Jackson Pollock

Paul Jackson Pollock (/ˈpɒlək/ Cody, 28 de enero de 1912-Springs, 11 de agosto de

1956), más conocido como Jackson Pollock, fue un influyente pintor estadounidense y
una importante figura en el movimiento del Expresionismo abstracto. Pollock alcanzó
reconocimiento por su estilo único de fama por sus cuadros de dripping. Durante su
vida, Pollock tuvo fama y mucha notoriedad siendo uno de los artistas principales de su
generación. Pollock era una persona aislada y con una personalidad volátil. Tenía
problemas de alcoholismo a los cuales se enfrentó durante toda su vida. En 1945, se
casó con la artista estadounidense Lee Krasner, quien se convirtió en una influencia
importante en su carrera y en su legado.

Pollock murió a la edad de 44 años en un

accidente automovilístico al conducir en estado
de ebriedad. En diciembre de 1956, cuatro
meses después de su muerte, Pollock fue
conmemorado con una retrospectiva en el
Museo de Arte Moderno de Nueva York
(MoMA). En 1967 se organizó una exhibición
más completa de sus trabajos en el mismo lugar.
Entre 1998 y 1999, su trabajo fue laureado con
una retrospectiva a gran escala en el MoMA de
Nueva York y en el Tate Modern de Londres.
En el año 2000, una película basada en su vida,
titulada Pollock y dirigida y protagonizada por
Ed Harris, ganó un Premio Óscar.

Obras
 (1942) Male and Female Philadelphia Museum of Art
 (1942) Stenographic Figure Museum of Modern Art
 (1943) Mural University of Iowa Museum of Art.
 (1943) Moon-Woman Cuts the Circle
 (1943) The She-Wolf Museum of Modern Art, New York
 (1943) Blue (Moby Dick) Ohara Museum of Art
 (1945) Troubled Queen Museum of Fine Arts, Boston
 (1946) Eyes in the Heat Peggy Guggenheim Collection, Venice
 (1946) The KeyThe Sounds In The Grass Museum of Modern Art.
 (1947) Portrait of H.M. University of Iowa Museum of Art.
 (1947) Full Fathom Five Museum of Modern Art
 (1947) Cathedral
 (1947) Enchanted Forest, Peggy Guggenheim Collection
 (1947) Lucifer, San Francisco Museum of Modern Art
 (1948) Painting
 (1948) Number 5 (4 ft x 8 ft) Private collection
 (1948) Number 8
 (1948) Composition (White, Black, Blue and Red on White) New Orleans
Museum of Art
 (1948) Number 19
Marcel Duchamp
Marcel Duchamp (AFI maʀsɛl dyˈʃɑ̃) (Blainville-Crevon, 28 de julio de 1887-Neuilly-
sur-Seine, 2 de octubre de 1968) fue un artista y ajedrecista francés. Especialmente
conocido por su actividad artística, su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución
del dadaísmo. Al igual que el citado movimiento, abominó la sedimentación simbólica
en las obras artísticas como consecuencia del paso del tiempo y exaltó el valor de lo
coyuntural, lo fugaz y lo contemporáneo. Duchamp es uno de los principales valedores
de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad
estricta de formación, preparación o talento. Nació el 28 de julio de 1887 en Blainville-
Crevon, un pequeño pueblo francés donde su padre, Eugène Duchamp, ejercía como
notario y alcalde. Fue el tercero de seis hermanos. Sus dos hermanos mayores, que
adoptaron más tarde los nombres de Raymond Duchamp-Villon y Jacques Villon,
decidieron dedicarse al arte, quizás debido a la influencia de su abuelo materno, que tras
ganar una fortuna considerable como agente marítimo se había retirado para dedicarse a
sus principales aficiones, el grabado y la pintura, llegando a exponer algunas obras en la
Exposición Universal de París (1878).

Obra
Después de 1915 pintó muy pocas obras, aunque continuó trabajando hasta 1923 en su
obra maestra, La novia puesta al desnudo por sus solteros, incluso (1923, Museo de Arte
de Filadelfia), una obra abstracta, conocida también como El gran vidrio (Le grand
verre). Realizada en pintura y alambre sobre vidrio, fue recibida con entusiasmo por
parte de los surrealistas.

La obra original se encuentra en el museo de Filadelfia y está agrietada, debido a un mal

embalaje en el traslado al Museo de Brooklyn en 1926, única vez que se pudo
contemplar en su estado original. Diez años después, el propio Duchamp restauró la
pieza en casa de Katherine Dreier, en aquel momento su propietaria.

En el campo de la escultura fue pionero en dos de las principales rupturas del siglo XX:
el arte cinético y el arte ready-made. Este último consistía simplemente en la
combinación o disposición arbitraria de objetos de uso cotidiano, tales como un urinario
(La fuente, 1917) o un portabotellas, que podían convertirse en arte por deseo del
artista.
Victor Vasarely
Vásárhelyi Győző, conocido como Victor Vasarely (Pécs, Hungría, 9 de abril de 1908 -
París, Francia, 15 de marzo de 1997) fue un artista al que se ha considerado a menudo
como el padre del op art. Comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero dejó la carrera
al cabo de dos años. Se interesó entonces por el arte abstracto y por la escuela de
Muheely (principios de la Bauhaus), fundada en Budapest (Hungría) por un alumno de
la Bauhaus. Le atrajeron Mondrian y Malévich y se interesó por la astronomía. Se
trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad
desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la primera obra
de Op art. Durante las dos décadas siguientes, Vasarely desarrolló un modelo propio de
arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y
perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó diversos materiales pero usando un número
mínimo de formas y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada,
racional y serena (redes, tramas).

A pesar de esta aparente monotonía, tiene una larga evolución y diversas etapas en su
producción artística:

 1929-1939: trabajos publicitarios con efectos ópticos

 1939-1948: "período menstrual" investigaciones previas al Op Art.
 1948: "Abstracción memética"
 1948- 1958: "Período Blanco/negro: los considera los mejores colores para
trascender a través de la fotografía.Su trabajo le dio fama internacional y recibió
varios premios prestigiosos.

En 1976 crea un centro de investigación arquitectónica en Aix-en-Provence y dos

museos "didácticos" Vasarely, en Gordes adonde fue llevado por Jean Deyrolle (1970) y
en Hungría en Pécs (1976). Murió a los 89 años. El museo Vasarely en Hungría
contiene una importante colección de sus obras, así como de otros muchos artistas de
origen húngaro que han trabajado en el extranjero. Es el padre del artista Yvaral, autor
de obras de ese mismo estilo. Vasarely nació en Pécs y creció en Pöstyén y Budapest,
donde en 1925 comenzó estudios de medicina en la Universidad de Budapest. En 1927
abandonó la medicina para aprender la pintura académica tradicional en la Podolini
privado Volkmann Academia.
Allan Kaprow
Allan Kaprow (Atlantic City, NJ, 23 de agosto de 1927 -Encinitas, CA, 5 de abril de
2006) fue un artista estadounidense pionero en el establecimiento de los conceptos de
arte de performance.

Allan Kaprow ayudó a desarrollar las instalaciones artísticas y los happenings a fines de
los años cincuenta y sesenta. Sus happenings, alrededor de doscientos, fueron
evolucionando a lo largo de los años. Con el tiempo, Kaprow cambió su práctica en lo
que él llamó «Actividades», relacionando íntimamente piezas para uno o varios
jugadores y dedicadas al examen de los comportamientos y hábitos cotidianos de una
manera casi indistinguible de la vida ordinaria. A su vez, su obra influye en Fluxus, el
arte de performance y la instalación artística.Estudió composición con John Cage en su
famosa clase en la New School for Social Research, pintura con Hans Hofmann e
historia del arte con Meyer Schapiro. Los trabajos de Kaprow intentan integrar el arte y
la vida. A través de happenings, la separación entre vida y arte, y el artista y el público
se vuelve borrosa. Publicó extensamente y fue Profesor Emérito en el Departamento de
Artes Visuales de la Universidad de California, San Diego. Kaprow es conocido
también por la idea de un «no-arte», que se encuentra en sus ensayos Arte que no puede
ser arte y La Educación del No-artista.

Su influencia es también evidente en el Instituto de Arte de California, donde fue

profesor durante los primeros años de formación. Es célebre su frase «La línea entre el
arte y la vida debe mantenerse tan fluida, y quizás indistinta, como sea posible».

Obras
 Yard
 Rearrangeables panels
 Grandma´s boy
 Calling
 Words
 18 happenings
George Maciunas
George Maciunas (lituano: Jurgis Mačiūnas; 8 de noviembre de 1931, Kaunas, Kaunas,
Lituania - 9 de mayo de 1978, Boston, Massachusetts, Estados Unidos) fue un artista,
empresario y galerista estadounidense de origen lituano. Fue miembro fundador de
Fluxus, una comunidad internacional de artistas, arquitectos, compositores y
diseñadores. Otros destacados miembros reunidos por este movimiento fueron Yoko
Ono, Joseph Beuys, George Brecht, Nam June Paik, Charlotte Moorman, Wolf Vostell
y Dick Higgins. Su padre, Alexander M. Maciunas, era un arquitecto e ingeniero
lituano que se había formado en Berlín, y su madre, Leokadija, era un bailarín nacido en
Rusia de Tiflis afiliado a la Ópera Nacional de Lituania y, más tarde, Aleksandr
Kerensky ' s secretaria privada, ayudándole a completar sus memorias.

Después de huir de Lituania para evitar ser arrestado por el avance del Ejército Rojo en
1944, y vivir brevemente en Bad Nauheim, Frankfurt , Alemania, Jurgis Mačiūnas y su
familia emigraron a los EE. UU. En 1948, viviendo en un área de clase media de Long
Island , Nueva York. .

Después de llegar a los EE. UU., George estudió arte, diseño gráfico y arquitectura en
Cooper Union , arquitectura y musicología en el Instituto de Tecnología Carnegie en
Pittsburgh y, finalmente , historia del arte en el Instituto de Bellas Artes de la
Universidad de Nueva York, especializado en Europa y Siberia. Arte de las
migraciones.

En 1960, mientras asistía a las clases de composición del compositor electrónico

Richard Maxfield en la New School for Social Research en Nueva York, Maciunas
conoció a muchos de los futuros participantes de Fluxus, entre ellos La Monte Young ,
Al Hansen , Allan Kaprow y Jackson Mac Low . En 1961 abrió la AG Gallery en 925
Madison Avenue con su compañero lituano Almus Salcius, con la intención de financiar
el ambicioso programa de eventos y exposiciones de la galería importando alimentos
delicatessen e instrumentos musicales raros. La galería, aunque de corta duración (se
cerró el 30 de julio debido a la falta de fondos), se dedicó al arte nuevo e innovador en
todos los géneros y realizó exhibiciones y actuaciones de muchos de sus nuevos
conocidos.
Kazimir Malévich
Kazimir Severínovich Malévich (en ruso, Казими́р Севери́нович Мале́вич, en polaco,
Kazimierz Seweryn Malewicz; 11 de febrerojul./ 23 de febrero de 1879greg., Kiev1 - 15
de mayo de 1935, Leningrado) fue un pintor ruso de origen polaco,2345 creador del
suprematismo, uno de los movimientos de la vanguardia rusa del siglo XX. En el otoño
de 1930, la KGB interrogó a Kazimir Malevich en Leningrado. Se le acusa de espionaje
polaco, se le amenaza con la ejecución. En prisión, permaneció durante tres meses.

Su padre era un supervisor en refinerías de azúcar por lo que se ve obligado a viajar

constantemente. En Parjómovka (raión de Krasnokutsk de Járkov), Kazimir completa
los cinco años de Escuela de Agricultura; le gusta el campo y aprende por sí mismo a
pintar los paisajes y los campesinos que le rodean. En Konotop (óblast de Sumy) se
dedica exclusivamente a pintar y produce su primera obra. A mediados de los años
noventa consigue ser admitido en la Academia de Kiev.

En 1886 la familia se traslada a Kursk, donde el padre consigue un trabajo en el

ferrocarril. Hablaba ucraniano y polaco y le resultaba difícil entender el ruso. A través
de reproducciones, Malévich conoce el trabajo de Iván Shishkin e Iliá Repin, dos
pintores naturalistas pertenecientes a un grupo conocido como Peredvízhniki.

Obras

 Paisaje con una casa

 Cuadrado negro
 Circulo negro
 Cuadrado rojo supermattista
 Cruz negro y rojo
 Paisaje de verano
 Autorretrato
Alex Ross
Nelson Alexander Ross (Portland, Oregón, 22 de enero de 1970), conocido simplemente
como Alex Ross, es un ilustrador y dibujante de historietas estadounidense aclamado
por el hiperrealismo de su trabajo. Desde los años noventa colaboró para la industria del
cómic en dos de las más importantes casas editoriales, Marvel Comics y DC Comics. Su
creatividad fue heredada de su madre, Lynette C. Ross, quien fue diseñadora de modas
profesional y una artista comercial muy conocida por hacer diseños en libros. De ella
fue de quien tomó el gusto y el interés por la pintura. En 1987, se mudó a la ciudad de
Chicago en Illinois para realizar sus estudios profesionales en la American Academy of
Art, y de ahí regreso a la agencia de publicidad Leo Burnett (sucursal Chicago) como
dibujante de storyboards para spots publicitarios.

Obras
Con el prestigio obtenido, no tuvo problemas para llevar a DC Comics, uno de sus
proyectos personales: Kingdom Come. Esta nueva miniserie, muy prestigiosa para su
carrera, la realizó con ayuda de Mark Waid; sin embargo, se dieron diferencias entre
ambos, por definir quién había creado exactamente el concepto de la serie. Estas
fricciones llevaron a Ross a un distanciamiento temporal de DC Comics, por lo que
retornó a Marvel Comics para realizar un nuevo proyecto denominado Earth X (que
traducido significa Tierra X).

Un nuevo proyecto denominado Earth X (Tierra X), una miniserie de trece números, la
cual no realizó gráficamente, sino en calidad de guionista y diseñador de personajes.
Esta serie, lanzada en 1999, obtuvo tan buen recibimiento, que ameritó una secuela
inmediata también de trece números, llamada Universe X (Universo X) y Paradise X
(Paraíso X). Además, en asociación con Paul Dini (uno de los responsables de las series
animadas de Batman y Superman), entre 1998 hasta 2003 realizó el proyecto de lanzar
una edición de prestigio anual, basadas en los principales personajes de DC Comics.
Estos trabajos fueron: Superman: Peace on Earth (Paz en la Tierra), Batman: War On
Crime (Guerra Contra el Crimen), Shazam!: Power Of Hope (El Poder de la Esperanza),
Wonder Woman: Spirit Of Truth (El Espíritu de la verdad), JLA: Secret Origins
(Orígenes Secretos), y JLA: Liberty and Justice (Libertad y Justicia).
Germano Celant
Germano Celant (Génova, 1940) es un historiador del arte, crítico y comisario artístico
italiano que dio a luz el término "Arte Povera" (arte pobre) en 1967.1 Ha escrito
múltiples artículos y obras sobre el tema. Germano Celant nació en Génova en 1940.
Formado en la Universidad de Génova, se especializó en Historia del Arte de la mano
de Eugenio Battisti. Casado con el artista y editor parisino Paris Murray, en 2006, la
pareja compró un antiguo edificio, una fábrica de papel abandonada en Milán, y que
reconvirtieron con los trabajos del arquitecto Pierluigi Cerri.

En 1963 fue editor asistente de Marcatrè, revista de arquitectura, arte y diseño con sede
en Génova y fundada por Rodolfo Vitone, Eugenio Battisti, Paolo Portoghesi, Diego
Carpitella, Maurizio Calvesi, Umberto Eco, Vittorio Gelmetti y Edoardo Sanguineti. En
1967, su manifiesto de Arte Povera. Notes for a Guerilla, fue publicado en Flash Art. El
concepto de Arte Povera parecía ser que en Italia el arte era muy diferente de Estados
Unidos debido a las diferentes circunstancias de la época. Italia estaba pasando por un
período industrial fruto de una revolución industrial tardía, y no estaba realmente
haciendo el arte pop que coincidió con la economía establecida en oposición a los
artistas estadounidenses como Andy Warhol, Robert Rauschenberg y otros artistas pop.
Los artistas italianos iban por un humanismo en su arte y no por la frescura y la
calculada máquina de imágenes de los artistas pop.

Obras

 The italian
 Iceberg
 Pistoletto
 Super harhol
 Unexpressio
 Robert
 Virgina dwan
Dmitri Shostakóvich
Dmitri Dmítrievich Shostakóvich (en ruso: Дмитрий Дмитриевич Шостакович,
romanización: Dmitrij Dmitrievič Šostakovič, Acerca de este sonido pronunciación (?
·i); San Petersburgo, 25 de septiembre de 1906-Moscú, 9 de agosto de 1975) fue un
compositor y pianista sovietico, uno de los músicos más importantes del siglo XX.
Shostakóvich se hizo famoso en los años iniciales de la Unión Soviética, con obras
como la Sinfonía n.º 1 o la ópera La nariz, que combinaban con gran originalidad la
tradición rusa y las corrientes modernistas procedentes de occidente. Posteriormente, su
música fue unas veces denunciada como decadente y reaccionaria y otras, alabada como
representativa del nuevo arte socialista por el Partido Comunista de la Unión Soviética
(PCUS). En público, siempre se mostró leal con el sistema soviético, ocupó
responsabilidades importantes en las instituciones artísticas, aceptó pertenecer al PCUS
en 1960 y llegó a ser miembro del Soviet Supremo de la URSS. Su actitud frente al
gobierno y el Estado soviético ha sido objeto de agrias polémicas y se ha discutido
enconadamente si fue o no un disidente clandestino frente a la URSS.

Obras

La música de Shostakóvich muestra la influencia de varios de los compositores a los

que admiraba: Bach en sus fugas y sus passacaglias; Beethoven en sus últimos
cuartetos; Mahler en sus sinfonías y Berg en el uso de códigos musicales y de citas. Las
composiciones de Shostakóvich son ampliamente tonales dentro de la tradición
romántica, pero con elementos de atonalidad, politonalidad y cromatismo. En algunas
composiciones tardías (por ejemplo, en el Duodécimo cuarteto) Shostakóvich utilizó
series dodecafónicas. Muchos comentaristas han notado una diferencia clara entre sus
obras anteriores a las críticas de 1936 y los trabajos posteriores, más conservadores.

Indudablemente las quince sinfonías forman el núcleo de la obra shostakoviana, al

menos en lo que hace a popularidad. A juzgar por el número de versiones discográficas
en el mercado y de interpretaciones en salas de conciertos la Sinfonía No. 5 parece ser
la más popular, seguida a buena distancia por la No. 7, Leningrado y luego por las
sinfonías números 1, 10, 9 y 8. De los seis conciertos, dos para piano, dos para violín y
dos para violonchelo, el primero de cada pareja parece ser bastante más popular que el
segundo. Entre los cuartetos para cuerdas, muy frecuentemente interpretados en años
recientes, en número de grabaciones discográficas el No. 8 destaca claramente sobre los
demás. Otras obras muy interpretadas y grabadas son el Trío para piano, violín y
violonchelo n.º 2 y el Quinteto para piano y cuarteto de cuerdas.