Es más, el surgimiento de lo que conocemos hoy como museo, un recinto
público donde se juntan varias piezas naturales o artificiales, pinturas, esculturas que han
marcado la historia humana y de nuestro mundo, nace en esta ciudad. Toda persona que la
visita, pasa al menos por uno de ellos, deseando poder ver aquellas piezas de arte y o de
civilizaciones milenarias con la intención de conservarlas bien en su memoria, bien en una
fotografía.

Una de las características del museo de Orsay es el lugar mismo donde se exhiben sus
obras. El edificio, que alberga esta colección, es en sí mismo una joya arquitectónica, y
fácilmente reconocible pues tiene un increíble y gran reloj en su exterior, visible este al
pasear por el Sena. Por otro lado, su extraordinaria localización no es casual. Este recinto
ha sido desde sus inicios protagonista de grandes historias. Originalmente, en su
emplazamiento, fue construido una de las propiedades de la Reina Margarita de Valois,
esposa de Enrique IV. Cuando ella murió, el terreno se transformó, para convertirlo en
viviendas y puerto fluvial.

A finales del siglo XIX, París, fue elegida por quinta vez como sede de una exposición
universal. Para ello, se le pidió al arquitecto Victor Laloux construir una estación de tren
que ayudase a los visitantes a desplazarse rápidamente a los recintos de la exposición. La
obra duraría dos años y estaría lista para operar el 14 de julio de 1900.

No obstante, esta lujosa estación empezó a sufrir los efectos de la evolución tecnológica
ferroviaria, hasta el punto que en pocos años quedó obsoleta, tuvo que ser clausurada y
cayó en el abandono. Muchos proyectos amenazaron con derrumbar este edificio. La
incertidumbre se cernió sobre él hasta que el gobierno, durante la década de los setenta del
siglo pasado, decidió salvar esta bella estructura al declararlo patrimonio histórico;
momento en el cual se decidió convertirlo en un espacio museístico. De este modo, y tras
ganar un concurso público, los arquitectos, Pierre Colboc, Renaud Bardon y Jean-Paul
Philippon, fueron los responsables en transformar su exterior. Años después, el presidente
François Mitterrand, inauguró el oficialmente este museo único.
8. PRECIOS Y HORARIOS

El billete normal, con acceso a todas las exposiciones, cuesta 12€.

Billete de un día con acceso sin colas 14€

La tarifa reducida cuesta 9€ y tienen acceso a ella las personas de 18 a 25 años que no sean
ciudadanos de la unión europea. También si visitas el museo después de las 16:30h (excepto jueves)
y los jueves después de las 18:00h.

Es gratis en las siguientes situaciones:

Para menores de 18 años

Los primeros domingos del mes

Para ciudadanos europeos de 18 a 25 años (también residentes de larga duración)

Para portadores de la tarjeta turística de París: Paris Pass

HORARIOS

De martes a domingo 9.30 am-6.00 pm / jueves abierto hasta 9.45 pm. Cierra el 1 de mayo y el 25
de diciembre.

BIBLIOGRAFIA
https://www.ecured.cu/Museo_de_Orsay
https://es.wikipedia.org/wiki/Museo_de_Orsay#Colecci%C3%B3n

https://www.parisando.com/museo-de-orsay/

https://whiteumbrellatours.com/es/museo-de-orsay/

https://milviatges.com/2017/mejores-obras-del-museo-de-orsay

https://america.france.fr/es/paris/articulo/museo-orsay-paris