EXTRAÑOS COMIENZOS

Pueblos prehistóricos y primitivos; América antigua

En el pasado, los objetos que hoy consideramos arte (esculturas, pinturas, etc) tenian una funcion
especifica que no tenia relacion con su condicion de “arte”. Servían para otras cosas. Tal como la
arquitectura, la pintura y la escultura no tenian un fin artistico, sino que tenian una utilidad concreta
(religiosa, politica, espiritual)
Los pueblos primitivos, producian imagenes con fines complejos (rituales y magicos).
A las representaciones pictoricas o escultoricas, estos primitivos las valorizaban como si fuesen
realmente la cosa representada
Lejos de una funcion ornamental, las pinturas de los primitivos pueden haber respondido a la creencia
en el poder de la creacion de imagenes; que el representarlos en las cuevas les daria poder sobre ellos
(poder que les era util ya que necesitaban cazar para alimentarse). Poder de las imagenes. Representar
una cosa te da poder sobre ella.
Tambien los primitivos tienen rituales en los que se identifican con ciertos animales o simbolos.
En todos estos procedimientos rituales de los primitivos, el “arte” (las pinturas, esculturas o
representaciones de otro tipo) opera. Tiene una funcion particular.
La importancia de una “obra” radica en la funcion y el significado que esta tiene para la comunidad.
Sus detalles y especificidades responden a las necesidades sociales, rituales, religiosas, etc., del objeto
en cuestion. Aun así se deja lugar para que el “artista” emplee su ingenio. De este modo, los artistas
primitivos demuestran mucho conocimiento y especializacion en sus creaciones.
El arte progesa, evoluciona y cambia porque cambian las ideas, necesidades y exigencias de la epoca,
no porque la tecnica artistica vaya progresando de manera lineal.
Los primitivos no necesitaban que su arte fuera realista o bello, sino funcional a determinado objetivo.
Primitivos representaban sus mitos y leyendas mediante sistemas de representacion que combinaban
algunos rasgos realistas de las cosas, con simbolos y formas no naturalistas. Las formas naturales
pueden codificarse mediante determinados simbolos
Tomando en cuenta el fin social/religioso o ritual del arte, las creaciones eran tareas que podian
concernir a toda o gran parte de la poblacion.

De las civilizaciones americanas, solo queda su arte. Si bien se desconocen los detalles de los fines
especificos de sus obras, se sabe que estas no tenian un fin estetico o decorativo.
Los mayas en america central y los aztecas en mexico, a la vez que los incas en los andes centrales, con
poderosos imperios, podian representar formas humanas de manera realista. Pero si la mayoria de sus
obras pueden parecer fantasticas y poco realistas y poco naturales es por el fin que dichas obras tenían.
Qué ideas buscaban transmitir
No se busca representar de manera naturalista y fidedigna a un ser. Se trata de plasmar determinadas
ideas en las formas. Por eso los aztecas representan a Tlaloc, el dios de la lluvia, como un ser cuyos
razgos estan formados por las figuras de serpientes, porque la serpiente representa el rayo. Esto en un
contexto en que la lluvia era fundamental para la vida de la comunidad

2
ARTE PARA LA ETERNIDAD
Egipto, Mesopotamia, Creta

Tradicion artistica occidental con raices en egiptp: de los egipcios aprendieron los griegos
Las piramides egipcias, monumentales, dan cuenta de una estructura sociopolitica compleja y
desarrollada que logra organizar y dividir el trabajo de grandes masas de población para hacer posible
estas megaconstrucciones en plazos de tiempo relativamente cortos.
Según la concepcion de los antiguos egipcios, las piramides tendrian una funcion social, religiosa y
politica, ya que estas ayudarian al faraon , considerado como ser divino, en su proceso de
trascendencia. Ademas contribuian a la conservacion del cuerpo, cosa que para los egipcios tenia
importancia tambien relacionada con la trascendencia del mismo. Las creencias ameritaban que el
cuerpo fuera conservado, por eso la piramidde es funcional. En la misma linea de la trascendencia, se
buscaba mantener viva su imagen y apariencia, por lo que se esculpia el rostro del faraon en granito.
Esta operación mantenía vivo al faraon según la concepcion de los egipcios de la epoca, y paso de ser
exclusiva del faraon, a extenderse tambien a otros dignatarios o personas de estatus mas elevado que
comenzaron a tener sus propias construcciones funerarias.
Retratos de piedra simples, sin profundizar en detalles, pero riguroso en las formas escenciales de un
rostro humano.
Arte egipcio: combinacion entre regularidad geometrica y observación aguda de la naturaleza
Las tumbas por dentro eran decoradas con pinturas y relieves que, al no ser vistas por nadie, no tenian
obviamente una funcion ornamental. También pretendían dar trascendencia al muerto, “mantenerlo
vivo”. Así, los motivos artisticos encontrados dentro de las tumbas tenían como función acompañar el
alma del muerto.
Los egipcios buscaban representar cada cosa de la manera mas fidedigna y exacta, buscaban dar cuenta
de las caracteristicas de cada cosa representada, y ponian esta necesidad por sobre la de representar en
perspectiva. Por esto, en algunas pinturas podemos apreciar que los distintos elementos son
representados como si fuesen mirados desde diferentes perspectivas o angulos: cada uno es
representado desde la perspectiva o angulo que más deja ver sus caracteristicas. En una pintura con
varios elementos, se busca resaltar el elemento o caracteristica mas importante de los diferentes
elementos. Esto se puede constatar en los diferentres elementos de la figura humana, que son
representados cada uno (cabeza, cuerpo, brazos, etc) desde el angulo que más muestre las
caracteristicas de cada uno1. Asi, las representacciones egipcias no se basan en una perspectiva visual,
en lo que el artista puede ver desde un determinado angulo. En base a este principio de mostrar los
rasgos mas importantes de las cosas en sus representaciones, los egipcios establecieron reglas y
canones representativos. Asi, las figuras egipcias se caracterizaban por ser muy rigidas
Las leyes, canones y reglas generales a las que obedece la creacion artistica de un pueblo, se denomina
“Estilo”.
Ademas de las mencionadas reglas, el “estilo “ egipcio tenia otras: las estatuas de personas sentadas
debian tener las manos sobre las rodillas, los hombres eran mas morenos que las mujeres y las
divinidades estaban asociadas a diversos motivos: -HORUS, dios sol: representado como HALCON o
con cabeza de halcon; - ANUBIS, dios de la muerte, como chacal o con cabeza de CHACAL.
El arte egipcio no requeria originalidad, el talento del artista no residia en ser original, sino en aprender
y aplicar estas reglas de la mejor manera, razon por la cual el arrte egipcio varió poco en el tiempo.
Solo un faraón de la decimoctava dinastia rompió las tradiciones artisticas egipcias. Llamado Amenofis
IV, autodenominado AKENATÓN, instauró el culto a un dios supremo unico, Atón, en forma de sol.
Se retrató con su mujer, NEFERTITI y sus hijos bajo los rayos de este sol, en posiciones menos rigidas,
mas laxas, sin diferencia de tamaño o color con su mujer como era costumbre en el estilo.
Luego de Akenatón vino TUTANKAMÓN, que en un primer momento mantuvo las innovaciones
artistico-religiosas de Akenatón: se hace retratar con su esposa, en una posicion no rigida, con el cuerpo
doblado, sin diferencias de color o tamaño con su esposa y el dios sol por encima de ellos. Las figuras
parecen en posiciones un poco mas naturales y menos rigidas. Otro detalle es que se representan todos

1 Cabeza de lado, torso de frente, piernas de lado ambos pies hacia adelante
los dedos de los pies, mientras que lo tradicional era que solo se viera el primer dedo del pie en ambos
pies.
Existe la hipotesis de que estos cambios en los canones artisticos que trajo la decimoctava dinastia
fueron importados desde fuera de egipto. En una epoca contemporanea, en creta en el mar egeo, existió
creación artistica que gozaba de representaciones menos rigidas, que dan cuenta de movimiento. Obras
encontradas en el palacio de Cnosos dan cuenta de flexibilidad y libertad para representar.
Este periodo de apertura artistica en Egipto se extendió solamente durante una parte del reinado de
Tutankamón. Despues se volvió a las formas tradicionales.

Imperios de Babilonia y Asiria

Aqui encontramos menor volumen de creación artistica que en egipto. Esto se puede deber tanto a la
falta de materiales pesados para la escultura y arquitectura monumental, como a diferencias en cuanto a
creencias religiosas: es posible que los asirios y babilonicos no creyeran necesario “acompañar” los
cuerpos de los muertos con imagenes.
Sumerios de babilonia tienen gusto por la simetria
No obstante, estos pueblos tambien hicieron esfuerzos representativos por “mantener vivos” a sus
gobernantes, por lo que encontramos monumentos, estelas que conmemoran las victorias militares,
representando al poderoso victorioso y al enemigo derrotado. Tal vez esto tambien respondiera a la
creencia en un “PODER DE LAS IMAGENES”, según el cual la representación del enemigo derrotado
y el gobernante victorioso pudiera asegurar que el enemigo se mantuviese doblegado.
Se hace enfasis en la posicion triunfante del gobernante y en la derrota de los enemigos: el gobernante
está en lo alto pisando a los enemigos muertos, heridos o pidiendo piedad.
Estas representaciones evolucionan, se vuelven mucho mas detalladas, con mayor cantidad de
elementos siendo una suerte de cronica de la guerra. Pero siempre se muestra solamente el triunfo del
gobernante, y solo se representan muertos o heridos a los enemigos. Las representaciones hacen parecer
una victoria total sin bajas por parte de los asirios, como si para ellos, y particularmente para el
gobernador, la guerra no representara ninguna dificultad ni costo. Esto podría ser una representación
del poder del gobernador

3
EL GRAN DESPERTAR
Grecia, del siglo VII al V a.C.

Primeros indicios de arte occidental se dan en las islas del Mar mediterraneo oriental y las costas de
grecia y Asia Menor. El centro de estas zonas era la isla de CRETA, cuyos reyes tuvieron contacto con
Egipto. El arte cretense fue copiado en la grecia continental, particularmente en micenas.
1 milenio AC aprox, tribus belicosas entran en la mencionada zona de la peninsula griega y asia menor.
El estilo artistico de estos dominadores era muy rigido y primitivo a dferencia del estilo MINOICO O
CRETENSE. Era mas bien un estilo muy geometrico, rigido y basico, sencillo

La arquitectura de los templos griegos asimila esta sencillez, carente de una gran cantidad de elementos
hornamentales innecesarios. Se trata de cubiculos en que puntales de madera sostienen el tejado. Estos
puntales son reemplazados por columnas de piedra aprox en el 600ac.
 ESPARTANOS; TRIBU DÓRICA: Las
columnas de piedra sostienen a un
Arquitrabe: una estructura de piedra que
sostiene el peso de la cubierta y lo
distribuye a las columnas; sobre el
arquitrabe se encuentra el Friso: que es la
parte central del entablamento. El friso
esta adornado con Triglifos:
terminaciones de 3 hendiduras, y el
espacio entre cada uno de ellos se llama
metopa.
Sobre el Friso está la cornisa, la parte
superior del entantablamento

Las tribus griegas se fueron acentando en diferentes ciudades-estado, siendo Atenas la mas importante
de ellas. Aquí se inicia una Revolución en la historia del arte. Estos griegos habian aprendido de los
egipcios cómo esculpir formas humanas. Usaron sus metodos para esculpir formas erguidas, pero
buscaron sobrepasar estos metodos y formulas, no se conformaban con limitarse a ellos. Mientras los
egipcios imitaban el arte de sus antepasados y buscaban perfeccionar la aplicación de las mismas
formulas que estos usaron, los griegos buscaron presindir un poco de las formulas para representar el
cuerpo humano. Buscaron basarse en su propia observacion de los rasgos para imitarlos en la escultura.
Asi surgen nuevas ideas y procedimientos que se van compartiendo, complementando y heredando
entre los diferentes artistas.
En la pintura tambien ocurrieron cambios importantes a pesar de que no tenemos mayores registros de
ella, las pinturas en vasijas o jarros del siglo VI AC dan cuenta de dichos cambios en la manera de
representar.
En dichaas pinturas aun hay rasgos egipcios como Representaciones de perfil con los ojos vistos de
frente, pero los cuerpos son representados de manera menos rigida, permitiendo que, por ejemplo, los
brazos tapen parte del torso. YA NO ES NECESARIO QUE SE VEAN TODOS LOS RASGOS DE
UN ELEMENTO. Así, se da paso al ESCORZO, que da a la representacion pictórica sensación de
profundidad, de volumen. Una muestra de esto, es la representacion de un pié de frente. Ya no importa
que eso signifique no ver todas las partes o elementos del pie, pero brinda la sensación de profundidad.
Se trata de una representación un poco mas visual (aunque no del todo), que considera el angulo o
punto de vista desde el cual se ve el objeto, la mirada de quien lo representa, en vez de buscar
representar cada parte de manera que sean visibles todas sus caracteristicas: no importa ahora que, por
ejemplo, los brazos no dejen ver bien el torso o que un objeto puesto en una determinada posición no se
deje ver entero.
Esta ravolucion se da en un contexto y epoca en que tienen lugar en grecia el surgimiento de la
filosofia, las ciencias, la democracia; un florecimiento intelectual completo.
Tras la primera guerra medica, los templos y obras arquitectonicas atenienses habian sido destruidas
por los persas. Estos comienzan a ser reconstruidos bajo el gobierno de pericles.
Debemos tener en cuenta que los templos constituidos por columnas tenían como objetivo la
veneración de deidades. Estas representaciones de dioses dentro de los templos tenían para los
contemoraneos una connotación divina. Si bien el advenimiento del cristianismo hizo que dichas
esculturas de dioses fueran destruidas, aun podemos tener una idea de ellas gracias a replicas. Las
esculturas originales eran de mader, y adornadas con oro y piedras preciosas. Su poder y su carácter
divino ahora se vinculaban mas a la belleza, a diferencia de deidades mas primitivas cuyas
representaciones basaban su poder y magestuosidad en su tamaño, en lo imponentes que eran.
Algunos rasgos del arte egipcio continuan. En algunas representaciones se sigue mostrando el torso de
frente y la cabeza de perfil y las figuras continuan siendo preferentemente erguidas. La idea de LA
IMPORTANCIA DE MOSTRAR LA ESTRUCTURA DEL CUERPO seguia vigente y se aplicaban
algunos metodos del arte egipcio, pero estos no constituian reglas inalterables, por el contrario llevaron
al artista griego a la busqueda de una mejor exploracion de la anatomia, de la forma humana, de los
musculos, de la busqueda de mas detalles. Le daban gran importancia al conocimiento de la forma, por
lo que hubo un EQUILIBRIO ENTRE LA APLICACIÓN DE CIERTAS NORMAS Y LA LIBERTAD
DEL ARTISTA. Esto llevo por ejemplo a los artistas griegos a representar los musculos y otros rasgos
del cuerpo incluso marcados por debajo de velos o tunicas en algunos relieves o representaciones
escultoricas.
Con motivo de los juegos olimpicos, el templo de Olimpia tenía una serie de estatuas de atletas
victoriosos que estos encargaban en conmemoracion de los dioses. Los juegos olimpicos estban ligados
a las creencias y ritos religiosos de los griegos. Se creía que el deportista que triunfaba habia sido
beneficiado por los dioses y por ello, cuando estos ganaban, entregaban sus esculturas a los dioses en
modo de agradecimiento y tal vez para perpetuar la gracia que los dioses les habian entregado.
Estas estatuas eran hechas de bronce y la mayoria de ellas ya no existen y solo conocemos replicas de
marmol. Las estatuas originales eran mucho mas expresivas, se usaban piedras preciosas en los ojos y
algunas tonalidades y sombras les daban mas expresividad a los rostros. Estas reproducciones se basan
en el CONOCIMIENTO DE LA FORMA HUMANA, como lo hacian los egipcios, pero el
perfeccionamiento de los metodos lleva a la representación del movimiento en la escultura, a la perdida
de la rigidez sobretodo en los casos de las esculturas de los deportistas.
En el caso del Discóbolo de Mirón, se consigue la sensacion de movimiento mediante la combinación
de los metodos antiguos de representacion del cuerpo con nuevas tecnicas: similar a los egipcios, nos
muestra el cuerpo humano mediante los aspectos mas representaricos de sus partes, representando el
torso de frente y las piernas y los brazos de perfil. Pero en vez de mostrarlo en una posicion rigida, se
muestra un giro en el cuerpo, y con el brazo del lanzamiento hacia atrás, dando una sensación de
balanceo del cuerpo. La sensacion de movimiento es algo novedoso en relacion a las rígidas esculturas
hechas según las reglas representativas egipcias aunque como vemos, Mirón no prescinde
completamente de ellas.
Los griegos han conquistado así el espacio y el movimiento; han conseguido dar a sus obras la
sensación de movimiento y tambien de profundidad por medio del escorzo, pero esto sin abandonar el
uso de patrones geometricos para la representación y la busqueda de la representación mas realista de
todos los rasgos del cuerpo.
Los artistas griegos comienzan a dar importancia a poder representar el cuerpo humano en cualquier
posicion o movimiento. Esto, según la concepcion de la epoca, para reflejar la vida interior de los
cuerpos, los “movimientos del alma” según socrates. Cómo los sentimientos afectan al cuerpo. En este
sentido, las obras buscan transmitir las emociones de los personajes representados.

EL REINO DE LA BELLEZA
Grecia y el mundo griego, del siglo IV a.C. al I

Entre aproximadamente el 520 y 420 AC el arte griego se abre a la libertad, y se adquiere conciencia y
valoracion de las obras artisticas en sí mismas y no por sus funciones politicas o religiosas.
Surge estilo arquitectonico JÓNICO; su exponente mas importante es el TEMPLO DE POSEIDON,
ERECTETION.

Las columnas jonicas son mas ligeras y el capitel ahora está

adornado con volutas. El capitel sostiene el arquitrabe también
donde descansa el techo y en la parte del friso suele haber
decoracion en relieve (al igual que en el orden dórico). Las
volutas de las columnas dan cuenta de mayor valoración de la
belleza y ornamentación y no solo de aspectos funcionales.
A diferencia de lo que ocurria en la epoca anterior, en donde el
artista se preocupaba de representar la escena que se le
encomendaba de manera correcta y con claridad, en esta epoca
los artistas ya ecperimentan un CAMBIO DE ACTITUD EN
CUANTO A SU TRABAJO ARTISTICO. La gente culta
comenzaba a hablar del trabajo de los artistas y valorar su
habilidad o tecnicas y estilos. Los artistas entonces buscan en
sus trabajos, delicadeza, refinamiento y belleza, y esto
podemos verlo reflejado en el estilo jónico. Ejemplo de esto
sería tambien el relieve del TEMPLO DE LA DIOSA DE
VICTORIA. En los relieves del friso, vemos como el artista ya
perfectamente representa el movimiento y el escorzo. Parte de
este trabajo ha sido destruido, y se llevo a cabo durante la
guerra del peloponeso.

Uno de los artistas mas importantes de este periodo (siglo 400) fue PRAXÍTELES. En esta linea de
cambios revolucionarios en el arte, en su obra desaparece la rigidez, consiguiendo posturas mas
relajadas, pero siguiendo la máxima del arte antiguo de mostrar el cuerpo de la manera mas precisa
posible, o sea, mediante el conocimiento del cuerpo. Ademas de buscar representar el cuerpo de la
forma mas fidedigna posible, buscaban representar los tipos humanos mas perfectos y bellos posibles,
el cuerpo ideal según los canones de la epoca. Esto se presume que se puede lograr utilizando como
modelo varios cuerpos y omitiendo y eliminando las partes que parezcan mas imperfectas. Aun asi, a
cada parte del cuerpo se le representa mediante su apariencia mas caracteristica, lo cual constituye una
reminicencia y herencia del arte antiguo. En este sentido, el metodo para la busqueda de la belleza y la
perfeccion comenzaba por retratar los rasgos mas caracteristicos y esquematicos, a los que despues se
les daba “vida” con expresiones, volumen, posiciones que muestren determinados movimientos o
gestos.
Este metodo que buscaba la belleza y la rigurosidad en la representacion de cuerpos humanos perfectos
no permitia sin embargo el retrato de personas individuales. En la busqueda de la perfeccion se omitian
los rasgos y facciones caracteristicos de la persona individual, y es posible que las representaciones de
personalidades de la epoca no tuvieran parecido alguno con el representado. Tambien hasta esta epoca
los rostros carecían de expresiones ya que se creia que el movimiento de facciones, rictus y muecas
alteraria la regularidad de la cabeza.
Hacia el fin del siglo IV. AC, despues de la generacion de Praxíteles, los artistas comenzaron a
representar facciones y se comenzaron a realizar “retratos” de una forma mas similar a la manera en
que los entendemos hoy.
Esto se da en el contexto del imperio creado por Alejandro Magno, que repercutió en el arte grriego ya
que llevo su desarrollo a muchas mas partes del mundo. En este periodo se desarrolla el ultimo periodo
artistico griego: el ARTE HELENISTICO: aquí las nuevas capitales orientales del nuevo territorio
anexado por los griegos comienzan a solicitar obras artisticas diferentes a las tradicionales. Hay mas
ornamentación; mas suntuosidad en las construcciones arquitectonicas.

Se comienza a preferir la columa CORINTIA

(surgida en corinto a inicios del S. IV AC). En
esta columna, el capitel no solo está adornado
por la voluta, sino que tambien por follaje de
hojas. El Arquitrabe está usualmente dividido en
3 platabandas escalonadas superpuestas

El cambio que enfrentó el arte en grecia también

podemos constatarlo en las mas famosas
esculturas de este período helenístico. En ellas
se busca ahora dar con efectos de mayor
dramatismo y movimiento, transmitir
emociones. Las obras son mas tragicas, en
desmedro de la proporcion, la regularidad y la
armonía. Se busca mostrar mas intnsidad y
emotividad. Los rostros tienen expresiones .
En esta epoca también se comienza a valorizar
mas el arte, se compran y coleccionan obras, y la
busqueda de nuevos metodos pasa a ser mas
importante que la finalidad religiosa. En las
pinturas, se comienzan escenas mas variadas.
Murales y mosaicos dan cuenta de escenas de
diferente tipo. Paisajes, naturalezas muertas, campañas militares. A diferencia de las epocas anteriores
de artistas como fidas o Praxiteles, el hombre no es ya necesariamente el centro de interes del artista.
Un rasgo de continuidad con el arte antiguo es que sigue importando mas destacar las caracteristicas
mas importantes de un elemento, antes que retratar las cosas desde la perspectiva visual. no se
representan las cosas "como se miran", sino en base a un conocimiento que se tiene de la cosa. aun no
existe la perspectiva todavía.

CONQUISTADORES DEL MUNDO

Romanos, budistas, judíos y cristianos, del siglo I al IV

En un principio los artistas de roma fueron griegos y los romanos admiraban y coleccionaban arte
griego. Pero cuando roma se expande, su arte comienza a cambiar y comienzan a tener requerimientos
diferentes a los topicos clasicos del arte griego.
En este sentido se destaca la ARQUITECTURA DEL ESPACIO PUBLICO o arquitectura civil
romana: carreteras, acueductos, baños publicos, etc.
Una de las construcciones mas famosas es el Coliseo Romano. Es una estructura unitaria de cuatro
pisos. Cada piso está constituido por un conjunto de arcos de medio punto. Los PILARES de dichos
arcos sostienen el entablamento: el arquitrabe, el friso y la cornisa. El limite entre un piso y otro está
determinado por el entablamento (arriba del entablamento se erige el piso superior). Los pilares
aguantan el peso del entablamento y de los pisos de arriba. Ademas, los pilares tienen columnas
adosadas, en las que se encuentran los ordenes de los templos griegos. El primer piso muestra un estilo
dorico (con triglifos y metopas); el segundo piso es jonico y el tercero y cuarto tienen columnas
semicolumnas corintias.
La combinación de estructura romana con elementos griegos influye sobre arquitectos posteriores.
Otra de las obras arquitectonicas mas importantes de Roma son los ARCOS DEL TRIUNFO levantados
por todo el imperio. Los arcos del triunfo se componen de un arco de medio punto central, rodeado por
otros arcos mas pequeños o estrechos. Los arcos tienen columnas de orden griego que “enmarcan” el
arco central, y también estas mismas columnas forman parte de los arcos laterales, mas pequeños y
estrechos.
La caracteristica mas importante de la arquitectura romana son los ARCOS. Se usaron en obras
publicas como acueductos. La aplicación del arco tambien se utilizo para la construcción de TECHOS
ABOBEDADOS: techos cuya estructura de soporte son los pilares. La función de los pilares es
soportar la estructura del techo.
Uno de los ejemplos mas famosos es el TEMPLO DE TODOS LOS DIOSES O PANTEÓN. La
cobertura del techo tiene forma de cupula (hecha en base a arcos). La parte más alta de la boveda posee
una abertura desde la que entra luz. Bóveda: una estructura arqueada que permite la cobertura del
espacio existente entre dos apoyos. La bóveda, por lo tanto, sirve como cubierta o compone el techo de
la construcción.
Los romanos tomaban elementos de la arquitectura griega y los adaptaban a sus necesidades. Lo mismo
en las otras artes. Lo mismo ocurrio con los retratos. Cuando Roma se convierte en imperio, el busto
del emperador era objeto de veneración. Aquí se intenta realizar dichos retratos de manera MAS
VEROSIMIL Y MENOS ENSALZADORA. Buscaban imitar la apariencia real del emperador en vez
de representarlo como un dios (a pesar de que fuera del ambito del retrato y el arte, la figura del
emperador haya tenido caracteristicas religiosas). La mayoria de los retratos son bustos escultoricos.
Al igual que en oriente, los romanos buscaban representar sus victorias, conquistas y campañas. El
emperador Trajano (emperador entre el 98 y el 117) mando levantar una columna en Roma para narrar
la guerra y triunfo en Dacia. En esta columna se representan los episodios de la batalla mediante
relieves. Aquí es posible constatar que a los romanos les interesaba mas en sus representaciones
artisticas, mostrar los hechos de manera detallada mas que idealizar o deificar a los representados.
Los canones artisticos helenicos y romanos fueron asimilandose en alejadas regiones. Los egipcios por
ejemplo ahora seguian enterrando a sus muertos, pero en vez de adornar las tumbas con las conocidas
formas del arte egipcio mencionadas anteriormente, buscaban hacer un retrato mas realista de la
persona. Se adaptan los nuevos estilos (fruto de la evolucion del arte) a las nuevas necesidades
religiosas.
En la India, si bien el arte escultorico tiene su propia trayectoria anterior al influjo grecorromano, es en
la region fronteriza de Gandhara donde se muestra poor primera vez la figura de Buda que fue utilizada
como modelo para las posteriores, así, el influjo grecorromano contribuyó a las representaciones
religiosas de los Indios.
Los judios también representaron su historia religiosa por medio del arte. Decoraron las paredes de sus
sinagogas con temas del antiguo testamento. Buscaban explicar ciertos topicos a su pueblo (como por
ejemplo moises sacando agua de una roca. Constatamos que la religion pone el arte a su servicio, y con
este fin, los artistas no se preocupaban por el naturalismo o la belleza, ya que estas religiones prohibían
la adoración de los iconos.
En Roma pasó algo similar con el cristianismo. En una de las primeras representaciones de cristo
(ilustración 183, p 128), vemos una representación escultórica de cristo entre Pedro y Pablo con rasgos
helenisticos: las figuras están rodeadas por dos columnas con rasgos corintios, y cristo está sostenido
por una deidad pagana griega.
En las primeras representaciones artisticas del cristianismo no vemos representado a Cristo, y en la
misma linea, las primeras representaciones de cristo estaban hechas para relatar una historia mas que
para ser veneradas (debido a la censura a la adorcion de imagenes).
Algunas de las primeras representaciones artisticas del cristianismo, encontradas en las catacumbas
romanas vemos que el artista ya no busca la belleza. Las representaciones de la figura humana se hacen
mediante trazos bastante basicos que se conforman con que se entienda lo que se quiere representar.
Buscan evocar una idea o una historia en vez de usar la imagen para venerarla por su belleza. Esto lo
vemos por ejemplo en una catacumba de Priscilla en roma, que data del siglo III aprox. Aquí vemos
como tres hombres están siendo quemados por haberse negado a venerar a un dios pagano, pero gracias
a la misericordia de dios, las llamas no les hacen daño. Las figuras son muy basicas y no represetan
dramatismo, y tampoco es esto lo que buscaba el artista. Era suficiente que hubieran algunos rasgos que
permitieran que el espectador entendiera la idea. Cambian las prioridades, ahora se busca
representar con claridad y sencillez en lugar de dramatismo, belleza y naturalismo. Esto da cuenta
que los artistas y la sociedad en general ahora tiene otros topicos que le preocupan mas que la belleza
terrenal. Esto está relacionado con el advenimiento del cristianismo.
Esto no solo se ve en la pintura paleocristiana sino que en todos los aspecos del quehacer artistico.
Parece haberse superado la busqueda de belleza y virtuosismo propios de la herencia helenica, ahora se
usan metodos mas expeditos y menos complejos. Si bien las constantes guerras y la decadencia e
inminente caida del imperio romano pueden haber deteriorado el quehacer artistico, lo cierto es que los
artistas tenian otras preocupaciones, se proponian y buscaban otras cosas, esto se enmarca en el
nacimiento y aceptación de la cristiandad (cuyas obras no buscarian una belleza para venerar sino que
tendrian otras prioridades mas pedagogicas).

6
UNA DIVISIÓN DE CAMINOS
Roma y Bizancio, del siglo V al XIII

En el año 395, el emperador Teodosio divide el Imperio Romano entre la parte oriental y la parte
occidental debido a problemas internos (dificultades administrativas, guerras civiles) y externos
(amenazas de plueblos barbaros). El imperio romano de oriente sería conocido posteriormente como
Imperio Bizantino, con capital en Constantinopla (ex Bizancio), absorviendo la herencia de la cultura
griega, los pueblos de asia menor y posteriormente los eslavos.
Año 313, el emperador Constantino I emite el Edicto de Milan, estableciendo la tolerancia religiosa y
poniendo fin a la persecusión al cristianismo. Posteriormente, con el Edicto de Tesalónica, el
cristianismo se vuelve la religión oficial del imperio Esto implica desafio para el arte y la arquitectura
ya que los viejos lugares de culto, los templos antiguos no servian para las funciones que requeria el
culto cristiano. Los templos de los antiguos dioses eran altares pequeños, y la iglesia cristiana
necesitaba grandes espacios para la celebracion de la misa. Por ello, la iglesia no utilizo los antiguos
templos sino que utilizó las BASÍLICAS: estas eran salas de reunion de gran tamaño en donde se
celebraban reuniones de todo tipo: comercio, juicios, etc. estas basilicas eran grandes salas largas con
compartimentos laterales mas pequeños, separados de la sala central por una hilera de columnas. La
sala grande central se conoce como Nave. Los compartmentos laterales en un principio fueron
denominados alas. Por lo general el techo era de madera y liso. El abside, estructura semicircular al
final de la parte central, se utilizaba como altar.
Aquí tiene lugar el problema con respecto a la decoración mediante el uso de imagenes, debido a la
concepción que los cristianos tenían sobre el uso de las imagenes. Sobre las estatuas, hubo acuerdo en
que estas no debian usarse para representar a cristo en la iglesia: los nuevos fieles, debido a la tradicion
y herencia religiosa pagana, podian creer que estas esculturas tan naturalistas eran el verdadero dios,
convirtiendo a las estatuas en los idolos que la biblia condena. Pero en cuanto a las pinturas hubo
opiniones mas divididas. La parte latina del imperio, el de occidente, considero que las imagenes
podian ser utiles para transmitir a los fieles las enseñanzas. El papa GREGORIO EL GRANDE, a
finales del siglo VI caloro las imagenes como utiles por su valor ilustrativo para enseñar a los
analfabetos. Esto determinó el desarrollo de la historia del arte en el imperio romano de occidente y
tambien a posterior. Ahora, si el objetivo de las imagenes es ser ilustativas y pedagogicas de un
mensaje, estas tenian que transmitir ese mensaje con sencillez y claridad, por lo que se debía omitir
todo motivo ornamental que desviase la atención del mensaje sagrado. Así, las imagenes cristianas no
sonrealistas o naturalistas, sino simples. No vemos en estas imagenes que se represente el movimiento
o la expresion (que fueron caracteristicos del arte griego). Pero tambien es posible constatar que el
artista cristiano ya domina las tecnicas del arte griego. Por ejemplo utiliza el escorzo y sabe representar
los pliegues de tunicas sobre la piel. Tiene el conocimiento del cuerpo que el artista griego utilizo en
sus obras pero solo lo utiliza en lo estrictamente necesario. Se valora la claridad en la representaión de
todos los aspectos importantes, tal como en el antiguo egipto. El uso de figuras sentadas, inclinadas o
caidas da cuenta de que estos artistas cristianos heredaron y asimilaron el conocimiento de los griegos y
romanos desarrollado en la fase previa al cristianismo. Lo importante es el mensaje, por eso, por
ejemplo en varias obras cristianas, el cristo mira fijamente al espectador destinatario del mensaje.
El uso del arte en las iglesias fue una de las razones por las que la iglesia del imperio romano de oriente
o bizantino se negó a aceptar la primacia del papa latino, ya que allí existia la facción iconoclasta,
detractores del uso de las imagenes. Cuando estos llegan al poder en 754, el arte religioso es prohibido
en el imperio bizantino. Las tensiones entre iconoclastas (destructores de imagenes) e iconodulos
(partidarios y adoradores de las imagenes) determinó el desarrollo del arte bizantino.
La primera edad de oro del arte bizantino se produce entre el 527 y el 726. coincide con la epoca en que
el emperador Justiniano quiso revivir el viejo imperio romano, expandiendo los territorios del imperio
bizantino.
Entre el 726 y el 843 se produce la querella iconoclasta, con violentos enfrentamientos entre
iconoclastas e iconodulos y destruccion de muchos trabajos artisticos
Segunda edad de oro bizantina: entre el 913 y el 1204 (año en que los cruzados destruyen
constantinopla)
Tercera edad de oro Bizantina: entre el 1261 y el 1453 (año en que los turcos toman Constantinopla y el
imperio bizantino llega a su fin).
Finalizada la querella iconoclasta, los iconodulos ocupan posicion de poder y ahora tienen una nueva
concepcion: Se adora a dios a traves de las imagenes, ya que el, por su misericordia, esta dispuesto a
manifestarse ante los hombres por medio de dichas imagenes. Es decir las imagenes ya no son un
simple instrumento al servicio de la enseñanza a los iletrados, son reflejos de lo divino, pero como tal,
el artista no podia dar rienda suelta a su creatividad, por lo cual las imagenes resultan algo rigidas, pero
siempre ayudandose por las conquistas artisticas logradas por los antiguos griegos. En los mosaicos y
pinturas vemos como se rescata algo de la grandeza y magestuosidad del arte de antiguo oriente. Así,
tenemos grandes representaciones de cristo en las iglesias que glorifican su poder. El cristo o
Pantocrator tiene una de sus manos levantadas y en la otra suele tener los evangelios

7
MIRANDO A ORIENTE
Islam, China, del siglo II al XIII

El Islam se expande por Oriente medio en Persia, Mesopotamia, Egipto, el norte de Africa y parte de
España. En el territorio islamico, también se censuraron las imagenes. No se podía representar seres
humanos. Pero ante esta prohibición, los artistas del territorio islamico desarrollan el arabesco:
ornamentación de formas decorativas lineales. Patrones que se repiten con figuras que, por lo general
representan hojas, flores o similares. Estos adornaron las mesquitas y otras estructuras arquitectonicas.
Tambien se utilizaron estos motivos en las alfombras orientales, con variedad de diseños y colores
Las prohibiciones en algunas zonas fueron menos estrictas con relacion a la representación,
permitiendose representar figuras humanas que no tuvieran significado religioso. Así, las novelas,
historias y fabulas en Persia o India bajo el dominio musulman, vienen acompañadas de paisajes en los
que se representa a personas con un escaso naturalismo.
En Chuna, nuestros antecedentes sobre el quehacer artistico nos dicen que estos tuvieron costumbres
funerarias similares a las de los egipcios. En las sepulturas se representaban escenas acerca de la vida
del muerto. Las representaciones chinas no son angulares y rigidas como las de los egipcios. Tanto en
la pintura como en la escultura hacen uso de curvas y ondulaciones. Algunas obras dan cuenta de la
capacidad del artista chino de representar el movimiento pot medio de estas curavas y ondulaciones que
entregan a la obra essta sensación de movimiento.
Algunos artistas chinos consideraron el arte como un medio para representar valores y virtudes del
pasado.
El arte chino está fuertemente influenciado por el budismo. Por una parte, monjes y ascetas budistas
fueron representados en estatuas que estaban orientadas por el mismo principio del uso de formas
curvilíneas que entregaban a las esculturas realismo y expresion en el rostro.
Pero ademas el budismo introdujo una nueva idea sobre el quehacer artistico. A diferencia de las
concepciones europeas, en que el arte era un medio para fines politicos o religiosos, el budismo le daba
a la pintura una importancia central como ayuda y como reflejo de la meditación. La meditacion
consiste en pensar y reflexionar profunda y largamente sobre algun tema o cosa en particular,
observando y reflexionando sobre dicha cosa desde todos los puntos de vista posible. En este sentido, la
pintura buscaba contribuir y apoyar este proceso de reflexión profunda, plasmar las ideas del artista en
el papel o la seda. Así, tenemos una serie de PAISAJES CHINOS ENTRE LOS SIGLOS XII Y XIII.
Para aprender a pintar paisajes, los pintores chinos estudiaban cómo pintar cada elemento particular de
la naturaleza, adquiriendo las tecnicas y conocimientos de los maestros famosos. Una vez adquirida
esta habilidad, contemplan la naturaleza para intentar captar ideas en ella y plasmarlas en su pintura. La
razon por la cual buscaban aprender de los maestros antes de darse a la tarea de pintar era porque así
tendrían la facilidad de poder plasmar en su obra rapidamente las sensaciones que el paisaje les
transmitia, lo que la naturaleza inspiaba en ellos. Aprendian metodos de los antiguos y despues
intentaban aplicarlos plasmando las sensaciones que les transmitia el paisaje. El arte chino se limitaba a
algunos temas o topicos sencillos de la naturaleza.
La limitación del arte chino fue que la admiración por los artistas del pasado impidió a las nuevas
generaciones de artistas a aventurarse e innovar en base a metodos propios.
El arte japones adoptó las concepciones chinas y evoluciono cuando entró en contacto con occidente.

EL ARTE OCCIDENTAL EN EL CRISOL

Europa, del siglo VI al XI (Entre los años 500 y 1000 dc)

Entre los años 500 y 1000, periodo de la edad media conocido como edad de las tinieblas, hubo
constantes guerras y migraciones, y se comienzan a formar los paises de Europa. En cuanto al arte, en
este periodo no surge ningun estilo que logre consolidarse, sino mas bien, la confluencia y tensión entre
distintos estilos que solo comienzan a conciliarse al final de esta epoca.
Algunas de las tribus germanicas, barbaros y pueblos del norte que migraban y se movian por Europa,
tenían concepciones de la belleza y creaciones artisticas propias, diferentes a la tradición grecorromana.
Algunos de ellos tallaban formas de draagones o pajaros, con gran presencia de curvas y detalles. Es
posible que consideraran que estas figuras podrían tener efectos magicos tan como lo pensaban los
pueblos “primitivos”. Los vikingos noruegos ponían en sus barcos y trineos, figuras de dragones
tallados con aspecto amenazador. Ellos debían retirar estas figuras de sus barvos antes de regresar a sus
puertos por el temor que generaba el efecto que estas figuras amenazadoras pudieran tener.
Los cristianos buscaron adaptar estas creaciones artessanales y artisticas de los nordicos, a los fines del
arte cristiano. Esto también contribuyó a dar una identidad y unos rasgos especificos al arte de la
europa medieval. Así, estos esquemas de los nordicos, que se caracterizaban por tener animales o
mounstruos como dragones, serpientes o pajaros con sus cuerpos entrelazados en complejas formas,
pero que siguen un patron especifico, comienzan a verse en algunas imagenes cristianas.
Se trata de un periodo en que el arte de los pueblos germanicos que se van convirtiendo a la fe
cristiana, deben adaptar sus metodos artisticos a los requerimientos de dicha religion. Así se combina la
tradición artistica latina con la de los artistas nordicos. Sin la influencia de estos ultimos, es posible que
el arte cristiano latino hubiese tomado una dirección similar a la del arte bizantino (formas rigidas y
sobrias sin elementos ornamentales, nada que desviara del mensaje religioso).
Los artistas medievales no necesitaban ara sus propositos crear nuevos modelos representativos, ya que
los modelos de los antiguos eran considerados suficientes y correctos. Pero sí existieron distintos
modos de representar un mismo motivo. En pintura, algunos artistas buscaron transmitir expresiones y
sensaciones en los personajes representados. En este sentido, los artistas medievales plasman
sentimientos en sus obras, lo cual es algo que no habia sido realizado ni por los egipcios ni por los
griegos.
Los artistas cristianos buscaban comunicar el mensaje religioso a la poblacion, para lo cual no era
necesario realizar representaciones naturalistas ni bellas.
Si bien estas figuras se alejan de la herencia griega, que buscaba “mostrar los movimientos del alma”,
estas obras latinas cristianas se nutren de dicha herencia. Vemos que no tienen problema para
representar el escorzo, la profundidad o el efecto de los pliegues de los ropajes sobre los cuerpos.

9
LA IGLESIA MILITANTE
El siglo XII
En el siglo 1000 los normandos desembarcan en inglaterra trayendo consigo un estilo arquitectonico
propio. La conquista normanda supuso un cambio en las elites, una nueva generacion de señores
feudales a quienes Guillermo II de normandia les entregó tierras para consolidar el dominio normando
en la región. Los nuevos señores feudales eran los obispos y nobles, que comenzaron a fundar iglesias,
abadias, monasterios, etc. este estilo, denominado normando en inglaterra, es el ROMANICO en el
resto de Europa.
El tamaño de las iglesias era monumental, y su construccion y posterior uso involucraba a toda la
comunidad de la zona en donde esta se emplazaba.
Una de las primeras iglesias con estas caracteristicas es la catedral de Durham.
Las iglesias romanicas se sustentan sobre pilares macizos de piedra, con arcos de medio punto o semi
circulares. Estas iglesias suelen tener escaza ornamentación y tambien pocos espacios vacios, pero sí
tienen torres y paredes. Los techos de estas iglesias se construyeron a base de solidos nervios o vigas
cruzadas entre los pilares. Los espacios vacios que quedaban entre estos nervios o vigas cruzadas se
tapaban con materiales mas ligeros (con el fin de evitar que los pilares sucumbieran ante el peso de la
piedra)

En francia, estas iglesias comenzaron a ser “Decoradas” con escultura o motivos tallados para
funciones especificas relacionadas con el adoctrinamiento en la fé. La iglesia de St.-Trophime en Arlés
(sur de Francia). En la parte del tímpano de la iglesia se encuentra adosada una escultura de una escena
biblica. Las enseñanzas biblicas se transmiten así por medio de la visualidad, de la imagen, que resulta
ser un vehiculo mas potente que las letras y las palabras.
Estas representaciones no son naturalistas o bellas como las de la grecia clasica, pero sí son solemnes y
monumentales. Imponentes