Аранжировка барабанных партий от Chi1i

Тема, о которой все мы так или иначе задумываемся, но редко о ней говорим вслух —
аранжировка партий барабанов. Слово «arrangement» переводится с английского так: устройство,
приведение в порядок, расположение, классификация, композиция, систематизация, порядок и
форма изложения. Это понятие имеет весьма объемный смысл и включает в себя много аспектов.
Итак, зачем она нужна?

Например, автор хочет стать общепризнанной звездой. Для этого ему необходим трек, который
станет хитом. Зачастую композиторы действуют таким образом, что пишут мелодию голоса, текст,
гармонию, которую наигрывают на фортепиано или на гитаре, потом поют под этот
аккомпанемент и записывают. Собственно, это и есть первозданный вид песни. Но даже самый
гениальный хит в таком виде не будет отвечать требованиям музыкального формата теле и радио
эфиров. Это пока ещё даже не демо, которое можно представить исполнителям, продюсерам или
лейблу. Для того, чтоб распознать потенциал песни, необходимо исполнение данного
произведения группой, оркестром, пачкой электронных звуков или цифровых инструментов.
Здесь и приходит на помощь аранжировщик.

Аранжировщик музыки (англ. arranger) — музыкант, обладающий композиторскими навыками,

который обрамляет мелодию в музыкальную форму, сочиняет партии для музыкальных
инструментов, и вокального сопровождения (вокальной группы, бэк вокала).

Первостепенная задача аранжировщика – создание продукта, отвечающего требованиям

стандарта евроформата.

Конечно, зачастую композиторы самостоятельно аранжируют свои произведения с целью как

можно точнее реализовать задуманную идею и передать эмоции.

В современном мире аранжировщик должен обладать следующими профессиональными

навыками:

- музыкальная грамота;

- композиция;

- владение несколькими музыкальными инструментами;

- знание программного обеспечения;

- умение работать с музыкальной техникой;

- глубокое изучение потребностей существующего музыкального рынка.

В принципе, со времён Элвиса ничего не изменилось, кроме того, что теперь ещё и нужны знания
компьютера и необходимых музыкальных программ. Работа аранжировщика не менее
творческая, чем работа автора. Аранжировщик должен быть в первую очередь композитором с
очень тонким ощущением приоритетов и симпатий автора, а также знанием потребностей
современного музыкального рынка.

Аранжировка включает в себя ряд основополагающих моментов.

1. Доработка мелодии (подбор темпа, стиля, размера и тембра). Часто аранжировка предполагает
изменение основной музыкальной идеи. Готовый вариант аранжировки мало совпадает по
звучанию с тем исходником, что был до него, но все же это не новая мелодия, поскольку сохранен
стиль, музыкальный образ, мысль автора.

2. Работа по оформлению какого-либо изначального мотива, данного в виде партии фортепиано

или гитары, в полноценное музыкальное произведение. В таком случае аранжировка имеет много
общего с композиторством, поскольку человеку, который ею занимается, приходится писать
самому партии музыкальных инструментов и дорабатывать мелодию. Именно поэтому я всегда
настаивал на том, чтоб аранжировщиков включали в список соавторов песен. О различных
вариантах одной и той же песни говорят, как о разных ее аранжировках, и это по сути правильно –
во всех вариантах сохранена основная мысль и меняется лишь ее оформление. Но помните, от
аранжировки будет зависеть, насколько ярко и выразительно прозвучит та мелодия, которую
автор хотел бы донести до слушателя.

3. Правильная расстановка акцентов в музыкальной фразе.

Аранжировка необходима для музыки в любом стиле, потому что качественное музыкальное
оформление песни – это большой шаг к ее успешности. Стоит помнить, что у каждой группы, у
каждого исполнителя есть свое особое звучание, которое является как бы его «визитной
карточкой». Исполнитель или группа работают с определенными инструментами, их творчество
обладает определенным тембром и только им присущим ритмом. Всё это и дает в совокупности
узнаваемость и свой стиль. И одну из важнейших ролей в его создании играет именно
аранжировка.
Об аранжировке написано много книг и статей, которые вы легко найдёте в Интернете или на
прилавках книжных магазинов. Как я уже говорил, аранжировка является очень объёмным
понятием. Аранжировщик должен разбираться в стилях и направлениях музыки, т.к. каждый из
них имеет отличия от других, свои частотные и технические ограничения. Я же хочу поговорить об
аранжировке партий барабанной установки.

Основой ко всему является басовый барабан. Это та основа, которая вместе с бас-гитарой создаёт
фундамент для любой песни. В большинстве случаев басовый барабан либо полностью дублирует
партию бас-гитары, либо играет акценты партии баса, чтоб не создавать нагромождённости (в
роке, например, бас-гитарист часто играет поток из 8-х нот, при этом барабанщик играет только
четвертные ноты). Также часто можно услышать пачку, состоящую из гитары, баса и басового
барабана, играющую одинаковый рифф.

В популярной и рок музыке малый барабан играет бэкбит, т.е. 2-ю и 4-ю долю каждого такта в
размере 4 четверти. Это основная черта этих стилей. Бэкбит создаёт то самое движение вперёд,
заставляющее людей на танцполе двигаться.

Хай-хэт создаёт пульсацию и движение. И вместе с басовым и малым барабаном создаёт

основной beat.

Термин «ride» применяют для обозначения как роли тарелки в партии ударных, так и типа самой
тарелки. Многие производители тарелок изготавливают не только тарелки типа ride, но и типа
ride/crash или crash/ride. В то же время ride-партию, то есть ритмическую канву, часто играют на
тарелках других типов — china, crash, trash и т.д. С другой стороны, ничто не мешает использовать
тарелку типа ride как crash, то есть сыграть на ней акцент, как это особенно часто делал Кейт Мун.

Тарелка Crash служит для подчёркивания акцентов громким, мощным, но относительно коротким
звуком для акцентировки отдельных частей песни. Также на крэшах исполняют тремоло, часто в
качестве «финального аккорда» композиции.

Тарелка China издает громкий, резкий, несколько грязный звук, который используется для
создания особенно мощных акцентов, стаккато. Тарелка часто используется и для райд-партии.

Тарелка Splash используется исключительно для расстановки акцентов и синкоп. И это объяснимо
тем, что на первых долях forte splash явно неуместен, так как не обладает достаточной мощью
звучания.

Томы в большинстве случаев используются для брейков, т.е. фигур-заполнений, которые создают
переходы в песне. Также используются для игры заполнений в ритме, а-ля перкуссия. В
латиноамериканских стилях являются неотъемлимой частью ритмического рисунка и его основой.
Наиболее важные аспекты удачной аранжировки – это особенности звучания различных
компонентов ударной установки, правильный подбор ритма и темпа всей композиции, верное
решения для выбора тембра инструмента. А теперь по порядку.

Например, шипящая сустейном тарелка ride не подходит джазу, т.к. в быстрых бибопах она просто
издаст непрекращающийся шум, а не чёткие восьмые. Но зато она хорошо клеится к рок музыке,
где гораздо меньше нот и чаще используется цоколь, а не широкая плоскость тарелки. Для того же
бибопа лучше использовать маленький басовый барабан, минимально заглушённый изнутри. В
таком случае он будет звучать, как это свойственно для классики жанра, и, конечно же, он просто
будет прослушиваться сквозь низкие частоты контрабаса. Малый барабан в джазе
преимущественно сухой, с хорошо натянутыми пружинами, что позволяет ноте звучать коротко,
без сустейна. Как и в случае с тарелкой райд, на малом играется много нот в виде заполнений, а
темпы зачастую высокие, поэтому нужно, чтоб всё это чётко прослушивалось. Сустейн больше
свойственен музыке, в которой функция малого барабана больше заключается в игре бэкбита (поп
и рок). Томы в джазе обычно звучат выше, чем в других стилях, но тут, мне кажется, вопрос
техники, т.к. джазовым барабанщикам свойственно играть вещи на томах, требующие отскока.

Попробуйте следующий эксперимент. Расценивайте каждый компонент установки как отдельный

инструмент. Например, хай-хэт будет гитарой, басовый барабан – басом, малый пусть играет
бэкбит, тарелки давайте расценивать как духовые инструменты, которые либо акцентируют, либо
расстягивают ноты. А томам присвоим роль небольшого рисунка фортепиано. Я предлагаю это
лишь в качестве эксперимента, а не какой-то аксиомы. Теперь попробуйте что-нибудь сыграть,
имея в виду вышеописанный метод. Можно взять какое-нибудь несложное произведение, в
основу которого входят перечисленные группы интрументов и сыграть его. Если сложно,
распишите сперва это произведение. Это поможет вам воспринимать барабаны как целый
ансамбль.

Всегда помните о том, что вы исполняете песню, а не просто играете на барабанах. Важнейшим
моментом является донесение музыки до слушателей и сохранение единства участников
ансамбля, а не демонстрация ваших личных умений, ведь вы играете музыку, а не пьесу для
барабанов с оркестром.

Для того, что ваша партия звучала музыкально, нужно иметь представление, из каких частей
состоит песня. Зачастую используется 2 незначительно отличающихся друг от друга рисунка — в
куплете один, в припеве другой. Порой в самом рисунке нет изменений, они отличаются
исключительно динамически. Например, в куплете хай-хэт закрыт, а на припеве приоткрыт, или
же партия хэта переносится на тарелку райд или чайну.
Шаффлованность восьмых и шестнадцатых. Это тоже может не хило помочь раскачать песню.
Попробуйте исполнить бит и ровными восьмыми, и шаффлованными. И выберете, кажущийся
оптимальным вариант.

В основу всего всегда ложится трио «хэт-малый-бочка». Они создают основное движение в песне
и её пульсацию. Особенно, учитывая широчайшие возможности хай-хэта и малого барабана, в
этом даже не стоит сомневаться, что этого более, чем достаточно. Однако давайте посмотрим в
сторону мелодии.

Давайте поэксперементируем. Попробуйте продублировать мелодию песни барабанами. Сперва

на тройке «хэт-малый-бочка», а затем на всей установке. Не думайте пока о бите. Просто играйте
по тем компонентам, которые, как вам кажется, тембрально лучше всего передают мелодию. А
теперь добавьте бит, и все эти заполнения играйте поверх бита. Партия получится весьма
загромождённая, хотя барабанщики, играющие погрессивный рок, часто используют нечто
подобное в песнях. Теперь, во избежание нагромождённости, продолжайте играть бит, но из
вашего обыгрывания оставьте определённые удары, подчёркивающие важные акценты в партиях
других иструментов. Например, открывающийся хэт вместе с акцентом на гитаре. Или парочку
восьмых на томах, играющих в унисон с басом. Поэксперементируйте над этим. Послушайте такие
треки, как «Take Five». Джо Морелло дублирует мелодическую линию, но не загромождает
партию, давая музыке дышать. Или «Хамелеон» Херби Хенкока. Харви Мейсон играет четвёртую
шестнадцатую ноту первой доли на малом, подчёркивая ноту баса в этом же месте, и звучит это
просто потрясающе.

Другая сторона медали, если музыка строится вокруг партии ударных или ударные имеют
лидирующую роль в песне. Пример – «6.00» группы “Dream Theater”, где уже музыканты
обыгрывают блестящую мелодическую фигуру, играемую на барабанах.

И третий вариант, это когда вся песня основана на партии ударных. В таком случае барабаны
служат основным мелодическим инструментом. Пример — “They Don’t Care About Us” Майкла
Джексона.

Если же возможности вашей установки велики, то послушайте таких барабанщиков, как Акилес
Пристер, Майк Манджини или Майк Портной – они мастера оркестровки роковых партий.

Оркестровывая партию, подумайте, что лучше будет звучать по отношению к данной песне.
Например, может в данной песне лучше вести не в хет, а в райд, подчёркивая только вторую
восьмую каждой доли, играя ногой на хете на «и»? Может, гораздо лучше будет звучать форшлаг
на томах на «и» четвёртой доли, а не просто удар басового барабана?
Ещё хороший пример оркестровки это заполнения. Заполнение, например, того пространства,
которое не занято басовым барабаном вместе с басом. Заполнить можно гоуст-нотами на малом
или хете, или томах. Можно играть, а-ля перкуссионист, т.е. достаточно насыщенно играть
заполнения на томах. Но в таком случае лучше хорошо ознакомиться с тем, что обычно играют
перкуссионисты, чтоб понимать, как это делается. Послушайте Дейва Векла. Он мастер любых
заполнений.

Как придумать узнаваемую партию?

Нет никакого универсального рецепта для этого. Мне кажется, важно эксперементоровать и
слушать много хорошей музыки. Именно мелодичность делает партию узнаваемой и
запоминающейся. Понятность, простота, что важно для восприятия, она не должна быть шумом.
Хорошо, если её легко напеть, воспроизвести. Вот здесь и важно, чтоб она не была сложной и
нагромождённой. Она должна быть тембрально приятной, без режущих ухо высоких частот или
слабопрослушиваемых низких.

Ну, а теперь, думаю, стоит ознакомиться с некоторыми мега узнаваемыми партиями, которые
лично я считаю революционными в музыке 20-го века. ПРИСТУПАЕМ К ВИДЕО СТАТЬЕ «ТОП 30
САМЫХ УЗНАВАЕМЫХ РИСУНКОВ»,