DIBUJO

ARTISTICO
EL ARTE DEL DIBUJO
DEFINICIÓN   Es la representación monocromática de la forma y el volumen de las
cosas por medio de  línea y valores que se capta y se aprecia con mayor definición en
la recepción de la luz en el modelo, y lo que  el  artista dispone al usar su mente en un
momento de creación.
El dibujo es una forma de expresión visual a través de imágenes, es una de las
mayores formas de las artes visuales.
La palabra dibujo puede derivarse tanto en un verbo como en un sustantivo:
Dibujar (verbo) que significa “Delinear en una superficie, y sombrear imitando la figura de un cuerpo.[1]
Dibujo (sustantivo) que significa “Delineación, figura o imagen ejecutada en claro y oscuro, que toma nombre del
material con que se hace.”[2]
Se considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal, utilizado por los seres racionales para transmitir sus
ideas, proyectos y en un sentido más amplio su cultura.
Dibujar y pintar no es lo mismo. Las técnicas de “pintar” y “dibujar” pueden ser confundidas, porque las
herramientas son las mismas para ambas tareas, pero las operaciones son distintas, “pintar” incorpora la aplicación
de pigmentos, generalmente aplicados mediante un pincel, que son esparcidos sobre un lienzo; mientras que el
dibujo es la delineación en una superficie que generalmente es el papel.

El termino dibujar también sugiere un proceso distinto al de pintura. El dibujo es generalmente exploratorio, con
énfasis principal en la observación, solución de problemas y composición. En contraste, la pintura tradicional es
generalmente la ejecución o acabamiento del dibujo mediante la inserción de pigmentos. Es justo señalar que los
pintores modernos también incorporan el dibujo en su trabajo.
ELEMENTOS BÁSICOS Son: el punto, la línea, la forma, el volumen y la textura.
EL PUNTO Es un objeto inmaterial y como elemento estético es un gráfico visible.
LA LÍNEA Es un medio de expresión del dibujo artístico que se vale el artista para expresar lo más variados
ánimos.
LA FORMA Es captar la dimensión de las proporciones con líneas y valores, ayudándose por el contraste que da
el juego de luz y sombra.
EL VOLUMEN Es el espacio ocupado por un cuerpo que es representado mediante sombras degradadas (multitud
de grises).
LA TEXTURA Es la característica estética ya sean real o sugerida (textura visual)
DIVISIÓN DEL DIBUJO
1.         EL DIBUJO POR SU EJECUCIÓN

a. CROQUIS Es un dibujo rápido e independiente en donde los contornos y los ángulos sobresalen con simples
líneas proporcionando belleza a la obra por su simplicidad.
b. APUNTES Es  un  dibujo  sencillo  que muestra en forma  resumida  los detalles  esenciales, con ligero  trazo  y
escasa sombra creando una autonomía inicial.
c. BOCETO  Es un dibujo más estudiado en donde  con  trazos  el  sombreado logra la diversidad de grises que
definen su forma.
d. DIBUJO CONCLUIDO Es el dibujo acabado y de gran valor estético  en donde se  especifican y recogen los
detalles más importantes que han sido modelado con el sombreado para resaltan la obra.
Todo dibujo debe registrar las impresiones que nuestros ojos lo percibe, en donde sus líneas contengan pureza,
vigor y sutileza. Se debe desarrolla la sensibilidad visual para captar los detalles de la estructura del modelo con
precisión y seguridad, en donde la línea, las luces y el esquema del color estén relacionados con armonía.
El educando debe conocer del enorme valor del aprendizaje del dibujo, desde el punto de vista subjetivo y
práctico. En su aprendizaje, es necesario la realización de numerosos ejercicios y un adecuado método técnico.
Es necesario aprender a dibujar para captar la realidad visual y así comprender el mundo real por medio del dibujo,
debiendo  proceder a ver, sentir, crear y construir. Dibujamos cuando realizamos un aprendizaje caligráfico, hasta
la realización de una copia de una obra consumada de algún artista famoso, la cual nos proporcionará por medio de
la observación una visión del pensamiento creativo del maestro pintor.
El dibujo proporciona disciplina, orden y responsabilidad, llegando a refinar la personalidad, como cambia la
forma de vida del individuo, por lo tanto ayuda a formar mejores personas con orientación hacía la creatividad.
"Dibujo no es lo mismo que forma, sino una manera de ver la forma"  (Edgar Degas (1834-1917).
2. POR SU GÉNERO O TEMA
Los géneros artísticos, no son solo un modo de clasificar las obras por su tema, también   es  una idea por medio
del dibujo y de la diferentes técnicas. Los géneros más usados son:
EL   BODEGÓN Es  la representación  de   objetos  Inanimados.  Llamado “Naturaleza Muerta”.  El  nombre
procede del siglo XVIII aunque el género es mucho más antiguo. Su práctica es fundamental al iniciar nuestro
estudio artístico, ya que permite jugar con los colores y la forma, hasta alcanzar texturas pictóricas y efecto
cromático muy inspiradores
EL RETRATO  Es la forma de la naturaleza humana, que sugiere la apariencia física y psicológica del personaje.
Según Alain,  debe expresar una serie de acciones, de sentimientos y proyectos;  pero reunidos en  un  momento  
de recuerdo sin  tragedia,  ni  comedia,  sin   juicio sobre sí.  En el retrato se debe reproducir el alma del modelo.
EL AUTORRETRATO Es el retrato realizado por el mismo dibujante, valiéndose de un espejo o fotografía. Lo
que se busca es captar el carácter del personaje como se refleja en su exterior e interior. Puede estar en medio
cuerpo, cuerpo entero, etc. Como su posición puede ser en perfil, de frente, en escorzo, etc.
DIBUJO O PINTURA DE HISTORIA  Es la que representa las acciones del hombre en su vida pública y que
se  dan  en  el tiempo hasta darle  valor  pictórico, ya que retrata el  lado  histórico y el ideal de la humanidad con
un gran realismo.
EL  PAISAJE Es la  representación de una vista panorámica de  la  naturaleza.  Siendo uno de los más 
hermosos,  por el  modo de  expresar la belleza y por el  encanto de la naturaleza, como la forma que tiene de
reflejar   al ser humano.  Se  debe lograr condensar: la  forma, el color, la luz, la composición y el espacio.
DE ANIMALES Es la representación de movimientos, elasticidad y gestos: agresivos o pasivos,  buscando hallar
sus características propias, ha sido considerado el tema más antiguo y universal del arte figurativo.
CARACTERÍSTICAS IMPORTANTES DEL DIBUJO
EL MODELADO Consiste en crear sombras y trazos muy cercanos los unos a los otros para definir el volumen
siguiendo la iluminación que recibe el objetos y las figuras. Producido por el juego de luz-sombra, se lograra un
sombreado bien definido, incorporando de esta manera la tercera dimensión (profundidad atmosférica).

LA SOMBRA  Es la sucesión de grises realizado en forma progresiva que ayuda a construir el volumen  y la forma de
los objetos por medio de una multitudes de grises con tonos realizados de forma progresiva.

EL VALOR Es resolver los efectos que causa el tránsito de la luz a la sombra mediante el uso de multitud de grises, en
otras palabras; es la interpretación y el dominio de las diferentes degradaciones contadas o clasificada. En síntesis, es
lograr comparar las intensidades de las armonías acromáticas y las monocromáticas, en donde encontramos valores en
diferentes intensidades de tonos.

EL TONO Es la forma de representar los colores de una figura y trasladarla en blanco y negro. Ejemplo: un cuadro de
un famoso maestro de la pintura, lo imaginamos en blanco y negro y lo trasladamos al papel interpretándolo en un solo
color, ajustando sus grados (dibujo).

En pintura es saber interpretar correctamente las diferentes intensidades que causa el efecto de la luz al envolver el
modelo o figura que queremos pintar, provocando el reconocimiento de intensidades tonales diversas del modelo.

SILUETEAR Es saber recorrer con trazos lineales graduados y rápidos el contorno de la figura a base de líneas finas y
gruesas. Siendo el primer paso al dibujar, como también sirve para acentuar los detalles de las figuras.

LA INTERPRETACIÓN DE LA ILUMINACIÓN Es lograr definir los brillos y contrastes que se efectúa al captar el
juego de luz y sombra, centrándolo  en  el espacio que ocupa en el cuadro.

LOS CONTRASTES Es la comparación de dos tonos de sombras, una será más clara que la otra, aquí no existen tono
intermedios si lo hubiese, los contrastes son más suaves.

CARACTERÍSTICAS ESTÉTICAS DEL DIBUJO

Características del dibujo artístico

Elementos considerados en el dibujo artístico.

"Cualquiera puede ser dibujante, pero no cualquiera puede ser un buen dibujante", es un dicho muy conocido entre los
artistas, esto es debido a que quien quiera dibujar, debe conocer muy bien no solo las técnicas y procedimientos de
dibujo sino su entorno y cada elemento que hay en él, por esto mismo hay que ser muy observador, pero sobre todo
paciente, pues no todo dibujo sale a la primera. Entre los elementos que se debe dominar para ser un dibujante artístico
están los siguientes.

PROCESO EN EL DIBUJO ARTÍSTICO

Apunte: es el dibujo rápido que se usa para captar y recordar las características de lo que se va a dibujar después. Es
especialmente útil cuando se dibujan exteriores o figuras en movimiento.

Boceto: es la prueba del dibujo en un papel aparte. Sirve para ayudar a decidir el encuadre, la composición, qué
elementos se incluyen…

Encajado: son las líneas generales que se trazan en el papel definitivo (se tapan o borran después) que sirven como
base del dibujo.

Línea: es el dibujo de los contornos. Se dibuja primero lo más general y después el detalle.

Valorización: para conseguir más realismo y volumen, se sombrean las zonas más oscuras. Las zonas de luz se pueden
aclarar borrando o usando un lápiz de color blanco o similar.

Color: un dibujo puede llevar color, especialmente si está destinado a ser una ilustración (dibujo que acompaña a un
texto en libros, carteles, etc.). El color se puede aplicar con varias técnicas: acuarela, tinta, lápiz de color, ordenador... El
color puede ser plano (homogéneo) o con textura (apariencia irregular que se puede conseguir con el material, el papel,
la técnica...).

Correcciones: los errores se pueden corregir, borrando, cubriendo una zona del dibujo con pintura o un trozo de papel y
dibujando sobre él, o escaneando el dibujo y modificándolo en un programa de retoque fotográfico (ej.: Photoshop).
Con estos programas de retoque se pueden eliminar, añadir o resaltar cosas, mejorar contrastes y colores...

Un modo de dibujo a mano alzada es el realizado sobre la marcha, sin correcciones posteriores, por viajeros,
exploradores, científicos. A este tipo de dibujos se les conoce como Cuadernos de campo. Como ejemplo se pueden
citar al colombiano Juan José Gutiérrez, al alemán Wilhelm Filchner y al español Julio Caro Baroja.

Proporción: la proporción en el dibujo es muy importante, ya que está dará al objeto representado la armonía necesaria
al relacionar correctamente todos los elementos que lo conforman. Un consejo útil y práctico al momento de realizar el
encuadre del dibujo, es colocar esté frente a un espejo, de esta manera descubriremos si nuestra obra se encuentra bien
proporcionada y si guarda la simetría correspondiente; esto es muy útil en especial con los dibujos del rostro y en
retratos. En ocasiones nuestro ojo suele "engañarnos" al momento de dibujar y resulta que al terminar un trabajo, desde
nuestra mirada puede parecernos correcto y bien encajado, más al colocarlo frente al espejo se descubren algunos
errores de proporción y, es conveniente no olvidar que es así como lo verá el espectador. Esto se corrige con la práctica
constante y recordando que es muy importante la observación para que podamos relacionar correctamente todos los
elementos del objeto a dibujar y lograr así una representación correcta. Otras formas de evaluar si nuestro dibujo es
correcto son, colocarlo al revés, mirarlo a contraluz por el reverso de la hoja y, colocar nuestra hoja un poco más abajo
para cambiar nuestra perspectiva al mirarla.

BENEFICIOS
Plasmar las ideas  en imágenes que evoquen el recuerdo del educando sobre todo intuitivo y sensorial, pues mejora
su aprendizaje de carácter visual, así evitaremos la fatiga cerebral, obtendremos una experiencia más duradera con
ideas nuevas, este aprendizaje debe ser voluntaria, activa y sostenida por el interés y el deseo de superación del
estudiante.
Nos enseña dar un análisis apreciativo correcto, que nos abre el camino de la comprensión emocional, estética e
intelectual; dándole un orden significativo a la vida. El dibujo estará siempre presente en el trayecto de nuestra
vida.
Es educativo por qué forma en valores y ayuda a desarrollar la creatividad, potencia el razonamiento lógico, la
sensibilidad, la espontaneidad, y la imaginación, induciéndonos a crear.

TÉCNICAS DEL DIBUJO

TÉCNICA EN EL APRENDIZAJE DEL DIBUJO
1. DIBUJO A LÁPIZ Es un medio ideal para ejecutar y aprender a dibujar, ejecutando con trazos finos
y excelentes detalles el modelo. Es también el más económico.
2. DIBUJOS A CARBONCILLOS La técnica del carboncillo se realiza para crear dibujos que
requieren  mayor definición de tono de intensidad y en formato mayor, generalmente carbón de
sauce. También como se ha difundido ampliamente en forma de lápiz. Vamos a ver dos modalidades
de tratar esta técnica. La primera es con carbón sobre papel blanco y la segunda en que se utilizan
tonalidades de color sepia y sanguina sobre papel de algún color tenue, preferentemente café, para
armonizar con los tonos sepia.
3. DIBUJOS CON BOLÍGRAFOS A TINTA  SECA Bolígrafos para sombrear con líneas, siendo un
material que siempre se tiene a la mano, es económico y posee mayor definición cromática. Ayuda a
resolver tareas diferentes relacionadas con el trabajo, el gusto estético y el desarrollo de la
personalidad, al emplear “La técnica del bolígrafo”.
4. DIBUJOS CON BOLÍGRAFOS A TINTA LÍQUIDA Bolígrafos utilizados para realizar dibujos a
puntillismo.

Dibujos a bolígrafos a tinta seca. Dibujos a bolígrafos a tinta líquida

Estos trabajos ejecutado con Bolígrafos muestra con detalle gráfico la realización de esta técnica, donde cada uno
posee su propia cualidad estética.Modelo tomado de una fotografía realizado por el autor.

TÉCNICA EN LA ENSEÑANZA DEL DIBUJO

EJERCICIO A PULSO Son prácticas que ayudan a entender el sentido de proporción y de

ubicación  de las figuras, proporcionando soltura y precisión, como ablandamiento o agilidad en la
mano. Se inician ejecutando figuras geométricas con trazos (líneas) en diferentes direcciones,
ejecutado a pulso sin utilizar el borrador, para esto hay que hacerlo despacio sin preocuparse al
principio en lograr la fidelidad del modelo. Es una práctica que se emplea al inicio del aprendizaje

LA CUADRÍCULA Es un medio para establecer gráficamente las relaciones de  las partes del
modelo con sus detalles, siendo de apoyo esencial en el aprendizaje del dibujo, pues apuntala a
captar a plenitud un encuadramiento del modelo, descubriendo sus contornos y planos tonales.
Muchos grandes maestro utilizaron esta técnica para realizar proyecto en formato más grande.
Cuadrícula a bolígrafos

EL SOMBREADO La calidad de un buen dibujo  estará respaldado con un buen sombreado,

causando efecto atmosférico (tercera dimensión) a la escena o figura. El objetivo será provocar una
sensación visual-sensitiva con marcados trazos y finamente graduados sin causar tosquedades
fuertes de contraste, de una manera progresiva con degradados para dar volumen a la figura,
lograremos así representar la forma, pero observando continuamente
MATERIALES DEL DIBUJO ARTISTICO
 LOS LÁPICES Es el más popular y económico que vienen en diferente grado de intensidad. El
lápiz HB es el sugerido para dibujar y es utilizado para realizar boceto y corregir el dibujo al
dar el acabado del trazado. Existen tres  grados de dureza: duro, medio y blando.
 EL PORTAMINAS  Es el más práctico para dibujar, hay en minas de distintas dureza (varilla de grafito) y
 puede ser recargable.

 EL CARBONCILLO Carbón vegetal que se obtiene de la madera del bonetero o evónimo. Se

utiliza para crear sombreados más definidos, por sucapacidad de producir el negro muy
intenso, para hacer dibujos preparatorios (boceto) y corregir el dibujo al dar el acabado del
trazado. Viene también en forma de lápiz.
 LOS BOLÍGRAFOS Los de tinta seca interpreta mejor la forma del modelo. No permite
corregir por su rápido secado. Ayuda  a mejorar nuestro pulso. Actualmente hay en tinta
líquida; utilizada en la técnica del puntillismo.
 LA TINTA CHINA Es un herramienta que se utiliza con pinceles o en estilógrafos.
 FINE-PEN O PILOT Son bolígrafos a tinta líquida, que se utiliza en el dibujo del puntillismo.
 GOMA DE BORRAR Sirve para corregir los errores o para dar brillo o luces al dibujo.
 PAPEL Son utilizados para dibujar que de acuerdo a su textura y grosor pueden brindar
mejor acabado.
 SACA PUNTAS Utilizados para afilar los lápices. Vienen en plástico y en metal.

PRÁCTICA DEL DEGRADADO

El ejercicio práctico en degradado  en sus diferentes facetas: a punto,  con líneas y al esfumado, ayuda en el
estudio del dibujo, pues nos apoya a entender  los valores que encontramos entre la luz y la sombra y de esta
forma poder distribuirla correctamente, dándole valor estético a la obra. La calidad de los valores, está
determinada principalmente por la calidad de la luz.

Una pintura cuya luz es correcta hace interpretar correctamente el sombreado del modelo, esto significa que
debemos pintar la luz que baña a estos objetos, de interpretarla con precisión, estudiándola de cerca. Si bien el
color existe sobre todo en la luz, nunca debe permitirse que reduzca el valor de la luz (intensidad).

Todas las sombras están relacionadas en la escala de valores. Cuando el valor de una zona iluminada disminuye,
el valor de la sombra debe disminuir; así se pintan en secuencia desde las más claras hasta la más oscuras, esto  
por  supuesto, de acuerdo al grado de contraste que determina la iluminación en el modelo. Con esto lograremos
Peso visual, que es la escala de brillantez que va del blanco al negro, logrando así,  contraste  de intensidad tonal.
Al emplear la técnica del bolígrafo, y querer realizar un buen sombreado, el trazo, debe ir uniformado a una sola
dirección. Ejemplo gráfico de degradado:
 DEGRADADO  A   PUNTO

DEGRADADO  A  LÍNEA

DEGRADADO AL  ESFUMADO

Ejemplo gráfico del trazado con bolígrafo

Al empezar, los trazos deben ir de manera pareja con poca presión del bolígrafo, y a una sola dirección hasta lograr totalizar la luz y
la sombra

SEGÚN MICHAEL FULLAN, sostiene que: .. cada estudiante es diferente, cada uno tiene diversos
intereses, condiciones, características de personalidad, estrategias para crear o adquirir
conocimientos, ritmos de aprendizajes, etc.
Entender también que. “El arte de la pintura consiste en aclarar y oscurecer los tonos sin
decorarlos.”.  (Pierre Bonnard)
CONSEJOS IMPORTANTE PARA DIBUJAR
 Para el aprendizaje del dibujo es necesario la realización de numeroso ejercicio práctico y un
adecuado método para educar la memoria visual apoyada por medio de la perseverancia y la
observación detallada.
 Todo dibujo debe registrar las impresiones que se percibe al dibujar, en donde su línea
contenga pureza, vigor y delicadeza para así, estimular la imaginación del espectador, por eso
se dice que es la expresión del pensamiento que todo lo entiende, lo siente o percibe por medio
de su sensibilidad.
 El estudiante no debe ser un fiel imitador, debe alcanzar como resultado de la práctica
continúa a imprimir su propio estilo y valerse de las formas para luego codificarlas, hasta llegar
alcanzar un nuevo ideal estético como medio de expresión artística, sin llegar a la mera 
imitación.
 Alcanzar a valorar el lenguaje visual-plástico que nos proporciona el dibujo como lenguaje de
expresión personal de destreza y talento propio.
 El hombre usa del dibujo; primero por necesidad y luego por el gusto estético, en consecuencia
el dibujo nos llevará a buscar formas sensibles, originales y libres buscando el acabado
perfecto.
 Facilitar el aprendizaje en forma creativa, amena y en un clima de afectividad y respeto por la
individualidad.
 Hay que tener en cuenta, que el mejor aprendizaje lo hace uno mismo con constante y porfiada
práctica; es ahí que residen los éxitos o fracasos. “El niño no dibuja su realidad, dibuja sus
experiencias”. Lowenfeld.
 Siempre tener a la mano las herramientas para dibujar, para así agilizar la práctica en el acto
creativo del aprendizaje de tipo visual.
 Los maestros deben presentar a sus educandos imágenes cuidadosamente seleccionadas de
reproducciones de cuadros, como también el reconocer el  estilo impuesto por cada artista
famoso, estudiar su trazo y el acabado dado,
 por medio de este proceso enseñaremos al educando el cumplimiento de responsabilidad y
compromiso, alcanzando, así a ser más apreciativo y acucioso por la belleza.
 Lo que se busca en la enseñanza del arte, especialmente en las artes visuales, es desarrollar
nuestra creatividad con agilidad imaginativa para atrapar o crear la ilusión de espacio tonal al
dibujar.
 Empezar desde la luz hacia la sombra más intensa tratando de mantener los cambios de tonos
para darle profundidad, hasta llegar a obtener mayores o menores efectos de tonalidades en el
camino de la luz a la sombra.
 Al dibujar, o en la fusión de colores en sus diferentes intensidades que se da en una pintura
debe alcanzarse diferentes matices de intensidad de los colores controlada por nuestro pulso.
 Para adquirir técnica, hay que realizar muchas y porfiada prácticas hasta adquirir destrezas.
La técnica de la "Cuadrícula" es lo recomendable, luego pasar a la "Técnica del sombreado."
 La finalidad no es lograr la formación de artistas acabados, sino que sean estudiantes capaces
de resolver la construcción de la forma, apoyados en un buen sombreado para que definan con
éxito sus dibujos.
ESTILOS DE DIBUJO (RECOMENDADO)
DIBUJO ABSTRACTO:
Expresión artística que no intenta representar el mundo que nos rodea. Aplicable al arte del dibujo que no represente
objetos reconocibles abandonando cualquier referencia artística a la naturaleza que conocemos.

1. Hoja en blanco
2. Ameba Finlandesa
3. Aparentes Pajaros
4. Tirabuzón
5. De Noche
6. Ventanas Atravesadas
DIBUJO ARTISTICO
Representación más esencial y primigenia de cualquier forma de arte en su concepción más clásica. Tiene entidad
propia como obra en sí o como concepto primero de obra mayor (boceto) en todas las demás artes: pintura, escultura,
arquitectura.

1. Actitud a la muerte de Dios I

2. Actitud a la muerte de Dios II
3. Actitud a la muerte de Dios III
4. Sobre el Abismo
5. El Expolio
6. Tres Trasformaciones del Espiritu
DIBUJO HUMORISTICO: 
IIustraciones que representan de forma crítica, irreverente y/o burlesca a la realidad.

1. Código de barras
2. Droids
3. EP1
4. Funny Playboy
5. Table Dance
6. Human Cancer
DIBUJO MONUMENTAL: 
IIustraciones que representan construcciones historicas o tradicionales
 1.
Catedral de Burgos (desde la plaza de San Fernando)
2. Iglesia de San Esteban (interior)
3. Calle Santander
4. Calle Embajadores
5. La Albufera (Valencia)
6. Cobertizo y Pajar (Villorobe)
FANTASTICO y CIENCIA FICCION: 
Forma de narrativa y de ilustración fantástica que explota las 
perspectivas imaginativas de la ciencia moderna, es uno de los más activos en el medio del dibujo

1. Vaqueros
2. Bella Bestia
3. La Colmena
4. Rubia
5. La piel
6. Nina
MANGA: 
Estilo de cómic de origen japonés, basado en las expresiones y las emociones de los personajes. Se compone de viñetas
grandes y suelen resaltar sobre todo la personalidad y el estado de ánimo de los personajes.
 1. Amor
2. Angel Caído
3. Duendes
4. Angel
5. Links
6. Sol y Luna
Bueno eso fue todo espero les halla gustado el post gracias por visitarlo.

 La Figura Humana Para El Dibujo Artístico

Figura humana
Se puede denominar as’ a las obras visuales que tienen
como motivo principal el cuerpo humano, presentado
generalmente desnudo.

Este tema se coloca por encima de otros, a partir de las

vanguardias, ya que si antes lo encontrábamos en la
Historia del Arte, estaba supeditado a otras motivaciones,
como el tema mitológico o escenas de la Biblia.
La figura humana se caracteriza por ser muy compleja, esta ha sido muy difícil de estudiar por
los científicos y se hace casi igual de difícil para los artistas el poder representarlas de manera
respetable.

Para que un artista pueda lograr captar y expresar de manera correcta las terminaciones y
complejos de la figura humana debe primero saber algunas definiciones que le facilitarán mucho
su trabajo.  Los dibujos artísticos de figuras humanas deben representar una completa
armonía cuidando especialmente las proporciones.

las formas de la figura humana

siendo la forma la apariencia esterna de las cosas o la distribucion peculiar de la materia de los cuerpos en el espacio
y en que las formas pueden ser divimencionales o planas como la de una hoja de pqapel,o tambien tridimencionales
o bolumetrica, como la de un balon, cuando se trata de dibujar la figura humana, que enla realiadad posee volumen,
hay que presentarla sobre una superficie y media mente formas planas, es decir, hay que sinplificar su forma, o la
que es igual, reducir sus conplejas formas alas formas mas simples 
LAS FORMAS SIMPLES 

en nuestro cuerpo encontramos formas muy simples o formas geometricas planas fundametales
como:obalos,rectagulos,cuadrados.trapecios y circulos,en otras.

FORMAS CONPUESTAS

son las formas mas conplejas generalmenteinrregulares o conformadas por la sumatoria o superposicion de formas
simples por ejemplo un busto pude estar conpuesto por un tropecio,un cuadrado y un obalo.

EL CUADRANTE DE LA FORMA 

toda la figura humana y sus partes pueden en cuadrarse en formas simples o complejas y eso cuadrantes puden ser
se dos tipos:EN CUADRATE GLOBAL
el cuadrante gloval o en general  de un cuerpo, ya sea real orden nuestra imaginacion  de forma simple o compleja 
dentro de la que se puede inscribir el conjunto de elemetos constituidos de dicha figura. por ejemplo en esta
escultura  "EL GALOMURIBUNDO"de epigonios el cuadrante global es un triangulo 

ENCUADRE DE LAS PARTES 

de manera similar, todas y cada una de las partes o elementos contituidos del conjunto puede incribise dentro de 
formas geoimetricas simple.
en nuestro ejemplo  de ma cxrads por lineas amarillas podemos obsevar que ellas pueden enmarcarse en formas
geometricas simples.

EL E4NCUADRANTE DE LA FORMA DE UN GRUPO 

el conjunto de todos los elemenbtos y sus partes en grupo como el de la ilustracion pueden encontrarse en formas
simples y esos  cuadrantes son: EL CUADRANTE GLOBALo tambien llamado el cuadrante genral de la pintura es
la forma simple en la que se puede inscribir el conjunto.
para esta tela de david tener teniers (representantes de la pintura barroca ), pude escojerse como encuadrante global
un ronboide

EL CUADRANTE DE LAS PARTES 

tantolos elemetos constituidos del conjunto, como todas y cada unba de sus partes pueden incribirse dentro de
formas geometricas simples.
en nuestro ejemplo, demarcadas con lineas amarillas, podemos obserbar que todoas sus delos conponentes  pueden
enmarcarse  en formas geometricas simples. 

EL CUADRANTE GLOBAL
ya sabemos que el cuadrate global o en general consisite en determinal o descubrir la forma simple en la que
aproximada mente se puede inscribir el objeto de lsa perseccion  que en nuestro caso, para el ejemplo escogido,
pude ser un obalo, correspondiente al contorno del rostro, el cabello y el cullo si optamos por el obalo obtendremos
(vergrafica).

ESCOGENCIA DEL FORMATO 

las propocinoes de ancho y de altura de la forma  simple econtrada como encuadre global nos da idea del formato
mas apropiadoen emplear del que puede afirmarse que seria el cuadrado o el rentangulo dentro de lo que se
inscribiria la forma del encuadre global.

LA SIMPLIFICACION DE LA FORMA DEL ROSTRO 

observamos el cañon de proporsiones de la cabeza y algunos tipos de rostro con sus respectivos encuadrantes
globales y de las partes. debemos tener presente que un canon de proporsiones es un combensialismos muy
genericos que sirve de guia pero que en ningun momento debe condicionar al pintor atrabajar la figura humana con
unas medidas estrictras ya que las diferentes razas y peculiaridades indibiduales casi siempre se alejan con los
esquemas ideales establesidos como norma

 
EL SUDREALISMO
el continuador en cierto modo del  deaismo el sudrealismo surgio como movimiento ala ves literario y pictorico en
su pintura:onirica y sujetiva los surealismo trataron de ir mas alla de la realidad visible y cosiente explorado desde
diverso lados las hondura 

EL COSEPTO DE ARTE 

El arte es una noción abstracta, fruto del concepto del ser humano, de su obra y de la naturaleza. Depende de cómo ve la
sociedad el mundo en su época, el mundo de cada época. Pero, sin embargo, es atemporal, porque el observador de la obra de
arte la interpreta según su sistema de valores actual, revalorizándola cada vez. El observador de una obra de arte se convierte,
así, en artista.
Las primeras manifestaciones de lo que llamamos arte están relacionadas con la magia: las pinturas rupestres, las estatuillas de
dioses, etc. Según Lévy-Strauss es la combinación del mito primitivo y la habilidad técnica.

TECNICAS PICTORICAS 

es una bella tecnica de la pintura que toma su nombre del agua ya que es unico disolvente que se utilisa para diluir
su pagmentos los uales se pueden a clarar hasta hacerlo tranparentes como formato se utilisa cartulina especial muy
absobente y cuando esta blanca sino que se aprobecha el fondo del papel reservandolo  para no apocar la cantidad
diafana de la tecnica 
 La proporción en la figura humana.
“Según la opinión de todos los médicos y filósofos, la belleza del cuerpo humano se basa en la proporción simétrica de sus
miembros”.
Policleto

Desde antiguo el hombre se ha preocupado por el estudio de su propio cuerpo para representarlo artísticamente de la manera más
bella posible. Este interés ha llevado a los artistas de todos los tiempos a establecer unas reglas de proporciones que determinen
qué es un cuerpo armónico y, por lo tanto, bello.

Pero el ideal de belleza ha ido cambiando a lo largo de los tiempos aunque en todos ellos se ha buscado una unidad de medida que
sirviera de referencia para las mediciones.

Como has visto anteriormente las dos maneras que existen para proporcionar son el módulo y el canon. Y ha sido éste último el
más empleado por artistas de todos los tiempos para establecer sus sistemas de proporciones, pero también el sistema modular
fue el elegido por otros, como los griegos o Le Corbusier, para proporcionar sus obras.
Los egipcios fueron los primeros en buscar un sistema de proporciones pero ellos comenzaron empleando el sistema modular.
Se han encontrado dibujos en papiro en los que el cuerpo humano se incluye en una cuadrícula en la que se establece como
módulo el cuadrado para proporcionar la figura, proporciones que fueron cambiando a lo largo de las diferentes dinastías. Pero
también descubrieron el canon estableciendo la mano como unidad de medida. Para ellos un cuerpo perfecto era aquél cuya
longitud medía dieciocho veces su propio puño, dos para la cabeza, diez desde los hombros hasta la rodilla y seis para las piernas.

Imagen de dominio público vía Wikipedia Commons

El canon.
Los griegos, con su cultura eminentemente antropocéntrica, mostraron un especial interés por la belleza y la proporción del
cuerpo humano. Preocupados por determinar una serie de reglas matemáticas que regularan las medidas de las diferentes partes
de la figura, establecieron la altura de la cabeza como unidad de medida que sirviera de referencia a sus
mediciones. Policleto estableció el canon de siete cabezas como modelo de un cuerpo perfectamente proporcionado. Más tarde
Lisipo creó otro canon más esbelto que el anterior aumentándolo a siete cabezas y media.
En el Doríforo,
Policleto aplicó su
teoría acerca de las
proporciones ideales de
belleza del cuerpo
humano, desarrollada
en su libro titulado El
Kanon.
En
el Apoxyómeno Lisipo
emplea un nuevo canon
cuyas proporciones
estilizan más la figura.
Las esculturas
originales en bronce no
se conservan pero las
copias romanas en
mármol permiten el
estudio de ambos
cánones, basados en
proporciones
matemáticas. Canon de Policleto. El Doríforo (copia del Museo
Canon de Lisipo. El Apoxyómeno (copia del Museo Vaticano).
Arqueológico de Atenas).
Imagen de magvil con licencia cc vía flickr
Imagen de magvil con licencia cc vía flickr
En el Renacimiento, el redescubrimiento de las proporciones matemáticas del cuerpo humano quedó plasmado en el
famoso Hombre de Vitrubio de Leonardo Da Vinci, que representa un estudio de dichas proporciones, realizado a partir de los
textos del arquitecto Vitrubio que en su libro De Architectura dictó cuales debían ser las proporciones de cada parte del cuerpo
exactas en referencia a las dimensiones generales del mismo. Consideró el ombligo como centro del cuerpo y observó que el
hombre con los brazos extendidos alcanza un ancho que es igual a su altura, y por ello puede ser inscrito en un cuadrado y en un
círculo. La cabeza entra ocho veces en la altura del cuerpo, y diez si se considera sólo el rostro (del mentón al comienzo del
cabello), dentro del cual la nariz representa un tercio. El pie es la sexta parte de la altura del cuerpo, y el codo la cuarta.

Alberto Durero, en el siglo XVI, influido por el arte clásico, retomó el estudio de las proporciones que el cuerpo humano debía
tener para ser considerado bello. Tras años de análisis y ensayos sobre el tema llegó a la conclusión de que no existe un único
ideal de belleza y descubrió que la perfección se puede alcanzar a través de diferentes posibilidades.

En este grabado Durero utiliza dos cánones diferentes para cada

uno de los personajes. Mientras Adán responde al canon
clásico,
Eva presenta unas proporciones estilizadas más próximas a las
empleadas en el estilo Manierista, que estudiarás en el próximo
tema.

Adán y Eva. Durero

Imagen de dominio público vía Wikimedia
Commons

Anatomía y proporción de la figura humana

Canon del cuerpo humano

PROPORCIÓN
Proporción es la relación comparativa de una cosa con respecto a otra o de una parte con el todo.
Las proporciones estéticas son aquellas que se utilizan con fines antropométricos o artísticos.
Las proporciones estéticas objetivas son las utilizadas para representar elementos de la naturaleza. Estas
relaciones proporcionales se obtienen de la observación directa del modelo.
Las proporciones estéticas técnicas son aquellas que deducidas de las proporciones estéticas objetivas se
establecen como norma (canon) para la reproducción artística del cuerpo humano.
Las proporciones estéticas expresivas son relaciones antinaturales (deformación de la figura) en función
del carácter simbólico que se le otorga al objeto representado.

CANON
El canon por tanto es la norma que establece las proporciones ideales del cuerpo humano con vista a su
reproducción. El canon es un sistema de medidas que cumple la regla de la justa relación, es decir que tomando una
parte se puede deducir el todo y a la inversa, de la totalidad se puede deducir una parte.

El canon natural es el intrínseco a cada persona derivado de su conformación única.

El canon histórico es el derivado de la interpretación en cada momento histórico del cuerpo humano en el arte, por
ese motivo el canon evoluciona.
El canon antropométrico se determina según las medidas obtenidas por comparación de una parte de la población.
Este canon pertenece al ámbito científico que se definió en el siglo XIX. Se suele tomar la cabeza como módulo de
comparación.

El canon antropométrico estándar o de tipo medio es de 7 y ½ cabezas.

El canon antropométrico óptimo o de tipo normal es de 7 y ¾  cabezas.
El canon antropométrico heroico o de tipo heroico es de 8 cabezas.

El canon artístico simbólico es aquel que viene determinado por componentes ajenos a la observación directa del
cuerpo. Es decir por condicionamientos sociológicos, culturales o religiosos. En este caso las relaciones
proporcionales son simbólicas.

Ejemplos de canon artístico simbólico

1.- Bailarina de Harappa (India) 2.- Estatuilla Fang (Guinea Ecuatorial) 3.- Bailarina de Tlatilco (México) 4.-
Estatuilla de las Islas Kiriwina (Papúa y Nueva Guinea)

El canon artístico modular es el resultante del interés que desde la antigüedad ha tenido el hombre por encontrar
un  canon que permitiese establecer unas medidas perfectas para representar el cuerpo humano.

El primer canon artístico modular lo encontramos en la escultura egipcia. Los egipcios tomaron como unidad de
medida el puño de la mano para representar la figura humana. El puño es el módulo de todas las proporciones. Una
representación del cuerpo debía tener 18 puños de altura hasta la mitad de la frente. También se medía en puños la
distancia idónea que debía haber entre los hombros y entre cualquier otra parte del cuerpo.
Según este módulo regulador la cara debía medir dos puños, desde los hombros hasta las rodillas debería tener una
longitud de diez puños y desde las rodillas hasta los pies seis puños. En época tardía, a partir del siglo VII a. C., será
sustituido por otro de 21 puños que alargaba aún más la figura. El resultado es que la figura se deforma-idealiza
según el canon de la época.
Leer más: https://valero7.webnode.es/tecnicas/a16-canon-del-cuerpo-humano/

1. El canon en la figura humana

La anatomía artística es un área que pretende estudiar y analizar las estructuras del cuerpo que son responsables del
aspecto y la forma de la figura humana. Estas formas se deben sobre todo a las estructuras óseas y musculares.
El interés por las proporciones humanas fue una de las primeras preocupaciones estéticas del arte clásico. Para
afrontar este reto artístico se establece una proporción entre la altura total del cuerpo humano y el alto de su cabeza.
Esta proporción o canon puede entenderse como cuántas cabezas caben en la altura del cuerpo.
Para los artistas griegos del período clásico el canon trascenderá la observación empírica y llegará a ser un concepto
ideal, es decir, una norma que indicaba cómo debían ser las proporciones de un cuerpo humano ideal y armónico.
En las imágenes de abajo, puede apreciarse el canon de Policleto, que variaba entre 7 y 8 cabezas sobre la estatura.

2. La evolución del canon a lo largo del crecimiento humano

La evolución del canon a lo largo del crecimiento humano va aumentando con la edad hasta la plenitud adulta y a
partir de aquí comienza a menguar debido a la compresión de las articulaciones.
A pesar de las variaciones del canon, a partir de la adolescencia la proporción de los segmentos corporales citados
respecto a la altura apenas sufre cambios.

3. Uso expresivo del canon en la historia del arte.

3.1 Canon Egipcio
Los egipcios utilizaron en la práctica el canon para la representación escultórica de la figura humana, pero en lugar
de tomar la cabeza como módulo, lo hicieron con el puño, de forma que los cuerpos tenían de alto 18 veces el
tamaño del puño, distribuido proporcionalmente en distintas partes del cuerpo (dos para el rostro, diez desde los
hombros a la rodillas y seis desde éstas hasta los pies).
3.2 Canon Griego
Se acredita a la escultura griega la primacía absoluta en la representación de la figura humana. En el cuerpo
humano, generalmente desnudo, se concreta el ideal de la belleza formal como expresión de la armonía de las
formas. En la época clásica el “canon”, como expresión de belleza, fue definido por Policleto en siete cabezas y
media y por Lisipo en diez unidades, tomando la cabeza como una octava parte del cuerpo
3.3 Canon Gótico
El gótico también hará un uso expresivo del canon, adaptándolo a su objetivo artístico: sugerir elevación del
espíritu. Para ello emplea un canon alargado, mucho mayor que las 8 cabezas del adulto medio.

3.4 Canon Barroco

En cuanto a la proporción de los cuerpos fueron más voluminosos que en épocas anteriores; caderas anchas y
cinturas estrechas, hombros estrechos y brazos redondeados y carnosos
De los hombres destaca mucho el pelo (muchas veces con peluca), la piel muy blanca y las mejillas rosadas y, por
encima de todo, unos trajes suntuosos de infinitas capas.

Las tres Gracias de Rubens

3.5 Canon del Renacimiento
En el Renacimiento se distinguió el canon de Vitruvio, utilizado por muchos artistas de ese período; el cuerpo
humano esta encerrado en un círculo inscrito en un cuadrado, en el cual el ombligo es el centro y la figura humana
corresponde a ocho partes, de las cuales la cabeza es la unidad.
Vitruvio no solo estaba interesado por las proporciones del cuerpo, sino también por sus implicaciones dentro del
espacio arquitectónico. Refiriéndose al diseño del templo griego nos dice: “Por otra parte, ellos obtuvieron de los
miembros del cuerpo humano las dimensiones proporcionadas que necesariamente aparecen en todos los trabajos
constructivos, el dedo o pulgada, el palmo, el pie, el codo”.

3.6 Canon de la era moderna

En la edad contemporánea, el arquitecto francés Le Corbusier creó un nuevo canon de proporciones humanas al que
denominó modulor (2,26 metros de altura), para aplicarlo tanto en la construcción de edificios como en el diseño de
mobiliario y objetos comunes.