Diseño grafico

laura noguera C.I 3050537

Ddocente : Jimine Barreno

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CONSTRUTIVISMO

Antes de analizar las características del constructivismo y el diseño gráfico, es importante analizar su
origen.

Tras la Revolución Rusa, en 1917, en Rusia se establece la necesidad de generar un arte propio del nuevo
Gobierno. La idea principal parte de desechar cualquier elemento que pueda estar relacionado con lo
accesorio o lo decorativo, muy al contrario a las tendencias que proclamaba el Art Decó, de origen
burgués.

El escultor Vladimir Tatlin es el artista en el que se basan los primeros constructivistas, para desarrollar
sus primeras obras. Tatlin había hecho algunas esculturas, destacando entre ellas el Monumento a la
Tercera Internacional, una torre aséptica, que evitaba cualquier concesión al adorno, basada por tanto en
el esquema estructural.

Durante los primeros años de la Unión Soviética, los principales artistas optaron por evitar cualquier
ornamento en sus obras, centrándose en el mensaje principal, las líneas limpias y una paleta cromática
básica.

El constructivismo ruso duró varias décadas, a lo largo de las cuales se desarrollaron todo tipo de escuelas
y subestilos, pero podemos decir que, en líneas generales, sus características generales son las siguientes.

El constructivismo tiene un origen cubista que da prioridad a la línea recta y a los ángulos marcados.

Los colores son muy reducidos. En cualquier caso la gama cromática está muy restringida, optando en su
mayoría por colores saturados como el negro, el rojo o el blanco.

La letra y el mensaje escrito en general está muy presente, y crea un subtexto que en realidad es
fundamental.

El constructivismo suele tener un fin más allá del propio diseño, en origen el fin era político.

Los contrastes también son fuertes en este tipo de diseño, creando imágenes a priori imposibles, pero con
un sentido claro para el espectador.

El constructivismo tiende a la creación de diseños esquemáticos, no es necesario fijar la atención para

captar el sentido de la imagen.

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DESARROLLO DE UNA NUEVA TIPOGRAFÍA (EL TIPO UNIVERSAL DE HERBERT BAYER)

Con la derrota del imperio alemán la legitimidad de la cultura del siglo XIX parecía en decadencia,
muchos alemanes sintieron que debían empezar de nuevo. Diseñadores como los asociados en la Bauhaus
impulsaron un nuevo modo de pensar sobre la visión y la función del entorno visual.
Para ellos el diseño no debía seguir utilizándose para reflejar y reforzar una sociedad jerárquica, muchos
miembros de la Bauhaus creían que el futuro dependía de unas leyes universales de la razón que no estaban
vinculadas a las limitaciones de la cultura tradicional.
Herbert Bayer fue estudiante de la Bauhaus, y Gropius lo invitó a dirigir el taller de tipografía e imprenta.
Bayer desempeño un buen papel en el desarrollo de una nueva tipografía que utilizaba tipos de palo seco,
filetes gruesos y retículas sistematizadas para conseguir composiciones limpias y lógicas.

Las consideraciones de estilo y expresión fueron subordinadas a la pureza de la geometría y las exigencias
de la funcionalidad, este método condujo a Bayer a diseñar una tipografía con formas de letras tan
esenciales que se entendieran como universales. El tipo Universal diseñado por Bayer en 1925, representa
una reducción de las formas de letras romanas a simples formas geométricas. Este tipo de letra abarcó a
la industria y a la tecnología y se adaptó a las técnicas de reproducción en masa y métodos racionalizados.
Cabe destacar que hasta el día de hoy esta fuente se mantiene vigente.

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PUREZA GEOMÉTRICA

La geometría ha sido aplicada a lo largo de la historia del arte, estando presente en etapas como el Art
Déco, el Cubismo, Futurismo, Art Pop, etc. Históricamente, las formas geométricas han sido la base y la
estructura de muchas creaciones artísticas, aportando el significado y dando lugar a la idea de la pureza.
Las artes plásticas han combinado la geometría con el diseño para crear armonía e inestabilidad, y han
utilizado sus bases de forma consciente para comunicar un mensaje o simplemente con un fin estético.

Con este post no me quiero centrar únicamente en una técnica o en una corriente específica, sino que me
gustaría hacer un repaso por diferentes aplicaciones de estas formas dentro del mundo del diseño y, por
qué no, también de la fotografía. Aunque esta técnica se ha hecho famosa sobre todo en los últimos años,
tiene unas raíces muy curiosas. Consiste en la creación de una obra (ya sea un videojuego, una animación,
un diseño estático, etc.) mostrando la superficie de los objetos a través de formas geométricas.
Inicialmente se concebía como Low Poly a una malla poligonal para gráficos 3D, la cual dividía la
superficie de los objetos en un número reducido de polígonos. Esta malla permitía renderizar estos
gráficos más rápido (ya que tenían menos detalle) que si la malla estuviera suavizada. En definitiva, la
intención no era artística, sino que se pretendía optimizar el rendimiento gráfico. El nuevo afán por
rescatar técnicas y conceptos del pasado llamó a muchos artistas gráficos que optaron por volver a aplicar
esta técnica en sus obras, pero esta vez de una forma artística.

Los trabajos en Low Poly que podemos observar actualmente son totalmente intencionados, y en ellos se
nos describe una escena en la cual la malla interna de los objetos es visible y está compuesta por una
determinada cantidad de caras geométricas.
Un ejemplo más antiguo de la geometría aplicada en el diseño gráfico se puede observar en las creaciones
que surgieron en la época de la Bauhaus. Esta escuela se caracterizaba por el uso de un diseño funcional,
utilizando formas simples y directas (más adelante crearé un post específico centrado especialmente en
esta escuela).

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PRINCIPALES REPRESENTANTES DEL DISEÑO

Cabe destacar que el primero en definir el término Diseño Gráfico fue el diseñador y tipógrafo William
Addison Dwiggins en 1922. Es así como Tschichold, Herbert Bayer, László Moholy-Nagy, y El Lisitski
se convirtieron en los padres del diseño gráfico como lo conocemos hoy día.

-Aubrey Vincent Beardsley (Brighton, 21 de agosto de 1872-Menton, 16 de marzo de 1898)1 fue un

artista pintor e ilustrador británico. Uno de los más notables críticos de la sociedad victoriana, satírico e
implacable, su obra despertó admiración y escándalo. Fue referido brevemente por Max Beerbohm en su
relato

-Christopher Wren
(East Knoyle, Inglaterra, 1632 - Hampton Court, id., 1723) Arquitecto inglés. Cursó estudios científicos
y llegó a ser uno de los mayores astrónomos y matemáticos de su tiempo, apreciado por personalidades
como Blaise Pascal e Isaac Newton. Ello influyó decisivamente en su obra creativa, ya que basó la belleza
de sus edificios, según sus propias palabras

-Walter crane,
El artista e ilustrador británico Walter Crane perteneció al llamado movimiento Arts and Crafs y fue
considerado uno de los mejores ilustradores de la Época Victoriana junto a Kate Greenaway y Randolph
Caldecott.

-charles mackintosh
Arquitecto, diseñador y acuarelista escocés, Charles Rennie Mackintosh (1868-1928) fue uno de los
representantes más destacados del movimiento Arts & Crafts y el máximo exponente del art nouveau en
su tierra natal. Sus famosos motivos florales abstractos no han dejado de fascinar ni de embellecer todo
tipo de objetos, inspirando colecciones de moda e, incluso, películas.

-artur mackmurdo
fue un arquitecto y diseñador progresista inglés que influyó notablemente en el movimiento de Arts and
Crafts a través del Century Guild of Artists (Gremio de Artistas Century) el cual fundó en compañía de
Selwyn Image en 1882.

-william nicholson
fue un pintor inglés, también conocido por su obra como ilustrador y autor de libros para niños. Después
de 1900 se concentró en la pintura, animado por Whistler. En los Juegos Olímpicos de verano del año
1928, celebrados en Ámsterdam, participó en las competiciones de arte, obteniendo una medalla de oro.

- peter behrens.
Arquitecto alemán. Peter Behrens inició su carrera como grafista dentro del movimiento Art Nouveau,
aunque a partir de 1900 empezó a dedicarse también a la arquitectura, especialidad en la que pronto
evolucionó hacia un estilo geométrico y austero que se convertiría en modélico para la arquitectura
industrial.

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HERB LUBALIN

Herb Lubalin fue un diseñador gráfico estadounidense muy apreciado por su trabajo tipográfico. A partir
de la década de los cincuenta empezó a desarrollar una importante tarea editorial diseñando revistas
míticas como Eros, Fact, Avantgarde y Up&Lower Case. Su trabajo editorial se caracteriza por una gran
austeridad en recursos combinada con una brillante ejecución tipográfica, muy dinámica a la vez que
equilibrada. Observad en el trabajo de Lubalin como siempre da protagonismo a la forma tipográfica para
reforzar el mensaje gráfico: a veces sustituyendo algún carácter para crear una analogía entre la forma de
la palabra y su significado (a), otras ajustando el espaciado entre las letras para crear unidad y generar
impacto (b), y a veces sencillamente aplicando al texto valores de tamaño exagerados respecto a la página,
solo para dejar que la misma forma tipográfica luzca con su máximo esplendor (c). No dejéis de consultar
la página web que se hizo para celebrar los cien años de su nacimiento, donde se recopila gran parte de
su legado tipográfico.

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EL DISEÑO GRÁFICO LATINOAMERICANO

El diseño gráfico en Latinoamérica comienza a desarrollarse como profesión recién a mediados del siglo
XX, gracias al trabajo y al talento de distintas personalidades del diseño, quienes ayudaron a forjar esta
profesión que es la comunicación visual, hoy tan importante y global para la sociedad. En las siguientes
décadas, la profesión fue tomando mayor importancia a partir de la instalación en la región de las grandes
agencias internacionales de publicidad. Muchos de los grandes diseñadores gráficos contemporáneos
dieron sus primeros pasos en la profesión dentro de una agencia de publicidad, y algunos de sus
protagonistas continúan aun formando parte del panorama actual del diseño.

El diseño gráfico en su joven historia latinoamericana fue pasando por distintos momentos, siempre de
acuerdo al vaivén de lo social y económico de la región. Una región que nunca se ha quedado quieta, ni
social, ni política, ni económicamente hablando; y un lugar en donde históricamente se han confortado y
mezclado diferentes culturas. Fue el diseño gráfico, muchas veces, el encargado de funcionar como un
espejo de la cultura y de lo que sucedía en la sociedad. Y muchas veces también, por esta naturaleza
comunicacional, sufrió el maltrato de quienes la consideraron una profesión peligrosa. Hoy, el diseño ha
logrado tomar un lugar protagónico en la sociedad, siendo vital para el desarrollo cultural, económico y
social.

Una prueba de este crecimiento es la gran cantidad de universidades que dictan la carrera y los miles de
estudiantes que se reciben cada año.
Nunca antes en la historia del diseño se habia tenido una iniciativa de tal envergadura para nuestros paises
de latinoamérica como la que aquí se presenta por la simple y llana razón que la inspira: mostrar al mundo
la ventana del continente de las pampas, llanuras y arrecifes, de las altas montañas y selvas, de los
cóndores, ballenas y jaguares. Un redescubrimiento apasionado de nuestro lenguaje después de largos
siglos.

Está claro que la intención, el orgullo, la dignidad y la elegancia son para nosotros las principales
herencias que provienen de las más antiguas tradiciones de nuestros pueblos, y por qué no decirlo, de
hombres y mujeres del mundo entero que han encontrado en nuestro espacio su casa y taller de generación
de vida, seguramente inspirados por nuestro espacio su casa y taller de generación de vida, seguramente
inspirados por nuestro interior abierto y amistoso y encontrando en nuestros paisajes belleza
extraordinaria que han alimentado sus corazones.

Lo que ustedes encontrarán en esta preciosa edición de diseño latinoamericano tiene que ver no sólo con
el diseño entendido como una herramienta fundamental en la convivencia humana, sino también, tiene
mucho que ver, con nuestros sentimientos que se expresan con la fuerza del espíritu convertida en
imágenes, colores y alfabetos aprendidos.

Como en las frutas de latinoamérica, son los colores los que distinguen nuestros diseños. Hechos en
México o Brasil, por chilenos o argentinos más allá de sus fronteras y por diseñadores que llegaron del
exterior y maduraron latinoamericanos en Paraguay o Nicaragua. Diseños que saben a colores, huelen a
letras de tierra fértil y se observan en el corazón. Nos recuerdan a los dulces de nuestros mercados
populares, a licores y platillo regionales.

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Mestizos y modernos, no copian sino proponen una nueva forma de comerce con los ojos nuestras
realidades. Blancos como los mantas de nuestras sierras, son tan variados y sorprendentes sus lenguajes
como nuestra diversidad y riqueza cultural.

En el continente de las mil mascaras, de cascadas de arcoiris, desvaneciendo sus colores han aparecido
en la calles, escuelas o comercios producidos en imprentas de tipos móbiles, off-set o por medios digitales
les conocemos de ojos rasgados, negros como los africanos y afroantillanos, como los cubanos, blancos
con ojos azules y de colores bronces con olor a lana de llama y madera. Un cartel de contenido, con
cultura, así es el diseño latinoamericano.
El diseño en nuestro continente latinoamerica, se ha desarrollado en la cultura popular, en actividades
culturales y sociales, haciendo resonancia, dándole su forma visual de síntesis y modernidad.

Sin lugar a duda los salones de baile, el box y la lucha libre, nuestro cine, nuestra danza, música, teatro,
el danzón, Willie Colón, nuestras luchas violetas parras, nuestra aspiraciones y oposiciones, dictaduras y
ataduras han provocado un cartel de opinión en la que el autor participa no solo en la creación de un
lenguaje sino en el discurso mismo.

Nuestros diseñadores no se quedan quietos, son inquietos, se mueven, van, vienen, producen para otras
culturas, te persiguen, te seducen y terminas invitándolos a tu casa, a tu oficina, a tu vida, a tu memoria.
Se parecen al papel de envolturas, al olor de peluquería y por qué no, a libros y estudiantes, movimientos
denunciantes y problemas preocupantes. El diseño de hoy, el latinoamericano de venezuela, colombia,
ecuador o uruguayo, el andino, el centroamericano, el de nuestras extensas sabanas o el que por correo
nos llega enviado por amigos latinoamericanos en el extranjero, aparecen en esta aventura colectiva de
ventanas que nos atrapan en instantes memorables y que nos hablan de los bello del mestizaje, de lo bello
de mezclar la sangre amorosa, los sentimientos, nuestras tristezas y aspiraciones, de respeto a la vida y a
la creación como la máxima expresión del ser humano. La tradición de definir limitaciones existe desde
la época de las colonias. Los países de Latinoamérica fueron descubiertos y colonizados por portugueses
y españoles a partir de 1492, con incursiones de franceses y holandeses durante la Historia. Inicialmente,
el desarrollo industrial fue precario en la región pues al imperio no le convenía la existencia de empresas
o proyectos comerciales que compitiesen con los productos europeos. Lo mismo ocurría con la industria
gráfica, que era privilegio de las coronas. Una de las fuerzas más eficientes en el mantenimiento del estado
de poder fue siempre la prohibición del libre pensamiento. Desde la aparición del libro impreso, la Iglesia,
los reyes y las reinas ejercieron una poderosa vigilancia sobre este medio de difusión de ideas.

PRIMER PERIODICO EN VENEZUELA

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El primer periódico editado en territorio venezolano no fue la Gaceta de
Caracas en 1808, como señalan los textos de historia, sino el "Correo de la Trinidad
Española", publicado en Puerto España en 1789, fecha para la cual la vecina isla
formaba parte de la provincia de Venezuela.
El hallazgo de dos ejemplares del "Courier de la Trinité Espagñole", los números 1 y 5 del 13 de agosto
y el 10 de noviembre de 1789, que prueba la aseveración, fue realizado por el historiador venezolano
Ildefonso Leal durante su acuciosa búsqueda en el Archivo General de Indias en Sevilla, una de sus
principales
fuentes para la confección de su obra "Libros y bibliotecas en Venezuela Colonial"
con la que obtuvo recientemente el Premio Conac de Historia 1979. En la entrevista que le hiciéramos en
la ocasión, Leal señalaba las dificultades de investigar en
el Archivo de Indias, ya que éste está clasificado muy someramente por audiencias.
Cada especialista, normalmente indaga sólo en la audiencia del país a que pertenece para aprovechar al
máximo el tiempo y no dispersarse. "Pero como yo de tiempo
disponía más que suficiente, ya que pasé en Sevilla más de cuatro años, me metí en
esa especie de cajón de sastre que es la sección "Indiferente general", en gran medida en busca de
panfletos, cartas, etc., que integrarán la segunda parte del trabajo
que acabo de publicar.

SELLOS COMERCIALES

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El sello de empresa es la firma de una organización y se utiliza para estampillar los documentos en nombre
de ella. n este sentido, existen sellos manuales, sellos automáticos, sellos fechadores y sellos numeradores.
También podemos clasificar los tipos de sellos según su material. De esta manera diferenciamos entre
sellos de plástico, sellos de madera, sellos de goma, de cera o de metal.

Los sellos se han utilizado para diferentes propósitos como garantizar la integridad e inviolabilidad de
documentos, marcar la propiedad de una persona o institución, autenticar la autoría o para la validación
de un documento porque acompaña a la firma. Utensilio que sirve para estampar las armas, divisas, cifras
y otras imágenes en él grabadas, y se emplea para autorizar documentos, cerrar pliegos y otros usos
análogos.

Lo ideal es que el contenido mínimo del sello tenga: – Nombre de la empresa (razón social) o del
autónomo. – Número de Identificación Fiscal (NIF) o CIF con su letra. – Dirección fiscal o, en su defecto,
la dirección social.

TIPOGRAFÍAS
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la tipografía se trata de un elemento que debe acompañar armónicamente a otros elementos como son el
color, el espacio o el logotipo, para crear así una armonía y coherencia en el mensaje que la empresa
quiere transmitir
Sans Serif. Este tipo de tipografía desde siempre ha marcado una tendencia en el diseño gráfico. ...
Brutalism. Esta tipografía es una fuerte tendencia de nuestra época. ...
Helvetica. Otra de las fuentes tipográficas más utilizadas por los diseñadores es la Helvetica. ...
Garamond. ...
Trajan. ...
Futura. ...
Bickham script pro. ...
Bodoni.
Las tipografías son los diferentes estilos o tipos de letras que podemos elegir al hacer un diseño o escribir
un texto y, así por ejemplo quien esté acostumbrado a utilizar por ejemplo el editor de texto Microsoft
Word les sonará alguna de ellas como la Arial, Comic Sans, Helvética, Times New Roman o Impact entre
otras

Existen diferentes familias tipográficas y hoy os vamos a hablar de ellas.

Clasificación de las principales familias tipográficas.
¿Cuáles son las principales familias tipográficas?
Serif. Tipografias Romanas Antiguas. ...
Sans Serif. ...
Tipografía Manuscrita.
Tipografías Cursivas.
Tipografías Caligráficas.
Tipografías Góticas.
En esencia, el objetivo principal de la tipografía (tanto en su diseño como en su aplicación) es intentar
comunicar de forma atractiva cualquier texto, independientemente de su nivel de lectura.

MEDIOS DE IMPRESIÓN
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Desde la invención de la imprenta hasta nuestros días, este arte ha ido cambiando y evolucionando de una
forma realmente increíble. Hoy en día, es posible imprimir sobre muchos tipos de soportes y con
diferentes técnicas que han revolucionado las artes gráficas. ¿Quieres saber cuáles son los principales
tipos de impresión en la actualidad? ¡Te los explicamos todos!

Principales tipos de impresión

Impresión digital
Este proceso consiste en la impresión directa de un archivo digital, con el diseño hecho desde el
ordenador, en un soporte físico, como papel común o fotográfico, tela, plástico, etc. Se puede hacer de
dos formas: con inyección de tinta (cartuchos) o con impresión láser (tóner).

En la actualidad, es el tipo de impresión más utilizado. Al no utilizar placas, es un método rápido (no
requiere esperas por tiempos de secado o enfriamiento) y que ahorra costes.

Impresión offset
Otra de las técnicas más empleadas. Consiste en un sistema de impresión indirecto que usa el conjunto de
colores CMYK y utiliza placas de aluminio (de forma más habitual) y tinta.

Las planchas son monocromáticas, es decir, solo pueden transferir un color. Para imprimir una imagen a
todo color se necesitan cuatro planchas. Los colores, en estado líquido, pasan por un sistema de rodillos.
Este los transfiere a las planchas, luego a un caucho y posteriormente al soporte final. La impresión se
realiza por medio de capas de color. La flexibilidad del caucho propicia que la tinta impregne superficies
con texturas, lo cual otorga mayor calidad.

Este tipo de impresión se puede usar en todo tipo de papel y reproduce una imagen exacta. Además, es
económica cuando se trabaja con grandes cantidades.

tipos de impresión

Flexografía
Es una técnica de impresión en relieve. Se utiliza, principalmente, para el packaging y embalaje, sobre el
cartón ondulado (que tiene una superficie muy irregular) y los soportes plásticos. Funciona con rotativas
y usa planchas flexibles de caucho y tintas a base de agua de secado rápido que son translúcidas, por lo
que los colores no se tapan, sino que se mezclan.

La tinta se deposita sobre la plancha en negativo. Esta presiona el sustrato imprimible, dejando la mancha
de tinta en la superficie con la forma definida previamente. Solo imprime un color, por lo que habría que
repetir el proceso varias veces para lograr la mezcla de colores deseada.

Es un método perfecto para imprimir sobre superficies irregulares con detalle y, a la larga, ayuda a ahorrar
costes.

Impresión tipográfica

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Se trata de la impresión directa de texto con tipos móviles. Se usan planchas con zonas que sobresalen
(las que se imprimen), las cuales está impregnadas de tinta. Las placas presionan una superficie suave,
transfiriendo la tinta y se obtiene una imagen a la inversa.

Este tipo de impresión utiliza tintas grasas, a base de aceites y resinas sintéticas que se secan por
penetración. Es usado en superficies suaves, como el papel, la cartulina o el cartón, y es muy utilizado
para imprimir libros y tarjetas.

Huecograbado
Es un sistema de impresión directa mediante cilindros rotativos. En este, el sistema utilizado es el
contrario a la impresión tipográfica. Las zonas a imprimir son las que están más bajas: se graban pequeños
huecos en una plancha de metal, con la forma que se desea imprimir, y son rellenados con la tinta (cada
cilindro lleva su propio color); posteriormente, la plancha presiona sobre la superficie a imprimir. El
resultado de este tipo de impresión es una imagen de muy buena calidad.

Serigrafía
Es uno de los primeros métodos de impresión directa. Permite reproducir imágenes sobre diferentes
materiales sin que pierdan calidad. Consiste en pasar la tinta por medio de una malla estirada en un marco,
a la cual se le ha aplicado una plantilla que determinará la imagen que se imprime. Las zonas que no se
estampan vienen protegidas por barniz y el resto del dibujo se imprime sobre la superficie cuando se
presiona.

Es un método versátil, ya que puede imprimir en casi cualquier superficie y acabado.

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DISEÑO GRAFICO EN VENEZUELA.

Si bien la profesión se ha democratizado gracias a la existencia de plataformas como Internet y el acceso

a estudios y programas de diseño, hay quienes opinan que el oficio se ha banalizado porque ahora todos
pueden diseñar con apenas algunas herramientas para ello. Por otra parte, esta apertura ha contribuido a
que el diseño gráfico gane un espacio más amplio en institutos y universidades, con lo que se ha
profesionalizado el oficio. En Venezuela, el diseño gráfico contemporáneo nace en los años sesenta,
primero como parte de la carrera de Artes Aplicadas dentro de la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal
Rojas, y luego, de manera más especializada, en el Instituto de Diseño Neumann, pionero en la enseñanza
del diseño gráfico en el país. Le debemos al industrial Hans Neumann, el haber tenido la visión de crear
un espacio para la formación profesional de la gran mayoría que es hoy referencia en el campo local. Allí
impartieron clases: Manuel Espinoza, John Lange, Argenis Madriz, Gego, Humberto Jaimes Sánchez,
Cornelius Zitman, Luisa Richter, Ludovico Silva, y Alirio Palacios, entre otros. ara la investigadora
Lourdes Blanco existe una tríada histórica fundamental en el devenir del diseño gráfico en el país: “Nedo
M.F. integra, con Larry June y Gerd Leufert, una tríada de diseñadores excepcionales de origen extranjero
que a partir de la década del cincuenta instauraron las bases profesionales del diseño gráfico
contemporáneo en Venezuela al influir, con concepto y profesionalismo, en tres de los factores que más
resonancia tendrían en la comunidad gráfica de este país: las imprentas, la educación y la imagen de
instituciones culturales y corporaciones a través de revistas, catálogos, emblemas y logotipos. (…) Entre
Nedo y June, y entre ambos y Leufert, se estableció una simbiosis de amistad y consenso gráfico que
concluye sólo con la muerte de Larry en 1974.” Blanco rememora que June dominaba el medio
empresarial, diseñando emblemas para un gran número de compañías, mientras que “Nedo se convirtió
en coleccionista de los trabajos de June y redactó un homenaje a su memoria que permanece inédito” en
el cual describe la esencia gráfica de June.

Desde las revistas Shell y El Farol habían comenzado a sentirse nuevos aires con el aporte estético y
experimental de Carlos Cruz-Diez, June, Nedo y Leufert. Luego, con la llegada de la revista CAL (Crítica,
Arte y Literatura), bajo la dirección artística de Nedo M.F. (Mion Ferrario) y la dirección de Guillermo
Meneses, se creó un precedente en el diseño de publicaciones periódicas, a través del gesto experimental
de Nedo, cuyo impacto repercutió definitivamente en el campo editorial en el país y sirvió de inspiración
a revistas posteriores, como es el caso de Actual, diseñada por su discípula Aixa Díaz.

Otro visionario a quien debemos el impulso del diseño en el país, y sobre todo a otorgarle un lugar en el
campo de las artes plásticas, es Miguel Arroyo, quien desde la dirección del Museo de Bellas Artes lo
convierte, en palabras de Felipe Márquez, en “un centro de ensayos gráficos, representado tanto por la
originalidad de sus catálogos (Leufert y Sotillo) como por los nuevos planteamientos gráficos desde el
punto de vista museográfico. En esta institución se organizaron las primeras exposiciones de diseño
gráfico realizadas en el país”. Esta labor de impulso que comenzara Arroyo en el MBA, la continuaron
otros diseñadores desde el Museo de Arte Contemporáneo y desde la Galería de Arte Nacional, espacios
donde se procuró la excelencia en publicaciones y donde se proyectaron los trabajos de: Carolina Arnal,
Waleska Belisario, Sigfredo Chacón, Aixa Díaz, Luis Giraldo, Pedro Mancilla, Ibrahím Nebreda, Carlos
Rodríguez, Álvaro Sotillo y Oscar Vásquez, entre otros.

Ese empuje inicial dio paso a lo que es hoy el diseño gráfico en el país, donde la labor de las imprentas
aunada al trabajo de una nueva generación de diseñadores ha procurado la emergencia de nuevos tipos de
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publicaciones en las que se realza el diseño. Sin embargo, se hace necesario mirar atrás, a los inicios, para
entender cómo esas sólidas bases se han proyectado hacia el futuro, para extenderse hasta las privilegiadas
generaciones de relevo que se nutrieron de esos inicios experimentales, marcados por un amplio y
bondadoso sentido de colaboración en el trabajo. A través de los testimonios de algunos protagonistas de
esta primera generación de relevo buscamos rememorar estos inicios. Consecuencia de una mixtura
estética.

Nedo

Nedo:
la dialéctica entre el aprendizaje y la amistad
Desde la historia de Aixa Díaz

“Si yo no hubiera trabajado con Nedo, no hubiera entrado en el diseño”. Nedo había empezado a trabajar
en el Museo de Arte Contemporáneo y contrató a Díaz y a Luis Giraldo de ayudantes: “Era un equipo de
trabajo medieval en el mejor sentido del término: Nedo era el maestro y nosotros los aprendices y
hacíamos lo que él decía , y no se discutía: se comentaban los trabajos, él boceteaba, los veíamos y
hacíamos preguntas, pero todo lo que se producía era de su cabecita. Nedo tenía la generosidad de incluir
siempre nuestros nombres en los catálogos, pero las ideas eran de él. Nos dividíamos naturalmente el
trabajo; Nedo trabajaba más que nosotros, no paraba.” Luego, acabó el trabajo en conjunto, más no la
relación amistosa. Díaz comenzó a diseñar la revista Actual con un grupo editorial conformado por Ana
María Rodríguez, Verónica Jaffe, Miguel Márquez, “Me tomé la libertad de hacer lo que quería y fui a
mostrarle el primer número a Nedo, y me dijo que le recordaba a CAL, y le dije que estaba hecha con
premeditación y alevosía para recordarla. Lo que hice con Actual fue posible porque vi sus números de
CAL”. Díaz agradece a Nedo su carrera y a veces se arrepiente de no haberse dejado influenciar más. El
hecho de haber incluido el trabajo de su maestro en su propio trabajo, como fue en la portada del primer
número de Actual acá incluido, era una suerte de homenaje a esos alfabetos imposibles, a la metasignosis

Egresado de Artes Aplicadas en la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas, Álvaro Sotillo emigró a la
Neumann al igual que algunos de sus colegas, donde encontró un ambiente creado, además del “ánimo y
la nitidez” del oficio que le dieron los inmigrantes a la carrera, aquellos que venían de Europa con un
oficio definido. “Marcel Floris y Gerd Leufert, que venía de la Escuela de Diseño de Munich. Era un
momento en el que se renovaba la idea del diseño en el centro de Europa”. El museo fue entonces el
epicentro del diseño contemporáneo en el país, cuando Arroyo, que venía de estudiar artes aplicadas en
Estados Unidos, se encuentra con Leufert, en la búsqueda de alguien que le hiciera las publicaciones con
calidad. “Y de allí surgen las imagines de diseño que uno tiene como paradigma. Había el ánimo de los
inicios con la visión contemporánea del mundo. La necesidad del país los impulsó, todo estaba fresco,
había una euforia reconstructiva después de Pérez Jiménez, del exilio, aupada por la actividad económica
favorable del petróleo.” Sotillo ve a Leufert y a todos los de su generación tratando de instalar su visión
en el país para nivelarlo internacionalmente y rescata lo integral de una educación en la cual la literatura
y el diseño estaban al mismo nivel: “Me considero un privilegiado porque digo que mi verdadera
profesión se dio en el taller privado de Leufert, en los 10 años que tuvimos una relación casi diaria. El
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decía que era muy difícil enseñar sin convivencia. Yo aprendí el compromiso con el trabajo, y eso es
difícil de aprender y de adquirir. Es lo que más valoro. Soy un privilegiado”.

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EL DISEÑO COMPUTARIZADO

El diseño asistido por ordenador (CAD) consiste en el uso de programas de ordenador para crear,
modificar, analizar y documentar representaciones gráficas bidimensionales o tridimensionales (2D o 3D)
de objetos físicos como una alternativa a los borradores manuales y a los prototipos de producto. El CAD
se utiliza mucho en los efectos especiales en los medios y en la animación por ordenador, así como en el
diseño industrial y de productos.
Podemos definir el diseño gráfico como el proceso de programar, proyectar, coordinar, seleccionar y
organizar una serie de elementos para producir objetos visuales destinados a comunicar mensajes
específicos a grupos determinados. Muchas veces nos encontramos ante la oportunidad de dar forma a un
mensaje por medio del diseño, y esto resulta comúnmente un arma de doble filo, pues de nosotros depende
que ese mensaje llegue bien a su destino.

Podemos hablar como un comunicador, que su primer objetivo es comunicar y en segundo lugar, facilitar
la fluidez de esa comunicación, y aportarle mediante gags estéticos, algunas cargas simbólicas. Pero esto
debe ser entendido como un filtro, es decir, que, si por la carga estética disminuye la fluidez o
directamente corre peligro el entendimiento del mensaje, nuestro diseño es perjudicial. Porque un mensaje
confuso en el caso de que se entienda es menos eficiente que un mensaje fluido y que se entiende
perfectamente la funci0n principal del diseño gráfico será entonces transmitir una información
determinada por medio de composiciones gráficas, que se hacen llegar al público destinatario. Pasados
en la comunicación, es posible establecer una adecuación funcional entre el mensaje y su fin, mediante la
figura de un triángulo. Diseño busca maximizar el impacto de una comunicación entre un emisor y un
receptor, por las vías conjugadas del texto escrito, de la imagen o del signo. (u capacidad comunicativa
se mide por la influencia que ejerce en el público y por la eficacia de los medios utilizados para difundir
esos mensajes.) su vez, se puede efectuar el análisis del &isleño gráfico desde dos concepciones como
arte y como técnica.

Por un lado, el arte juega un papel preponderante, ya que permite establecer un sin número de
vinculaciones en la que es posible analizar el origen del diseño y al diseñador como artista por el otro, un
análisis del diseño como técnica aplicada, logra establecer un nuevo canon en cuanto a las
especificaciones de los recursos tecnológicos, estrategias comunicativas, procesos de realización, es decir,
asignar el rol de diseñador como un artesano, ya que la finalidad última de su actividad es la creación de
objetos en la actualidad, se puede fusionar ambos criterios y establecer una síntesis de cada aspecto para
comprobar un fundamento esencial+ el diseñador es un artista-artesano y su actividad se encuentra
signada dentro de un orden intelectual, en el ámbito específico dela creación de objetos.

Diseño de programas:
En estudio minucioso de los lenguajes informáticos aplicados al software utilitario y de base.

Diseño de juegos:
0omprende una estructura delineada a partir de la combinación de lenguajes informáticos con sonidos,
color, imágenes, para el armado y producción de juegos interactivos.

Diseño de páginas web:

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 En conjunto de normas que se establecen para el armado, compilación y publicación de páginas web al
sistema de internet.
Diseño Gráfico +C
Un esquema de contenidos que aúnan las bases del diseño gráfico tradicional, aplicando los programas
utilitarios básicos y específicos de diseño vectorial. En la misma manera, para los diseñadores en
computación, se podrá analizar un doble carácter, por un lado, todos son operadores, y por el otro, cada
tarea designará su rol diseñador de software, diseñador de juegos, diseñador de páginas web y diseñador
gráfico en P0.

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PROGRAMAS DE DISEÑO GRÁFICO

#10 Microsoft Paint

Quizás no es el programa de edición más poderoso y sofisticado del mundo, pero al estar preinstalado en
todos los sistemas de Windows goza de una gran popularidad.

#9 XnView
Un programa de edición de imágenes rápida, ligera y con herramientas de visualización.

#8 Adobe Illustrator
Illustrator es un programa muy popular, pero su uso puede ser difícil para los más novatos. Con Ilustrator
se pueden crear diseños desde cero. Junto con Photoshop forman el tándem de herramientas que cualquier
diseñador tiene en su ordenador.

#7 Google Sketchup
Google Sketchup es un programa de diseño gráfico que se centra en objetos 3D. Al igual que otras
aplicaciones de Google, también es de uso libre. No es la única aplicación de diseño de Google, como
veremos a continuación.

#6 Irfanview
Irfanview se centra más en la visualización de imágenes. Es muy útil para trabajos sencillos como cambiar
de tamaño, etc. Debido a que es de uso libre, goza de una gran popularidad para determinadas tareas.

#5 ACDSee Pro
Podemos decir que es el hermano de irfanview. Tiene algunas funciones más, pero es un software de
pago.

#4 Gimp
Gimp es considerado el mejor software de diseño gráfico gratuito. Se dice que una vez que usas Gimp
renuncias a pagar por un programa como Photoshop.

#3 Corel Draw
Corel Draw es considerado el oponente más fuerte para Photoshop. De hecho, muchos diseñadores que
usan esta herramienta ni tan siquiera tienen instalado Photoshop en sus ordenadores.

#2 Google Picasa
Google Picasa no tiene funciones de edición demasiado avanzadas, pero es fácil de usar por cualquier
internauta. Además, se una herramienta de Google siempre da un plus de popularidad.

#1 Adobe Photoshop
Sin duda estamos ante la estrella de las herramientas de diseño gráfico. Tanto es así que en el lenguaje
colectivo se han hecho famosas expresiones como fotoshopear.

Diseño web y móvil

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Las páginas web, los blogs, las tiendas online, las aplicaciones móviles, las newsletters y la gran mayoría
de lo que vemos y recibimos por Internet tienen un arduo trabajo de diseño detrás.

Cada detalle es controlado por códigos que dan forma a lo que ves. Estos requieren de un orden específico
para formar las estructuras en las que se colocan las letras, los sonidos, las imágenes y los vídeos.

En este caso, se trata de un tipo de diseño orientado a la programación. Pero, eso no significa que el diseño
gráfico no juegue un papel importante, pues es él quien decide la imagen y el estilo de los elementos
visuales.

En nuestro caso, en Einatec somos una empresa que compartimos ambas doctrinas, y nuestro diseño web
está formado por equipos de programadores y diseñadores gráficos.

Fotografía
El mundo de la fotografía ha cambiado mucho. Aunque sigue siendo necesario que un fotógrafo capte los
momentos y realice buenas fotografías, el diseño digital permite mejorar las fotografías y lograr cosas
imposibles.

Envejecer una fotografía, repararla, combinarla con otras imágenes, hacer desaparecer objetos y este tipo
de cosas son posibles gracias al diseño fotográfico digital. Esto permite hacer más atrayente la publicidad,
las imágenes corporativas y todo lo que contenga una fotografía.

No cabe duda del peso que tiene la fotografía en el diseño gráfico actual, pues cada vez vivimos más en
una sociedad que se expresa en imágenes. Instagram es el más claro ejemplo donde marcar la diferencia
con la fotografía, ya sean marcas o individuos.

Ilustración
Al igual que ocurre con las fotografías, el buen uso de las ilustraciones es básico para un negocio. El
diseño de un logotipo será la marca identificativa de una empresa. Da igual dónde se vea, si está bien
diseñada se recordará.

Lo anterior también se puede aplicar a las ilustraciones de libros, revistas, campañas publicitarias…
Cuando son atractivas, sencillas y fáciles de recordar, logran fidelizar clientes.

La ilustración está muy presente en el diseño gráfico publicitario, dado que se trata de un proceso
totalmente digitalizado donde la ilustración consigue dar el carácter y el estilo propio a los anuncios.
Ilustrator ha marcado un antes y un después.

diseño gráfico publicitario en ilustración

Diseño 3D
El diseño 3D cobra cada día más importancia. Los videojuegos, las presentaciones de proyectos, la
creación de series animadas y mucho más están estrechamente relacionadas con este tipo de diseño
gráfico.

20
Por medio de complejos programas, y horas de minucioso trabajo, se puede dar vida a un personaje o
realizar una visita virtual a una construcción. Los límites de lo tridimensional están aún por explorar. Las
nuevas gafas de realidad virtual son un ejemplo de lo dicho.

Cada vez más la industria visual convierte en imprescindible este tipo de diseño gráfico. El diseño 3D, de
hecho, ya se ha convertido imprescindible en los grandes soportes audiovisuales, desde los anuncios de
tele al cine.

Diseño corporativo
El diseño corporativo envuelve mucho más que simplemente hacer un logotipo. El diseño de tarjetas,
publicidad y de todo aquello que pasará a estar en la mano de los clientes y que lo identifiquen con el
negocio también requieren de un diseño gráfico previo.

En este caso, el diseño corporativo habla de la personalidad de una empresa. ¿Qué sería de Apple sin su
logo? Se ha creado toda una cultura alrededor de su diseño y personalidad.

En el mundo global en el que vivimos, cada vez más las marcas necesitan diferenciarse de la competencia
y crear su propia identidad corporativa. En este caso, el diseño corporativo es la respuesta.

Diseño de empaques o packaging

Los recipientes en los que llegarán los productos de la empresa también son importantes. Que se
identifiquen con la firma da un toque de distinción único y hacen publicidad allá por donde pasan.

Para ello existe este tipo de diseño gráfico, el cual es encargado de crear e imprimir el sello de la empresa
en cajas, bolsas, envases, etcétera. Cada vez más los pequeños negocios que apuestan por el packaging.

Es una manera de crear identidad, publicitarse y mostrar la personalidad de la marca. Además, no

necesitamos crear canales, ya que forma parte del producto que podemos vender.

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A INFLUENCIA DE LAS REDES SOCIALES, APP Y PLATAFORMAS STREAMING

Las redes sociales, en el mundo virtual, son sitios y aplicaciones que operan en niveles diversos – como
el profesional, de relación, entre otros – pero siempre permitiendo el intercambio de información entre
personas y/o empresas.

Cuando hablamos de red social, lo que viene a la mente en primer lugar son sitios como Facebook,
Twitter y LinkedIn o aplicaciones como TikTok e Instagram, típicos de la actualidad. Pero la idea, sin
embargo, es mucho más antigua: en la sociología, por ejemplo, el concepto de red social se utiliza para
analizar interacciones entre individuos, grupos, organizaciones o hasta sociedades enteras desde el final
del siglo XIX.

En Internet, las redes sociales han suscitado discusiones como la de falta de privacidad, pero también
han servido como medio de convocatoria para manifestaciones públicas en protestas. Estas plataformas
crearon, también, una nueva forma de relación entre empresas y clientes, abriendo caminos tanto para la
interacción, como para el anuncio de productos o servicios.

Fue en la década de 1990, con internet disponible, que la idea de red social emigró también al mundo
virtual. El sitio SixDegrees.com, creado en 1997, es considerado por muchos como la primera red social
moderna, ya que permitía a los usuarios tener un perfil y agregar a otros participantes en un formato
parecido a lo que conocemos hoy. El sitio pionero, que en su auge llegó a tener 3,5 millones de
miembros, se cerró en 2001, pero ya no era el único.

A principios del milenio, empezaron a surgir páginas dirigidas a la interacción entre usuarios:
Friendster, MySpace, Orkut y hi5 son algunos ejemplos de sitios ilustres en el período. Muchas de las
redes sociales más populares hoy en día también surgieron en esa época, como LinkedIn y Facebook.

Pocas personas imaginaban que las redes sociales tendrían un impacto tan grande como lo poseen hoy.
Pero el deseo de conectarse con otras personas desde cualquier lugar del mundo ha hecho que las
personas y las organizaciones estén cada vez más inmersas en las redes sociales.

No en vano, una encuesta de Statista en español asegura que la expansión de las redes sociales no tiene
pausa y que según las últimas previsiones hechas en social media, hay un crecimiento continuo de su
uso y el número de usuarios mensuales activos para el 2023 estará por encima de los 3.50 millones de
personas. A demás, para el mismo año, se prevee un aproximando de 82% de internautas usuarios de
social media en el planeta
Fue en la década de 1990, con internet disponible, que la idea de red social emigró también al mundo
virtual. El sitio SixDegrees.com, creado en 1997, es considerado por muchos como la primera red social
moderna, ya que permitía a los usuarios tener un perfil y agregar a otros participantes en un formato
parecido a lo que conocemos hoy. El sitio pionero, que en su auge llegó a tener 3,5 millones de
miembros, se cerró en 2001, pero ya no era el único.

A principios del milenio, empezaron a surgir páginas dirigidas a la interacción entre usuarios:
Friendster, MySpace, Orkut y hi5 son algunos ejemplos de sitios ilustres en el período. Muchas de las
redes sociales más populares hoy en día también surgieron en esa época, como LinkedIn y Facebook.
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Pocas personas imaginaban que las redes sociales tendrían un impacto tan grande como lo poseen hoy.
Pero el deseo de conectarse con otras personas desde cualquier lugar del mundo ha hecho que las
personas y las organizaciones estén cada vez más inmersas en las redes sociales.

No en vano, una encuesta de Statista en español asegura que la expansión de las redes sociales no tiene
pausa y que según las últimas previsiones hechas en social media, hay un crecimiento continuo de su
uso y el número de usuarios mensuales activos para el 2023 estará por encima de los 3.50 millones de
personas. A demás, para el mismo año, se prevee un aproximando de 82% de internautas usuarios de
social media en el planeta

A nivel mundial el sector de los videojuegos y entretenimiento digital es una de las industrias con
mayor potencial de crecimiento” (Asociación Española de Videojuegos, 2017). Las compañías que
desarrollan videojuegos han cumplido un relevante papel ya que, no solo han sido las principales
promotoras del crecimiento, sino que también han tenido que adaptarse a este y lo han logrado de
muchas maneras.

Las desarrolladoras han podido darle un mayor realismo a nivel gráfico a diferentes títulos gracias al
avance de la tecnología. También se ha innovado en el estilo de juego, lo que ha permitido a muchos
videojuegos, jugarse de forma competitiva y dando lugar a los eSports o deportes electrónicos. Esto ha
demandado que los jugadores le dediquen una mayor cantidad de tiempo a la práctica y al análisis de
videojuegos.

Pero estas características no son las únicas importantes en el crecimiento de la industria de videojuegos.
Ninguna de estas habría logrado tan buena acogida por sí sola. Es importante tener en cuenta que el
impacto de los videojuegos también se debe al surgimiento de canales de difusión que han ido
adaptándose para poder transmitirlos a su público de interés.

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Un plotter de corte es una herramienta que utiliza un cabezal con una navaja y es controlado por
computadora para recortar formas y diseños en diversos materiales. Estas máquinas son ideales para la
creación de gráficos, rótulos, adhesivos, etiquetas, prendas de vestir personalizadas, tarjetería y una
amplia gama de proyectos creativos. Los plotters de corte funcionan con programas de diseño asistido
por ordenador (CAD) que envían instrucciones precisas al cabezal de corte para realizar cortes limpios y
precisos, en el caso de los equipos de corte Color Make® operan con el programa Sign Master, y su
licencia que viene incluida con el equipo. Gama de Plotters de Corte
En el mercado de plotter podrás encontrar equipos básicos de mesa que generalmente cuentan con pre
configuraciones para utilizar los materiales más comunes, por otra parte están los equipos de gama
intermedia que pueden ser de mesa o con base y que su estructura es para un uso más laboral, puede tener
diferentes medidas y se tiene que calibrar y configurar de acuerdo a cada material que se vaya a cortar,
mientras que los equipos de alta gama puede ser más robustos y aptos para cortes industriales. La elección
depende de la complejidad de tus proyectos y tu presupuesto.

Uno de los procesos que marcan la diferencia entre un buen trabajo de sublimación y uno de mala calidad
es el prensado en caliente y es para ello que se usa una prensa térmica o plancha de calor.

Todos sabemos que la sublimación es el sistema de transferencia de imágenes más versátil y económico
que existe actualmente. Textiles, metales, acrílicos, cerámica, vidrio, plásticos entre otros son elementos
100% sublimables y se presentan en diversas formas, tamaños y aplicaciones ofreciendo un amplio
abanico de opciones para esta técnica de impresión gráfica.

El último paso para tener entre las manos un producto sublimado es el uso de la plancha térmica cuya
función es generar presión y calor de manera uniforme del papel que contiene la imagen, sobre el blank
u objeto al que queremos estampar nuestro diseño gráfico. A la presión y al calor ejercidos por la plancha
existe un tercer elemento que es de vital importancia; el tiempo de prensado.

Pero no todo depende la plancha. Ella solo se encarga de consolidar el trabajo de otros elementos como
la tinta, el papel y el diseño sobre el material final o blank. Es por ello que la calidad de todos estos
elementos (papel, tinta, diseño y blank) deben ser de primera para que la plancha coloque el punto final
para un acabado perfecto. La buena reputación, seriedad y ética del proveedor juegan un papel importante
en este punto.

Los tiempos, la presión y el calor que debe aplicarse a cada elemento varía según sus características
propias. En los video tutoriales de Color Make podrás encontrar esta información de manera referencial
para cada uno de ellos, pero indiscutiblemente los parámetros finales debe determinarlos cada usuario a
través de ensayos.

Es conveniente conocer detalles importantes como, por ejemplo, en los mugs o tazas y dependiendo del
diámetro de la misma, el brazalete de la plancha deberá ajustarse sin que exista mayor esfuerzo por parte
del operador. El tener que aplicar fuerza excesiva para lograr un buen estampado es signo inequívoco de
estar utilizando una plancha o una taza de mala calidad. Recordemos siempre que, por lo general, mucha
presión significa mala sublimación; y de igual forma si por diferencias de diseño de la plancha, el papel
no hace el contacto correcto con la taza, la imagen saldrá dispareja, lo cual seguramente terminará en la
pérdida del blank y de todo el material que se utilizó.
24
La versatilidad de las planchas de calor se manifiesta cuando nos enteramos que las mismas tienen
diversos usos y aplicaciones. Nos pueden servir tanto para sublimación como para transfer, vinil textil,
pedrería, serigrafía, vinil impreso y para toda tarea que necesite la aplicación de calor, presión o ambas.
Por eso no es correcto, pero si comúnmente erróneo referirse a la plancha de calor como “plancha de
sublimación” o “plancha para sublimación” ya que su uso va mucho más allá de lo que esta técnica
significa.

Existe una amplia gama de modelos de planchas. Se pueden encontrar, por ejemplo, las que abarcan sólo
tazas estándar (11 oz.), las 3 en 1 que permiten el uso de cilindros y tazas cónicas, las 10 en 1 e incluso 8
en 1. Puedes consultar todas las opciones existentes en planchas de calor de Color Make.

Las planchas más completas vienen con algunos accesorios y aditamentos específicos para mouse pad,
gorras, acrílicos, platos pequeños y grandes, llaveros, rompecabezas, cristales, piedras, láminas y vasos
de aluminio, carcasas y estuches de celulares entre muchos objetos más.

Así que, si deseas una excelente plancha de calor para tu negocio de sublimación con la cual puedas
aprovechar la mayor línea posible de productos, podrías adquirir un combo que permita transferir
imágenes a todos estos que acá te nombramos.

En Color Make puedes encontrar planchas de diferentes tamaños y modelos. Te invitamos a conocerlas y
determinar cuál se adapta más a tus necesidades, presupuesto e idea de negocio. Sea cual sea la que
decidas adquirir, lo más importante es que su área de cobertura sea como mínimo del mismo tamaño de
ancho de la zona de impresión del equipo que estemos utilizando para imprimir nuestras imágenes. Si la
plancha es más pequeña tendremos que cortar los diseños en varias hojas de papel y hacer ajustes para
lograr sublimar el tamaño total de nuestro impreso, si es más grande de lo que generalmente sublimaremos
podríamos tener desgastes innecesarios en planchas más costosas.

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LETTERING

La base de todo arte escrito es, precisamente, la escritura. La invención, hecha por el hombre, de los
primeros sistemas de escritura en China hace más de 4.000 años y en Egipto hace más de 3.000, dieron
paso a un modo de escribir más avanzado tanto en Oriente como en Occidente.
Diferente a como sucedió con la caligrafía, que tuvo un origen específico que la dotó de nombre, no hay
hechos en la historia donde se haya definido que determinado método de escritura se llamaría lettering.

Sin embargo, la invención de la escritura y la necesidad de plasmar los conocimientos del canon literario
dio paso a los “manuscritos iluminados”. Estos manuscritos fueron los libros escritos a mano en los que
era frecuente usar materiales como el oro para decorar el texto y las ilustraciones que contenían.
Esta parte de la historia permite decir que la decoración y el dibujo de estos manuscritos dieron paso a las
primeras creaciones de lettering.

Ejemplo de un manuscrito antiguo en los que se basaron posteriormente las primeras creaciones de
lettering.
Los dibujos de los “manuscritos iluminados” dieron paso a los dibujos de lettering.

Etimología de la palabra lettering

Revisar y comprender el origen de la palabra lettering ayuda también a comprender de dónde proviene su
definición.

La palabra está compuesta por letter, proveniente del francés antiguo lettre cuyo significado es letra, y del
latín littera, forma en como se le conocía en latín a la palabra escrita, es decir, a la letra. Ambos términos
refieren a “poner” o “crear letras”.

El otro componente de la palabra lettering es en sufijo -ing de origen germánico y que denota o la acción
de un verbo en una labor o habilidad, o el proceso en el que cierta acción está involucrada pero sin ser un
verbo.

El origen etimológico de la palabra dio paso a la definición de lettering como “la acción de poner letras
sobre algo”. Hoy, cuando te preguntes qué es el lettering, recuerda que se le conoce como el diseño o
dibujo de letras aplicando diferentes técnicas.

Diferencia entre lettering, caligrafía y tipografía

Lettering
Aunque el lettering y la caligrafía tienen sus bases en la escritura a mano, son dos disciplinas que se
practican diferente.

El lettering es el arte de dibujar letras para crear palabras o frases. Su proceso inicial es a mano y, en la
actualidad, suele digitalizarse. Sin embargo, diferentes artistas optan por hacerlo directamente en medios
digitales.

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En diseño gráfico se usa como complemento de productos en branding, también se emplea en marketing
digital, diseño publicitario, entre otros.
Persona dibujando frases con paisaje en blanco y negro
El lettering es el arte de dibujar letras para crear palabras o frases.

Caligrafía
La caligrafía, por su parte, no se dibuja. Esta se considera el arte de escribir bello y nació varios años
antes que el lettering. De hecho, la historia del lettering se desprende de la historia de la caligrafía con la
creación de los manuscritos iluminados mencionados con anterioridad.

Artista escribiendo y practicando caligrafía con diferentes pinceles.

La caligrafía se considera el arte de escribir bello y nació antes que el lettering.

El lettering es el arte de dibujar letras, mientras que la caligrafía se considera como el arte de escribir
bello. Dicho de otra manera, lo distintivo entre la caligrafía y el hand lettering, es el proceso por el cual
se realizan, y no por el resultado final. Para los principiantes del lettering puede ser desafiante ver la
diferencia en la pieza final, sin haber visto el proceso de creación. Sin embargo, la experiencia te hará
diestro en reconocer estos dos tipos de arte sin mucho esfuerzo.

Tipografía
La tipografía se define como el arte de crear caracteres (letras, signos y números) con los cuales se pueden
crear fuentes. Implica además, seleccionar los tamaños, la longitud de las líneas, el espaciado de las letras
y el kerning (interletraje) para que el lenguaje escrito sea legible y atractivo. Esta disciplina se enmarca
dentro del diseño tipográfico y se practica, sobre todo, de forma digital.

Letra retro cursiva de colores y alfabeto de los años 80, 90.

La tipografía es el oficio de la elección y el uso de letras para el diseño de productos impresos o medios
digitales.

¿Qué estilos de lettering existen?

Hay cinco grupos de fuentes que marcan no solo todos los tipos y estilos de dibujos de lettering, sino
también de caligrafía, tipografía y cualquier disciplina de escritura digital o a mano: las fuentes serif, las
fuentes sans serif, las fuentes monoespaciadas, las fuentes cursivas y las fuentes decorativas. Hoy nos
detendremos en dos de estos grupos:

1. Serif
Las fuentes con serif o serifa, que en muchos lugares del mundo se les conoce como tipografías con
terminales, fueron las primeras fuentes que se usaron incluso cuando los estilos tipográficos no tenían el
nombre de “fuentes” y se escribía a mano.

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Estas tipografías son aquellas que tienen una especie de adorno en el terminal de cada línea del carácter
que se escribe. Se cree que esto se debe a que, cuando se escribía con pincel y no con pluma, quedaba un
pequeño rastro del pincel que adornaba la letra o signo escrito.

Las fuentes con serif más conocidas son la Algerian, Times New Roman, Century y Georgia. Este estilo
tiene no solo varios usos, sino también varia clasificaciones.

Fuente Serif de Adobe Fonts llamada “Pulpo“.

La fuente Serif lleva una especie de adorno al final de cada línea del carácter.

2. Sans Serif
Las fuentes sans serif o sin serifa tuvieron un camino más largo por recorrer en el mundo de la tipografía,
pues se considera que empezaron a verse a mitad del siglo XIX, pero no fueron aceptadas hasta principios
del siglo XX.

Este estilo de tipografía empezó a usarse en comunicados de prensa, escritos cortos, portadas de periódico
y cualquier otro medio que transmitiera un mensaje que se necesitaba fuera fácil de leer.

Hoy, es posible encontrar gran cantidad de fuentes tipográficas san serif y se usan no solo en títulos o
portadas de libros, pues se han vuelto las favoritas para usar en textos o creaciones digitales con gran
cantidad de texto.

Entre las fuentes san serif más populares es posible encontrar la Arial, Calibri, Candara, Verdana, Lucida
sans, Impact y Lato.

Ejemplo de fuente San Serif con fondo negro y letras en blanco.

Cualquier fuente que no tenga adornos o “serifas” se considera Sans Serif.

Estos dos grupos de fuentes tipográficas se pueden apreciar en los tipos de lettering más comunes que
existen. Descubre a continuación cuáles son.
¿Qué tipos de lettering existen?
Como sucede con la caligrafía, no hay un solo tipo de lettering. Varía, tanto los tipos como los estilos, e
incluso las técnicas con las que se practica y los materiales que se emplean para llevarlo a cabo. Conoce
a continuación algunos tipos de lettering para que te inspires y empieces a practicar el arte de dibujar
letras a mano.

El Hand lettering
El hand lettering también es conocido como el estilo libre del lettering, pues quien lo practica puede no
seguir una técnica específica y, en cambio, tiene la oportunidad de mezclar técnicas, formas, alturas,
volúmenes, tipos de fuentes e incluso materiales en una misma creación.

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Tal como la historia del lettering, el hand lettering no tiene un punto de inicio bien definido. Sin embargo,
se cree que nació por la necesidad de crear nuevos estilos tipográficos, un poco más libres y creativos,
diferentes a los creados hasta ese momento por diferentes tipógrafos.

Los primeros caracteres tipográficos eran considerados difíciles de modificar, hasta que diferentes
artísticas, diseñadores gráficos e incluso ilustradores empezaron a dibujar letras de forma libre, abriendo
otro universo de posibilidades llamado hand lettering.

Cualquier tipo de lettering que no encaje en el estilo Brush o Chalk -que conocerán a continuación-, suele
incluirse dentro del hand lettering. El estilo de lettering a mano, como también se le conoce, suele
confundirse con la caligrafía, pues aquí las letras parecen escritas y no dibujadas.

Hay dos formas de hacer hand lettering:

1. Conservando las reglas.

Aunque es cierto que en el hand lettering se puede no seguir ninguna regla o técnica, hay un método
dentro de este estilo que sí lo conserva. Este estilo se practica siguiendo el diagrama de escritura con la
línea de base, la altura de las letras y las líneas que ascienden y descienden.

2. Rompiendo las reglas.

Hay una técnica dentro del hand lettering que rompe las reglas y se le conoce como bounce lettering. Con
esta técnica no hay una línea de base definida, las alturas de las letras pueden variar tanto como el diseño
lo requiera y, básicamente, se deja que los caracteres “reboten” libremente dentro del diseño.
Hand lettering (bounce lettering) escrito en negro con fondo blanco.
Con el bounce lettering las alturas de las letras pueden variar tanto como el diseño lo requiera.

El Brush lettering
El brush lettering es un estilo de dibujo de letras que se puede hacer aplicando la idea del bounce lettering,
sin embargo, la principal característica de este estilo es que se lleva a cabo con pínceles o marcadores de
punta pincel.

Aunque es al hand lettering que confunden con la caligrafía, el diseño del brush lettering guarda unas
bases más parecidas a esta práctica, pues escribes con un pincel con trazos que suben o bajan.

La principal diferencia de este estilo de lettering con la caligrafía es que este solo se hace con pincel y,
en ocasiones, no solo escribes las letras, también las dibujas y, sobre todo, las decoras con acuarela,
pintura u otro material según el lienzo que utilices.

Hoy, el diseño de lettering con este estilo se está ejecutando directamente en digital con pinceles
preestablecidos o creados por los artistas.
29
Artista practicando brush lettering con un pincel en color negro
El brush lettering tiene como característica principal llevarse a cabo con pínceles o marcadores de punta
pincel.

Las principales características del brush lettering son:

1. Presión del trazo

En este estilo la presión del trazo se realiza al descender, esto da un efecto de grosor en la línea. Al hacer
el trazo ascendente no se aplica presión para que se genere una línea más delgada y se cree armonía en la
creación.

2. Forma de escribir

Se puede seguir la línea de base o usar un estilo bounce que da mayor libertad en las formas del escrito,
sin embargo, conserva la técnica de escritura (ascendente y descendente).

Descubre el mundo del brush lettering y empieza a practicar con lo más simple: movimientos
descendentes y ascendentes.

Este estilo de escritura a mano es una disciplina profesional a la que muchas personas se dedican con la
creación de escritos en diferentes campos: el diseño gráfico, el marketing digital, el diseño publicitario e
incluso la ilustración.

El Chalk lettering
Seguro has entrado a restaurantes o cafeterías que tienen un menú o saludo de bienvenida escrito en tiza.
Pues bien, el chalk lettering es el dibujo de letras a mano utilizando una tiza y suele verse, sobre todo, en
lugares de comercio de comida.

El uso de la tiza sobre una pizarra no es nuevo. A principios del siglo XIX James Pillans crea las tizas de
colores y con ella se introduce la pizarra a las escuelas. Para ese entonces, se enseñaba caligrafía con
estricto orden desde temprana edad. Se cree que este es el inicio de este estilo de escritura a mano.

El chalk lettering se lleva a cabo con el dibujo de las letras de forma libre, siguiendo los parámetros que
cada artística requiera en su obra. Para ello se requiere precisión en el trazo y creatividad para darle
armonía a la creación.

Dibujo hecho con tiza representando el estilo Chalk lettering a través de un cocktail Mojito.
30
El Chalk lettering es un tipo de lettering hecho con tiza y pizarra que se suele ver en restaurants o
cafeterías.

El Faux lettering
El diseño de lettering falso o faux lettering nació como la forma en que los principiantes, en el mundo de
dibujar o escribir a mano, puedan lograr que su escritura se vea bien sin estar hecha con la técnica que en
verdad se requiere para lograrlo.

Por ejemplo, si el escrito a lograr está hecho con la técnica del pincel, que crea trazos más gruesos
generando mayor presión al realizar el trazo, con el faux lettering se logra dibujando la letra y añadiendo
el grosor con líneas y relleno adicional hecho a mano.

Ejemplo de la técnica Faux Lettering realizada sobre un cuaderno de notas

En el faux lettering o lettering falso técnicamente se dibujan las letras, pero se imita el aspecto de la
caligrafía.

Aunque esta técnica surgió como método de ayuda para principiantes, poco a poco se convirtió en un
estilo de lettering usado para crear títulos, poner nombres a cuadernos o libros, hacer cartas e incluso
dentro del estilo chalk lettering para crear rellenos y formas que la tiza, por su grosor, no podría crear en
un solo trazo.

El estilo de lettering falso no se libra de conservar una técnica para su realización. Todavía se hace
necesario conocer cuál es la línea de base, la dirección en la que se dibujan las letras para darles armonía,
la posición de la mano para crear ángulos, e incluso el conocimiento básico de la anatomía de las palabras.

Descubre más sobre el estilo de lettering falso y tómalo como la opción de inicio para aprender sobre el
lettering y cómo ejecutar cada tipo con el estilo y la técnica correspondiente.
Lettering digital
Aunque el lettering digital también es considerado un tipo más de lettering, en realidad, en este pueden
llevarse a cabo todos los tipos de lettering mencionados con anterioridad.

El lettering digital es también el dibujo de letras a mano, esta vez utilizando una herramienta gráfica
como una tableta digitalizadora y un ordenador o una tableta con la capacidad de editar y diseñar en ella.

Con el lettering digital se cambian todos los materiales como pinceles, plumones o marcadores por
herramientas digitales que se usan también en un lienzo digital, que suele ser el programa de preferencia.
Los más utilizados para esta técnica son Adobe Photoshop, Adobe Illustrator o Adobe Fresco. El lettering
digital puede utilizarse para hacer tarjetas de presentación para ocasiones especiales, para tarjetas de
invitación, para publicaciones en redes sociales, para trabajos de diseño gráfico y publicitario, entre otros.

Kendall Plant, directora creativa en Adobe comparte cómo hace lettering con Adobe Fresco.
Lettering con Adobe Fresco utilizando un iPad y un Apple Pencil para dibujar letras y adornos.

Materiales necesarios para hacer lettering

31
Cómo se puede notar en los tipos de lettering, no todos se pueden llevar a cabo usando los mismos
materiales. Conoce que materiales necesitas según los tipos de lettering presentados y comienza a
practicar lettering.

Materiales para el hand lettering

La clave del éxito para lograr el mejor estilo de hand lettering es contar con los materiales adecuados
según el tipo de diseño que requieras. Descubre a continuación qué materiales podrías utilizar:

1. Con qué escribir.

Teniendo presente que el hand lettering es un estilo libre, podrías usar rotuladores con puntas de diferentes
grosores, marcadores metálicos y con puntas de diferentes grosores, una pluma caligráfica, pinceles o
marcadores con punta de pincel.

Las tintas, acuarelas u otros tipos de pintura dependerán del implemento que vayas a usar para escribir.
Asegúrate de tener una regla a mano para trazar las líneas de base en caso de que no uses un cuaderno
con guías. Para un inicio, lápiz, borrador, regla y papel te bastarán.

2. En qué escribir.

El lienzo que vayas a usar para dibujar tus letras o palabra está relacionado con el implemento que elegiste
para escribir.

Si escogiste un pincel o marcador con punta de pincel y pintar en acuarela, el papel que debes escoger
debe tener el gramaje necesario para soportar la humedad y obtener un buen resultado.

Si estás descubriendo el mundo del lettering y apenas vas a comenzar a practicar, lo recomendable es usar
hojas de cuadrícula diagonal, ideal para empezar a seguir las formas de las líneas y relacionarse con alturas
y grosores.

También puedes descargar guías gratis para practicar con diferentes materiales.
Artista practicando hand lettering con un bolígrafo negro
Materiales para el brush lettering
El brush lettering, como su nombre indica, requiere de pinceles para llevarlo a cabo. Puedes usar:

Pinceles punta fina y de mayor numeración para lograr grosores diferentes en las letras.
Rotuladores con punta de pincel, que suelen tener un mismo grosor y es la técnica la que permite
designarle mayor o menor grosor a cada letra.
Pinturas, que suelen ser acuarelas por su capacidad y facilidad para trabajar con ella siendo principiante.
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El lienzo para pintar en acuarela suele conseguirse por gramaje. Si vas a usar rotuladores en lugar de
pínceles, puedes empezar con cualquier tipo de folio u hoja.

Materiales para el chalk lettering

Sin duda, el chalk lettering es una de las técnicas que menos implementos requiere y, de hecho, se puede
decir que es más necesario conocer bien la técnica. Para practicarlo necesitas:

Tizas: Estas pueden ser blancas, ideales para superficies negras, y de colores, propias para crear
decoraciones y darles fondo o forma a tus letras.
Cintas de enmascaras: Estas se suelen utilizar para delimitar la altura de las letras y no crear marcas
adicionales sobre la pizarra usando la tiza con trazos adicionales.

Materiales para el faux lettering

Los materiales para el faux lettering pueden ser tan simples como lápiz, rotulador o colores, papel y
borrador.

¿Qué necesito para empezar a hacer lettering?

Si al principio te preguntabas qué es el lettering y ahora te preguntas qué necesitas para hacerlo, sigue
estas recomendaciones y descubre cómo empezar:

1. Aprende lo básico.

Comenzar a practicar un arte se vuelve más fácil cuando sabes cómo empezar a hacer lettering. Busca
conceptos básicos y descubre, por ejemplo, cómo hacer líneas ascendentes y descendentes, cómo usar la
línea de base o cuál es la dirección para escribir cada letra.

2. Alista tus materiales.

Una vez tengas presentes los conceptos básicos, decide con qué tipo de letra quieres empezar a practicar
tu lettering, por ejemplo, mayúsculas en brush lettering. Una vez lo definas, alista los materiales básicos
que te indicamos para empezar a practicar.

3. Comienza tu práctica.

Ya tienes lo necesario para empezar a practicar, ahora solo hay que hacerlo. Establece el horario y el
espacio apropiado, designa un tiempo de practica y sé constante. Entre más practiques, más rápido
mejorará tu técnica. Si quieres descubrir y experimentar más del universo del lettering, en este artículo
conocerás más detalles para aprender a practicarlo.

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¿Cómo usar lettering en títulos?
Aunque desde hace algunos años ha estado en tendencia el uso del lettering para hacer títulos en apuntes
de colegio, universidad o trabajo, hay algunas tendencias modernas donde la práctica del lettering se ha
hecho más evidente.

Seguro has escuchado acerca del Bullet Journal, pues bien, este método de organización personal hizo
que cientos de personas conocieran qué es el lettering y empezaran a usarlo para sus apuntes personales
y títulos como notas, mensajes o meses del año.

Cita de primavera usando lettering en un Bullet Journal.

Podemos escribir notas personales de forma artística aplicando el lettering en un bullet journal.

Descubre cómo puedes usar el lettering para títulos siguiendo estas recomendaciones:

1. Busca inspiración.

Hay cientos de diseños de bullet journals que te servirán de inspiración para empezar a hacer tus títulos.
Escoge tus favoritos y guárdalos

2. Busca plantillas de lettering gratis.

Tanto si apenas empiezas a practicar lettering, como si ya tienes conocimientos sobre la práctica, las
plantillas de lettering te facilitarán obtener ideas de fuentes, formas y estilos de lettering para tus títulos.

3. Alista tus materiales y empieza a practicar.

Una vez tengas los diseños de inspiración y las plantillas de lettering, empieza a crear tus títulos siguiendo
los estilos de fuentes, mezclando formas y materiales para obtener un título único.

Si quieres hacer títulos para tus notas de trabajo, colegio o universidad, los pasos anteriores también te
serán de ayuda. Busca inspiración y plantillas de lettering, alista tus materiales y empieza a crear los
mejores títulos para tus notas.

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