FACULTAD DE TURISMO Y HOTELERIA

TEMA: TRES ARTISTAS RECONOCIDOS

PERUANOS ESTILO Y OBRAS, OBJETIVO QUE
TUVO EL ARTE EN LA EPOCA COLONIAL EN EL
PERU

CURSO:

PROFESOR:

ALUMNO: RENATO SANCHEZ NAVEA

SEMESTRE:

2017
 TRABAJO CALIFICADO
1. INVESTIGUE SOBRE 3 RECONOCIDOS ARTISTAS PERUANOS
EXPLIQUE ESTILOS Y OBRAS
La pintura peruana ha evolucionado con el paso de los años, desde la pintura
costumbrista, la académica, la indigenista y actualmente, la pintura contemporánea. En
este sentido, Perú es un país altamente cultural y con tradiciones milenarias.
AUTOR DE ARTE PERUANO CONTEMPORÁNEO

SÉRVULO GUTIÉRREZ ALARCÓN (1914-1961)

Nació en Ica el 20 de febrero de 1914. Era el quinto hijo de una familia numerosa de 16
hermanos que se dedicaba cotidianamente a la artesanía y la restauración artística. Sus
padres fueron: Daniel Gutiérrez y Lucila Alarcón Velarde.
En sus actividades cotidianas para ganarse la vida fue múltiple desempeñándose en
diversos oficios como mozo de restaurante y peón de construcción de carreteras.
También se dedicó a fabricar huacos con tanta maestría que muchos expertos llegaron a
considerarlos auténticos.
Las actividades descritas en primer lugar aquí son negadas por sus familiares y algunos
biógrafos. Concretamente, ellos dicen que no es cierto lo de los oficios. También
aseguran que el pintor estudió, por aquel entonces, normalmente y hasta se hizo” la
vaca” en el colegio. Si vagaba mucho, mataperreando en la laguna de Huacachina.
En cuanto a la afición por la bebida, ellos aceptan que eso era cierto pero dicen y
subrayan que el artista tomaba de manera selectiva. Pisco, whisky y champagne. Nunca
ron de caña, ni menos aguardiente.
Hay una etapa muy deportiva en su vida cuando fue boxeador y llegó a ser campeón
nacional de peso gallo. Como destacó en este deporte, lo incluyeron en la selección
nacional del Perú e intervino en el Campeonato Sudamericano realizado en Córdoba,
Argentina, y resultó subcampeón en su categoría. 
EL ARTISTA

“Ajeno a los problemas teóricos y metas sociopolíticas del arte, este país (Perú) le era
entrañable de otro modo. Sus habitantes, tierra, cielos y rincones urbanos fueron el
factor desencadenante de su creatividad. El valle costeño, los rostros de quienes amó y
algunas imágenes caras a la devoción popular fueron los temas con los que expresó, sin
retórica ni deliberación alguna, sus urbanos fueron el factor desencadenante de su
creatividad. El valle costeño, los rostros de quienes amó y algunas imágenes caras a la
devoción popular fueron los temas con los que expresó, sin retórica ni deliberación
alguna, su identificación con el Perú”, sostiene el crítico de arte Carlos Rodríguez

El proceso artístico de Sérvulo se ha dividido en tres periodos tras su retorno de París:

uno Monumentalista (1942-1945) donde su pintura linda entre los esquemas
académicos y su inclinación por el modernismo estético entonces presente en artistas
como Szyszlo y arquitectos como Luis Miró Quesada (el rupturista grupo “Espacio”).
Se vincula a los pintores Independientes, formados en Europa, opuestos a los
indigenistas liderados por Sabogal. Luego de trabajar con el pintor Emilio Pettoruti en
Argentina, recrea sus “Techos de Lima”, con teatinas y farolas del casco antiguo de la
ciudad.

Al final de esta etapa abandona lo aprendido y su pintura gana en libertad, fuerza e
intensidad, para entrar en una siguiente senda denominada Expresionista (1946-1954) a
la que pertenecen, entre otros cuadros, sus famosos retratos de Doris Gibson, los que, en
palabras del crítico Juan Acha: “desbordan en color, trazos espontáneos, rasgos
esenciales y figuras que se desdibujan en la intensidad de colores”.
En este periodo es célebre su relación con Doris Gibson, fundadora de la revista
“Caretas” quien también fuera su musa. Dice de ellos Luís Eduardo Wuffarden: “ambos
simbolizaron en su momento las ansias de libertad y la actitud desafiante de toda una
generación”. El rostro de Gibson quedó perennizado en retratos y desnudos de alta
calidad expresiva.

En su última etapa, la llamada Mística (1955-1961) y afincado por temporadas en su

natal Ica muestra un afán obsesivo por trazar los rostros de Santa Rosa y del Señor de
Luren sobre muros, cartones, papeles, servilletas, además de lienzos, con lápices de
cejas o crayones labiales de sus acompañantes, señala Wuffarden.  Rostros rodeados de
resplandores como las imágenes religiosas, coronas encrespadas de espinas confundidas
con rosas, rostros desdibujados que se confunden con el fondo. La Santa Rosa que
regala Piedad de la Jara, dueña del establecimiento donde las expuso, el Karamanduka,
es a decir de Wufarden: “quizás la obra religiosa más lograda del Perú contemporáneo”.

Esta es la época en que se incrementa su vida bohemia, la misma que comienza a

pasarle las cuentas a su salud, al mismo tiempo que gana premios y sus exposiciones se
multiplican no solo en las más importantes galerías limeñas, sino también en los locales
ubicados en el centro de Lima, testigos de su vida intensa, la fiesta y el alcohol, como el
Negro Negro, el Club Le Minuit o el restaurante El Gallo Ronco. Moriría en julio de
1961, de una crisis hepática, cuando todavía no había cumplido ni 50 años.

CARACTERÍSTICAS DE LAS OBRAS

Retratos, paisajes, cristos y santa rosas se van transformando en explosiones de color

trabajadas con una espátula, el mango del pincel o, incluso, los dedos y las uñas.
Su paso por locales públicos queda señalado por murales, manteles y servilletas usados
como lienzos, pedazos de papel, vales y menús.
Influencias del Artista

Atraído ya por la pintura y con el deseo de perfeccionar sus conocimientos, permaneció

en Buenos Aires y trabajó durante varios años al lado de Emilio Pettorutti,
Luego se dirigió a París (1938-1940), donde estudió libremente pintura y escultura.
Apreciación Personal
Tuvo una vida controvertida, sus obras están cargadas de nostalgia y sentimientos de su
tierra natal, la investigación biográfica sostiene que desde temprana edad trabajó en
diversos oficios, como, por ejemplo, mozo de restaurante y peón en la construcción de
la carretera Pisco-Castrovirreyna. Se dedicó también a fabricar huacos, con tal habilidad
y maestría que muchos expertos llegaron a considerarlos auténticos.

ALGUNAS OBRAS DE SÉRVULO GUTIÉRREZ

Sérvulo Gutiérrez también escribió poesía; él la consideraba como el arte supremo y

sostenía que al pintar hacia poesía con la forma y el color. Entre las muestras que dejó,
hay un poema que dedica al árbol del Huarango; en él nos da luces de cuán importante
era este árbol en su imaginario personal:

EL HUARANGO

Debajo de un árbol lleno de esperanza.

Tenía los brazos dislocados en todas partes
y era casi como un hombre tremendo,
Olía como si fuera mi abuelo, no caminaba;
estaba frente al mar.
Se agarraba a la esperanza de un solo color:
Ica de frente la esperanza;
 el rosado de tu cuerpo eterno en las arenas
tiene el tiempo que nosotros los iqueños
hemos regresado para darte en parte
La voluntad de nuestro cariño y eso es todo.
Ahora tengo tiempo para mirarte bruja mía,
Pájaro indígena.
Con esos dos colores yo te siento; uno de los tuyos
Es tal vez un rojo, el otro que acaba de morir
En un niño mío...
Si en las arenas te encuentro Huarango
dadme esperanzas,
Tal vez tú no te acuerdes de mi, yo comía tus semillas
cuando era un niño tu fuiste bueno conmigo,
y no me olvido.
Y al salir, mi madre me esperaba con
una flor del cementerio,
Entonces, descubrí, que yo vivía, que tenía tiempo;
La muerte ya era mía.
Árbol extraño, no te miento.
¡Déjame arriba!

Sérvulo Gutiérrez

Este poema es clave para entender que el árbol del Huarango era más que una simple
figura decorativa en un paisaje realizado por el artista. El poema nos da luces porque en
sus versos encontramos al árbol convertido en un símbolo, que representa al pasado de
ternura de madre (que Sérvulo Gutiérrez la pierde de niño), a la eternidad ó figura sin
tiempo que brota en las arenas como pájaro indígena. También ideas como la verdad, el
regreso, la imagen del niño, el mar como idea de frontera, la semilla de Huarango como
alimento ó cuando el artista se refiere al color rojo que es un color pasional son muy
característicos de su obra, utilizando cada cualidad como un carácter que humaniza al
árbol.
El Huarango es un santo, un protector con el quien el autor conversa y evoca imágenes
de sentimientos a modo de confesión. Lo escrito por Sérvulo Gutiérrez nos indica que
en estos paisajes de Huarangos nos encontramos ante un símbolo (el árbol) que resulta
una proyección de su ser, como lo fue el Cristo y Santa Rosa de Lima realizados en
otras obras, formando todos estos personajes elementos de su imaginario plástico.
 HUARANGO 1954

Título: Huarango 1954.

Criterios de composición:
 Tempera sobre papel.
 Simboliza la esperanza, los recuerdos, la dulzura de la madre.
Componentes visuales:
 Pinta los movimientos ondulantes del árbol
 Le impregna el color rojo, tonos azules y amarillos
 Realiza un contrate de luz y sombra

SANTA ROSA DE LIMA (1914-1961)

Título: Santa Rosa de Lima (1914-1961)

Medidas: 228 X304
Criterios de composición:
 Pintada con los dedos y mucha emotividad.
 La líneas del rostro
Componentes visuales:
 Las líneas del rostro son más intensas
 Le impregna el color rojo, lila, celeste y combina colores para obtener colores
oscuros.
 LOS ANDES S
ÉRVULO GUTIÉRREZ OLEO SOBRE LIENZO 1.08 X 0.91 MTS

En su obra refleja a su natal Ica, su devoción por el Cristo de Luren y SantaRosa, sus
mujeres y amistades, pero donde se nota su fuerza interior es endos obras
fundamentales: India desnuda y Los Andes, ambas realizadas elmismo año luego de un
viaje hacia Arequipa, Puno y Cusco.En Los Andes, una indígena desnuda de colosales
dimensiones se tapa elrostro y los senos buscando evitar ser reconocida y a su vez
protegiéndose delas inclemencias de un cielo pronto a estallar.Su monumentalidad la
hace más grande que la cordillera que la circunda, lo que podría interpretarse como una
voluntad mayor a las circunstancias, por adversas que éstas sean.
ATARDECER EN LA LAGUNA
PINTURA REALIZADA POR SÉRVULO GUTIÉRREZ (1914-1961)

En la primera mitad de la década de 1950, suele ser vista como una exhibición de la
habilidad del artista para, a través de un gesto expresivo, plasmar líneas y colores que
tienen un valor por sí mismo. Al menos así la vieron una generación de modernistas
peruanos que, en la década de 1950, estaban interesados en la pintura abstracta. Y, sin
embargo, la referencia tan explícita a la laguna y al cotidiano espectáculo de una puesta
de sol, al final de la tarde, hace que más de uno de nosotros se pregunte, también y de
una manera natural, acerca de los contenidos representados. Las firmes pinceladas no
ocultan la línea de horizonte, ni tampoco la cercanía de las manchas rojas mezcladas
con las amarillas no encubren lo suficiente el pequeño árbol que, desde un primer
término, señala hacia la posición del observador.
OTRAS OBRAS

DORIS GIBSON RETRATO DE MUJER EL SEÑOR

GIBSON MUJER INDIA PAISAJE

IQUEÑO.SÉRVULO
GUTIÉRREZ ALARCÓN
AUTOR DE ARTE PERUANO COSTUMBRISTA

PANCHO FIERRO

Francisco Fierro Palas, más conocido como Pancho Fierro nació en Lima en 1810. Fue
hijo de Nicolás Fierro y de Carmen Palas.
Este gran artista mulato, tiene el mérito de excepción de ser el que inicia
verdaderamente el arte de pintura en la época republicana en el Perú. Se le conoció
mucho,se le admiró y respetó de igual manera.Se le daba el trato de "Don Pancho"
como demostración de aprecio y especial estimación a su persona y a su producción
artística. 
Pancho Fierro fue artista autodidacta, no hizo estudios especiales sobre arte, razón por
la cual quedó sólo como acuarelista, es decir  trabajos sencillos realizados en cartulinas
y colores al agua. (Acuarela).
La picardía sutil de mestizo, le permitió constituirse en un narrador gráfico de las
costumbres de la sociedad de lima a inicios de la República. Desfilaron en sus pequeñas
obras con singular encanto y realismo descriptivo los más variados personajes  típicos
de la época, como también las más caracterizadas costumbres y lugares del momento. 
Entre sus personajes de arraigo popular encontramos vivanderas, aguadores,jueces,
militares, oficiales, clérigos,pregoneros,vendedores, turroneros, montoneros, policías,
amazonas...
Entre sus escenas costumbristas están: las peleas de gallos, las tapadas y caballeros,
corridas de toros, indios vendedores de fruta y leña, los juegos de carnaval, bailes,
procesiones. etc.
Pancho Fierro murió en Lima en 1879.
CARACTERISTICAS DE SUS PINTURAS: 
Pancho Fierro es acuarelista. Su temática es costumbrista. No da muestras de proporción
y forma, pero atractivo por su sentido de ingenuidad, pureza i originalidad. Sus líneas
gruesas y toscas gozan sin embargo de agilidad. Es en el color donde el artista
demuestra sus mejores atributos. Domina la técnica de la acuarela, sus colores son ricos,
armoniosos y limpios. Practica la intensidad del color con el objeto de lograr atractivos
contrastes. Sus fondos bien lavados y limpios nos dejan ver una exquisita transparencia
que armoniza apropiadamente con las imágenes de la escena.

OBRAS FAMOSAS:
Toribio, El montonero Escobar, Las Tapadas, La frutera, Vendedores de leña, El
Carnaval, El tondero, El son de los diablos, Juanita Breña, La Zamacueca.
Con sus pinturas retrató la vida de la época virreinal, personajes de la aristocracia
limeña: El médico, hacendado, el notario, escribano, abogado, caudillos y militares,
frailes y monjas, etc. Por otra parte, también reflejó aspectos populares de la vida
pública, linajes (criollo, indio, negro, mulato), sus vestidos, calles, plazas y
monumentos, balcones, jardines, medios de transporte, personajes como: la frutera, el
farolero, el aguador, la lechera, el cura, vendedor de panes, de flores, la turronera,
mazamorrera, tamalera, anticuchera, etc., asimismo, costumbres y tradiciones, como
festividades religiosas (procesiones), fiestas taurinas (capeadores a caballo), pelea de
gallos, músicos, bailes y jaranas (la zamacueca), además de multitudes en plazas y
calles, donde sobresalían las famosas “Tapadas limeñas”, con su saya y manto, dejando
descubierto un solo ojo. De esta manera desfilaron los personajes y formas de Fierro en
sus composiciones, recogiendo el enfoque costumbrista literario y pictórico.

DANZA: EL SON DE LOS DIABLOS

Pancho fierro fue un detallista crítico con los protagonistas de la iglesia, y mucho más
con los soberanos y autoridades de jerarquía limeña, sarcástica con los militares y
cordial con las mujeres; retrata toda la sociedad de la época de entonces, sucesos,
gestos, pícaros, disgustos, alegrías, tristezas; todas colmadas de un expresionismo
implacable.
Por ser un artista autodidacta, de dibujo incipiente en proporción y forma, sus obras
escapan de toda rigurosidad académica, sus líneas gruesas y toscas, son atractivos por su
sentido de pureza y originalidad, y mucho más en sus colores, ricos, armoniosos y
limpios, de igual modo logró atractivos contrastes, fondos bien lavados de exquisita
transparencia que armoniza apropiadamente con las imágenes de la escena.

EL SOLDADO Y LA RABONA

Son famosas sus obras: “Las tapadas”, “El montonero Escobar”, “Ño Toribio”, “La
Frutera”, “Vendedores de leña”, “El carnaval”, “El tondero”, “Juanita Breña”, “La
Zamacueca”, “El son de los diablos”, etc. Por ser iletrado, Pancho fierro, sus obras no
acostumbraba firmar; pero Agustín de la Rosa y Ricardo Palma, escribieron las leyendas
y títulos fechada en 1840, y se calcula que llegó a pintar aproximadamente 1200 escenas
de la vida limeña, de las cuales se comercializó a través de la casa “Ricordi”, contando
con mucha demanda por los entendidos del arte. Inclusive las obras de Fierro fue objeto
de imitación y piratería por otros artistas, motivo por el cual, Agustín de la Rosa y
Ricardo Palma crearon un álbum denominado “Lima, tipos y costumbres”, los cuales
fueron donados a la Municipalidad de Lima, hoy se encuentran en Pinacoteca Municipal
Ignacio Merino, en una cantidad de 254 acuarelas.

ESTILO DE PANCHO FIERRO

La obra de Pancho Fierro, trabajada mayoritariamente en acuarela, sobrepasa las 1.200

láminas que hoy día integran importantes colecciones estatales y particulares del Perú y
el mundo.

Casi todas sus acuarelas fueron elaboradas sobre cartulina corriente y en formato
pequeño. Quizás la premura con que plasmaba las imágenes que atraían su atención lo
motivaba a trabajar en ese formato o, quizás, un criterio económico justificaría su
proceder no siendo él una persona acomodada. Obras de mayor tamaño y distinta
técnica, debieron ser realizadas por encargo.
Pancho Fierro esbozaba a lápiz los motivos elegidos y procedía luego a colocar
sucesivos toques de color, recargando las tonalidades en las zonas que deseaba destacar.
Con movimientos rápidos y seguros marcaba los gestos y detalles que caracterizan a
cada uno de sus personajes. El sombreado era aplicado caprichosamente, por lo general
hacia los bordes del dibujo. Sus colores son alegres, vivos y limpios; se destaca la
preferencia por el rojo, el azul añil, el amarillo, el verde y el sepia, y debió utilizar
productos de buena calidad porque la mayoría de sus obras ha resistido el paso del
tiempo.
ALGUNAS OBRAS DE PANCHO FIERRO

Como observamos en esta ilustración Pancho Fierro representa una actividad que se
realiza hasta ahora, como tradición, la corrida de toros, podemos observar que el
vestuario y el procedimiento, es muy parecido al actual.
 Pancho Fierro, La almuercera (1820) 
Municipalidad de Lima.

La almuercera, fechada en 1820, representa una afro descendiente con vestido verde de es
coteprofundo, sobre su cabeza carga una olla muy grande y, a su espalda, asoma el rost
ro de un niño envuelto en una manta, al estilo indígena.

Pancho Fierro, Interior de un cuarto de callejón Pancho Fierro, Tapada desvistiéndose. Reproducido 
Reproducido en Cisneros Sánchez, Manuel, Pancho en Cisneros Sánchez, Manuel, Pancho Fierro y la 
Fierro y la Lima del 800. Lima, Importadora, Ex- Lima del 800. Lima, Importadora, Exportadora y 
portadora y Librería García Ribeyro SCRL, 1975 Librería García Ribeyro SCRL, 1975. 
En Un cuarto de callejón, una mujer de origen afro es representada de espaldas cogiendo cuyes, 
un alimentoocosiderado tradicionalmente indígena. Asimismo, algunas acuarelas representan a 
tapadas vistiéndose y desvistiéndose, llama la atención que usan trenzas como parte del peinad
o cotidiano. 

Pancho Fierro, Zamacueca borrascosa, reproducido 
en Majluf, Natalia y Marcus B. Burke, Tipos del 
Perú. La Lima criolla de Pancho Fierro. Madrid,
Ediciones El Viso, 2008.

Las acuarelas representan diferentes tipos populares, en el primer caso, la zamacueca borrasco
sa representa una pareja en pleno movimiento, ella con vestido coqueto, amplio escote y senos 
bien marcados, levanta la falda para mostrar sus medias, y de paso, las piernas bien torneadas. 
En contraste, sus aretes y collar de oro brillan. Esta acuarela enfatiza en tres elementos central
es: pobreza, violencia y alcohol. 
El hombre está armado, de su cintura asoma el mango de un arma blanca, su camisa tiene u
n agujero, parece vieja, además sostiene una botella mientras baila.
 ARTE ABSTRACTO
FERNANDO DE SZYSZLO

Szyszlo es un artista plástico, dedicado a la pintura y escultura, uno de los principales

partícipes del desarrollo del arte abstracto en América Latina. A partir de los años 50,
desde su primera exposición individual presentada en Lima en el año 1947, ha creado
más de cien exposiciones en museos y galerías de Latino América, Europa y Estados
Unidos.

Nació el 5 de julio de 1925 en Lima, hijo del físico polaco Vitold de Szyszlo y de María
Valdelomar, hermana del escritor Abraham Valdelomar. Estudió en la escuela de
arquitectura de la Universidad Nacional de Ingeniería, pero no concluyó esta carrera y,
en 1944, ingresó a la Escuela de Artes Plásticas de la Pontificia Universidad Católica
del Perú. A los 24 años, viajó al continente Europeo en donde estudió las obras de
maestros muy reconocidos como Rembrandt, Tiziano y Tintoretto.

Al regresar al Perú, luego de una larga estadía muy productiva en París (Francia), se
convirtió en un importante precursor de la renovación del arte en nuestro país.
Representó temas de la historia del Perú en un estilo no figurativo, conectando a las
antiguas culturas con un lenguaje nuevo y moderno. Fernando toma su inspiración de
temas muy variados como filosofía y literatura. En su trabajo, recobra la fuerza y la
naturaleza de los mitos para, posteriormente, formar parte del patrimonio simbólico de
Latinoamérica
 Inkarri, 1968 - Blantom Museum of Art University of Texas at Austin-USA

Fernando de Szyszlo es uno de los artistas abstractos latinoamericanos que hablan de

una tradición no europea, específicamente indígena en su trabajo. Inkarri ha sido
considerado como una de sus obras maestras. El título, que es en quechua, la lengua
indígena de los Andes, es indicativo del interés de Szyszlo en la conexión con las
antiguas tradiciones americanas. Aunque la pintura parece totalmente abstracto en un
primer momento, el título apunta a una narrativa específica, lo que nos permite leer la
pintura simbólica en lugar de términos puramente formales o abstractos. Inkarri se
refiere a una leyenda en la que el último gobernante Inca, Tupac Amaru, cuyo cuerpo
fue despedazado en 1572 por los españoles, vuelve a recuperar su reino de los
colonizadores. A diferencia de la generación anterior de indigenistas peruanos, de
Szyszlo utiliza un lenguaje totalmente abstracto y contemporáneo para comunicar esta
narrativa revolucionaria. En lugar de registro de los datos históricos de la Tupac Amaru
leyenda, Szyszlo ha sugerido la resurrección del Señor en formas flotantes y altarlike
que convocan un universo evocador y mágico.
SUS OBRAS Y ESTILOS

CARACTERÍSTICAS DE SUS OBRAS:

 Szyszlo usa sistemas expresivos y estructuras de lenguaje cuyas connotaciones busca

reflejar la identidad de nuestra natalidad.  Sus obras buscan posesionarse en una de las
mejores latinoamericanamente y plasma técnicas que lo enfoquen como arte
latinoamericano, propio y único en el lenguaje artístico.  En sus obras fusiona formas
interactivas y paisajes desolados; formas esculturales minimalistas, oscuras, severas,
con mares o cielos arremolinados. Es un artista de la síntesis, de las formas concretas,
del poder de la luz sobre las formas. En pocas palabras trabaja con formas del arte
precolombino y con los colores del arte popular peruano. Se dice que es un surrealista. 
 MAR DE LURIN (1991)

 Para Damian Bayon, esta obra describe una forma erguida, totémica, agresiva y
lenta.
 Presenta un personaje solitario en el frío.
 Las durezas de las atmósferas pues es una mezcla de colores que dan sentido a la
naturaleza.
 Resaltan el color verde petróleo, gris, marrón, líneas negras, puntos amarillos  y
manchas color melón.
 Las obras de szyslo muestran una naturalidad y algo magistral en sus obras.
Muestran coloren que de alguna manera in teorizan paz, silencio, pero también
violencia.
 Szysclo busca elementos en sus obras que presentan técnicas o visiones propias
del mundo indígena incásico.

SZY9 (1978)
 En las obras de Fernando sziszlo persisten las formas. Geométricas, un ambiente
frío y mezclas únicas por su propio autor.

 En esta obra se trata de resaltar el orden vital de la transmisión, la procreación y

la profundidad es vincula con la procreación porque en esta obra resaltan
pequeños círculos en ramos o racimos que gotean, esto se pronuncia así para
sologuren.

 Para mí las mezclas violetas, rojos con negros, etc. Cobran misterio en sus obras.
 Encontramos profundidad, sombra, luz.

SOL NEGRO (1977)

 Encontramos mosaicos geométricos coloridos.

 Luminosidad en lo en lo profundo.
 Juega con colores profundos o misteriosos, en este caso toma colores lilas,
negros, rosados, marrones, rojos. Pero también trabaja con   los rosas y ocres
delicados, los sutiles como el verde y grises.
 Existe fondo.
 No hay movimiento.
 Trata de profundizar un ambiente frío, entre opaco y resaltante por sus mezclas.
Además por el título que posee nos in teoriza un ambiento estante.
 El color rojo en lo profundo de la pintura hace ver un ambiente estante ósea sin
movimiento y con misterio.
OTRAS OBRAS

Fernando de Szyszlo - Serie Paracas - La

Fernando de Szyszlo - Mesa ritual
noche

Fernando de Szyszlo - Sol negro Fernando de Szy szlo

Fernando de Szyszlo Fernando de Szyszlo

2. QUE OBJETIVO TUVO EL ARTE EN LA EPOCA COLONIAL EN EL
PERU

En el Perú se conoce como Arte Colonial al período comprendido entre los siglos XVI y
XVIII, es decir luego de producirse la ocupación española hasta la etapa de la
independencia. Los periodos históricos no tienen una fecha definida de inicio ni de fin
pues este va evolucionando con el paso del tiempo.

Durante la segunda mitad del siglo XVI e inicios del XVII, numerosos cronistas
escribieron sobre la riqueza mineral y la producción alimenticia del Perú. Lima se
convirtió en la capital de los virreynatos españoles, convirtiéndose en una ciudad
cosmopolita de gran importancia. Lima y su Plaza Mayor, se convierte en el centro de
las grandes ceremonias cortesanas y eclesiásticas (venida de virrey, nacimientos de
príncipes en España, fiestas luctuosas, pomposas procesiones) en ellas participan los
intelectuales y artistas más renombrados de la época. Durante este periodo sobresale la
labor administrativa del Virrey Toledo.

El arte colonial es el que se desarrolla en Peru durante el periodo de ocupación

española, es decir, desde que Cristóbal Colón descubre el continente hasta que alcanza
su independencia.

El objetivo, más allá de asentarse en el territorio, será el de reducir la pluralidad

peninsular y dar unidad al territorio americano. Comienza así la labor evangelizadora de
conversión al cristianismo y de instalar el castellano como única lengua.

La influencia española dominará y se impondrá a la autóctona. Desde España llegarán al

Nuevo Mundo numerosos artistas que formarán talleres y enseñarán a los nativos los
modelos y estilos de la península, como son el renacimiento, barroco y neoclasicismo.
Hay que señalar la importancia de la pintura en el proceso de evangelización, ya que sus
temas religiosos y didácticos tratan diferentes episodios de la vida de Jesús, de la Virgen
y de los santos más populares.

En nuestro país, las dos culturas que se fusionaron en la Colonia poseían un profundo
sentido religioso en el que se mezclaron ritos, leyendas y antiguas creencias que
desembocaron en una nueva concepción. El indígena aún no se recuperaba de la
sorpresa causada por la ruda invasión, cuando ya se encontraba trabajando arduamente
en la construcción de templos y edificios.

EL ARTE EN LA EPOCA COLONIAL EN EL PERU

Con la llegada de los españoles se introdujeron las artes plásticas (pintura, arquitectura y
escultura) y los estilos que imperaban en Europa.

PINTURA

Muchos artistas peninsulares llegaron en el siglo XVI para montar talleres y difundir las
tendencias de la época. En un primer momento, la pintura peruana tuvo una marcada
influencia renacentista. El origen de la pintura colonial esta relacionado con la llegada
de tres pintores italianos: Bernardo Bitti, Mateo Pérez de Alesio y Angelino Medoro,
Bitti es considerado su iniciador. Estos pintores desarrollaron el estilo manierista.
Con el barroco desapareció la unidad artística de la época del manierismo y comenzaron
a surgir escuelas locales de pintura. Mientras Lima ideaba un lenguaje sofisticado para
expresar el barroco, en el Cuzco, el obispo Manuel de Mollinedo (1673-1699) procuró
replicar el arte del seiscientos europeo en sus diócesis.
Contó con la ayuda de Basilio de Santa Cruz Pomacallao, que inspirado en la obra de
Rubens, desarrollo una riqueza cromática y gran dinamismo en sus pinturas. Asimismo,
Diego Quispe Tito, más identificado con los estratos nativos, inició, sobre la base de los
grabados flamencos, el desarrollo un género paisajístico que tuvo gran repercusión en
los pintores anónimos del siglo XVIII.

DIEGO QUISPE TITO

Pintor peruano del periodo virreinal, principal figura de la escuela cuzqueña del siglo
XVII.Nació en 1611 y falleció en 1681. Nació en San Sebastián (virreinato de Nueva
Granada). Su estilo, de inspiración manierista, se consolidó a partir de la contemplación
de grabados y tablas de artistas flamencos, como Antonio Wierix o Ferdinand Bol. En la
Visión de la cruz (1631) y la Ascensión (1634), dos de sus primeras obras, ya se aprecia
la esquematización lineal y el gusto por los elementos decorativos característicos de las
obras de madurez de este autor de procedencia indígena. Plantas, flores y pájaros
autóctonos se mezclan con arquitecturas extraídas de estampas europeas. Esto, unido a
una especial atención por el detalle y lo anecdótico, dio lugar a una escuela que tuvo
gran repercusión en la tradición pictórica andina. En la iglesia de San Sebastián (Cuzco)
se conservan una serie de lienzos sobre la vida de san Juan Bautista, realizada hacia
1663 en base a los grabados de Cornellis y Phillipe Galle. La obra cumbre de Quispe
Tito es el Zodíaco de la catedral de Cuzco (1681). Se trata de una serie de cuadros
destinados a combatir la idolatría en la que cada signo se corresponde con un parábola
bíblica.

ARQUITECTURA

Las ciudades coloniales nacieron poco a poco como reflejo de las españolas, pero con el
inevitable aporte local. Respetaron el diseño de la cuadricula, que se asemejaba a un
tablero de ajedrez, lo que les dio cierto carácter planificado. El diseño original se
determinaba por un espacio central (conocido como Plaza Mayor o Plaza de Armas) y a
su alrededor se erigía el resto de edificios principales: palacio del gobernante, catedral,
casa del obispo, ayuntamiento, las casas de los vecinos notables y los portales donde se
establecían los comerciantes y mercaderes.
Las ciudades fueron progresivamente pobladas arquitectónicamente. Las construcciones
desde las épocas tempranas, tuvieron usos específicos: gobierno civil, eclesiástico, del
culto, de ayudas pública como los hospitales, de diversión como la plaza de toros ,los
coliseos de gallos, los corrales de comedias, las casas de juego de pelota, los paseos, las
populares chinganas y pulperías, así como más de dieciochescos cafés. En algunos
casos, fueron protegidas por murallas, como sucedió en Lima (1684) y Trujillo (1687),
o resguardadas por fortalezas como la del Real Felipe del Callao (1747).

Estilos Arquitectónicos Renacentistas. Siglo XVI

Se adoptó inicialmente el estilo ornamental del renacimiento italiano adaptado a su vez
por España. La forma más difundida de este estilo fue el plateresco, que se caracterizó
por decorar las fachadas utilizando motivos labrados en forma similar al trabajo de los
plateros.

BARROCO. SIGLO XVII

Fue el mejor vehículo para las expresiones mestizas. SE caracterizó entre otras cosas
por la recargada ornamentación de las fachadas en las que se reproducían emblemas,
plantas, animales y figuras humanas. La columna salomónica de trazos serpentiformes
fue un elemento fundamental. Entre 1660 y 1725 el barroco peruano adopta un estilo
muy español denominado Churrigueresco, por su creador el arquitecto José de
Churriguera, éste presentó un estilo de barroco exacerbado El barroco llegó al Perú con
el virrey Conde de Lemos. Ejemplos: La iglesia de la Merced, la iglesia de San Agustín,
en Lima, iglesia de la Compañía en Arequipa.

Iglesia de la Merced - típico estilo Barroco

ROCOCÓ
Es el barroco francés y reflejo la etapa de afrancesamiento de España con la llegada de
los Borbones en 1701 al poder. De formas más simples que el barroco español,
presentaba formas ondulantes más amplias, especialmente en los balcones, la
preferencia por grandes espacios interiores, gusto por los jardines y huertas, el uso de
esculturas individuales.
Su material fue de yeso y el vidrio. Ejemplos: La plaza de Acho, el Paseo de Aguas, etc.

NEOCLÁSICO

Arte del siglo XIX. Resurrección de las formas clásicas (griego-romano-renacentista).

Estilo muy simple con preferencia por lo monumental rígido, lo simétrico. Usaron
especialmente los frontis triangulares inspirados en el Partenón, las columnas romanas
con capitolios corintios. Ejemplos: Cementerio Presbítero Maestro, Iglesia de San
Francisco, Iglesia de San Pedro. Texto en negrita
 Cementerio Presbítero Maestro - Muestra de Arte Neoclásico

ESCULTURA

A partir del siglo XVI, la escultura europea se introduce en el virreinato peruano.

Escultores y obras de procedencia sevillana tuvieron importante significado. En Lima
comienzan a manifestarse estilos cada vez más propios, alejados de los europeos.
Debe mencionarse la producción de escultores indígenas que se incorporaron a estas
tareas, primero como expertos canteros que colaboraron en las labores de relieves
escultóricos de carácter decorativo y luego en los trabajos de imagenería. De España se
importaron muchas técnicas tradicionales para trabajar con mármol, piedra, madera,
pastas, marfiles y metales, a las que se añadieron en tierras americanas las del maguey,
de probable tradición indígena. De este periodo son los talleres de escultura en los que
los maestros sevillanos o castellanos conducían los trabajos de aprendices, entalladores,
alarifes e imagineros, entre los que figuran Cristobal de Ojeda, Alonso Gómez, Diego
Ortiz de Guzmán y otros artistas, como Juan Bautista Guzmán y Melchor de Sanabria.
En el siglo XVII siguen emigrando a Lima artistas y obras que anuncian un cambio en
el estilo. En esta tendencia destacaron Martín Oviedo y Martín Alonso de Mesa y
Villavicencio; esté último participó en la ejecución de la sillería del coro de la catedral
de Lima en 1624 a 1626, obra que se considera la inauguración del barroco colonial.
Mención aparte merece la obra de Martínez Montañés, quien influye en toda una
generación con la apertura al realismo. Un activo núcleo de escultores que seguían a
este maestro seguían en Lima en pleno siglo XVII. Durante esta época fue normal que
indígenas, mestizos y criollos se formaran al lado de un escultor emigrado o adoptaran
la plástica de la época. De esta etapa data la construcción de la fuente de la Plaza de
Mayor de Lima, hecha por orden del virrey don García Sarmiento de Sotomayor.
Antonio de Rivas fue el fundador de la fuente y el diseño perteneció a Pedro de
Noguera. El alarife Juan de Mansilla fue el creador de la cañería que llevaba el agua
desde el reservorio vecino al colegio Santo Tomás.
Fuente de La Plaza Mayor de Lima