El actor y la cámara

Apuntes de Norma López

El mundo audiovisual es precisamente eso, todo un mundo. Contar con una serie de
conocimientos que ayuden a desenvolverse en el medio y que además te den nuevas perspectivas
para su apreciación, no es nada desdeñable.

Como punto de partida del artículo y para desentrañar lo que es el trabajo delante de las cámaras,
comenzaré matizando ciertas diferencias que tiene con el teatro.

Teatro vs Cine (o viceversa).

Características del trabajo ante la cámara

Si bien en ambos el instrumento es el mismo (el actor); la forma de utilizarlo será diferente en
todos sus niveles (gestual, espacial, vocal, secuencial, étc.):

_ En el teatro es imprescindible la proyección hacia el público, tanto del gesto y la voz como de la
energía, ya que la actuación ha de percibirse desde el rincón más lejano del recinto.

_En el cine ese derroche energético no será necesario puesto que la cámara encuadra al actor. Eso
sí, hay que tener en cuenta que dependiendo del plano de grabación que se use, la misma, estará
situada más cerca o más lejos del intérprete, lo que implica que no habrá una única forma de
utilizar la energía y la expresión, si no que habrá que jugar con la amplitud o la disminución de los
gestos según se trabaje con un plano más corto o más largo; sin olvidar que en general cualquier
mueca, por pequeña que pueda parecer, es magnificada por la atenta mirada de la cámara, sobre
todo en los primeros planos, por lo que puede decirse que el cine, “grosso modo”, requiere un
amplio grado de sutilidad.

Menos es más y cuanta mayor naturalidad mejor, cosa que no es requisito imprescindible en el
teatro. El arte cinematográfico demanda, como dicen, una no-actuación por eso muchas veces en
los castings buscan personas que, de por sí, se ajusten al personaje, no necesariamente actores.

Ante una cámara el actor debe mantenerse en la “inestable frontera entre lo verdadero y lo
simulado”

Respecto a la voz, se debe usar con total normalidad, tal y como se haría en la vida corriente,
puesto que siempre habrá un micrófono cercano; Así que como suelen decir: si necesitas susurrar,
hazlo.

Antes de seguir es necesario matizar que, independientemente de estas diferencias “energéticas”,

tanto la actuación cinematográfica como la teatral han de ser igualmente intensas y
comprometidas (en cuanto a emociones)

Para los actores de teatro no tiene por qué suponer problema alguno trabajar en cine, siempre y
cuando se adapten a los nuevos requisitos.
En las obras teatrales, como decíamos, es necesario hacer gestos amplios y visibles, pero en el cine
se ha de trabajar con una interpretación concentrada y clara; directa al centro de la emoción. Por
ejemplo, el uso de los ojos es importantísimo en los primeros planos, así como cualquier
microgesto que se haga ya que, en este tipo de planos, la cámara ve tus pensamientos y por otra
parte, ésta hace gran parte de la actuación, así que es mejor condensar el gesto (algunos dan la
recomendación de hacer solo uno por toma, pero ese gesto tiene que serlo “todo”; intenso y
claro)

“Es el aprendizaje o uso de lo microscópico frente a lo macroscópico del teatro. Ante la cámara
prevalece una actuación naturalista, similar a la vida misma y por eso, actuar y no actuar, se rozan,
se bordean y se mezclan” (Gustavo Casanova)

Como aseguraba Diderot en su libro “La paradoja del comediante” un buen actor es aquel que
alcanza una síntesis entre naturaleza y técnica: Por un lado, aprender a manejar el gesto con la
mayor precisión técnica, pero a la vez con absoluta naturalidad, incluso sin palabras. Esto es
aplicable hoy a la actuación cinematográfica.

Tony Barr, respetado profesor de arte dramático, en “Acting for the camera” (considerado uno de
los mejores libros a este respecto) hace un par de observaciones muy interesantes: “En el
escenario, debes actuar; frente a la cámara es mejor tener una experiencia”

“Cuanto más piensa un actor, menos sentirá. Pensar es para la preparación del papel; escuchar y
sentir para la actuación”.

Lo cierto es que el mejor actor cinematográfico debe ser aquel que nos hace olvidar que “existe”
un actor; éste tiene que “ser antes que interpretar” (Jacqueline Nacache)

A parte de lo ya mencionado deben tenerse en cuenta otras características del mundo audiovisual
como son:

- Ausencia de bagaje sentimental [Continuidad teatral vs discontinuidad cinematográfica].

Aprender a situar las actuaciones y los sentimientos, sin la memoria sentimental del personaje:

Por temas obvios de economía en todos sus sentidos, las secuencias no se ruedan de manera
lineal, lo que provoca una ausencia de sentimientos acumulados. Esto en teatro se adquiere al
interpretar la obra en su totalidad lo que ayuda enormemente a dar el impulso dramático.

En el cine, la emoción, sale de la “nada” en todo momento; Por lo tanto, el actor tendrá que
aprender a detonar e impulsar sus emociones con otras técnicas o desde otro punto.

Un pequeño truco que dan para esto, es anotar las emociones de cada escena en el script para que
el actor pueda situarse en cómo se ha de sentir su personaje en ese momento concreto,
independientemente de si ha ocurrido aquello que lo detonase o no. Por supuesto que éste
también es uno de los principales trabajos del director, situar en el lugar exacto al actor, ponerle
en la situación emocional que se requiere.

- En los rodajes los actores, muchas veces tendrán que realizar su parte sin tener delante al
compañero de reparto que le está dando la réplica, ya que éste será sustituido por la cámara para
la toma de los primeros planos, así que puede que el actor tenga que mirar a la cámara
directamente, a una pared o cualquier otro lugar.

- Coherencia: La expresión corporal ha de ser congruente toma a toma puesto que el actor no
sabe que trozo de cada una se usará finalmente en el montaje; esto implica variar lo mínimo
posible los movimientos y posturas con las que se esté trabajando (por ejemplo, si en una escena
se ha comenzado cogiendo algo con una mano, es importante mantener la misma durante todas
las tomas. Otro ejemplo: si se dice la frase número uno con un ángulo de cabeza, y la número dos,
con otro, el de edición no podrá juntarlos o parecerá una cabeza sobrenatural).

La precaución es más con la acción que con la actuación ya que para la segunda, supone una
ventaja, tanto para el actor, al que le permite variar la expresión de sus frases [gestual y vocal],
como al director, al que le da la opción de jugar con las variaciones del medio [ángulos, luces...] y
también la de buscar reacciones específicas en el intérprete.

A este respecto (el de las tomas) suelen decir que no se pretenda siquiera, hacer la mejor
actuación en la primera si no que hay que reservarse, sobre todo, para cuando toquen los
primeros planos.

Unos cuantos trucos

Generales

Como venimos diciendo actuar delante de una cámara es completamente diferente que la
actuación teatral y requiere de diferentes habilidades. Leer el guion y hablar con el director son los
primeros pasos para poder conocer tu rol y comenzar a estar preparado para dar la mejor
“performance” ante la cámara:

- Hay que entender la obra que se está interpretando: para ello hay que leer el guion
cuidadosamente y tener en cuenta todas las notas de dirección de escena. Es conveniente hablar
con el director para que te informe de los planos que pretende usar y por supuesto el orden de
rodaje de las escenas.

- Es importante conocer las marcas y permanecer en ellas.

- Conviene mantener limitadas las expresiones faciales. La parte más dura de actuar para la
cámara es ser creíble, para serlo se debe actuar exactamente como se haría en el día a día. (Dicen
que el mejor piropo que te pueden echar en esto de lo cinematográfico, es decirte que no estás
actuando, que estás siendo “tú mismo”)

- Hay que conocer que plano utilizará la cámara y a que distancia. Hay veces que, si te mueves
un mero centímetro en un primer plano, puede arruinar la toma (este tipo de encuadres son la
oportunidad para brillar como actor, por lo que hay que trabajarlos cuidadosamente). Para planos
anchos se tiene mayor libertad.

- En cuanto a la voz, como ya se dijo, hay que hablar como lo harías en tu vida normal. El
departamento de sonido ajustará el mismo de acuerdo a ti
Para Close Ups (primeros planos)

- En este tipo de planos es muy fácil ver si el actor está “buscando” el texto, por lo que la
preparación del mismo es extremadamente importante. (pequeño truco: en caso de que, por
cualquier circunstancia, haya dificultades para memorizar un texto [cambios de última hora, etc.]
se pueden hacer fichas con el texto o sugerencias de palabras y “pegarlos” en la frente del
compañero con el que estés trabajando.

- Hay que controlar el exceso de movimiento (tanto de cabeza como de espalda) ya que puede
arruinar una toma. Un gesto simple o una bajada de ojos pueden no parecer muy potentes, pero sí
lo son bajo la mirada de la cámara.

- Es bueno ensayar las expresiones faciales en el espejo antes de grabar este tipo de tomas.
Con un primer plano menos es absolutamente más y la calidad interna es extremadamente
importante, ya que exteriorizar los sentimientos en expresiones faciales exageradas puede dar
sensación de falsedad.

- Es conveniente revisar el material que el director ha grabado tras cada primer plano y tomar
notas de la expresión utilizada para poder corregirlo si el actor o el director están disconformes
con la actuación; el actor ha de preguntase entonces que puede hacerse para mejorar el rango
emocional de la escena: Puede encontrarse con que sus movimientos son muy grandes o
demasiado pequeños; si ese es el caso, conviene revisar el modo de interpretar la escena para
crear un perfecto primer plano.

Para escenas de grupo

Es habitual rodar escenas conjuntamente con otros compañeros de reparto pero esto no deja de
ser todo un reto, puesto que en este tipo de tomas el actor tendrá que estar atento, no solo a sí
mismo, sino a todos los demás.

- Es recomendable ensayar la escena con todos los actores que participan en ella varias veces
antes de poner un pie en el plató. Los ensayos ayudaran al actor a familiarizarse con los actores.
Hay que tomar buena nota de los movimientos que realiza el propio actor y los compañeros
durante la escena y de las instrucciones que a este respecto dé el director en el set de filmación.

- Si hay varias cámaras es bueno preguntar cuál será la que va a grabar ya que permitirá al
actor tener mayor control sobre en qué punto puede bloquear o ser bloqueado por los
compañeros. Obviamente esto, si lo haces, siempre te lo avisan, pero mejor estar atento y evitar
así, la repetición tomas por errores técnicos.

- Es importante que el actor se centre en las características únicas que le ha dado a su

personaje y no dejarse influir por los que le rodean porque cuando se trabaja en equipo, y sobre
todo en rodajes largos como puedan ser series, es fácil “copiar” (involuntariamente) diversos
gestos de otros personajes. Esto puede hacer que el carácter pierda solidez.

Sobre las marcas en “ plató o foro”

Una marca es exactamente lo que parece: una “colocación” donde debes permanecer durante la
escena.

- Lo primero es saber dónde están. Durante el ensayo, el director proveerá al actor de varias
marcas en el suelo que deberá alcanzar en diferentes puntos de la escena. Puede haber desde una
pequeña marca, hasta diez en una escena

- Es importante llegar a las marcas sin mirar al suelo, para ello se pueden usar trucos como
visualizar algún objeto a la altura de los ojos que esté justo delante o encima de la marca para
poder hacer una nota mental de detención en ese lugar.

- Es necesario ensayar la fluidez de movimiento entre marcas ya que muchas veces, al

principio, puede quedar poco natural y sin justificación.

- Si tras los ensayos el actor encuentra que alguna marca es antinatural por algún motivo, se
puede hablar con el director. Esto es mejor hacerlo con una propuesta lógica aunque en general, si
el propio director la considera extraña, buscará que se haga de otra manera o en otro lugar.

- Si se tiene que estar en múltiples lugares durante la toma, se pueden numerar las etiquetas
para facilitar el trabajo. Cada actor en la escena de grupo debe tener una cinta de color único, para
que sepan exactamente cuál es su marca