Nombres:

Yariel Alexander Marte Pérez 100304064

Nelly Delgado Encarnación 100073895

Inelina López figuereo 100307194

Ysabel Paula Pérez 100238237

Lino De La Cruz 100334261

Sección:

1140-05

Materia:

Historia del Arte II

Trabajo​:

El pop-art

Profesora/ro:

Elena litvinenko

Fecha de entrega:

16/03/2018

Grupo:

#2

1
Índice.

El Pop arte
● Introducción. #2

● Historia del pop- art. #3

● Precursores del pop-art. #4

● Característico del pop-art. #8

● Obras más destacadas en el pop- arte. #9

● Influencias en otros medios. #14

● Que influencia en la sociedad. #16

● Conclusión. #17

● Bibliografía. #18

● Anexo #19

● Imágenes. # 26

2
3
 Introducción

el pop-art es un movimiento artístico que se expresa del arte popular

utilizado en anuncios públicos , comic book y adjetivos mundanos que
se utilizo en el medio publicitario originado en el siglo XX mediante un
grupo de artistas independiente desarrollado en instituciones en
diferentes países.

4
 Historia y origen del pop-art
El arte pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX caracterizado por el
empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de
comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales
«mundanos» y del mundo del cine.

El arte pop es una tendencia o movimiento artístico que se originó a mediados del
siglo XX, en la década de 1950, este término consagrado cubre dos tendencias
que se concretan hacia la misma época, una en Gran Bretaña, y la otra en
Estados Unidos, más o menos independientes entre si y casi sin influencias
mutuas de la una en la otra durante un periodo largo. El duradero éxito de este
apelativo reside en la existencia de un espíritu común en el pop inglés y
americano.

El pop art americano nace a mediados de los cincuenta en el seno del

Independent Group, este era una pequeña asociación muy limitada que se reúne
de tiempo en tiempo en el Institute of Contemporary Art (ICA) de Londres. Entre
sus miembros encontramos a Polozzi y Hamilton, a los críticos Lawrence Alloway
(que inventa el término en el 1958) y Reyner Banham, y a los arquictecto
brutalistas Alison y Peter.

Esta forma de arte que pronto se convertiría en todo un movimiento artístico tuvo
su origen en una fuerte crítica a las corrientes artísticas de la época. El arte en
términos generales se había elitizado y, al mismo tiempo, se había convertido en
un artilugio demasiado elaborado y abstracto.

El Pop Art se convirtió por lo tanto en una expresión del ‘arte popular’, trataba de
la utilización de imágenes de lo cotidiano, especialmente de las ciudades, para
construir una nueva estética que criticaba la sociedad de consumo y el
consumismo comercial. Sin embargo es la década de 1960 la que vive el
verdadero desarrollo del Pop Art como un movimiento artístico, dejando cada vez
más su carácter de manifestaciones aisladas de grupos artísticos. Sus obras
constantemente recurrían a la utilización de objetos cotidianos de la sociedad de
consumo, productos del mercado, mercancías. Esto no sólo le permitió hacer una
crítica directa a este modelo social, sino que también le permitió popularizase y
ampliar su público.

Este es un arte eminentemente para el ciudadano, nacido en las grandes urbes, y

ajeno por completo a la Naturaleza. Utiliza las imágenes conocidas con un sentido
diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la
sociedad de consumo.

5
 Precursores del movimiento del pop-art
- Jasper Johns

Jasper Johns, nace en 15 de mayo Artista americano nacido Augusta, Georgia en

el año 1930, es uno de los pintores más destacados del movimiento Pop Art, junto
a otros artistas como Roy Lichtestein , Andy Warhol y Richard Hamilton, fundador
de este movimiento artístico.

En su amplia obra como pintor, escultor y artista gráfico destacan sus muy
conocidas reinterpretaciones de la bandera estadounidense y otros símbolos como
mapas, dianas o números, además de sus “Pinturas grises” obras completamente
dominadas por este color.

La faceta de su obra más conocida son sus pinturas sobre la bandera americana,
que elaboró en la década de los cincuenta, tras haber tenido un sueño en el cual
aparecía esta bandera. Su trabajo ha sido definido en muchas ocasiones como
neodadaista, aunque Jasper Johns es incluido entre los principales artistas del
Pop Art por el uso en sus obras de imágenes y objetos de la cultura popular.

-Andy Warhol

Andrew Warhola (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de

1987), comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta
estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del
pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió
fama mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad
que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú
de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero
también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood.

Warhol utilizó medios diferentes para crear sus obras, como el dibujo a mano, la
pintura, el grabado, la fotografía, la serigrafía, la escultura, el cine y la música. El
Museo Andy Warhol en su ciudad natal, Pittsburgh, Pensilvania, contiene una
amplia colección permanente de arte. Resulta ser el museo más grande de
Estados Unidos dedicado a un solo artista.

-Claes Oldenburg y Coosje Van Bruggen

Claes ​Oldenburg (Estocolmo, Suecia; 28 de enero de 1929) es un escultor,

pionero del Pop Art. Es conocido sobre todo por sus instalaciones de arte público

6
que representan réplicas a gran escala de objetos cotidianos. Otro tema en su
obra son las versiones en escultura blanda de objetos normalmente duros​.

Coosje Van Bruggen, ​historiadora y escritora de arte estadounidense nacida en

Holanda (nacida el 6 de junio de 1942, Groningen, Neth.-fallecida el 10 de enero
de 2009, Los Ángeles, California), trabajó estrechamente durante más de tres
décadas con su hija de origen sueco. esposo, artista pop Claes Oldenburg, en
más de 40 proyectos a gran escala, esculturas gigantes de artículos de uso
cotidiano, incluyendo el icónico Batcolumn (1977) en Chicago, Spoonbridge y
Cherry (1988) en el Walker Art Center en Minneapolis, Minnesota. Shuttlecocks
(1994) en el Museo de Arte Nelson-Atkins en Kansas City, Missouri, y Flying Pins
(2000), que fue encargado por la ciudad de Eindhoven, Neth. Después de haber
estudiado historia del arte en la Universidad de Groningen, van Bruggen fue
contratado como asistente curador en el Museo Stedelijk de Amsterdam. Conoció
a Oldenburg por primera vez en 1970, pero no fue sino hasta 1976, cuando ella
estaba enseñando en la Academia de Bellas Artes de Enschede, que la pareja se
volvió a conectar. Se casaron en 1977 y se establecieron en la ciudad de Nueva
York. Oldenburg atribuyó a van Bruggen como colaborador pleno en el diseño de
sus enormes esculturas desde el comienzo de su matrimonio, aunque su firma no
estaba oficialmente asociada a ninguno de los Proyectos a gran escala hasta la
Universidad de Nevada, Las Vegas, comisión linterna (1981).

-James Rosenquist

James Rosenquist (Grand Forks, Dakota del Norte, Estados Unidos; 29 de

noviembre de 1933-Nueva York, 31 de marzo de 2017)1​ fue un artista
estadounidense del Pop Art.

James Rosenquist nace en 1933 en Grand Forks (Dakota, Estados Unidos).

Estudia en la Minneapolis School of Art y más tarde en la Universidad de
Minnesota (1948-1952). Se instala en Nueva York en 1955 donde se matricula en
la Art Student League pero acaba trabajando para la publicidad.

En 1960, James Rosenquist se lanza en la aventura del Pop Art. Su primera

exposición personal se organiza en 1962. Conserva en sus lienzos unos
elementos que dominaban en su trabajo publicitario (imagen simplificada, grandes
formatos, estilo, amplitud, escala, asociación visual, sentido de los colores…). El
arte de Rosenquist habla de los grandes mitos modernos. El artista invade todos
los muros de las lugares de exposiciones con inmensas pinturas-entorno que
instala sobre paneles fragmentados. James Rosenquist pinta imágenes familiares,

7
panfletos políticos o cuadros-manifiestos, e interviene en contra de la guerra de
Vietnam que sigue azotando el país, contra el mundo del átomo.

-Tom Wesselman

Tom Wesselmann (Cincinnati, Ohio, 23 de febrero de 1931 – Nueva York, 22 de

diciembre de 2004) fue un pintor de pop-art estadounidense.​

Hasta su fallecimiento, Wesselmann era uno de los últimos grandes maestros del
pop-art americano en activo, muy popular por sus audaces e impactantes
desnudos femeninos.

Great American Nude (Gran desnudo estadounidense) fue la serie de collage de

formas planas y colores llamativos con la que Tom Wesselmann (1931-2004)
cautivó al mundo del arte. Era 1961 y el artista ignoraba el expresionismo
abstracto para convertir en productos de consumo géneros clásicos de la pintura.
En los desnudos las mujeres lucen expresiones esquemáticas con rostros que
sólo tienen una sugerente boca y cuerpos en los que destacan los pezones, la
naturaleza muerta parece de plástico, el paisaje es apenas un apunte. Pop Art and
Beyond: Tom Wesselmann (Arte pop y más: Tom Wesselmann) es la primera
retrospectiva exhaustiva del trabajo del autor en norteamérica. La exposición
—organizada por el Museo de Bellas Artes de Toronto (Canadá)— llega a los EE
UU al Museo de Bellas Artes de Virginia, en la ciudad de Richmond

-Roy Lichtenstein

Nueva york, 27 de octubre de 1923 nace y luego (1923-1997) fue un pintor

estadounidense de arte pop, artista gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus
interpretaciones a gran escala del arte del cómic.

Roy Fox Lichtensteinfue uno de los máximos exponentes del ​pop art​ ​americano.
Desde sus facetas de pintor, escultor y artista gráfico, en sus obras representó
temas de la vida cotidiana y la sociedad de consumo. La mayor parte de su trabajo
se concentró en la crítica del mundo contemporáneo, a través de pintadas con
colores primarios.

Tras haber experimentado con el expresionismo abstracto y más tarde con el

cubismo y el constructivismo, en 1961 comenzó a realizar las obras que acabarían

8
por definir su producción artística: la pintura pop, inspirada en la nueva sociedad
de Estados Unidos. No debemos olvidar que el neoyorquino fue protagonista de
famosas esculturas, eso sí, ya en los últimos años de su vida. En lo referido a su
personalidad, se dice que era tímido y que nunca quiso presumir del gran éxito
que sus creaciones despertaban en esos años.

- Jim Dine

Nació en Cincinnati, Ohio, Estados Unidos, el 16 de junio de 1935.Pintor y

escultor, de entre los más cotizados entre los artistas contemporáneos vivos,
encuadrado en el Pop Art ,y por algunos en el movimiento Neo-Dada .Su interés
por el arte se despertó en las continuas visitas que realizó al museo local de su
ciudad natal.

Después de morir su madre siendo muy pequeño, fue a vivir con sus abuelos
maternos, en ese tiempo se inscribió en clases nocturnas de la Yeison Art
Academy.

Más tarde ingresó en la en la Universidad de Ohio, donde se graduó en Bellas

Artes en 1957.Estableció su residencia y su estudio en Nueva York, pronto
alcanzó un destacado puesto entre los artistas del movimiento pop, a pesar de que
él nunca quiso ser catalogado como tal.

El primero de ellos fue el “El Trabajador sonriente” realizado en 1959, al que

siguieron otros muchos.
En 1962 sus obras se incluyeron, junto a las de Roy Lichtenstein, ​Andy Warhol​,
Robert Dowd, Phillip Hefferton, Joe Goode, Edward Ruscha y Wayne Thiebaud, en
la importante histórica y pionera “Nueva Pintura de Common Objects”, que estuvo
comisariada por Walter Hopps en el Museo Norton Simon.

Esta exposición es históricamente considerada como una de las primeras

muestras del Arte Pop en Estados Unidos. De hecho, los citados artistas, iniciaron
su movimiento en un fuerte momento de agitación social, constituyendo una
auténtica conmoción en el mundo del arte. De alguna forma, el movimiento Pop
Art alteró profundamente la naturaleza del arte moderno.

​ -Robert Rauschenberg

Robert Rauschenberg nació en 1925 en Texas, de ascendencia alemana y

Cherokee, Rauschenberg pronto supo que el arte era su vocación y decidió
abandonar la América más profunda, para probar suerte en Paris.

9
En la ciudad francesa curso estudios en artes plásticas y conoció a su futura
esposa, la también artista Susan Weil, con la que se casaría en 1950 y que sería
la madre de su único hijo. Terminados sus estudios en Paris decidieron volver a
EEUU, donde Rauschenberg continuaría con sus estudios.

En la escuela de arte Black Mountain en Carolina del Norte , su maestro de pintura

fue el autor del movimiento Bauhaus, Josef Albers. Black Mountain era en los años
cuarenta, un foco muy importante para los artistas de vanguardia
estadounidenses, y fue allí donde conoció al compositor John Cage y al también
artista Jasper Johns, con quienes estableció una duradera amistad y colaboración.
Tras un primer período artístico que podría enmarcarse dentro del Expresionismo
abstracto, (popular en aquella entre sus contemporáneos) en la década de los 50
empieza su verdadero desarrollo, con la presentación de sus primeros
combine-paintings.

En estas piezas difíciles de definir, se combinaban los objetos cotidianos de la

forma más rocambolesca. El propio Rauschenberg decía que usar “un par de
calcetines era tan apropiado para realizar una pintura como la madera, los clavos,
la pintura al óleo o un lienzo”. Por eso solía usar objetos cotidianos y de desecho,
propios de una sociedad cada vez más consumista.

Rauschenberg quería enfatizar que su arte apostaba por introducir cualquier

componente de la cultura popular de la época: botellas de Coca-cola, imágenes
del presidente Kennedy o incluso animales disecados. Por ello se anticipó al Pop
Art al apropiarse de sus iconos más representativos y trabajar con ellos
mostrándolos en clave crítica. El enfoque de Rauschenberg a veces se llama “Neo
dadaísta”, una etiqueta que compartía con su amigo y pintor Jasper Johns.

Característica del pop-art

En el Pop Art, podremos visualizar las hazañas de varios artistas contemporáneos

del siglo XX que se dieron la tarea de tomar imágenes ya elaboradas y
popularizadas en los medios de comunicación combinándolas con otras, sin
dirigirse a un público exclusivo. Eso sí, aquí el color lo fue todo: vibrante,

10
expresivo, llamativo… ¡muy ​pop!​ ​ Entre las Obras más destacadas del pop Art en
sus diferentes manifestaciones podríamos mencionar.

Obra destacadas del Pop Art

¿Qué es lo que hace a los hogares de hoy tan diferentes, tan

atractivos?​ (Richard Hamilton)
Hamilton, uno de los pioneros del movimiento, decide pegar en esta cartulina todo
tipo de imágenes sacadas de revistas, y son imágenes conscientemente
seleccionadas de revistas sobre el hogar y la vida ideal que proporciona
la sociedad de consumo.

En esta casa vemos a una pareja desnuda posando con todo tipo de mercancías
de última generación: desde electrodomésticos imprescindibles como la
aspiradora o la televisión, a una lata de jamón de conserva. Todo es una oda- hoy
​ al nuevo movimiento que daba un poco de color a los grises días
bastante ​kitsch–
de la posguerra.

Hasta el musculoso personaje masculino posa con un ​chupa-chups​ con la

palabra POP.

El artista dijo que esta era su visión de los nuevos Adán y Eva viviendo felices en
un nuevo Edén: el paraíso consumista, una sociedad optimista y rabiosamente
moderna, con ocio de sobras para disfrutar de la vida tras los malos tiempos.

11
La posguerra que había devastado Gran Bretaña se estaba acabando y se abría
un cielo de cacharros que nos facilitaban la vida y relaciones basadas en la
relajación moral… En 1956 empezaban a divisarse ya los años 60.

Ver ilustración #1 (Anexos)

-Latas de sopa Campbell (Andy Warhol)

La mayoría de los asistentes de la ​Galería Ferus​ de Los Ángeles se
horrorizaron al ver las 32 serigrafías de la lata de ​sopa Campbell​, todas montadas
en una hilera como si se tratara de un supermercado. Otros pensaron que era una
broma.
Pronto entendieron lo que ocurría. ​Andy Warhol​, el autor de la obra, daba una
visión simplista y positiva del consumismo americano. Hasta entonces, Warhol era
un simple ilustrador que quería insertarse en el Pop Art, pero quien sabía que no
podía luchar contra los cómics de Lichtenstein, así que decidió pintar lo cotidiano.
La obra data de 1962 y hasta hoy se cuestiona su verdadero significado y la
intención del autor, pero sus amigos más cercanos se han atrevido a asegurar que
el secreto es demasiado obvio, a Andy le gustaba la sopa enlatada. ¡Finito!
Ver ilustración #2 (Anexos)

-Díptico de Marilyn (Andy Warhol)

Tras la muerte de ​Marilyn Monroe​ en 1962, Warhol empezó a trabajar en una

serigrafía de su rostro, usando una fotografía promocional del filme ​Niágara
(1953). El resultado fueron 50 retratos suyos, la mitad de la izquierda a todo color
y los demás en un blanco y negro que se desvanece en lo que representa el culto
a la celebridad y la muerte.

El cuadro es considerado uno de los más icónicos del Pop Art y ​The Guardián​ lo
nombró la tercera pieza de arte más influyente del arte moderno.

Ver ilustración #3 (Anexos)

-Whaam!​ (Roy Lichtenstein)

Esta imagen parodia a la vez que documenta la imagen del héroe americano
moderno publicada en los ​cómics​ de los 70. El uso de viñetas de historietas se
convirtió en un sello particular de ​Lichtenstein​ y esta es su obra más famosa.
En la izquierda vemos un avión de guerra que lanza un cohete. A la derecha,
vemos cómo este impacta a otro avión. Según los analistas, la obra puede
tomarse como una imagen antibélica.
Ver ilustración #4 (Anexos)

12
-El gran chapuzón​ (David Hockney)
Sorprendido e inspirado en el estilo de vida californiano, ​Hockney​ pintó esta obra
en 1967. La imagen es de una casa moderna donde se observa un gran chapuzón
de agua creado por una figura no vista que aparentemente saltó desde el
trampolín.
La pintura fue hecha meticulosamente, simplificando y al mismo tiempo
celebrando sus obras anteriores: ​Un pequeño chapuzón​ (1966) y ​El
chapuzón(​ 1996).
Ver ilustración #5 (Anexos)

-Chica ahogándose​ (Roy Lichtenstein)

Para lograr esta pintura, ​Lichtenstein​ usó como fuente ​Run for Love​, un cómic
publicado en 1962 por la editorial ​DC Comics​. En la imagen se ve a una mujer
ahogándose en sus propias lágrimas; el retrato típico del corazón roto mientras
dice: “Prefiero ahogarme que pedirle ayuda a Brad”. En la viñeta original, el
mentado Brad está en el fondo y el diálogo es diferente.
Ver ilustración #6 (Anexos)

--Yo fui el juguete de un hombre rico​ (Eduardo Paolozzi)

Este collage simula la portada de una revista llamada ​Confesiones íntimas​ y fue
creado a finales de los 40 por el artista, que tomó imágenes de exmilitares
estadounidenses publicadas en las revistas.
Se muestra la fascinación de ​Paolozzi​ por la cultura, la tecnología y el glamour del
consumismo americano y su verdadera opinión al respecto.
Ver ilustración #7 (Anexos)
-She (Richard Hamilton)
Obra en la cual Richard Hamilton aborda el tema de la manipulación de la
publicidad sobre la consideración de la mujer como objeto de consumo, Hamilton
refleja el consumismo, el confort doméstico y el erotismo estandarizado y
mercandilizado de la sociedad oriental.
Véase ilustración #8 (Anexos)
-Desnúdame (Allan Jones)
(245x121cm) del pintor ​Allan jones​ que se exhibe en ​el Konstomuseum de
Goteborg​ ​(suecia)​ Jones plasma en este oleo de 1970 la clásica Pin Up de los
artistas pop, aunque tratada con un peculiar sentido de la composición y
cromatismo plano. La figura femenina se erige en una parodia de los iconos
sexuales de la cultura de masas.
Ver ilustración #9 (Anexos)
-Flagss (Jasper John)
En 1954 y 1955, crea sus famosas banderas, ​Flags,​ que tanto influyeron en la
iconografía americana del siglo XX: ​Flags,​ ​Target​ y ​Numbers​ formaron parte de su

13
primera gran exposición en solitario, en la ​Galería Leo Castelli​ de Nueva York.
Las diferentes banderas creadas con la técnica de la ​encáustica​ (cera aplicada a
la pintura y pulida con un trapo de lino), supusieron toda una revolución por su
aparente simplicidad, y por su fuerza.
Tal fue su impacto que el ​Museo de Arte Moderno​ de Nueva York compró tres
piezas para exponerlas en sus salas. ​Jasper Johns​ había dado un paso de
gigante en la incorporación de lo cotidiano a la imaginería norteamericana: «las
imágenes, dijo, son las cosas que la mente ya conoce.
Ver ilustración #10 (Anexos)

-El Grabado Ale Cans. (Jasper John)

El grabado “​Ale Cans​“, realizado en el año 1964, en el cual refleja dos latas de
cerveza que ya había inmortalizado en su escultura “​Bronze​” elaborada en el año
1960.
Ver ilustración #11 (Anexos)
-“​Seasons​“​(Jasper John)
En la década de los 80 vuelve a dar un nuevo giro a su obra, con la presentación
de su serie “​Seasons​“, compuesta por cuatro obras, una por cada estación del
año, y en la cual incluye por primera vez la figura humana. Esta presentación se
llevó a cabo en el ​MoMA​ de Nueva York, y posteriormente viajo a España para ser
expuesta en el año 1987 en el ​Museo Reina Sofía​ de ​Madrid.
Ver ilustración #12 (Anexos)
-América América (Martial Raysse)
Creo en 1963 la obra ​América América​, es una escultura de tamaño humano
colección del museo nacional de arte moderno centro George ​Pompidou​ París,
usando neón, represento una mano cuyo gesto alude a la rapidez con que
satisfacen los instintos de consumismo y se cultiva la mitología del triunfo en el
contexto americano.
Ver ilustración #13 (Anexos)
-"​Gilt"( Rauschenberg)
Forma parte de la serie Japanese Recreational Clayworks, fruto de un viaje a
Japón a comienzos de la década de 1980 en el que ​Rauschenberg​ trabajó con
los artesanos de Otsuka Oh mi Ceramics. Sobre unas finas planchas de cerámica
de grandes dimensiones, el artista transfirió su personal iconografía, donde
conocidos símbolos del arte occidental conviven con fotografías tomadas durante
sus viajes a Osaka, Tokio y Nagoya. En el caso de "​Gilt​", el personaje central es
"​La maja desnuda​" de ​Goya​.
Ver ilustración #14 (Anexos)
-Coca cola Plan (​Robert Rauschenberg)
Este es el caso de su obra Coca Cola Plan de 1958 que forma parte de la
colección Panza expuesta en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles.

14
Esta obra es típica de Rauschenberg en el sentido de que rompe cualquier tipo de
barrera entre diversas disciplinas artísticas como eran la pintura o la escultura. Un
camino que emprendió al mismo tiempo que su compañero ​Jasper Johns​, con el
cual mantenía una relación homosexual y artística, que sería el detonante de la
eclosión del ​Pop Art ​en Estados Unidos.

Ver ilustración #15 (Anexos)

-The True Artist Helps the World by Revealing Mystic (Nauman)
La instalación de neón ​The True Artist Helps the World by Revealing Mystic
Truths ​(El verdadero artista ayuda al mundo al revelar verdades místicas), de
1967.

El texto, escrito en tubos de neón en forma de espiral, fue elaborado y

posteriormente colgado en el estudio que estableció en un supermercado
abandonado de San Francisco.

Característico de las obras tempranas de Nauman, se crea una referencia directa

a los medios y materiales comunes utilizados en la mayoría de anuncios
publicitarios de la época. A primera vista, el tono satírico con el que se presenta la
frase formula una serie de cuestiones en relación a las diversas formas en las que
se ha concebido el rol del artista durante el​ siglo XX​ y el propósito que tiene la
producción creativa en la sociedad.
Ver ilustración #16 (Anexos)
-​La Hamburguesa Gigante (Claes Oldenburg)
¿Quién no ha deseado alguna vez abalanzarse (literalmente) sobre una
hamburguesa? Eso debió de pensar Claes Oldenburg cuando, en 1962, presentó
en sociedad la primera de sus hamburguesas gigantes. Sus ingredientes: kilos de
lona estampada y un buen relleno de gomaespuma. Qué la convertía en una
hamburguesa diferente: sus medidas (132 x 213 cm) y, sobre todo, el lugar donde
uno podía hincarle el diente: la Art Gallery of Ontario en Toronto, Canadá.
Recién sacada del microondas, la hamburguesa de Oldenburg nos mueve en
primer lugar a la risa. Ahí colocada, en medio de la sala, parece la típica broma
cínica de un artista contemporáneo. Pero, a medida que la rodeamos, aunque sea
con la imaginación, empezamos a experimentar sensaciones que van desde el
deseo de tumbarse sobre ella y ser engullidos por esa masa blanda hasta las
ganas de vomitar pensando que alguien nos obligase a comernos, como en una
penitencia, una hamburguesa de tamaño porte. La risa entonces se nos congela y
caemos en la cuenta de que, de dos bocados, Oldenburg se ha merendado la
historia del arte y, de paso, la sociedad de la que somos herederos.
El arte, rompiendo todo lo que los cánones decían que debía ser una escultura.
Allí donde debía haber materiales nobles y duros, ausencia de colores y temas
trascendentes, Oldenburg mete materiales blandos e innobles, colores chillones y
asuntos banales. ​El arte ha muerto, ¡viva la publicidad!, ​parece gritarnos la
hamburguesa hiperbólica. Pero Oldenburg no sólo ironiza sobre los cánones
artísticos de la Vieja Europa y apunta directamente contra la eufórica sociedad

15
estadounidense de los años 60, donde el consumo se ha convertido en una
cuestión de vida o muerte social y donde toda mercancía es susceptible de
convertirse en icono. Ver ilustración #17 (Anexos)
Influencias del Pop-Art
Para poder iniciar este tema, tenemos que preguntarnos, hacernos una cuestión
muy importante, que es ¿Esta el diseño moderno influenciado por el Arte Pop?,
este es el comienzo para este nuevo escenario.

Respondiendo la pregunta ya cuestionada; si, el Pop Art está muy influenciado en

los diseños modernos, pero lo responderemos con unos de los precursores de
este movimiento, que su nombre es Jeff Jaffe, que dice de acuerdo a esto; “el Arte
Pop es más fuerte que nunca” Coleccionistas, distribuidoras de arte, publicistas y
casas de subastas coinciden con él. Todos mencionan a los grandes nombres del
arte pop actual: Briels Clemens, James Rizzi, Romero Britto, Steve Kaufman, entre
otros. Todos estos artistas trabajan con un estilo Pop y todos ellos han encontrado
el éxito en el mercado del arte de hoy.

Hoy en día, el Arte Pop sigue siendo muy popular, ya sea que estemos hablando
de los originales antiguos de venta de miles de libras o copias de los que se
venden en grandes cantidades por un pequeño precio. Está claro que el Arte Pop
se ha convertido en algo más que una declaración y que es imposible de ignorar,
está absolutamente en donde quiera que vaya, en lugares vida cotidiana, y sigue
siendo usado por la publicidad (que es lo que se utilizó inicialmente en los años
50).

El arte pop es tan popular actualmente que se utiliza para crear tarjetas de
cumpleaños, camisetas, botones, calendarios, carteles, lonas – por lo que es
realmente difícil de ignorar. Las características de este arte como los colores
brillantes y estampados aún no se han desvanecido y es de dudar que lo hagan,
ya que el movimiento pop aún sigue fascinando hoy en día.

Hoy en día los artistas siguen utilizando la mayoría de las características del Arte
Pop como inspiración para sus obras de arte. Las obras de Andy Warhol y Roy
Lichtenstein son las más utilizadas como modelo para sus obras contemporáneas.
Hoy podemos ver diseños, ilustraciones, grabados y carteles con detalles como:
imágenes de puntos, múltiples y fuertes colores, impresión de imágenes en serie,
caras de personas famosas y artículos del hogar como televisores, radios y
cámaras.

-La influencia del Pop Art en la Publicidad

El Pop Art es un movimiento artístico cuyos orígenes se remontan al siglo XX,

caracterizado por el uso de imágenes populares cuya fuente de inspiración son los

16
comics, los anuncios publicitarios, los carteles y revistas, el diseño industrial o la
industria cinematográfica.

Se utilizan colores puros y brillantes, combinación de pintura con objetos reales y

una constante ironía y provocación llena de humor.

De la misma manera, este fenómeno artístico se ha acercado a las artes

populares y gráficas como la publicidad en la que ha sido empleado en infinidad
de ocasiones constituyendo una nueva forma de expresión en los medios
publicitarios.

Así, la estética del pop art se halla presente en numerosos eventos publicitarios,
acciones de Street marketing, merchandising y una gran cantidad de anuncios
publicitarios, ya que se trata de una técnica efectiva a la hora de comunicar los
mensajes que despierta la atención y el interés del público.

Continuando lo que hablamos, tenemos que saber que el Pop es una

manifestación cultural absolutamente occidental que ha ido creciendo bajo las
condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. América es el
centro de este programa. Por tanto se produce la americanización de la cultura de
todo el mundo occidental, en especial la de Europa. El Pop Art analiza
artísticamente esta situación, visualiza un sismograma de nuestras modernas
conquistas industriales y su absurdo, los límites de una sociedad de masas y
medios de comunicación que estalla por los cuatro costados.

El Pop Art vive de las grandes ciudades. En sus comienzos, fueron Nueva York y
Londres los nuevos centros artísticos del mundo occidental, en su desarrollo
durante los años sesenta se incorporaron otros centros europeos secundarios.
Pero los artistas en los países comunistas de Europa del Este solo captan
destellos y vestigios.

Para entender la importancia de este cambio cultural y el impulso del arte de una
nueva era, hay que aludir a algunos aspectos generales que mostrarán la
multiplicidad de los cambios en el ánimo artístico, social e individual. La
estabilización política y económica en la época de postguerra condujo a una
revaloración de aquella que en general se suele designar como “pueblo” o
“popular”. El término inglés para el pueblo como masa es “populace” (populacho) y
“popular” es algo que cuenta con la aceptación general; aquí se pone de
manifiesto el origen de “Pop Art”.

17
 Influencia que tiene en la sociedad

El Pop Art ha sido siempre considerado entonces una crítica a esa nueva
sociedad, la sociedad de masas, la sociedad consumista. Es por eso que el
movimiento basa sus temas pictóricos en la vida cotidiana, intentando reflejar las
realidades de una época, su estado de ánimo, sus cambios en la
conducta, mostrando el cambio cultural producido.

Los temas, las formas y los medios del arte Pop no son más que el reflejo de los
rasgos esenciales de los años sesenta. Éstos incluyen, a modo de ejemplo, el
culto a las estrellas de Hollywood (en donde el espectador se transforma en un ser
anónimo e insignificante), el dinero (representación de que todo tiene un precio, la
llave que permitía acceder y disponer de las cosas, remedio universal contra las
frustraciones), el nacionalismo, el consumismo en general: botellas de gaseosa,
paquetes de cigarrillos o envoltorios de chicle son algunos de los objetos
a menudo representados.

Mediante la representación sugestiva de los medios de masas, las realidades

sociales y consecuencias de éstas para el ser humano, el Pop Art reacciona ante
la despersonalización de la sociedad, con instrumentos estilísticos impersonales,
con cuadros más objetivos y muchas veces de difícil comprensión.

El Pop pretendía redefinir el individualismo dentro del arte, por esta razón en
muchas obras se resalta el anonimato del artista (tema que se desarrollará luego,
tomando ejemplos concretos). Si bien este movimiento artístico presenta, a veces,
características contrapuestas y caminos diversos, su base, tanto en forma como
en contenido, siempre va a estar relacionado con las estructuras, los métodos o
la influencia de los medios de masas.

Esta ambivalencia de contenidos, esta unión de conceptos que no son

exactamente compatibles (“arte” y “pueblo”) fue bienvenida por la audiencia, no así
por las críticas. En lo que respecta al público común, este tipo de arte tuvo un gran
éxito (sobre todo para los distribuidores y coleccionistas): la sociedad se sentía
atraída por la variedad e intensidad de colores, los contenidos, sus formas fáciles
y en cierto punto divertidas.

Pero en la relación entre el arte pop y su público puede decirse que hubo una
especie de “malentendido”, por parte de éste último. La audiencia, si bien recibió
con gran aceptación este arte diferente y más cercano a su realidad, pareció no
comprender que lo que se estaba queriendo mostrar era una crítica.

18
 CONCLUSION

Conclusión de que fue el movimiento artístico de mayor cercanía con el pueblo,

por reflejar sus ideas y mostrar elementos que ellos asimilaron y aceptaron por
resultarles cotidianos. Y quizás a eso se debe la razón de su éxito: a pesar de que
el público pudo haber interpretado mal las ironías y la crítica hacia ellos mismos,
aceptaron con gusto esas llamativas y particulares obras.

19
Bibliografía

https://www.youtube.com/watch?v=VVX8aLChZHw
https://www.youtube.com/watch?v=vk7S6e7-qtM
https://moovemag.com/2016/02/jasper-johns-abanderado-del-pop-art/
https://es.wikipedia.org/wiki/Andy_Warhol
Ver más en:
https://www.20minutos.es/noticia/1781925/0/tom-wesselmann/pop-art/retrospectiva/#xtor=AD-
15&xts=467263
https://www.britannica.com/biography/Coosje-van-Bruggen
https://moovemag.com/2016/03/robert-rauschenberg-y-el-pop-art/
https://www.google.com.do/search?q=,Retroactive+II,+de&rlz=1C1CHBD_esDO76
8DO768&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ved=0ahUKEwiup6_C0svZAhWxo1kKH
QIvDkgQ_AUICigB&biw=1366&bih=547
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Llibres de Sinera.

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http://www.disycom.com/la-influencia-del-pop-art-en-la-decoracion-actual/

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 Anexos

Ilustración #1 R Hamilton, Que es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan
atractivos?

​Ilust. #2 A. Warhol la Sopa Campbel’s

21
Ilustración #3 A. Warhol Díptico de Marilyn

Ilust. #4 Roy Lichtenstein Whaam!

Ilust. #5 David Hockney El gran chapuzón Ilust. #7 E. Paolozzi, Yo fui el juguete

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 De un hombre rico

Ilust. #6 Roy Lichtenstein Chica ahogándose Ilust. #8 R. Halminton, She

23
Ilust. #9 A. Jones, Desnúdame Ilust. #10 Jasper John, Flagss

Ilust. #11 Jasper John, El grabado Ale Cans.

Ilust. #12 Jasper John, “Seasons“

24
Ilust. #14 Rauschenberg, Gilt

Ilust. #15 R. Rauschenberg, Coca Cola

25
Ilust. #16 Nauman, The True Artist Helps the World by Revealing Mystic

Ilust. #17 Claes Oldenburg, La Hamburguesa Gigante

Imagines

Jasper Johns. Map.

26
 Andy Warhol,

Spoonbridge and Cherry, de Claes Oldenburg y Coosje Van

Bruggen

- James Rosenquis

Tom Wesselman

27
Roy Lichtenstein

Jim Dine

28
Robert Rauschenberg

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