EL ARTE GRIEGO

LA ESCULTURA
¿QUÉ PODEMOS DEDUCIR SOBRE LA ESCULTURA GRIEGA, A PARTIR
DE ESTAS IMÁGENES?
LA ESCULTURA COMO BÚSQUEDA Y
EXPRESIÓN DEL IDEAL DE
BELLEZA GRIEGO VOLUMEN
BELLEZA

EL CUERPO HUMANO
DESNUDO

EXPRESIÓN MOVIMIENTO
 LA ESCULTURA GIREGA: LA EVOLUCIÓN DEL IDEAL
DE BELLEZA A TRAVÉS DE LA ESCULTURA

CARACTERÍSTICAS GENERALES
DE LA ESCULTURA GRIEGA:

• Las raíces son orientalizantes y

presentan una clara influencia
egipcia.
• la constante evolución hizo que
pronto se distanciara de los modelos
iniciales, creando un mundo de
formas nuevo y original.
• Los artistas griegos partieron de lo ya
realizado por asirios, babilonios y
egipcios, para desarrollar su propio
lenguaje, definido por una
permanente búsqueda de nuevas
soluciones para representar la
figura humana.
 La representación de la figura
humana como encarnación
• de la belleza física y el
equilibrio espiritual.
La representación del hombre
atlético y bien proporcionado se
• corresponde con el ideal varonil
del hombre guerrero y
deportista.

La belleza se concibe como

• medida, proporción entre las
partes (el Canon).

La anatomía humana se
• representa de forma armoniosa e
idealizada.

Estamos, por tanto, ante la

• plasmación de un IDEAL DE
BELLEZA ANTROPOMÓRFICA.
• El artista griego busca la
expresión, entendida como la
exteriorización de los
sentimientos; en la expresión
se funde la dimensión
espiritual del hombre con su
cuerpo.

• Pero se trata, también, de una

EXPRESIVIDAD IDEALIZADA,
donde sólo cabe la quietud y la
serenidad de ánimo, el
equilibrio perfecto entre la
belleza física y la belleza
espiritual. Será en la época
helenística cuando el artista
rompa este corsé expresivo para
plasmar los sentimientos
humanos de forma realista y
menos idealizada.
 El artista griego, partiendo de la rigidez y el estatismo oriental que
evidencian las primeras esculturas del período arcaico (Kouroi y
Korés), tratará de REPRESENTAR EL MOVIMIENTO. Ensayará todas
las posibilidades plásticas del dinamismo: figuras que se doblan para
adaptarse al marco arquitectónico (muros, frontones, etc.), grupos
donde las figuras se relacionan de forma dinámica; representación de
la tensión muscular, la flexibilidad de los miembros, la agilidad, etc.
La representación del movimiento reforzará los valores expresivos
de la escultura griega.
• El artista griego se mostrará
profundamente preocupado por
la REPRESENTACIÓN DEL
VOLUMEN.

• Pronto romperán con la

frontalidad egipcia.
Concebirán la escultura como
una forma que debe ser
contemplada desde todos los
ángulos y puntos de vista
posibles.

• De ahí que la mayor parte de la

escultura griega sea exenta
(salvo los frisos con relieves de
los muros o los conjuntos de los
frontones).
 Los MATERIALES
• empleados por los artistas
griegos son: la piedra caliza
(talla) en la época arcaica y
el bronce (modelado a
partir de la técnica de la
cera perdida) y mármol
blanco en la plenitud del
clasicismo.

Muchas de las obras griegas

• que conocemos nos han
llegado a través de copias
romanas en mármol de
originales en bronce.
TÉCNICA DE LA CERA
PERDIDA
 LA TÉCNICA DE LA FUSIÓN

Hacia la mitad del siglo VI a. C. los

artistas griegos perfeccionaron un
sistema que permitía recuperar el
modelo y usarlo para la
producción en serie: se abría así
el gran periodo de las estatuas de
bronce
Guerrero A de
Riace
Hacia 430 adC.
Guerrero B de
Riace
Hacia 430 adC.
Poseidón
460 adC
Auriga de
Delfos
474 adC.
Apolo de
Piombino
Hacia 510 adC
 LA EVOLUCIÓN DE LA ESCULTURA GRIEGA

Las etapas establecidas son

las mismas que ya hemos
planteado para la arquitectura:

• Arcaico: hasta el s. V a de C.

• Clásico: s. V-IV a de C.

• Helenístico: fines s. IV a. de C.
y hasta la conquista romana
(s. I a de C.)
 EL PERÍODO ARCAICO (s. VII-VI a de C.).

• Las creaciones más

representativas de este
período don los llamados
KOUROI O KURÓS (jóvenes
atletas desnudos) y las KORÉ
(mujeres vestidas,
sacerdotisas).

• Unidad de estilo, a pesar de la

diversidad de centros
artísticos.

• El desnudo masculino se
convertirá en uno de los
convencionalismos básicos
del arte griego, al representar el
ideal de belleza
antropomórfica que anima
toda la escultura. El desnudo
femenino no aparece hasta el
clasicismo tardío, en el s. IV.
 Descripción de un KÓUROI O KURÓS
(convencionalismos)
• Punto de partida: la concepción egipcia:
rigidez y frontalidad. Monumentalidad.

• Las figuras se presentan con los brazos

pegados al cuerpo y la pierna izquierda
ligeramente adelantada. Son como
bloques cerrados, de donde la figura
humana apenas puede desprenderse.

• Simetría en la composición, evitando

torsiones y giros de la figura.

• Disposición geométrica de los cabellos.

• Ojos almendrados y globulares.

• Rigidez de las articulaciones.

• Sonrisa arcaica.

• Representación naturalista de la figura

humana: modelado de los músculos,
tratamiento de las rodillas.
 VISTA LATERAL
DEL KOURÓS
DEL MUSEO
ARQUEOLÓGIC
O DE TEBAS

KOURÓS
KOURÓS DEL MUSEO (M.A.N. Atenas)
ARQUEOLÓGICO NACIONAL
Kleobis y Bitón
kourós
El joven del becerro (Moscóforo),
Museo de la Acrópolis de Atenas,
575-550 a. C.
Kourós de Anavyssos (c 540-515 AC) (Atenas, National
Museum) policromado (pintado) mármol
 El Jinete Rampín
Museo Nacional de Atenas
• Estatuaria votiva (figurillas de terracota Descripción de una
o piedra que se depositaban en la KORÉ
tumba a modo de ofrenda), de
pequeñas dimensiones.

• El cuerpo humano casi se reduce a un

tablero de mármol, con un leve
estrechamiento a la altura de las caderas
y un ligero abultamiento en el pecho. El
carácter de bloque cerrado es aún más
evidente.

• Son figuras poco expresivas, con una

tendencia a la idealización estática.
Las doncellas que presentan
• Su cabellera está formada por rígidas el peplo dórico (paño de lana
decorado que cubre las
guedejas. Sigue la moda egipcia de figuras a modo de toca), se
representar la cabellera en diferentes conciben de forma simétrica
pisos. y escasez de pliegues. Tienen
un aspecto más rígido. Las
que portan el peplo jónico
• El geometrismo es, como en el caso de (asimétrico), muestran mayor
las figuras masculinas, el rasgo más dinamismo, por el uso de las
característico de estas imágenes. diagonales y los pliegues
abundantes.
DAMA DE AUXERRE
Escultura realizada en
piedra caliza, de 0,65 m
de altura, fechada
pocos años después
del 650 AC Conservada
en el Museo del Louvre
"Hera," de Samos. C. 570 - 560 AC. mármol, altura 6'
4". Kore con peplo dórico. C. 530 AC. mármol, altura
48". Kore, de Chios (?). C. 520 AC. mármol, altura 21
LA KHORÉ DEL PEPLO. MÁRMOL POLICROMADO. 530 A. C.
KORÉ DE KÍOS,
530 A.C.
MÁRMOL
POLICROMADO
KORÉS DEL MUSEO DE LA
ACRÓPOLIS DE ATENAS
Recreación de una “Koré” policromada
“Los Barbazules”
Figuras del templo de
Hekatompedon (Acrópolis
Museum, Atenas) c 560 AC
Piedra caliza policromada
Guerreros del tímpano este, Templo de Athenea en la Acrópolis.
(Atenas, Acrópolis Museum) c 520 AC) mármol de Paros
 Kritios
(c 480
AC)
mármol
(Atenas,

Acrópoli
s
Museum
)

Evolución: los artistas, preocupados e interesados por la vida, buscan nuevas

maneras de representar lo que ven con los ojos, no se trata de representar un
concepto (Egipto), sino aquello que nuestros ojos ven; de ahí la inevitable
evolución naturalista que se aprecia. Cada artista quiere representar el cuerpo
humano como lo ve, por eso esta búsqueda permanente culminará en el s. V
A. C., en la época del clasicismo griego, alcanzando la perfección técnica y
estética.
LA ESCULTURA GRIEGA

LA PLENITUD CLÁSICA
(S. V –IV A.C.)
Poseidón (o Zeus)
del Cabo
Artemision bronce,
ca 460-450 AC
 LA TRANSICIÓN AL CLASICISMO
EL CAMINO HACIA LA PERFECCIÓN

•Impulsada por los relieves que se

realizan en torno al año 500 a de C. en
los frontones de los templos de Egina
y Olimpia.

•Son muestras de escultura

compositiva, donde las figuras
comienzan a acoplarse al espacio
arquitectónico. Son un ejemplo del
avance hacia formas naturalistas, la
representación moderada de los
sentimientos, con integración de ritmos
compositivos.

• En ellos las figuras adoptan actitudes

naturales, pero aún rígidas,
contrarrestadas por los primeros
apuntes de movimiento. Esta mayor Representación de ninfa.
flexibilidad se completa con una Trono Ludovisi (Roma)
mayor variedad temática.
Nacimiento de Afrodita. Trono Ludovisi (Roma)
Realizado en mármol griego. De 1,02 m de alto, 1,44 m de
ancho y 0,73 m de profundidad.
• En el llamado TRONO LUDOVISI apreciamos ya la pérdida
de la rigidez arcaica: los cuerpos se doblan y adquieren una
ondulación flexible. Los paños ofrecen suaves transparencias
que dejan ver el
cuerpo femenino
AURIGA DE DELFOS
Escultura realizada en
bronce, de 1,82 m de
altura, fechada
en el 478 ó 474 aC
conservada en el
Museo de Delfos.
•

• Representa a un atleta que venció en

las carreras de carros de los Juegos
Píticos. Fue donada por Polyzalos,
tirano de Gela, en Sicilia.

• Se han conservado algunos vestigios

de las bridas y de uno de los
caballos

• El artista logra crear una tensión

entre los elementos arcaizantes, .
estáticos, y elementos nuevos. La
postura inmóvil y la rigidez de
los pliegues verticales de la
parte inferior recuerdan al fuste
dórico. Pero muestra aspectos
de una viveza inédita: la simetría
queda rota por el brazo que se
proyecta hacia adelante
sosteniendo las riendas del
carro. La cabeza, esférica, gira
levemente a la derecha.
El rostro expresa toda la fuerza
interior a través de los ojos
(incrustados de esmalte y ónix),
llenos de vida, acentuada por
la policromía de los labios,
aunque dentro del idealismo
característico de la estatuaria
griega.
• Es la “Edad de Oro” del arte LA PLENITUD
griego, la época de plenitud, en
la que se elaboran los tipos
CLÁSICA (S. V –
más representativos del ideal IV A.C.)
de belleza clásico.

• Es el siglo de Pericles, el arconte

que gobernó Atenas en su
esplendor político y económico, y
que trasladó al arte la grandeza
de la Polis capital del Ática.
Como en arquitectura, será la
acrópolis ateniense la que mejor
canalice el talento de los grandes El ideal de belleza no presenta sólo
escultores griegos de esta época, una dimensión física sino, sobre todo,
que acuden a la ciudad atraídos una profunda dimensión espiritual.
por las oportunidades que brinda La proporción y el equilibrio son el
el programa edilicio del estado
ateniense. fundamento de la virtud ciudadana
que alcanza su mejor expresión en el
triunfo del sistema democrático
ateniense.
MIRÓN: “EL DISCÓBOLO”
Copia romana en mármol
del original en bronce.
450 a de C.
 El discóbolo o lanzador de disco,
desarrolla su movimiento en
un instante fugaz.

El estudio anatómico: músculos

perfectamente definidos, aunque
algo planos.

A pesar del dinamismo compositivo,

la obra es bastante inexpresiva, no
hay relación alguna entre la tensión
muscular y el esfuerzo físico que se
le supone al atleta en el momento
de máxima concentración y la
expresión del rostro, que parece
ajeno a lo que el cuerpo ejecuta.

Es la expresión del interés por la

representación del cuerpo
humano en movimiento. La figura
humana se representa ya por sí
misma, no como un exvoto o
representación de la divinidad.
 La composición es
muy atrevida,
curvilínea en espiral,
contrapesada por las
líneas quebradas de
brazos y piernas. Esta
composición
multiplica los puntos
de vista, logrando
transmitir la sensación
de instantaneidad.

EL DISCÓBOLO:
EL MOVIMIENTO.
 Policleto: El Doríforo. .
Copia romano de mármol.
Hacia 450-440 A.C.
Altura: 199 cm..
Museo Nacional de Nápoles
 POLÍCLETO
(El teórico de la
anatomía humana)

• Su máxima preocupación son

las proporciones del cuerpo
humano y la ponderación de sus
masas en las actitudes. Teoriza
sobre ello en su obra: “El
Kanon” (La Norma).

• Para este gran escultor la

belleza reside en la armonía
(Symetria) del cuerpo humano.

•La representación del cuerpo

humano alcanza su plenitud.
El joven es un perfecto estudio
de la anatomía humana
(idealizada), en estado de
perfección y plenitud.
La belleza es un juego sutil
de proporciones. El “Canon”
: las dimensiones de la
cabeza representan 1/7
parte del cuerpo.

La geometría determina
ciertos criterios en la
representación y
composición de la figura
humana: el pliegue inguinal
(un semicírculo) y el tórax,
son sendos segmentos de
circunferencia cuyo centro
sería el ombligo.
La composición es asimétrica:
el contraposto (ligera
curvatura de la cadera y pierna
izquierda adelantada).

Perfecta plasmación del

equilibrio físico y espiritual.
Un equilibrio dinámico que
logra llenar el vacío a su
alrededor y multiplicar los
puntos de vista.
La cara se divide en tres partes:
frente, nariz y boca. Todo está
medido, todo es proporcionado.
La belleza es, por tanto,
proporción y armonía entre las
partes.

La cabeza es una esfera

perfecta a la que se adapta el
cabello. La esfera representa la
perfección y la racionalidad.
DIADÚMENO
Policleto hacia
el 430 A.C.
186 cm.
Mármol.
(Copia romana)
Museo
Arqueológico
Nacional de
Atenas
Atleta vencedor
que lleva en la
 FIGURAS DE BRONCE
(GUERREROS DE RIACE)
460 - 450 a.C.
Anónimo (Pithagoras de
Region?)
Museo Nazionale di Regio
di Calabria (Italia)
 JOVEN
GUERRERO
DE RIACE,
BRONCE -
460-450 A.C.
 FIDIAS
(El creador de los prototipos
que representan el ideal de
belleza clásico. El escultor de
los dioses)

• La obra y vida de Fidias

está ligada a Pericles y al
esplendor de Atenas.
Dirige las obras del
Partenón y es el
responsable de los
conjuntos escultóricos
que decoran los frisos de
los muros, los conjuntos
escultóricos de los
frontones y las metopas.
Su fama se basa en la
grandeza de su escultura
de la diosa Palas Atenea,
de tipo crisoelefantino, las
obras del Partenón y una
representación de Zeus
olímpico, TODAS
PERDIDAS.
Consagrada en la Acrópolis de Atenea Lemmia
Atenas h.450 a.C. Presenta a
Bronce, 2 m. altura
Atenea en actitud pacífica,
vestida con peplo abierto por un
costado y ceñido con la égida
terciada sobre el pecho y la
cabeza descubierta e inclinada,
fija la mirada en el casco que
sostiene la mano derecha,
generando un dinámico ritmo.
Conocida en la antigüedad como la
"belleza eximia“, el mayor
atractivo de la obra reside en la
cabeza convertida en prototipo en
el ideal de la belleza femenina
clásica.
Su estructura se resalta
admirablemente por medio de la
taenia que la ciñe. La forma
esférica de la cabeza y la belleza
severa del rostro adquieren toda su
fuerza en el perfil, a la que
contribuye tanto el modelado de las
facciones como el tratamiento del
peinado a base de mechones
pequeños, independientes y
finamente articulados.
• "Apolo Parnopios", (copia: Apolo
de Kassel ) Representa al dios en
todo su esplendor y es obra
decisiva para comprender como
veían a los dioses los hombres de
la época clásica. Apolo es la viva
imagen de un ser radiante, bello y
lozano.
UBICACIÓN DE LOS RELIEVES EN LOS FRISOS DEL PARTENÓN
• En su obra destaca: la belleza
serena de los rostros, la
flexibilidad y transparencia
de los paños, la combinación
de equilibrio y vida. La
serena grandiosidad de las
figuras, exquisitas en sus
proporciones.

• La técnica de los paños

mojados, apreciable en el
tratamiento de las túnicas que
cubren los cuerpos de las
jóvenes atenienses de la
“Procesión de las
Panateneas”o de “Victoria
atándose la sandalia”.

VICTORIA ATÁNDOSE LA SANDALIA

 Fidias: Procesión de las panateneas.
447-432 A.C. Mármol. Altura: 102 cm. Procede del friso del Partenón.
Musée du Louvre, París
 FIGURAS DEL FRONTÓN DEL PARTENÓN

Los frontones destacan por su sabia

composición y la belleza y grandiosidad
de las actitudes.
 FRONTONES
TEMÁTICA:
Oriental: Nacimiento de Atenea
Occidental: Lucha entre Atenea y Poseidón por
la posesión del Ática.
MEDIDAS
Casi 30 m. de largo x 4 m de altura máxima x casi 1 m.
de profundidad.

DISPOSICIÓN
Como en todo frontón griego, las figuras son
conceptualmente un relieve, aunque se labran como
esculturas de bulto redondo y están situadas muy al
borde, sujetas por grapas metálicas.
En los frontones, para que todas las esculturas fuesen del mismo tamaño, se
utilizaba una técnica, que era, que a medida que los bordes de los frontones iban
descendiendo, las estatuas, se iban haciendo en distintas posturas (de pie, sedente,
yacente); de manera que, en el centro del frontón se encontraban las estatuas de pie
y hacia los lados se iban encontrando las estatuas con movimiento un poco
inclinadas, sedentes, y yacentes; consiguiendo así que todas las esculturas fuesen
de las mismas medidas.
 Artemisa
Kore
Caballos del Dionisos Deméter
carro de Helios

Frontón Este del Partenón

Hestia
Dione
¿ Afrodita ?
 En los frontones del Partenón estaban representadas algunas batallas importantes, los dioses y
diosas más importantes de Grecia; y lo más importante, el nacimiento de Atenea. Los frontones
actualmente están destruidos y solo se conservan algunas esculturas sueltas y casi destruidas en
el museo Británico de Londres.

El frontón más importante del Partenón era el frontón oriental; en este frontón se representaba el
nacimiento de Atenea y es el frontón del que más esculturas se encontraron. El nacimiento de
Atenea estaba representado con Atenea saliendo de la cabeza de Zeus; nace ya adulta y con todos
los elementos de batalla de Atenea; también aparecía Niké coronando a Atenea en su nacimiento.
Estas imágenes se encontraban en el centro del frontón; pero ya se han perdido completamente,
aunque podemos observarlo en algunas copias.
Las dificultades para su interpretación, resultan en este caso algo más complejas al no poder
acudir a la ayuda que para el estudio de otras partes del templo, constituyeron los dibujos de
Jacques Carrey, porque cuando los realizó, en 1674, ya faltaban algunas de las figuras
fundamentales en ambos frontones.
 Parece deducirse, que el evento
–el nacimiento de Atenea- se
produjo al amanecer, porque
Helios, Ήλιος –el Sol– y Selene,
Σελήνη –la Luna, aparecen en
los extremos con sus respectivas
cuadrigas. Los caballos de
Helios –Άρμα του ήλιου–
emergen por la izquierda,
mientras que los de Selene, se
disponen a sumergirse en el mar
por la derecha.
Faltaba, entre otras cosas, en el centro del frontón, la
secuencia principal, es decir, el Nacimiento de Atenea,
tal como aparece en la recreación de K. Schwerzek No se comprendía muy bien el
que sigue, y que se muestra en el Museo de la hecho de que las figuras de los
Acrópolis de Atenas. dos extremos –las que se
conservan–, miraran hacia los
lados, como si los personajes que
representan fueran ajenos al
prodigio del Nacimiento de
Atenea, habida cuenta de que el
templo estaba dedicado a ella.
Dionysos aparece a la derecha
del emergente caballo de
Helios, como si contemplara
sereno el amanecer. Recostado
sobre un manto, parece todavía
ajeno al evento que se produce
a su espalda: Atenea salía,
armada, de la cabeza de su
padre.
En el Frontón occidental u oeste se escenifica la lucha entre Atenea y Poseidón por dominio y
protección del Ática. Los dioses se les representa enfrentados con sus respectivos tridente y
lanza. Según la mitología Poseidón arremetió con su tridente a la tierra e hizo brotar un gran
chorro de agua que Atenea tapó con su lanza surgiendo un olivo, árbol civilizador y noble, que es
símbolo del Ática. Dicho olivo también simboliza la victoria de Atenea, que dominaba el Ática
por tierra y mar. Este frontón fue muy afectado por la guerra entre venecianos y turcos en el año
1687, el ataque veneciano al almacén de pólvora turco se saldó con la destrucción de 14
columnas del peristilo e incontables figuras de los relieves de los frontones, sobre todo del
occidental, del que sólo se salvaron unas 50 figuras. 
RELIEVE DE UNA METOPA DEL PARTENÓN: LA LUCHA DE LOS
LAPHITAS Y LOS CENTAUROS
 FRISO INTERIOR
Recorre por fuera la parte alta del muro de la cella,
desarrollando a lo largo de sus cuatro lados el tema de la
procesión de las "grandes Panateneas", festividad celebrada
en honor de la diosa cada 4 años, que culminaba con la entrega
del peplo a Atenea.
Mientras los Frontones nos muestran el origen de Atenea y Atenas, y las metopas simbolizan la
misión civilizadora de la gran Polis de Grecia, el célebre Friso interior (en los muros de la Cella)
representa el gran ideal de ilustración ateniense. Esto es, representa la esencia racional y
ciudadana de la ciudad de Atenas, a través de representación de una procesión ritual celebrada
cada año, la famosa Fiesta de las Panateneas. El Friso interior supone el inicio del jónico, un
estilo procedente de las Polis griegas de Asia Menor, como la propia Jonia, ya que no era propio
de los templos dóricos. Tenía una extensión de 160 metros y un metro de alto (contaba con 376
figuras) y resultaba bastante difícil de ver para el espectador, al estar colocado en la parte alta del
muro. El templo era una ofrenda a Atenea, no estaba pensado para el deleite visual humano.
Como no podía ser de otra forma esta dedicado a una gran fiesta en honor a la diosa, un momento
concreto de la vida ciudadana de Atenas, la fiesta de las Panateneas, que se celebraba del día 28
del mes de Hecatombeon (entre julio y agosto). Su gran momento era la procesión en la que
doncellas llevaban a la diosa el peplo o manto ritual, además de distintas ofrendas y el sacrifico de
cien bueyes.
• Por los cuatro lados del friso se representa el cortejo
procesional de las fiestas, es decir, una escena real
protagonizada por la sociedad ateniense, aunque bastante
alejada del "relieve histórico" romano.
• Los grupos de la procesión representan: secciones
de jinetes
• conductores de víctimas para el sacrificio
• carros de apóbatas (participantes en unos juegos de
vieja tradición), cortejo a pie con thallophoroi
(ancianos portadores de ramas), músicos, etc...
• En el lado este se
acercan al lugar
sagrado las jóvenes
atenienses ataviadas
con peplos y los
representantes
jerárquicos, grupo que
participa en la ofrenda
del peplo ante la cella
del templo de Atenea.
• En el centro contemplan la escena dioses y héroes
desde la esfera olímpica, sin que su presencia
resulte advertida por los humanos.
• Como el relieve tiene alrededor de 5 cm. de fondo y
resulta más bien plano, los inconvenientes derivados
de su ubicación (zona más alta y peor iluminada del
templo) se paliaron y contrarrestaron dando a los
bloques de mármol una ligera inclinación hacia
afuera por la cara anterior, para que al relieve le
llegara la luz desde abajo.
Estela funeraria
Museo de Atenas
 EL CLASICISMO (mediados del s. IV a de C.)
TARDÍO
• Superado el momento de plenitud
del clasicismo, se produce una
tendencia a la barroquización
de las formas escultóricas, a la
estilización de los cánones, y la
pérdida de la férrea ortodoxia
del absoluto equilibrio,
armonía y proporción.

• Este fenómeno es paralelo al

momento histórico que vive
Grecia y, singularmente, Atenas.
La crisis de la Democracia
ateniense y el preludio de las
Guerras del Peloponeso, se
anuncian ya en el dramatismo
expresivo que la escultura
muestra en esta época de
mediados del s. IV a de C.

Efebo, se le cree obra de Praxíteles

 EL CLASICISMO
• TARDÍO
El creciente realismo se manifiesta
en el mayor cultivo del retrato como
género. Existe un mayor afán por
expresar los sentimientos humanos.
Los temas religiosos se tratan de
forma más cotidiana, con mayor
escepticismo.
• Aunque perdura el idealismo clásico,
los escultores buscarán nuevas
formas o prototipos de belleza ideal.
De esta época destacan los
escultores: Praxíteles, Scopas y
Lisipo.
• El ideal de belleza masculino,
encarnado en un joven atleta viril de
cuerpo proporcionado, encarnación
de los valores de la Polis en la época
clásica, se complementa con la
representación, por primera vez,
del desnudo femenino, que
encarnará un ideal de belleza
afeminado, para el cual los valores
del arte y del pensamiento cuentan
más que los atléticos.
PRAXÍTELES

• En sus obras los dioses aparecen

como seres humanos de formas
graciosas y blandas, desprovistos
de la majestad y la seriedad de
épocas anteriores. Sus figuras tienen
una expresión vaga y soñadora.
• El autor se sirve de la llamada “curva
praxiteliana” que proporcionan
languidez al cuerpo al apoyar
indolentemente el brazo mientras la
cadera se curva. En el rostro utiliza el
“esfumato”, puliendo la superficie
del mármol, sobre todo las cejas y los
ojos.
• Estos dioses nos transmiten estados
melancólicos del alma, la intensa
nostalgia, o el mundo de ensueño
en que éstos habitan.
• Sus obras más destacables: HERMES
DE OLIMPIA, AFRODITA DE
CNIDO, VENUS DE ARLÉS.
HERMES CON EL
NIÑO DIONISO,
PRAXÍTELES
VENUS DE CNIDO
(copia romana)
PRAXÍTELES
VENUS DE ARLES,
PRAXÍTELES
 LISIPO

Lisipo: Apoxiomenos
Hacia 320 A.C.
Mármol. Altura 205 cm.
Copia romana Museo
Pio Clementino,
Ciudad del Vaticano
"El Apolo Sauróctono" (340 a. Cto), copia
romana en mármol del original. Mide 1,83
mt. de altura. Trata la anatomía de forma
suave y natural, con menos rigidez que los
autores del siglo V a. Cto, así como el
rostro al que da mayor expresividad, y el
cabello que está mucho más trabajado.
Libera una de las piernas del peso u lo
traslada a la otra, normalmente la pierna
izquierda, creando así una curvatura de
cadera que curiosamente va en sentido
contrario a la pierna sobre la que descansa
el peso, es lo que se llama la Curva
Praxiteliana. Al realizar este juego de
contrapesos, necesita un punto de apoyo
extra, para ello coloca un tronco de árbol, al
igual que hará en otras esculturas. Sus
temas más recurridos fueron las divinidades
juveniles (Eros, Afrodita, Artemisa, Hermes,
etc.) y los sátiros. En la imagen un Apolo de
rostro juvenil en una actitud ensimismada
que lo aleja del espectador.
"El Sátiro en Reposo", fue muy copiado en época
romana para decorar los jardines de las villas. Tiene el
tratamiento anatómico más suave.
"Sátiro escanciador"
"Diana de Gabies". (original del 400
a.C. Foto: Museo del Louvre / Daniel
Lebée y Carine Deambrosis).
Praxíteles empleó el mármol en lugar
del bronce utilizado por la mayoría
de los escultores de la época. Dos
tercios de sus creaciones son piezas
de ese material, que dominaba a la
perfección. En esta representación
de Artemisa podemos ver el realismo
en el tratamiento de los pliegos y la
delicadeza con que Praxíteles
dotaba a sus figuras
"Afrodita de Tespias" (Venus de
Arles) (Foto: RMN / H. Lewandoski). Copia
romana (original del 379 a.C., atribuido a
Praxíteles). Esta representación de la
deidad del amor, encontrada sin brazos en
1651 en el teatro romano de Arles, se ha
atribuido a Praxíteles por el parecido que
guarda con el rostro de la ’Afrodita de
Cnido’. La estatua semidesnuda se ha
interpretado como el paso previo a la
desnudez de la Afrodita, que marca un hito
en la representación del ideal del cuerpo
femenino. 
LISIPO (s. V-IV a. Cto.)
Junto con Scopas y Praxíteles se le
considera escultor del segundo clasicismo,
ya enlazando con el arte Helenístico.

Nacido en Sición, Peloponeso, hacia 370 a.

C. falleció hacia el 370 a. C. Será escultor
principal de la corte de Alejandro Magno.
Explotará a la vez realismo e idealismo,
representando principalmente cuerpos
masculinos. Broncista que trabaja también
en mármol.

Crea un nuevo canon que obedece a los

gustos del siglo IV a. Cto., se trata del
Canon de las 8 cabezas, en el que la cabeza
es la octava parte del cuerpo. Según Plinio,
Lisipo representa a los hombres tal y como
el ojo los ve, mientras que el siglo V a. Cto.
los representó tal y como eran. Ahora se
supera el canon racional de Policleto y se
va hacia la fantasía óptica y expresiva.
LISIPO
• Con su obra “EL
APOXIOMENOS” , crea un nuevo
canon de belleza masculina, más
alargado, más esbelto que el de
Polícleto. La cabeza es ahora 1/8
parte del cuerpo. Alargamiento de
las piernas y menor volumen de la
cabeza. En cuanto al asunto o tema
representado: ya no es el atleta
triunfador, ni recoge el instante de
máxima acción, como el Discóbolo,
es un momento posterior a la
competición, nada heroico, cuando el
atleta se limpia con un strigilo el
polvo de la palestra que ha quedado
pegado a su piel, recubierta
previamente de aceite. Se crea una
nueva dimensión espacial, al
avanzar los dos brazos. La
frontalidad ha desaparecido
totalmente y la escultura parece
invitar al espectador a girar en torno
suyo, para verla desde diferentes
puntos de vista.
Otras obras de LISIPO: HÉRCULES FARNESIO Y ARES LUDOVISI
"Heracles Farnesio" (Museo Arqueológico
de Nápoles). La copia romana mide 3,17
mt. Apoya el cuerpo en un tronco del que
cuelga también la cabeza de un león. Está
completamente desnudo, y Lisipo hace uno
de los más trabajados tratamientos
anatómicos de su escultura. La figura
aparece barbada, igual que en el caso
anterior. Museo Arqueológico de Nápoles.
"Heracles Epitrapezios",
realizado para Alejandro
Magno. El original era de
bronce. Figura barbada,
aparece sentado y con la
musculatura muy marcada.
ESCOPAS DE PAROS (s. V-IV a. Cto.)
Nacido en Paros, hacia 380 a. C. y
fallecido hacia el 330 a. C. se considera
junto con Lisipo y Praxíteles
representante del segundo Clasicismo.

Escultor importante por su producción,

que realiza mayoritariamente en
mármol. Representa lo trágico, lo
apasionado, sin precedentes en época
clásica. Tiene un gran amaneramiento
en sus formas.

"Cabeza de Meleagro", héroe

representado antes de morir, con un
tratamiento del cabello muy barroco.
Numerosas esculturas romanas utilizan
éste modelo para sus representaciones.
SCOPAS
• Su obra supone la
crisis de la
serenidad de Fidias.
Sus figuras se
contorsionan con
violencia. Destacan:
MÉNADE
FURIOSA,
ESTATUTA DE
MAUSOLO.

Estatua de mármol
Kunstsammlungen
Dresden: Ménade
furiosa (copia
romana).
350-340 A.C
"Meleagro y el jabalí de Calidón"
(Museo Pio-Clementino, Roma).
Mármol, copia romana de la época
imperial, según un original griego del
siglo IV adC, posiblemente de
Escopas. 
"Pothos" (Museo Louvre,
París), dios de la añoranza,
el anhelo y el deseo.
Mármol, copia romana del
siglo I según un original
griego del siglo IV adC de
Escopas que estaba en el
templo de Afrodita en
Megara. 
"Estatua de Pothos" (Col.
Albani, Palazzo Nuovo),
restaurada como Apolo
kitharoidos (tocador de
cítara). Mármol, copia
romana de un original griego
de Escopas, hacia 400 ad
C. 
"La Ménade y el cervatillo"
Decoración del "Mausoleo de Halicarnaso": "Amazonomaquia", en ella trabaja con tres
escultores atenienses llamados Timoteo, Briaxis (escultor de divinidades como "Serapis") y
Leocares (otras obras: "Rapto de Ganimedes" y "Apolo Belvedere"). Otras temáticas fueron
realizadas por Hectóridas y Timoteo (otra obra: "Leda y el cisne").
 LEOCARES

Considerado el autor del

APOLO DE BELVEDERE.

En síntesis, podemos afirmar que

se ha producido una evolución hacia
el abandono de la serenidad y el
equilibrio de la época de Pericles El
arte se adentra en el mundo más
sensible y menos racional de los
sentimientos, las emociones y los
estados de ánimo, en una tendencia
que culminará en el período
helenístico.
 LA ESCULTURA
GRIEGA
LA ETAPA
HELENÍSTICA (s.
IV – I A.C.)
 LA ETAPA HELENÍSTICA
(s. IV- I a de C.)

• Período de gran amplitud

cronológica y geográfica,
donde la tradición griega se
impregnará e impregnará, a
su vez, de la cultura de los
territorios que formaron parte
del Imperio de Alejandro
Magno.

• Tradición clásica y
orientalismo se fundirán
para crear y expresar, a
través del arte, una nueva
concepción de la vida.

Se pierde, además, la
unidad estilística de la
época clásica. Nuevos focos
y escuelas artísticas se
suman a Atenas, como
Rodas, Alejandría o
Pérgamo.
Retrato de Alejandro Magno
 EL PHATOS
HELENÍSTICO

Un profundo realismo lo
impregna todo. Se prefiere el
desequilibrio de los cuerpos
retorcidos a las serenas
superficies clásicas. El
dramatismo de las expresiones
a los rostros tranquilos. La
fealdad, a veces monstruosa, a
la belleza clásica. Predominan
las obras barrocas,
caracterizadas por un intenso
movimiento y tensión, aunque
algunos artistas repiten y
conservan los ideales clásicos.
 LOS TEMAS DE LA
ESCULTURA

La variedad temática
desborda los asuntos
tradicionales de la
estatuaria anterior
(dioses, atletas, héroes,
etc.).

Los artistas se inspiran

en la explosión de vida
que les rodea. Sobresale,
por su tratamiento
realista y profundidad
psicológica, el retrato,
descarnado y sincero,
sin idealización. Se trata
de individualizar al
retratado
 No se sabe con
seguridad a quien
retrata esta
magistral cabeza.
Hay quien apunta
que podría tratarse
de Eurípides o
Séneca; otros creen
que representa a
Calímaco, un
matemático de
Alejandría. Sea lo
que fuere, esta
cabeza nos muestra
la tendencia realista
que se da en el arte
rodio del siglo II. En
ella, se representa la
crudeza de la vejez
con un intenso
expresionismo. Séneca
Autor: desconocido Fecha: 150 a.C.
material: bronce
 LAS
AFRODITAS
HELENÍSTIC
AS
La diosa del amor
(VENUS) consume
gran parte de la
inspiración artística.
Destaca la “VENUS DE
MILO”, por su
clasicismo ecléctico.

La divinidad aparece
humanizada. No
obstante, las afroditas
helenísticas carecen,
sin embargo, del tono
majestuoso de la de
Milo, presentándonos a
la diosa en las más
variadas actitudes.
VENUS DE MILO
MÁRMOL
2.02 m. de altura
Atribuida a
Agessandro o
Alexandro
Museo del
Louvre ( 150
-100 a. C.)
• La Venus de Milo presenta
la grandiosidad
majestuosa de la que
carecen la mayoría de las
Afroditas helenísticas.

• Esta Afrodita es el ejemplo

máximo de este arte
ecléctico, sublimado aquí
por la serenidad y la
armonía de las
proporciones (combina la
serenidad y grandiosidad
del estilo de Fidias y la
armonía de Praxíteles).
 Detalle de la Venus de
Milo, descubierta en 1820
OTRAS AFRODITAS
HELENÍSTICAS
 VICTORIA DE

SAMOTRACIA

200 AC.
mármol, 2.4 m de altura,
era originalmente parte de
un monumento más
grande que representó
una proa de barco.

• La diosa alada aparece

como un cuerpo femenino
azotado por el viento, de
modo que el tejido se
adhiere al cuerpo mostrado
la belleza del mismo. Es
muy efectista.
• Museo de Louvre, París,
Francia.
Abandonando a los dioses
como tema exclusivo, los
escultores se entregan a la
observación de
personajes, acciones y
gestos cotidianos.

Los temas humildes o

grotescos, pero
expresivos. La vejez. Lo
feo, como imperfección. La
niñez. Todos estos temas
habrían sido considerados
indignos durante la época
clásica.

espinario
 EL CUERPO HUMANO

• Se mantiene el
profundo interés por la
anatomía que
caracteriza al arte
griego, desde un punto
de vista técnico. La
insistencia en delimitar
cada uno de los
músculos en tensión
produce desnudos de
claroscuro
desconocido en la
escultura griega.

Apolonio de Atenas: el “Torso

de Belvedere”.
 El Púgil
Apolonio de Atenas
Periodo helenístico
s. I d.C.
Bronce; 1’28 de
altura. Roma, Museo
Nacional
Jinete del Museo Arqueológico de Atenas
GRUPO DE LAOCONTE Y
SUS HIJOS

MÁRMOL
175-150 a.C.
altura 2.42 m., Escuela de
Rodas: Agesandro,
Atenidoro y Polidoro,
Museo Vaticano.
EL TEMA
Una serpiente
enviada desde
el mar por la
diosa Atenea
ataca al
sacerdote
troyano
Los elementos formales Los cuerpos se retuercen, los músculos se
exageran, los rostros expresan dolor y
sufrimiento. El movimiento es exagerado de
forma impetuosa, sentido expresivo hasta la
agonía, complicación formal y dinámica.
La verticalidad se rompe totalmente. Nos
hallamos ante un estilo alejado del
clasicismo, que ya no es su modelo. Es un
estilo vigoroso, con fuertes contrates, con
grupos contorsionados y expresiones de
un gran dramatismo y emoción, propio de la
Escuela de Rodas o de Pérgamo.
Se expresa la violencia y el desequilibrio
que caracteriza ya al helenismo tardío.
El grupo fue concebido para ser
contemplado
de frente. Los tres escultores que intervienen
en la ejecución del grupo, contrarrestaron la
tremenda convulsión de los músculos de
Laoconte con el mayor clasicismo de las
anatomías de sus hijos, que están concebidos
en un menor tamaño, lo que acentúa el
desequilibrio y dinamismo compositivo.
Es una obra de gran barroquismo que ejerció
una poderosa influencia tras su
descubrimiento en 1506, sobre todo en
detalles
 Toro Farnesio (Copia
romana del bronce
original) fecha: 130
a.C. Autor: Apolonio
de Tralles
Museo: Museo
Arqueológico de Náp
ole

Caracteristicas:
Mármol
370 cm. altura
• Como punto de partida del monumentalismo barroco, sin duda
habría que colocar un gran grupo que representa el Suplicio de
Dirce; esta obra, de hacia 130 a. C., fue la más apreciada en la
antigüedad de cuantas realizaron Apolonio y Taurisco de Tralles,
dos escultores formados por Menécrates de Rodas -acaso uno de
los que firmaron en el Altar de Pérgamo-, y pertenecientes por tanto
a la escuela de dicha isla. Conocemos el grupo a través de esta
versión tardía y terriblemente restaurada que es el Toro Farnesio
del Museo de Nápoles. Pese a sus infidelidades y añadidos,
podemos sentir a través de esta obra la aportación básica del
original: se trata de un grupo dinámico, perfectamente
tridimensional, y asentado en una base paisajística. Apolonio y
Taurisco lograron un indudable efecto expresivo, y ello a pesar de
partir de elementos tan diversos como el realismo de los animales,
las actitudes rígidas de los jóvenes, y esa compleja torsión en
espiral de la figura de Dirce, verdadera síntesis del drama. El
Presidente de Brosses escribió en el siglo XVIII sobre esta
espectacular obra: "Aquí la acción, las expresiones, las actitudes,
son de gran fogosidad y de un gran estilo griego; la ejecución tiene,
por lo demás, algo de rudeza y de grosería que desagrada. Si se la
coloca en la primera clase de las esculturas antiguas es más bien por
el tamaño de la obra y por su ejecución prodigiosa que por cualquier
otra razón".
Epígono (?), de la Escuela de PÉRGAMO
“Galo moribundo”
El galo se está desangrando
de la herida mortal que
tiene abierta en el pecho e
intenta levantarse. Hay un
evidente interés por
describir las características
raciales de los galos, que
eran altos, de espesa
cabellera y fuertes
músculos, diferentes en su
aspecto físico a los
mediterráneos.
Se trata de una obra
conmemorativa de las
victorias del rey de
Pérgamo sobre los galos.
 Altar de Zeus en Pérgamo,
180 a.C.
Autor: Anónimo Museo:
Staatliche
Schlösser
und Gärten Berlin Material:
mármol Estilo:
Hellenístico

El relieve llega a emplear la

perspectiva en los fondos para
crear la ilusión de escenarios
profundos.
•Construido sobre una terraza,
el altar de Pérgamo sigue un esquema
poco habitual; en lugar de un friso bajo
con columnata, nos encontramos un
enorme podium, con un fabuloso
friso de altísimo relieve y una
majestuosa escalera. En lo alto del
todo, domina la columnata jónica de
escasa altura.

•Dentro del friso se desarrolla la gran

escena de la lucha del principio del
tiempo: los dioses, representantes del
orden, contra los gigantes, fuerzas del
desorden y del caos (Gigantomaquia).

•Todos los artistas que trabajaron en el

relieve, procedentes de diferentes
ciudades (Pérgamo, Atenas, Tralles,
Rodas), consiguieron mantener la
unidad de estilo en toda la obra.
DETALLE DE LA GIGANTOMAQUIA