Charles Willard Moore ( Benton Harbor, Michigan, 31 de octubre de 1925; 16 de diciembre de

1993) fue un arquitecto estadounidense, profesor, escritor, y ganador de la Medalla de Oro del
AIA en 1991.

Moore se graduó como arquitecto en la Universidad de Michigan en 1947 y obtuvo el doctorado

en filosofía por la Universidad de Princeton en 1957.
En 1951 abrió su propio estudio en Moterrey y Berkeley. Como arquitecto, gran parte de su
trabajo lo realizó bajo la identificación "MLTW" - Moore, Lyndon, Turnbull, Whitaker. En 1970
fundó la empresa Charles W. Moore Associates en Essex y en 1991 la firma, Moore/Anderson
architects.
En cuanto a su labor docente, se inicia en 1960 en la Universidad de California en Berkeley, en
la que de 1962 a 1965 fue director del departamento de arquitectura. En 1965 reemplaza
a Paul Rudolf en la Escuela de Arte y Arquitectura de la Universidad de Yale, New Haven,
siendo también director del departamento de arquitectura hasta 1969, año en que fue
nombrado decano de la School of Architecture and Planning de la Universidad de Yale hasta
1970 en el que deja el cargo. En 1975 deja Yale y se traslada a la Universidad de California en
Los Angeles. Desde 1985 realiza su labor docente en la Universidad de Texas.

Moore pertenece a la generación de arquitectos estadounidenses formada por Robert Venturi,

Romualdo Giurgola, Turnbull, Esherick, etc., que destacan por su gran vitalidad e inquietudes.
Las obras de Moore poseen una gran simplicidad y están llenas de humor. En ellas mezcla, con
gran habilidad y refinamiento, una serie de elementos heterogéneos que rompen con todas las
regalas y tabúes de la arquitectura moderna.
Sobre la base de sus estudios en Princeton, Moore desarrolló un enfoque humanista de la
arquitectura en la que cada diseño intentaba relacionar a los usuarios con un entorno espacial
cláramente definido. Para activar estos espacios de manera efectiva y generar síntesis, Moore
creó una cinética yuxtaposición de formas no vinculados.

Durante el mandato de Moore, en Yale, cambió el énfasis de diseño desde el formalismo

arquitectónico a un nuevo examen de la naturaleza y la función de la arquitectura en el mundo
de hoy. Moore diseñó varios edificios durante este periodo que ilustran su disidencia con la
posición moralista que asume gran parte de la arquitectura moderna.
Moore creía que la arquitectura debe obtener respuestas de todos los sentidos, no sólo desde
el punto de vista visual. Pensaba que la arquitectura debe basarse en las preferencias del
cliente y en una referencia simbólica al sitio. Proponía crear arquitectura que involucrara
historia, mito y creatividad. En lugar de usar la arquitectura para moralizar un ideal, la utilizaba
para generar un entorno que estimulara al usuario.
De sus primeras obras destacan su casa Orindo, California (1962) con su característico techo
piramidal o, de este mismo año, el edificio comercial situado en al esquina entre las calles
Kearney y Market, que se adapta perfectamente al contexto urbano sin caer en el eclecticismo
del primitivo rascacielos. El complejo vacacional de casas de madera (1963-1965) y el club
deportivo del Sea Ranch en el condado de Sonoma, California, son otros dos ejemplos de esta
época donde la integración en el paisaje se hace de forma ejemplar.

También realizó proyectos de limitado presupuesto, como las viviendas de la Church Street en
New Haven, Conneticut (1966-1969) y las viviendas sociales de Maplewood-Terrace en
Middlenton, Conneticut (1970-1971).
Otras obras que cabe destacar son: el Kresge College en la Universidad de Santa Cruz
(1966-1974); el proyecto Tegel Harbor Housing, Berlín (1980-1987), que consiste en un
complejo de viviendas y tiempo libre en el muelle de Berlín; la University of Oregon Science
Building en Eugene (1985); la Iglesia de Nativity en el Rancho de Santa Fe, California (1990); la
Exposición Universal de Chicago de 1992.

La arquitectura posmoderna es un estilo o movimiento que surgió en la

década de 1960 como una reacción contra la austeridad, la formalidad y la falta
de variedad de la arquitectura moderna, particularmente en el estilo
internacional defendido por Le Corbusier y Ludwig Mies van der Rohe. El
movimiento recibió una doctrina del arquitecto y teórico de la arquitectura
Robert Venturi en su libro de 1966 Complexity and Contradiction in Architecture.
El estilo floreció desde la década de 1980 hasta la década de 1990,
particularmente en el trabajo de Venturi, Philip Johnson, Charles Moore y
Michael Graves. A finales de la década de 1990 se dividió en una multitud de
nuevas tendencias, incluida la arquitectura de alta tecnología, el neoclasicismo y
el deconstructivismo.

Orígenes

La arquitectura posmoderna surgió en la década de 1960 como una reacción
contra las deficiencias percibidas de la arquitectura moderna, particularmente
sus rígidas doctrinas, su uniformidad, su falta de ornamentos y su hábito de
ignorar la historia y la cultura de las ciudades donde apareció. El arquitecto e
historiador de arquitectura Robert Venturi dirigió el ataque en 1966 en su libro
Complejidad y contradicción en la arquitectura. Venturi resumió el tipo de
arquitectura que quería ver reemplazar el modernismo:

“Hablo de una arquitectura compleja y contradictoria basada en la riqueza y la

ambigüedad de la experiencia moderna, incluida esa experiencia inherente al
arte … Acojo con agrado los problemas y aprovecho las incertidumbres … Me
gustan los elementos que son híbridos en lugar de” puros ” , comprometer en
lugar de “limpiar”, … acomodar en lugar de excluir … Estoy buscando una
vitalidad desordenada sobre la unidad obvia … Prefiero “ambos” y “a” o “o”,
blanco y negro, y a veces gris, a negro o blanco … Una arquitectura de
complejidad y contradicción debe encarnar la difícil unidad de la inclusión más
que la fácil unidad de la exclusión “.

En lugar de las doctrinas funcionales del modernismo, Venturi propuso dar

énfasis primario a la fachada, incorporando elementos históricos, un uso sutil de
materiales inusuales y alusiones históricas, y el uso de fragmentación y
modulaciones para hacer el edificio interesante. El segundo libro de Venturi,
Learning from Las Vegas (1972), en coautoría con su esposa, Denise Scott
Brown, y Steven Izenour, desarrolló aún más su argumento contra el
modernismo. Instó a los arquitectos a tomar en consideración y celebrar la
arquitectura existente en un lugar, en lugar de tratar de imponer una utopía
visionaria a partir de sus propias fantasías. Sostuvo que los elementos
ornamentales y decorativos “se adaptan a las necesidades existentes de
variedad y comunicación”. El libro fue instrumental para abrir los ojos de los
lectores a nuevas formas de pensar sobre los edificios, ya que se basó en toda
la historia de la arquitectura, tanto de estilo alto como en lengua vernácula,
histórica y moderna, y en respuesta a la famosa máxima de Mies van der Rohe
“. Menos es más “, respondió Venturi, a” Menos es un aburrimiento “. Venturi
citó los ejemplos de sus propios edificios, Guild House, en Filadelfia, como
ejemplos de un nuevo estilo que acogió la variedad y las referencias históricas,
sin volver a la reactivación académica de los viejos estilos.

En Italia, al mismo tiempo, el arquitecto Aldo Rossi lanzó una revuelta similar
contra el modernismo estricto, que criticaba la reconstrucción de ciudades y
edificios italianos destruidos durante la guerra en el estilo modernista, que no
tenían relación con la historia de la arquitectura. , planos callejeros originales o
cultura de las ciudades. Rossi insistió en que las ciudades deberían
reconstruirse de manera que preservaran su tejido histórico y sus tradiciones
locales. Hubo ideas similares y se presentaron proyectos en la Bienal de
Venecia en 1980. Christian de Portzamparc en Francia y Ricardo Bofill en
España, y en Japón por Arata Isozaki se unieron al llamado por un estilo
posmoderno.

Posmodernismo en Europa

Mientras que el postmodernismo era mejor conocido como un estilo
estadounidense, también aparecieron ejemplos notables en Europa. En 1991,
Robert Venturi completó el ala Sainsbury de la National Gallery en Londres, que
era moderno pero armonizado con la arquitectura neoclásica en Trafalgar
Square y sus alrededores. El arquitecto nacido en Alemania Helmut Jahn
construyó el rascacielos Messeturm en Frankfurt, Alemania, un rascacielos
adornado con la torre puntiaguda de una torre medieval.

Uno de los primeros arquitectos postmodernistas en Europa fue James Stirling

(1926-1992). Fue un primer crítico de la arquitectura modernista, culpando al
modernismo por la destrucción de las ciudades británicas en los años
posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Diseñó proyectos de vivienda pública
coloridos en el estilo posmoderno, así como la Neue Staatsgalerie en Stuttgart,
Alemania (1977-1983) y el Kammertheater en Stuttgart (1977-1982), así como el
Museo Arthur M. Sackler en la Universidad de Harvard en los Estados Unidos.

Uno de los ejemplos más visibles del estilo posmoderno en Europa es el Edificio
SIS en Londres de Terry Farrell (1994). El edificio, junto al Támesis, es la sede
del Servicio de Inteligencia Secreto británico. El crítico Deyan Sudjic en The
Guardian en 1992 lo describió como un “epitafio para la ‘arquitectura de los
años ochenta … Es un diseño que combina una gran seriedad en su
composición clásica con un posible sentido del humor involuntario. El edificio
podría interpretarse igualmente plausible como un templo maya o una pieza de
maquinaria art déco ruidosa ‘.

El arquitecto italiano Aldo Rossi (1931-1997) fue conocido por sus obras
posmodernas en Europa, el Museo Bonnefanten en Maastricht, Holanda,
terminado en 1995. Rossi fue el primer italiano en ganar el premio más
prestigioso en arquitectura, el Premio Pritzker, en 1990. Se destacó por
combinar formas rigurosas y puras con elementos evocadores y simbólicos
tomados de la arquitectura clásica.El arquitecto español Ricardo Bofill también
es conocido por sus primeros trabajos posmodernos, incluido un complejo
residencial en forma de castillo con paredes rojas en Culpe, en la costa de
España (1973).

Las obras del arquitecto austríaco Friedensreich Hundertwasser se consideran

ocasionalmente como una expresión especial de la arquitectura posmoderna.

Posmodernismo en Japón

Los arquitectos japoneses Tadao Ando (nacido en 1941) e Isozaki Arata (nacido
en 1931) introdujeron las ideas del movimiento posmoderno en Japón. Antes de
abrir su estudio en Osaka en 1969, Ando viajó mucho por América del Norte,
África y Europa, absorbiendo los estilos europeo y americano, y no tenía
educación arquitectónica formal, aunque enseñó más tarde en la Universidad de
Yale (1987), la Universidad de Columbia (1988) y Universidad de Harvard (1990).
La mayoría de sus edificios estaban construidos con concreto crudo en formas
cúbicas, pero tenían amplias aberturas que traían luz y vistas de la naturaleza
exterior. A partir de la década de 1990, comenzó a utilizar la madera como
material de construcción e introdujo elementos de la arquitectura tradicional
japonesa, especialmente en su diseño del Museo de la Cultura de Madera
(1995). Su Casa Bennesse en Naoshima, Kagama, tiene elementos de la
arquitectura japonesa clásica y un plan que integra sutilmente la casa en el
paisaje natural. Ganó el Premio Pritzker, el premio de arquitectura más
prestigioso, en 1995.

Características

Complejidad y contradicción

La arquitectura posmoderna surgió por primera vez como una reacción contra
las doctrinas de la arquitectura moderna, tal como lo expresaron los arquitectos
modernistas, incluidos Le Corbusier y Ludwig Mies van der Rohe. En lugar de
las doctrinas modernistas de la simplicidad expresadas por Mies en su famoso
“menos es más”; y la funcionalidad, “la forma sigue a la función” y la doctrina
de Le Corbusier de que “una casa es una máquina para vivir”, la
posmodernidad, en palabras de Robert Venturi, ofrece complejidad y
contradicción. Los edificios posmodernos tenían formas curvas, elementos
decorativos, asimetría, colores brillantes y características a menudo tomadas de
periodos anteriores. Colores y texturas sin relación con la estructura o función
del edificio. Mientras rechazaba el “puritanismo” del modernismo, exigía un
retorno al ornamento y una acumulación de citas y collages tomados de estilos
pasados. Tomó prestado libremente de la arquitectura clásica, la arquitectura
rococó, neoclásica, la secesión vienesa, el movimiento de arte y artesanía
británico, el Jugendstil alemán.

Los edificios posmodernos a menudo combinaban asombrosas nuevas formas

y características con elementos aparentemente contradictorios del clasicismo.
James Stirling, arquitecto de la Neue Staatsgalerie en Stuttgart, Alemania
(1984), describió el estilo como “representación y abstracción, monumental e
informal, tradicional y de alta tecnología”.

Fragmentación

La arquitectura posmoderna a menudo divide los edificios grandes en varias
estructuras y formas diferentes, a veces representando diferentes funciones de
esas partes del edificio. Con el uso de diferentes materiales y estilos, un solo
edificio puede aparecer como una pequeña ciudad o pueblo. Un ejemplo es el
Museo Staditsches de Hans Hollein en Munich (1972-74).

Formas asimétricas y oblicuas


Las formas asimétricas son una de las marcas registradas de la posmodernidad.
En 1968, el arquitecto francés Claude Parent y el filósofo Paul Virilio diseñaron
una iglesia, Saint-Bernadette-du-Banlay en Nevers, Francia, en forma de un
enorme bloque de hormigón inclinado hacia un lado. Al describir la forma,
escribieron: “una línea diagonal en una página blanca puede ser una colina, una
montaña, una pendiente, un ascenso o un descenso”. Los edificios de los
padres se inspiraron en parte en fortines alemanes concretos que descubrió en
la costa francesa que se habían deslizado por los acantilados, pero que estaban
perfectamente intactos, con paredes inclinadas y suelos inclinados. Las
composiciones postmodernistas rara vez son simétricas, equilibradas y
ordenadas. Los edificios oblicuos que se inclinan, se inclinan y parecen a punto
de caer son comunes.

Color

El color es un elemento importante en muchos edificios postmodernos, para dar
a las fachadas variedad y personalidad, a veces se usa vidrio coloreado, o
azulejos de cerámica, o piedra. Los edificios del arquitecto mexicano Luis
Barragán ofrecen colores brillantes de luz solar que dan vida a las formas.

Humor y “campamento”

El humor es una característica particular de muchos edificios posmodernos,
particularmente en los Estados Unidos. Un ejemplo es el Edificio de Binoculares
en el barrio de Venice de Los Ángeles, diseñado por Frank Gehry en
colaboración con el escultor Claes Oldenberg (1991-2001). La puerta de entrada
del edificio tiene la forma de un enorme par de binoculares; los autos entran al
garaje pasando debajo de los binoculares. El humor de “campamento” fue
popular durante el período posmoderno; era un humor irónico basado en la
premisa de que algo podía parecer tan malo (como un edificio que parecía a
punto de colapsar) que era bueno. La crítica estadounidense Susan Sontag en
1964 definió el campo como un estilo que ponía el acento en la textura, la
superficie y el estilo en detrimento del contenido, que adoraba la exageración, y
las cosas que no eran lo que parecían. La arquitectura posmoderna a veces
usaba el mismo sentido de la teatralidad, el sentido del absurdo y la
exageración de las formas.

Los objetivos de la Postmodernidad, que incluyen resolver los problemas del

Modernismo, comunicar significados con ambigüedad y sensibilidad para el
contexto del edificio, están sorprendentemente unificados para un período de
edificios diseñados por arquitectos que en gran parte nunca colaboraron entre
sí. Estos objetivos, sin embargo, dejan espacio para diversas implementaciones,
como puede ilustrarse por la variedad de edificios creados durante el
movimiento.

Teorías de la arquitectura posmoderna


Las características de la posmodernidad permiten que su objetivo se exprese
de diversas maneras. Estas características incluyen el uso de formas
esculturales, ornamentos, antropomorfismo y materiales que realizan trompe
l’oeil. Estas características físicas se combinan con características conceptuales
de significado. Estas características de significado incluyen pluralismo, doble
codificación, arbotantes y techos altos, ironía y paradoja, y contextualismo.

Las formas escultóricas, no necesariamente orgánicas, fueron creadas con

mucho ardor. Estos se pueden ver en el Museo Abteiberg de Hans Hollein
(1972-1982). El edificio se compone de varias unidades de construcción, todas
muy diferentes. Las formas de cada edificio no se parecen en nada a las
rigideces del Modernismo. Estas formas son esculturales y son un tanto lúdicas.
Estas formas no se reducen a un mínimo absoluto; están construidos y
formados por su propio bien. Las unidades de construcción encajan juntas de
una manera muy orgánica, lo que mejora el efecto de las formas.

Después de muchos años de abandono, el ornamento regresó. La casa Venice

Beach de Frank Gehry, construida en 1986, está llena de pequeños detalles
ornamentales que se hubieran considerado excesivos e innecesarios en el
Modernismo. Venice Beach House tiene un conjunto de troncos circulares que
existen principalmente para la decoración. Los registros en la parte superior
tienen un propósito menor de sostener las cubiertas de las ventanas. Sin
embargo, el mero hecho de que podrían haber sido reemplazados por una uña
prácticamente invisible hace que su existencia exagerada sea en gran parte
ornamental. El adorno en el Edificio de Servicios Municipales de Portland de
Michael Graves (“Edificio de Portland”) (1980) es aún más prominente. Las dos
formas triangulares que emiten son en gran parte ornamentales. Existen por
motivos estéticos o por su propio propósito.

La posmodernidad, con su sensibilidad al contexto del edificio, no excluyó las

necesidades de los humanos del edificio. El cementerio Brion de Carlo Scarpa
(1970-72) ejemplifica esto. Los requisitos humanos de un cementerio es que
posee una naturaleza solemne, pero no debe causar que el visitante se deprima.
El cementerio de Scarpa logra el ambiente solemne con los colores grises
apagados de las paredes y las formas claramente definidas, pero la hierba verde
brillante evita que esto sea demasiado abrumador.

Los edificios posmodernos a veces utilizan trompe l’oeil, creando la ilusión de

espacio o profundidades donde en realidad no existe, como lo han hecho los
pintores desde los romanos. El edificio de Portland (1980) tiene pilares
representados en el costado del edificio que hasta cierto punto parecen ser
reales, pero no lo son.

El Museo de Arte de Hood (1981-1983) tiene una fachada simétrica típica que
prevalecía a lo largo de los edificios posmodernos.

La Casa Vanna Venturi de Robert Venturi (1962-64) ilustra el objetivo

postmodernista de comunicar un significado y la característica del simbolismo.
La fachada es, según Venturi, una imagen simbólica de una casa que se
remonta al siglo XVIII. Esto se logra en parte mediante el uso de la simetría y el
arco sobre la entrada.

Quizás el mejor ejemplo de ironía en los edificios posmodernos es la Piazza

d’Italia (1978) de Charles Moore. Moore cita (arquitectónicamente) elementos
del renacimiento italiano y la antigüedad romana. Sin embargo, lo hace con un
giro. La ironía viene cuando se observa que los pilares están cubiertos de acero.
También es paradójico en la forma en que cita la antigüedad italiana muy lejos
del original en Nueva Orleans.

La doble codificación significaba que los edificios transmiten muchos

significados simultáneamente. El Edificio Sony en Nueva York lo hace muy bien.
El edificio es un rascacielos alto que trae consigo connotaciones de tecnología
muy moderna. Sin embargo, la parte superior contradice esto. La sección
superior transmite elementos de la antigüedad clásica. Esta doble codificación
es un rasgo prevalente de la posmodernidad.

Las características de Postmodernism eran algo unificadas dadas sus diversas

apariencias. Lo más notable entre sus características son sus formas
juguetonamente extravagantes y el humor de los significados que transmiten los
edificios.

La arquitectura posmoderna como un estilo internacional, cuyos primeros

ejemplos se citan generalmente como de la década de 1950, pero no se
convirtió en un movimiento hasta fines de la década de 1970 y continúa
influyendo en la arquitectura actual. Se dice que la postmodernidad en la
arquitectura es anunciada por el retorno de “ingenio, ornamento y referencia” a
la arquitectura en respuesta al formalismo del Estilo Internacional de la
modernidad. Al igual que con muchos movimientos culturales, algunas de las
ideas más pronunciadas y visibles de la posmodernidad se pueden ver en la
arquitectura. Las formas y espacios funcionales y formalizados del estilo
modernista son reemplazados por una estética diversa: los estilos chocan, la
forma se adopta por sí misma y abundan las nuevas formas de ver los estilos
familiares y el espacio. Quizás lo más obvio es que los arquitectos
redescubrieron los ornamentos arquitectónicos del pasado y las formas que
habían sido abstraídas por los arquitectos modernistas.

La arquitectura posmoderna también ha sido descrita como neo-ecléctica,

donde la referencia y el ornamento han regresado a la fachada, reemplazando
los estilos modernos agresivamente desorganizados. Este eclecticismo a
menudo se combina con el uso de ángulos no ortogonales y superficies
inusuales, más famoso en la Galería Estatal de Stuttgart de James Stirling y en
la Plaza de Italia de Charles Moore. El edificio del Parlamento escocés en
Edimburgo también ha sido citado como de moda posmoderna.

Los arquitectos modernistas pueden considerar los edificios posmodernos

como vulgares, asociados con una ética populista, y compartir los elementos de
diseño de los centros comerciales, abarrotados de “gew-gaws”. Los arquitectos
posmodernos pueden considerar muchos edificios modernos como sin alma y
sosos, demasiado simplistas y abstractos. Este contraste se ejemplificó en la
yuxtaposición de los “blancos” contra los “grises”, en los que los “blancos”
buscaban continuar (o revivir) la tradición modernista de purismo y claridad,
mientras que los “grises” adoptaban una perspectiva más multifacética. visión
cultural, vista en la declaración de Robert Venturi que rechaza la visión del
mundo “blanco o negro” del modernismo en favor de “blanco y negro y algunas
veces gris”. La divergencia de opiniones se reduce a una diferencia de
objetivos: el modernismo tiene sus raíces en el uso mínimo y verdadero del
material así como en la ausencia de ornamentos, mientras que el
posmodernismo es un rechazo de las reglas estrictas establecidas por los
primeros modernistas y busca significado y expresión en el uso de técnicas de
construcción, formas y referencias estilísticas.

Una forma de construcción que tipifica las exploraciones de Postmodernism es

el tejado a dos aguas tradicional, en lugar del tejado plano icónico del
modernismo. Arrojando agua lejos del centro del edificio, una cubierta de este
tipo siempre tenía un propósito funcional en climas con lluvia y nieve, y era una
forma lógica de lograr tramos más grandes con miembros estructurales más
cortos, pero era relativamente raro en los edificios modernistas. (Después de
todo, estas eran “máquinas para vivir”, según LeCorbusier, y las máquinas no
solían tener tejados a dos aguas). Sin embargo, las raíces modernistas del
posmodernismo aparecen en algunos de los ejemplos notables de techos
“recuperados”. Por ejemplo, la casa Vanna Venturi de Robert Venturi rompe el
aguilón en el medio, negando la funcionalidad del formulario, y el edificio 1001
de la Quinta Avenida de Philip Johnson en Manhattan (que no debe confundirse
con el Centro de Congresos de Portland, una vez referido por el mismo nombre)
anuncia una forma de techo de mansarda como un frente obviamente plano y
falso. Otra alternativa a los techos planos del modernismo sería exagerar un
techo tradicional para llamar aún más la atención sobre él, como cuando
Kallmann McKinnell & Wood de la Academia Estadounidense de las Artes y las
Ciencias en Cambridge, Massachusetts, pone tres niveles de tejado a cuatro
aguas uno sobre otro para una declaración enfática de refugio.

Las raíces de la posmodernidad


El movimiento posmodernista a menudo se ve (especialmente en los EE. UU.) Como un
movimiento estadounidense, comenzando en los Estados Unidos alrededor de los años 1960-
1970 y luego extendiéndose a Europa y al resto del mundo, para permanecer hasta el
presente. En 1966, sin embargo, el historiador de arquitectura Sir Nikolaus Pevsner habló de
un expresionismo revivido como “un nuevo estilo, sucesor de mi Modern Modern of the 1930s,
un estilo postmoderno”, e incluyó como ejemplos la obra de Le Corbusier en Ronchamp y
Chandigarh , Denys Lasdun en el Royal College of Physicians en Londres, Richard Sheppard
en Churchill College, Cambridge, y James Stirling y James Gowan en Leicester Engineering
Building, así como también la casa de huéspedes de Philip Johnson en New Canaan,
Connecticut. Pevsner desaprobaba estos edificios por su autoexpresión e irracionalismo, pero
los reconoció como “el estilo legítimo de los años 50 y 60” y definió sus características. El
trabajo de definir Postmodernism fue asumido posteriormente por una generación más joven
que dio la bienvenida en lugar de rechazar lo que vieron sucediendo y, en el caso de Robert
Venturi, contribuyó a ello.

La posmodernidad tiene su origen en el fracaso percibido de la arquitectura moderna. Su

preocupación por el funcionalismo y la construcción económica significaba que los adornos se
eliminaban y los edificios se cubrían con una apariencia completamente austera. Muchos
sentían que los edificios no satisfacían la necesidad humana de comodidad tanto para el
cuerpo como para el ojo, que el modernismo no explicaba el deseo de belleza. El problema
empeoró cuando algunos bloques de apartamentos ya monótonos degeneraron en barrios
marginales. En respuesta, los arquitectos buscaron reintroducir el ornamento, el color, la
decoración y la escala humana en los edificios. La forma ya no debe definirse únicamente por
sus requisitos funcionales o apariencia mínima.