가정극, 홈드라마

국내 드라마는 르네상스 이후의 시대를 일반적으로 언급하면서 특정 사회에서 중하류층의 현실적인 일상을 표현하고 집중한다. 《영어통신강좌》에 따르면, 국내 드라마는 "차커들의 친밀한 관계와 그들의 삶에서 펼쳐지는 사건들에 대한 반응"을 강조하는 극적인 이야기를 말한다. 등장인물, 그들의 삶, 그리고 쇼 안에서 일어나는 사건들은 보통 '보통' 사건, 삶, 캐릭터로 분류되지만, 이것은 국내 드라마가 나타낼 수 있는 범위를 제한하지는 않는다. 그러나 국내 드라마는 "빈곤, 질병, 범죄, 가정불화 등 일상적 문제와 씨름하는 사회의 하층계급과 중산층으로부터 빼앗긴 우리 같은 사람들을 걱정하게 한다"는 접근법을 취하고 있다.

뿌리.

가정은 라틴어 서식지, 즉 집에서 유래되었다. 가정이라는 단어는 "가정의 또는 가구와 관련된 것"으로 정의된다. 드라마는 "특히 진지한 이야기를 들려주는 산문이나 구절, 즉 배우들이 등장인물을 사칭하고 대화와 액션을 수행함으로써 표현하고자 하는 것"이라는 정의를 받는데, 그리스어 drao에서 유래한 것으로, 행동이나 행동을 목적으로 한 것이다. 가정과 드라마의 결합은 "가정에 관한 진지한 이야기"를 문자 그대로 번역하는 것을 제공하는데, 이는 분명히 영어 통신 강의록이 제공하는 주어진 정의와 동의어인 것이다.

개발과 역사

드라마 작품들은 거의 항상 기본적인 줄거리 안에 국내 드라마에 대한 감각을 담고 있다.^[1] 그리스 드라마 초기에도 서민 생활에 대한 서민의 고군분투(이것은 서민을 방해하는 그리스 신들의 결합과 서민들의 '신성' 속성이 가능해져 국내 드라마로 분류할 수는 없지만)가 있었다. 중세 극장은 그들의 공연에서 종교적 주제를 기적으로 표현하고 도덕 연극을 창조하는 경향이 있었는데, 이 연극들은 종교적인 우화로 사용되었다. 아직 평범한 삶을 강조하지는 않았지만 국내 드라마의 필수 요소 중 하나인 좀 더 현실적인 줄거리를 향해 드라마틱한 작품들의 발전이 서서히 진행되고 있다. 르네상스 극장은 루스틱스의 관계를 가리키는 드라마인 목회극의 등장을 기념한다. 이것이 '평범한 사람들'의 사건들을 묘사하고 있지만, 쇼는 리얼리즘을 과장하는 경향이 있었고, 주로 루스틱의 로맨틱한 관계에 초점을 맞추었으며, 연극의 코믹한 면에 중점을 두고 꾸며졌다. 목회극은 전통적인 희극이나 비극보다 더 성공적이라고 여겨져 국내 드라마로 더욱 발전하게 되었다.

17세기 후반의 드라마는 상류층의 희극적 관계에 초점을 맞춘 신고전주의 코미디로 구성되었다. 이 시대는 또한 '복고극'으로 구성되어 있으며, 공연 내에서의 시적 언어, '감각적 사건, 서사시적 인물'의 활용에 중점을 두었다. 이런 스타일의 쇼는 중하층과는 반대로 상류층의 관계에 초점을 맞추고 있기 때문에 국내 드라마로 여겨지지 않는다. 이것은 줄거리가 점점 현실화되고 등장인물들의 관계와 서로에 대한 행동들이 중심이 되면서 국내 드라마로 더욱 발전한다.

18세기는 평범한 사람들의 문제에 초점을 맞추기 시작하면서 국내 드라마의 도래다. 18세기 초 극작가들은 "감성적인 부르주아 리얼리즘을 향한 경향"을 표현하기 위해 국내 드라마를 이용했다. 이 새로운 국내 드라마들은 또한 꽤 세련된 성격의 코미디와 중산층의 도덕성을 결합시켰다. 이러한 초기의 국내 드라마는 모든 종류의 예술이 낭만주의 시대의 일부로 분류된다.

19세기 드라마는 리얼리즘을 드라마에 접목시키는 완전한 단계를 밟았고, 따라서 더욱 진지하고 철학적인 드라마가 되었다. 인물과 설정은 점차 현 사회의 현실적인 진리로 발전했다. 현실주의와 함께 자연주의는 다음과 같다. "삶의 더 지저분하고 비관적인 측면을 강조하는 현실주의" 현실주의와 자연주의가 결합한 이러한 움직임은 '슬라이스 오브 라이프(slice of life)'에 자리를 내준 것으로 국내 드라마와 공통적으로 동의어임을 보여준다. 이 시대의 뛰어난 극작가는 노르웨이의 헨리크 입센이다. 그의 쇼에서 자주 리얼리즘을 사용한 것은 "19세기의 현실적인 움직임을 절정에 달하게 만들었고 20세기 상징주의의 가교 역할을 했다"^[2]고 말했다. 입센은 자신의 복잡한 줄거리를 다루는 중산층 캐릭터를 사용했고, 당대의 다른 작품들을 "허락했다"고 했다. 입센과 같은 극작가들은 국내 드라마에 많은 관심을 가져왔고, 이 방법을 현대 연극 작품에서 그 높은 위상을 갖게 했다.

20세기는 국내 드라마의 제작에 상징성을 도입하여 궁극적으로 국내 드라마 내에서 변화를 일으켰다. 20세기 초의 쇼는 "작은 풍경, 전신 대화, 말하는 기계, 그리고 개인보다는 유형으로 묘사된 캐릭터"^[3]와 같은 심리적인 장치들을 통합했다. 국내 드라마는 갑자기 자연주의, 표현주의, 상징주의, 그리고 흔히 사용되는 심리학의 결합이 되었다. 국내 드라마의 분류는 쇼가 새로운 아이디어에 도전하고 쇼의 환상과 현실성을 판별하는 데 어려움을 겪으면서 불분명해졌다.

현대 드라마는 대개 심리, 사회, 정무를 중심으로 전개되는데, 모두 국내 드라마에 뿌리를 두고 있는 것 같다. 현대 작품들은 또한 "간결한 목소리와 비전, 적나라한 설정, 여분의 대화에서의 엄격한 언어, 의미 있는 침묵, 강력한 위협의 투영, 실제 또는 암묵적인 폭력의 분출"^[4]과 같은 해석적 사상을 사용한다. 극작품의 식기들은 크게 확대되었지만, 모든 것이 여전히 국내 드라마의 뿌리를 지니고 있다. 국내 드라마는 또한 시민권, 페미니즘, 그리고 현재의 정치 사회학적 논쟁과 같은 사회와 시사하는 시사점을 담고 있다. 현재 국내 드라마 자체는 '집중 전쟁' 스타일의 연극을 표현하는 경향이 있는 반면, 20세기 국내 드라마는 실험극장이나 상징극장으로 분류될 수 있다.

청중 호소력

국내 드라마는 대부분의 관객이 국내 드라마 내의 사건과 연관될 수 있기 때문에 관객들에게 어필하는 경향이 있다. 관객들은 공감, 유머, 긴장감, 문제 해결의 네 가지 방법으로 이러한 스타일의 드라마에 호소한다. 이 그룹은 국내 드라마가 '보통' 사람들에게 흔한 사건을 다루고 있기 때문에 당면한 국내 드라마에 공감할 수 있다. 많은 극작가들이 제안된 쇼의 표현을 조작하기 위해 관객들의 공감을 이용한다. 데이비드 윌리엄슨의 '찬란한 거짓말'은 '국내 유닛 격투'를 이용해 관객들이 이 문제에 직면하면서 공감을 자아낸다. 유머는 보통 심각한 문제들과 접촉하기 때문에 국내 드라마 내에서 오락적 가치를 제공한다. 쇼의 오락적 가치는 관객들의 흥미를 유지하기 위해 사람들이 계속해서 진지한 사건들의 회전을 할 필요 없이 계속 참여하도록 한다. 서스펜스는 관객들이 등장인물들의 상황과 배경의 사생활에 빠져들면서 "극적인 아이러니"를 제공한다. 서스펜스는 국내 드라마에서 관객들이 이 쇼의 캐릭터들과 반응하기 위해 사용된다. 이 "관객들은 특권을 느끼고 따라서 전개되는 드라마에 관여하게 될 것"이다. 모든 쇼에서와 같이, 관객들은 쇼 내의 갈등에 대한 해결책을 기대한다. 국내 드라마는 극의 절정에 도달하고자 하는 관객들의 마음을 사로잡고 있다. 국내 드라마는 현대 연속극의 스타일과 매우 유사한 기법을 사용한다.

텍스트

국내 드라마의 본문은 주제, 구조, 언어라는 장르에 머물기 위해 구체적인 가이드라인을 따른다. 이 가이드라인에서 지나치게 벗어나 국내 드라마로 분류하는 것은 문제가 된다. 국내 드라마의 소재는 '보통' 사람들의 소재임에 틀림없다. 관객(일반적으로 '보통')은 국내 드라마의 등장인물들과 연결될 필요가 있으며, 줄거리는 '전통적인 가족, 도시적인 가족 단위, 또는 가정 가정 가정'의 다음의 '국내 영역'이 되어야 한다. 국내 드라마의 소재는 직장에서의 관계에도 적용될 수 있는데, 이는 '보통' 사람들의 '보통' 사건과 관련이 있기 때문이다. 관심의 대상은 빈곤에서부터 가정불화, 민권, 경제적 부당성에 이르기까지 매우 광범위할 수 있다. 국내 드라마의 소재와의 관객 관계 때문에 대부분의 국내 드라마는 관객들이 프로그램의 문화에 가장 친숙하기 때문에 줄거리가 직접적인 사회에서 가장 성공적이다. 국내 드라마는 상당히 직선적인 구조를 따르고 있으며, 일반적으로 가부장적인 모습을 가족의 대표로서 가지고 있다. 이 가부장적인 모습은 쇼의 대상자들의 일상성에 대한 지침을 제공한다. 가부장적 인물과의 대립도 국내 드라마 내에서는 흔한 구조다. 국내 드라마에서 사용되는 언어는 일반적으로 쇼의 '일반적인' 주제와 연관되어 쇼의 "실제적인 인상"을 관객들에게 강화한다. 특정 언어의 사용은 언어가 "완벽한 개인적인 의사소통 방식"이기 때문에 특정 시청자들이 국내 드라마의 주제와 더욱 연결될 수 있게 한다.

사회표현

극장은 특정 시대의 인도주의적 사무를 대중적으로 표현하는 데 흔히 사용되어 왔다. 17세기부터 19세기까지 드라마는 카스트와 궁정제도의 이상을 표현했는데, 높은 곳에 고귀함이 있고 낮은 곳에 녹이 슬었다. 이 표현은 대중들에게 이 제도가 어떻게 그들 사회에서 작동하는지 보고 이해하기 위해 자리를 양보했다. 어떤 사람들은 극장이 이런 식으로 사용될 때 사회를 형성하는 데 매우 중요한 역할을 했다고 말할지도 모른다. 19세기는 드라마 속 중산층의 중요성을 유도하고 부르주아적 역할과 귀족적 오락의 활용을 소개했다. 이러한 쇼들, 특히 국내 드라마로 이어지는 쇼들에는 특정 시대의 정치적 측면들이 불가피하게 존재했다. 극장은 사회의 부도덕한 행위에 대해 "좋은[사회적으로] 입장"의 성격을 지녔다고 여겨졌는데, 이는 보통 특정 행동 강령에 대한 일종의 침해다. 극장은 한 사회에서 특정 생활양식의 옳고 그름을 설명하는 방법이었는데, 특히 등장인물이 '보통'인 사람들이어서 관객들이 등장인물과 공감할 수 있다면 더욱 그러했다. 현대극은 연극의 이러한 측면을 변화시켰는데, 그것은 사회의 어느 한 계층을 지향하는 것이 아니라, 오히려 이들 계층 내의 예술적 측면의 협업을 지향하는 것이었기 때문이다. 이런 조합은 국내 드라마가 특정 계층에 어필하면서 국내 드라마에 많은 어려움을 초래했다.

원천

1. 매디 리처드와 애나 포워드의 국내 드라마
2. 브리태니커 백과사전 (2007년)

외부 링크

• 국내 드라마 평론