arte y cultura visual

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M-arte y cultura visual
Edita: MAV Mujeres en las Artes Visuales
C/Almirante nº 24
28004 Madrid
www.mav.org.es
www.m-arteyculturavisual.com
ISSN: 2255-0992
diseño y maquetación: Virginia del Río

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arte y cultura visual
JUN 5
SEPT
2013
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 ÍNDICE

Campo de batalla.- Rocío de la Villa p. 4

EXPOSICIONES

Insurgentes (MUJER. La vanguardia feminista de los años 70. Obras p. 7

de la SAMMLUNG VERBUND).- Marián López Fernández-Cao
Paz Errázuriz. Fotografiar la larga duración.- Carlos Jiménez p. 13
Mujeres invisibles y resistencia.- Irene Ballester Buigues p. 16
DESNUDOS en blanco y negro (PHE13).- Redacción p. 27
Laura Torrado.- Julia Francisco p. 32
Fina Miralles.- Susana Cendán p. 34
Julia Fullerton-Batten.- Julia Francisco p. 38
Art al Quadrat en reflexiva. Reflexionando sobre su identidad.- p. 41
Irene Ballester Buigues
Patricia Esquivias.- Susana Cendán. p. 45
Individualismo y protesta (Inéditos: People Have the Power, LCE).- p. 48
Carlos Jiménez

ENTREVISTAS

Binomio arte y mujer. Entrevista a Diana Prieto.- Mª José Magaña p. 52

Entrevista a Randy Rosenberg.- Marisa González p. 69

EVENTOS

Asalto Plataforma A.- Plataforma A p. 74

Un paseo por la 55 Biennale di Venezia.- Rocío de la Villa p. 79

TEORÍA

El sentido del feminismo en la ciudad.- Isabel Velázquez p. 87

Shirin Neshat.- Menene Gras p. 95
Dalí y la sexualidad.- Rocío de la Villa p. 105

PROYECTOS

Claudia Martínez, De corazón. p. 113

Katarzyna Rogowitz: un viaje a las fuentes, los conceptos y las p. 121
influencias de una artista a través de la mujer.- Paz Tornero
Mariana Laín, Mujeres de Modiano p. 127
Amparo Garrido, Soy tú p. 129

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 PATRIMONIO

CUERPOS COLECCIONADOS (PHE 2013).- Redacción p. 133

CULTURA VISUAL

Fanzines femeninos.- Andrea Galaxina. p. 137

Estéreo Tipas.- Marta Mantecón p. 160
Hannah Arendt, por Margherete von Trotta.- Rocío de la Villa p. 164

PUBLICACIONES

Nuria Carrasco, ¡AHLAN!.- Rocío de la Villa p. 167

Carlos Jiménez, La escena sin fin. El arte en la era de su big bang.- p. 170
Rocío de la Villa
Andrés I. Santana, Sin pudor (y penetrados).- Suset Sánchez p. 173
Juan V. Aliaga y Patricia Mayayo, eds., Genealogías feministas en p. 178
el arte español: 1960-2010.- Semíramis González
Raquel (Lucas) Platero, Intersecciones: Cuerpos y sexualidades p. 181
en la encrucijada.- Semíramis González
Mª Luisa Venegas, Voces y bocetos p. 185

NOTAS

La espigadora: AC/E.- Mireia Sallarés, Verónica Coulter.- Angie p. 186

Bonino, Verónica Coulter.- Mille Kalsmose en la Virreina, Verónica
Coulter.-Genevieve Asse, Centre Pompidou.- Saloua Raouda Choucair,
Tate Modern.- Ellen Gallagher: AxME, Tate Modern.- Linder,TATE St
Ives.- Marlow Moss, TATE St Ives.- Elena Blasco, Ancha es Castilla,
CAB Burgos.- Pilar Albarracín en Au bazar du genre, MUCEM.- Alicia
Framis, retrospectiva en MUKKA.- Dora García, fundación … Venezia.-
Mar Arza, Incís.- Rocío Arevalo, en CAAM.- Estefanía Urrutia.- María
Castellanos.- Dones pintades.- Linarejos Moreno, galería Pilar
Serra.- Amina Benbouchta, galería Sabrina Amrani.- Angelica Dass,
Humanae, galería Max Estrella.- Deriva Doméstic de Clare Gallagher.-
Dora Salazar, Koldo Mitxelena Kulturenea.- Maria Martins, MAM Sao
Paulo.- Joe Baer, Stedelijk Ámsterdam y Museum Ludwig Colonia.- Bad
Girls, Frac Lorraine.- Good Girls, MNAC Bucarest.-Colección Soledad
Lorenzo, MAS Santander

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CAMPO DE BATALLA
Rocío de la Villa

Nada es irreversible. Cuando pensábamos

que habíamos conquistado una legislación
que respetaba las decisiones sobre el propio
cuerpo, sin supuestos y sin permisos de
otros, de padres y de la sociedad patriarcal,
otra vez nos vemos en las calles y en los
medios reclamando lo más elemental:
que las mujeres no somos incubadoras y
que tenemos un derecho inalienable para
decidir qué hacemos con nuestros cuerpos y
con nuestras vidas. ¡Nosotras decidimos! El
cuerpo, otra vez, como campo de batalla.

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 EDITORIAL

Desde los orígenes de la humanidad el cuerpo

ha sido redefinido y transformado: marcado,
agujereado, pintado. Con el arte contemporáneo,
el cuestionamiento del cuerpo y del sexo ha tenido
un protagonismo central desde las vanguardias
históricas: primero, con el surrealismo, a partir
de la década de los 60 con el accionismo, el body
art y el arte y las prácticas feministas, y desde los
noventa con la subversión queer. Los desnudos de
mujeres, ese objeto privilegiado de representación
a lo largo de la historia del arte, ha dado paso a la
emergencia de cuerpos culturales y políticos, cuerpos
como herramientas poéticas para resistir ante la
alienación: cuerpos como lugares ideológicos para
la aceptación de las diferencias y su poder de decidir.
De eso trata este año el festival PHotoEspaña, al que
vamos a prestar una atención especial en este n. 5 de
m-arteyculturavisual.

Además, nos interesamos por proyectos de activismo

(Plataforma A) y colaboración (¡Ahlan!) y de street
art, por fanzines femeninos y por cómo se van
fraguando los estereotipos desde la infancia. Todo
aderezado con novedades en el terreno expositivo y
editorial, nacional e internacional.

E inauguramos una nueva sección de entrevistas en

vídeo: La ventana, una serie de Johanna Speidel que
arranca con Nieves Correa.

PD.- escribo este editorial en una semana negra, cuando en una

oleada de violencia machista se han asesinado seis mujeres.

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6
 exposiciones

Insurgentes
(MUJER. La vanguardia feminista
de los años 70. Obras de la
SAMMLUNG VERBUND)

Renate Bertlmann, Tierna pantomima, 1976

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exposiciones

Marián López-Fernández Cao

Me gustaría señalar, siguiendo los cánones formales, la

calidad e innovación de la muestra –una selección de
la colección creada en 2004 por Verbund AG, principal
compañía eléctrica austriaca–, realizada por fotógrafas
innovadoras de los años setenta que introdujeron de
manera valiente y decidida los nuevos medios en la
plástica contemporánea. Fotógrafas que investigan en
la capacidad de mirar y ser mirado, en la construcción
de la identidad, la deconstrucción de la misma, en el
análisis introspectivo que nos devuelve el interrogante
de la razón del ser, del existir en el mundo. A través de
sus obras asistimos a la deconstrucción de los sistemas
clásicos de representación y a la emergencia del
punto de vista como eje de construcción de una nueva
mirada. Muchas de las innovaciones conceptuales y
formales que esta exposición señala, representarían
más adelante las características del arte posmoderno
posterior.

Gran parte de las obras son huellas de acciones

que han supuesto un antes y un después en el arte
contemporáneo. Nos dan datos de los rastros de la
escultura social, la performance, el arte inserto en
la sociedad de modo activo, crítico y puntual pero
que alcanza rasgos de universalidad a través de la
experiencia compartida. Nos hablan de un momento
y un lugar, y por ello de los actos necesarios y
transformadores del arte. Emerge el artista como
agente de reflexión y transformación social, emerge el
acto creador como arte en sí, el proceso del arte como
transformación comunitaria ante la tensión del poder.
Otras de las obras se convierten en íntimos

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 exposiciones

enigmas a desentrañar. El arte casi siempre

conlleva una parte de enigma, de lugar
ininteligible, y alguna fotografía señala
el carácter de otredad del signo plástico,
irreversible, irreemplazable del signo vuelto
representación. Representación que en casos
pone en evidencia el carácter de construcción
y en otros nos advierte de significados más allá
de los significantes plásticos. Todo un trabajo
de observación por parte del espectador, de
la espectadora que nos conduce al necesario
respeto ante lo otro.

Annegret Soltau, El cuerpo propio / Self, 1975

Todas, sin embargo, responden al ejercicio

crítico de mirar: la visión interna y externa,
el haz y el envés, la valentía de mirarnos y
reconocernos a veces, de mirarnos y extrañarnos
otras, en el desconocimiento y la alienación del
propio ser, en la apertura a nuevos caminos
de significación. Los objetos se nos devuelven
extraños y familiares a un tiempo, domésticos
y salvajes, y nuestros rostros, también,
desconocidos y familiares. Los rostros se
duplican, juegan a esconder su esencia, se vacían
de ella, impelen al que mira a mirar de nuevo,
provocan la convencionalidad de la mirada

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exposiciones

que se detiene, juegan a reírse Todas las artistas presentes

de la mirada complaciente. El son artistas comprometidas
proceso creador, la actividad política y socialmente contra
artística permite ese ejercicio, las arbitrariedades del sistema
despliega en fin, la capacidad patriarcal que naturaliza
de hacer renacer la mirada comportamientos y conductas
desde otro lugar, otra posición desde el genérico masculino
y poner en entredicho antiguos que etiqueta, categoriza y
lugares, panópticos de poder jerarquiza desde una metonimia
naturalizados como cotidianos. que expulsa, también dentro del
sistema del arte, todo aquello
que no sea arte “neutro”, o
sea, masculino. Como señalaba
Donna Haraway –en algún
texto perdido por mi cabeza–
las mujeres estamos abocadas
a ser lo otro, porque, desde ese
panóptico foucaultiano que
supone la mirada patriarcal,
no hay más cuerpo que el
“neutro” masculino, blanco,
medioburgués, que dice
desvanecerse e invisibilizarse
para ser discurso, cultura,
progreso, trascendencia.
Todo lo otro, cuando habla y
actúa, hace evidencia de su
otredad, no de su discurso. Al
igual que señalaba también
Derrida cuando hablaba de la
obligación de hablar la lengua
“sin acento” y sin gritar. Porque
el acento y el volumen hablan
Birgit Jürgenssen, Hausfrauen-
del cuerpo, de la geografía, de
Küchenschürze, 1975
la biografía, como las mujeres. Y
al hacerlo, pierde su capacidad
Podría terminar aquí este texto.
de universalidad.
Pero no. Resulta que además
esta muestra es feminista. Y
es arte. Y es arte feminista.

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 exposiciones

Por eso borran a las mujeres de los manuales de arte, de los

diccionarios de fotografía, de los compendios. Por eso son menos
merecedoras de catálogos –como en esta edición de PHotoEspaña–
porque los catálogos nutren la historia del arte. Por eso, como
mucho, les permiten estar en la historia como grupo o afiliadas a un
movimiento, el feminista, por ejemplo.

Hannah Wilke, SOS starification object series, 1975

Estas artistas eran conscientes de todo ello. No hay ingenuidad en

las obras de esta muestra ni en quienes la realizaron. Fueron y son
valientes. Coherentes como pocos artistas con su situación, tuvieron
el valor de romper esquemas formales, hacer saltar los sistemas de
representación y encararse, como se encaran frente al espejo y la
sociedad: haciendo preguntas, desmontando prejuicios, reventando
las costuras de los patrones dicotómicos de la modernidad, haciendo
saltar por los aires las iconografías femeninas constreñidoras y po-

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exposiciones

niendo en entredicho, también, las masculinas. Todos so-

mos parte del mismo guión. Proscripciones y prescripciones
del ser.

Solo lamento que la exposición se llame MUJER, así, en

singular. Quizá me hubiera gustado que se llamara “Socie-
dad”, “Cultura” o al menos, cuando menos, “Insurgentes”.

Mujer. La vanguardia feminista de los años 70. Obras de la

colección SAMMLUNG VERBUND Viena, Círculo de Bellas
Artes, Madrid. Del 3 de junio al 1 de septiembre de 2013.

Comisaria: Gabriele Schor, directora de la Samlung Verbund.

Artistas: Helena Almeida, Eleanor Antin, Renate Bertlmann,

Valie Export, Esther Ferrer, Alexis Hunter, Sanja Ivekovic,
Birgit Jürgenssen, Ketty La Rocca, Leslie Labowitz, Suzanne
Lacy, Suzy Lake, Ana Mendieta, Rita Myers, Martha Rosler,
Cindy Sherman, Annegret Soltau, Hannah Wilke, Martha
Wilson, Francesca Woodman y Nil Yalter.

Brigit Jürgenssen, Nido, 1979

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 exposiciones

Paz Errázuriz.
Fotografiar la
larga duración

entera de dedicación y coherencia.

Y sobre las que ahora podemos
asomarnos gracias su primera
individual en la galería Espacio
Mínimo que renueva desde hace
un cuarto de siglo el encuentro
entre Madrid y su obra portentosa.
Fotos a cuyos objetivos, sujetos y
ámbitos decrépitos de referencia,
Paz Errázuriz, Sin título (serie Tango), 1986. les convienen evidentemente
Gelatina de plata. 50 x 60 cm. los calificativos que una y otra
vez y uno tras otro, los críticos,
Carlos Jiménez los especialistas y los aficionados
les han dedicado: precariedad,
Habrá seguramente muchos marginalidad, extrañeza, exclusión.
Chile, tantos como l@s chilen@s Como no podría ser de otro modo
que lo viven y trabajan o cuando hablamos de la obra de
como los que son capaces de quien ha fotografiado sin desmayo
imaginar quienes lo acuñan, arenas de boxeo y personajes de
documentan, explotan, circos de provincia, campesinos
interpretan o malinterpretan. anónimos arrojados a las cunetas del
Pero para mí hay un solo Chile progreso, residencias de ancianas
que parece completamente a olvidadas, prostíbulos de travestis
salvo del fraude, la hipérbole o de barriada, hospitales siquiátricos
el escamoteo: el Chile captado en sin recursos, etnias al borde de la
miles de fotos y en un conjunto extinción en el culo del mundo,
de series inapelables por Paz parejas de viejos bailarines en salas
Errázuriz a lo largo de una vida de fiesta igualmente anticuadas…

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exposiciones

Este Chile es un Chile que atraviesa

trasversalmente los Chile del que la historia y
la política nos han dado noticia en las últimas
décadas: el Chile del presidente Salvador
Allende y la Unidad Popular, el del Golpe de
Estado de Pinochet y su despiadada dictadura
neoliberal, el de la resistencia, la crisis de la
dictadura, la transición a la democracia y la
persistencia del neoliberalismo. Y que por lo
mismo parece inmune a los efectos de dichas
etapas históricas como, según la tesis clásica
de Ferdinand Braudel, permanecen inmunes
las tendencias de longue durée –de larga
duración– a los acontecimientos que agitan y
sacuden continuamente la superficie política y
cultural de la sociedad. Si la fotografía petrifica
al instante y lo sustrae inevitablemente del
proceso o del curso de los acontecimientos que
le dan lugar, las series de fotografía de Paz
Errázuriz restituyen cada una de las fotografías
aisladas que las componen a la duración efectiva
de los cursos y transcursos de los que fueron
entresacadas para ser proyectadas a la quietud
inmutable de la eternidad.

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 exposiciones

“Porno miseria”: el término

fue acuñado en los años 70 del
siglo pasado por Luis Ospina y
Carlos Mayolo –dos cineastas
colombianos– para descalificar
el trabajo de documentalistas y
reporteros, habitualmente del
Primer Mundo, que consiste
en convertir la miseria más
deprimente en imágenes
que, como las pornográficas,
están destinadas a satisfacer el
voyerismo de quienes siempre se
sienten a salvo. La fotografía de
Paz Errázuriz elude claramente
esta descalificación porque, como
ha anotado Rita Ferrer en su
ensayo Fotografía de la historia,
para Paz es “el fotografiado quien
la convierte en fotógrafo; quién
le da el estatuto de autora”. Y
Paz Errázuriz, Sin título (serie Cuerpos). 2002.
añade, para remarcar la diferencia
Impresión digital. 82 x 62 cm .
radical entre la actitud de Paz
Errázuriz y la del fotógrafo que usa Paz Errázuriz, Cuerpos, galería
la cámara con la misma voluntad Espacio Mínimo, Madrid. Hasta el
de dominio que el cazador usa su 20 de julio de 2013.
rifle, que “toda su obra obedece a
un principio de constante y lúcida
consciencia de género” , que “ha
persistido a todo lo largo de su
trayectoria”. Ahí están sus fotos
para ratificarlo.

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exposiciones

Mujeres invisibles
y resistencia

Helena Almeida, Sin título, 2010

Irene Ballester Buigues

La reapertura de la galería Espaivisor de Valencia, empieza

su nueva andadura con un arte de resistencia vinculado
al feminismo de la mano de las artistas Sanja Ivekovic
(Zagreb, 1949), Inmaculada Salinas (Guadalcanal-Sevilla,
1967) y Helena Almeida (Lisboa, 1934), la misma resistencia
frente a las instituciones que tienen que llevar a cabo los
directores de la galería, Miriam Lozano y Mira Bernabeu
en una ciudad como es Valencia, paradigma, no solo de la
crisis, sino también del despilfarro vinculado a la política
de pan y espectáculo.

16
 exposiciones

El nuevo espacio que ocupa la galería Espaivisor en la calle

Carrasquer, combina con gran dinamismo el interior y el
exterior según un proyecto del arquitecto Mateo Pérez
Palmer. El primer emplazamiento exterior es una vitrina
apaisada bautizada como Ventana, la cual está reservada
para piezas cedidas por colecciones invitadas, en este
caso dos obras de la artista Helena Almeida. Cedida por
la colección cántabra Los Bragales, se muestra el video Sin
título, 2010 de 18 minutos de duración donde una mujer
atada por una de sus piernas a un hombre, camina. A través
de este video en blanco y negro, el cuerpo de la artista
se convierte en un instrumento desde el que intervenir,
comunicar y crear un espacio en el que todas y todos
nos podamos sentir representadas y representados pues
somos las mujeres las que, no sin recorrer dificultades, nos
desprendemos de esas ataduras complejas y de ese sistema
patriarcal que nos somete y condiciona.

Por otra parte, la colección Estampa de Madrid ha cedido la

fotografía Pintura Habitada de 1975, en la cual la artista es
el sujeto protagonista de su obra, no el objeto para deleite
de la mirada masculina. Un azul, similar al azul de las
Antropometrías machistas de Ives Klein es el que cubre el
rostro de Helena Almeida, un azul que expresa la necesidad
de representar el espacio, una mancha que establece una
relación fluida y directa entre la fotografía y la pintura,
entre el adentro y el afuera de esta imagen bidimensional,
entre el espacio interior, autorreferencial de la obra y el
espacio exterior en la que el público se mueve.

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exposiciones

Helena Almeida, Pintura habitada, 1975

La segunda parada exterior la conforma un escaparate

de grandes dimensiones ocupado para la ocasión por
Lista de costos de 2013, un trabajo de Inmaculada Salinas,
formado por un políptico de 99 cartulinas compuesto por
fotografías y texto en el que se entremezclan los tópicos
machistas vinculados a las mujeres como cuidadoras
del hogar y amantes amantísimas. En muchas de estas
fotografías recopiladas por la artista a lo largo de los
años, tanto en prensa como en revistas, los rostros de
las mujeres están borrados porque permanecen en la
invisibilidad, en el anonimato de un trabajo como es el
del cuidado de los hijos, marido o padres, ni compartido,
ni valorado, ni remunerado.

Contigua al escaparate se halla la entrada a la galería

que para esta reapertura ha seleccionado seis obras
de la artista croata Sanja Ivekovic, la primera artista
feminista y activista de la Europa del Este formada bajo

18
 exposiciones

la influencia combativa de la obra aquello que podemos ver

primavera de Praga, tras la cual, es el nombre y el rostro de 38
se iniciaron nuevas modalidades mujeres vinculadas al arte como
de expresión artística conocidas las teóricas Marisa Giuffra, Lea
como Nova Umjetnicka Praksa y Vergine y Lynda Morris, la artista
que rompieron con los moldes Ulrike Rosenbach o la coreógrafa
establecidos por el comunismo. Ivonne Rainer. A su lado Sanja
De la misma generación que Ivekovic dibujó los retratos de
la serbia Marina Abramovic sus equivalentes yugoslavas, en
(Belgrado, 1946), a diferencia de este caso muchas menos, sólo 21,
esta, Sanja Ivekovic se posicionará donde interpretó la artista los
feminista y sus obras serán un perfiles de las retratadas, pero en
manifiesto contra la política este caso sin nombre, mujeres que
patriarcal que en tiempos de la eran invisibles porque en su país,
dictadura comunista del general la antigua Yugoslavia, todavía
Tito, invisibilizó el papel de permanecían en los márgenes,
las mujeres en la lucha contra careciendo de nombre y por lo
los nazis y contra la política tanto de una entidad e identidad
capitalista que consume el cuerpo reconocibles bajo la unificación
de las mujeres. comunista.

La fotografía doble Women in

art – Women in Yugoslavian
Art de 1975 que muestra una
página de la revista Flash Art que
acompañaba a un artículo sobre
mujeres en el arte, nos dará la
clave para entender el trabajo de
esta artista. Estamos en la década
de los setenta, y con ella empieza
el resurgir del arte feminista de
segunda ola contra la cosificación
y la objetualización del cuerpo
de las mujeres bajo la premisa
de lo personal es político. En esta Sanja Ivekovic, Women in Art – Women in
Yugoslavian art, 1975

19
exposiciones

Junto a esta primera fotografía doble, y siguiendo el tema

de la invisibilización de las mujeres, encontramos una serie
de seis retratos de modelos extraídos de diversas revistas de
moda, acompañadas por el nombre de seis mujeres croatas
condenadas por actividades antifascistas. Esta serie de seis
fotografías titulada Gen XX, realizada entre 1997 y 2001
interpela a la espectadora y al espectador, al mostrar unas
imágenes reconocidas de modelos publicitarias acompañadas
por nombres de mujeres desconocidas. Ella son: las hermanas
Bakovic, Nera Safaric, Nada Dímic, Ljubica Gerovac, Dragica
Kontar y Anka Butorac. A simple vista son mujeres desconocidas
porque la historia ha sido escrita desde el punto de vista
patriarcal, pero todas ellas fueron mujeres que lucharon
contra el nazismo tras la invasión de su país en 1941, cuando
Yugoslavia, creada en 1918, desaparece como estado después
de la ocupación alemana. Todas se suicidaron o fueron
ejecutadas por actividades antifascistas, menos la madre de la
artista, Nera Safaric, la única fotografía que se corresponde con
su nombre, quien fue arrestada en 1942, con tan solo 23 años,
deportada al campo de concentración de Auschwitz y liberada
dos años después. Los nombres de todas estas mujeres han
pasado al olvido, también lo ha sido el de su madre y es que los
movimientos de insurrección o los movimientos armados y no
armados contra el poder impuesto, se aprovecharon del trabajo
de las mujeres y de sus estereotipos consolidados, mudando
los límites existentes entre la esfera pública y la privada, pues,
además de formar parte de la resistencia civil, ayudaron a los
prisioneros como si de sus padres, maridos, amantes o hijos se
tratara, transformaron sus casas en lugares de reunión y sus
idas al mercado se convirtieron en momentos para la agitación
política. La derrota del fascismo y del nacionalsocialismo no

20
 exposiciones

supuso el reconocimiento de la
labor de las mujeres partisanas
o no en la lucha a favor de la
resistencia armada, porque de las
mujeres, aquello que se esperó al
terminar la II Guerra Mundial fue
que regresaran al hogar y que
restablecieran de hijos a la patria
menguada. Un ejemplo de no
reconocimiento ha sido la madre
de la artista que durante más
de cuarenta años luchó sin éxito
para que el estado reconociera y
la recompensara por su lucha en
la resistencia y por las torturas
físicas y psicológicas sufridas
en Auschwitz. Y un ejemplo de
combatividad y de resistencia en
el que Sanja Ivekovic nos ayuda a
superar los clichés patriarcales de
Sanja Ivekovic, Gen XX – Nera Safaric, 1997-
héroes activos y víctimas pasivas. 2001

La segunda sala acoge tres

obras más de esta artista croata.
Recenica (Una frase), del año
1979 sigue la línea de la obra
de la estadounidense Hannah
Wilke. En ella podemos ver
diferentes poses realizadas por
la artista, mostradas a través
de 29 pequeñas fotografías. La
frase que encabeza cada imagen
está extraída de un periódico
yugoslavo de la época, la cual

21
exposiciones

dice: “La insistencia actual en la necesidad de incrementar

la disciplina y la responsabilidad, nos demuestra que
aún existe un comportamiento que no está acorde con
nuestros objetivos”. La frase farragosa anclada en un
significado patriarcal contrasta con las poses sencillas e
ingenuas de Sanja Ivekovic, con una intención clara de
criticar esas poses estereotipadas, que se asemejan a un
muestrario publicitario y en las que el cuerpo de la artista
se convierte en un cuerpo crítico con la sociedad patriarcal
que lo humilla, lo controla y lo convierte en simple objeto
sexual. La intención de Sanja Ivekovic es clara: criticar la
equiparación de la mujer en una mercancía, en un cuerpo
cosificado, convertida en moneda de cambio tanto en una
sociedad capitalista como en una sociedad socialista.

Eve´s Game (El juego de Eva) del año 2012, es la pieza

más moderna que se exhibe en esta muestra, la cual
ironiza sobre la fotografía que el 18 de octubre de 1963
un Marcel Duchamp ya entrado en años protagonizó al ser
retratado vestido y jugando al ajedrez, por Julian Wesser,
junto a la modelo desnuda Eva Babitz. Casi cincuenta años
después, la misma escena se repite pero en este caso es
la artista quien se autorretrata vestida, ocupando el lugar
de Marcel Duchamp mientras que el lugar de la modelo
Eve Babitz es ocupado por un desnudo Enrico Lunghi, el
director del MUVAM de Luxemburgo. Sanja Ivekovic titula
la fotografía El juego de Eva, concediéndole por otra
parte el protagonismo de la misma a la modelo, pues la
objetualización y cosificación al que estuvo sometido su
cuerpo en la fotografía acompañando a Marcel Duchamp,
hizo que ni siquiera el rostro de la modelo, fuera
importante. Simplemente fue un objeto de consumo para
la mirada masculina, donde Marcel Duchamp era el artista
importante y la partida de ajedrez, una mera excusa. En
definitiva reivindicar el cuerpo femenino libre de la mirada

22
 exposiciones

masculina opresora. Acompaña a la fotografía un archivo

de audio donde se escucha a Eve Babitz conversando
con Paul Karltrom sobre la experiencia duchampiana en
una grabación sonora realizada en el año 2000 para los
Archivos de Arte Americano de la Smithsonian Institution.

Sanja Ivekovic junto a su obra Eve´s game (El juego de Eva), 2012. Fotografía
de Tania Castro.

Invisible women of solidarity, 6 from 20 millions (Mujeres

invisibles del sindicato de Solidaridad, 6 de 20 millones),
es una serie de seis fotografías en las que podemos ver
el rostro, apenas definido de seis mujeres polacas que
trabajaron en el sindicato Solidaridad “Solidarnósci”, el
primer sindicato independiente del bloque soviético, un
sindicato de raíces católicas fundado en 1980, dirigido
por Lech Walesa, constituido en contra del Gobierno
de la República Popular de Polonia y apoyado por los
gobiernos conservadores de Ronald Reagan y de Margaret
Thatcher. Ellas son: Anna Bikont, Krystina Starcewska, Ewa
Kulik-Bielinska, Aldona Klimczak, Krystyna Bratkowska
y Magdalena Tulli. Durante los sombríos años de la Ley

23
exposiciones

Marcial, entre el 13 de diciembre mujeres (Gafas de Sol) 2002-2004.

de 1981 y el 22 de julio de 1983, Al igual que en la fotografías
los movimientos opositores que conforman la serie Gen, el
al régimen socialista como rostro de modelos publicitarias
el sindicato de Solidaridad, con gafas de sol de marcas
fueron prohibidos y sus conocidas, sirve para hablarnos
líderes encarcelados. Mientras de la violencia de género. Una
el sindicato de Solidaridad vez más los rostros son conocidos
permaneció en la clandestinidad, pero los relatos y las historias de
las mujeres fueron las que idearon violencia de género, permanecen
las estrategias de supervivencia, en la invisibilidad, frente a una
el único medio para el cambio realidad considerada por el I
y la transformación social que Informe mundial realizado por la
les quedaba a través del cual Organización Mundial de la Salud
mantener su compromiso (OMN), un problema de salud
político. En 1983, a Lech Walęsa global que tiene proporciones
le fue otorgado el premio Nobel epidémicas1. La violencia
de la Paz y en 1990 fue elegido sufrida por Mercedes, Magda,
el primer presidente democrático Verónica, Aguieszka, Mihaela,
de Polonia. Ninguna de estas Marica, Sonia, Firuze, Kristina y
mujeres ocuparon puestos de Yasemin, está sustentada por la
responsabilidad dentro del ideología patriarcal que trata a
gobierno democrático de Lech las mujeres como botines a los
Walesa y tampoco dentro del que hay que explotar tanto en
sindicato Solidaridad. A pesar de tiempos de conflicto armado
que al patriarcado le interesa el como en tiempos de paz. Las
género femenino en beneficio nacionalidades de Mihaela y
propio, todas ellas han sido Kristina, ambas croatas, fueron
borradas de la memoria colectiva, el motivo para que sus esposos
de ahí su invisibilidad. musulmanes las violaran.
Verónica tuvo que soportar que
La tercera y última sala, clausura su marido argelino pegara a su
el recorrido. En ella podemos hija, Aguieszka tuvo una hija sin
ver 10 de las 16 fotografías que extremidades, algo que el médico
conforman la serie Women´s nunca le dijo. A Firuze su marido
House (Sunglasses) Hogar para la obligaba a llevar el pelo corto.

24
 exposiciones

Yasemin fue insistentemente golpeada por su padre.

Magda, después de numerosos embarazos tuvo que
abortar de manera clandestina con la ayuda económica
de sus amigas. Mercedes sufrió la violencia de su
marido italiano. Sonia tuvo que soportar los celos de
su marido que la confinaron en el hogar, mientras que
Marica tuvo que soportar que el primer día de casados,
su marido la obligara a convivir con otra mujer bajo la
amenaza de matarla si protestaba. Cuando la guerra
empezó se hizo mucho más violento porque él era
serbio y Marica croata.

Sanja Ivekovic, Womens´s House (Sunglasses) – Hogar para mujeres,

gafas de sol, 2002-2004

25
exposiciones

La adición de la palabra femenino. Cada artista proviene

feminicidio al diccionario de un contexto y de una
feminista hizo posible que nacionalidad diferente, pero en
muchas mujeres reconocieran sus obras, prima la voluntad de
el gran número de asesinatos visibilizar aquello que todavía
y violaciones misóginas que permanece cubierto por una
ocurrían en esta región del cortina espesa de humo de tinte
mundo y que formaban parte patriarcal: la violencia hacia las
de la estrategia de guerra mujeres, además de reivindicar
llevada a cabo por los serbios el cuerpo femenino y libre de
tras ocupar Croacia y Bosnia- la mirada masculina opresora,
Herzegovina2 . Estas violaciones desde diferentes perspectivas.
masivas y sistemáticas auspiciadas
por una ideología genocida
de “depuración étnica”, Sanja Ivekovic/Inmaculada
constituyeron un crimen contra Salinas/Helena Almeida, Mujeres
la humanidad, en una guerra invisibles y resistencia, Galería
de nacionalidades, creencias y Espaivisor, Calle Carrasquer 2,
religiones en la que las mujeres Valencia. Del 29 de junio al 6 de
fueron usadas como botines de septiembre 2013.
guerra a las que explotar.

A través de este recorrido Notas:

comisariado por Mira Bernabeu,
director de la galería junto 1 h t t p : / / w w w. 2 0 m i n u t o s. e s /
a Miriam Lozano, y por la noticia/1850012/0/violencia-mujeres/
propia artista Sanja Ivekovic, epidemia/oms/
se pretenden mostrar unas
imágenes que nos acercan a 24-6-2013
un compromiso en el que la 2 Russell, Diana E. H: “Introducción: las
resistencia y la combatividad van políticas del feminicidio”, Feminicidio: una
al unísono con la intención de perspectiva global, Centro de Investigaciones
revisar conceptos y jerarquías Interdisciplinarias en Ciencias y Humanidades,
establecidas por el patriarcado Universidad Nacional Autónoma de México,
para representar el género México, p. 67-69.

26
 exposiciones

DESNUDOS en blanco y negro (PHE13)

Frantisek Drtikol, st, 1925

Redacción M

Desde Grecia, el desnudo ha sido un

género privilegiado en la historia
del arte occidental. Partiendo de la
distinción que ya estableció en los
años setenta John Berger en Modos
de ver sobre desnudos y desnudez,
en PhotoEspaña se presentan
varias exposiciones que abordan
transformaciones de este género a
lo largo del siglo XX.

27
exposiciones

Comenzando con fotógrafos

norte y centro europeos poco
conocidos en nuestro país, con
la exposición del fotógrafo
checo František Drtikol (1883-
1961) se refleja el cambio desde
el pictorialismo a la fotografía
moderna bajo perspectivas
simbolistas y vanguardistas
durante la década de los años
veinte del siglo pasado. A pesar
de la vigencia en aquella época
del modelo tradicional del objeto
del desnudo bello femenino
desde y para una mirada
masculina, la sorprendente y muy
original modernidad de Drtikol,
que utilizaba como modelos
Zbigniew Dlubak, serie Gesticulaciones,
de sus fotografías a bailarinas 1970-1978. Archeology of Photography
–su mujer tenía un estudio de Foundation
danza– y gimnastas, muestra a
la mujer moderna libre en sus El fotógrafo, pintor, teórico
movimientos, en composiciones y editor polaco Zbigniew
rotundas, y liberada de las Dlubak (1921-2005) comenzó
constricciones de sumisión a hacer fotografías en 1947. A
dictadas por la tradición. pesar de que en la historia de
la fotografía no se le asocie al
Drtikol se interesó por este género del desnudo femenino,
género desde 1907 hasta Dlubak fotografió desde 1957
mediados de los años treinta, y durante décadas cuerpos
cuando abandona la fotografía completos y fragmentos de
para dedicarse a la meditación, al mujeres desnudas que, sin
estudio de las ciencias espirituales embargo, quedaron en un
y a la traducción de textos segundo plano respecto a
relacionados con el budismo. sus investigaciones formales

28
 exposiciones

y vanguardistas en seriaciones la entonces incipiente conciencia

y modos de entender el medio de género, Dlubak no fue ajeno al
fotográfico y su exhibición, feminismo, conoció y colaboró con
por ejemplo, en instalaciones Natalia LL, quien mantenía contactos
de im ágenes sueltas e n gran con círculos feministas y divulgaba
formato, sueltas de su enmarcado sus actividades en Polonia.
bidimensional y fijación en el plano
de la pared.

En las series Gestos e Iconosferas, a

través de simetrías y repeticiones,
desplaza el elemento erótico. El
cuerpo de la mujer –su primera
modelo fue su esposa– se muestra
como mera materia sobre la que el
fotógrafo construye y deconstruye
esquemas geométricos. En sus
fotografías del cuerpo femenino
desnudo, el sujeto femenino está
ausente, como un “signo vacío”, Violeta Bubelyté, Desnudo 57, 1993. Cortesía
al que alude con frecuencia en sus Asociación de fotógrafos lituanos
escritos: “no me interesa ningún
tipo de estilización… Mi material Una perspectiva más actual presentan
son las formas, las ideas… y lo los Autorretratos de Violeta
utilizo para crear un signo vacío en Bubelyté (Lituania, 1956) realizados
el contexto real en el que vivo”. O durante veinte años, desde inicios
dicho de otra manera: “El proceso de los ochenta hasta 2001. Ya en
que da forma a una idea artística 1981 realiza un díptico de unas
es arte, porque en dicho proceso se piernas subiendo y posadas sobre
realiza la idea estructural del arte. una escalera, a modo de guiño
Durante este proceso el signo vacío duchampiano. Después, utilizando
se llena de significado”. elementos muy sencillos y cotidianos:
sábanas, cartones, espejos despliega
Aunque sea complejo desprender una poética del doble que linda
de sus obras una huella precisa de con la estética de la inmaterialidad.

29
exposiciones

En retratos y autorretratos, el uso de largas exposiciones que

crean poéticos y nebulosos retratos, las figuras que se duplican
o triplican y un tratamiento de la luz que en ocasiones resulta
hiperrealista y en otras desdibuja el cuerpo son algunas de las
variaciones que utiliza Bubelyté para transformar su cuerpo en
un lugar de reflexión sobre la identidad y la soledad.

A pesar de que, a diferencia de otras artistas de su generación,

la fotógrafa no reclama en su obra la emancipación femenina
ni reflexiona sobre la sexualidad, a raíz de su exposición de
1989 con una selección de sus autorretratos introspectivos fue
tachada de inmoral, en una época en la que la represión política
todavía afectaba a la práctica artística.

En las últimas fotografías, de comienzos de 2000, Bubelyté sigue

autorretratándose desdoblada, increpándose o bien dándose la
espalda.

Edward Weston, 1936. Colección Center of Creative Photography, University of

Arizona © 1981 Arizona Board of Regents

30
 exposiciones

Y decididamente, en otra
clave se hallan los diálogos Frantisek Drtikol. Desnudos
entre Edward Weston y Harry modernistas, 1923-1929, Sala de
Callahan, dos maestros Calcografía Nacional en la Real
estadounidenses de quienes se Academia de Bellas Artes de San
ha realizado una selección de Fernando, Madrid. Del 6 de junio al
retratos de intimidad de sus 28 de julio de 2013.
mujeres y amantes bajo el título
“Él, ella, ello”. A pesar de las Zbigniew Dlubak. Estructuras del
declaraciones de su comisaria cuerpo, Sala Juana Mordó, Círculo
Laura González Flores, que de Bellas Artes, Madrid. Del 4 de
alega que las relaciones afectivas junio al 28 de julio de 2013.
entre fotógrafo y modelo
salvaguardan estas series de Violeta Bubelyté. Autorretratos,
los tópicos de la fotografía Museo Nacional del Romanticismo,
erótica, al servicio de la mirada Madrid. Del 4 de junio al 15 de
masculina, esta muestra no septiembre de 2013.
puede se r má s e xplícita a l
respecto, al evidenciar una doble Él, ella, ello. Diálogos entre Edward
sumisión: como sus mujeres Weston y Harry Callahan, Círculo de
y sus modelos. Bellas Artes, Madrid. Del 4 de junio
al 28 de julio de 2013.
Disponibilidad y pasividad
que, además, se enfatiza en
composiciones que acentúan la
asimilación de estas mujeres a
la pura Naturaleza, alternando
desnudos y frutos, en el caso de
Weston; y desnudos y paisajes
vírgenes, en el caso de Callahan.
Así como la magnificación en
el montaje de nimias imágenes
en pequeño formato, como un
síntoma más de la mistificación
del genio masculino.

31
exposiciones

junto con el autorretrato marcan

Laura Torrado una línea continua en su obra.
Escenografías de lo cotidiano,
lo natural y lo oscuro de la
cotidianeidad.

Laura Torrado, You, 2009 © Laura Torrado,

VEGAP. Madrid, 2013

Julia Francisco

La oscuridad natural de las cosas

es el título que da nombre a Laura Torrado, Hamman V, 1995 © Laura
la retrospectiva de la artista Torrado, VEGAP. Madrid, 2013
madrileña Laura Torrado (1967).
Comisariada por Mariano En la exposición se pueden
Navarro, la exposición hace un ver fragmentos de varias de
recorrido por casi veinte años de sus series fotográficas, como
la trayectoria artística de Torrado, Hammams, The Insides, Pequeñas
fotografía, video, dibujo, historias bucólicas, las magníficas
instalaciones. fotografías de la serie Erased
Portraits o las más recientes
La obra de Laura Torrado en Vida Suspendida (still life) donde
conjunto tiene como constante la autora cambia su discurso y
una poética mística y sobria. Sus del retrato o el autorretrato
imágenes fijas, exaltan el cuerpo experimenta con naturalezas
de la mujer, del hombre, la mística muertas donde las flores, el
de la amistad, de la familia, de pelo o las máscaras adquieren
lo cotidiano sublimada, que importancia en sus imágenes.

32
 exposiciones

La imagen fija en la obra de Laura Torrado es mucho más poderosa

e impactante que sus obras en video, de hecho aquellos videos en
los que apenas existe el movimiento tienen una carga visual de
mayor potencia que aquellos en los que el movimiento tiene una
mayor relevancia.

De sus obras en video, destacar la espectacular Jardin Féerique

(2009) o la Llorona (2008), obras en las que su discurso introspectivo
mantiene la línea estética que define su lenguaje, introspección,
retrato, cromatismo, misticismo.

El cuerpo, el rostro, las manos, todos objetos de contemplación,

inmersos en escenas cotidianas que Torrado sabe bien sublimar.
No es de extrañar que introduzca elementos de la danza
contemporánea para continuar con un discurso en el que, creo no
equivocarme, la artista intenta llevar al espectador más a allá de la
propia imagen visual e introducirlo en su propia introspección.

Laura Torrado, Si te quise V – If I Loved You V, 1995 © Laura Torrado, VEGAP. Madrid, 2013

Laura Torrado, La oscuridad natural de las cosas, Sala Canal de Isabel

II, Calle Santa Engracia 125, Madrid. Hasta el 25 de agosto de 2013.

33
exposiciones

Fina Miralles

Susana Cendán

Resulta dificultoso encontrar información sobre

Fina Miralles (Sabadell, 1950) en la web, incluso
en determinados manuales de referencia en
los que se investigaba –aunque de manera muy
somera– el surgimiento de los conceptualismos
en España, su nombre se omite de un modo
que resulta incomprensible, a pesar de la
extraordinaria contundencia y belleza de las
acciones que desarrolló esta artista singular en los
años 70. Si en el presente la lucha por la visibilidad
de las mujeres en los centros de decisión artísticos
continúa siendo una reivindicación sin tregua que
se solapa con la maraña de concursos amañados
por lobbys –algunos de ellos perfectamente
legitimados– de distinto pelaje, una no puede
imaginarse lo que podía significar ser mujer y
artista en la España pre-democrática de finales
de los sesenta y principios de los setenta. Más aún
en el caso particular de Fina Miralles, militante
de un arte experimental que exploraba, no
tanto el complejo sistema de relaciones entre

34
 exposiciones

lo humano, la naturaleza y los los espacios artísticos –privados

objetos que la conforman, como e institucionales– así como una
el ser consciente de formar parte serie de actividades expositivas
de un todo en el que el arte que sentarán las bases de una
era –y es–, por encima de los emergente industria cultural.
intereses y ruidos del mercado, Simultáneamente, en Madrid,
una forma de vida. Acciones Barcelona y Valencia, surgen
como Mujer-árbol (1973), en la colectivos independientes que se
que una jovencísima Fina Miralles postulan como una alternativa
aparece literalmente enterrada al barullo institucional. Sus
en la tierra, en armónica propuestas servirán para
comunión artística y espiritual reinterpretar el contexto artístico
con la naturaleza, se nos antojan de manera crítica, fuera del taller
evocadoramente poéticas. o del estudio, en busca de una
libertad que representase una
Los años pasan y lo que para verdadera vinculación entre arte
muchos puede ser un runrún y vida.
nostálgico y obviamente
referenciado en las propuestas Entretanto, Fina Miralles
internacionales del Land o se dedica a observar la
el Povera de los sesenta, o transformación y la alienación
un revival –apostillan– demasiado de los objetos de la naturaleza
utópico en sus pretensiones, para en una serie de acciones
otros representa la posibilidad documentadas fotográficamente
de rememorar actitudes críticas (Paraules a l´arbre, 1975) en las
con situaciones políticamente que estos, sin ser manipulados
convulsas y con la emergencia estéticamente, ponen de
de un sistema, el del arte, en un manifiesto la dicotomía entre
momento clave de revitalización lo natural y lo artificial. Se trata
de las producciones culturales de acciones más centradas
en nuestro país. En la España de en lo experimental que en
entonces comienzan a proliferar cuestiones políticas, aunque

35
exposiciones

estas, aun abordándose de renovado basado en la

manera tangencial, no dejen rigurosidad de las propuestas,
de estar presentes, sobre en la internacionalización
todo la incomodidad con un de las mismas, y en un trato
sistema del arte alérgico a honesto y cercano con sus
cualquier tipo de estímulo en artistas –trabaja solo con
profundidad. En Testament Vital, ocho– que va más allá de
su autobiografía editada en lo comercial. Se trata de un
2008, la artista deja constancia proyecto largamente meditado
de las motivaciones que la llevan en el que prevalece la voluntad
a abandonar el mundo del arte curatorial y el conocimiento
profesional y a emprender un en profundidad, la convicción
retiro consciente y alejado de los de que es posible hacer las
circuitos artísticos. cosas de otra manera en claro
contraste con una inercia
Llegados a este punto muchos asentada en parte de nuestro
se preguntarán qué motivó ADN galerístico, según la cual,
el retorno de Fina Miralles al el dinero “todo” lo puede
mundo del arte, concretamente comprar.
a una galería comercial, puesto
que la exposición de la que Veinte años después de su
nos ocupamos no la produjo retiro un galerista es el artífice
una institución museística sino del regreso de Fina Miralles,
un espacio comercial de Vigo, aunque solo sea por un
la Galería PM8. La respuesta, instante… Y matizo esto último
como la obra de Fina Miralles, porque la exposición La unió
admite múltiples lecturas, para dels Oceans –el Mediterráneo
lo cual deberemos en primer y el Atlántico– debemos
lugar examinar de qué clase interpretarla, no como un
de galería estamos hablando. retorno, sino más bien como
Su director, Francisco Salas, la celebración del encuentro
emprende –en febrero de entre la artista y el galerista,
2011– un proyecto totalmente celebración a partir de la cual

36
 exposiciones

se articulan los contenidos de la misma. Si tuviésemos que

describir en una palabra la sensación que este encuentro
nos produce, esta quizá sea “autenticidad”, pues la
exposición de alguna manera nos devuelve a la artista de
gestos sencillos de los años 70: acariciando una piedra,
abrazando la calidez de una mano… Se trata, en definitiva,
de una serie de acciones breves, documentadas fotográfica
y video gráficamente, que conectan con aquellos trabajos
primigenios en los que el arte y la vida formaban parte
de un proyecto común que celebraba la grandeza de
las pequeñas/grandes cosas que no sabemos ver, y que la
exposición nos invita a descubrir.

La muestra se completa con una vitrina que, a modo de

archivo, contiene una serie de objetos que testimonian el
encuentro, así como un ejemplar de su obra autobiográfica.
En definitiva, un proyecto al que debemos aproximarnos
sigilosamente, casi de puntillas, si de verdad queremos
captar su esencia, y que pone de manifiesto que, en nuestro
tendencioso y superficial mundo, otra manera de hacer las
cosas, es posible.

Fina Miralles. La unió dels Oceans, galería PM8, Vigo. Del

23 de mayo al 08 de agosto de 2013.
www.pm8galeria.com

37
exposiciones

Julia Fullerton-Batten El comisario, Juan José Santos ha

organizado la exposición con dos
de las últimas series fotográficas
de Fullerton-Batten. Por un
lado, podemos ver la serie In
Beetween (2011), en la que la
fotógrafa expone imágenes de
medio-gran formato en color,
donde los espacios ocupados por
adolescentes levitando cobran
una importancia como metáforas
de transición entre el paso de la
adolescencia a la madurez.

Al mismo tiempo, esos lugares,

“habitables”, representan la
contradicción entre esa transición
y los lugares donde permanecemos
Julia Fullerton-Batten, Donna, 2012 el mayor tiempo de nuestras
vidas. A veces de paso, a veces
Julia Francisco transitorios, a veces permanentes,
en cualquier caso, ajenos a la
La galería Cámara Oscura, dentro condición humana de transito y de
del marco del festival PHotoEspaña cambio. Los lugares permanecen
2013 dedicado a Cuerpo. Eros mientras que los adolescentes
y políticas, expone la obra experimentan cambios que a veces
fotográfica de Julia Fullerton- no se corresponden con los lugares
Batten (1970, Alemania), fotógrafa que habitan.
de reconocido éxito internacional
y aquí conocida por su pasada En la serie, Unadorned (2012),
participación en la exposición inspiradas en las series de los
Heroínas, producida por el Museo grandes maestros de la pintura
Thyssen de Madrid. de los siglos XV al XVII, Fullerton-
Batten representa lo que para

38
 exposiciones

algunos no es belleza en la se mantengan unos principios

sociedad contemporánea, lo tan exigentes y restrictivos, en
bello y lo siniestro. Mujeres en su muchos casos perversos, donde la
mayoría obesas, captadas por la belleza, sobre todo la femenina,
cámara como símbolos de belleza pero también cada vez más la
anacrónicos. masculina, continúa delimitada a
los mandatos que en la mayoría de
Fullerton-Batten las convierte los casos imponen los diseñadores
en objetos dignos de ser de las marcas de alta costura, y
contemplados, bellezas de tiempos curiosamente casi todos estos
pasados ubicadas en espacios diseñadores son hombres.
relacionados con el arte, la cultura o
la moda. ¿Dónde se encuentran los
límites entre los cánones oficiales
de belleza y la introspección en
la belleza que cada mujer, cada
hombre posee independiente de
sus medidas físicas estándares?
De estética relacionada con
el mundo de la moda, no en
vano Fullerton-Batten trabaja
para Vogue, por lo que conoce
bien el lenguaje de la moda y
sus manipulaciones, invierte los
cánones oficiales de belleza, con
claras referencias a las musas
Julia Fullerton-Batten, Mirror, 2008
rubensianas.

No deja de ser un símbolo más del

Parece increíble, que
sometimiento del cuerpo de la
supuestamente en una sociedad
mujer a los atributos estándares,
donde lo diverso es la constante,
vulgares y en muchos casos feroces,
en cuanto a la belleza todavía
impuestos por el sometimiento

39
exposiciones

masculino de lo que debe ser una

mujer bella. El cuerpo se hace
político, instrumento mediático
del capitalismo caduco, pero
también Eros, porque muchas de
estas mujeres desprenden una
sensualidad innata.

Sin embargo, y a pesar de

este discurso tan interesante y
pertinente, las fotografías de
Fullerton-Batten no dejan de
parecerme una elaboración
esteticista que relaciono más con
el mundo de las revistas de moda
que con una estética que aporte
novedades al lenguaje artístico.
Aún reconociendo que el lenguaje
posmoderno del arte bebe de las
fuentes del cine, la moda y demás
espectáculos mediáticos.

Julia Fullerton-Batten. Unliving,

galería Cámara Oscura, Alameda
16, Madrid. Del 30 de mayo al 27
de julio y del 1 al 21 de septiembre
2013.

40
 exposiciones

Art al Quadrat En la I Mostra Fotogràfica de

Vila-real, agrupada bajo el título
en reflexiva. de Reflexiva, la cual finaliza
el próximo domingo día 14 de
Reflexionando sobre su
julio, vamos a poder ver parte
identidad
del proyecto artístico “Falsas
Gemelas” que el colectivo Art
al Quadrat, formado por las
gemelas Mònica y Gema del Rey
Jordà (València, 2 de agosto de
1982) empezaron a llevar a cabo
en el año 2009.

Su interesante proyecto, muy

pocas veces tematizado en el
arte contemporáneo y anclado
en un vacío iconográfico,
de ahí el doble mérito de su
trabajo, toca la sensibilidad
al hablarnos no solo de la
misoginia de la ciencia sino
también de la vulneración de los
derechos humanos de muchos
gemelos y gemelas que han
sufrido torturas, separaciones,
raptos y vejaciones a lo
largo de la historia. Un claro
ejemplo de ello son los robos
de bebés en tiempos de
pasados dictatoriales, un robo
justificado únicamente porque
Art al Quadrat. Brazalete de la Twin Visit,
2009-2012. Imagen cortesía de las artistas
eran dos los bebés nacidos,
y los experimentos dirigidos
Irene Ballester Buigues por Josef Mengele, que se
llevaron a cabo en gemelos en

41
exposiciones

el campo de concentración nazi de ida y vuelta (2009), es un reflejo

Auschwitz. Este médico que llegó a de su experiencia de separación
ser el principal investigador en este durante el momento en el que
campo de concentración polaco, Mónica estuvo en Viena durante
realizó experimentos sobre más de cuatro meses disfrutando de
1500 pares de gemelos presos, de una estancia doctoral, mientras
los cuales menos de 200 personas Gema se quedaba en Sagunto,
sobrevivieron tras los mismos. preparando nuevas exposiciones.
Un proyecto que además de
El colectivo Art al Quadrat se hablarnos de la importancia de la
corresponde a la suma de sus interconexión entre dos personas
componentes al cuadrado, pues gemelas, daba lugar a una
confiesan que unidas, producen correspondencia regular, la cual
más energía, de ahí que su seña de nos permitía además comparar las
identidad sea la siguiente: A2 = G2 diferentes costumbres entres dos
+ M2. En sus obras, su cuerpo es la sociedades tan diferentes como son
principal herramienta de trabajo la española y la austríaca.
y el vehículo de conocimiento
a través del cual narran sus
inquietudes, sus confusiones,
sus sensaciones más profundas
y sus sentimientos, encontrados
o no, ante un vínculo tan fuerte
y reafirmante como es el de ser
hermanas gemelas. De hecho,
cuando están juntas, consideran
que desprenden una mayor y mejor
energía transmitida a través de su
trabajo, pero en el momento de
estar separadas, la ocasión no es
desaprovechada pues el proyecto
audiovisual de videocartas titulado Art al Quadrat, DNA Test III (2209-2012).
A 2.143 km de distancia. Viaje de Imagen cortesía de las artistas

42
 exposiciones

En dicha exposición, además de el Department of Twin Research

parte de este proyecto audiovisual de Londres, las reafirmará en su
podemos ver la serie fotográfica proyecto, pero sobre todo en su
Test de ADN (2009-2012) formada conexión, la base de su trabajo, la
por cinco fotografías en las que cual a partir de ahora tendrá una
se documenta cómo las artistas justificación científica.
se someten a un test de ADN
que determinará un resultado
contrapuesto a lo que la ciencia, en
un principio, les había hecho creer:
que son hermanas monocigóticas
y no dicigóticas. De hecho, la
posibilidad de ser hermanas
monocigóticas, despertará en las
artistas la necesidad de someterse
a este test de ADN para confirmar
esta suposición. Siguiendo unos
parámetros artísticos en los que
se mezcla la ciencia con el arte,
semejantes a los utilizados por las
fotógrafas Hannah Wilke o por
Jo Spence, quienes documentaron
su enfermedad, Art al Quadrat Art al Quadrat, Game of Pairs (El juego de las
hace de los instrumentos médicos parejas), 2012. Imagen cortesía de las artistas
piezas artísticas mostradas a través
de un collage realizado con los Completa la exposición la obra
resultados de dichas pruebas Game of Pairs (El juego de las
de ADN. Durante el tiempo de parejas), una obra interactiva
espera de los resultados, llegarán donde los espectadores y las
a cuestionarse si este cambio espectadoras deben encontrar las
afectará en su relación personal. fichas idénticas que, en este caso,
El resultado, perfectamente se corresponden a una imagen
documentado y siguiendo la línea idéntica, como idénticas son ellas,
de investigación llevada a cabo por

43
exposiciones

imágenes todas ellas que forman parte de sus vidas desde

la infancia, y el tríptico fotográfico 83331-8333 (número
que se corresponde al número utilizado por el estudio
llevado a cabo en Inglaterra), formado por imágenes
lenticulares de las artistas superpuestas. El movimiento
de un lado a otro determinará un espacio en el que la
confusión será sinónimo de identidades compartidas,
misterios no aclarados y juegos de confusión a los que
nos son ajenas.

Art al Quadrat, 83331-83332, 2009-2012. Imágenes cortesía de las artistas

Art Al Quadrat, Falsas Gemelas, Festival Reflexiva, I

Mostra Fotogràfica de Vila-real, Espai Jove, Avd. Francia
25-27, Vila-real, Castelló. Hasta el 14 de julio de 2013.

44
Patricia Esquivias, MARCO, Vigo.
24 mayo 2013 - visión curatorial totalizadora.

1 septiembre 2013 Echamos de menos su vitalidad

y apreciamos –si cabe más aún
hoy– el riesgo que corrieron
sus dueños encajando una
diversidad de propuestas “vivas”
en unos pocos metros cuadrados.
DF fue el primer espacio
expositivo en acoger una
exposición de Patricia Esquivias
(Caracas, 1979) en Galicia.
Corría el año 2006 y la artista
nos sorprendía con una pieza
audiovisual, Folklore I, en la que
exploraba la idea de progreso en
nuestro país, interrelacionando
personajes y elementos
Patricia Esquivias, Imagen de Folklore III, aparentemente incongruentes
2009-2013 como el dictador Franco, Jesús
Gil, las producciones Lladró y
Susana Cendán la paella valenciana. Resultaba
fácil, en un primer vistazo,
We are the Dead , es el quedarse con lo “chistoso” de
categórico encabezamiento la pieza, o que te viniesen a la
que titula la página web de mente otros trabajos “chistosos”
la Galería DF de Santiago de que exploraron nuestra
Compostela. DF ya no existe, particular idiosincrasia, tipo
fue uno de los muchos espacios Brossa y su poema visual País (un
a los que esta crisis brutal se ha balón de fútbol coronado por
llevado por delante. A pesar una peineta); pensé también
de que DF no era una galería en determinadas iniciativas
cualquiera. En su corta existencia radiofónicas del estilo Nieves
apostó por un proyecto que Concostrina, una exitosa
iba más allá de lo comercial; un locutora de radio de voz áspera
proyecto orientado hacia una que narra la historia de manera

45
exposiciones

popular y anecdótica. A la periodista le va realmente bien

divulgando la historia como si se tratase de un conjunto de
ocurrencias gore e insustanciales (muchos de mis alumnos
desearían lo mismo) y Brossa, el cual reivindico aquí y
ahora, en otro tiempo y en otro lugar no muy distinto, sin
embargo, del que retrataba en sus piezas visuales: un país
en el que el fútbol sigue funcionando a modo de terapia y
cuyas políticas conservadoras aprovechan la menor ocasión
para coronarse peinetas. Si Patricia Esquivas –pensé– se
permite la licencia de establecer paralelismos entre las
pirámides aztecas y las viviendas gallegas, y no morir en
el intento, al menos consentirá que una historiadora
fascinada por sus imaginativos relatos, y consciente de
nuestras excentricidades como “país”, de rienda suelta a
su vocación de crítica “seria” frustrada.

Lo emocionante de la trayectoria de Patricia Esquivias que

se puede visitar en el MARCO no es tanto el hecho de que
figure la serie Folklore completa (que también) sino el
permitirnos compartir su excepcional visión de la historia,
construida no de grandes relatos, sino de otras historias
basadas en la tradición oral o en tradiciones inventadas
y reinterpretadas por la propia artista en una serie de
narraciones a medio camino entre lo antropológico, lo
memorístico y el humor. Ella misma reconoce que su obra
no se basa en una súper investigación, sino simplemente
en “demostrar que cualquiera, con cosas que rondan su
cabeza, incluso las superficiales, puede armar historias,
aunque éstas resulten fragmentadas y vagas”. Insiste la
autora en su deseo de no emular a aquellos artistas que
“son muy serios, parecen súper listos y basan su práctica
en profundas investigaciones”. Patricia Esquivias asume la
duda como parte de su personalidad y acepta compartirla
con el espectador.

46
 exposiciones

Puede que entonces no tenga imaginativo archivo interior. Creo

sentido la cita a Hobsbawm (un que aunque no hubiese viajado
historiador culto, serio y listo) el mundo se le habría “metido”
que titula la exposición Todas las igualmente dentro. Y esto es lo
tradiciones son inventadas, o su más extraordinario de su trabajo:
inclusión en los textos rotulados utilizar historias cotidianas,
de inicio de la misma. Supongo banales, azarosas, incluso falsas,
que resulta complejo legitimar para cuestionar la veracidad de
un proyecto en el que el moreno los canales oficiales de transmisión
de Julio Iglesias comparte de conocimiento, reivindicando la
protagonismo con el imperio ambigüedad de los mismos, en un
de Felipe II, pero puestos a ser juego actoral, narrativo y visual
folclóricos, seámoslo del todo, que sólo los buenos equilibristas
¿no? Además, creo que Patricia son capaces de mantener.
Esquivias defiende realmente bien
sus delirantes asociaciones en sus
conferencias narradas en vídeo, a
pesar del carácter “alternativo” e
intencionadamente absurdo de las
mismas.

Paradójicamente, la trayectoria
vital de esta artista “contadora de
historias” no es nada folclórica.
Más bien se caracteriza por un
currículum cosmopolita que le
ha permitido vivir en algunas
de las principales capitales del
m u n d o : Ve n e z u e l a , M é x i c o ,
Madrid, Nueva York, Londres, San Patricia Esquivias. Imagen de Folklore II, 2008
Francisco… una mirada amplia que
compatibiliza con la construcción Patricia Esquivias.
de pequeñas narrativas locales To d a s l a s t r a d i c i o n e s s o n
(Generalísimo/Castellana, 2011) inventadas, MARCO, Vigo. Del 24
que va almacenando en su de mayo al 1 de septiembre de
2013.

47
exposiciones

Individualismo y protesta
(Inéditos: People Have
the Power, LCE).
Carlos Jiménez

Luisa Espino forma parte de ese colectivo difuso y enérgico

de nuev@s comisari@s que ahora realizan en España su
oficio proponiendo visiones e interpretaciones del arte
contemporáneo más arriesgadas y comprometidas que
las que son habituales en la main stream, en la corriente
principal, de nuestra escena artística. El proyecto con
el que ganó este año la convocatoria del proyecto
curatorial Inéditos de la Casa Encendida de Madrid es una
prueba de la intensidad de ese riesgo y ese compromiso.
Se titula People Have the Power –un lema que más que
un lema es una desiderata, entresacado de una canción
de Patty Smith y Fred “Sonic” Smith de 1988– y ofrece una
lectura nada desdeñable de la clase de movilizaciones de
protesta que hoy sacuden a media Europa y la mismísima

48
 exposiciones

América, la madre de todas las

batallas. Lectura que tiene una
cierta perspectiva histórica, por
cuanto incorpora documentos
y referencias a la tradición de
protestas callejeras que en
Occidente se extiende desde las
movilizaciones en contra de la
Guerra de Vietnam hasta las muy
recientes del 15-M y el Occupy
Wall Street. Pero esta no es su
característica dominante, como si
lo son, en cambio, el énfasis en la
dimensión estética y en la disección
del esquema de funcionamiento
compartido esas movilizaciones: a c t o re s , m e d i o s d e d i f u s i ó n ,
escenarios y duraciones.

La estética se revela en la mirada

que la comisaria arroja sobre
esas movilizaciones, en la que la
atención y la valoración de sus
formas de mostrarse y expresarse
priman sobre la atención puesta
en los objetivos o en los propósitos
políticos de cada una de las
movilizaciones tomadas en cuenta.
Obviamente no puede hacerse
aquí un corte tajante entre formas
y objetivos como, en general, no
puede hacerse en el arte político,
ya se trate de la coronación de
Napoleón pintada por David o
de los retratos exaltantes de los
dueños del mundo hechos por

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exposiciones

Annie Leibovitz, para poner l o s r e g l a m e n t o s d e p o l i cí a

un par de ejemplos notables. impuestos por el gobierno
Pero es igualmente cierto que para dificultar o entorpecer el
el énfasis estético atempera derecho consuetudinario de
inevitablemente la beligerancia los ciudadanos a manifestarse
política de las obras o delante de la sede del
simplemente la equilibra parlamento. Ella se manifestó
trayendo a primer plano otra sola y después de pedir el
dimensión de las mismas. Hay permiso correspondiente por
que subrayar por lo demás cada una de las palabras de la
que el énfasis estético corre letra de una canción que Nicoline
parejo en esta exposición con la escribió con letras grandes en
reivindicación que su comisaria carteles que fue enseñando a
hace de la individualidad la cámara uno después de otro,
y específicamente de la hasta completar el texto de la
individualidad del artista. canción. La artista entonces
Por que esta e xposic ión e s como única manifestante. Como
también y de manera decisiva la activista Sharon Hayes, que se
un exposición de artistas. De sintió aislada en una cabalgada
artistas que se comprometen por la libertad porque ella
con las movilizaciones políticas quería a alguien.
sin que por eso se muestren
dispuestos a eclipsar su En la obra suya expuesta en esta
individualidad en el anonimato exposición, Oliver Ressler tiende
propio de las mismas. Y menos por el contrario a rebajar su
aún la autoría de lo que hacen autoría situándose detrás de la
en la práctica ese compromiso. cámara que graba las entrevistas
El ejemplo más extremo de que el artista austríaco ha
esta clase de salvaguarda de realizado de los ocupantes
la individualidad y la autoría de tres plazas emblemáticas:
lo pone en esta muestra el Wall Street, Puerta del Sol y
vídeo que documenta la acción Syntagma. Ressler pretende
realizada por la holandesa que ellos expliquen con sus
Nicoline van Harskamp en propias palabras el sentido de
Londres en protesta por esas ocupaciones. Pero como
bien sabemos la edición es tan

50
 exposiciones

expresiva que las declaraciones El abanico de actitudes y

a micrófono abierto y esa conductas individuales disímiles
determinación es muy difícil de en el contexto de las protestas
neutralizar. multitudinarias, exhibido en
esta notable exposición es un
Dos Jota y noaz actúan con signo de los tiempos: hoy nadie
la estrategia clásica de los parece dispuesto a renunciar a
grafiteros, que popularizan no su individualidad en el ejercicio
un nombre sino un seudónimo. de su derecho a manifestarse y
O más exactamente un tag, una protestar.
grafía del mismo. Y como ellos
también van por libre: pintan People Have The Power, La
donde quieren y lo que quieren Casa Encendida, Sala A. Ronda
sin someterse a ninguna de las Valencia 2, Madrid. Hasta el 8 de
exigencias o de las lógicas a las septiembre de 2013.
que se ciñen las manifestaciones,
aunque compartan con ellas una
voluntad semejante de protesta.
Al contrario de lo que hacen el
británico Ed Hall y el colectivo
español Todo por la praxis,
que articulan su trabajo con
organizaciones que promueven
las protestas. Hall se hizo famoso
diseñando las banderolas
utilizadas en sus movilizaciones
por el sindicato del que todavía
forma parte. Y Todo por la
praxis es un colectivo centrado
en “proyectos de resistencia
cultural”, que enseña en esta
ocasión dos muebles urbanos
diseñados para apoyar las
acciones y los piquetes de la
Plataforma Anti Desahucios.

51
entrevistas

Binomio arte urbano y mujer.

E n tre v i s ta a D ia n a P rie to
María José Magaña

Entrevista a una de las fundadoras de la Asociación

Madrid Street Art Project, Diana Prieto Martín.

El arte urbano está en boca de todos, se podría decir que está de

moda y que ha entrado por la puerta grande en los museos, como la
exposición en la Tate Gallery de Londres en el 2008; en las galerías,
por ejemplo la madrileña iam gallery; en las salas de exposiciones
institucionales, como la exposición Gráfika en el Instituto Cervantes
en el 2011; o en el mercado del arte, con obras tan cotizadas como
las realizadas desde el “anonimato” por Banksy.

Podemos hablar de muralismo urbano, graffiti, arte contestatario

y/o lúdico, instalaciones en el espacio público, etc. Pero lo que más
nos interesa destacar es que también a las mujeres les interesa
expresarse usando los espacios de la calle y que, si miramos
bien, podemos encontrar mensajes que tienen que ver con las
reivindicaciones y preocupaciones feministas.

Hasta ahora se hablaba del arte urbano, en general, como portador

de unos valores relacionados con lo masculino: la necesidad de
remarcar el ego, de delimitar el territorio, la exaltación de la
rivalidad y la competitividad en la ocupación de los espacios
emblemáticos, etc., pero estos son valores a desterrar o por lo
menos a poner en tela de juicio.

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 entrevistas

BR1, pintura en pared, Brooklyn, New York, abril de 2013

De ahí el interés de MAV por ahondar en este

tema. María José Magaña entrevista a una de las
fundadoras de la Asociación Diana Prieto Martín (http://
madridstreetartproject.com/).

MJM- ¿Consideras que el boom que está viviendo el arte

urbano es positivo? Y por otro lado, ¿crees que debe
entrar en los museos y en el mercado del arte? ¿Podría
llegar a perder parte de su esencia si pierde por el
camino la temporalidad y el carácter efímero?

DP- Creo que el sitio del arte urbano está en la calle,

en el espacio público, en lugares abandonados por
la sociedad, etc. Entendido como tal, el arte urbano
tiene un “disfrute” efímero, como la música o la poesía
urbana; por lo tanto, no puede estar alojado en los
museos, aunque por supuesto pueden existir actividades
relacionadas con el arte urbano, o incluso exposiciones
relacionadas con el arte urbano o con obras de artistas
que trabajan en la calle. ¿Y por qué no? No hay nada
negativo en el boom del arte urbano, más al contrario

53
entrevistas

darlo a conocer es positivo, y ayuda a difundir su valor, a apoyar

a sus creadores a quienes les otorga reconocimiento y recursos;
además, propicia más creación, nuevos proyectos, debates,
encuentros, reflexiones, etc. De todas formas, estas son las tareas
que para mí debería tener un museo, o por lo menos un centro de
arte contemporáneo.

Desde luego que es positivo aunque no fundamental, el arte y el

arte urbano existirán con o sin museos, estos pueden facilitar y
ayudar en muchos aspectos, pero no determinan su existencia, ni
siquiera su valor.

Personalmente, si el arte urbano entra o deja de entrar en el

mercado del arte es algo que no me preocupa demasiado. Primero
porque no sé muy bien qué significados puede entrañar la entrada
en el mercado; es decir, ¿qué es lo que entra? ¿Qué es lo que se
comercializa, un trozo de muro? Si es así, estoy en desacuerdo,
puesto que creo que la naturaleza del arte urbano, su razón de ser,
es la calle, el espacio público; desde luego, no es estar en una sala
de exposiciones, en un museo o en la casa de un coleccionista. Si
nos referimos a la documentación o incluso restos matéricos que
puede generar una intervención en el espacio público, me parece
similar a otro tipo de manifestaciones artísticas de carácter efímero
como una performance o una instalación site specific, con la que se
comercia. Y si nos referimos a obras que realizan artistas urbanos
para mostrar en una exposición, creo que esto no es arte urbano,
sino obras creadas por artistas que normalmente desarrollan su
trabajo en la calle, pero que además tienen otra faceta artística,
digamos indoor, lo cual me parece perfecto. No soy partidaria ni de
la demonización ni de la adoración del mercado del arte, mientras
el trabajo de un artista sea honesto y no se adultere debido a las
reglas de este mercado, cualquiera de las opciones me parece
correcta.

54
 entrevistas

Pintura de Sixeart “La muerte del graffiti”, en una sala de exposiciones, 2011

MJM- ¿Por qué y para qué montar una asociación que

defienda el arte urbano? ¿Para contribuir a su difusión o con
un objetivo educacional?

DP- Madrid Street Art Project es una asociación que pretende

la difusión, el apoyo y la puesta en valor del arte urbano
partiendo de la escena de la ciudad de Madrid. Todo esto
surge del encuentro de dos personas, amantes del arte y
en especial del arte urbano, que no somos creadores, pero
que aportando nuestros conocimientos y experiencias –en
la docencia, en la documentación fotográfica, en la gestión
cultural, en la comunicación, etc.– queremos contribuir al
mejor conocimiento del arte urbano, a su dinamización, a
que sucedan más cosas en torno a él y a que sus creadores
reciban más propuestas y sean mejor valorados.

Por otro lado, creemos que el arte urbano contribuye a

pensar en otros valores de la sociedad, así como a propiciar
la reflexión intrínseca acerca del espacio público, de lo que
es y de lo que está ocurriendo con él. Es por lo que nosotros,
desde nuestra asociación, queremos ser un revulsivo para
provocar la reflexión sobre el uso y abuso del espacio
público.

55
entrevistas

También nos parece fundamental el binomio arte urbano y

adolescencia. Los adolescentes, los chavales, los jóvenes, que
en tantas ocasiones son tachados por la sociedad como ociosos,
frustrados o apáticos, para nosotros no es un punto de partida
válido, y sobre todo es susceptible de cambiarse. Para ello, los Safaris
Urbanos y los Talleres nos parecen una herramienta muy adecuada
como planteamiento de trabajo colectivo. Es impresionante la
motivación que el arte urbano puede provocarles y lo que les
estimula para realizar sus propias creaciones artísticas, ayudándoles
a cuestionarse lo que les rodea y a expresar sus preocupaciones y
sentimientos. Es necesario mostrarles que la cultura y el arte son
algo más que el Museo del Prado y Velázquez, que los artistas
pueden ser personas de su entorno, como ellos, mujeres y hombres,
de diferentes capas sociales y que tienen inquietudes y salen a la
calle a expresarse de una manera artística. Los jóvenes nos interesan
especialmente, pues hemos comprobado que funciona como
metodología para su desarrollo personal como futuros adultos.

MJM- ¿Habéis tenido alguna referencia o seguido algún modelo

previo para llevar a cabo este proyecto?

DP- No hemos seguido ningún modelo concreto, aunque estuvimos

muchos meses pensando e ideando qué queríamos ser, qué forma
dar a nuestras inquietudes, y también por dónde empezar y cómo
plantearnos el futuro próximo. Vimos que en España no había nada
parecido a lo que queríamos, por lo que tuvimos que empezar casi
desde cero, aunque mi compañero en el proyecto, Guillermo de
la Madrid, ya contaba con un blog (www.escritoenlapared.com)
en el que, de una forma personal, documentaba el arte urbano
de Madrid, uno de los blogs más reconocidos e interesantes del
“mundillo”. También debo decir que en ciertos aspectos tomamos
como referencia: Street Art London y Graffitimundo, proyectos
relacionados con el arte urbano, ubicados en Londres y Buenos
Aires.

56
 entrevistas

En Barcelona también existen algunos proyectos que trabajan con

el arte urbano, pero no se ajustaban a lo que nosotros queríamos,
a nuestro modo de ver las cosas, a nuestros objetivos y propósitos.

MJM- ¿Cómo elegís los itinerarios –Safaris Urbanos– que trazáis

por la ciudad para “atisbar” y desvelar el arte que se encuentra en
las calles?
DP- Lo más importante es pasar mucho tiempo recorriendo y
mirando las calles de Madrid. Después de esto, tenemos en cuenta
dónde están las mayores concentraciones de intervenciones
artísticas en el espacio urbano, que se encuentran en su mayor
parte en el centro, y acotando un poco más, sobre todo en los
barrios, y alrededores, de Malasaña y Lavapiés. Y por último,
volvemos a recorrer la calle, teniendo en cuenta los aspectos más
pragmáticos, como: la duración del paseo a pie, que no debe
sobrepasar la hora y media; la diversidad de usos de lenguajes en
las intervenciones que se vayan a visitar, y en relación a los artistas,
las técnicas y los materiales que emplean; la ubicación accesible
de las obras; el posicionamiento del artista, los significados
conceptuales, sus contenidos, la temporalidad o fragilidad de las
obras; y sobre todo, lo que permita apreciar la diversidad de este
tipo de expresión, y que además nos de pie a que surjan todo tipo
de temas, debates y reflexiones, ya que los Safaris están pensados
como formatos para la comunicación y el diálogo.

MJM- ¿Y qué hay de Madrid-Río y los barrios como Carabanchel,

Tetuán, etc.?

DP- Los murales de Madrid Río están muy bien, pero sucede algo
parecido con los barrios, hay cosas interesantes pero demasiado
aisladas como para hacer un paseo a pie. Por otro lado hay espacios
de especial concentración, como el Campo de La Cebada, el Patio
Maravillas, Esto es una plaza, La Tabacalera, etc., que tenemos
en cuenta como punto de encuentro en todas nuestras rutas,

57
entrevistas

donde se pueden ver grandes murales, que es algo excepcional

en Madrid. Hay que tener en cuenta que el arte urbano es muy
perseguido por parte de las autoridades, y debido a ello, suelen ser
intervenciones que se puedan realizar con cierta rapidez, discretas
y de pequeño tamaño. Así, en estos espacios autogestionados
u ocupados, los artistas pueden realizar intervenciones con más
calma y tranquilidad, que se convierten en numerosas ocasiones
en lugares de encuentro de los artistas residentes en la ciudad con
artistas “en tránsito” por Madrid y otras personas relacionadas con
el arte urbano y el activismo. Y en este sentido cabe mencionar la
iniciativa de La oficina de gestión de muros de la que se encarga
Milagros.

Bastardilla, artista colombiana con intervenciones en Madrid.

Pintura en la fachada del Local B de La Karakola, 2010. Lo que en principio había

interpretado como una acción en el interior del local, acabó quedándose fuera.

MJM- ¿Nos puedes comentar otro tipo de actividades que realicéis

desde la asociación?

DP- Sí, está claro que los Safaris Urbanos son nuestro “plato estrella”
y la actividad con la que hemos comenzado, pero también estamos
organizando charlas y talleres con artistas urbanos, para adultos y

58
 entrevistas

para adolescentes, con un contenido teórico y práctico al mismo

tiempo, de reflexión y de acción, en espacios gestionados por
nuestra cuenta o en centros educativos. Cada actividad está
pensada y organizada a la medida de las personas que la van a
experimentar, lo que se denomina trabajo personalizado.

Otro de los proyectos que tenemos en mente, es la recuperación

de espacios públicos, abandonados, en desuso o deteriorados,
para nuevos usos o para el disfrute e implicación de los
ciudadanos, a través del arte urbano.

Las tres personas que formamos MSAP al 100% somos bastante

perfeccionistas, no queremos dejar nada sin pensar y antes de
actuar nos planteamos muchas dudas e interrogantes. Queremos
tener en cuenta cada detalle, cada contexto, así como a todas las
personas implicadas en el “mundillo” y entorno del arte urbano.
Queremos ser respetuosos con las obras y con los artistas, y
todo ello hace que, en ocasiones, tengamos la impresión de
avanzar lentamente, y tener que superar numerosos obstáculos.
Además, todos tenemos nuestros trabajos aparte, por no hablar
de las ocupaciones familiares, por lo que nuestra dedicación a
MSAP es fuera del horario laboral, en nuestro tiempo libre, y sin
pretensiones económicas.

MJM- Y dado que llevamos un rato hablando sobre arte urbano,

creo que ya es hora de que nos comentes lo que para ti es el
arte urbano y si crees que conviene distinguirlo del mundo del
graffiti.

DP- Ufff… ¿La definición de arte urbano? No creo que la

tenga que dar, ni siquiera me parece realmente necesario,
ni relevante… ¿Por qué habría que clasificar y encasillar una
expresión cultural tan libre y espontánea? No, a mi no me
interesa, sí me interesa en cambio la reflexión y el pensamiento
alrededor del arte urbano y las cuestiones que lo conforman,

59
entrevistas

pero no la definición, la categorización, ni la creación de dogmas.

En este sentido, tampoco me parece importante decidir dónde
termina el graffiti y donde empieza el arte urbano, qué es una cosa
y qué es otra. Evidentemente ambas son expresiones en el espacio
público, que pueden tener desde un carácter territorial, pasando por
la reivindicación de causas e ideas, hasta la expresión artística más
estética o conceptual. Ambas conviven en la calle, a veces se quieren
y se respetan, otras se odian, a veces se mezclan, y en ocasiones no
tienen nada que ver. Creo que esto es lo realmente interesante.

Instalación del colectivo Lefthandrotation en una calle de Madrid.

MJM- ¿Piensas que el arte urbano tiene algo que aportar en estos
momentos? ¿Se puede hablar del arte urbano como generador de
unos valores determinados, que pueden estar vinculados con el
momento de crisis actual? ¿Es una respuesta o un modo de escape
a la frustración de los jóvenes? ¿Puede tacharse de rebeldía juvenil
contra el poder establecido?

DP- Siguiendo con mi idea de que el arte urbano es una forma de

expresión bastante libre y personal, creo que puede ser un medio

60
 entrevistas

y vehículo de expresión de todo lo que estamos viviendo y

sintiendo en estos momentos. Digamos que es un modo de
expresión menos controlado, a pesar de estar perseguido
por las autoridades, y por lo tanto, un espacio donde
expresar cuestiones que el “sistema” no quiere que sean
visibilizadas. Además, en mi opinión, el mero hecho de crear
en la calle es un claro posicionamiento de reivindicación del
espacio público como tal, es decir, como realmente público
y no controlado por las administraciones, o bien vendido
o alquilado a las marcas mediante las instalaciones de
publicidad.

Pero también te digo, que no creo que todo el arte urbano

tenga un componente reivindicativo explícito, pues es un
modo de expresión y creación que surge de la introspección
personal. Así que tampoco pienso que esté ligado
exclusivamente ni a la cultura juvenil –aunque claro, hoy en
día, ¿Hasta cuándo dura la juventud, hasta los 40, los 50…?–
ni a la rebeldía anti-sistema. El arte urbano puede ser eso,
pero va mucho más allá de esos límites o encasillamientos.

Por otro lado, por supuesto que hay artistas con un trabajo
directamente crítico o de lucha como el de DosJotas por
ejemplo, o si las podemos incluir en esto del street art, me
encantaría nombrar a G.I.L.A. siempre tan combativas,
activistas y sobre todo, en femenino.

MJM- ¿Cómo percibes que el ciudadano de a pie entiende

el arte urbano? Según tu experiencia, ¿cómo reacciona
la gente de la calle y los vecinos? ¿Los únicos interesados
son los que acuden a los Safaris o los propios artistas? ¿Y
los turistas? ¿Cómo reaccionan las instituciones y el poder
público? ¿Y qué hay de los artistas que no practican arte en
la calle?

61
entrevistas

DP- También la manera en que se recibe y se percibe el arte

urbano es muy heterogénea. Nuestra experiencia con los Safaris
es increíblemente positiva. En un grupo de quince personas, de
una u otra manera interesados en el arte urbano de Madrid,
algunos por mera curiosidad, otros con un nivel de conocimientos
importantes sobre el tema u otros simplemente cercanos al
mundo del arte y la cultura, siempre tenemos sorpresas, que
suelen venir acompañadas por las reacciones auténticas y
enriquecedoras del vecindario. Provocamos desde la admiración,
hasta la perplejidad, desacuerdos, dudas, reflexiones, sonrisas
complicidad, disfrute, conexiones, relatos, etc. ¿Qué más se
puede pedir? A primera vista, según mi percepción, a todo el
mundo le gusta el arte urbano, todos quieren que se haga y
exista, artistas, instituciones, vecinos, paseantes, turistas, etc.,
pero claro, siempre que sea una intervención estética, “bonita”
o colorista, pero no hay duda que el arte urbano va más allá de
esto, más allá de lo meramente formal. Tenemos que entender
que el arte urbano, la expresión artística y cultural en el espacio
público, puede visionarse como un mural colorista en la calle,
pero también puede hacer uso de otro tipo de lenguajes y
técnicas, como la contrapublicidad, los collages, las plantillas,
los tags, los posters, los mensajes directos, las pegatinas, etc. O
lo aceptamos todo, o una cosa no puede existir sin la otra.

Pintada en un muro de Malasaña, descubierta durante un Safari Urbano, 2012.

62
 entrevistas

MJM- Por otro lado, ¿Crees que el arte urbano se estudia

suficientemente desde la universidad, como investigación o como
metodología artística, o por qué no como movimiento artístico
globalizador y contemporáneo?

DP- Desde mi experiencia personal, como licenciada en historia

del arte, que ha pasado por tres universidades diferentes, puedo
decirte que jamás ningún profesor me habló del arte urbano. No sé,
tal vez tuve mala suerte… Así que no seré yo quien cargue contra
la Universidad como sistema e institución anticuada y alejada de la
realidad, pues el sistema mismo se encarga de evidenciarlo… Dicho
esto sí que hay gente como Javier Abarca o Fernando Figueroa
estudiando el arte urbano desde la Universidad y desde un método
y punto de vista académico, así que ¡¡Bravo por ellos y sus alumnos
estudiosos del tema!!

MJM- ¿Consideras que el arte urbano entraña principalmente

valores masculinos? La realidad es que se conocen pocas mujeres
artistas que trabajen en la calle… ¿Crees que se puede hablar
desde la óptica feminista en el ámbito del arte urbano?

DP- Es evidente que hay más nombres masculinos que femeninos

en el arte urbano. Yo también me pregunto el por qué y no
encuentro una respuesta convincente. Imagino que todo comienza
porque esta sociedad todavía sigue siendo machista (aunque se
ha conseguido avanzar mucho hacia la igualdad en los últimos
tiempos), y por tanto, el reconocimiento de una mujer en cualquier
campo es siempre más difícil que el de un hombre, ya sea en
el arte urbano o en el arte en general. Imagino que a primera
vista el arte urbano entraña una serie de roles o condicionantes
tradicionalmente masculinos, como el trabajo de puertas hacia
fuera, la nocturnidad, el enfrentamiento directo, la agresividad,
la peligrosidad, etc. Incluso a veces, lleva aparejada una forzada y
pretendida demostración de fuerza, poder y masculinidad.

63
entrevistas

Sin embargo, ni todas estas reconocida tanto dentro, como fuera

características son necesarias del street art. A nivel internacional,
para crear en el espacio público Alice Pasquini, digamos que “lo está
–y además quiero creer que petando”, es decir, viaja y pinta por
la mayoría son solo tópicos o todo el mundo, tiene muchísimos
esterotipos–, ni las mujeres están seguidores, y está inmersa en
excluidas de poseer alguna de numerosos proyectos:
estas características.
http://www.youtube.com/
Es relevante el dato de que las watch?v=3tvWEFjfFjc
mujeres somos minoría en el
arte urbano como artistas; y sin
embargo, en cuanto a personas
interesadas en él, con inquietudes
al respecto, somos la mayoría. Por
ejemplo, el 80% de las personas
que se apuntan a las actividades
que organizamos desde MASP
(Safaris, Talleres, etc.) son mujeres
¿curioso, no?…

En cualquier caso, sí destacan

muchas mujeres dentro del
arte urbano más reseñable,
empezando por Margaret
Killgallen y su increíble trabajo
durante los 90, que incluso formó
parte del mítico Beautiful Losers.
Un ejemplo más cercano sería
una de las artistas urbanas con
mayor recorrido en Madrid, que
lleva pintando e interviniendo
en sus calles durante más de diez
años, Nuria Mora, una artista con
múltiples facetas, respetada y Pintura mural en una calle de Valencia. La parte de
la izda. es de Escif.

64
 entrevistas

En cuanto a un trabajo explícito sobre la reivindicación feminista:

creo que se puede hacer activismo desde el arte urbano, pues hay
una gran parte de esta forma de expresión que pretende una crítica
directa a temas sociales, políticos o económicos. Además, el mero
hecho de realizar tu obra en el espacio público, sin pedir permiso,
ya conlleva un posicionamiento con respecto al poder establecido.
Asimismo, el trabajo artístico de una mujer en el espacio público, en
numerosas ocasiones tiene un contenido concretamente feminista,
un objetivo de lucha social por los derechos de la mujer, como por
ejemplo el de la colombiana Bastardilla.

Hay casos interesantes como el de Hyuro, artista que no quiere

desvelar su identidad. Como buen “artista callejero”, vive en la
contradicción perpetua de quien quiere darse a conocer como
artista, pero a la vez mantener el incógnito como persona,
provocando todo tipo de conjeturas sobre su género.

La participación de Hyuro en el festival Memorie Urbane 2013,

en Italia fue con este mural que refleja sentimientos de miedo,
identidad, libertad, angustia, conocimiento interno.

Hyuro en el festival Memorie Urbane 2013

65
entrevistas

Hace poco, conversando con un artista (urbano), para quien es muy

importante la cuestión de salir a la calle a intervenir y disfrutar de
la propia experiencia en el espacio público, le planteé la cuestión
de por qué hay tan pocas mujeres en el arte urbano, y él tampoco
supo dar una respuesta… Pero lo que si me dejó muy claro es que
a él le encanta que haya mujeres y compartir la propia experiencia
de “salir a poner cosas” como él dice, con chicas que siempre le
aportan otras connotaciones y otro “rollo”.

Según la artista urbana Deedee Cheriel muchas artistas urbanas han

logrado consolidarse en el medio, como Swoon, Princess Hijab y
Bambi, pero ser mujer todavía representa un obstáculo para hacerse
notar en el mundo del arte callejero. Cheriel comenzó a pintar
en 1997 mientras vivía en Chile, después de la caída de Pinochet,
donde presenció cómo una nación expresaba la opresión política
en los muros públicos. Ella se considera feminista y espera ser un
ejemplo a seguir: “Sólo porque las mujeres tienen derecho a votar
no significa que tengan una voz igual. Definitivamente pienso en
mí como feminista. Me gustaría inspirar a mujeres jóvenes para
hacer arte”.

Mural de Deedee Cheriel, artista urbana chilena.

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 entrevistas

MJM- Creo que hablando de arte en la calle, no podemos dejar

de hablar del tema tan manido de la relación entre el arte urbano
y la ilegalidad. ¿El anonimato es leyenda o realidad? ¿Crees que
deberíamos hacer un esfuerzo en despojar al arte urbano de los
tópicos que le envuelven?

DP- Partimos de que el arte urbano como tal, o mejor dicho las
intervenciones artísticas en el espacio urbano, están etiquetadas
como ilegales, si se realizan, por supuesto, sin solicitar permisos.
Además, teniendo en cuenta la naturaleza más o menos
“vandálica” del graffiti, su persecución y su criminalización, es
normal que sea una actividad que se realiza anónimamente, alejada
del gran público, aunque no de su entorno más cercano, pues la
importancia del reconocimiento por el resto de artistas urbanos
y/o graffiteros es innegable y fundamental. Por tanto, la cuestión
del anonimato está ahí, tanto por sus motivos legales, como por su
posición ideológica, incluso, por qué no decirlo, por una cuestión de
mantener la “tradición”. Creo que en general los artistas urbanos
que provienen o combinan el graffiti más “ortodoxo”, aunque
suene contradictorio usar este término, con el street art, continúan
queriendo profesar el “anonimato” como posicionamiento del
artista urbano; Sin embargo, creo que hay otros artistas que
entienden el trabajo en la calle como algo natural e incluso lúdico,
y prefieren potenciarlo y darlo a conocer abiertamente, a pesar de
arriesgarse a ser identificados como autores de un acto ilegal. En
ese sentido, la imagen del graffitero joven rebelde, encapuchado,
“gamberrete”, existe al mismo tiempo que hay infinidad de otros
tantos tipos de artistas urbanos, y por ello me gustaría poner como
ejemplo y cierre un video de una intervención de Nuria Mora,
indiscutiblemente artista urbana:

http://www.youtube.com/watch?v=t2Zq5gLEdXQ

67
entrevistas

En mi opinión, no hay dogmas, todo vale. Solo

hay que ver otros y diferentes ejemplos de arte
urbano, como el colectivo Teje la araña, que usa
el ganchillo para crear espacios más habitables
con sus labores, o el colectivo Luz Interruptus
que se sirve de la luz como elemento generador
de sus instalaciones de denuncia, la galería de
la Madalena que propone la realización de
exposiciones en el espacio público de manera
espontánea y sin solicitar permisos, o el grupo de
activismo GILA, etc.

Mensaje de Banksy

68
 entrevistas

Entrevista experiencia profesional en el

mundo del arte como artista

a Randy
y como curator durante más
de treinta años, comenzó este
proyecto el año 2005 en EEUU. Y

Rosenberg lo convirtió en el año 2008 en la

asociación Art Works for Change
(www.artworksforchange.org).
Marisa González entrevista
a Randy Rosenberg con MG- ¿Cuántas personas
motivo de la exposición participaron en el inicio y
que comisaría en como ha podido adquirir
Madrid Contraviolencias y tanta repercusión en tan poco
tiempo?
empoderamiento, reseñada
en m-arteyculturavisual, y
RR- Somos una organización
organizada por la asociación
muy pequeña. Básicamente,
que ella dirige Art Works
somos tres, yo como curator y
for Change.
directora ejecutiva, la
secretaria, y nuestra directora
de asociaciones comunitarias.
Luego, se involucran otras
personas sobre una base de
consultoría, según sea necesario.
Para responder a tu pregunta
de cómo hemos crecido tan
rápidamente, sólo puedo decir
Gabriela Morawetz, He soñado que … de que tenemos un gran equipo
la serie El yo durmiente, 2008-2009, en la con mucha experiencia, pasión
exposición
y compromiso, y son muy
eficientes.
Preguntamos a Randy Rosenberg
sobre la organización que
ella creó, sus objetivos y su
f u n c i o n a m i e n t o . Tr a s u n a

69
entrevistas

MG- El objetivo de las para crear un diálogo en la

exposiciones que organizáis es comunidad donde la exposición
difundir la obra de los artistas se lleva a cabo. Pero en grandes
que tienen un compromiso y ciudades, como Madrid, creo
usar el poder de su arte para que es difícil llevar el arte a la
promover el conocimiento, el comunidad social: los visitantes
diálogo y la acción. ¿Crees que el que asisten a una exposición de
arte tiene el poder de provocar claro compromiso social como
conciencia y reacciones en los esta, ya son conscientes de
visitantes? estos problemas. Sin embargo,
las personas que necesitan
RR- A partir de los comentarios concienciarse, no asisten a este
que recibimos, pensamos que tipo de exposiciones. ¿No lo crees
el arte es un medio muy eficaz así?
para llegar a las personas, tanto
a nivel intelectual y emocional. RR- Nuestra asociación sin
Las obras seleccionadas a menudo fines de lucro Art Works for
adquieren una poética de calidad, Change alienta a la comunidad
altamente interpretativa. Es una a utilizar la exposición como una
oportunidad para que el público plataforma para crear su propia
extraiga sus propias percepciones programación para acompañar
y experiencias que le ayuden la exposición. Esperamos que el
a responder y reaccionar ante lugar de acogida también creará
la obra de arte. La exposición una programación que llegue a
pretende empujarnos en una la comunidad e incluyan personas
dirección más positiva, creando que necesitan estar al tanto de
un sentido de empatía por este problema o bien a los autores
las historias universales de las de la violencia, o a quienes son
mujeres y las niñas, y ofrece a la víctimas de comportamientos
audiencia diferentes opciones que violentos. Esperamos que la
le generen una mayor conciencia. exposición pueda romper el
MG- La forma de extender los silencio que a menudo aísla a las
principios de justicia e igualdad víctimas de la violencia.
en otros países es a través de
exposiciones y conferencias

70
 entrevistas

La respuesta de los medios de la comunidad de Madrid a la

exposición Contraviolencias y empoderamiento ha sido increíble y
esperamos llegar a nuevos visitantes.

MG- ¿Cuál es la implicación de Art Works for Change en su ciudad,

¿tenéis un espacio físico para desarrollar actividades locales?

RR- No tenemos un espacio físico permanente para nuestras

actividades. Creamos exposiciones itinerantes y proyectos que
son alojados en otros en museos, parques, escuelas, centros de
arte. Estamos abiertos a todo tipo de posibilidades para nuestras
exposiciones.

MG- EE.UU. tiene una ley de mezenazgo que favorece a las

organizaciones sin ánimo de lucro, ya que las donaciones están
libres de impuestos, lo que facilita la obtención de ayuda financiera
privada, de empresas, patrocinadores y donantes. Además, ¿AWFC
tiene el apoyo financiero del gobierno de EE.UU., de la National
Endowment for the Arts (Fundación Nacional para las Artes) o del
Estado donde se realizan las exposiciónes?

RR- Como la mayoría de las organizaciones no lucrativas, tenemos

que recaudar fondos para nuestros proyectos. A veces es difícil y,
ciertamente, consume mucho tiempo. Hemos recibido becas de
la Fundación Nacional para las Artes y recibimos financiación
principalmente de patrocinadores corporativos y fundaciones. Nos
encantaría no tener que depender de la recaudación de fondos
y sólo centrarnos en nuestros proyectos, pero ésa no es nuestra
realidad.

MG- ¿Recibís ayuda financiera en todos los países donde exponéis

vuestros proyectos o las exposiciones viajan de origen con el
presupuesto financiero cubierto?

71
entrevistas

RR- A veces recibimos apoyo dentro del país en el que exponemos

el proyecto.

MG- ¿Crees que las mujeres son más conscientes de los problemas
globales que afectan hoy en día a muchos países? Vuestro
equipo de trabajo está muy cualificado, así como los asesores y
prácticamente todas son mujeres. ¿Trabajan en voluntariado a
tiempo completo para AWFC o perciben un salario?

RR- No pienso que las mujeres sean más conscientes que otros
respecto a los problemas globales. Actualmente nos encontramos
con un equipo de mujeres, pero no de manera deliberada. En
varias ocasiones hemos tenido personal masculino trabajando con
nosotros y muchos de nuestros consultores son hombres. Siempre
buscamos a las mejores personas para nuestros proyectos y no
discriminamos en cuanto a género o cualquier otro aspecto. Nuestro
consejo de administración no trabaja a tiempo completo y no se les
paga por su contribución para ayudar a nuestra organización.

Entiendo vuestro deseo de apoyar y promover la igualdad de

visibilidad de las mujeres. Es un tema muy importante. Dicho
esto, AWFC no es una organización de mujeres y nuestra misión
es hacer frente a los problemas sociales y ambientales críticos de
nuestro tiempo. Nuestro trabajo a menudo explora aspectos de
empoderamiento y las elecciones a tomar. Nuestra exposición Lejos
de las multitudes: Violencia, Mujeres y Arte es una exposición sobre
los derechos humanos básicos de las mujeres y las niñas a una
vida segura y protegida. También disponemos de una exposición
itinerante sobre la biodiversidad y la naturaleza.

MG- Nuestra asociación MAV es una organización de voluntariado

y no es fácil encontrar apoyo financiero, por eso te pregunto por
los modos de financiación. Nuestro objetivo es analizar y evidenciar
la situación real de las mujeres en el sistema del arte español.
Tenemos que promover la igualdad de visibilidad y oportunidades.

72
 entrevistas

RR- En todas las culturas y países es difícil encontrar apoyo

financiero. Hay muchas organizaciones muy buenas y que
valen la pena, pero por desgracia en la mayoría de los casos
todas buscamos apoyo financiero en los mismos bolsillos.
Se requiere mucho tiempo, determinación y persistencia
para obtener fondos para desarrollar el trabajo como
organización no lucrativa. Me gustaría que hubiera alguna
solución mágica para todos nosotros. Lo que está claro
es que se requiere una dosis constante de persistencia y
pasión.

73
eventos

Asalto Plataforma A.

Para celebrar el Día Internacional de

los Museos, la Plataforma A llevó a
cabo una acción frente a los principales
museos de Bilbao con el fin de visibilizar
la discriminación sexista que niega la
igualdad de oportunidades a las mujeres
en el sistema del arte. Como modelo de
activismo, transcribimos el proyecto y la
descripción por la Plataforma A de su
acción del pasado 18 de mayo 2013, que se
completó con la carta dirigida al Ararteko
(Defensor del Pueblo en el País Vasco). La
Plataforma A se constituyó en enero de
2012 y está formada por varios colectivos,
entre ellos, socias en el País Vasco de la
asociación estatal MAV, Mujeres en las
Artes Visuales.

74
 eventos

Plataforma A

¿Preparadas para el Asalto a los

espacios de poder del arte?
Tuvimos que coordinar la acción, para ir todas a una y
para que la acción fuera lo más efectiva posible.

Se trataba de “coreografiar” / “diseñar” un poco

el movimiento colectivo para que fuera rotundo,
significativo y visible en el espacio. También realizar
una serie de gritos que nos ayudaran a meternos en
situación. Una base sobre la que luego se podían hacer
variaciones e improvisaciones según fuéramos viéndolo.
Si habéis jugado a baloncesto o similar, algo así como las
jugadas que tenemos todas en la cabeza y que al grito
de una u otra, nos ponemos de acuerdo para hacerla.

75
eventos

En la escultura de Chillida: ¡El vacío, se nos hace a

nosotras!

MODOS DE ASALTO + GRITOS DE GUERRA

2- UNA PARA TODAS Y TODAS PARA UNA

1- AL ABORDAJE

Nos disponemos en círculo alrededor del

Nos juntamos en un punto alejado
punto que queremos asaltar. Al grito
de nuestro lugar-objetivo, y al grito
de “Una para todas y todas para una”
de “¡Al abordaje!” corremos todas
corremos hacia el centro. En el centro
juntas hacia el punto de destino
hay un cubo con tapa en el que una de
gritando “Aaaaaaaaaaaaaah!
nosotras clavará una bandera grande
Plataforma A!” Cuando llegamos
(llevo cubo y bandera). Una vez allí,
saltamos en el sitio ondeando las
la que lleva esa bandera la ondea por
banderas.
encima de las cabezas de las demás.
(Esta acción valdría para la antigua entrada del
(Esta acción era válida para la antigua entrada del
Museo de Bellas Artes, el Puppy y el Don Diego).
Museo de Bellas Artes, para rodear las esculturas y
para el Puppy del Guggenheim).

76
 eventos

4- ASEDIO

ASEDIO al Puppy: Correr desde

distintos puntos más o menos
alejados hasta la barandilla del
Puppy y una vez allí y rodear
al Puppy andando en círculo
alrededor de él y gritando
“Puppy no es un perro, es una
perra”.
3- ÁBRETE SÉSAMO

Nos colocamos en línea frente a una

entrada y a cada 3 pasos que damos
a la vez decimos “Ábrete Sésamo”.
A medida que vamos avanzando
vamos gritando más fuerte “¡Ábrete
Sésamo!” hasta estar bien pegadas a la
puerta.

(Esta acción valía para la antigua entrada del Museo

de Bellas Artes)

ASEDIO a Don Diego: Correr

desde distintos punto más o
menos alejados hasta Don Diego
y andar a su alrededor en círculo
diciendo “¡Don Diego usurpador,
baja del peanón!”.

77
eventos

* Entre acción y acción (del Bellas

Artes al Puppy, del Puppy al
Don Diego) ir con el megáfono
diciendo cifras y repartiendo
pegatinas.

De 10 a 11 estuvimos preparando
el tema de las banderas y de 11 a
* Se trataba de hacer varios 11:45 ensayando un poco todos
asaltos distintos en cada los movimientos y gritos en el
ubicación. (Conquistar el espacio espacio de la pérgola para luego
de maneras distintas, y repetirlo ir hacia el Museo de Bellas Artes,
para que quede bien). Guggenheim y plaza Circular.

El arte en guerra, nunca mejor dicho En plena Gran Vía, pasando ante la
Diputación Foral de Bizkaia.

78
 eventos

Un paseo por la 55 Biennale di Venezia

Sea porque ya la habéis visto, pensáis viajar a Venecia

o quizás os gustaría pero no tenéis claro si iréis, os
proponemos un selecto paseo visual por el evento
más importante de la temporada: la 55 Biennale de
Venezia, hasta el 24 de noviembre de 2013. Bajo el
título Il Palazzo Enciclopedico, Masimiliano Gioni ha
comisariado una gran exposición muy bien montada
que comienza en el Padiglione Central en los Giardini
y continua en el Arsenale, y donde siguiendo la idea
del deseo de conocer hasta la obsesión se pretende
borrar las fronteras entre artistas profesionales y
diletantes, “entre outsiders e insiders“. En general,
predomina un tono visionario, espiritual, surreal.

79
eventos …

El Padiglione Centrale se abre

con El libro rojo del psicoanalista
CG Jung, al que se suman a
continuación los dibujos sobre
cartulina negra del sabio Rudolf
Steiner. Entre las veinte artistas
con obra (poco menos de un
tercio, ya que son 63 artistas en
total) encontramos los Premios
Vista de obras de Marisa Merz en el
León de Oro al Reconocimiento
Padiglione Centrale – Giardini
de Trayectoria en esta edición: la
pintora austriaca María Lassnig
…
(1919) y la italiana Marisa Merz
En el Padiglione Centrale
(1931).
emergen otras artistas, algunas
poco conocidas y recuperadas
recientemente. Destacamos:

La gran pionera de la pintura

abstracta Hilma af Klint (1862-
1944), de la que muy pronto
veremos una gran retrospectiva
ea el Museo Picasso de Málaga

Vista de pinturas de Maria Lassnig en el

Padiglione Centrale – Giardini

80
 eventos

Estudios de campos de energía de Uno de los dos cuadritos presentes

la suiza Emma Kunz (1892-1963), de Dorothea Tanning (1910-2012)
que investigó en la sanación a
través del estudio de aquetipos (si
quieres conocer su museo:
(www.emma-kunz.com).

Monumentales dibujos
terapéuticos de la artista
autodidacta china Guo Fengyi
(1942-2010)
…
Dibujos en telas de la rumana
Geta Bratescu (1926), de la que
recientemente hemos podido ver
una retrospectiva en el MUSAC.

81
eventos

Y esculturas recientes de Sarah

Lucas (Londres, 1962)

contemporáneas y también alguna

recuperación:

Es imposible dar cuenta de la

complejidad, precisión y ritmo del
audiovisual de la francesa Camille
Henrot (1978), premiada como
joven artista con el León de Plata.

http://www.labiennale.org/en/
mediacenter/video/55-b5.html
…
Quizás no sea la mejor pieza de la
contundente escultora británica
Phyllida Barlow (1944).

…
Continuando con la noción de Il
Palazzo Enciclopedico, pasamos
al Arsenale, donde la exposición
explora formas naturales y
artificiales, siguiendo el modelo
wunderkammer hasta suscitar
una reflexión sobre la sociedad
de la información. Entre los 88
artistas, encontramos solo 16
artistas mujeres (18%), pese al
comisariado de la sección 10 a
cargo de la artista Cindy Shermann.
Destacamos trabajos de artistas

…
82
 eventos

Combinación de muebles, telas Álbumes de fotografías

y cerámica de la estadounidense coleccionados por Cindy Sherman
Jessica Jackson Hutchins (1971)

Impresionantes dibujos
anticipatorios de la angelina
Módulos del interesante trabajo Channa Horwitz (1932-2012)
colaborativo de la artista italiana realizados a mano en la década de
Rosella Biscotti (1978) con display los sesenta.
en audio.

…
83
eventos

Y para terminar ese recorrido por

Arsenale, es una lástima que las
elegantes pinturas de la india
Prabhavathi Meppayil (1965)
sean prácticamente imposibles de
reproducir.

Además, ya pasando a los

Pabellones nacionales en
Giardini, a nosotr@s sí nos gustó
la impactante intervención de
Sarah Sze (1969) en el Pabellón de
Estados Unidos.

84
 eventos

Por supuesto, la intervención de A la salida de Giardini, encontramos

Kimsooja (1957) en el Pabellón el Pabellón de Portugal, un barco
de Corea, versión fría de la que intervenido completamente por
realizó para el Palacio de Cristal Joana Vasconcelos (1978)
en Madrid.

…
Ya fuera de Giardini, entre los
Y claro, la intervención de Lara Pabellones nacionales en la
Almarcegui (1972) en el Pabellón ciudad, nos pareció una propuesta
de España interesante la de la artista Kata
Mijatovic (1956), Between the Sky
and the Earth, en el Pabellón de
Croacia.

… …

85
eventos

E importante la última
propuesta de ORLAN en la
exposición Metamorphoses of
the Virtual

86
 teoría

El sentido del feminismo en la ciudad

Marga G. Polanco y Alexandra G. Núñez: Simbología Sacra, 2011. Intervención

en el espacio urbano con fundas de tela confeccionadas a medida para enfatizar
elementos verticales de mobiliario (los bolardos) cercano a las iglesias.

Marga G. Polanco

“El espacio tiene esa peculiaridad de ser envolvente e

inevitable, lo que lo hace a veces invisible a nuestros ojos”.

Isabel Velázquez¹

Conviene recordar el ineludible hecho de que la mayoría de

la población existente en el planeta tiende a acumularse en
las urbes y que, de hecho, las mujeres conforman alrededor
de un cincuenta por ciento de dicha población. Así pues,
la presencia del feminismo en tanto que herramienta de
lucha a favor de los derechos de las mujeres tiene sentido
dentro del marco constituido por la geografía urbana, al
haber supuesto una inestimable ayuda destinada a facilitar
el cambio de las mentalidades con respecto a una situación

87
teoría

de desigualdad dada en relación Christine de Pizan). Igualmente, se

con los hombres. A lo largo de trata de un movimiento no exento
su historia, especialmente en las de discrepancias, dado que en las
últimas décadas, el feminismo ha últimas décadas se han consolidado
contribuido a la consolidación claras divergencias ideológicas,
de valiosas herramientas teóricas manteniendo en ocasiones –y
con las que poder revisar y en lo que respecta a la necesaria
comprender la naturaleza de especificidad que requieren ciertos
las relaciones establecidas con temas–, posiciones enfrentadas², por
el entorno (postestructuralismo, no hablar de las reservas que, a pesar
deconstructivismo, psicoanálisis…). de los innegables avances realizados,
aún continúa suscitando el término
Se puede afirmar a grandes rasgos para el ciudadano de a pie (si bien es
que el feminismo constituye un cierto que el panorama con respecto
movimiento social que tiene a décadas atrás ha evolucionado
por objeto la denuncia de la sensiblemente), que todavía parece
situación de subordinación en la manifestarse poco versado en la
que se encuentran las mujeres materia y por ello resulta presa
con respecto a los hombres, con fácil (tanto hombres como mujeres,
la consiguiente reivindicación de en esto no se aprecian diferencias
la igualdad en sentido pleno y en sustanciales) de encubiertos
todos los campos de la cultura y prejuicios.
del poder, así como en el plano
jurídico, político, económico Algunas de estas concepciones
y social. Cuando hablamos estereotipadas continúan
de feminismo sin más, muy a revelándose, al menos en primera
menudo no somos conscientes instancia, como la consecuente
del grado de generalización tan catalogación que acompaña al
amplio que establecemos con hecho de declararse abiertamente
ello, puesto que, en realidad, nos feminista desde el punto de vista
estamos refiriendo a un basto social. Así pues, este es el poso
conjunto de teorías diferenciadas, que aún tiende a condensarse,
desarrolladas a lo largo de más confirmándose como el lamentable
de tres siglos de existencia, con sedimento depositado en el fondo
precedentes que datan incluso de la conciencia perteneciente a un
del siglo XIV y XV (en el caso de sector de nuestra sociedad, todavía –y
desgraciadamente– bastante amplio.

88
 teoría

El feminismo centra sus esfuerzos Actualmente, se sigue luchando

en un intento por cambiar un por neutralizar la discriminación
statu quo mantenido a lo largo existente a través de la puesta
de la historia, lo que ha venido en práctica de una serie de
siendo una constante dentro estrategias. Por un lado, se incide
de los objetivos marcados en la necesidad de un mayor
por los estudios de género conocimiento en lo que respecta
desarrollados hasta la fecha, a la identidad de lo femenino,
pretendiendo mostrarse más bien a través de la generación de un
como una herramienta útil de cuerpo teórico, buscando una
consecuencias prácticas, a través mayor profundización orientada
de cuya experiencia se posibilite hacia la indagación y desarrollo
la maduración de determinadas de la subjetividad femenina.
reflexiones que ayuden a un Recordemos, por ejemplo, la
cambio en profundidad que existencia del llamado techo de
afecte tanto a la propia fisicidad cristal, un concepto que define la
de nuestras ciudades como a presencia de una barrera invisible
esa otra construcción que a que inmoviliza el desarrollo
fin de cuentas resultan ser las profesional de las mujeres y les
mentalidades y actitudes del impide continuar evolucionando.
conjunto de sus habitantes³. La inicial confusión que ello motiva
En ese sentido, cabe destacar viene dada por el hecho de que no
que ha subrayado de manera existen leyes ni –aparentemente–
tajante la falacia existente en conductas sociales, que impongan
una concepción ligada a ciertos este hecho. Sin embargo, su mera
procesos segregadores en existencia resulta sintomática,
función del sexo, enquistados en tanto que sirve para hacernos
en determinadas creencias una idea del grado de influencia
vinculadas a esencialismos que puede llegar a ejercer nuestra
biológicos, entendidas hasta cultura patriarcal, cuyas causas
hace no demasiado tiempo como resultan difíciles de señalar con
algo inevitable, perpetuando con precisión. Según palabras de
ello la finisecular presencia de Mabel Burin, éstas bien pudieran
estereotipos ligados al género, girar en torno a responsabilidades
asentados en lo más profundo de añadidas derivadas de la presencia
nuestras sociedades patriarcales. de las mujeres en el mundo

89
teoría

doméstico, que se concretan en la experiencia de una

vida sobrecargada, un desigual grado de requerimientos
profesionales respecto a los hombres, unos estereotipos
que tienden a disociar la correspondencia entre mujer y
poder o la falta de modelos femeninos en los que poder
reflejarse5. Gracias a las luchas feministas, se ha llegado
a tomar una mayor conciencia de la discriminación
que sufren las mujeres en el espacio urbano. El punto
de vista que aportan los estudios de género a este
respecto, permite adivinar la naturaleza de la relación
existente entre el entorno y las experiencias cotidianas
de las mujeres6, así como discernir con mayor nitidez
los mecanismos de actuación que rigen la construcción
de las ciudades. Las características del entorno urbano,
conformadas a consecuencia de masivos afincamientos
sucedidos en el pasado, han supuesto para las mujeres
un enorme esfuerzo orientado a encontrar un lugar en
el que poder adaptarse y reconocerse. Las permanentes
elevaciones en altura de las construcciones urbanas son
testigo de su exclusión del mundo público (recordemos la
división entre lo público y lo privado, y su correspondiente
identificación sexual con respecto del uso de ambas áreas),
siendo asimismo un vivo reflejo del poder patriarcal y, por
lo tanto, ajenas a un imaginario específicamente femenino.
Leslie Kanes Weisman, profesora de Arquitectura del New
Jersey Institute of Technology, afirma que el hombre ha
construido el entorno urbano a su medida, confirmando
que el rascacielos, símbolo urbano por excelencia de las
grandes ciudades, pertenece a un imaginario puramente
androcéntrico relacionado con la fuerza, el dominio y lo
que permanece erguido, predominado en él las relaciones
basadas en la competencia por el logro de prestigio
público7.

90
 teoría

Por otro lado, si observamos con detenimiento la situación

social de nuestras ciudades, inevitablemente podemos
determinar la existencia de claras diferencias en las labores
desarrolladas por mujeres y hombres; un hecho que si
bien no niega la existencia de actividades comunes a
ambos géneros dentro del entorno urbano, indica cierta
desigualdad en sus respectivas vivencias de la experiencia
urbana8. Indudablemente, las mujeres están influidas por
el diseño y el uso de los espacios, los edificios públicos, los
sistemas de transporte y la vivienda. En general, se sienten
más ajenas al espacio público que los hombres, debido a la
existencia de limitaciones físicas, culturales y económicas.
Leslie Kanes Weisman afirma que “un entorno con
sentido resulta necesario y esencial para una existencia
con sentido”, de modo que “las mujeres debemos exigir
edificios y espacio públicos, transporte y viviendas que se
adapten a nuestros estilos de vida y a nuestros ingresos
y que respondan a la realidad de nuestras vidas, no a las
fantasías culturales que existan en torno a ellas”9.

91
teoría

En países como Estados Unidos, Inglaterra o Francia, desde

los años setenta se han venido desarrollando múltiples
estudios feministas en torno a la relación existente entre
el género y los procesos de urbanización de nuestras
ciudades, experimentándose un progresivo aumento
del interés por el tema. Han surgido nuevas perspectivas
que aplicar al estudio de la mujer en relación con el
entorno urbano, demostrándose la falacia de la supuesta
neutralidad que rige el mismo10 y explicando el concepto
de la diferencia de género en relación con la urbanización,
la arquitectura y el diseño de las ciudades11. Igualmente,
se ha llegado a la conclusión de que la construcción
del espacio urbano resulta ser, en última instancia, una
creación cultural reflejo de la estructuración del poder
existente dentro de nuestras sociedades patriarcales que
posee, además, la capacidad de expresar determinados
valores que, a la vez, condicionan determinadas normas de
conducta. El masivo proceso de urbanización de nuestras
ciudades ha generado un paisaje que, lejos de la imagen
neutral que pretende ofrecer, se manifiesta pleno de
estructuras de carácter referencial. Leslie Kanes Weisman
apunta algunos ejemplos: “Una mujer con un coche de
niño intentando pasar por una puerta giratoria o por el
torno de un metro es una persona discapacitada. Los
lugares públicos rara vez ofrecen un sitio donde se pueda
dar el pecho a un niño o cambiarle los pañales, lo que da a
entender que las madres y los niños deben estar en casa, el
lugar que les corresponde”12.

La construcción urbanística dentro de nuestro orden

simbólico encarna la mano del hombre incidiendo en

92
 teoría

el mundo, lo que refleja determinados valores que,

curiosamente, se encuentran en plena consonancia con el
poder establecido en cada época13. Dicho de otro modo,
la construcción del espacio urbano en ningún caso es ajena
a las estructuras de poder de la sociedad patriarcal, la cual
determina la experiencia vital de los individuos de manera
profunda. Ciertamente, el espacio de nuestras ciudades
se rige por unos parámetros identificables con el tipo de
poder ejercido dentro de cada sociedad, favoreciendo la
proyección de un prototipo de individuo estandarizado en
consonancia con las expectativas de dicho poder14.

Los feminismos inciden en la búsqueda de objetivos

relacionados con la creación y adaptación de leyes que
permitan la inserción de códigos mejorados, tanto civiles
como penales, para que definitivamente se deje de
contribuir al mantenimiento de una situación en la que
los derechos de las mujeres se sigan viendo subordinados
a los de los hombres. Leyes verdaderamente eficaces que
nos permitan luchar efectivamente contra la violencia de
género, lograr una verdadera equiparación económica
entre ambos sexos (¿cómo es posible que todavía
prevalezcan situaciones en las que un hombre que ocupa un
puesto de trabajo idéntico al de una mujer reciba a cambio
un salario inexplicablemente mayor al de su homóloga
femenina?)15, facilitar a las mujeres la posibilidad de
acceder a cargos que impliquen tomas de decisiones
con repercusiones públicas o promover la necesidad de
plantear una reforma en la educación que contemple, en
mayor medida, la perspectiva desarrollada a través de los
estudios de género y contribuya, con el tiempo, a generar
una nueva mirada más plural y heterogénea, en definitiva,
más justa para todos.

93
teoría

7. Leslie Kanes Weisman, “El derecho de la

mujer a un entorno propio”, Zehar: revista
de Arteleku, nº 43, 2000.

8. AA.VV., La vida de las mujeres en las

ciudades. La ciudad, un espacio para el
cambio, Narcea, Madrid, 1998, p. 8.

9. Leslie Kanes Weisman, Op. cit.

10. Isabel Velázquez, “El tiempo de las

cerezas”, Op. cit.
Notas:
11. Ibídem.
1. Isabel Velázquez, “El tiempo de las
cerezas”, Zehar: revista de Arteleku, nº 12. Leslie Kanes Weisman, “El derecho de
43, 2000, p. 20. la mujer a un entorno propio”, Op. cit.

2. Rosa María Rodríguez Magda, 13. Ibídem.

“¿Feminización de la cultura?”, Debats,
nº 76, 2002, p.5. 14. Ibídem.

3. Ibídem, p. 8. 15. Isabel Velázquez, “El tiempo de las

cerezas”, Op. cit.
4. El llamado techo de cristal define la
existencia de una superficie de carácter
invisible que impide seguir avanzando
en sus carreras a las mujeres. Numerosos
estudios de género apuntan hacia el
hecho de que nuestra cultura patriarcal
genera dichos obstáculos. Para más
información, véase Mabel Burin, “Género
y psicoanálisis: Subjetividades femeninas
vulnerables”, en Género y psicoanálisis,
subjetividad, Paidós, Buenos Aires, 1996,
p. 78.

5. Ibídem.

6. Ibídem.

94
 teoría

Shirin
sido impuesto como un símbolo de
la revolución islámica que cambió
el orden del mundo. En 1974,
Shirin se fue a estudiar a EEUU

Neshat
obteniendo su MFA en Berkeley,
en 1982. Tenía diecisiete años
cuando se marchó y no regresó a
su país hasta 1990. El reencuentro
supuso una confrontación con la
realidad del sistema –el cambio
que había experimentado el país
del que había salido unos años
antes era a sus ojos regresivo– y
con sus paisajes ensombrecidos por
la yihad. Aunque nunca hubiera
perdido el contacto con el lugar de
partida y conociera a través de los
relatos de familiares y amigos o a
través de la prensa lo que estaba
sucediendo, no conseguía dar
Menene Gras Balaguer crédito a la visión de lo que estaba
sucediendo. Esto le llevó a indagar
No es la primera vez ni la última los antecedentes de la Revolución
que Shirin Neshat (Qazvin, 1957) Islámica de 1979, para entender
expone en España; de hecho, cómo un país que había contestado
su presencia siempre ha tenido la creciente occidentalización
un reconocimiento que ha que parecía garantizar la
contribuido a la divulgación de modernización de sus estructuras
su trabajo, tanto por el impacto debido al descontento popular,
mediático de sus imágenes había podido experimentar una
fotográficas como por sus regresión que parecía eliminar
películas y vídeos. Su poética toda huella de su memoria
en blanco y negro coincide con histórica. El régimen democrático
la estética de una mujer que se previo al golpe de estado que
oculta detrás del velo que le ha derrocó a Mohammad Mossadeq

95
teoría

en 1953 y puso en el gobierno a Mohammad Reza Sha Pahlavi,

con el apoyo de Inglaterra y Estados Unidos, demostró que Islam
y democracia no eran incompatibles. ¿Cómo se produjo aquel
cambio y cuáles eran las claves para entender este fenómeno,
cuando Irán había sido un país con una tradición democrática,
que había sido borrada por el sha, el cual a su vez había
eliminado toda oposición mediante la SAVAK, y quienes forzaron
su huida fueron a su vez perseguidos posteriormente por la
República Islámica del ayatolá Jomeini? Las transformaciones
sociales consecutivas que se producen desde mediados del
siglo XX hasta la actualidad han hecho crecer las expectativas
entre las nuevas generaciones, pero a la vez no hay un futuro
claro a la vista. Después de las grandes manifestaciones de los
partidarios de Moussavi en 2009, con motivo de las elecciones
presidenciales que dieron la victoria a Mahmoud Ahmadinejad,
la tensión interna ha seguido creciendo dividiendo un país en
conflicto permanente con la sociedad de naciones.

Desde entonces, la obra de Shirin no se puede disociar

de la experiencia vivida durante esta visita y las que hizo
posteriormente, ni del régimen de las imágenes que el gobierno
iraní ha generado y sigue generando para seguir consolidando
su hegemonía, pese a la escisión social existente. Su país se
convierte en el objetivo prioritario a través del papel de la
mujer musulmana y su condición social. La exposición que
presenta Fundación Telefónica en el marco de PHotoEspaña
2013 reúne veinte fotografías de gran formato y dos video
instalaciones monacales. En el primer caso, se trata de “Stories
of Martyrdom”, de la serie “Women of Alah” (Mujeres de Alah)
(1994); “Whispers” (1997) de Colección Telefónica; seis de la
serie “Rapture” (1999); tres de “Tooba” (2002), procedentes
de la colección del MUSAC y nueve de “El Libro de los Reyes”
(2012), la serie más reciente en la que ha estado trabajando la
artista. En total veinte fotografías de gran formato y dos vídeos:
“Zarin” (2005) y “Overruled” (2012), entre los que la artista ha

96
 teoría

producido gran parte de sus principales proyectos audiovisuales.

El título “Escrito sobre el cuerpo” identifica el conjunto de estas
imágenes, entre las que destacan las fotografías realizadas
mientras estaba preparando el video “Rapture” (Éxtasis)
(1999), donde la mujer aparece siempre cubierta con el shador,
dando continuidad a la serie de fotografías por la que se dio a
conocer, “Mujeres de Alah”, de la que también se adjunta una
imagen y al primer video que dio un giro a toda su producción,
“Turbulent”, donde la mujer parece asumir su propio destino.
Las fotografías que pertenecen a la serie “The Book of Kings” (El
Libro de los Reyes), se inspiran en el poema épico “Shanameh”
de Ferdowsi, un poeta del siglo XV, que escribió la crónica de
la conquista islámica de Persia. De las dos video proyecciones
citadas, “Zarin” se incorpora entre las historias de “Women
without Men” (2009), su primer largometraje, y “OverRuled”
(2012), recrea el juicio del mártir Mansur Al-Hallaj, derviche
sufí del siglo X. Octavio Zaya, comisario de la muestra, no solo
documenta todos los materiales que se exponen, sino que
además consigue establecer las correspondencias entre las
diferentes imágenes que integran el recorrido con el resto de su
obra.

Al hilo de la exposición que muestra Fundación Telefónica en

el marco de la actual edición de PHotoEspaña, creo interesante
recordar a la activista iraní y Premio Nobel de la Paz en 2003,
Shirin Ebadi (1947), por su defensa de los derechos humanos,
la democracia y la igualdad de género. Privada por ley tras el
triunfo de la Revolución islámica de autorización para ejercer la
profesión de juez, su lucha ha consistido en la reivindicación de
los derechos humanos de las mayorías silenciadas –mujeres, niños
y refugiados– reclamando la posibilidad de convivencia entre
el Islam y el respeto de los derechos humanos fundamentales.
La capacidad de diálogo entre culturas y religiones del mundo
es según ella la que conduce al pacto, siempre necesario para
evitar el conflicto. Lejos de que la persecución haya cesado, ella

97
teoría

sigue luchando por la libertad partidos políticos, la liberación de

de expresión y los derechos presos políticos y la denuncia del
fundamentales de la mujer, y fraude electoral en los recientes
haciendo campañas en defensa comicios para la elección del
de los líderes de la oposición bajo sucesor de Ahmadineyad, entre
arresto domiciliario. Su objeto es los diferentes candidatos a la
combatir el sistema represivo del presidencia, que se consideran
que son víctimas indistintamente reformistas moderados. Desde
mujeres, intelectuales y su exilio en París, esta activista
disidentes. Junto a ella, Nasrin ha liderado una oposición
Sotoudeh (1963), colaboradora constructiva, aunque no menos
d e l a a n t e r i o r, a b o g a d a y radical, a favor de la convivencia
activista, co-fundadora en 2002 entre islamismo y democracia,
del Centro de Defensa de los que ella ve como la única
Derechos Humanos, que fue alternativa a la actual situación
detenida en septiembre de 2010 de su país.
con los cargos de propaganda
contra el Estado y por atentar La rutina y el exceso de
contra la seguridad nacional, información nos insensibilizan
siendo recluida en régimen y de ahí el interés de esta
de aislamiento. Sotoudeh fue exposición que reabre tópicos
condenada a 11 años de cárcel y proponiendo nuevas lecturas
a 20 de inhabilitación profesional de un mundo opaco que nunca
con la prohibición de abandonar debería dejar de ser noticia,
el país. Recientemente, vio cuando están en juego las
reducida su pena a seis años de libertades fundamentales de un
cárcel y a diez de inhabilitación, pueblo y de una nación desde
pero sigue retenida sin opción al hace más de treinta años. La
exilio. Maryam Rajani, líder del exposición de Shirin Neshat
Consejo Nacional de la Resistencia potencia narrativas a partir de
(CNR) y de la organización de los la imagen fotográfica o de la
Mujaidines del Pueblo de Irán imagen en movimiento que se
(PMOI), es otra de las portavoces complementan en su trabajo,
de la lucha a favor de la libertad como si la continuidad entre unas
de expresión, de la creación de

98
 teoría

y otras no se rompiera y pudiera resultar altamente eficaz.

El impacto visual resultante es realmente sorprendente por
su lealtad a una estética de la imagen que no solo recupera
el blanco y negro, sino una poética propensa a facilitar la
intensidad dramática de escenas de la vida cotidiana donde
la represión se ha interiorizado garantizando la solidez del
sistema. Con el León de Plata del Festival de Cine de Venecia, en
2009, por “Women without Men”, adaptación de la novela de
la escritora iraní Sharmush Parsipur (1947), publicada en 1990 y
censurada por el gobierno iraní, cuyas protagonistas son cinco
mujeres, cuyas vidas se enmarcan en los trágicos sucesos de
1953, que pusieron fin a la esperanza del país en un desarrollo
democrático de sus instituciones. Tradición y modernidad
entran en juego mediante la colisión y el enfrentamiento
mostrando la imposibilidad de adaptación entre ambas
dimensiones de una cultura herida, en un mundo clausurado.
La autora, encarcelada en varias ocasiones, reside actualmente
en EEUU, pero no ha dejado de escribir –“vivo fuera de Irán,
pero escribo para mi país”, asegura. La escritura es su arma –
no en vano se vendieron más de un millón de ejemplares de
su “Prison Mémoires”, que ella necesitaba escribir, porque “la
Revolución islámica fue una guerra contra las mujeres y su
poder” –comenta en una entrevista.

99
teoría

“Cada una de estas figuras es repensar la historia de Irán

una metáfora” –dice a su vez no solo desde la Revolución
Shoja Azari en la conversación islámica sino mucho antes
que mantienen él y Shirin desde principios del siglo XX
Neshat en el Walker Art Center, hasta hoy” –decía también
en 2010, a propósito de la Azari.
película mencionada– “porque
a través de las protagonistas En 1996, hizo el último viaje a
se obtiene una representación Irán, sin haber podido volver a
de la mujer iraní, de todas las su país desde entonces, a causa
clases y condición sociales”. del proyecto “Women of Allah”
Como si se tratara de hacer (1993-97), consistente en la
la anatomía del patriarcado serie fotográfica sobre mujeres
de la sociedad iraní, del con velo, armadas con pistolas
papel subalterno de la mujer y la piel tatuada con poesía
y de su sexualidad, a través islámica, por la que se daría a
de Madogjt, Faezé, Munés, conocer internacionalmente.
Zarin y Farrojlagha, se Mujeres en busca de la libertad
identifican consecutivamente perdida que dan sus vidas
los diferentes roles que ésta para recuperar la voz y ser
desempeña en una sociedad escuchadas. Desde que conoció
tradicionalista como la de a Shoja Azari, emprendió una
los años cincuenta con la colaboración que daría lugar
que actualmente siguen a una serie de trabajos en
existiendo estrechos vínculos video y cine, que mantienen
y compatibilidades. Primer una estrecha correspondencia
largometraje de Shirin Neshat, con las imágenes fotográficas
donde literatura y cine se que componen las diferentes
unen para narrar, comunicar y secuencias que ha desarrollado
transmitir historias particulares hasta ahora. Octavio Zaya ha
y universales de mujeres hecho una selección de obra
atravesadas por el miedo, que representativa de la condición
acaban conectándose entre de la mujer en el Islam y
sí. “Las fechas en las que se la politización del cuerpo
centran las historias, 1953, nos como espacio susceptible de
ofrece la oportunidad para intervención y relación con la

100
 teoría

sociedad en general. En la entrevista mantenida con Arthur

C. Danto en el año 2000, Shirin Neshat hace referencia al
uso de la fotografía como el médium más apropiado para
comunicar lo que ella pretende transmitir, ya que este
soporte se adecua fácilmente a su objeto. Por otra parte,
asiente que el cine iraní con la revolución dio un giro
de 360º, preferentemente porque la realidad imponía
la aparición de un cine propio con una identidad muy
marcada y lejos de los standards del cine comercial de la
época anterior, haciendo valer su humanismo y carácter
universal. Lo que era imperioso narrar obligaba a un cambio
de registro, como se desprende del primer cine de Abbas
Kiarostami, que ella también cita en la conversación. Toda
su obra coincide con la necesidad del “decir” lo que sucede
en Irán. Y para hacerlo, la artista adopta la distancia a partir
de la cual puede elaborar los paradigmas imprescindibles
para identificar los tópicos relacionados con la jerarquía de
la masculinidad sobre la feminidad. La experiencia de una
visita a Istanbul está en el origen de “Turbulent” (1998) –la
primera obra cinematográfica que hizo y la primera de una
trilogía, en la que se incluyen “Rapture” (1999) y “Fervor”
(2000). La estructura de “Turbulent” confronta a un
cantante masculino que responde al ideal de hombre en la
sociedad en que vive, tanto por el modo de vestir como por
la canción que interpreta de Rumí, un poeta sufí del siglo
XIII. En la pantalla opuesta: una mujer que no respeta las
reglas, que improvisa el canto sin adaptarse a ningún canon
ni norma. Shirin, en la entrevista mencionada, explica
que las mujeres en Irán no pueden cantar en público. La
persona que interpretó este papel para ella fue la cantante
iraní Sussan Deihim que también reside en Nueva York,
cuya música se inspira en la tradición islámica, aunque no
se parece a ninguna música en particular. Por “Rapture” y
“Soliloquy”, se le concedió el Premio Internacional de la
Bienal de Venecia en 1999.

101
teoría

“La última palabra” fue el título de la primera

exposición que la artista hizo en España. En
2005, el MUSAC, que entonces dirigía Rafael
Doctor, acogió el proyecto comisariado a su
vez por Octavio Zaya, que posteriormente en
2006 itineraría al CAAM de Las Palmas. Fue
una revelación, no solo porque de alguna
manera cubría un ámbito de actuación o
intervención apenas existente o visible, sino
porque descubría aspectos de un mundo que
la Revolución Islámica había transformado en
otro apenas reconocible para la artista que no
regresaría a su país hasta once años después
de que aquella se produjera. Con ocasión
de este evento, el programa Metrópolis de
TVE dedicó una de sus ediciones a la artista,
que aportó su experiencia dentro y fuera del
país, su percepción de la República Islámica,
su actitud ante un sistema represivo que
condena la imaginación, que se considera
oscura y lujuriosa, como se acusa en la obra
del mismo nombre realizada en 2003, que
ella dedicaba a escritores de ambos sexos
encarcelados en Irán durante varios años. La
espectacular puesta en escena que se hizo
en el MUSAC no tiene nada que ver con la
discreta exposición que acoge Fundación
Telefónica en esta ocasión, aunque no por
tal motivo menos significativa, ni menos
rotunda, porque ya existe un importante
precedente que dio a conocer a la artista en
España.

102
 teoría

en la cultura iraní, cuyo culto a la poesía

como máxima forma de expresión
muestra la veneración por la tradición
oral y el lenguaje escrito: “Desde
los antiguos pictogramas persas a la
caligrafía iluminada de los miniaturistas,
la poesía de Irán ha adquirido una
rotunda forma expresiva con relevantes
facetas semánticas, visuales y auditivas”.
Ella decide escribir y dibujar sobre el
cuerpo como una estrategia a partir
de la cual coordina el establecimiento
de correspondencias entre el velo y el
texto. Por su parte, Octavio Zaya, aduce
al respecto que el velo en Irán impone
la contención y la invisibilidad de la
mujer en el espacio público ocultando
respectivamente su sexualidad. En este
sentido, dando prioridad a los aspectos
relacionados con la condición de la mujer
musulmana y la identidad cultural de la
Shirin Neshat, Rebellion, serie El libro de los Reyes,
artista, la selección de la obra expuesta
2012. Cortesía Gladstone Gallery.
responde a su interés por incitar a la
La escritura se convierte en inscripción lectura a partir de un texto gráfico,
sobre el cuerpo simulando el tatuaje, tatuado por así decir sobre el cuerpo de
para que no se borre y adoptando el la mujer.
formato de la caligrafía persa o de paisaje
que forma parte de la textura de la piel, En esta exposición, Shirin Neshat aporta
en tanto que texto. Esta textualidad se una nueva oportunidad para incorporar
refuerza por la pertenencia de la artista a un trabajo relacionado con una
una cultura como la iraní que siempre ha cultura no tan distante de la nuestra –
concedido gran importancia al sentido inventamos la distancia para separarnos
ornamental de la caligrafía y a la poesía. de lo que tal vez nos es más próximo de
Shahram Karimi, en el catálogo, insiste lo que a primera vista parece y porque
en el lugar preeminente de la escritura esto nos permite relegar asuntos propios

103
teoría

a otras culturas diferentes de la internacionales. No obstante, la

nuestra. No obstante, la poética visibilidad de estas y otras artistas
de las imágenes que vemos nos como Marjane Satrapi (1969),
hace pensar en el presente y en el autora del célebre largometraje
pasado relacionando espacios de de animación, “Persépolis”,
tiempo y geografías que acumulan Malekeh Nayiny (1955) o Tala
éxodos, viajes de ida y vuelta, y Madani (1981), no se puede
una cosa fundamental, la noción menospreciar porque repercute
de género y la violencia que se en la visibilidad de un país
impone en nombre de un sistema, que necesita hacerse oír fuera,
que desafían estas mujeres porque dentro no tiene derecho
con velo de espaldas al público al habla. Es por este motivo que
caminando por el desierto hasta esta exposición contribuye a dar
llegar al mar, donde embarcan y visibilidad a temas que nos son
huyen hacia el horizonte, en una más próximos de lo que parece
marcha sin retorno en busca de y que por otra parte deben
la libertad. Hace poco, la artista actualizarse continuamente, para
iraní Farideh Lashai (1944-2013) no dejar de percibir los cambios
era noticia por su fallecimiento a que se producen en el país y los
causa de un cáncer el pasado 24 que se seguirán produciendo en
de febrero, tras estar presente un futuro próximo.
con su obra en las dos últimas
ediciones de ARCO, de la mano Shirin Neshat. Escrito sobre el
de la Edward Tyler Nahem Gallery cuerpo, Fundación Telefónica,
de Nueva York, con sus pinturas c/ Fuencarral 3, Madrid. Del 6 de
e instalaciones multimedia. junio al 1 de septiembre de 2013.
Roberta Bosco se refería a ella en
un artículo publicado en El País
bajo el título “El arte sin velo de
las iraníes” el 21 de abril, junto a
otras dos artistas también iraníes,
Raha Raissnia (1968) y Samira
Hodaei (1981), respectivamente
representativas de otras dos
generaciones de artistas locales,

104
 teoría

Dalí y la sexualidad
Rocío de la Villa, patrona de la Fundación Gala-Dalí, 2008-2009

Basta merodear por las salas de esta retrospectiva para constatar

qué le interesa al público de Dalí. Ese público que quizás salve
el año al Reina Sofía, tras el paso de esta exposición con más de
doscientas obras por el Pompidou con la cifra record de 800.000
visitantes. No el joven Dalí, que despunta virtuoso entre sus
compañeros en Madrid y prueba con el estilo de varios ismos de
las vanguardias, como el cubismo, el fauvismo o el futurismo, y
se balancea, como tantos otros a mediados de los años veinte,
en el retorno al orden. Ni el viejo Dalí, cuando a partir de los
años sesenta, tras guiños al pop, su instinto por sobrevivir
en la historia del arte le lleva a ensayar con estereoscopias y
holografías, cada vez más interesado por lenguajes tecnológicos
y matemáticos, vertidos inevitablemente por él en un misticismo
cósmico, contrapartida de sus populares y polémicas actuaciones
ante la televisión.

Aunque los visitantes se arremolinen ante los vídeos de sus

polémicas performances, un reclamo con el que hábilmente
se ha especiado todo el recorrido y que culmina en las
bochornosas y polémicas grabaciones durante el franquismo,
imposturas freaks en la sociedad espectacularizada, el Dalí que
interesa ahora, como interesó en su tiempo, es el artista, pintor
y escritor, guionista y escenógrafo cinematográfico que desborda
con sus imágenes surrealistas y kitsch rezumando tabúes y
fijaciones sexuales, nunca antes mostradas y explicadas en la
historia de la pintura.

105
teoría

Demasiado y en demasía mal, con bajo estilo y en lugares

inoportunos, se ha hablado de la sexualidad de Salvador
Dalí (1904-1989). También el compulsivo personaje Dalí
“excéntrico y concéntrico” vendió detalles e invenciones como
reclamo facilón para retroalimentar esa vida artística frágil y
bordeliana, y casi hasta el último suspiro empeñada en ganarle
la partida a la caducidad del tiempo. Andrógino y onanista,
obsesionado por las nalgas de su hermana y de Gala, mirón
de jovencitos…, más interesante es rastrear el tratamiento que
hizo de la sexualidad en su obra como síntoma del narcisismo
y fetichismo en el arte contemporáneo, y evidenciar su
capacidad de absorber y registrar la sensibilidad de nuestro
tiempo, lastrada por el sex-appeal de lo inorgánico.

A partir de 1926 Dalí, que ya había leído a Freud en la

Residencia de Estudiantes, abraza el surrealismo. A través de su
conocimiento de la revista La Révolution surréaliste, comienza
a ensayar el espacio onírico de Tanguy y Miró, enfatizando el
combate entre Eros y Tanatos, como si el erotismo estuviera
indisolublemente unido a la muerte, en las telas La miel es
más dulce que la sangre, Los esfuerzos estériles/Cenicitas y Dos
figuras en una playa. Los deseos insatisfechos, ya de 1928,
donde emerge la mano/dedo/falo que se hace explícita
en la rara pieza Playa antropomórfica, un corcho pintado,
con esponja y un dedo de madera policromada, y que sin
atribución de autoría, bien pudiéramos confundir con una
obra de arte de género producida por algun/a artista de las
últimas generaciones.

106
 teoría

“alucinación voluntaria”. Es decir, un

proceso interpretativo y sistemático
de pensamientos irracionales
para desacreditar la realidad que
desencadenará el desdoblamiento de
la imagen e incluso su multiplicación.
Entonces, las distorsiones ópticas
se convierten en un recurso
compositivo y pictórico dictado por la
anamorfosis. Una década que culmina
en la Metamorfosis de Narciso (1937),
en la que se condensa la aportación
imborrable de Dalí a la historia del
arte, con sus iconografías de traumas
sexuales convertidas en imágenes
que subvierten la idealizada belleza
erótica con obscenidad.

Vale recordar el contexto en el que se

Salvador Dalí, Playa antropomófica [estado actual], integrará esta aportación daliniana
1928. Salvador Dalí Museum, San Petersburgo en la tematización vanguardista de
eros y su cuestionamiento frente
Es el periodo crucial para Dalí, a la norma heterosexista. Pues, si
cuando todo se precipita y condensa: bien entre los artistas expresionistas
colabora decisivamente en Un perro llega a ser más o menos común la
andaluz (1929) de Buñuel y al año representación de ambientes y de
siguiente en La edad de oro; en París, parejas e individuos homosexuales, y
entra en contacto con el grupo de los entre los próximos al surrealismo se
surrealistas y en verano, en Cadaqués, cuestionan los roles heterosexistas,
conoce a Gala, su mujer y musa; y formula como hace con persistencia la
la actividad paranoica-crítica, que fotógrafa Claude Cahun y el propio
después llamara “método”, aportación Marcel Duchamp en la serie tomada
decisiva al surrealismo, con que deja por Man Ray Rrose Sélavy (Eros, c’est
atrás los juegos de creación inconsciente la vie) desde 1921, a partir de 1926
y colectiva por azar, para afirmar la el interés por formas no admitidas

107
teoría

de sexualidad se va incrementando en el grupo

surrealista, como muestra el n. 8 de la revista La
Révolution surréaliste en torno al Marqués de Sade,
en la que colabora Dalí; y después, las jornadas del 28
y 31 de diciembre de 1928 en casa de André Breton
donde se discuten temas como la masturbación en la
mujer y en el hombre, la homosexualidad masculina
y femenina, las perversiones, fetichismo, voyeurismo,
etc., cuya traslación aparecerá después en la revista.
Ese mismo año Bataille publica L’histoire de l’œil. La
creación en 1933 de La muñeca por Hans Bellmer,
acogido por el grupo parisino en 1938, quizás pueda
considerarse un momento de cierre provisional de
este período de creciente intensidad en torno al
acoso de los tabúes de la sexualidad reglamentada
por el cristianismo.

Salvador Dalí,El gran masturbador, 1929. MNCARS.

108
 teoría

En El gran masturbador Dalí muestra con descaro y

orgullo su vida psíquica y sexual. A partir de entonces la
iconografía fálica, su temperatura blanda y sus fluidos
se despliega en todo elemento de representación:
figuras completas y extremidades se reducen a
miembros y se proyectan sobre el paisaje. La relamida
pintura lame los pezones de las desnudas, como en Las
rosas ensangrentadas (1930). Dalí ya está trasladando
a la pintura el gusto kitsch, atrayente y facilón, del
modernismo internacional en revistas ilustradas y
anuncios publicitarios.

Salvador Dalí, Aurora, mediodía, atardecer y crepúsculo, 1974

En contraposición, toda la serie inspirada en El

Ángelus de Millet –a la que en este montaje se dedica
una salita exclusiva por la importancia que subrayó
el pintor en la retrospectiva en 1979 para el Centre
Pompidou–, demuestra la investigación del artista
empeñado en verter en imágenes, casi de un modo
deconstructivo, el pánico masculino ante la vagina
dentata de las mujeres. El campesino se protege los
genitales mientras en la figura de la mujer se revela su
identidad oculta: la de la mantis religiosa que después
del apareamiento devora al macho. Tras la exhumación
de esta verdad en su texto El Mito trágico de El Ángelus

109
teoría

de Millet, escrito bajo su método medio atmosfericocéfalo ordeñando

paranoico-crítico, la exaltación de la un arpa craneal y El espectro del sex-
masturbación como vía legítima de appeal. Secuencia que corre paralela
la sexualidad es plasmada en la serie a las metamorfosis entre lo duro y
sobre el arpa. lo blando, lo orgánico y lo mineral,
la sexualidad y la naturaleza con
que Dalí acuña su propio lenguaje
pictórico en variaciones de una
misma composición: la figura en el
paisaje próximo mediterráneo.

Salvador Dalí, Burócrata medio atmosfericocéfalo

ordeñando un arpa craneal, c. 1933

El miembro como protuberancia Dalí, El espectro del sex-appeal, c. 1934

blanda sostenida por una muleta
protagoniza las telas presentes en La serie, además, tiene su conclusión
esta exposición Pan catalán/Pan en la Metamorfosis de Narciso,
antropomorfo, El arpa invisible, según el propio Dalí, “el primer
fina y mediana, Meditación sobre cuadro obtenido enteramente según
el arpa, El arpa invisible, Burócrata la aplicación íntegra del método

110
 teoría

paranoico-crítico”, con el que

invita al espectador a un juego de
alternancia visual hasta confundir
figura y mano, cuyo resultado –
al menos para el artista– sería la
superación del narcisismo.

Dalí, Teléfono afrodisiaco, 1938

Tampoco del sex-appeal de lo

inorgánico definitivamente
tematizado por Mario Perniola
Salvador Dalí, Metamorfosis de Narciso, 1938 como síntoma de nuestro tiempo en
la década de los noventa, pero que
Sin embargo, el arte contemporáneo Salvador Dalí comienza a explicitar
no se desembarazaría ya de la también durante estos años treinta,
acentuación del narcisismo como con objetos protagonistas en las
expresión de un rasgo característico exposiciones surrealistas coetáneas,
de la civilización occidental en como el Teléfono afrodisiaco. Y
nuestra época, como han subrayado que posteriormente, desplegaría en
desde Rosalynd Krauss a Lipovetsky; el fetichismo decorativo kitsch del
ni tampoco de la continua Teatro-Museo Dalí en Figueres,
insurgencia de artistas y teóricos que recibe cerca de un millón de
que insisten en la cuestión del sujeto visitantes al año.
y ahondan en las diferencias en
orientaciones, actitudes y prácticas
sexuales y los mecanismos psíquicos
del poder de los que dependen y
ante los que se sublevan.

111
teoría

Dalí, Diorama de Mae West, 1974

Dalí. Todas las sugestiones poéticas y todas

las posibilidades plásticas, Museo Nacional
Centro de Arte Reina Sofía, Madrid. Del 27
de abril al 2 de septiembre de 2013.

Comisario general: Jean-Hubert Martin.

Comisarios: Montse Aguer, Juan-Michel
Bouhours y Thierry Dufrêne.

112
 proyectos

C l a u d i a con su planta en dodecaedro y

tres alturas de galerías permite ver
la zona central desde cualquier
Martínez, punto y posibilita disfrutar
de distintas perspectivas de

De corazón visibilidad.

Durante largo tiempo he

Con ocasión de su exposición en La desarrollado a través de mi obra
Gallera, comisariada por Isabel Tejeda, diversas estrategias para hablar
publicamos el texto de la artista para de temas relacionados con las
el catálogo. artes de la paciencia, del tiempo
de elaboración de las tramas, del
19. Lin/ El Acercamiento. valor de la factura manual, de la
arriba K’un, Lo Receptivo, la Tierra construcción a pequeñas voces,
abajoTui, Lo Sereno, el lago. del estado meditativo al que te
transporta la repetición de un
El signo, en su conjunto, alude a un movimiento, y para esto me he
tiempo de esperanzado progreso. valido en muchas ocasiones de
Se aproxima la primavera. La lo que genéricamente llamamos
alegría y la transigencia van tejido.
acercando entre sí a altos y bajos.
El éxito es seguro. Lo único que Así, he investigado y abordado
hace falta es la realización de una esta manera de trabajar en varios
tarea resuelta y tesonera capaz aspectos que, por su naturaleza
de aprovechar plenamente los constructiva, iban ligando todos
favores del tiempo. estos temas. No obstante, en
los últimos años me produce
I CHING, El Libro de las Mutaciones particular interés el tejido en
Muchas veces he cavilado acerca tanto que actividad social, la
de cómo plantear un proyecto relación que se establece con
propio dentro del espacio de y entre las personas alrededor
La Gallera, un lugar en el que de una propuesta de trabajo.
antiguamente se realizaban peleas El aporte que la gente da a mi
de gallos. Hoy, lejos ya de esa oficio y su implicación en el mismo
función, el diseño de su espacio logran minimizar la distancia

113
proyectos

entre el artista y el espectador, aspecto este que siempre

me resulta un tanto inquietante. El trabajo en un mismo
plano (una red) provoca que las conexiones humanas y
afectivas se establezcan con naturalidad.

Cuando desarrollé la pieza Tomar el hilo, un mapa

de pistas del Sáhara Occidental bordado a mano en
colaboración con varias personas tanto en Valencia como
en Tifariti (R.A.D.S.), la intención era recuperar la palabra,
el diálogo perdido entre las partes en conflicto. Allí las
horas compartidas de trabajo nos permitían hablar de
todo lo acontecido en ese territorio y, de una manera
poética, intentábamos reparar el dialogo y enlazar las
partes que han quedado desmembradas después del exilio
en la Hamada argelina y los años de lucha diplomáticas.
De ahí Tomar el hilo, por lo del hilo del discurso.
Bordando me planteé recuperar la voz de las mujeres,
que están aún más en segundo plano, en la retaguardia
de este terrible conflicto que persiste ante la indiferencia
internacional. Mi actuación en este caso fue de aprendiz:
quería escuchar de primera mano lo que acontece en
esta desafortunada realidad del pueblo saharaui. Tengo

114
 proyectos

el firme convencimiento de que las pequeñas reparaciones unidas

generan grandes soluciones, y este mapa bordado entre todos tenía
la vocación de restaurar el territorio expropiado en el mapa del
mundo.

Claudia Martínez, Desborde, La Gallera, 2013. Fotografía: Pepe Caparrós

115
 lenguajes visuales y los
intereses de mi pensamiento.
Unas veces relacionados con
proyectos
las miniaturas, otras con la
biología, la ferretería, el
Vo l v i e n d o a l p r o y e c t o mundo de las texturas, los hilos
expositivo Desborde, la idea de o las gomas; algunos de estos
fabricar un gran tejido central objetos son muy procesados
flotante, un macroencaje y otros simples encuentros
alveolar que ocupe el núcleo casuales con materias para mí
del edificio, un corazón poroso exquisitas y evocadoras.
inserto en el corazón mismo
de la torre, fue sugerida por
la propia arquitectura. Su Los dibujos siguen la misma
naturaleza vertical apunta al dinámica plural: unos son
aprovechamiento de ese gran trazos gestuales rápidos, otros
vacío central y, como expuse muy elaborados, recuerdan
antes, la posibilidad de sus a los campos de observación
distintas perspectivas visuales a través del microscopio,
permiten conducir la mirada describiendo universos llenos
del público. Al ofrecerle la de formas que se enroscan,
ocasión de circular por arriba enlazan o invocan paisajes
y por debajo de toda la pieza, distantes de perspectiva
el observador no pierde aérea. Todas estas piezas,
la concentración hacia lo en su complejidad o en su
pequeño, como tantas veces sencillez, hacen culto a la
demanda mi trabajo. experimentación y remiten
a un laboratorio de ideas,
En relación a esto, en la planta en un despliegue reticular
superior, dispuestos sobre de múltiples huellas a seguir.
una gran pared dorada, se Seguramente, varias de estas
encuentran dibujos, piezas de versiones de micro proyectos
cerámica y pequeños ensayos enraízan perfectamente con
de taller. No se trata de obras la obra central que abarca casi
menores sino apuntes poéticos toda la atención y el espacio
que, por su diversidad, forman de la sala.
un conjunto que permite
vislumbrar los múltiples

116
 proyectos
Esta, ya planteada a gran armando sus encajes de aguja
escala y en relación a su gran para traducirlos en puntillas y
volumen y magnitud de tapetes; otro tanto acontece
trabajo, hizo imprescindible con las tejedoras de ponchos
para su ejecución la y alfombras de Belén y Santa
colaboración de manos María en Catamarca, quienes
tejedoras que me ayudaran aún hilan a mano haciendo
en una empresa no apta para girar con destreza el huso
almas ansiosas. para dar forma de hebra a los
vellones de lana de llama y
El tejido casi siempre ha sido oveja. Algo similar ocurre con
una tarea anónima, un trabajo los incansables trabajadores
invisible ligado a la vida de la del ñandutí en Paraguay, que
comunidad y la supervivencia, viven y trabajan en pequeñas
ofreciendo la protección comunidades en las que el
necesaria para el cuerpo y el día a día y la subsistencia
descanso. Hoy, con la celeridad giran alrededor de un tipo de
de los tiempos y las costumbres bordado en piezas de algodón,
veloces, aquellas tareas – el Aopo’i. Y las bordadoras de
tan ligadas a la paciencia y encaje de bolillos que vi en
a un tiempo dilatado que yo Vinaròs una mañana al final
intento rescatar para mi obra y del verano: eran decenas de
mi vida– van siendo relegadas, señoras sentadas en plena
olvidadas y suplantadas por calle, reunidas a tejer para
medios industriales. hablar y no llevar al olvido
unas tradiciones en las que
En cambio, en sociedades con siguen los motivos geométricos
una economía de subsistencia, de sus puntillas con el ritmo
el trabajo del telar y los grave de grillos al golpetear
tejidos es a menudo el sostén sus bobinas de madera.
económico de pequeñas
comunidades que perduran Así es la tarea invisible
gracias a la producción de y anónima del textil, a
artesanías hoy casi extinguidas. mano o a máquina, que
Tal es el caso de la randeras paradójicamente se hace
de Monteros en Tucumán visible en la producción de
(Argentina), que continúan Oriente para Occidente, donde

117
proyectos

esta labor de mujeres ocupa ellas se incluyen los elementos

miles de manos hacendosas que de su cotidianeidad (sol, agua,
con dedos ágiles, trabajan más tierra, aire) y los acontecimientos
de las horas permitidas delante desafortunados y los felices de la
de las máquinas para fabricar tejedora. Para los incas, los dibujos,
los géneros que forman parte los colores y el modo de trabajar el
de las prendas visibles en las tejido en sus mantas eran claves que
grandes colecciones de la moda describían un complejo mundo de
de Occidente. geometrías, matemáticas, estaciones
y cosechas.
H o y, m á s q u e n u n c a , e s t a s
labores toman notoriedad en
las imágenes del telediario que
nos muestran el destino de la
clase obrera de Bangladesh y
la conmovedora historia de los
más de mil trabajadores muertos
bajo los escombros de las fábricas
textiles, sometidos a condiciones
inhumanas de trabajo ante
la mirada indiferente de los
especuladores de la industria
textil.

P e r o l a a c t i v i d a d d e t e j e r,
mecánica y complicada,
también encierra poéticas
sutiles que tienen profundas
conexiones entre su elaborador
y el producto. Tal es el caso del
mundo cifrado de las alfombras:
en ellas se narra el destino de
un pueblo, sus costumbres y
se nomina a los integrantes
de una pequeña aldea. En
Claudia Martínez, Desborde, La Gallera, 2013.
Fotografía: Pepe Caparrós

118
 proyectos

En el planteamiento de Desborde no
hay narración, por situarse justo en el
límite entre la escultura y el dibujo, el
bordado y la cestería. El proceso es su
historia, la historia de su confección,
un tempus suspendido, un relato
cotidiano, monótono y vital lleno de
pequeños matices y de diferentes voces
que se cruzan. Retiene en su espesura un
diario de mañanas y tardes de una decena
de manos que retuercen y cortan para
volver a unir y dar nueva forma; un coro
de murmullos, confesiones y de silencios
acompasados mientras las manos giran
veloces, generando nudos y torsiones
para armar esas pequeñas matas
alveolares que luego formarán parte de
un todo mayor; son manos amigas que
se han ido sumando y haciendo suya mi
propuesta.

Esta implicación afectiva con la gente es

la que cierra el círculo, el mismo círculo
que crece lentamente y que a día de hoy,
está dispuesto en el suelo para organizar
los colores. Así tenemos ordenada una
escala tonal que va del rojo brillante
al ocre dorado y que forma un paisaje
orgánico, una nube de alvéolos y vénulas
que formarán un órgano suspendido,
un corazón metafórico que pulsara la
energía desde el aire.

119
proyectos

Tejemos en círculo, unos al lado

de otros. Sumando, uniendo y
retorciendo cada tramo; cada
unión forma parte de otra y esta
de otra más y así sucesivamente.
En esta repetición continua, en esta salmodia, se
compone la estructura que sustenta todo el proyecto.
Ya que el fin último de la propuesta es hacer que todas
las partes sumen y sostengan con igual importancia,
el tejido en red hará que cada parte de las múltiples
ramificaciones genere una fuerza sostenedora de todo
el órgano y pueda flotar en conexión con la propia
arquitectura.

De alguna forma, la poética de esta pieza se genera

por el nexo entre las partes: es la unión la que crea la
fuerza para sostener, como en la vida misma, fórmula
que hemos comprobado muchas veces.

Desborde, Claudia Martínez, Sala de La Gallera, c/

Aluders 7, Valencia. Del 18 de junio al 31 de octubre de
2013.

Comisaria: Isabel Tejeda.

120
 proyectos

Katarzyna Rogowitz:
un viaje a las fuentes,
los conceptos y las
influencias de una
artista a través de la
mujer.
Paz Tornero

Katarzyna Rogowicz es una el Hospital Reina Sofía o

artista multidisciplinar e Biblioteca Regional de Murcia,
ilustradora de literatura infantil Sala Infantil en la misma
y juvenil. Licenciada en Bellas region, entre otros.
Artes por UM (Murcia, España),
diseñadora gráfica e ilustradora En 2005 comenzó a dirigir
por Escuela Superior de Arte talleres inspirados en el Arte
(Murcia, España) y estudios y lo cotidiano para todos los
artísticos en la Universidad públicos. Como la propia artista
Popular de Turno (Varsovia, los define “de la escritura a
Polonia). Katarzyna, polaca de la imagen inconsciente…”,
nacimiento, reside desde 1992 una metamorfosis continua
en Murcia, afirma que vive en gracias al uso de multitud
España “gracias a mi familia”, de herramientas con las
pero la “verdad es que yo quise que crear y propiciar “la
cambiar, salir de mi país y hacer transformación de algo en
una vida nueva”. otra cosa”. La motivación y el
conocimiento de las técnicas,
Ha realizado numerosas hacen florecer el pensamiento
exposiciones individuales y sus creativo. En sus talleres,
obras se encuentran en distintas prima la idea de enseñar tres
colecciones públicas como en el técnicas: frottage, monotipia
Hospital Universitario Virgen y collage, procedimientos
de La Arrixaca de Murcia en que en su conjunto favorecen
la Unidad Materno-Infantil,

121
proyectos

el diálogo y ofrecen la la artista pretende hablar, a

posibilidad de expresarse través de la costura, sobre el
plásticamente. Lo que para más profundo sentimiento
los jóvenes en principio son de encerramiento-atadura
“sílabas” trabajadas individual emocional y física dentro
y colectivamente, pueden del hogar de la maternidad.
arrancar sonrisas y nuevas Utiliza Arte para hablar de lo
“palabras dibujadas”. cotidiano, lo doméstico, de
la intimidad y complejidad
Sus talleres con adultos se de las relaciones familiares.
centran en el trabajo con ¿Cuál es para cada una y cuál
mujeres, por ejemplo a través es la respuesta personal a los
de la creación de un tapiz, principios culturales y sociales
para intentar reforzar las ante el matrimonio y la
raíces y el vinculo emocional maternidad?
con antepasados y con
personas que identificamos El error y lo imperfecto, como
como modelos a seguir. Como la costura rápida y a mano, se
resultado, una tela tejida con va a convertir en oportunidades
cariño y mucha conversación. de cicatrizar.
Se construye una tela donde

Te j i d o “ L a s m u j e r e s t e j e n s u d e s t i n o ” r e a l i z a d o p o r m u j e r e s d e C i e z a , M u r c i a .
Servicios Sociales de Cieza, 2012.

122
 proyectos

Como artista, su trayectoria personal se define mediante un

análisis y la constante alteración de los roles inventados por la
sociedad. Esos roles muestran una realidad más simple de lo que
verdaderamente es. La máscara, la apariencia, el traje, la “falsa”
identidad del sujeto, un tema muy presente en la obra pictórica de
la artista junto con la apropiación de los cuentos tradicionales y su
alteración desde el imaginario de Katarzyna.

La maternidad, dar a luz, un proceso doloroso y a la vez gratificante,

con esta experiencia la artista establece un paralelismo entre CREAR
y CRIAR haciendo presente la pulsión Eros-Thanatos que tiene
lugar en ambos casos. Los roles a seguir son aquellas tareas que
parecían pertenecer por derecho propio al género femenino: lavar,
planchar, ordenar, fregar, cocinar, comprar; en definitiva manejar la
intendencia del hogar y que las artistas feministas de los 60 y 70
llevaron al museo como parte de una reivindicación de género. Sus
ilustraciones son sus trazos con los que reconstruye la realidad y
rellena todo espacio disponible. Son dibujos que no pasan por el
tamiz de un criterio analítico sino que se distinguen por su finalidad
pedagógica: como decodificador de las relaciones que mantiene,
los seres que la rodean, los objetos.

Ilustración parte del proyecto Fever, 2012, un libro basado en la ilustración de los
sentimientos propios y ajenos.

123
proyectos

Mañana tenía 3 y ahora tengo 4 la intención es explicar el mundo desde

años es una obra que habla de la el cuerpo de la mujer y el significado
relación madre e hija, mediante de la femineidad.
un vestido diseñado y pintado
por la artista, una niña que lo
dibuja todo, lo llena todo con
su presencia. ¿Cómo se altera la
noción del tiempo para su madre?
La artista madre-creadora, ¿de
qué manera afecta la maternidad
a una artista? Ahí está la pequeña
Alicia, Alicia tras el espejo, que le M a ñ a n a t e n í a 3 y a h o r a t e n g o 4 a ñ o s, 2 0 0 5 .
sirve a Katarzyna para hablar de la Fotografía/arte©Katarzyna Rogowicz, fotografía©
relación con el otro. De la relación Manuel Zamora
con su hija. Otro ser humano que
partió de nosotros pero que se sitúa Otro interesante y más reciente
como identidad independiente y trabajo, Fever, 2012, fue un proyecto
a veces invasora, una identidad en “doloroso y muy complicado” afirma la
construcción. Un tiempo que ya no artista, que, sin embargo, le ha servido
existe. Mañana tenía. Ahora tendré. para sanarse por medio de un análisis y
Un tiempo pasado que dejó de trabajo introspectivo nada agradable.
existir y ahora vivimos otro que nos Para Katarzyna, su propia obra la está
obliga a realizar una nueva lectura, sanando.
las revelaciones del presente donde
también encontramos una escalera Fever presenta un trabajo muy
al cielo. “Hablo del sentimiento elaborado, con calidad y originalidad,
de atadura, manos atadas y con un mensaje universal. Un libro
ocupadas, mangas que impiden y unos conceptos para reflexionar,
movimientos…” afirma la artista. comprender el alma humana y sus
desvaríos. La consecuencia de un
Para ella, lo interesante de este mundo que permanece muchas
material es manifestar la invasión veces inalterable. Los miedos son
del otro. Mediante sus ilustraciones, sentimientos de nuestro más profundo
sus telas intervenidas y sus muñecos ser, todos los tenemos. La ablación, el

124
 proyectos

hambre, las fobias, la violación, el

aborto, el exilio interior, la asfixia
y el amor. Un amor quemado
como punto final o como punto
de partida. Un libro compuesto
de textos que acompañan a las
ilustraciones o fotografías escritos
sobre las paredes, las de su propia
vivienda y lugares de abandono.
Ese abandono que muchos de estos
sentimientos descritos por ella
le rodea. La soledad. El proceso
creativo de la ilustración de los
sentimientos propios y ajenos. “Me
centré al máximo en el dibujo, que Una de las ilustraciones que componen Fever, 2012.

es lo que más me gusta, y, a través

de él, he querido exteriorizar todo Cualquier cosa puede ser el detonante
aquello que, inconscientemente, de un sentimiento, sobre todo aquellos
llevo dentro. He querido que hibernan en tu más remoto
comunicarme con la gente” afirma interior. La autora los denomina
la autora y prosigue afirmado que “White rabbits ítems”, ya que en el
“Lo que sentí, durante el proceso momento menos esperado aparecen y
creativo de ilustrar el texto, fue la se instalan por duplicado.
fiebre que produce el dolor ficticio
del protagonista, el dolor ajeno, y el El texto que acompaña a Fever, es de
dolor heredado que sacudió varias Wallace Shawn. “Durante el proceso
generaciones de mujeres de mi creativo de ilustrar el texto sentí la
familia”. El dolor, mi dolor, tu dolor, fiebre que produce el dolor ficticio del
“haz de tu dolor una parte de tu protagonista, el dolor colectivo ajeno,
vida…”. el dolor heredado que sacudió varias
generaciones de mujeres de mi familia,
junto con el propio dolor hibernado,
latente y sordo. Gracias a mis 9
apreciadas lágrimas me enfrenté a mí
misma, di lugar a mi cuerpo sufriente,
un cuerpo en falta, pude llorar, parir y
tener en mis manos, ante mis ojos “lo
vivido hasta entonces”.
125
proyectos

P a r a c o n c l u i r, K a t a r z y n a
“no quiero
afirma que
ser una artista
monótona, de una
sola idea, porque
no me llenaría y
me inv a dir ía e l
aburrimiento.
Con estos trabajos
acabo de cerrar un
círculo. A partir de
ahora, hago una
limpieza interior.
El dolor puede
resultar repulsivo,
pero, en este caso,
no hay sangre, no
hay violencia”.

Blog GENERAL de Katarzyna Rogowicz:

http://katarzynarogowicz.wordpress.com/
Blog talleres:
http://katarzynarogowicztalleres.blogspot.com.es/

Blog ARTE:
http://katarzynarogowiczarte.blogspot.com.es/
Video KASIA EspacioPático
http://vimeo.com/61643752

126
 proyectos

Mariana Laín, mujeres de modiano

Con ocasión de la participación de

Mariana Laín en la exposición
colectiva Geografía Modiano,
publicamos la serie intimista
realizada por Mariana Laín sobre
mujeres jóvenes que buscan su lugar
en el París de los años 50 y 60,
inspirada en la literatura de Patrick
Modiano.

Geografía Modiano, galería José R.

Ortega, Villanueva 42, Madrid. Del
14 de mayo al 16 de julio de 2013.
Comisario: Fernando Castillo Cáceres

127
proyectos

128
 proyectos

Amparo Hace unos tres años, tuve la

necesidad de retomar aquel

Garrido, primer trabajo, meterme de

lleno en él y seguir buscando
en ese pozo de significados y

Soy tú significantes.

El proyecto para el que solicito

la ayuda es la edición de un libro
con estas nuevas fotografías, que
incluya también las realizadas
anteriormente durante los
años 1996/98. El libro tendría
entre 40-45 fotografías: 23 ó 28
imágenes en color realizadas en
estos últimos tres años + las 17
en blanco y negro de la primera
serie, y algunos textos que
reflexionan sobre la subjetividad.

Amparo Garrido ¿Por qué este libro?

A través de la fotografía hay
Entre los años 1996 y 1998, hice veces que veo claramente que
una serie de fotografías que “la realidad” no existe, que lo
titulé: “Sobre perros, la mirada y que hay son interpretaciones de
el Deseo”. A través de esta serie las cosas condicionadas por el
entré en “el mundo del arte”. lugar desde donde se miran, la
Colecciones importantes de mi cultura a la que uno pertenece, la
país compraron esta obra, entre ideología, etc. Hacer fotografías
ellas el MNCARS (Museo Nacional me ha ayudado a llegar a esta
Centro de Arte Reina Sofía), conclusión. Por eso me interesa
Los fondos de la Comunidad tanto: me permite saber más
de Madrid o la Colección de sobre mí, y sobre la subjetividad
Alcobendas, entre otras. de los otros.

129
proyectos

La idea de este trabajo empezó por el empeño en

entender una fobia. Un día comprendí más o menos como
funcionaba la “estructura de la fobia” y vi que no era a los
perros en realidad a quienes tenía miedo.

Quiero también con este libro reconocer de alguna

forma mi deuda con el psicoanálisis, gracias al cual he ido
pudiendo encontrar mi camino en la fotografía y en la
vida.

¿Para qué necesitamos la financiación?

Me gustaría hacer un libro de artista con una edición

de 1.000 ejemplares. Si consigo el dinero suficiente, me
encantaría que el libro tenga un aspecto estupendo: tapa
dura, papel de buena calidad de 150 gr. y un tamaño de
26 x 26 cm. Las fotografías irían a sangre y el libro tendría
un total aproximado de entre 120-135 páginas. Cuanto
más financiación consiga, de mejor calidad será el libro. La
ayuda que pido cubriría el 50% del total del libro, así que
si consigo un poco más, será genial.

130
 proyectos

¿Qué te puedo dar a cambio? La foto es esta:

-Por 10 €, te quedaré
infinitamente agradecida y te
envío una fotografía digital del
libro.

-Por 30 €, te envío el libro

firmado a tu casa (+ Gastos de
envío).

-Por 40 €, te envío el libro

firmado a tu casa y además
pongo tu nombre en la última
página, dándote las gracias por
ser uno de los sponsors del libro -Por 100 €, te envío el libro
(+ Gastos de envío). firmado a tu casa + la fotografía
25 x 25 cm. y pongo tu nombre
Además de enviarte el libro a como sponsor en la última página
casa firmado, he preparado para del libro (+Gastos de envío).
ti lo siguiente:
-Por 900 €, te envío la fotografía
-Por 70 €, uno de los mejores más especial del libro, la imagen
retratos del libro. Tamaño de del perro de la portada, de un
la foto 25 x 25 cm. Tamaño de tamaño 100 x 100 cm., firmada
la imagen 23 x 23 cm., firmada y numerada en papel baritado
y numerada en papel baritado Ilford con tintas pigmentadas
Ilford con tintas pigmentadas de larga duración, edición de 12
de larga duración. Edición de copias + dos pruebas de artista +
150 copias. Y tu nombre en la un ejemplar del libro firmado y
última página como uno de pongo tu nombre como
los sponsors del libro (+Gastos de sponsor en la última página del
envío). libro.

131
proyectos

La foto es esta:

-Por 1.200 €, hago un retrato de tu perro y te

doy 1 fotografía firmada, tamaño 100 x 100 cm.,
en papel baritado Ilford con tintas pigmentadas
de alta duración, a condición de que me dejes
la posibilidad de usar quizás la foto de tu
perro, para un posible futuro libro, proyecto o
exposición y también pongo tu nombre como
sponsor en el libro. También te doy un libro
firmado.

Si tienes cualquier pregunta o duda puedes

escribirme a la dirección de correo electrónico:
[email protected]

Si quieres ver mi página web y otros trabajos de

fotografía o video: www.amparogarrido.com
Más información: http://es.ulule.com/soy-tu/

132
 patrimonio

(PHE 2013)
COLECCIONADOS
CUERPOS
Detalle montaje sección Taxonomías del Caos.
Gabinete de fotografías en torno al cuerpo en la colección de Rafael Doctor

Redacción

En esta edición de PHotoEspaña dedicada

al Cuerpo. Eros y políticas, afloran
representaciones del cuerpo en colecciones
públicas y privadas.
Aparte de la excelente Sammlung Verbund de Viena, con obras
de artistas feministas europeas y estadounidenses de los años 70,
la propuesta más experimental es la planteada por Rafael Doctor,
que pone a la disposición del público una selección de su colección
de fotografías desde el siglo XIX hasta la pérdida del papel con la
sustitución digital en 1990, de Nadar a Pipilotti Rist, estableciendo
diálogos inesperados. Por otra parte, en una segunda estancia,

133
patrimonio

ha establecido una taxonomía o

clasificación de imágenes agrupadas
en siete temas: el cuerpo de la
infancia, el cuerpo idealizado, el
cuerpo deseado, el cuerpo enfermo,
el cuerpo muerto, el cuerpo del otro
y el cuerpo de lo español. Es decir, una
oportunidad para ver la evolución en
la representación del cuerpo humano
a través de la fotografía.

Sin embargo, el aspecto más original

es el acercamiento íntimo a estas
Gabriela Grech, Autorretrato I, Serie Agua
fotografías, mostradas sin marco ni
cristal, a modo de presentación de un
Continuando la tendencia dictada por
gabinete particular que el exdirector
la pertinaz crisis, varias instituciones
del MUSAC, comisario y gestor
se suman al festival con una selección
cultural Rafael Doctor se propone
de sus fondos. Bajo el título Cuerpos
atender personalmente durante el
revelados, una selección de los
mes de junio, con la intención de
fondos de la Colección Alcobendas
propiciar diálogos e intercambios
se acerca al centro de Madrid, en
de impresiones sobre las fotografías
el Jardín Botánico, confeccionada
con los visitantes. En sus palabras:
con imágenes elegidas entre las 750
“Se trata de arropar humanamente
imágenes veinte de los 142 fotógrafos
el proyecto expositivo y observar el
españoles que contiene la colección a
resultado, por si es una vía posible
día de hoy. Como complemento, en la
para seguir avanzando en los modelos
Fundación Antonio Saura en Cuenca,
de exhibición”.
de la Colección Alcobendas se muestra
otra selección temáticamente más
Por último, a modo de juego, se han
abierta, con imágenes de los artistas
escondido seis imágenes históricas por
galardonados con el Premio Nacional
todas las plantas del museo. Quien las
de Fotografía durante los últimos
encuentre, podrá entrar en el sorteo
veinte años.
de una fotografía original de Laurent,
procedente de la colección de Rafael
Doctor.

134
 patrimonio

Ana Casas, Autorretrato, 1992

En el CA2M de Móstoles, comisariada por Juan Vicente Aliaga,

la séptima exposición sobre la colección aborda la intersección
temática entre cuerpos y políticas e indaga perspectivas sobre las
tribus sociales, las costumbres familiares, las representaciones de la
juventud y la vejez, el cuestionamiento del género y los conflictos
de raíz ideológica o religiosa, a través de fotografías y vídeos de la
colección que desgranan la polisemia de los cuerpos dependiendo
de su contexto social.

Artistas: Alberto García-Alix, Alex Francés, Ana Casas, Antoni

Muntadas, Beyth Moysés, Cabello/Carceller (Helena Cabello y Ana
Carceller), Carmen Calvo, Cristina García Rodero, Gonzalo Juanes,
Ester Partegàs, Esther Ferrer, El perro, Eulàlia Valldosera, Falke
Pisano, Fotoestudio Ramblas, Maya Goded, Marina Abramovic,
Martin Parr, Miguel Trillo, Pilar Albarracín, Ramón Masats, René
Peña, Risk Hazekamp, Sally Mann, Sigalit Landau, Susan Meiselas,
Teresa Margolles.

135
patrimonio

Sigalit Landau, Barbed Hula, 2000. video, 2′. CA2M Barbara Kruger, Sin título, 1989

Bastante más descafeinada parece Taxonomía del caos. Gabinete de

la muestra Conocimiento es poder, a fotografías en torno al cuerpo en la
cargo de Pascal Beausse, comisario de colección de Rafael Doctor Roncero,
la colección del Centre National des Fundación Lázaro Galdiano, Madrid.
Arts Plastiques. Tras la fotografía de Del 5 al 30 de junio de 2013.
Barbara Kruger savoir c’est pouvoir,
que da lugar al título de esta colectiva, El cuerpo revelado en los fondos de
la selección resulta demasiado la Colección Alcobendas, Real Jardín
heterogénea, alternando obras sobre Botánico, Madrid. Del 5 de junio al 28
la identidad del sujeto y de talante de julio de 2013.
poético junto a otras de temática
social, de mayor interés. Los Premios Nacionales de Fotografía
en los fondos de la Colección
Alcobendas, Fundación Antonio Saura,
Casa Zavala, Cuenca. Del 7 de junio al
28 de julio de 2013.

Colección VII, CA2M Centro de Arte

Dos de Mayo, Móstoles. Del 7 de junio
al 1 de septiembre de 2013.

Conocimiento es poder, Real Jardín

Botánico, Madrid. Del 5 de junio al 28
de julio de 2013.

136
 cultura visual

Fanzines femeninos

Andrea Galaxina (Díaz Cabezas).

Responsable de Bombas para Desayunar

El fanzine es el medio de expresión más

urgente, auténtico y poderoso del que nos
ha dotado la subcultura. Mientras que el
gran público ignoraba su existencia, en las
partes más subterráneas de la sociedad los
fanzines fueron tomados como instrumento
para la lucha y la expansión de ideas y
consignas por aquellos que se posicionaban
en los márgenes.

137
cultura visual

Es difícil acotar y teorizar sobre un artefacto en

cuyo ADN está grabada la anarquía y el rechazo
a lo académico. Sin embargo, intentaré construir
un relato más o menos acertado sobre el devenir
y el porvenir fanzinero: qué es, qué significa y
quienes lo producen poniendo especial énfasis
en aquellas publicaciones que fueron producidas
por mujeres. En sus motivaciones y en sus
objetivos. En quienes están trabajando ahora en
ellos y en quienes los inspiraron anteriormente.

¿Qué es un fanzine?

Definir qué es un fanzine resulta tan complicado

como demarcarlo en el tiempo y en el espacio, sin
embargo estas publicaciones sí que comparten
unos rasgos definitorios. El principal de ellos sería
la autoedición aupada por la creencia ferviente
en la filosofía DIY, la escasez de medios para su
realización, la multiplicidad formal y libertad en
cuando a los contenidos.

DIY, hazlo tú misma

138
 cultura visual

El principio fundamental que rige la ética DIY (Do it

yourself) es que tú puedes crear tu propia experiencia
cultural. Es el estímulo enfocado a producir algo por
nosotros mismos enfrentado al mensaje lanzado
por los grandes medios de masas que animan a la
gente a consumir1. Este concepto estaría tomado
de movimientos culturales como el Situacionismo,
cuyo principal ideólogo, Guy Debord, instaba a
la gente a hablar por sí misma: “Un movimiento
revolucionario debe recordar siempre que su objetivo
no es conseguir que la gente escuche los discursos
de sus líderes sino lograr que cada persona hable
por sí misma”2. Es por ello que el fanzine siempre
será una publicación editada por uno mismo, o
bien, por pequeñas editoriales independientes
autogestionadas.

Normalmente las personas que hacen fanzines

cuentan con un número escaso de medios. Es
por ello que no es necesario contar con grandes
presupuestos ni infraestructura para realizarlos. En
un principio se utilizaban pequeñas imprentillas,
pero con la popularización de la tecnología y el fácil
acceso a las fotocopiadoras y ordenadores se ha
incrementado exponencialmente la producción de
autopublicaciones.

Otra característica serán las tiradas muy cortas que

oscilan entre 1 y 1000 ejemplares. La producción
fanzinera es pues errática y efímera. Pueden aparecer
en serie durante años o publicarse un único número.
A veces son anónimos, sin fecha, sin paginación y la
tradicional noción de autoría es rechazada.

139
cultura visual

El fanzine no se mueve por intereses comerciales.

Son un alegato por el non-profit y existen para la
autoexpresión, la comunicación, para compartir
información y para entretenerse. Es por ello que se
regalan, intercambian o se venden a precios muy bajos
que buscan cubrir el gasto de la producción y el envío.
Nunca llevan publicidad y si lo hacen son de otros
proyectos DIY. Esto conlleva una defensa a ultranza
de la filosofía anticopyright que será un aspecto muy
importante del fanzine. Esta filosofía propiciaría el
trasvase de publicaciones y contenidos facilitando que
la información sea copiada, compartida y difundida sin
límites.

Los canales de distribución son variados, alterativos

y creativos. En origen, los lugares más comunes para
encontrase fanzines eran conciertos, encuentros
fanzineros, tiendas de discos, librerías ocultas que
solo unos pocos elegidos conocían o a través del boca
a boca. Sin embargo con Internet han proliferado las
tiendas on-line en las que se pueden conseguir.

Temática

Los fanzines son lugares donde la crítica y el

intercambio tiene lugar y donde se rechazan los clichés
y estereotipos. Un fanzine puede contener ensayos
personales, reseñas, críticas, cuentos, poemas, dibujos,
cómics, fotografías, collages, etc. Cualquier cosa que se
pueda fotocopiar es propensa a aparecer en un fanzine.

El hecho de que tú seas el encargado de producir

tu propio material implica que cuentes con una
libertad total a la hora de producir o seleccionar los
contenidos. Es por ello que la temática de los fanzines

140
 cultura visual

es tan variada, habiendo tantos temas como fanzines.

Sin embargo en la imprescindible obra Notes from
the underground: zines and the politics of alternative
culture3 podemos consultar una lista4 con algunas de las
distintas subcategorías que encontraremos si buceamos
en el mundo del fanzine, a saber: Sci-fi zines (temática
pionera, fanzines dedicados a la ciencia-ficción), music
zines, sport zines, art zines, photo zines, literary zines, sex
zines, comix, travel zines, politic zine, perzines (fanzines
personales, en los que se exponen las experiencias vitales
propias).

Estética

En cuanto a la estética del fanzine, esta también es

problemática por la variedad. Encontraremos todo tipo
de tipologías, formas, tamaños, materiales, colores, etc.
Pero nos centraremos en la “tipología clásica” de fanzine,
como lo describe Stephen Duncombe5. Formalmente un
fanzine se encontraría en un lugar intermedio entre una
carta y una revista, reproducidos en una fotocopiadora
estándar, doblados a lo ancho formando un folio A5 y
grapados. Tendrán generalmente entre 10 y 40 páginas.
La cubierta puede ser de papel de color para resultar más
llamativa. Normalmente el contenido se realiza a mano
o usando materiales cotidianos (bolígrafos, rotuladores,
grapadora, etc.) y tecnología doméstica (ordenadores
personales, impresoras, etc.), lo que les otorga una
estética característica un tanto imperfecta, casera e
incluso sucia. Sin embargo, actualmente la variedad
estética que encontramos en los fanzines es infinita,
pudiendo topar con verdaderas joyas de la autoedición,
con portadas serigrafiadas, grabadas, hechas a mano,
con exquisitas encuadernaciones, y un largo etcétera que
convierten al fanzine en una obra de arte oculta y única.

141
cultura visual

Sci-fi zine The comet, primer zine historia

Historia

La historia del fanzine ha ido de la mano de los distintos

movimientos contraculturales que en cada una de las
décadas del siglo XX fueron surgiendo. Aunque el
concepto de fanzine como tal surge en las décadas de los
30 y 40, la bibliografía6 marca como precursores de estos
los movimientos artísticos y políticos de principios de siglo.
Los artistas visuales del siglo XX reconocerán el fanzine
como un medio para la resistencia cultural dotando
de significado político el hecho de crear y distribuir tu
propio trabajo. La autoedición les permitía reproducir su
trabajo de manera barata y sencilla, y del mismo modo
interactuar con un público más amplio. Así, el desarrollo
de la industria de la impresión y las posibilidades que esta
abría les permitirá tener más cerca el ideal utópico de que
la interacción entre el artista y el público era vital y que
el espectador era una parte esencial del proceso artístico.
Todos estos movimientos se esforzaron en cambiar la
percepción generalizada del arte como algo elitista
defendiendo la idea de que podía ser algo universal y
accesible.

142
 cultura visual

El referente principal y fuente y elitista, sino que formase parte

de la que beben prácticamente de la vida cotidiana. Intentarán
todos los grupos contraculturales difundir sus ideas a través de
que surgirán a posteriori será la autoedición produciendo
Dada. Este movimiento radical sus propios panfletos10 en los
internacional literario y artístico que explicaban su ideario. En
que surge en la primera década estas publicaciones incluían un
del siglo XX hizo un llamamiento apartado anticopyright en el que
a la ruptura total con la tradición exponían que su contenido podía
y el sistema cultural y artístico. ser reproducido, adaptado o
Sus artistas experimentarán citado sin necesidad de mencionar
con diferentes imágenes y la fuente. Ha sido uno de los
materiales con los que producían movimientos más influyentes de
pequeños libros a modo de art- y para la contracultura a pesar de
zines que contenían collages, su carácter minoritario y efímero,
estampaciones, etc. y que podían pero sus ideas, su actitud rebelde,
ser reproducidos y distribuidos7. su estilo visual y su manera
Desarrollarán técnicas artísticas de distribuir las publicaciones
subversivas como el collage, serán esenciales. Fluxus y su
el detournement8 o la ataque a la comercialización e
apropiación9 y su estilo editorial, intelectualización del arte y el
con artículos expresando sus mail art, como arte a pequeña
puntos de vista radicales, influirá escala, colaborativo y en continuo
en las subsiguientes generaciones proceso de creación, serán otras
de artistas y autores de fanzines. de las corrientes que precederán e
Siguiendo la estela de Dada, otro influirán al fanzine.
de los movimientos esenciales para
entender el porvenir del fanzine Pero como se apuntó más arriba,
será el Situacionismo. Este grupo no será hasta los años 30 y 40
político y artístico afincado en cuando se establezca oficialmente
París, que tuvo lugar en los años 50 el nacimiento del fanzine11. A
y 60, se interesó por redefinir los partir de los años 20 empezarán
límites del arte. Ellos no querían a aparecer en América revistas
que la gente viese el arte como de ciencia ficción. Uno de estos
una actividad para especialistas magazines profesionales, Amazing

143
cultura visual

Stories, propondrá la participación a sus lectores, los cuales podían

enviarles sus propias historias y a cambio publicarían sus nombres
y direcciones para que quien quisiera les pudiese enviar cartas.
De esta forma se inicia una potente comunidad de fans que
intercambiaban ideas, historias, etc. Poco a poco se fueron creando
club de fans que publicaban sus propios magazines impresos con
mimeógrafos12, lo que los hacía baratos y fáciles de producir y
distribuir. Estas publicaciones eran conocidas como fanmagazines
o fanmags y ya en 1941, uno de los escritores más populares, Russ
Chauvenet, acuñará el término “fanzine”13. La producción de sci-fi
zines continuará creciendo en las décadas posteriores.

El siguiente hito en la historia del fanzine tendrá lugar a finales de

los 40, principios de los 50, con la llamada generación Beat. Este
grupo de jóvenes escritores se plantearon la autoedición como una
manera de distribuir sus obras. Ante su postura vital de rechazo a
la sociedad y con la escritura como única opción y ocupación, sus
radicales puntos de vista literarios y políticos hacían muy complicado
que cualquier medio generalista les publicase su trabajo; así
abrazaron la idea de que la autopublicación y la creación de sus
propios canales de distribución era la única forma de hacer llegar su
trabajo a una audiencia más receptiva. De esta manera empezaron
a producir sus propios chapbooks, utilizando un mimeógrafo para
hacer tiradas pequeñas y baratas publicadas por el propio escritor y
con el único objetivo de ser leídos.

Con la generalización de la tecnología y, sobre todo, con

la introducción de la fotocopiadora, los fanzines se fueron
multiplicando y empezaron a abarcar temáticas muy diversas.
El desarrollo de la impresión en offset y la máquina de escribir
permitían a cualquiera producir su propia prensa de forma barata
y accesible. En los 60 se vivirá la explosión de la prensa radical y los
fanzines políticos. La sensibilidad y conflictividad social y política de
estos momentos y el ambiente de libertad y ruptura con los valores
pre-existentes facilitarán la multiplicación de este tipo de prensa,

144
 cultura visual

que será vista como una valiosísima herramienta para

expresar las informaciones, preocupaciones e ideas que
se desprendían de la naciente contracultura, conformada
principalmente por jóvenes estudiantes. Además esta
prensa underground anticipará y ayudará a vertebrar
grupos activistas relacionados con la lucha estudiantil,
grupos antibelicistas, feministas, grupos por los derechos
de la comunidad LGTBQ, la lucha obrera, antibelicista,
anticapitalista, y los movimientos de Nueva Izquierda, por
los derechos civiles y el movimiento pacifista.

Esta prensa underground de los 60 alimentará la explosión

de publicaciones disidentes de los 70. En estos años nacerá
el último gran movimiento de ruptura del siglo XX: el
punk, que recogerá y adaptará alguna de las consignas
de Dada y del Situacionismo. En estos momentos el
llamado rock de estadio contribuirá a una glorificación del
virtuosismo. Como reacción surgirá el punk que celebraba
lo amateur y defenderán la idea de que cualquiera puede
crear cualquier cosa que desee. Los fanzines punks serán la
encarnación de este ideal y de la celebración de la filosofía
DIY y las técnicas lo-fi. Aunque en un principio el punk no
estuvo tan preocupado por su desarrollo artístico, siendo
un movimiento nihilista y destructivo que traducía el clima
de desconcierto, frustración, ira y desánimo de la juventud
de la época, los fanzines14 se convertirán en un medio ideal
para canalizar esa ira y para difundir información creando
una escena musical y contracultural con la que romper
la hegemonía y sobrevivir a la cultura mainstream. La
estética de estos fanzines fue tomada de las publicaciones
de principios de siglo, especialmente de Dada: collages, el
uso de eslóganes, la apropiación de anuncios y artículos
despotricando contra todo los caracterizarán. Los punks
estaban furiosos y utilizaron cualquier material que
tuviesen a mano para expresar esa rabia.

145
cultura visual

Punk Zine Sniffin’ Glue

Después de la vorágine punk, en los años 80 el zine

como tal sufre una transformación relacionada con
la explosión del fenómeno fan, siendo publicaciones
dedicadas a hablar de algunos de los ídolos del
momento, perdiendo esa componente política y
rupturista, también el perzine será habitual, donde
los autores volcarán sus experiencias más personales.
Al mismo tiempo, en estos momentos se vive una
época de esplendor de la autopublicación con la
proliferación de ferias, encuentros, creación de redes,
artículos, etc. Los 90 traerán consigo el movimiento
que visibilizará y potenciará el fanzine hecho por
mujeres, del que hablaremos más adelante.

146
 cultura visual

El inicio del siglo XXI, con la popularización de Internet,

podría hacernos creer que el fanzine quedaría relegado
como medio para comunicarse y expandir las ideas más a la
contra. Blogs, foros, webs, etc. parecen cumplir el papel que
anteriormente venía realizando el fanzine, con una mayor
rapidez y eficacia. Mientras que un fanzine requiere un
proceso creativo y de distribución más o menos complejo, la
inmediatez de Internet parecía que acabaría por enterrarlos.
Sin embargo en la actualidad vivimos un momento
brillante en el que constantemente están surgiendo
nuevas publicaciones, en el que existen numerosas ferias y
encuentros a lo largo y ancho del mundo, donde librerías
y galerías ofrecen un espacio para la muestra y venta de
fanzines y en el que incluso las instituciones están prestando
atención a estas publicaciones15.

Riot Grrrl

147
cultura visual

Fanzines hechos por chicas: la explosión Riot Grrrl

¿Qué fue el Riot Grrrl?

Si hacemos un repaso a la historia de los fanzines hechos por

mujeres el referente imprescindible será el Riot Grrrl.

El Riot Grrrl fue un movimiento contracultural y feminista

que surgió a principios de los 90 en EEUU. Su foco serán
las ciudades de Olympia, en el estado de Washington, y
Washington DC, y será esbozado por figuras como Tobi Vail,
Allison Wolfe, Molly Neuman y Kathleen Hanna.

Debemos contextualizar este movimiento en un momento

en el que, en lo social, se estaba viviendo un periodo de
gran conflictividad16, y en lo cultural/musical, dominaban
las escenas de hardcore punk (en Washington DC) y grunge
(en Seattle), las cuales se caracterizaban por un talante
violento y machista. Así el Riot Grrrl reaccionará , en primer
lugar, ante la conflictividad social; en segundo lugar, ante
la escena musical underground que las excluía como sujetos
activos y las relegaba a un papel de “novias de”, fotógrafas
o publico pasivo que se situaba en la parte de atrás de los
locales de conciertos. De este modo estas mujeres crearán
una filosofía radical que consistió en alentar a chicas y
mujeres de la ciudad a subvertir el estancamiento masculino
que vivía el underground creando su propia música, arte,
escritura y teatro.

Por último también reaccionaron ante el feminismo y la

manera de hacer feminismo que se había llevado a cabo
hasta el momento. Un feminismo que sentían que no les
pertenecía, conformado por mujeres de mediana edad,
blancas, de clase media y heterosexuales. El deseo y la
necesidad de llegar a más mujeres y de hacer juntas algo

148
 cultura visual

en el mismo espacio empezaba a ser más y más urgente, así

la llamada a una riot grrrl (solo de mujeres) tuvo lugar en el
numero tres del mini-zine Riot Grrrl17. Las chicas empezaron
a hacer así sus propios fanzines, anunciando sus actuaciones
a lo largo de DC y reuniendo listas con números de teléfono
y direcciones a los cuales muchas mujeres inmersas en la
escena punk de DC respondieron. A partir de este momento se
sucedieron los encuentros entre riot grrrls, en los cuales discutían
y ponían en común sus propias experiencias, se animaban y
apoyaban las unas a las otras empezando a construir el camino
para una acción colectiva y un nuevo feminismo contracultural.
Riot Grrrl reescribió el feminismo y el activismo dentro de una
rebelión punk-rock protagonizada por jóvenes voces que se
sentían ausentes dentro del feminismo vigente en los 90. En
consecuencia propondrán un concepto diferente del activismo
feminista, trasformando las actividades tradicionales de protesta
como marchas o mítines, en un activismo cultural en el que
incorporaron actividades subversivas diarias como la creación
de arte, películas, zines y música como parte de este activismo
feminista.

Las mujeres que pertenecían a estas comunidades alternativas,

tanto en Olympia como en DC, tuvieron que comenzar a plasmar
sus sentimientos, frustraciones y rabia en palabras, creando así
fanzines culturales que más tarde fueron denominados como
angry grrrl zines. Los zines sirvieron de medio a estas mujeres
para la discusión, el examen y la resistencia cultural.

Antecedentes de los grrrl zines

Los fanzines surgidos al calor del movimiento Riot Grrrl tienen

su propio capítulo dentro de la historia de los fanzines. Serán
el punto de referencia de la producción fanzinera realizada
por mujeres y cambiarán para siempre la historia de la cultura
underground dominada hasta entonces por hombres. Sin

149
cultura visual

embargo los fanzines del Riot Grrrl tendrán algunos predecesores

sin los cuales, tal vez, las cosas no hubieran sido como fueron.

El principal referente serán las publicaciones lanzadas a partir de

la llamada segunda ola del feminismo en los años 70, como la
publicación It Ain’t Me, Babe, publicada en Berkeley, que aguantó
solo una año, pero cuya rabia y energía era contagiosa18.

También Ms., pionero en América, cuyo primer ejemplar fue lanzado

en 1972, o Spare Rib y Shocking Pink, aparecidas en Gran Bretaña
en este nuevo ambiente. Además, algunas librerías feministas como
Amazon BSC serán fundamentales, ya que proveerán de un espacio
cultural para la comunidad feminista. O los fanzines musicales
de finales de los 70 principios de los 80 como JOLT o Bitch (que
avanzaba una de las características de los grrrl zines de apropiarse
de palabras insultantes dándoles una identidad positiva).

Grrrl zines

“Las riot grrrls volvieron a los zines por un montón de razones:

por la expresión personal, para dar salida a su creatividad, para
romper el aislamiento, para encontrar amigas, una comunidad, una
red de trabajo y como una forma de resistencia cultural y política.
Para muchas, especialmente para aquellas que vivían en ciudades
pequeñas en medio de ninguna parte, los zines eran una manera
genial de conectar con gente con ideas afines alrededor del mundo
sin tener que conocerse en persona. Los zines son una manera de
decir: ¡no estás sola! Vamos a compartir nuestras experiencias y a
aprender unas de las otras”19.

Los fanzines que se desprenderán o serán influenciados por el Riot

Grrrl se denominan angry grrrl zines o grrrl zines. Hay que tener
en cuenta que tradicionalmente los fanzines han sido creados
por hombres blancos y heterosexuales; como reacción a esto y
subvirtiendo el orden “natural” de las cosas surgirán los angry grrrl

150
 cultura visual

zines y los homocore zines, que darán una vuelta de tuerca a la

historia del fanzine contando como autoras a chicas y a personas
pertenecientes a la comunidad LGTBQ.

Los fanzines serán una estrategia para compartir información

y promover el feminismo. Se creará una intricada red de
correspondencia personal y en ellos se volcarán los diferentes
manifiestos que el movimiento Riot Grrrl generará.

En estos fanzines se tratarán en primera persona cuestiones

tales como la experiencia de crecer en el contexto de la sociedad
patriarcal, la menstruación, la sexualidad, etc. abarcando con
ellos diferentes espacios que oscilarán entre el arte, la protesta, la
terapia o la confesión20. Los fanzines serán la alternativa positiva
a las revistas musicales y para adolescentes, una manera de superar
el estereotipo femenino nada representativo de la realidad. Estas
publicaciones DIY son importantes espacios para las chicas, para
mostrar sus escritos, su arte y para representarse a sí mismas.

Como explicará Johana del fanzine Sassy and seventeen: “Es una
forma poderosa de resistencia; es decir existo, soy de esta manera
y mi historia es digna de ser contada. Yo expongo estas palabras,
las fotocopio y las difundo porque creo que es importante que mi
historia sea escuchada, que tengo algo que merece la pena oír. Es
una forma intensa de resistir a la hegemonía del hombre-blanco-
heterosexual”21.

La temática de los grrrl zines

Históricamente las chicas han escrito diarios personales y cartas, las

cuales ahora se transformarán en fanzines. Deshaciendo esa línea
que separa lo privado y lo público, publicarán ensayos contando
sus sueños, sus ideas, extractos de sus diarios, memorias infantiles,
entrevistas, reseñas, divagaciones, historias, comix, fotografías
personales, etc. Serán comunes los artículos sobre la preocupación

151
cultura visual

por su imagen corporal, desórdenes

alimenticios, experiencias con
el aborto o cuestiones sobre
sexualidad. Esto último es un tema
recurrente en estos fanzines, en
los que las autoras explorarán
su hetero/homo/bisexualidad, la
manera de lidiar con la edad adulta
sexual y los tópicos que sobre el sexo
son sostenidos en la sociedad. Una
de las conexiones más potentes que
el Riot Grrrl tendrá con el feminismo
será la exposición de los efectos del
patriarcado en las emociones y la
sexualidad de las chicas y el rechazo
a permanecer en silencio ante los
abusos sexuales y psicológicos. Otro
de los campos de batalla de los grrrl
zines será acabar con el mito de la
belleza ideal, y de la valoración y
potenciación que se hace desde
los medios de esos estándares Grrrl zine Riot grrrl mini zine
inalcanzables de extrema delgadez,
juventud eterna, belleza ideal, etc.
que hacen que las chicas se sientan
feas y solas. Los grrrl zines lucharán
por la aceptación de todos los tipos
de cuerpos y bellezas. Alterarán
las bases estéticas de la sociedad
robando sus imágenes y haciendo
montajes y détournements con
slogans que subvertirán el discurso
de las revistas y de la publicidad
dirigida a mujeres.

152
 cultura visual

La estética de los grrrl zines

Aunque cada fanzine aporta la visión personal de su autora, los

grrrl zines tienen algunas características comunes. A saber, en lo
que se refiere al apartado gráfico, son comunes las fotografías en
las que hacen una reivindicación de la sexualidad con imágenes
más o menos explícitas de sus cuerpos, en los que ocasiones llevan
pintados epítetos sexuales tales como BITCH, SLUT o WHORE22;
imaginería de dibujos animados, imágenes pro-chicas gordas,
tachones, dibujillos de corazones, estrellas y símbolos feministas
y anarquistas, etc. Estas imágenes normalmente serán tomadas
de periódicos, revistas, catálogos de tiendas, libros infantiles, etc.
Los grrrl zines compartirán el lenguaje visual de los fanzines punk;
estos eran agresivos, sucios y desordenados, y tomarán esa estética
amateur e insurgente del corta y pega pero traducida a un lenguaje
propio. Así se apropiarán de palabras y frases que tradicionalmente
se han usado para despreciar a las mujeres, palabras tales como
puta, bollera, fulana, guarra, bruja, etc. De términos que instigaban
a las chicas a sentir rabia, a reconciliarse con ella y usarla como
arma, palabras como loca, zorra, histérica, rara, incorrecta, bicho
raro, inadaptada, etc. Asimismo, los sinónimos de rebelión serán
recurrentes en estos fanzines: revuelta, revolución, guerra. Y las
palabras relacionadas con los tabús y las perversiones sexuales toda
una constante: coño, chocho, vulva, culo, hongos, vampira, azote,
piojosa, tetas, etc.

Habrá incontables fanzines relacionados con el Riot Grrrl, pero

quizás los que han permanecido en el imaginario popular y han sido
tomados como referencia por chicas fanzineras han sido aquellos
títulos que fueron producidos por sus ideólogas principales como
Riot Grrrl mini-zine, que denominará al movimiento; Bikini Kill,
germen de la banda del mismo nombre, Girl Germs o Jigsaw. Otros
nombres importantes serán el fanzine pro-gordas FAT!SO? y los
fanzines ingleses Ablaze! y Girlfrienzy. Un papel importante para la
distribución y expansión de estos fanzines tendrán las distribuidoras
que nacen en estos momentos como Riot Grrrl Press, GERLL, Riot
Grrrl Review o Action Girl Newsletter.

153
cultura visual

El Riot Grrrl, aunque enterrado por la prensa mainstream, siguió

inspirando, hasta el día de hoy, a muchas jóvenes alrededor del
mundo a tomar el control de sus vidas, a empoderarse y a crear ellas
mismas su propia cultura.

Actualidad y estado de la cuestión en el estado español

Como ya se apuntó anteriormente, Internet lejos de suponer

el final para el fanzine ha estimulado la creación y difusión
de publicaciones autoeditadas. En la actualidad en el mundo
anglosajón las chicas siguen produciendo zines que siguen la estela
de los grrrl zines; perzines en los que exponen su experiencias y con
los que siguen creando redes propiciadas por la facilidad que para
conocer estas publicaciones otorga Internet. Actualmente existen
fuera de nuestras fronteras un número infinito de publicaciones
realizadas por chicas entre las que destacan títulos como Girl Gang
Zine, exquisito fanzine realizado en Berlín por Marren y Kristin;
Girls Get Busy, fanzine homónimo colaborativo e importante
distribuidora feminista inglesa; Culture Slut, editado por Amber de
Canadá, que a su vez tiene una de las distribuidoras más completas
de actualidad: Fight Boredom; Same Heartbeats, de la artista e
importante activista feminista belga Nina Nijsten; Support/Apoyo,
de Cindy Crabb; LoudMouth, de ModernGirlBlitz, que además
de hacer fanzines produce una gran cantidad de memorabilia
feminista. O distribuidoras como la imprescindible Microcosm
Publishing de Portland, una de las más potentes que existen en la
actualidad. Sin olvidar las distintas ferias que sirven como punto de
encuentro de creadoras como la Queer Zine Fest de Londres, la NYC
Feminist Zinefest, la Philly Feminist Zine Fest o el Berlin Zinefest. Sin
olvidarnos de webs y directorios on-line que se han encargado de
compilar y catalogar numerosos fanzines, webs como zinewiki.com,
grrrlzines.net, grrrl zines a go-go o grassrootsfeminism.net.

154
 cultura visual

Zine Culture Slut

En el Estado Español el hecho de que el movimiento Riot

Grrrl nunca llegase a penetrar provocó que la producción
fanzinera realizada por mujeres se redujese, hasta hace
relativamente pocos años, al ámbito de la escena punk y
del activismo político de izquierdas. Así y tomando como
referencia en mapa de fanzines publicado en FEMINIZINE
#223 podríamos citar como pioneros fanzines a Miau,
de las hermanas Damunt de Murcia, o Fempunk, que
pondrá la semilla para la celebración del primer Ladyfest
en España.

155
cultura visual

Zine Feminizine 2

Actualmente existe un número creciente de fanzines

realizados por mujeres en nuestro país. Desde fanzines de
cómics e ilustración como Fuego en los párpados de Roberta
Vázquez, Modo Shuffle de La Flecha Negra, Baby, Baby de
Begoña García-Alen, Rojo Putón del colectivo Les Golfes o
Ficken und lecken de Pepa Puy; fanzines de historias como
Nenazas publicado por Horriblemente Humano; fanzines
de contenidos variados pero con un claro posicionamiento
feminista y queer como Mujeres con Pajarita, Una Buena
Barba, Zapatiños Motor, Bulbasaur o FEMINIZINE. Y
editoriales y distribuidoras con un carácter feminista como El
Ansia o Bombas para Desayunar.

156
 cultura visual

Zine Mujeres con pajarita 1

La tendencia actual refleja que cada vez más

chicas se animan a realidad sus propios fanzines y
también se perfilan como una parte importante del
público de fanzines. Es en momentos de crisis y de
desánimo cuando han surgido las manifestaciones
más interesantes, siempre en los márgenes. Por ello
no tenemos que dejar pasar la oportunidad, dado el
contexto actual, de reivindicarnos y de trabajar en
estas posiciones marginales, para plantarle cara al
sistema y construir por nuestra cuenta una sociedad
más justa e igualitaria. El fanzine es nuestra arma y
está a nuestra disposición. Usémosla.

157
cultura visual

Notas:

1. Spencer, A. DIY: the rise of lo-fi culture. Londres: Marion Boyars, 2008. p. 20.

2. Marcus, G. Rastros de carmín: una historia secreta del siglo XX. Barcelona: Anagrama,
2005. p. 415.

3. Duncombe, S. Notes from the underground: zines and the politics of alternative culture.
Bloomington: Microcosm Publishing, 2008.

4. Duncombe, S. op. cit., p. 15.

5. Ibíd., p. 14.

6. Spencer, A. DIY: the rise of lo-fi culture. Londres: Marion Boyars, 2008.

7. Las publicaciones dadaístas más destacadas serán Cabaret Voltaire, Dada, 291, 391 y New
York Dada.

8. Técnica dadaísta consistente en la reutilización y manipulación de imágenes existentes

llegando a la pérdida de su sentido original y otorgándole uno nuevo. Esta práctica será
tomada y explotada por el Situacionismo en los años 50 y 60.

9. Técnica consistente en el uso de elementos tomados para la creación de una nueva obra.

10. Las publicaciones situacionistas más destacadas serán Internationale

Situationiste y Potlach, entre otras.

11. Monem, N. Riot grrrl: revolution girl style now! Londres: Black Dog Publishing, 2007. p.
115.

12. Máquina de impresión de bajo coste que funciona estampando la tinta a través de una
plantilla en el papel, dejando un acabado un tanto imperfecto y sucio.

13. Spencer, A. op. cit., p. 80.

14. Algunos de los fanzines punks más destacados serán Punk Zine (Nueva York, 76), Sniffin’
Glue (Londres, 76) o Search and Destroy (San Francisco, 70’s).

158
 cultura visual

15. Encuentros patrocinados por instituciones: la exposición “De zines. Magazines, fanzines y
revistas objeto” celebrada en La Casa Encendida o “Libros Mutantes” en Madrid (patrocinada
por la Obra Social de Caja Madrid), la feria Autoeditados (patrocinada por la BBK) o la
exposición “Loud Flash” del MUSAC, son algunos de estos ejemplos.

16. En Washington DC en la primavera de 1991, estalló una importante revuelta, también

conocida como la Mount Pleasant Riot, tras el asesinato de una policía afroamericana por
un hombre latino. Esto provocó numerosos disturbios, saqueos y luchas con la policía, cuya
presencia ganó gran protagonismo, llegando a usar incluso gases lacrimógenos para frenar
la situación. Ese mismo mes, además, la Corte Suprema aprobó una ley lanzada por la
administración Bush según la cual se impedía la fundación de clínicas federales en las que se
ofreciese orientación acerca del aborto, poniendo en peligro la ley surgida tras el caso Roe v.
Wade, tras el cual el aborto pasó a legalizarse en EE.UU.

17. Monem, N. op. cit., p. 25.

18. Spencer, A. op. cit., p. 49.

19. Elke Zob en Spencer, A. op. cit., p. 52.

20. Monem, N. op. cit., p.116.

21. Ibíd., p. 118.

22. Zorra, puta, guarra, etc.

23. FEMINIZINE #2 (ISSN: 2254-2957). Editado por Bombas para Desayunar.

Bibliografía:

Duncombe, S. Notes from the underground: zines and the politics of alternative culture.
Bloomington: Microcosm Publishing, 2008.

Marcus, G. Rastros de carmín: una historia secreta del siglo XX. Barcelona: Anagrama, 2005.

Monem, N. Riot grrrl: revolution girl style now! Londres: Black Dog Publishing, 2007.

Spencer, A. DIY: the rise of lo-fi culture. Londres: Marion Boyars, 2008.

Fanzine FEMINIZINE #2 (ISSN: 2254-2957). Editado por Bombas para Desayunar.

Web: http://zinewiki.com/

159
cultura visual

Estéreo Tipas

Marta Mantecón

La ilustración infantil es el eje de la cita colectiva “ESTEREO TIPAS.

Igualdad ilustrada”, que reúne los trabajos de 13 artistas destacadas
de esta disciplina creativa: Elisa Arguilé, Cecilia Afonso Esteves,
Patricia Garrido, Mónica Gutiérrez Serna, Violeta Lópiz, Ximena
Maier, Raquel Marín, Rocío Martínez, Patricia Metola, Rosa Osuna,
Claudia Ranucci, Natascha Rosenberg y Noemí Villamuza.

Elisa Arguilé, Quiero saber de todo, 2013

160
 cultura visual

La exposición, comisariada por medios –texto e imagen– y posee

Sabela Mendoza y organizada un alto nivel de comunicación
por “i-con-i“, especializada en accesible a todos los públicos,
gráfica, presenta una radiografía independientemente de la edad.
ilustrada de los roles de género y
estereotipos que todavía perviven
en nuestra sociedad, tomando
como punto de partida una serie
de testimonios infantiles reales.

Noemí Villamuza, El armario del bebé, 2013

El título de la muestra, “Estéreo- Raquel Marín, Quiero ser bombera, 2013

tipas”, tiene un doble significado:
por un lado, su expresión en El objetivo de la exposición no es
femenino procura invertir su otro que concienciar y sensibilizar
sentido peyorativo y desmontar su sobre la igualdad de género y, de
connotación negativa y, por otro, paso, visibilizar el trabajo de una
subrayar el valor de la ilustración serie de ilustradoras sobresalientes
infantil como disciplina artística en nuestro país que, pese a
“en estéreo” que combina dos constituir un colectivo numeroso,

161
cultura visual

todavía no han sido reconocidas al mismo nivel que los

hombres. Todas ellas poseen una trayectoria significativa,
tanto a nivel nacional como internacional, con
publicaciones en Europa, Asia o Latinoamérica, galardones
importantes como el Premio Nacional de Ilustración (en el
caso de Elisa Arguilé o Noemí Villamuza) y una presencia
destacada en eventos de prestigio mundial como la Feria
del Libro Infantil de Bolonia, por donde han pasado los
trabajos de Claudia Ranucci, Patricia Garrido, Violeta Lópiz,
Natascha Rosenberg, Patricia Metola o Raquel Marín. En
particular, la obra que Violeta Lópiz ha presentado en esta
exposición, “Genera Género” (un cadáver exquisito que
juega con diversos personajes que, al mezclarse, generan
un diálogo sobre los estereotipos femeninos y masculinos),
ha sido seleccionada para la edición de este año.

Violeta Lópiz, Genera Género, 2013

El origen del proyecto fue una sesión previa que tuvo lugar
en La Cantina de Matadero Madrid con un grupo de niños
y niñas de 3 a 12 años a los que se les planteó una serie
de situaciones cotidianas en las que entraban en juego los
roles de género: ¿cómo vestirías a tu hermano bebé? ¿y si
fuera una chica?, ¿hay una prenda que sirva a los chicos y
las chicas?, ¿a qué te gusta jugar en el recreo y con quién?
¿y en casa?, ¿qué quieres ser de mayor?, ¿qué regalamos
a mamá y a papá?, ¿qué cosas hacen en casa las mamás y
los papás?, ¿las mamás saben más de algo que los papás?
¿y al revés?, ¿qué nos apetece aprender más?, ¿queremos
ser famosos?, ¿de qué te disfrazas?, ¿por qué las chicas

162
 cultura visual

llevan bolso? ¿les gusta el color rosa?, El resultado de todo ello será un
¿hay algo que algunas personas no álbum ilustrado, lleno de humor
pueden hacer?, ¿quién tiene más suerte y transparencia, vertebrado por
en la vida? Las respuestas obtenidas textos e imágenes que combinan
mostraban prototipos y modelos de diferentes estilos, materiales y
conducta aprendidos, que se transmiten procedimientos (dibujo, pintura,
por imitación de forma mecánica y fotografía, collage, serigrafía,
son comúnmente aceptados por la costura y técnicas mixtas), para
sociedad. Los niños y las niñas contaron subrayar la importancia de la
lo que veían a su alrededor sin filtros, coeducación en igualdad y el
con una mirada sincera y directa, llena respeto a las diferencias frente
de espontaneidad. Sus impresiones a una sociedad que repite
fueron ilustradas por las artistas, unas conductas que siguen
mostrando los avances y las todavía potenciando la desigualdad
numerosas desigualdades percibidas y entre mujeres y hombres.
reproducidas desde la infancia.

E S T E R E O T I PA S . I g u a l d a d
ilustrada, Terraza de La Casa
Encendida. Ronda Valencia 2,
Madrid. Hasta el 4 de julio de
2013.

Ximena Maier, Las chicas llevan bolso, 2013

163
cultura visual

Hannah Arendt, por ser un biopic de un filósofo

emocionante, incluso aunque se
Margherete von Trotta trate de una de las filósofas más
importantes del siglo XX (junto a
Zambrano, Simone de Beauvoir y
Judith Butler)?

Para celebrar la importancia del

pensamiento y la actitud de Hannah
Arendt (1906-1975), la cineasta
feminista Margarethe von Trotta ha
elegido el periodo en que la filósofa
se vio envuelta en una polémica
que alcanzó niveles mediáticos y
por la que perdió algunos de sus
amigos de toda la vida. Trama que
proporciona a esta cinta el suspense
de un thriller. La polémica surgió
a raíz de sus artículos publicados
en la revista The New Yorker, tras
haber asistido en 1961 al juicio en
Jerusalén del nazi Adolph Eichmann,
el único entre los cargos de cierta
Rocío de la Villa responsabilidad que no había sido
acusado en Nuremberg. Ya antes
En la primera escena en la que de comenzar el juicio, Eichmann es
aparece Hannah Arendt la vemos demonizado. Sin embargo, lo que
fumando, en un travelling que descubre la filósofa alemana y judía
va desde la mesa del despacho al es un nobody, un burócrata leal a las
diván, y la protagonista no dejará leyes del nazismo, que ejecuta sin
de fumar siempre que pueda a lo pensar. La prestigiosa autora de Los
largo del film. La filósofa piensa orígenes del totalitarismo (1951), a
fumando y conforme avanza la la sazón entonces profesora invitada
trama esos momentos de reflexión en la Universidad de Princeton,
son más emocionantes. ¿Puede llega a ver en Eichmann el ejemplo

164
 cultura visual

y la explicación de la “banalidad le ha dedicado en el XV festival de

del mal”, característica del cine alemán celebrado en Madrid,
nazismo y de todo totalitarismo: “Si Hannah Arendt levantase la
si Eichmann sigue sin arrepentirse, cabeza, seguramente no estaría
la causa es que es incapaz nada contenta con Angela
de pensar por sí mismo. Esta Merkel: al igual que sufrió con
negación del pensamiento en el Holocausto, lo haría también
el ser humano sería lo que el con el totalitarismo económico
totalitarismo niega en opresores alemán”.
y oprimidos. Y definitivamente,
ejercer el pensamiento es la Fruto de años de investigación,
postura personal que Arendt releyendo diarios, cartas y con
defiende frente a sus detractores el testimonio de los ya pocos
prosemitas y sionistas hasta el superviviente próximos a la
final. pensadora, la película minimiza
la relación de la joven filósofa
Es difícil minimizar la actualidad con su maestro Martin Heidegger,
del tema tratado, ¿acaso no es aquí ridiculizado, aunque
ese cumplimiento burocrático lo normalmente sea todavía esta
que siguen alegando corredores relación la que sigue lastrando
de bolsa y empleados de la importancia de la figura de
empresas de evaluación e Hannah Arendt entre los círculos
inversión –tal como se mostraba misóginos de filósofos. Arendt
en las declaraciones en el aparece como una mujer fuerte
film Capitalismo: una historia de y valiente, muy consciente de
amor de Michael Moore y de vez su valía y de su obligación como
en cuando todavía en nuestra brillante enseñante e intelectual,
tv–, que han provocado la mayor sarcástica y sensible con sus
crisis económica conocida en amigos, siempre fiel al amor. Un
Occidente, con la consecuente papel interpretado a la perfección
pobreza, sufrimiento y pérdida por la actriz Barbara Sukowa.
de derechos y de dignidad que Con esta película, Margareth von
arrastramos hasta hoy? Según Trotta (Berlín, 1942), directora
declaraciones de von Trotta, con pionera en el grupo del Nuevo
ocasión de la retrospectiva que se cine alemán (Schlöndorff,

165
cultura visual

Fassbinder, Herzog y Wenders),

llega al culmen –hasta el
momento– de una trayectoria en
la que abundan las semblanzas
biográficas, la última que pudimos
ver aquí Visión. De la vida de
Hildegard de Bingen (2009).
Como la propia Hannah Arendt,
que escribió biografías de la
i l u s t r a d a R a h e l Va r n h a g e n :
vida de una mujer judía y la
revolucionaria Rosa Luxemburgo,
Margareth von Trotta ha dedicado
su cine a honrar mujeres célebres y
anónimas, como El honor perdido
de Katharina Blum (1975), en
donde una mujer es acusada
injustamente de terrorismo y
destruida por el aparato del
Estado; El segundo despertar
de Christa Klages (1977), sobre
una mujer que atraca un banco
para mantener su guardería. Y
en sus filmes más populares: Las
hermanas alemanas (1981) y la
propia Rosa Luxemburgo (1986).

Margareth von Trotta, Hannah

Arendt, 2012. Estreno en España:
a partir del 21 de junio de 2013.

166
 publicaciones

Nuria Carrasco,

¡AHLAN!

Rocío de la Villa

El pasado 9 de mayo se presentaba en la galería Formato Cómodo de

Madrid la revista ¡AHLAN! realizada por Nuria Carrasco, fake de la
popular revista Hola, como resultado de la estancia de la artista
en noviembre de 2012 en los Campos de Refugiados Saharauis
de Tindouf en Argelia, en el marco de Artfariti 2012, Encuentros
Internacionales de Arte y Derechos Humanos del Sahara Occidental,
celebrados anualmente y que en esta sexta edición ha contado con
otros artistas de nuestro país, como Santiago Sierra, Esther Ferrer,
Isidoro Valcárcel, Los Torreznos, Federico Guzmán, Muntadas o
Miquel Barceló. La revista ¡AHLAN! es una crónica a todo color
de su convivencia y el registro de la vida de sus habitantes, sus
tradiciones, celebraciones, instalaciones sociales, iniciativas, etc.,
poniendo cara y protagonismo al empeño de una colectividad.

Habitualmente, las revistas reproducen “de segunda mano” arte

creado para ser expuesto en galerías e instituciones. Sin embargo,
desde las vanguardias históricas comienzan a producirse las
colaboraciones “directas” de artistas en publicaciones periódicas,
como por ejemplo los míticos fotomontajes de John Heartfield
en Die Arbeiter Illustrierte Zeitung (El Periódico Ilustrado de
los Trabajadores) y AIZ. Tras Duchamp, que propuso variedades
de dispositivos para la producción y exhibición, y con la nueva
conciencia pop del poder icónico de los medios de masas, se dará
un vuelco definitivo. Como afirmó Dan Graham a propósito de
sus obras para página de revista: “El pop quiso minar la noción
de calidad en las Bellas Artes utilizando contenidos de la cultura
de masas. En tanto se alimentaba de las imágenes de la cultura

167
publicaciones

popular a través de las revistas, cuando retornaba a ellas

ofrecía un punto de vista irónico sobre esta cultura popular.
Lo que el pop ponía a la vista era que toda la información,
como la de las revistas, podía ser utilizada dialécticamente
desde el sistema artístico. Una obra puede funcionar
simultáneamente a nivel del lenguaje artístico y a nivel
del lenguaje popular de los media; e incluso puede existir
un diálogo entre ambos, comentándose recíprocamente y
dándose mutuamente perspectiva de los supuestos de cada
uso de lenguaje. Diseñé obras para revistas que pudieran
al mismo tiempo autodefinirse y relacionarse, a través del
contexto, con la información del resto de sus páginas”.

Todavía en una vuelta de tuerca más, una revista completa

puede ser modelo y formato para para subvertir gastados
estereotipos, como ha hecho Nuria Carrasco en ¡AHLAN!,
continuando su serie de trabajos de crítica y parodia de
la representación de la vida cotidiana contemporánea
a través de los medios de masas en vídeos como ¿Quién
eres? (2006) y sobre todo, Fortuna 82, Moraleja 13 (2009)
–anticipatorio de un programa que efectivamente se
emite ahora, en la televisión de la crisis–, con el que este
proyecto guarda estrecha relación. Pues si entonces,
pobres y ricas intercambiaban su residencia, en ¡AHLAN! la
vida cotidiana de los refugiados saharauis se apropia del
formato de la revista de celebrities en papel cuché para
recuperar la dignidad perdida habitualmente en los medios
de comunicación, al tiempo que, como señala Juan Pablo
Wert, “quedan al descubierto los mensajes subliminales
de aquella revista y del género en su conjunto”, cuya
superficialidad es una muy eficaz herramienta para
transmitir “los instrumentos de dominación que se hacen
pasar por la normalidad”.

168
 publicaciones

Inversión y deconstrucción que se aplican

sistemáticamente, desde la portada, bajo el titular:
“Lucha por la libertad de tres generaciones”,
y va parodiando todas sus secciones, con
oportunas inserciones publicitarias, hasta las
recetas de cocina. Ya en Mitologías (1957), en su
artículo “Cocina ornamental”, Roland Barthes
calificó a la revista Elle como “verdadero tesoro
mitológico”. ¡AHLAN! es una pequeña joya, un
granito de arena más en la reivindicación de un
pueblo y su legítima exigencia de independencia.
Con su transmutación de las retóricas del éxito y el
fracaso, ¡AHLAN! nos hace envidiar la dignidad, la
ilusión y la alegría con que mantienen su ejemplar
resistencia.

Nuria Carrasco, ¡Ahlan!, 2013. 100 páginas. 10 euros.

169
publicaciones

Carlos Jiménez, La escena sin fin.

El arte en la era de su big bang

Rocío de la Villa

Hace ya cinco años que Carlos Jiménez abrió su blog El arte de

husmear para sobrepasar las limitaciones que el sistema artístico
impone en la actualidad a la crítica que, por definición, en su
tarea de interpretación del hecho artístico y los espacios en
donde acontece, tiende siempre a cuestionarlos. Con la crisis
sobrevenida, esas limitaciones se han concretado: nos estamos
quedando sin papel, sin el material físico donde fijar precisiones y
especulaciones y sin el reconocimiento de la importancia del rol que
desempeñamos. Se afirma que la crítica de arte es obsoleta con el
interés de disolverla definitivamente en el desierto de información
que publicita sin posibilidad de abrir el diálogo, por si acaso. Ni
instituciones, ni mercado, ni la mayoría de agentes y productores
parecen dispuestos a mirarse al espejo: el show debe continuar en
esta escena que el autor denomina La escena sin fin, ¿sin final, o
bien sin finalidad?

170
 publicaciones

Con la buena pluma a la que nos entre las que se mueven

tiene acostumbrad@s, el crítico agentes y públicos, cada vez más
colombiano y desde hace décadas coincidentes e indiferenciados.
madrileño de adopción Carlos En el inicio, la metáfora del gran
Jiménez (Cali, 1952) discrimina teatro de Oklahoma, creada
esta distinción a través de diez por Kafka en su América, dará
artículos publicados en revistas paso a un desfile de propuestas
españolas e internacionales de de artistas (de Santiago Sierra a
primera línea y procedentes de Antoni Muntadas) que inciden
catálogos y conferencias durante la entre la banalidad de museos
pasada década, soportes efímeros y bienales “al servicio de las
y olvidadizos que hacen oportuna exigencias del Capital”. Un
esta placentera recopilación que, análisis que se despliega al hilo
en todo caso, subraya a todas del dominio del autor sobre los
luces la pertinencia del ejercicio espacios de la arquitectura, y
de esa crítica que no solo es por cuya erudición se traen a
instantánea, apasionada y política, colación aquí desde los “palacios
sino que también sabe volver sobre de distracción” de Kracauer a la
sí, espigando lo que al cabo pudiera arquitectura muda modernista,
ser la decantación de su aportación la anarquitectura musical y
a nuestro tiempo. Un ejercicio que experiencial de Woodstock y el
Carlos Jiménez ha llevado a cabo vacío ruidoso de John Cage.
bajo diferentes versiones anteriores
e n s a y o s , c o m o Tr a v e s í a d e l La otra mitad de esta
ojo, Extraños en el paraíso, Miradas recopilación está dedicada a
al arte de los 80, Los rostros de la perfilar trayectorias de artistas,
medusa. Estudios sobre la retórica en especial, las de las artistas
fotográfica y Retratos de memoria. inscritas en la tradición del arte
feminista, un empeño que no es
En el escenario que dibuja de la tan frecuente entre los críticos, al
primera década del siglo XXI, se menos en este país. Coincidiendo
funden los espacios del arte de con la importancia que Andreas
la alta cultura con los espacios Huyssen atribuyó en Mass Culture
mediáticos de la industria cultural, and Woman al feminismo en
como formas expansivas indistintas las artes para el desarrollo de

171
publicaciones publicaciones

la performance y el body art en Cierra el volumen un sobresaliente

el arte contemporáneo, Jiménez ensayo sobre la mirada a propósito
traza un recorrido sobre “La artista de las imágenes pintadas,
y su cuerpo en la encrucijada de fotografiadas y videoinstaladas
los feminismos” muy bien traído, de Oscar Muñoz que, además de
partiendo adecuadamente de la ser un penetrante recorrido sobre
autorepresentación de la pionera su evolución, es sobre todo la
Frida Kahlo, para pasar a otras afirmación de la propia poética
protagonistas principales: Carolee del crítico, que sabe que “el ojo no
Schneemann, VALIE EXPORT, Marina sólo sirve para ver, porque el ojo,
Abramovic, Ana Mendieta, Vanessa como la boca, como el ano, como
Beecroft y que culmina con Regina la piel, es un órgano sexual”, lo
José Galindo. que le conducirá a lidiar con las
teorías psicoanalíticas de Freud y
Sin duda, es imprescindible la Lacan para concretar el narcisismo
revisión que hace del trabajo bien que ya apuntó Rosalind Krauss
contextualizado de la escultora como síntoma del arte moderno
colombiana Doris Salcedo, a raíz de en la autorreferencialidad del
su intervención en la Turbine Hall de arte contemporáneo, en el que
la Tate Modern en 2007 –y que presta se “conjuga la sensualidad con
la imagen a la portada de este libro–, la frigidez”. Sin embargo, por
también como pieza indispensable de fascinantes que sean los juegos
la crítica en el marco poscolonial. Y ante el espejo, a tenor de su entera
absolutamente pregnante el ensayo trayectoria y de esta recopilación,
sobre el trabajo de la mexicana presumo que para Carlos Jiménez
Teresa Margolles, siempre centrado la mirada oscila permanentemente
en la muerte anónima. Trayectorias entre el yo y el otro; y la crítica de
sobre el olvido, el silencio y la arte, la interpretación y el diálogo
impunidad que, en la perspectiva de en esa oscilación.
Carlos Jiménez expresan mediante el
lenguaje elíptico de la alegoría, visual Carlos Jiménez Moreno, La escena
y sensitivamente, la simultánea y muy sin fin. El arte en la era de su big
influyente noción de homo sacer de bang, editorial Micromegas, Murcia,
Agamben. 2013.

172
 publicaciones

Andrés I. Santana,
Sin pudor (y penetrados).

Suset Sánchez

Apasionado e incómodo: la escritura de un superviviente

Comienzo a leer el último libro de Andrés Isaac Santana y, sin

sorprenderme, tropiezo con una reconfortante dedicatoria al
recientemente fallecido crítico, escritor y editor Rufo Caballero, maestro
de muchas de las voces de la escritura y el pensamiento sobre arte que
emergimos en el panorama de la Cuba de los años noventa y dos mil,
generaciones a la que pertenece el autor del volumen que hace apenas
unos días fue presentado en la Librería La Central del Museo Nacional
Centro de Arte Reina Sofía. Bajo el provocador título de Sin pudor (y
penetrados), con el que Santana parece querer definir desde la misma
portada su ejercicio ensayístico y las apetencias con que se aproxima a
sus objetos de estudio; y con el sello de la editorial valenciana Aduana
Vieja –que lleva un buen trecho recorrido en la publicación de firmas de
la Isla y de sus diásporas–, este libro hace un balance de la producción de
poco más de diez años de una de las mentes más inquietas, a la par que
irreverentes y beligerantes, del escenario de la crítica de arte en Cuba.

173
publicaciones

Sin embargo, desde las primeras perímetros de institucionalidad

líneas, nos queda claro que los dentro del campo del arte con-
textos compilados en esta edición temporáneo; los cambios de pa-
rebasan las limitaciones y los ca- radigmas en las áreas de discur-
prichos de la geopolítica y siguen sividad de signo antropológico o
de cerca el propio itinerario de su sociológico, los estudios visuales,
autor a través de los paisajes de las construcciones queer; las fa-
la emigración y el exilio. Él mis- tigas y conversiones políticas en
mo ha confesado que se trata de las gramáticas de los conceptua-
su libro “menos cubano” y debe- lismos; las operaciones de resig-
mos darle la razón, ya que en los nificación estética y restitución
dos capítulos que estructuran el formal en la definición de lo pic-
conjunto asistimos a la apertura tórico o lo fotográfico…
de una mirada deslocalizada que
advierte de síntomas culturales El primer capítulo del libro: Escar-
y problemas epistemológicos en ceos, exégesis liberales y apun-
torno al arte más allá de las fron- tes, reúne una serie de ensayos
teras absurdas e históricas del es- de índole coral en los que Santa-
tado-nación; para dar cuenta de na opera como un explorador o
relaciones transversales, hibrida- como quien tiene la obligación
ciones y derivas del sentido inser- de hacer el diagnóstico de los
tas en la (i)lógica distribución de síntomas que padece el cuerpo
un mundo cada vez más global y enfermo del arte contemporá-
cronometrado. En aproximada- neo, para devolverle a ratos la
mente quinientas páginas, San- radiografía de sus órganos más
tana aborda debates resultantes saludables, aquellos pletóricos
de la observación sosegada en de elocuencia narrativa y signifi-
los territorios transdisciplinares cados que escapan de los límites
e intergenéricos que habitan las del campo artístico para hallar
prácticas artísticas contemporá- su razón de ser en la vida mis-
neas y las producciones críticas e ma. Coqueteando con diversas
historiográficas que les suceden; formas de escritura que rompen
los enfrentamientos de poder y el el esquema monolítico de un es-
cruce de subjetividades que supo- tilo autocentrado a lo largo del
nen los juegos dialógicos en los volumen, el autor despliega aquí

174
 publicaciones

su vocación teórica para articular embestida segunda y tercera,

unas cuantas preguntas pertinen- múltiple, cuando vuelve sobre un
tes en relación con lo neobarro- creador en diferentes ocasiones
co y lo travesti como el estadio para apostillar lo que ya había ar-
de nuestra época (algo evidente gumentado o para hacer explícita
en la superficie misma de su pro- su comunión con un discurso de-
puesta textual); el devenir del terminado o sus afectos. Porque
denominado “arte latinoameri- es en esta sección del libro en la
cano” como inversión decolonial cual los textos devienen una prác-
de los modelos de la modernidad tica afectiva y pulsional, una ne-
europea; la revisión de los ima- cesidad impostergable, como un
ginarios y las teorías queer –con orgasmo –para seguir la metáfora
lo que Santana da continuidad del propio autor y la imagen de
a las reflexiones de su primer li- la pintora cubana Rocío García
bro: Imágenes del desvío: La voz que sirve de portada al compen-
homoerótica en el arte cubano dio y que además resulta un ale-
contemporáneo, Chile, J. C. Sáez gato mediante el que Santana
Editor, 2004–; o la condición ética parece afirmar que no puede ni
y la posibilidad del ejercicio críti- quiere renunciar a sus orígenes.
co hoy.
Pero la antesala de estos textos
La segunda parte, Aproximacio- son dos advertencias imprescindi-
nes puntuales e indiscretas: las bles, a manera de prólogo y pre-
poéticas, nos acerca al crítico en facio, de los críticos y profesores
su pura esencia, aquella que im- Fernando Castro Flórez y María
plica el diálogo con las poéticas de los Ángeles Pereira, respecti-
de los artistas y las obras y el sta- vamente. El primero, posiblemen-
tus de la palabra como mediación te desde la posición compartida
y traducción en los predios del de quien también ha “vivido” el
sentido estético. Es quizás aquí ejercicio de la crítica con el fre-
donde Santana se muestra más nesí de las pasiones más extre-
extrovertido y promiscuo, sin pu- mas, titula Parcial, apasionada y
dor y penetrado; al tiempo que política (Tres notas preliminares
penetrando, un gerundio que sobre el compromiso crítico) su
no le da descanso y le incita a la aproximación a la obra de Andrés

175
publicaciones

Isaac Santana. Castro Flórez seña- noclasta y hereje, un alumno que

la, antes que nada, la naturaleza ya resultaba incómodo en las au-
personal de esa escritura como las de la Facultad de Artes y Letras
bitácora de una experiencia de de la Universidad de La Habana,
vida y la ductilidad que a su prosa donde le dio clases. Pero al mismo
brinda la circunstancia del exilio y tiempo, un profesional que desde
el viaje; incluso la precariedad de los comienzos de su carrera abogó
un oficio habitualmente mal reco- por la pluralidad del pensamiento
nocido, como acicate del compro- crítico al advertir zonas de la crea-
miso ético para el crítico y entre- ción plástica silenciadas y olvida-
namiento de una percepción ne- das en las narraciones oficiales de
cesariamente alerta para advertir la historiografía y la crítica de arte
cuándo el viento cambia de orien- en Cuba, como es el caso de los
tación y saber encontrar el camino discursos homoeróticos, que ubicó
a seguir, que a veces es el de vuel- como objeto de investigación para
ta a casa y a uno mismo. Apuesta obtener su grado de Licenciado
por el riesgo, aunque éste lleve en Historia del Arte. Algo que, sin
al precipicio personal, indocilidad lugar a dudas, trazaba un parale-
frente a la negociación estética, lismo con voces y “subjetividades
curiosidad intelectual, son apenas laterales” marginadas y arrincona-
algunos de los rasgos que advier- das en los relatos de la nación y en
te Castro Flórez en el trabajo de los imaginarios populares en la so-
Andrés Isaac Santana. Estas, se me ciedad cubana de finales del siglo
antojan descripciones sensibles de XX y principios del XXI. De ahí que
la fisonomía del autor que se des- el ejercicio de la crítica devenía en
nuda en Sin pudor (y penetrados), denuncia social y posicionaba al
quien parece asumir la crítica de crítico en el centro de un agencia-
arte bajo la premisa con la que un miento político y de un discurso
ensayo del ya mencionado Rufo biopolítico.
Caballero revisaba la cinematogra-
fía de Pedro Almodóvar: “la since- Precisamente, una de las claves a
ridad suele ser escandalosa”. partir de las que Rocío de la Villa
y Miguel Cereceda hicieron la pre-
Por su parte, María de los Ánge- sentación del libro en días pasa-
les Pereira tilda a Santana de ico- dos, apuntaba la importancia de

176
 publicaciones

un gesto escritural realizado desde la A n d ré s I . S a n t a n a , S i n p u d o r ( y

posición de un cuerpo sexuado que aso- penetrados), Advana Vieja, Valencia,
ma y se hace presente en la textualidad, 2013. 525 páginas.
tanto en la forma como en el conteni-
do de la ensayística y la prosa. La críti-
ca Rocío de la Villa invitó al goce de la
lectura de un “plumilla” cuya facilidad
para la escritura se nota en lo prolijo del
verbo y en el ritmo intrínseco de los tex-
tos que aparecen en el volumen. Desta-
có también la pertinencia de contar en
el ámbito español con voces que llegan
desde Latinoamérica para complejizar la
red de referencias y tratamientos con los
que se orquesta el discurso sobre el arte
en los medios locales. Mientras que el
también crítico Miguel Cereceda no dejó
pasar por alto la ironía y la seducción
con las que Santana concierta su obra,
algo que una vez más queda expuesto
desde el título del libro y en la fluidez
de las palabras, como si se tratara de un
reto al lector a participar de un ambien-
te en el que copular, jugar y sentir, re-
sulta obligado. De hecho, tal vez son las
emociones el primer asidero para pene-
trar el ejercicio de la exegesis que reside
en la escritura de Andrés Isaac Santana,
excesiva, tropológica, visual, obscena;
donde las ideas se travisten de tal modo
que hay que aprender a leer más allá de
las apariencias, teniendo en cuenta que
la lectura no es un placer al que se llega
sin dificultades y, en este caso específico,
unos cuantos preliminares.

177
publicaciones

Juan V. Aliaga y Patricia Mayayo,

eds., Genealogías feministas en el
arte español: 1960-2010.

Semíramis González

La semana pasada se presentaba en La Casa

Encendida el catálogo de la exposición
“Genealogías feministas en el arte español:
1960-2010”, que pudo visitarse en el MUSAC
hasta febrero de este año. Comisariada por
Juan Vicente Aliaga y Patricia Mayayo, pretende
hacer una revisión de la cuestión feminista en el
escena artística española en las últimas décadas,
tratando de aportar una nueva visión sobre esto.

La exposición tuvo en su criterio comisarial

una preferencia temática frente a un orden
cronológico, buscando así también romper con
la tradicional clasificación por décadas, que en
el caso español en concreto deja muchas lagunas
históricas o genera una especie de ruptura irreal
entre las creaciones de una década y la siguiente.

178
 publicaciones

Habida cuenta de la dificultad El primero de los capítulos

para encauzar el discurso lo arranca Patricia Mayayo.
histórico-artístico en el contexto En “Imaginando nuevas
de España desde 1960, los genealogías. Una mirada
comisarios han pretendido hacer feminista a la historiografía del
del catálogo una continuación arte español contemporáneo”
del discurso de la exposición, la autora realiza un recorrido
incluyendo nuevas visiones en cronológico por ese período
torno a distintos temas. entre 1960 y 2010. Se plasma
aquí como necesaria la
Decía sobre la dificultad del importancia de subrayar las
discurso en el caso español genealogías para construir una
teniendo en cuenta las vicisitudes tradición feminista en muchos
históricas acaecidas desde
casos olvidada conscientemente
el marco cronológico que se
propone como inicio, 1960, con desde los discursos oficiales
la muerte de Franco, el fin de la de la historia del arte español.
dictadura, el proceso conocido Frente a ese feminismo que
como Transición democrática, empezaba a llegar de fuera en
hasta casi una fecha tan reciente los 80, especialmente el modelo
como 2010, apenas dos años anglosajón, Mayayo propone
antes de la muestra pública de
la necesidad de buscar una
esta exposición.
historia propia, que no necesite
El catálogo se organiza en torno a un refrendo constante de lo que
distintos capítulos en los que varias ocurría en otros contextos. Es
autoras y autores reflexionan en la década de los 90 cuando
sobre las últimas décadas del realmente comienza a mostrarse
arte feminista en España, una mayor permeabilidad en el
comenzando con una cronología mundo artístico español para los
que sitúa de forma escueta pero
discursos feministas, surgiendo la
clara la correspondencia entre
lo que ocurría en la política y primera hornada numéricamente
en la sociedad, y lo que pasaba significativa de artistas con un
en el plano artístico y de las programa feminista explícito.
instituciones ese mismo año. Sin embargo, ¿qué raíces tienen

179
publicaciones

estas artistas que durante los 90 cuerpos como lugar para el placer,
se posicionan abiertamente en la división sexual del trabajo, la
un discurso feminista? En España performatividad, o la tiranía de la
la falta de espíritu crítico para belleza, etc). Se trata de un capítulo
analizar la genealogía precedente que ayuda a centrar el eje de la
ha generado una especie de exposición para quién no acudiese
ruptura generacional que a verla, y permite imaginar un
realmente no se corresponde a la recorrido mental a través de las
realidad (algo que trata de suplir distintas salas.
esta “Genealogías feministas en el
arte español 1960-2010”).

Mayayo recoge también una

cita de Celia Amorós donde
se defiende la necesidad de
las genealogías para “recoger,
seleccionar, antologizar, dar
textura a la memoria crítica del
feminismo, que ya de por sí es
una tarea emancipatoria”. Como
comisaria de la exposición, la
autora defiende lo necesario de
una exposición como esta que se
guíe por un criterio temático y
no cronológico y muestre la no
filiación entre unas artistas y otras.

Juan Vicente Aliaga, el otro

comisario de la muestra, realiza
un recorrido por cada una de las
salas que integran la exposición,
y analiza lo que supone cada
una, a modo de ejes de reflexión
principales en el discurso feminista
(violencia de género, maternidad,

180
 publicaciones

Raquel (Lucas) Platero, una nueva forma de afron-

tar la complejidad de las
Intersecciones: Cuerpos identidades y la construc-
ción de estas. Partiendo de
y sexualidades en la una portada que deja en-
encrucijada. trever la maraña en la que
nos sumergimos, “Intersec-
ciones” propone un diálo-
go constante que interpela
al lector desde la primera
página y que desarrolla, a
lo largo de los distintos ar-
tículos, una estrategia de
concienciación y activación
de quien lee, siendo fun-
damental no solo lo que se
cuenta sino cómo se cuenta.

Desde la introducción, el
autor nos propone un pro-
ceso colectivo de diálogo
sobre las sexualidades no
normativas que va más allá
de responder ninguna pre-
gunta, y que parte, sin em-
bargo, de un método de
generar cuestiones que nos
hagan repensar nuestra for-
ma de comprender las iden-
Semíramis González tidades y su multiplicidad.

El libro “Intersecciones: cuerpos y sexualidades La idea de “intersección”,

en la encrucijada”, editado por Raquel (Lucas) poco trabajada desde
Platero, recoge en más de 300 páginas un gru- el contexto español,
po de textos fundamentales para comprender se convierte aquí en

181
publicaciones

protagonista y presenta una vía distintas líneas de convergencia

para acercarnos a lo identitario de las identidades.
desde un cruce, desde un punto
en el que seamos capaces de Una primera parte de la obra se
reconocer las distintas facetas centra en dos textos fundamenta-
que atraviesan a la sexualidad y les y clásicos: “Un manifiesto fe-
su identidad: la raza, la etnia, la minista Negro”, de Combahee Ri-
diversidad funcional… No somos ver Collective y “Cartografiando
un ser único y homogéneo, sino los márgenes. Interseccionalidad,
que a diario nos vemos surcados políticas identitarias, y violencia
por multitud de elementos que contra las mujeres de color” de
definen nuestra forma de estar Kimberlé Williams Creenshaw.
en el mundo, que nos sitúan en Se trata de una apertura con un
un punto u otro de la vida y que principio en común en ambos
nos condicionan en el desarrollo textos: la importancia de la con-
de nuestra existencia. Es lo que fluencia entre género y raza en
Lucas Platero llama identidades los estudios feministas.
entrelazadas en la introducción
que da comienzo al libro. La segunda parte, en la
que se centra en diálogos
La base de “Intersecciones” contemporáneos sobre la
es buscar un alejamiento de sexualidad en el Estado español,
planteamientos reduccionistas, Lucas Platero cuenta con las
como se señala también en aportaciones de conocidos
el índice, huyendo del “etc.” teóricos de cuestiones sobre la
que deja fuera multitud de identidad y la sexualidad, como
variables necesarias a la hora de Paco Guzmán, Carmen Romero
comprender la complejidad de Bachiller, Javier Sáez, David
las identidades. Berná, Eva Herrero, Gerard Coll-
Planas, Virginia Villaplana y
“Intersecciones” es un proyecto Cécile Stephanie Stehrenberger.
con grandes nombres que han Se trata de una segunda parte
trabajado mano a mano para completa y compleja, que recoge
crear un libro completo, capaz de en sus capítulos los análisis
abarcar en lo máximo posible, las de cuestiones como el VIH y

182
 publicaciones

la cultura bear –Javier Sáez–, la interseccionalidad

en sujetos atravesados por la sexualidad y la etnia,
como los gitanos gays –David Berná–, la dificultad
para defender una posición identitaria y sexual
determinada en los CIEs, Centros de Internamiento
de Extranjeros –Eva Herrero, Raquel (Lucas) Platero y
David Berná– o en las cárceles –Virginia Villaplana–…
Esta diversidad de autoras y autores propone también
una multiplicidad para poner de manifiesto cuestiones
como la interseccionalidad en los sujetos con diversidad
funcional, temas apenas trabajados desde el ámbito
español.

Raquel (Lucas) Platero

183
publicaciones

Uno de los capítulos que personalmente más me gustó fue el cuarto,

“Diálogos interseccionales sobre lo butch / femme, las diásporas
queer y lo trans”. Se trata de un diálogo entre Carmen Romero
Bachiller y Raquel (Lucas) Platero en la cocina de la primera, donde
proponen distintos puntos de vista sobre este planteamiento, y más
allá de resolver nada (si es que realmente existe algo que resolver y
aún creemos en alguna verdad tautológica) proponen una serie de
preguntas para analizar cuestiones como el deseo de las femmes,
la idea de diáspora como viaje, o la pervivencia de conceptos como
“deseo femenino” o “perra”.

“Intersecciones” es una publicación más que necesaria y adecuada

al momento presente, en que somos testigos del proceso de
desmantelamiento de todos los derechos sociales, sanitarios,
educativos y públicos de las personas. Se trata, como comentaba
al inicio, no solo de contar algo sino de cómo contarlo, y es
precisamente aquí donde “Intersecciones” apela al espíritu activista
de quien lee y propone nuevas vías y lecturas para el análisis de las
identidades sexuales.

En un momento de cambio como este, donde incluso podemos

aventurar un feminismo expandido, un feminismo que se
transforma, y donde las teorías más clásicas del movimiento queer
son irremediablemente reelaboradas y ampliadas (algo necesario
a medida que las identidades son leídas desde nuevos prismas),
“Intersecciones” propone una nueva visión de los cuerpos y las
sexualidades para aplicar en el día a día de todos.

Raquel (Lucas) Platero [ed.], Intersecciones: cuerpos y sexualidades

en la encrucijada, Edicions Bellaterra, Barcelona, 2012.

184
 publicaciones

Mª Luisa Venegas, del siglo XX, tuvieron que optar por

esgrimir la pluma como medio para
Voces y bocetos conseguir la ansiada independencia
económica que el mundo competitivo del
mercado del arte les vedaba. Laurense
Alma-Tadema, Matilda Betham-Edwards,
Susan Christian, Renée de Coutans,
Victoria Cross, Ella D’Arcy, Ella Hepworth
Dixon, Marion Hepworth Dixon, Menie
Muriel Dowie, George Egerton, Sarah
Grand, Beatrice Harraden, Vernon Lee,
Alice Meynell y Olive Schreiner con
ironía y humor, denuncian los reveses
que aguardan al joven o la joven artista.
En estos cuentos se aprecia los sólidos
conocimientos de arte que poseían sus
autoras y que reflejan en una prosa
sensual, pictórica y colorista. Son el
Vo c e s y b o c e t o s e s u n a enlace incuestionable entre la narrativa
recopilación de diecisiete decimonónica y las vanguardias del
relatos donde se exponen las comienzo de siglo.
dificultades que encuentra
c u a l q u i e r a u t o r, p i n t o r María Luisa Venegas es profesora de
o compositor novel, sea literatura inglesa y de traducción literaria
hombre o mujer, para abrirse en la Universidad de Sevilla. Es co-autora
camino en el mundo del arte, de la traducción al castellano de Ulises de
pues el academicismo, las James Joyce, Fin de siècle: relatos de
convenciones y las modas mujeres en lengua inglesa y traductora
impuestas por la sociedad y editora de Tónicas y Disonancias, de
crean impedimentos, a veces George Egerton. Vive en Sevilla y tiene
insalvables, para la aceptación una hija.
de nuevas técnicas e ideas
estéticas. María Luisa Venegas, ed., Voces y bocetos.
Los relatos son de autoras Cuentos ingleses sobre arte, ediciones
anglófonas que, en el umbral Alfar, Sevilla, 2012.

185
 La espigadora: AC/E

Lara Almarcegui, Pabellón Español de la Bienal de

Venecia, 2013

Acción Cultural Española, AC/E, En cuanto a las exposiciones

es el principal organismo para la individuales de artistas plásticos
promoción de nuestra cultura en españoles, de las 22 realizadas, solo 6
el exterior. Entre otras muchas han sido protagonizadas por artistas
actividades, organiza exposiciones mujeres: Lara Almárcegui, Esther
individuales de artistas españoles en Ferrer, Eva Lootz, Maider López,
museos y centros de arte en todo el Susana Solano y la colombiana
mundo, así como respalda proyectos Na t a l i a Gr a n a d a , r e s i d e n t e e n
de artistas españoles en Bienales y España.
Trienales.
Respecto a los artistas
Analizando las exposiciones españoles respaldados en
realizadas desde su fundación y Bienales y Trienales, de los
puesta en marcha, desde marzo de 11 artistas respaldados, solo
2011 hasta junio de 2013, según 4 son mujeres: Libia Castro,
la información disponible en su Dora García, Cristina Iglesias
web, constatamos una vez más la y Lara Almarcegui, ahora
desigualdad en el reparto de artistas en el Pabellón Español de la
hombres y mujeres, incumpliendo la Bienal de Venecia.
Ley orgánica de Igualdad 3/2007 y en
especial su Art. 26.

notas
186
Mireia Sallarés Angie Bonino

Monuments, presentado en
el CA Centre d’Art Tarragona,
es una exposición de la artista
catalana Mireia Sallarès que La artista peruana Angie Bo-
reúne los cinco proyectos más nino presenta Tras las huellas
destacados que ha realizado a del delito, una exposición in-
lo largo de los últimos diez años dividual en Homesession. La
y pone de relieve sus procesos base de trabajo de esta artista
de investigación y producción multidisciplinar que utiliza el
refiriéndose a temas esenciales videoarte, la video instalación,
como el sexo, la legalidad, pinturas y dibujos, es la relación
la verdad, la violencia, o la entre información y proyecto
muerte. Según sus propias político.
palabras “la UNESCO debería
declarar lo que cada uno ha El proyecto da forma a una in-
hecho, con lo que la vida vestigación permanente, des-
le ha dado o le ha tomado, plegando un espacio militante
patrimonio de la humanidad”. de puesta en relación de posi-
ciones, discursos e intenciones,
Verónica Coulter el objetivo del cual es contrapo-
nerse a “la gramática de la nor-
Mireia Sallarès. Monuments, malidad”, una serie de normas
que hacen del discurso oficial
CA Centre d’Art Tarragona,
el único legítimo para tratar la
Tinglado 2, Moll de Costa,
Tarragona. Del 18 de mayo al 28 realidad a gran escala.
de julio de 2013.
Verónica Coulter

Angie Bonino, Tras las huellas

del delito, Homesession, Creu
dels Molers 15, Barcelona. Del
30 de mayo al 8 de junio de
2013.

notas
187
 Mille Kalsmose en la Virreina

En busca de una madre, una instalación fotográfica

de la artista danesa Mille Kalsmose, se presenta en
La Virreina Centre de la Imatge.

El proyecto trata la relación ideal entre madre e

hija, reflexionando sobre el concepto de familia
y la construcción de la identidad propia. ¿Qué es
lo que hace que esta relación sea tan importante?
¿Se puede establecer sin que se compartan vínculos
de sangre con la otra persona, solo por voluntad
propia? Utilizando su experiencia personal y siendo
ella misma protagonista en escena junto a otra mujer
que asume el rol de madre, dan vida a una narración
visual que, en colaboración con el fotógrafo Alberto
García-Alix, capta retratos originales en blanco y
negro.

Verónica Coulter

Mille Kalsmose. En busca de una madre, La Virreina

Centre de la Imatge, La Rambla 99, Barcelona. Del 7
de junio al 11 de septiembre de 2013.
notas
188
Genevieve Asse,
Centre Pompidou

Desde principios de la década de los 50, Geneviève

Asse ha declinado las innumerables variaciones
de lo que ha terminado denominándose
el “bleu Asse”. Al comienzo, inspirada en
Chardin, Cézanne y Braque, se consagró a la
representación de objetos cotidianos e íntimas
naturalezas muertas que, en los años 60, van
dejando lugar a una exploración abstracta del
espacio con las sutiles vibraciones atmosféricas de
la luz.

La exposición está organizada en torno a una

importante donación de la pintora al Centre
Pompidou, junto a obras de colecciones privadas
y otras pertenecientes a numerosas colecciones
particulares. Además, se muestran los cuadernos
de la artista, nunca antes exhibidos, y pinturas
en pequeño formato, además de ilustraciones de
obras de Samuel Beckett, Yves Bonnefoy, Francis
Ponge y Jorge Luis Borges.

Geneviève Asse, Centre Pompidou, París. Del 26

junio al 9 septiembre de 2013.
notas
189
 Saloua Raouda
Choucair, Tate
Modern

Composición en azul, 1947-1951

La exposición se centra en su
La artista libanesa Saloua
escultura, desde 1950 a la década
Raouda Choucair (Beirut, 1916)
de 1980, creada en madera,
fue pionera del arte abstracto
metal, piedra, terracota y fibra,
en Oriente Medio. A través
así como presenta sus primeras
pinturas y dibujos, arquitectura,
pinturas abstractas junto a
textiles y joyería y su prolífica
algunas figurativas, como
y experimental escultura,
su Autorretrato de 1943.
desarrolló su interés por la
ciencia, las matemáticas y la Saloua Raouda Choucair, Tate
poesía y el arte islámicos. Modern, Londres. Del 17 de abril
al 20 de octubre de 2013.
En la escena artística de Beirut
a partir de la década de 1940
en adelante, Choucair combina
elementos de la abstracción
occidental con la estética
islámica, inspirándose en
formas modulares, líneas y
curvas procedentes de diseños
tradicionales, en juegos que
combinan ritmos y contrarritmos.

notas
Ellen Gallagher: AxME,
Tate Modern

Retrospectiva de dos décadas de trabajo de

la artista estadounidense Ellen Gallagher
(Providence, Rhode Island, 1965). Gallagher reúne
iconografías del mito, la naturaleza, el arte y
la historia social para crear complejos trabajos
en diversos medios: pintura, dibujo, collage,
escultura, cine y animación.

En sus conocidas series Double Natural, POMP-

BANG y eXelento, Gallagher se apropia de
anuncios publicitarios de productos de belleza
y del cabello de los años 30 a los 70, extraídos
de revistas como Ebony, Our World, y Black
Stars dirigidas a las mujeres afroamericanas.

Ellen Gallagher, Tate Modern, Londres. Del 1 de

mayo al 1 de septiembre de 2013.

notas
191
 Linder, TATE St Ives

Linder, Joining Valley, 2013. Cortesía de

Stuart Shave/Modern Art, London and
Blum & Poe, Los Angeles, USA © The artist.

La artista Linder (Reino

Unido, 1954) es conocida por
sus collages, performances
e instalaciones. Ligada a la
escena punk en Manchester
en la década de 1970, fue la
autora de la portada de Orgam
Addict, el single de debut de
los Buzzcocks en 1977.

La exposición en Tate St Ives

reúne sus collages junto
a esculturas de Barbara
Hepworth, revelando aspectos
de performance y políticos de
su trabajo, en paralelo a su
práctica radical feminista.

Linder y Barbara Hepworth,

Tate St Ives Summer 2013. Del
18 de mayo al 29 de septiembre
de 2013.

notas
192
Marlow Moss, TATE St Ives

La exposición muestra un importante grupo

de trabajos de Marjorie Jewel “Marlow”
Moss (29 mayo 1889 – 23 agosto 1958),
ahora considerada una de los artistas más
importantes del Constructivismo británico.
Pinturas, relieves, esculturas y dibujos que
interrogan el movimiento, el espacio y la luz.

Antes de la Primera Guerra Mundial,

Moss produjo composiciones abstractas.
Después, su producción derivó hacia
relieves y esculturas en blanco. En Paris fue
cofundadora de la asociación Abstraction-
Création, con la que expuso en el Salon des
Surindépendants.

Moss vivió entre Paris y Cornwell, cambiando

frecuentemente de nombre y adoptando
una apariencia masculina desde 1919. En
1927 conoció a su pareja, la escritora A. H.
Nijhoff (Antoinette Hendrika Nijhoff-Wind),
esposa del poeta Martinus Nijhoff.

Marlow Moss, Tate St Ives Summer 2013.

Del 18 de mayo al 29 de septiembre de 2013.

notas
193
 Elena Blasco, Ancha es
Castilla, CAB Burgos

Una selección de medio centenar de obras

pertenecientes a las diversas etapas de su
producción, fechadas entre 1989 y 2012,
que incluye pintura, escultura, instalaciones,
fotografía y grabado, y que ha titulado –con el
humor que la caracteriza– Ancha es Castilla.

Los aspectos lúdicos y desenfadados esconden, en

muchos casos, una actitud radicalmente crítica,
tanto hacia determinados comportamientos,
tópicos y prejuicios del ámbito privado, como
respecto a la realidad circundante y las formas
sociales impuestas.

Los títulos de sus piezas son casi siempre frases

jocosas, desconcertantes e irónicas, donde
también se ríe de sí misma. Y en ocasiones,
acompaña su trabajo de textos breves o pequeños
relatos que exploran la paradoja mediante juegos
de palabras en los que asoma su humor malicioso
y su radical ironía.

Elena Blasco. Ancha es Castilla, CAB, Burgos. Del

23 de mayo al 15 de septiembre de 2013.

notas
194
Pilar Albarracín en Au bazar
Du genre, MUCEM

Pilar Albarracín participa en la colectiva Au bazar

du genre, una exposición a favor de la tolerancia
en respuesta a la polémica violenta suscitada por la
nueva ley del matrimonio en Francia. Secciones: Mi
vientre me pertenece; Los caminos de la Igualdad;
LGTB Viva su diferencia; Mi príncipe vendrá; Cada
uno su género.

Otros artistas: Philippe Castetbon, Nan

Goldin, Hassan Hajjaj, Pierre et Gilles, Marion
Poussier, Niki de Saint Phalle, Michèle Sylvander,
Ljiljana Zeljkovic.

Au bazar du genre. Fémenin – Masculin en

Méditerranée, MuCEM, Musée de civilisations pour
l’Europe et la Méditerranée. Marsella, Francia. Del 7
de junio de 2013 al 6 de enero de 2014.
notas
195
 Alicia Framis, retrospectiva
en MUKKA

Vista de montaje en MMKA

Retrospectiva de veinte años de trabajo de la

artista interdisciplinar Alicia Framis (Barcelona,
1976), centrado en sus proyectos de estética
relacional.

Framis in Progress está estructurada en tres

temas, en interrelación con el publico: en “Fitting
Room” el público puede descubrir los vestuarios
que Framis ha creado para distintos proyectos,
exposiciones, eventos y performances, como Anti-
Dog, así como ponérselos en probadores.
El Studio with social architecture muestra dibujos
y prototipos de estructuras sociales y espacios
que Framis ha diseñado desde 1995, de los que
el público puede llevarse copias. En la tercera
parte, Wishing Wall, los visitantes podrán dejar
(invisiblemente) sus sueños y deseos.

Framis in Progress, Alicia Framis, MMKA, Arnhem.

Del 8 de junio al 29 de septiembre de 2013.
Comisaria: Mirjam Westen. Itinerancia posterior:
Cultuurcentrum Brugge (Bélgica) y Galerie im
Taxaispalais Innsbrück (Austria).

notas
196
 Dora García, Fondation
Prince Pierre de Monaco,
Venezia

La Fondation Prince Pierre de Monaco

presenta The Joycean Society, el nuevo proyecto
de Dora García, ganadora de su Premio
Internacional de Arte Contemporáneo (PIAC).
Como evento colateral, forma parte de la 55º
Bienal de Venecia.

Concebido como una intervención que

convierte el espacio expositivo en un espacio de
interpretación, The Joycean Society es un club de
lectura dedicado a James Joyce y su “Finnegans
Wake”. Una sociedad formada por estudiantes,
admiradores y conocedores del que a menudo se
considera “el libro más difícil del mundo”.

Dora García, The Joycean Society, Punch Space,

Giudecca 800/o, Venecia. Del 30 de mayo al 24
de noviembre de 2013.

notas
197
 Mar Arza, Incís

Amb motiu de l’exposició sobre l’obra fira del llibre d’artista Arts Libris.
de Mar Arza, Assumpta Bassas i Joana El llibre, coeditat pel Museu
Masó han editat el llibre-catàleg, Mar Molí Paperer de Capellades i
Arza. Incís, amb textos de Faith Wilding, Duoda. Recerca de dones de la
Carmen Pardo Salgado, Cristian Añó, Universitat de Barcelona, és el
Assumpta Bassas i Joana Masó. primer volum de la col·lecció
“Incisos. Quaderns d’art, dones i
En l’obra de Mar Arza la paraula incideix escriptura”.
sobre la mirada, creant pensament sobre
el llibre, la lectura, el temps, l’economia, Assumpta Bassas i Joana Masó
el sistema de l’art, el tall i la política del (eds.), Mar Arza. Incís, colección
simbòlic, temàtiques que estructuren els “Incisos. Quadern d’art, dones i
cinc plecs del catàleg i que, al seu torn, Escriptura”, Museu Molí Paperer
inspiren els cinc textos que el componen. de Capellades/ Duoda, edicions
Universitat de Barcelona.
El llibre-catàleg Mar Arza. Incís, editat Precio 20 €.
per Joana Masó, investigadora del Centre
Dona i Literatura, i Assumpta Bassas, amb
disseny de Ximena Pérez Grobet, ha rebut
el premi al millor disseny en el marc de la

notas
198
Rocío Arevalo, en CAAM

Rocío Arevalo, El arte de comer, 2012

La exposición Sinestesias, producida por el CAAM,

reúne 6 series de trabajos, creados en diferentes
soportes entre los años 2012 y 2013. Sinestesias es
la exposición más abarcadora realizada por Rocío
Arévalo dentro su trayectoria artística.

Encontramos en las dos plantas de San Antonio

Abad un inventario de las preocupaciones
fundamentales que han constituido la poética
de esta joven creadora: la autoconciencia del yo
y la identidad individual a partir de la frontera
física del cuerpo; las marcas psicológicas, sociales
y personales, resultado de los Trastornos de la
Conducta Alimentaria (TCA); las construcciones
biopolíticas del sujeto (Somos lo que comemos,
2012-2013; Menú, vídeo, 2013); los afectos
que intervienen en el sentido de pertenencia

notas
199
 a una determinada comunidad
y las distancias y percepciones
que median en esas relaciones
sociales. Los materiales simbólicos
de una memoria atravesada por
el desplazamiento, la emigración,
una infancia nómada marcada
por las derivas geográficas
transcontinentales y sensoriales de
la contracultura hippie a finales de
los años 70 (Bistec y papas fritas,
instalación, 2013).

Esta exposición deviene una galería

de retratos en los que Arévalo
prueba su oficio como acuarelista.
Rocío Arevalo, Somos lo que comemos,
En algunas de estas imágenes se 2012-2013Autorretratos, retratos individuales y
reconocerán rostros de la sociedad colectivos que tienen en común el haber quedado
canaria, caras de artistas, comisarios, atrapados en el gesto cultural de comer.
críticos, galeristas –de dentro y fuera
del contexto insular–, que forman Rocío Arevalo. Sinestesias, Sala San
parte del contrato social del arte; Antonio Abad, CAAM, Las Palmas.
Del 14 de junio al 1 de septiembre
también personajes anónimos y del
de 2013.
álbum de fotos familiar de la artista.
Autorretratos, retratos individuales Comisaria: Suset Sánchez.
y colectivos que tienen en común
el haber quedado atrapados en
el gesto cultural de comer. Un
gesto vital, también erógeno, que
paradójicamente reproducimos para
morder y tragar, escupir y vomitar,
o, por el contrario, para hablar y
narrar.

notas
200
Estefanía Urrutia María Castellanos

Giardinetto Stories, es una Este proyecto investiga de forma

exposición individual de empírica sobre la percepción
Estefanía Urrutia que se y l a s ca r e n ci a s s e n s o r i a l e s
presenta en la galeria Miquel humanas. En concreto, acerca
Alzueta de Barcelona. La joven de la visión del ojo humano
pintora madrileña residente en contraposición al ojo
en Piramidón Centre d’Art mecanizado, la cámara de vídeo.
Contemporani, inspirada en Relacionando la percepción
el mítico “Il Giardinetto” de con el hecho de vestirse y
Barcelona nos sumerge en desvestirse, acciones básicas en
un ambiente de encuentros nuestra vida cotidiana.
y desencuentros, de historias
secretas bajo una atmósfera Durante la inauguración que
evocadora de otros tiempos y tendrá lugar el viernes día 14 de
nos incita a ser voyeurs de sus junio a las 19.30 horas, se llevará
propias escenas. a cabo una breve acción donde
se mostrarán los dos trajes que
Estefanía Urrutia. Giardinetto se crearon ex profeso para este
Stories, Galeria Miquel Alzueta,
proyecto.
Sèneca, 9-11, Barcelona. Del 20
de junio al 12 de julio de 2013.
María Castellanos. Corpo-
Realidad, Espaciu Astragal,
Gijón. Del 14 de junio al 13 de
julio de 2013.

notas
201
 Dones pintades Linarejos Moreno, galería
Pilar Serra.

Laureà Barrau, Decoradores de la Tejiendo los Restos del Naufragio reúne

manufactura de ceràmiques del impresiones fotográficas sobre arpilleras de gran
monestir de Santa María de las
formato y una colección de objetos cargados de
Cuevas, La Cartuja, Sevilla, 1899
memoria que devienen presencia escultórica que
habla de una ausencia. El poder narrativo de la
Después de su participación
ruina se mezcla en estas obras con un imaginario
en el festival Miradas de
industrial y arquitectónico que construye sin
Mujeres el pasado mes de
cesar sobre los restos.
marzo, la galería Artur
Ramon Art presenta una
Esta estrategia ya estaba presente en uno de los
amplia selección con más
primeros trabajos de Linarejos Moreno (Madrid,
de sesenta piezas, pinturas,
1974): Arqueología Industrial Ficticia (Madrid,
dibujos y esculturas de
1998), donde creó historias falsas a partir de
artistas catalanes de los
fotografías industriales encontradas, y en Una
siglos XVII al XX, en torno al
Casa Con Esquinas (París, 2003), donde realizó
retrato femenino, un tema
el arranque de la superficie mural de su casa-
recurrente en la historia del
estudio de París, trasladada después a Madrid,
arte.
creando un trabajo a camino entre la ficción de
un espacio doméstico y la arqueología. En las
Dones pintades, Artur
piezas de Tejiendo los Restos del Naufragio, las
Ramon Art, Palla 25,
enormes arpilleras, de gran vibración pictórica,
Barcelona. Hasta principios
crean junto a los objetos una escenificación del
de julio.
dolor.

Esta exposición forma parte del Festival Off

PHotoEspaña.
Linarejos Moreno, Tejiendo los restos del
naufragio, galería Pilar Serra, Santa Engracia 6,
Madrid. Del 4 de junio al 15 de julio de 2013.

notas
202
Amina Benbouchta, galería
Sabrina Amrani.

Amina Benbouchta, Exil (#1), 2011. Cortesía Galería Sabrina Amrani ©

Amina Benbouchta

Después de su participación en la colectiva Cuerpos en

el I festival Miradas de Mujeres marzo 2012, la artista
Amina Benbouchta (Marruecos, 1963) presenta en
esta individual su serie de fotografías Down the
rabbit hole, que nos transporta a su universo pictórico
donde encontramos trampas, pantallas de lámparas,
camas, corazones negros, animales y espejos que
forman parte de la iconografía personal, presente
también en sus pinturas, de la artista marroquí.

En el trabajo de Amina Benbouchta existe una

distancia necesaria con lo real, una distancia que deja
campo libre a la imaginación y a la poesía.

La exposición forma parte de PhotoEspaña 2013,

Festival Off.

Amina Benbouchta, Down the rabbit hole, galería

Sabrina Amrani, Madera 23, Madrid. Del 10 de junio
al 27 de julio de 2013.

notas
203
 Angelica Dass, Humanae, galería
Max Estrella

Humanæ es un proyecto, en desarrollo, de la

brasileña Angélica Dass, que pretende desplegar un
inventario cromático de los diferentes tonos de piel
humana. Quienes posan son voluntarios que han
conocido el proyecto y deciden participar en él. No existe
una selección previa de los participantes ni se atiende
a epígrafes de clasificación referentes a nacionalidad,
género, edad, raza, clase social o religión. Tampoco
hay una intención explícita de terminarlo en una fecha
determinada. Está abierto en todos los sentidos e
incluirá a cuantos quieran formar parte de este colosal
mosaico global. El límite solo se alcanzaría al completar
la totalidad de la población mundial.

Para testar esta taxonomía, Angélica Dass ha adoptado

un formato, el de las Guías PANTONE®, que desactiva
cualquier pretensión de control o de establecimiento de
jerarquías en función de la raza o la condición social.

notas
204
El proceso seguido en Humanæ también es
sistemático y riguroso: cada retrato se sitúa sobre
un fondo teñido con un tono de color idéntico a
una muestra de 11×11 píxeles extraída del rostro
del fotografiado. Alineados como en los famosos
muestrarios, la horizontalidad no es solo formal,
también es de orden ético.

Además, tiene la voluntad de que el proyecto

evolucione en otras direcciones ajenas a su
control: debates, usos didácticos, réplicas y un
sinfín de alternativas que ya se han activado al
compartir Humanæ en las redes sociales.

Si quieres formar parte del proyecto Humanae

escribe a: [email protected]

Premio PhotoEspaña 2013 Festival Off.

Angelica Dass, Humanæ. Work in Progress,

galería Max Estrella, Santo Tomé 5, Madrid. Del 4
de junio al 17 de julio de 2013.

notas
205
 Deriva Doméstic de Clare
Gallagher

Deriva doméstica, presentada por la Galeria H2O es

una exposición individual de la fotógrafa irlandesa
Clare Gallagher. La artista se centra en la vida diaria,
las condiciones existenciales que complementan los
momentos dramáticos y espectaculares de la vida,
recurriendo a la cotidianidad inherente al trabajo
repetitivo, rutinario de la casa, subrayando su cualidad
vulgar y preciosa al tiempo. Valida una percepción
fragmentada de la vida cotidiana que suele estar
desconectada de nuestras percepciones sensoriales, de
nuestros conceptos y que potencia la falsa concepción
de que todo lo que está al margen de la luz pública
de las calles, el lugar de trabajo y los medios de
comunicación es improductivo e insignificante.

Verónica Coulter

Clare Gallagher. Deriva doméstica, Galería H2O, Verdi

152, Barcelona. Del 4 de julio al 31 de julio de 2013.

notas
206
Dora Salazar, Koldo
Mitxelena Kulturenea.-

Entrelazar es el nombre de la exposición subjetivo que se construye.

de Dora Salazar (Alsasua, 1963) en la sala Esta especie de desfile
Ganbara de KOLDO MITXELENA Kulturunea. carnavalesco de trajes y
La muestra está compuesta de siete costumbres, maquillajes
figuras de escala humana pertenecientes y ritos está construido con
a la serie Princesas, incluida dentro del cuerda, cuero, acero, hilo
libro Cuentos para adultos editado en el de cobre, conformando
año 2011, y se completa con siete dibujos figuras que suspendidas
relacionados con ellas. Estos trabajos se del techo parecen querer
unen a otros iniciados con la serie Intimidad ascender a la cubierta de
Preservada (corsés) de 1995, donde la artista la Ganbara. Presencias
explora un mundo simbólico alternativo fantasmagóricas, imágenes
centrado principalmente en el universo hechas por pieles y capas,
femenino. en una dialéctica del
ser y parecer, que si las
Fascinada por la obra de Mary despojamos de ellas nos
Shelley Frankenstein o el moderno quedamos detrás del
Prometeo y la novela 1984 de Orwell, espejo donde no hay nada,
Salazar construye estas figuras que están vacías o huecas: el
intercambian torsos y comparten un mismo vacío – la muerte.
rostro-máscara en busca de identidades
exigidas, aprendidas o ideadas. En estas Dora Salazar, Entrelazar,
obras se entiende el cuerpo como una Koldo Mitxelena
construcción social y cultural que varía a Kulturunea, San Sebastián.
través del tiempo; y la identidad, como algo Del 16 de julio al 14 de
septiembre de 2013.

notas
207
 Maria Martins, MAM Sao
Paulo

cuarenta del pasado siglo,

Andre Breton en Le Surréalisme
y la Peinture (1947) destaca
su capacidad para expresar la
pasión humana y para ir a las
fuentes primitivas.

En esta década, María Martins

hizo varias exposiciones
importantes en Europa,
Estados Unidos y Brasil. Su
primera muestra individual fue
realizada en Washington, en la
Corcoran Art Gallery en 1941.
También estuvo presente en la
gran muestra Le Surrealisme
en la Galería Maeght de París
en 1947, organizada por
En la moda de retorno al surrealismo que viene André Breton, que presentó
recorriendo los principales museos de Europa su muestra en solitario en
y América, y después del lugar destacado que Nueva York en la Galería Jean
tuvo su obra en la pasada Documenta 13, vuelve Levi ese mismo año. En París
a primer plano la obra de la escultora brasileña expuso en la Galería Drouin
Maria Martins (1900-1973), relegada en las en 1949. Un ejemplo de su
últimas décadas como amante y modelo de buen diálogo con otros artistas
Marcel Duchamp. pudo verse cuando su trabajo
Amazonia fue expuesto junto
La retrospectiva abarca sus esculturas pero a las pinturas de Piet Mondrian
también pinturas, grabados y escritos. Bajo el en la Galería Valentine en
título Metamorfosis, la comisaria Veronica Stigger 1943. En 1950 también hizo
ha agrupado su obra en cinco núcleos temáticos: una exposición individual en
Trópicos, Lianas, Diosas y Monstruos, Cantos y el Museo de Arte Moderno de
Esqueletos. Sâo Paulo.

Relacionada con el grupo surrealista exiliado

en Nueva York durante la década de los años

notas
208
 Jo Baer, Stedelijk
Ámsterdam y Museum
Ludwig Colonia

De regreso definitivamente
a Brasil en 1950, apoyó la
creación de la Bienal de
Sâo Paulo y colaboró en la
organización de sus primeras
celebraciones y obtuvo el
premio al mejor escultor
nacional en la III Bienal en
1955. También contribuyó en
la fundación del Museo de Arte
Moderno de Río de Janeiro.

Además, como escritora publicó

varios libros: A Asia Maior en
1958 sobre la China de Mao
Zedong, A India e o Mundo
Novo y O Planeta Clima. Jo Baer, Time-Line (Spheres, Angles and the Negative of the 2nd
Derivative), 2012. Courtesy of the artist and Gallery Barbara
Maria Martins: Metamorfoses, Thumm, Berlin. Photo: Gert Jan van Rooij.
Museu d’arte moderna de Sao
Paulo, Brasil. Del 10 de julio al La obra de Jo Baer (Steattle, 1929) en Europa
15 de septiembre 2013. por partida doble. En el Museo Ludwig de
Curadoria: Veronica Stigger Colonia se presenta una amplia retrospectiva
de la pionera, junto a Donald Judd y Sol LeWitt,
del Minimal Art. Con 170 obras es la exposición
más amplia de la artista hasta la fecha.

La exposición en el Stedeljk de Ámsterdam

-donde reside Jo Baer desde 1985- muestra
pinturas y dibujos recientes. En estas obras
se trasluce el interés de Baer por la cultura
neolitica, que comenzó cuando vivió en un
castillo rural de Irlanda entre 1975 y 1982. Una
visita reciente a sitios neolíticos ha reavivado
aquella fascinación.

notas
209
 Jo Baer, In the Land of the Giants, Stedelijk
Museum, Ámsterdam. Del 16 de mayo al 1 de
septiembre 2013.

Jo Baer, Museum Ludwig, Colonia. Del 24 de

mayo al 25 de agosto 2013.

Jo Baer, st, 1961. Gouache sobre papel.10 x 10 cm

notas
210
Bad Girls, Frac Lorraine

Raeda Sa’adeh

Activando la colección, el FRAC Lorraine

presenta una exposición que trata de la
subversión contra el orden patriarcal en
el arte contemporáneo desde la década
de los sesenta del siglo XX.

Artistas: Marina Abramovic, Pauline

Boudry / Renate Lorenz, Lili Dujourie,
Clarisse Hahn, Anna Maria Maiolino,
Annette Messager, Liliana Motta, Ewa
Partum, Lotty Rosenfeld, Martha Rosler,
Raeda Sa’adeh, Hito Steyerl y algunos
libros de Albertine Sarrazin, Grisélidis
Réal y Virginie Despentes

Pauline Boudry / Renate Lorenz

Bad Girls, Frac Lorraine, Metz. Del 13 de
julio al 20 de octubre 2013.

notas
211
 Good Girls, MNAC Bucarest

Delia Pope, Empowerment, 2012

Good Girls es una exposición internacional,

comisariada por Bojana Pejić, que ofrece una
amplia perspectiva sobre las prácticas artísticas
de mujeres. La muestra se estructura en torno
a tres conceptos: memoria, deseo y poder.

La seción memoria presenta relatos y recuerdos

individuales y colectivos: reconstrucciones
de historias familiares, traumas y pérdidas,
la amnesia colectiva y la rescritura de
historias de mujeres y su genealogía. Deseo
comprende trabajos que exploran las múltiples
configuraciones de la identidad, el cuerpo y
la sexualidad, cuestionando los estereotipos
culturales y su representación normativa. La
sección Poder aborda prácticas de crítica social
y activismo, deconstruyendo ideologías y
discutiendo las relaciones de poder.

notas
212
Artistas: Nina Arbore (Ro), Ethel Băiaș (Ro), Ana Bănică (Ro),
Jurga Barilaitė (Lt), Bureau of Melodramatic Research – Irina
Gheorghe & Alina Popa (Ro), Pauline Boudry & Renate Lorenz
(De), Geta Brătescu (Ro), Irina Broboană (Ro), Mina Byck-Wepper
(Ro), Filipa Cezar (Pt), CHIRKLI Collective (Can), Anetta Mona
Chișa & Lucia Tkačová (Cz), Ioana Ciocan (Ro), Maria Ciurdea
Steurer (Ro), Alexandra Croitoru (Ro), Larisa Crunțeanu (Ro),
Cecilia Cuțescu – Storck (Ro), Suzana Dan (Ro), Anna Daučikova
(Sk), Cristina David (Ro), Lucia Dem Bălăcescu (Ro), Bianka Dobo
(Hun), Simona Dobrescu (Ro), Sandra Dukić & Boris Glamočanin
(BiH), Elian (Ro), Suzana Fântânariu (Ro), Aniela Firon (Ro), Mariela
Gemisheva (Bg), Chengyao He (Cn), Iraida Icaza (Pa), Corina Ilea
(Ro), Orit Ishay (Isr), Hristina Ivanoska (Mkd), Sanja Iveković (Hr),
Anna Jermolaewa (Rus), Regina José Galindo (Gtm), Adela Jušić
(BiH), Gülsün Karamustafa (Tur), Mihaela Kavdanska (Ro), Lesya
Khomenko (Ukr), Aurora Kiraly (Ro), Katrazyna Kozyra (Pol),
Elke Krystufek (Aut), Ana Lupaș (Ro), Flavia Lupu (Ro), Romana
Mateiaș (Ro), Olivia Mihălțianu (Ro), Adina Paula Moscu (Ro),
Anca Munteanu – Rimnic (Ro), Ioana Nemeș (Ro), Ilona Németh
(Sk), Alexandra Pirici (Ro), Delia Popa (Ro), Marilena Preda –
Sânc (Ro), Renee Renard (Ro), Necla Ruzgar (Tur), Véronique
Sapin (Fra), Liina Siib (Est), Hito Steyerl (De), Patricia Teodorescu
(Ro), Milica Tomić (Srb), Roxana Trestioreanu (Ro), Martha Wilson
(USA).

Good Girls, MNAC, Muzeul National de Arta Contemporanea,

Bucarest. Del 20 de junio al 29 de septiembre 2013.

notas
213
 Colección Soledad Lorenzo,
MAS Santander

Selección de la colección de Soledad

Lorenzo, que aborda esta nueva
etapa como coleccionista después
del cierre de su galería.

La exposición, que se distribuye en las plantas

0 y 1 del MAS, presenta 37 obras, pinturas,
esculturas, dibujos, fotografías y videocreaciones
de los artistas que ha representado en su galería
a lo largo de un cuarto de siglo: Txomin Badiola,
Jorge Galindo, Soledad Sevilla, José María Sicilia,
José Manuel Broto, Pablo Palazuelo, Juan Uslé,
Guillermo Pérez Villalta, Antoni Tàpies, Miguel
Barceló, Ana Laura Aláez, Adriana Vàrejao, Peio
Irazu, Adrià Julià, Juan Ugalde, Robert Longo,
George Condo, Phillip Fröhlich, Perejaume, Tony
Oursler, Vicky Civera, Iñigo Manglano-Ovalle,
Jerónimo Elespe, Julian Schnabel, Jon Mikel
Euba, Sergio Prego.

Colección Soledad Lorenzo, MAS Santander. Del

13 de agosto al 27 de noviembre 2013.

notas
214
www.m-arteyculturavisual.com