2 - Escultura de La Grecia Clásica
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2 - Escultura de La Grecia Clásica
LA ESCULTURA
¿QUÉ PODEMOS DEDUCIR SOBRE LA ESCULTURA GRIEGA, A PARTIR
DE ESTAS IMÁGENES?
LA ESCULTURA COMO BÚSQUEDA Y
EXPRESIÓN DEL IDEAL DE
BELLEZA GRIEGO VOLUMEN
BELLEZA
EL CUERPO HUMANO
DESNUDO
EXPRESIÓN MOVIMIENTO
LA ESCULTURA GIREGA: LA EVOLUCIÓN DEL IDEAL
DE BELLEZA A TRAVÉS DE LA ESCULTURA
CARACTERÍSTICAS GENERALES
DE LA ESCULTURA GRIEGA:
La anatomía humana se
• representa de forma armoniosa e
idealizada.
• Arcaico: hasta el s. V a de C.
• Clásico: s. V-IV a de C.
• Helenístico: fines s. IV a. de C.
y hasta la conquista romana
(s. I a de C.)
EL PERÍODO ARCAICO (s. VII-VI a de C.).
• El desnudo masculino se
convertirá en uno de los
convencionalismos básicos
del arte griego, al representar el
ideal de belleza
antropomórfica que anima
toda la escultura. El desnudo
femenino no aparece hasta el
clasicismo tardío, en el s. IV.
Descripción de un KÓUROI O KURÓS
(convencionalismos)
• Punto de partida: la concepción egipcia:
rigidez y frontalidad. Monumentalidad.
• Sonrisa arcaica.
KOURÓS
KOURÓS DEL MUSEO (M.A.N. Atenas)
ARQUEOLÓGICO NACIONAL
Kleobis y Bitón
kourós
El joven del becerro (Moscóforo),
Museo de la Acrópolis de Atenas,
575-550 a. C.
Kourós de Anavyssos (c 540-515 AC) (Atenas, National
Museum) policromado (pintado) mármol
El Jinete Rampín
Museo Nacional de Atenas
• Estatuaria votiva (figurillas de terracota Descripción de una
o piedra que se depositaban en la KORÉ
tumba a modo de ofrenda), de
pequeñas dimensiones.
Acrópoli
s
Museum
)
LA PLENITUD CLÁSICA
(S. V –IV A.C.)
Poseidón (o Zeus)
del Cabo
Artemision bronce,
ca 460-450 AC
LA TRANSICIÓN AL CLASICISMO
EL CAMINO HACIA LA PERFECCIÓN
EL DISCÓBOLO:
EL MOVIMIENTO.
Policleto: El Doríforo. .
Copia romano de mármol.
Hacia 450-440 A.C.
Altura: 199 cm..
Museo Nacional de Nápoles
POLÍCLETO
(El teórico de la
anatomía humana)
La geometría determina
ciertos criterios en la
representación y
composición de la figura
humana: el pliegue inguinal
(un semicírculo) y el tórax,
son sendos segmentos de
circunferencia cuyo centro
sería el ombligo.
La composición es asimétrica:
el contraposto (ligera
curvatura de la cadera y pierna
izquierda adelantada).
DISPOSICIÓN
Como en todo frontón griego, las figuras son
conceptualmente un relieve, aunque se labran como
esculturas de bulto redondo y están situadas muy al
borde, sujetas por grapas metálicas.
En los frontones, para que todas las esculturas fuesen del mismo tamaño, se
utilizaba una técnica, que era, que a medida que los bordes de los frontones iban
descendiendo, las estatuas, se iban haciendo en distintas posturas (de pie, sedente,
yacente); de manera que, en el centro del frontón se encontraban las estatuas de pie
y hacia los lados se iban encontrando las estatuas con movimiento un poco
inclinadas, sedentes, y yacentes; consiguiendo así que todas las esculturas fuesen
de las mismas medidas.
Artemisa
Kore
Caballos del Dionisos Deméter
carro de Helios
El frontón más importante del Partenón era el frontón oriental; en este frontón se representaba el
nacimiento de Atenea y es el frontón del que más esculturas se encontraron. El nacimiento de
Atenea estaba representado con Atenea saliendo de la cabeza de Zeus; nace ya adulta y con todos
los elementos de batalla de Atenea; también aparecía Niké coronando a Atenea en su nacimiento.
Estas imágenes se encontraban en el centro del frontón; pero ya se han perdido completamente,
aunque podemos observarlo en algunas copias.
Las dificultades para su interpretación, resultan en este caso algo más complejas al no poder
acudir a la ayuda que para el estudio de otras partes del templo, constituyeron los dibujos de
Jacques Carrey, porque cuando los realizó, en 1674, ya faltaban algunas de las figuras
fundamentales en ambos frontones.
Parece deducirse, que el evento
–el nacimiento de Atenea- se
produjo al amanecer, porque
Helios, Ήλιος –el Sol– y Selene,
Σελήνη –la Luna, aparecen en
los extremos con sus respectivas
cuadrigas. Los caballos de
Helios –Άρμα του ήλιου–
emergen por la izquierda,
mientras que los de Selene, se
disponen a sumergirse en el mar
por la derecha.
Faltaba, entre otras cosas, en el centro del frontón, la
secuencia principal, es decir, el Nacimiento de Atenea,
tal como aparece en la recreación de K. Schwerzek No se comprendía muy bien el
que sigue, y que se muestra en el Museo de la hecho de que las figuras de los
Acrópolis de Atenas. dos extremos –las que se
conservan–, miraran hacia los
lados, como si los personajes que
representan fueran ajenos al
prodigio del Nacimiento de
Atenea, habida cuenta de que el
templo estaba dedicado a ella.
Dionysos aparece a la derecha
del emergente caballo de
Helios, como si contemplara
sereno el amanecer. Recostado
sobre un manto, parece todavía
ajeno al evento que se produce
a su espalda: Atenea salía,
armada, de la cabeza de su
padre.
En el Frontón occidental u oeste se escenifica la lucha entre Atenea y Poseidón por dominio y
protección del Ática. Los dioses se les representa enfrentados con sus respectivos tridente y
lanza. Según la mitología Poseidón arremetió con su tridente a la tierra e hizo brotar un gran
chorro de agua que Atenea tapó con su lanza surgiendo un olivo, árbol civilizador y noble, que es
símbolo del Ática. Dicho olivo también simboliza la victoria de Atenea, que dominaba el Ática
por tierra y mar. Este frontón fue muy afectado por la guerra entre venecianos y turcos en el año
1687, el ataque veneciano al almacén de pólvora turco se saldó con la destrucción de 14
columnas del peristilo e incontables figuras de los relieves de los frontones, sobre todo del
occidental, del que sólo se salvaron unas 50 figuras.
RELIEVE DE UNA METOPA DEL PARTENÓN: LA LUCHA DE LOS
LAPHITAS Y LOS CENTAUROS
FRISO INTERIOR
Recorre por fuera la parte alta del muro de la cella,
desarrollando a lo largo de sus cuatro lados el tema de la
procesión de las "grandes Panateneas", festividad celebrada
en honor de la diosa cada 4 años, que culminaba con la entrega
del peplo a Atenea.
Mientras los Frontones nos muestran el origen de Atenea y Atenas, y las metopas simbolizan la
misión civilizadora de la gran Polis de Grecia, el célebre Friso interior (en los muros de la Cella)
representa el gran ideal de ilustración ateniense. Esto es, representa la esencia racional y
ciudadana de la ciudad de Atenas, a través de representación de una procesión ritual celebrada
cada año, la famosa Fiesta de las Panateneas. El Friso interior supone el inicio del jónico, un
estilo procedente de las Polis griegas de Asia Menor, como la propia Jonia, ya que no era propio
de los templos dóricos. Tenía una extensión de 160 metros y un metro de alto (contaba con 376
figuras) y resultaba bastante difícil de ver para el espectador, al estar colocado en la parte alta del
muro. El templo era una ofrenda a Atenea, no estaba pensado para el deleite visual humano.
Como no podía ser de otra forma esta dedicado a una gran fiesta en honor a la diosa, un momento
concreto de la vida ciudadana de Atenas, la fiesta de las Panateneas, que se celebraba del día 28
del mes de Hecatombeon (entre julio y agosto). Su gran momento era la procesión en la que
doncellas llevaban a la diosa el peplo o manto ritual, además de distintas ofrendas y el sacrifico de
cien bueyes.
• Por los cuatro lados del friso se representa el cortejo
procesional de las fiestas, es decir, una escena real
protagonizada por la sociedad ateniense, aunque bastante
alejada del "relieve histórico" romano.
• Los grupos de la procesión representan: secciones
de jinetes
• conductores de víctimas para el sacrificio
• carros de apóbatas (participantes en unos juegos de
vieja tradición), cortejo a pie con thallophoroi
(ancianos portadores de ramas), músicos, etc...
• En el lado este se
acercan al lugar
sagrado las jóvenes
atenienses ataviadas
con peplos y los
representantes
jerárquicos, grupo que
participa en la ofrenda
del peplo ante la cella
del templo de Atenea.
• En el centro contemplan la escena dioses y héroes
desde la esfera olímpica, sin que su presencia
resulte advertida por los humanos.
• Como el relieve tiene alrededor de 5 cm. de fondo y
resulta más bien plano, los inconvenientes derivados
de su ubicación (zona más alta y peor iluminada del
templo) se paliaron y contrarrestaron dando a los
bloques de mármol una ligera inclinación hacia
afuera por la cara anterior, para que al relieve le
llegara la luz desde abajo.
Estela funeraria
Museo de Atenas
EL CLASICISMO (mediados del s. IV a de C.)
TARDÍO
• Superado el momento de plenitud
del clasicismo, se produce una
tendencia a la barroquización
de las formas escultóricas, a la
estilización de los cánones, y la
pérdida de la férrea ortodoxia
del absoluto equilibrio,
armonía y proporción.
Lisipo: Apoxiomenos
Hacia 320 A.C.
Mármol. Altura 205 cm.
Copia romana Museo
Pio Clementino,
Ciudad del Vaticano
"El Apolo Sauróctono" (340 a. Cto), copia
romana en mármol del original. Mide 1,83
mt. de altura. Trata la anatomía de forma
suave y natural, con menos rigidez que los
autores del siglo V a. Cto, así como el
rostro al que da mayor expresividad, y el
cabello que está mucho más trabajado.
Libera una de las piernas del peso u lo
traslada a la otra, normalmente la pierna
izquierda, creando así una curvatura de
cadera que curiosamente va en sentido
contrario a la pierna sobre la que descansa
el peso, es lo que se llama la Curva
Praxiteliana. Al realizar este juego de
contrapesos, necesita un punto de apoyo
extra, para ello coloca un tronco de árbol, al
igual que hará en otras esculturas. Sus
temas más recurridos fueron las divinidades
juveniles (Eros, Afrodita, Artemisa, Hermes,
etc.) y los sátiros. En la imagen un Apolo de
rostro juvenil en una actitud ensimismada
que lo aleja del espectador.
"El Sátiro en Reposo", fue muy copiado en época
romana para decorar los jardines de las villas. Tiene el
tratamiento anatómico más suave.
"Sátiro escanciador"
"Diana de Gabies". (original del 400
a.C. Foto: Museo del Louvre / Daniel
Lebée y Carine Deambrosis).
Praxíteles empleó el mármol en lugar
del bronce utilizado por la mayoría
de los escultores de la época. Dos
tercios de sus creaciones son piezas
de ese material, que dominaba a la
perfección. En esta representación
de Artemisa podemos ver el realismo
en el tratamiento de los pliegos y la
delicadeza con que Praxíteles
dotaba a sus figuras
"Afrodita de Tespias" (Venus de
Arles) (Foto: RMN / H. Lewandoski). Copia
romana (original del 379 a.C., atribuido a
Praxíteles). Esta representación de la
deidad del amor, encontrada sin brazos en
1651 en el teatro romano de Arles, se ha
atribuido a Praxíteles por el parecido que
guarda con el rostro de la ’Afrodita de
Cnido’. La estatua semidesnuda se ha
interpretado como el paso previo a la
desnudez de la Afrodita, que marca un hito
en la representación del ideal del cuerpo
femenino.
LISIPO (s. V-IV a. Cto.)
Junto con Scopas y Praxíteles se le
considera escultor del segundo clasicismo,
ya enlazando con el arte Helenístico.
Estatua de mármol
Kunstsammlungen
Dresden: Ménade
furiosa (copia
romana).
350-340 A.C
"Meleagro y el jabalí de Calidón"
(Museo Pio-Clementino, Roma).
Mármol, copia romana de la época
imperial, según un original griego del
siglo IV adC, posiblemente de
Escopas.
"Pothos" (Museo Louvre,
París), dios de la añoranza,
el anhelo y el deseo.
Mármol, copia romana del
siglo I según un original
griego del siglo IV adC de
Escopas que estaba en el
templo de Afrodita en
Megara.
"Estatua de Pothos" (Col.
Albani, Palazzo Nuovo),
restaurada como Apolo
kitharoidos (tocador de
cítara). Mármol, copia
romana de un original griego
de Escopas, hacia 400 ad
C.
"La Ménade y el cervatillo"
Decoración del "Mausoleo de Halicarnaso": "Amazonomaquia", en ella trabaja con tres
escultores atenienses llamados Timoteo, Briaxis (escultor de divinidades como "Serapis") y
Leocares (otras obras: "Rapto de Ganimedes" y "Apolo Belvedere"). Otras temáticas fueron
realizadas por Hectóridas y Timoteo (otra obra: "Leda y el cisne").
LEOCARES
• Tradición clásica y
orientalismo se fundirán
para crear y expresar, a
través del arte, una nueva
concepción de la vida.
Se pierde, además, la
unidad estilística de la
época clásica. Nuevos focos
y escuelas artísticas se
suman a Atenas, como
Rodas, Alejandría o
Pérgamo.
Retrato de Alejandro Magno
EL PHATOS
HELENÍSTICO
Un profundo realismo lo
impregna todo. Se prefiere el
desequilibrio de los cuerpos
retorcidos a las serenas
superficies clásicas. El
dramatismo de las expresiones
a los rostros tranquilos. La
fealdad, a veces monstruosa, a
la belleza clásica. Predominan
las obras barrocas,
caracterizadas por un intenso
movimiento y tensión, aunque
algunos artistas repiten y
conservan los ideales clásicos.
LOS TEMAS DE LA
ESCULTURA
La variedad temática
desborda los asuntos
tradicionales de la
estatuaria anterior
(dioses, atletas, héroes,
etc.).
La divinidad aparece
humanizada. No
obstante, las afroditas
helenísticas carecen,
sin embargo, del tono
majestuoso de la de
Milo, presentándonos a
la diosa en las más
variadas actitudes.
VENUS DE MILO
MÁRMOL
2.02 m. de altura
Atribuida a
Agessandro o
Alexandro
Museo del
Louvre ( 150
-100 a. C.)
• La Venus de Milo presenta
la grandiosidad
majestuosa de la que
carecen la mayoría de las
Afroditas helenísticas.
SAMOTRACIA
200 AC.
mármol, 2.4 m de altura,
era originalmente parte de
un monumento más
grande que representó
una proa de barco.
espinario
EL CUERPO HUMANO
• Se mantiene el
profundo interés por la
anatomía que
caracteriza al arte
griego, desde un punto
de vista técnico. La
insistencia en delimitar
cada uno de los
músculos en tensión
produce desnudos de
claroscuro
desconocido en la
escultura griega.
MÁRMOL
175-150 a.C.
altura 2.42 m., Escuela de
Rodas: Agesandro,
Atenidoro y Polidoro,
Museo Vaticano.
EL TEMA
Una serpiente
enviada desde
el mar por la
diosa Atenea
ataca al
sacerdote
troyano
Los elementos formales Los cuerpos se retuercen, los músculos se
exageran, los rostros expresan dolor y
sufrimiento. El movimiento es exagerado de
forma impetuosa, sentido expresivo hasta la
agonía, complicación formal y dinámica.
La verticalidad se rompe totalmente. Nos
hallamos ante un estilo alejado del
clasicismo, que ya no es su modelo. Es un
estilo vigoroso, con fuertes contrates, con
grupos contorsionados y expresiones de
un gran dramatismo y emoción, propio de la
Escuela de Rodas o de Pérgamo.
Se expresa la violencia y el desequilibrio
que caracteriza ya al helenismo tardío.
El grupo fue concebido para ser
contemplado
de frente. Los tres escultores que intervienen
en la ejecución del grupo, contrarrestaron la
tremenda convulsión de los músculos de
Laoconte con el mayor clasicismo de las
anatomías de sus hijos, que están concebidos
en un menor tamaño, lo que acentúa el
desequilibrio y dinamismo compositivo.
Es una obra de gran barroquismo que ejerció
una poderosa influencia tras su
descubrimiento en 1506, sobre todo en
detalles
Toro Farnesio (Copia
romana del bronce
original) fecha: 130
a.C. Autor: Apolonio
de Tralles
Museo: Museo
Arqueológico de Náp
ole
Caracteristicas:
Mármol
370 cm. altura
• Como punto de partida del monumentalismo barroco, sin duda
habría que colocar un gran grupo que representa el Suplicio de
Dirce; esta obra, de hacia 130 a. C., fue la más apreciada en la
antigüedad de cuantas realizaron Apolonio y Taurisco de Tralles,
dos escultores formados por Menécrates de Rodas -acaso uno de
los que firmaron en el Altar de Pérgamo-, y pertenecientes por tanto
a la escuela de dicha isla. Conocemos el grupo a través de esta
versión tardía y terriblemente restaurada que es el Toro Farnesio
del Museo de Nápoles. Pese a sus infidelidades y añadidos,
podemos sentir a través de esta obra la aportación básica del
original: se trata de un grupo dinámico, perfectamente
tridimensional, y asentado en una base paisajística. Apolonio y
Taurisco lograron un indudable efecto expresivo, y ello a pesar de
partir de elementos tan diversos como el realismo de los animales,
las actitudes rígidas de los jóvenes, y esa compleja torsión en
espiral de la figura de Dirce, verdadera síntesis del drama. El
Presidente de Brosses escribió en el siglo XVIII sobre esta
espectacular obra: "Aquí la acción, las expresiones, las actitudes,
son de gran fogosidad y de un gran estilo griego; la ejecución tiene,
por lo demás, algo de rudeza y de grosería que desagrada. Si se la
coloca en la primera clase de las esculturas antiguas es más bien por
el tamaño de la obra y por su ejecución prodigiosa que por cualquier
otra razón".
Epígono (?), de la Escuela de PÉRGAMO
“Galo moribundo”
El galo se está desangrando
de la herida mortal que
tiene abierta en el pecho e
intenta levantarse. Hay un
evidente interés por
describir las características
raciales de los galos, que
eran altos, de espesa
cabellera y fuertes
músculos, diferentes en su
aspecto físico a los
mediterráneos.
Se trata de una obra
conmemorativa de las
victorias del rey de
Pérgamo sobre los galos.
Altar de Zeus en Pérgamo,
180 a.C.
Autor: Anónimo Museo:
Staatliche
Schlösser
und Gärten Berlin Material:
mármol Estilo:
Hellenístico