장 델빌

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장 델빌
장 델빌은 1896년 오피에 아우슈 엔퍼스 앞에 있는 그의 스튜디오에 있다.
태어난	장 리베르트 (1867-01-19)1867년 1월 19일 루뱅, 벨기에
죽은	1953년 1월 19일 (1953-01-19) (86세) 벨기에 브뤼셀
국적	벨기에 사람
교육	브뤼셀의 Ecole des Beau-Arts
로 알려져 있다.	그림, 시, 수필가, 교수
주목할 만한 작품	트리스탄 외 이설트, (1887) Le Cycle passionnel(1890; 파괴) La 상징화 de la chair et de l'esprit (1890) L'Idole de la perversité(1891) 미스테리오사 초상화 드 엠므 스튜어트 메릴 (1892) 라 모르트 오르페 (1893년) L'Ange des spendleurs (1894) 레 트레소르 드 사탄 (1895) 롤 드 플라톤 (1898) 옴므디우 (1903) 프로메테 (1907) La Justice a travers les arge (1911–14; 파괴) 레스 힘(1924년) 레 데니에르 아이돌 (1931년) 라루두몽드 (1940년)
스타일	고전 이상주의자
움직임	이상주의 예술(심볼리스트 예술)
배우자	마리 델빌(née Lesseine; 결혼: 1893년 10월 29일)
수상	로마 교황청 (1895년) 은메달: L'Amour des Ames; 세계 박람회, 파리 (1900) 금메달: L'Ecole de Platon; 유니버설 전시회, 밀라노 (1906)
선출된	쥬리 멤버: 벨기에 프릭스 드 로마 (1904) 프리미어 교수: 브뤼셀의 아카데미 미술관 (1907) 총서기: Theosophical Society, 벨기에 섹션 (1911–14) 회원: Commission Royale des Mombuments de Belgque(1919) 장식: 그랜드 오피리에 드 로폴드 (1921년) 회원: L'Academie Royal des science et des letters et des beaux-arts de Belgech (1924년) 사장: 국립미술관(Fédération Nationale des Artistes Peintres et Screteurs de Belgeck)
메모리얼	브뤼셀의 9월 보니어스 거리

장 델빌(Jean Delville, 1867년 1월 19일 ~ 1953년 1월 19일)은 벨기에의 상징주의 화가, 작가, 시인, 극작가, 교사, 테오소포피스트였다. 델빌은 1890년대 동안 예술 분야에서 벨기에 이상주의 운동의 선도적 주창자였다. 그는 일생 동안 예술은 더 높은 영적 진리의 표현이어야 하며, 예술은 이상, 즉 영적 아름다움의 원리에 기초해야 한다는 믿음을 가지고 있었다. 1887년부터 제2차 세계대전이 끝날 때까지 활동하면서(지금은 많이 잃거나 파괴됨) 그의 이상주의 미학을 표현하면서 많은 그림을 그렸다. 델빌은 브뤼셀의 아카데미에 데 보아트 대학에서 훈련을 받았으며 아직 어린 학생일 때 아카데미에서 대부분의 권위 있는 경쟁상을 수상하며 조숙한 학생임을 증명했다. 그는 후에 로마와 피렌체를 여행하고 르네상스 시대의 예술가들의 작품을 직접 공부할 수 있는 벨기에의 프릭스 드 로마를 수상했다. 이탈리아에 있는 동안 그는 유명한 걸작 L'Ecole de Platon(1898)을 만들었는데, 이 작품은 1890년대에 그가 그의 저술, 시, 전시 협회, 특히 살롱 다르트 이데알리스테에서 장려한 그의 이상주의 미학을 시각적으로 요약한 것이다.

특징적으로, 델빌의 그림은 아이디어에 기반을 둔 것으로, 현대의 헤메틱하고 난해한 전통에서 파생된 철학적 이상을 표현하고 있다. 그의 경력 초기에는 그의 난해한 관점이 주로 엘리파스 레비, 에두아르 슈레, 호세핀 펠라단, 생이브 달베이드레의 작품에 영향을 받았으며, 이후 헬레나 블라바츠키와 애니 베상트의 테오소포피컬적 저술에 영향을 받았다. 그의 그림의 주요 밑바탕은 특히 그의 초기 생애 동안, 더 높은 영적 목적을 향한 영혼의 내면의 삶의 시작과 변화와도 관련이 있다. 구체적으로 그들은 이상적인 사랑, 죽음, 변형을 상징할 뿐만 아니라 개시('빛을 가져오는 사람들')의 표현과 물질적 차원 및 형이상학적 차원 간의 관계를 다룬다. 그의 그림과 완성된 그림은 자연에서 끌어낸 정밀하게 관찰된 형태를 통해 표현된 매우 민감한 시각적 상상력의 표현이다. 그는 또한 색채와 구성에도 뛰어난 재능을 가지고 있었고 인체 해부학의 표현에도 뛰어났다. 그의 주요 그림들 중 상당수는 그의 레트레소 드 사탄(1895년), l'옴므-디우(1903년), 레 아메스 착란(1942) 등 복잡한 배열로 얽혀 있고 매우 상세한 해부학적 정확도로 그려진 수십 개의 형상을 나타내고 있다. 그는 놀랍도록 숙련된 드로트맨이자 화가로서 웅대한 규모로 표현력이 뛰어난 작품을 만들 수 있었는데, 그 중 많은 작품은 팔레 드 저스티스를 포함한 브뤼셀의 공공 건물에서 볼 수 있다.

델빌의 예술 스타일은 고전 전통의 영향을 강하게 받는다. 그는 아카데미에서 가르친 고전 연수의 가치를 평생 옹호하는 사람이었다. 그는 이번 연수의 결과로 획득한 규율 자체가 끝이 아니라, 예술가들이 개인의 창조적 성격을 억제하지 않고 자유롭게 개인 예술 스타일을 발전시킬 수 있도록 하는 탄탄한 드로잉과 회화 기법을 습득하는 귀중한 수단이라고 믿었다. 델빌은 존경받는 미술 교사였다. 그는 1900년부터 1906년까지 글래스고 미술대학에서 일했고, 그 후 1937년까지 브뤼셀의 아카데미에 데 보아트 그림 교수로 재직했다.

그는 또한 다작이며 재능 있는 작가였다. 그는 생전에 매우 많은 저널 기사를 썼으며, 그의 시를 포함한 4권의 시뿐만 아니라 스핑크스 (1897년), 레스플렌드 (1922년)를 포함했다. 그는 예술과 난해한 주제에 관한 십여 권의 책과 팜플렛을 저술했다. 그가 출간한 책들 중 가장 중요한 것은 그의 난해한 작품인 '대화'와 '르 크라이스트 레비엔드라'(1913), 그리고 이상주의 예술에 대한 그의 정석적인 작품인 '라 미션 드 라트'(1900) 등이다. 그는 또한 1890년대 동안 라아트 이데알리스테와 라 루미에르를 포함한 자신의 이상주의 미학을 홍보하는 여러 개의 현대적인 저널과 신문을 만들고 편집했다.

델빌은 에너지 넘치는 예술 기업가로 1890년대 푸르 라트, 살롱 드 라트 아데알리스테, 이후 신칸테네 자전거의 모자이크 등 공공건물의 장식을 담당했던 1920년대 소시에테 드 라트 기념비탈 등 여러 영향력 있는 미술 전시회를 만들었다.브뤼셀의 aire 그는 또한 당시 예술가들에게 저렴한 예술 재료를 제공했던 매우 성공적인 쿠페아티크 예술가를 설립했다.

초기 및 훈련

Delville은 1867년 1월 19일 새벽 2시에 루바인의 도미니카인(Rue des Dominicains in Louvain. 그는 사생아로 노동자 계급의 가정에서 태어났다. 그의 어머니는 성인이 되어 '저널리에르'로 생계를 이어온 운하 노동자의 딸 바베리 리베르트(1833~1905)였다. 델빌은 지역 대학에서 라틴어와 그리스어 강사로 있으면서 부르주아 집안 출신인 아버지 요아힘 티볼을 전혀 알지 못했다. 그는 어머니가 루바인, 빅터 델빌(1840–1918)에서 일하는 관리인과 결혼할 때까지 어머니의 이름을 얻었다. 빅토르는 그때까지 장 리베트로 알려진 진을 입양했다. 그 가족은 1870년 브뤼셀로 이주하여 포르테 드 할 근처의 대로 워털루에 정착했다. 델빌 가족은 이후 세인트 길레스로 이사했고, 델빌은 포트 루 뒤 에콜 코뮈탈레에서 학교를 다니기 시작했다.

Delville은 초기 직업 야망이 닥터가 되는 것이었음에도 불구하고 그림 그리기에 관심을 가졌다. 그는 아직 어린 소년이었을 때 양아버지 프랑수아 델빌에 의해 화가 스티베나르트를 소개받았다. 델빌은 이것이 '내가 처음 본 예술가였고, 어렸을 때 나의 천직을 아직 모르고 있었던 나에게 이것은 매혹적인 경험이었다'^[1]고 회상한다.

12살 때 델빌은 브뤼셀에 있는 유명한 아테네 로얄에 들어갔다. 미술에 대한 그의 관심은 이 무렵에 발전했고 그는 1879년 미디 미술관 루 드 로에 있는 아카데미에 데 보 아트에 저녁 그리기 수업에 등록하는 아버지의 허락을 받았다. 그는 1882년 '아프레스 라 테트 골동품'(클래식 머리 뒤)과 '아프레스 르 토르스 외 피겨'(몸통, 얼굴 뒤)를 그리기 위해 강좌에 들어갔다. 얼마 지나지 않아 그는 아카데미에 풀타임으로 공부하기 위해 아테네 강에서 학업을 포기했다. 1883년, 그는 유명한 교사 장프랑수아 포르탈스(1818–1895)의 지휘 아래 '자연(자연)의 자연(자연)에 등록했다. 포르탈레스는 델빌의 젊음에 반대했지만 입학시험에 뛰어났고 포르탈레스와 조셉 스탤레르트의 밑에서 그림 공부를 무조건 인정받았다. 델빌은 조숙한 재능으로 17세 때 '자연 그리기', '자연 그리기', '자연 그리기', '역사적 구성'(높은 구별), '골동품 그리기', '그림 그리기'^[2] 등 아카데미 주요 상을 많이 수상했다.

예술 경력 1887–1900

1887-1891년 L'Essor

델빌은 1887년부터 1891년까지 l'Essor'라고 불리는 온건한 전시회에서 처음으로 공개적인 맥락에서 전시되었다. 그의 초기 작품들은 대체로 노동자 계급과 컨스탄트 마우니에 의해 영향을 받은 현대 현실주의 양식으로 처형된 농민 생활을 묘사하고 있었다. 1887년에 전시된 델빌의 초기 노력은 현대 언론, 특히 라트 모더네와 저널 드 브룩셀레스에서 주로 호평을 받았다. 비록 그것들이 오래된 기성 작가들의 작품의 다양하고 파생적인 것으로 보여지더라도 말이다. 여기에는 그의 프런티스피스와 레파베(지금의 패배) 등 보들레르의 시에서 영감을 받은 작품들과 그의 주요 작품인 라 테르가 포함되어 있는데, 이 작품들은 세부적인 그림이 아직도 남아 있다.

이듬해 그의 작품은 1888년 L'Essor의 가장 뛰어난 출품작 중 하나로 선정되었다. 이 해는 그가 노동에 종사하는 한 여성을 묘사하는 그의 그림 La Mére로 매우 논란이 많은 그의 연구를 전시한 해였다. 현대의 한 리뷰는 다음과 같이 묘사했다: '자줏빛 시트가 달린 거대한 침대 위에서... 흐트러진 서 있는 여성이 출산으로 인한 고통에 몸을 구부리고 경련적인 움직임을 하면서 그녀의 나체를 드러낸다. 얼굴은 일그러져 있고, 이가 갈리는 것은 저주와 번갈아 가며, 꽉 움켜쥔 손은 겸손의 무의식적인 반사작용 속에서 배 위로 침대 커버를 들어올린다... 가증스러운 비전 ....! 그리고 불쌍한 여자들!' 예술에서는 좀처럼 묘사되지 않는 이 주제는 충격적이고 부르주아적 취향에 반하는 것으로 보였다. 그러나 그것은 생생하고 도발적인 생각을 묘사하는 델빌의 예술의 한 측면을 나타낸다.

1880년대 동안, 델빌의 작품은 사회 현실주의를 지향하는 경향이 있었다. 여기에는 노동자와 농민(소아르와 페이산, 1888)의 모습, 거지와 궁핍의 모습(Asile de nuit, 1885)의 모습, 배고픔(L'Affamé,1887), 그리고 궁극적으로는 죽음의 모습(Le Dernier Sommeil, 1888)이 포함되었다. 여기서 그는 빈곤, 절망, 그리고 절망이라는 주제에 초점을 맞췄다. '르 라스 다엘러 델빌'이라는 제목의 날짜가 없는 그림에서, 불모의 풍경 속에서, 잠들었거나 어쩌면 죽었을지도 모르는, 그의 옆구리에 웅크리고 있는 쓰러진 모습을 그린다. 그러나 1888-9년 동안 그의 예술적 관심사는 보다 비현실적인 방향으로 발전하기 시작했고 그때부터 그의 작품을 지배했던 이상주의를 향해 나아가기 시작했다. 이것은 그의 단편적인 문장에 처음으로 나타나 있다. 1889년 L'Essor에 전시된 Le cycle de la passion (현재는 상실됨) 마지막 작품인 르 사이클 열혈(9×6m)은 이듬해(1890년) 레소르에 전시되었고 단테의 신비극에서 영감을 얻었다. 지옥의 지하 지역을 떠도는 뒤엉킨 인물들의 방대한 구성을 그린다. 그 주제는 그들의 에로틱한 열정에 굴복한 연인에 관한 것이다. 시작의 주요 주제 중 하나는 영적 초월을 달성하기 위해 자신의 낮은 열정을 통제하는 것이다. 이 작품의 그림은 이 사상을 은유적인 형태로 표현하고 있다. 이것은 델빌이 1914년 루바인에 대한 방화 사건으로 슬프게 파괴한 초기 주요 작품이다. 그 중요성에도 불구하고, 그것은 현대 언론에서 큰 열정으로 받아들여지지 않았다.

1880년대 동안 비현실주의 사상에 대한 델빌의 증가하는 관심을 보여주는 또 다른 작품은 그의 더 잘 알려진 트리스탄 외 예술트(Royal Museum of Fine Art, 1887년 브뤼셀, 로얄 미술관)이다. 이 작품은 바그너의 심오한 오페라에서 영감을 얻어 사랑과 죽음의 관계와 두 가지를 통해 성취될 수 있는 초월적 사상을 다루고 있다. 이 작품은 브랜든 콜의 최근 델빌에 관한 책에서 충분히 논의되고 있는 초기 전통과 밀접하게 관련된 주제를 밝힌 초기 작품이다.

1891년 최종 L'Essor 전시회에서 Delville은 비현실주의자, 즉 이상주의자 주제를 다루는 더 중요한 작품을 전시하였다. "La Symbolicization de la chair et de l'ésprit (원문은 분실되었지만, 최근 상세한^[when?] 연구가 경매에 나왔다.) 벌거벗은 여성상이 누드 수컷을 끌고 물을 헤매는 모습을 그린다. 수컷 형상 위로 밝은 빛이 나타나고, 암수의 밑부분에는 짙은 아각 식물들이 둘러싸고 있다. 여기서의 초기 주제는 정신(빛)과 물질(어두운 초목)의 충돌을 묘사한 점에서 자명하다. 수컷은 빛을 향해 갈망하지만 어두운 물 덩어리의 밑바닥을 향해 끌려 내려간다. 이 작품은 영성과 물질주의뿐만 아니라 의식/의식, 빛/어두움 사이의 본질적인 이중성을 확립한다. 델빌의 글에서 그는 이러한 이중성과 화해를 강조하는데, 이 주제는 상징주의 예술과 글의 많은 부분을 지배하고 있으며 낭만주의 화가들 사이에서도 특히 괴테의 글들이 눈에 띄었다. 그 주제는 델빌의 예술에 지배적이다. 그는 다음과 같이 썼다.

'남자는 두 가지 아주 뚜렷한 유행을 지니고 있다. 이 두 가지 경향 중 하나는 육체적인 것으로서, 물론 육체적인 수단으로 그의 보존을 제공해야만 하는데, 그것은 육체를 지탱하고, 육체를 지탱하고, 육체를 지탱하는 임무를 가지고 있어야 한다. 중요하지 않을 뿐만 아니라 설명할 수 없는 또 다른 경향은 물질 너머의 영구적인 열망으로 발생하는 것으로서, 이 세계는 충분하지 않다: 이 '다른 것'은 모든 거리를 극복하거나 오히려 알 수 없는 것이다. 이것은 모든 과학이 불안감에 사로잡혀 저 너머의 세계에 대한 극복하기 어려운 예감 속에서 스스로를 과시하는, 신비로운 세계의 바로 그 문턱이다!'^[3]

L'Art 1892–1895 주입

델빌의 이상주의 미술에 대한 관심이 높아지면서 그는 L'Essor로부터 계승권을 선동하여 Pour L'Art라는 새로운 전시 사회를 시작하게 되었다. L'Essor의 젊은 예술가들 중 많은 이들이 그를 따라왔고, 그로 인해 그 그룹은 해체되었다. Pour L'Art는 당시 브뤼셀에서 유명한 아방가르드 전시회의 하나가 되었다. 당시 대표적인 아방가르드 전시포럼은 레스 XX였다. 레스 XX에 이어 푸어 라트도 국제 아티스트를 초청했는데, 이 중 카를로스 슈와베, 알렉산드르 세온, 차일스 필리거, 얀 베르카데 등 심볼리스트계에서도 유명해졌다. 그들의 첫 전시회는 1892년 11월에 열렸고 전시된 작품들은 인상주의자나 상징주의 사자성어로 실행되었다. 델빌은 그 시대의 핵심 상징인 목이 긴 스핑크스가 불타는 찰리스를 그녀의 손에 쥐어주는 모습을 그린 첫 전시회를 위해 이 포스터를 디자인했다. 그 해 델빌의 주요 작품은 그의 L'Idole de la Perversité로, 이 시대의 주요 이미지 중 하나로 여겨질 수 있다. 그 새 그룹은 그 기간 동안 대체로 긍정적인 언론을 받았다. 이 단체는 파리의 호세핀 펠라단의 살롱 드 라 로즈+크로익스와 밀접하게 연관되어 있었으며, 펠라단은 푸 라트 그룹의 회원들에 의해 당시 브뤼셀에서 강연에 자주 초대되었다.

Pour L'Art 그룹의 두 번째 전시회는 1894년 1월에 열렸다. 그 사회는 또한 당시 널리 인기를 끌게 된 응용 예술, 즉 장식 예술과 아르 누보의 특별한 특징을 포함했다. 태피스트리, 책 바인딩, 철제 작품 등이 그림과 함께 전시되었다. 델빌과 펠라단의 영향력은 15세기 말 플로렌스 미술의 영향을 받은 이상주의 미술 작품들의 우세, 구스타브 모레우, 푸비스 드 샤반네스의 작품, 대규모 인물 작곡 경향에서 뚜렷이 나타났다. 그 쇼는 언론의 열렬한 호응을 받았다.

그 해에 전시된 델빌의 주요 작품들은 그의 유명한 라 모르트 오르페(1893년, 브뤼셀 왕립미술관)와 그의 뛰어난 미스테리오사 혹은 스튜어트 메릴 부인의 초상화(1892년, 브뤼셀 왕립미술관)이었다. 그의 작품은 언론에서 열렬히 찬사를 받았다. 주요 비평가 어니스트 베를랑은 다음과 같이 썼다.

그의 재능과 놀랄만한 다재다능한 면에 비추어 볼 때, Pour L'Art 그룹의 주요 구성원 중 한 명은 작가 겸 시인인 Jean Delville이다. 그는 재미있고 고통스러운 강력한 상상력을 가지고 있다. 이 묘비들은 그의 대형 그림인 라 프로이에와 똑같이 적합하며, 종말론적 살인의 진홍한 비전이며, 작년의 방대한 작문인 베르시 린콘누와 그 이전의 몇몇 작품들과 유사하다. …여기저기, 예를 들어, L'homme du glaive, Duture profane, Missteriosa에서 그는 표현의 강도를 극한으로 밀어낸다. 다른 곳에서는 사타나에서와 마찬가지로 다빈치에서 파생된 그림에서 그는 다소 기이하게 난해한 속성을 함께 그린다. 그러나 우리는 큰 리리의 갱도 사이에 떠 있는 죽은 머리인 오르페 앞에서 찬사를 표할 수 있을 뿐이고, 엘레지아 앞에서는 분수의 분출과 폭포수 아래 길고 유연한 여자 몸이 나타나며, 오로인과 마테니타스 앞에서는 두 인물이 팔꿈치에 곤혹스럽게 기댄 채 두 사람 가운데 첫 번째가 두 사람 중 한 사람만을 칭찬할 수 있다. 대귀족 이 작품들은 단색 혹은 거의 그러하다. 그들의 표현은 정확하고, 섬세하고, 섬세하고, 세련되고, 너무 노골적이지 않으며, 더욱 웅변적이다.^[4]

최종 L'Art 쇼는 1895년 1월에 열렸다. 델빌은 펠라단 살롱 데 라 로즈+크로익스에도 마지막으로 참가했다. 이 해는 그가 그 이듬해 문을 연 살롱다르트 이데알리스테라는 독자적인 이상주의 전시회의 구성을 준비하기 시작한 해였다. 이 무렵에 푸 라트 살롱은 현대 언론에 의해 잘 세워지고, 성공적이며, 열성적으로 지지를 받았다. 델빌의 L'Ange des spendleurs (1894년, 브뤼셀 왕립미술관)는 델빌의 주요 작품이었다. 브렌던 콜에 따르면, 널리 칭찬받지는 않았지만, 그의 초기 작품 중 하나는 델빌의 작품에서^[5] 탁월하다고 한다.

델빌과 펠라단의 살롱 데 라 로즈+크로닉스 1892–1895

델빌은 호세핀 펠라단 로지크루시안 살롱에서 존재 4년(1892–5) 동안 전시했는데, 이 전시회는 자신의 푸 라트 살롱과 일치했다. 이때 델빌은 펠라단과 그의 이상과 밀접한 동맹을 맺고 있었다. 델빌은 1888년경 L'Essor의 순회 전시회에 동행했을 때 파리에서 Péladan을 만났을 것이다.^[6]

델빌은 펠라단(Peladan)의 개념에 공감해 독점적인 이상주의 설득의 예술을 선보이는 포럼을 만들었다. 델빌은 푸르 라트 살롱을 통해 벨기에의 이상주의 미술품을 대중에게 알리려 했지만, 보다 구체적으로 1895년에 그가 설립하고 1896년에 대중에게 개방한 살롱 다트 아일리스트에서 이상주의 미술품을 대중에게 알리려 했다. 1896년까지 델빌은 펠라단과 공식적인 관계를 끊기 시작했는데, 이는 그가 테오소피아를 향해 나아가는 길을 열어주었다. 델빌은 그의 자서전에 펠라단과의 관계를 기록하고 있다: '... 이상주의 화가로서의 내 성격은 점점 더 부각되었다. 나는 펠라단을 알게 되었고 파리와 브뤼셀에서 난해한 운동에 관심을 갖게 되었고 참여하기 시작했다. 나는 이상주의 미술만이 허용되는 로지크루시안 살롱에 전시했다. 펠라단은 그곳에서 나의 작품 몇 점을 전시했는데, 특히 그가 전시회의 중심에 놓았던 라 모르트 오르페와 함께 라 의자 등 일부 그림들을 전시했다. 그의 영향으로 나는 퀘이 부르봉에 머물던 파리로 가서 펠라단의 제자들인 로시크루스의 몇몇 친구들 사이에서 살았다. 페라다네스크 살롱의 조직뿐만 아니라 베이블론 세트를 그리는 데에도 시간을 들여 몇 달 동안 그곳에 머물렀다.^[7]

1892년 델빌은 그의 La 상징화 de la chair et de l'esprit(첫 번째 전시회의 카탈로그에서 재현)와 함께 L'Idole de la Perversité(이돌 드 라 페르베르시테)'를 전시하였다. 1893년에 그는 임페리아, 엘레기아, 라의자 등 8개의 작품을 전시했다. 1894년에 그는 다음과 같은 7개의 작품을 전시했다: La Mort d'Ophée, La Fin dun régne, Le Geste d'Ame, Satana, Maternitas, Etude féminine, La Tryleille. 1895년 델빌은 그의 Peladan 초상화를 포함한 4개의 작품을 전시했다: 초상화 du Grand Maître de la Rose+Croix en pattery de Chhearur와 L'Ange des spendlementurs. 이 작품들 중 많은 것들이 브뤼셀에서도 델빌의 푸르 라트 전시회에 전시될 것이다.^[8]

로마 교황청, 이탈리아 주재 1895년

델빌은 초기 활동 기간 동안 브뤼셀의 세인트 길레스에서 가난한 예술가로 살았다. 1890년대 중반에 그는 결혼했고 그가 예술가로서 부양하기 위해 고군분투했던 성장하는 가족을 갖게 되었다. 그의 절친한 친구인 조각가 빅토르 루소의 조언에 따라, 그는 명망 있는 프릭스 드 로마에 들어가려는 동기를 얻었는데, 이 프릭스 드 로마에는 이탈리아에 장기 체류하는 비용도 부담하는 매우 관대한 부르사가 딸려 왔다. 델빌은 1895년 대회에서 우승했지만, 당시 전위대의 이상에 역행하는 프리스의 '수립' 성격을 감안할 때 그의 입성은 동료들 사이에서 논란을 일으켰다. 델빌은 당시 전위계에서 상당히 확립된 인물이었고, 그가 프릭스 드 로마와 결탁한 것은 그들의 대의에 대한 배신으로 보였다. 그러나 로마 교황은 또한 델빌이 이탈리아에서 그토록 존경했던 르네상스의 고전 미술을 연구하는 데 상당한 시간을 할애할 수 있다는 것을 의미했다.

대회의 규칙은 엄격했다. 경쟁자들은 이 대회를 운영한 앤트워프의 미술 아카데미 내 작은 스튜디오에서 고립되어 최종 그림을 그리기 전에 작문 완성도를 낼 것으로 기대되었다. 그 일을 끝내기 위해 경쟁자들에게 엄격한 시간 제한이 부과되었다. 이 대회는 1895년 6월에 열렸고 10월에 우승자가 발표되었다.^[9] 그 해 대회의 주제는 르 크라이스트 미화 파 레즈 팬츠였다. 델빌은 자서전에 다음과 같이 자신의 경험을 기록했다.

규칙들은 요구되고 있었다… 당시 기말고사에 선발된 6명의 경쟁자들은 앤트워프 아카데미 복도에 원래 예비 도면을 떠난 후 외딴 숙소에서 그들의 작품을 그려야 했다. 산장에 도면을 반입하는 것은 엄격히 금지되었고, 그곳에서는 활선 모델만 허용되었다. 선수들은 그림 작업을 하는 동안 특별 감독관의 방문을 받은 후 숙소에 들어갈 때마다 옷을 갈아입어야 했다. 이러한 절차적 요건은 이 나라에서 온 예술가들이 참가한 이번 대회의 도덕적 보증이었다. 선발되자마자, 그들은 3일 동안 필수 그림의 스케치를 제작하기 위해 숙소에 들어갔고, 그 누구도 방문자나 조언을 받지 않고 완성할 수 있는 80일의 시간이 주어졌다 – 경쟁자들이 작품의 독특하고 개인적인 작가임을 확실히 하기 위해서였다. 그 나라에서 가장 유명한 예술가들의 결정권을 줄 수 있다.^[10]

그가 머무는 동안 델빌은 고전 미술에 대한 그의 연구를 반영하여 독창적인 작품들을 그릴 것으로 기대되었고, 또한 옛 주인들의 뒤를 이어 복제품도 만들 것으로 기대되었다. 그는 또한 그곳에서 그의 일과 관련된 정기적인 보고서를 앤트워프 아카데미에 다시 보낼 것으로 예상되었다. 그 경험은 그의 경력에 있어서 전환점이 되었고, 그의 이상주의 미적 형태의 결정적인 속성인 난해한 철학에 대한 관심으로 예술의 고전적 경향을 종합하려는 그의 이상을 집중시키게 되었다. 델빌은 로마에 있는 동안 이 이상주의 미학의 보다 세련된 표현을 향한 그의 예술에 극적인 진화를 반영하는 몇 개의 주목할 만한 그림들을 제작했다. 여기에는 핵심 초기 작품인 그의 뛰어난 오르페 아우슈 엔퍼(1896년)와 그 시대의 위대한 걸작인 그가 1898년 살롱 다르트 이데알리스트에서 선보여 보편적인 찬사를 받은 그의 L'Ecole de Platon(1898년)이 포함됐다.^[11] 1895년에 델빌은 난해한 철학에 대한 그의 첫 번째 책인 "대화"를 출판했다.

살롱다르탈리스 1896-1898

델빌의 살롱 디아트 이데알리스테는 이상주의적인 성격의 예술작품을 전시하는 데만 전념했다. 델빌은 제1회 살롱이 개원하기 전 몇 달 동안 일련의 극악무도한 기사로 그의 프로그램을 예고했는데, 이것은 그의 동시대인들 사이에 약간의 논란을 불러일으켰다. 델빌의 생각은 대담하고 대립적이었지만 신념의 용기를 고수하고 끈질긴 에너지와 결단으로 프로젝트를 관철하는 것이 그의 특징이었다. 살롱의 목표는 첫 살롱이 개장하기 전에 출판된 짧은 선언문에 제시되었다. 이것은 선언문에 의해 지지를 받는 새로운 전위 예술 운동의 초기 사례로, 후기 모더니즘 운동과 후기 모더니즘 운동에서 흔히 볼 수 있는 것이다. 살롱에는 강연과 뮤지컬 소리에도 줄줄이 동행했다. 델빌의 살롱은 다른 현대 아방가르드 전시회에서 거의 들어본 적이 없는 여성 예술가들을 포함했다는 점에서 또한 의미심장했다. 선언문은 델빌이 세운 이상주의 운동의 귀중한 기록을 제공한다.

살롱다르트 이데알리스테의 의도는 벨기에에서 미적 르네상스를 일으키려는 것이다. 그들은 한 해에 한 그룹으로 나누어서, 예술적 이상주의의 모든 산재적 요소, 즉, 아름다움에 대한 같은 기울기를 가지고 일한다. 소위 현실주의자, 인상주의자 또는 천칭주의 학파의 혼란에 대항하여 이런 식으로 퇴폐에 대항하여 반응하기를 바라는 살롱 다르트 이데알리스테는 예술 작품에서 사상, 스타일, 테크닉의 영원한 완벽 원칙으로서 다음과 같은 것을 옹호한다. 그들이 미학 안에서 자유롭다고 인식하는 것은 예술가의 창조적 성격뿐이며, 화합의 이름으로 영적 아름다움, 플라스틱 아름다움, 기술적 아름다움이라는 세 가지 절대 용어로 구성되지 않는 한 어떤 작품도 진정한 예술에 민감하지 않다는 것을 유지한다. 세르 조제핀 펠라단이 만든 파리 로즈&크로익스 살롱과 런던의 라파엘리트 전 운동과 유사하지만, 살롱 다르트 이데알리스테는 고대 거장부터 오늘날 거장까지 이상주의 예술의 위대한 전통인 현대적 발전을 통해 계속되기를 원한다고 주장한다.^[12]

그 해에 전시된 델빌의 주요 작품은 그의 선지자 사탄(1895년, 브뤼셀 왕립미술관)이었다. 왕립미술관)이었다. 그 작품은 이전에 Salon de Gand에서 전시되었었다. 물밑에서 대표되는 사탄적 인물의 묘사는 서양미술에서 독특했다. 날개 대신에 그는 긴 문어 촉수로 대표된다. 그의 '발언'은 보석과 금화로 둘러싸인 잠자는 형상이며, 물질주의와 탐욕을 나타내는 물체들이다. 이 수치들은 고통의 징후는 보이지 않지만, 마치 델빌의 신비한 시각에서 '사탄적'인 모든 것에 굴복한 것처럼, 오히려 나른한 행복의 상태로 표현된다; 관능적인 쾌락과 물질주의. 그 작품은 하층적인 열정과 물질과 관능의 세계에 대한 전형적인 아포트로피적인 우상이다.

두 번째 살롱은 1897년 3월 에드몽 피카르의 예술 행사장인 라 메종 다르트에서 열렸다. 델빌의 기부금은 적었고, 현재 파르시팔과는 별도로 개인 소장품에도 오르페 보조 엔퍼스, 파르시팔, 로라클 아 도도네 등이 포함되어 있었다. 당시 델빌은 이탈리아에 있는 동안 프릭스 드 로마에서 우승한 후 규정된 체류 중이었다. 이 쇼는 언론에서 큰 호평을 받았고 델빌의 살롱은 설립 몇 달 전 그의 공격적인 극기술에도 불구하고 그의 동년배들을 괴롭혔음에도 불구하고 점점 더 널리 받아들여지고 있었다. 이 이상주의 예술의 특징으로 주목받았던 것은 그 지적 본성과 사상의 표현에 대한 성향이었다.

마지막 살롱달리스테는 1898년 3월에 열렸으며 델빌의 위대한 걸작인 그의 에콜 드 플라톤(1898, Musée D'Orsay) 전시로 마크를 받았는데, 이 전시회는 그의 이상주의 프로그램의 정점을 장식하고 그의 현대 비평가들 사이에서, 심지어 이전에 그의 예술과 미학 프로그램에 적대적이었던 사람들까지도 널리 찬사를 받았다.나.^[13]

1900년 이후

1895년에 Delville은 신비주의와 난해한 철학에 대한 그의 견해를 개괄적으로 설명하는 텍스트인 "대화"를 출판했다. 브렌던 콜은 델빌에 관한 자신의 저서에 대해 상세히 논하면서, 비록 '대화'는 많은 신비주의자들의 사상을 반영하지만, 'Theosophypic'에 대한 새로운 관심도 드러낸다고 지적했다. 1890년대 후반, 델빌은 Theosophical Society에 가입했다. 그는 아마도 널리 영향력 있는 책 레그란데스 이니시에스의 저자인 에두아르 슈레와의 친분을 통해 테오소피아를 직접 소개받았을 것이다. 슈레는 델빌의 이상주의 예술 작품인 라 미션 드 라아트(1900)의 서문을 썼다. 델빌은 테오소피즘 운동의 지도력을 이어받은 애니 베상트와도 긴밀한 동맹을 맺었다. 베산트는 1899년 브뤼셀에서 라 새게세 앤티크라는 제목의 일련의 강의를 했다. Delville은 그해 Le Tyrse에 게재된 기사에서 그녀의 강연을 검토했다.^[14] 델빌이 이처럼 신학운동에 적극적으로 참여하게 된 것은 아마도 이 때부터일 것이다. 델빌은 1899년 테오소피즘 사상을 전문으로 하는 학술지 라 루미에르(La Lumiere)를 창간하고, 베산트(Besant)를 비롯한 당대 대표적인 테오소피스트들의 기사를 실었다. 델빌은 1911년 테오소피셜 협회의 벨기에 지부의 초대 총서기가 되었다.^[15] 델빌의 예술은 1900년 이후 번창했고 그는 1차 세계대전까지 이 기간 동안 그의 가장 위대한 작품들 중 일부를 제작했다. 그는 지칠 줄 모르는 힘과 상상력을 가지고 일했고 그의 그림은 그의 기념비적인 L'Homme-Dieu (1903, Brughes: Groeninge Museum)와 Prométe (1907, Free University B뤼셀)와 같은 작품에서 전형적으로 볼 수 있는 테오소포피즘 운동에 참여함으로써 영감을 받은 초월적인 감각을 드러냈다. 그러나 그의 가장 두드러진 업적은 '시대를 통한 정의'를 주제로 팔레 드 정의의 쿠르드아시스를 장식한 그의 다섯 개의 거대한 캔버스 시리즈다. 구상 및 규모 면에서 기념비적인 이 작품들은 그의 최고 작품들 중 의심의 여지 없이 1944년 9월 3일 독일의 팔레 드 정의 폭격의 결과로 제2차 세계 대전 동안 불행히도 파괴되었다. 이 그림의 주기와 관련된 이 행동의 아이러니는 간과할 수 없다. 전쟁 후 팔레족이 재건되는 동안 소규모의 교체품이 설치되었다. 라 저스티스 라 로이 외 피티에라는 제목의 거대한 중앙 그림은 가로 11m, 세로 4.5m의 크기였다. 이 작품은 라 저스티스 드 모이스와 라 저스티스 크리티엔(둘 다 4x3m)이라는 두 작품이 나란히 작업했다. 남은 두 패널은 과거와 현재의 정의를 대표한다: 라 저스티스 다우트레피아와 라 저스티스 온더네.^[16]

1900-1906년 글래스고 미술대학 교수

델빌은 브뤼셀에 있는 아카데미에서 교직원을 확보하기를 희망했으나 1900년 번창하는 글래스고 미술대학에서 교직 제의를 받았다. 그곳에서 그의 재임 기간은 매우 성공적이었고, 그가 훈련시킨 학생들의 작품들은 런던의 연례 전시회에서 축하되었다. 1907년 델빌이 브뤼셀로 돌아왔을 때, 그의 많은 영국 학생들은 루 모리스에 있는 그의 개인 스튜디오에서 그의 지도 하에 훈련을 더 하기 위해 그를 따라갔다. 당시 델빌은 브뤼셀 아카데미에서 가르치고자 하는 야망을 충족시켰고, 1937년 은퇴할 때까지 재직했던 직책인 생명과학부 교수로 임명되었다.^[16]

제1차 세계 대전: 1914-18 런던 망명

전쟁이 발발했을 때, 많은 벨기에 사람들 사이에서 델빌은 영국에서 망명자로 환영받았다. 그는 아내와 네 명의 어린 자녀들을 포함한 그의 가족 전부와 함께 런던에 있는 골더스 그린에 정착했다. 그의 두 장남 엘리, 라파엘 델빌은 벨기에 전쟁 노력에 징집되었다(둘 다 분쟁에서 살아남았다). 델빌은 그의 글, 예술, 연설(그는 영재적 웅변가였다)을 통해 런던에서 망명 중인 벨기에인들과 독일인과의 갈등을 지지하는 적극적인 역할을 했다. 그는 런던에 있는 벨기에 주재 외국인 신문 L'Indédependence Belge에 기고했으며 독일의 침략을 맹렬히 비난하는 몇 편의 기사와 시를 썼다. 그는 벨기에 난민들을 위한 자선단체인 La Ligue des Patriotes de Belgesque의 활동적인 회원이었으며, 영국에서 벨기에 자선단체들을 위한 기금을 모금한 성공적인 출판물 벨기에 망명 예술 창작을 책임진 Ligue des Artistes belieges의 회장이었다. 이 작품에는 벨기에 현대 작가들의 대표 회화와 다른 예술 작품들이 대거 수록되어 있다. 그 책은 대체로 호평을 받았다. The Sketch는 그들의 1월호에 지지 사설로 게재했고 그 분량에 대한 유익한 정보를 제공했다.

벨기에 예술은 벨기에 적십자사 등 벨기에 자선기관을 돕기 위해 발행된 벨기에 조각가들의 작품 사진과 함께 대부분 컬러로 그린 매우 매력적인 앨범의 제목이다. 아름답게 재현된 컬러 플레이트는 벨기에 현대 미술의 고품격과 뛰어난 다재다능함을 보여준다. 특히 주목할 만한 것은 무어 기병대의 전하의 사진인데, 알프레드 바스티앙이 이 나라에 온 이후로 일러스트레이티드 런던 뉴스에서 훌륭한 일을 해오고 있다. 대표적인 다른 유명한 벨기에 화가들 중에는 알베르 바르트센, 장 델빌, 에밀 클로스, 헤르만 리치르, 콤테 자크 드 랄라링, 폴 두부아 등이 있다. 프랭크 브랑윈의 훌륭한 그림이 프런트피스로서 '모테 돌로로사 벨기카'라는 화보를 이루고 있다. 마테린크는 알버트 왕에 대한 찬사를 기고하고, 에밀레 베르헤렌, 마르셀 위서, 장 델빌의 시들도 있는데, 이 시 역시 서론을 쓴다. 이 책은 컬러(25·빅토리아 스트리트, S.W.에서 5초, (천으로) 73. 6d에 의해 출판되며, 한정판 de 럭스는 1파운드다. 그 자체와 원인 둘 다 널리 팔려야 한다.^[17]

당시 델빌은 또한 활동적인 프리메이슨이었으며 영국에 거주하던 벨기에 프리메이슨들을 망명시킨 라 로게 알버트 1er에 연루되었다.^[18] 그의 망명 시절은 또한 다음과 같은 몇 가지 중요한 그림에 영감을 주었다: 칼부림하는 여성상이 게르만 독수리를 공격하고 있는 모습을 묘사하고 있는 La Belgeck 불굴의 그림, 죽은 아들의 시체에 둘러싸인 상모집단을 묘사하고 있는 Les Merres(1919), 그리고 현대판 p인 Sur l'Autel de la patri(1918).ieta는 피를 흘리는 죽은 군인의 시체를 발에 놓고 여성상을 묘사하고 있다. 이 시기의 그의 가장 주목할 만한 작품은 두 개의 거대한 천군이 서로 대치하는 모습을 그린 그의 레스 포스(1924년 완성)이다. 오른쪽에 대표되는 빛의 세력은 그리스도와 같은 인물이 말 위에 앉아 있고, 횃불을 든 날개 달린 형상이 왼쪽에서 쏟아져 들어오는 어둠의 세력과 맞서 천사들의 군대를 싸움터로 인도하고 있다. 이 작품은 거대한 '쿠르 데 파스 퍼듀스'로 팔레 드 저스티스에 공개되어 있으며 가로 5m, 세로 8m의 규모로 웅장하다.

1920년 '소시에테 데 라르아트 기념비'

그의 경력 초기부터 델빌은 모든 사람들의 교화를 위해 공공장소에 전시될 미술품을 제작하는 데 관심이 있었다. 그에게 있어서 예술은 대중을 고양시키는 수단이었고, 이를 위해 그는 엘리트 집단을 위해 제작된 예술을 경멸했고, 이를 위해 그는 예술에서 투자 기회 이상의 것을 본 수집가들의 이익을 위해 딜러들에 의해 팔렸다. 델빌의 이상은 예술에 대한 사회적 목적의 개념과 강하게 일치했는데, 그것은 그가 그의 경력 동안 광범위하게 썼다. 그는 미션 드 l'Art에서 다음과 같이 썼다: '만약 예술, 사회적으로 말하면, 예술의 목적이 대중의 가중된 생각을 영적으로 만드는 것이 아니라면, 사람은 자신에게 물어볼 권리가 있다. 무엇이 진정으로 유용한가, 또는 더 정확히, 그것의 목적이다.'^[19] 그는 이미 공공 건물을 장식하는 여러 가지 큰 예술적 계획을 세웠지만, 특히 팔레 드 저스티스 판넬을 위한 그의 이 목표를 공식적으로 추구하려는 그의 야망은 1920년 그가 그의 세대의 몇몇 주요 화가들과 협력하여 소시에테 드 라아트 기념비를 만들면서 마침내 실현되었다.t). 이 단체의 목적은 공공 건물을 위해 특별히 만들어진 예술의 필요성에 관심을 모을 화가, 예술가, 건축가들을 한데 모으는 것이었다.

이 목표의 중요한 실현은 파르크 뒤 신칸테나르의 아케이드 옆쪽에 있는 반자전거의 콜로네이드에 벽을 장식하는 것이었다. 5명의 예술가가 델빌과 이 프로젝트에 협력했다. 콘스탄트 몬탈드, 에밀레 블로어, 오메르 디릭스, 에밀 파브리, 알버트 시암베를라니. 마지막 두 사람은 델빌이 아카데미에서 활동할 때부터 친구였고 이전에 많은 프로젝트에 협력했었다. 이 예술가들의 대부분은 1890년대 동안 델빌의 이상주의자 포럼인 Pour L'Art와 Salves D'Art Idéaliste에도 전시되었다.

그 프로젝트는 알베르 1세의 후원 아래 진행되었고, 국민 기부 제도를 통해 대금을 지불받았다.

이 주요 작품의 전반적인 주제가 전쟁과 평화에 관한 우화적 이미지를 통한 대전에 이은 '벨기에 미화'의 애국적 기념이었다. 1924년 델빌은 사이클에 대한 그의 생각을 '모자이크 속 프리즈가 선의 리듬을 풀어주고 단발자전거 기둥 사이의 색깔의 조화를 풀어주는 비전'^[20]으로 표현했다.

각 예술가들은 6개의 개별 작품(카툰)을 준비했는데, 그 후 최종 모자이크에 맞춰 높이 3m, 벽면 윗부분과 정렬했다. 모든 모자이크의 총 거리는 120미터였다. 모든 개별 패널의 전체적인 조화는 아티스트들이 동일한 수평선 사용, 그림에 동일한 척도 사용, 관련 색상들의 제한된 팔레트를 준수하는 몇 가지 일반적인 구성 규칙을 준수하도록 함으로써 달성되었다. 오락실 왼쪽의 구체적인 테마는 벨기에의 평화다. Fabry, Vloors, Montald의 작품들은 각각 물질적인 삶, 지적 삶, 도덕적 삶으로 대표된다. 오른쪽의 구체적인 테마는 영웅적인 벨기에를 나타내며, 델빌, 시암베를라니, 디릭스의 작품이 각각 다음과 같이 대표된다. 승리, 영웅과 전쟁에 대한 헌사

이 프로젝트는 1922년과 1926년 사이에 구상되어 1932년에 완성되었다. 모자이크들은 그들 자신이 A 고드콜 회사의 장 라하이와 에밀 반 아스브룩에 의해 처형되었다.^[21]

이 기념비적인 창작물은 공공장소에서 선보인 이상주의 미술 트렌드를 증명하는 것이었고 그의 예술적 관점을 일반 대중들 사이에서 더 넓은 시야를 제공했다.^[22]

공익을 위해 일하고 인류의 고통을 덜어주는 것도 테오소포피스트의 원칙적 이상이었으며, 델빌이 평생 동안 구독했던 이상이었다. 델빌의 이오소픽-사회주의 견해는 전쟁 전에 그가 출판한 두 개의 기사인 사회주의 데 데 데메인(1912)과 듀프린시페 데 라르트(1913)에서 명확히 표현되었다.

만년

1920년대 이후, 델빌은 그 어느 때보다도 훨씬 더 안정되고 성공적인 경력을 경험했다. 팔레 드 저스티스(Palais de Justice)와 신칸테나르(Cinquantenerire)에서 두 개의 주요 공공 프로젝트를 매우 성공적으로 완수하고,^[23] 1924년 벨기에 왕립 과학 아카데미(Royal Academy)의 일원으로 선출되면서, 그는 이 기간 동안 벨기에의 설립에 훨씬 더 가까이 끌려간 것 같았다. 그는 1937년까지 브뤼셀의 미술 아카데미에서 '프리미어 교수'라는 직책을 유지했고, 오른손의 관절염으로 인해 1947년 붓을 포기해야 할 때까지 그림을 계속 그렸다.

His ambition to create large-scale Idealist works of art was sustained right up to the end of his painting career after the Second World War; notable examples amongst which include his Les Forces (1924, 55 × 800 cm, Palais de Justice), Les Dernières Idoles (1931, 450 × 300 cm, private collection) and La Roue du Monde (1940, 298 × 231 cm, Antwerp: 왕립미술관). 그는 여전히 표현의 힘과 처음부터 있었던 그의 말년에 그의 작품에 대한 매우 명확한 마무리를 유지할 수 있었다. 그러나 1930년대에 (특히 몬스에 거주하고 있는 동안) 그의 일부 작품들 사이에서 그의 스타일에 변화가 일어났다. 특징적으로 그들은 형태와 색의 표현에 있어서 더 낮았다. 모양은 더욱 양식화되고 기하학적으로 변했고 그의 색깔은 그 때까지 그의 작품의 특징이었던 에너지, 생동감 넘치는 대조, 풍부한 톤이 결여된 색조인 '파스텔' 즉 더 창백했다. 인물에 대한 그의 대우는 또한 더 양식화되었고, 그는 종종 특징적인 '아몬드' 모양의 눈으로 그들의 얼굴 이목구비를 표현하여 그의 모습이 다른 세계에 모습을 보이게 했다. 이 시기의 대표적인 예로는 그의 세라피타(1932), 레스 이데스(1934), 르 디에우 데 라 무시크(1937), 페가세(1938) 등이 있다.

델빌은 1953년 사망할 때까지 헌신적이고 열정적인 테오소피스트로 남아 있었고, 그의 전기 중 하나에서 이것이 항상 그의 말년에 걸쳐 이러한 도덕적, 예술적 관점의 기초를 형성했다고 주장했다. 그의 지적, 정신적 삶의 이런 중요한 측면에 대해 그는 1944년에 다음과 같이 썼다.

엥 랄리테, la 철학은 l'invisible des anné! je pense aboir lu a peu prés tout ce putlié d'중요한 sur les problemes de l'invisible. ... 데푸이, 자이 소쿠프 체르체, 에투디 수르 라 네이처 데 페노메네스 사이키케. L'Etude des sciences ost ar la base de ma vie intelle et 사기.^[24]

델빌은 1953년 1월 19일 생일에 세상을 떠났다.

명예

• 1919 : 왕관 훈장 장교.^[25]

이론과 기술

이상주의 이론

Delville은 그의 이상주의 미학을 요약하여 일생 동안 다작적으로 썼다. 이 주제에 대한 그의 첫 번째 주요 출판물은 그의 미션 드 라트(1900)이다. 델빌의 이상주의 이론은 전통적인 이상주의 사상(플라톤, 쇼펜하우어, 헤겔의 전통에서)과 현대의 난해한 철학의 싱크로틱한 공식이다.^[26] 요약하면, 델빌은 예술은 물질적 형태의 이상(혹은 영적)의 표현이며, 다시 말해 육체적 물체에서 이상적(또는 영적)의 표현인 이상적 아름다움의 원리에 기초하고 있다고 믿었다. 이상미를 나타내는 사물을 심사숙고하는 것은 우리가 영적인 차원과 우리가 결과로 변형되는 것을 지각할 수 있게 해준다.^[27]

델빌은 이상주의 예술의 표현적 가치를 강조하는 라미션 드 l'Art의 생생한 구절에서, 다시 말해 그것은 단순히 이미지에 수동적으로 관여하는 문제일 뿐만 아니라, 시청자의 의식을 고양시키고 변형시키는 '에너지'를 영적으로 느끼는 것에 관한 것이라고, 이것을 요약하고 있다. 방법. 예술에 있어서의 이상주의는 '예술에 영성을 도입하는 것'이라고 쓰고 있다. 델빌에게 이데올로기는 이상영역의 표현이며, 인간경험의 트랜스개인영역 내에 거주하는 인간경험 내의 살아있는 힘이다. 그는 더 나아가 다음과 같이 쓰고 있다.

형이상학적 또는 난해한 의미에서 이 사상은 세계를 움직이는 보편적이고 신적인 힘인 포스(Force)이며, 그 움직임은 생명의 조화로운 작용을 샘솟는 최고의 리듬이다.

생각이 없는 곳에는 생명도 창조도 없다. 현대 서구 세계는 이 관념의 엄청난 힘을 의식하지 못하게 되었고, 따라서 예술은 필연적으로 타락하게 되었다. 사상의 창조적 힘에 대한 이러한 무지는 그럼에도 불구하고 모든 현대적 판단을 흐리게 하고 물질주의로 방향을 바꾸었다. 물질주의는 사상과 생각이 어떻게 진동하는지, 그리고 이러한 진동이 개인의 의식을 어떻게 침범하는지 모른다.

그러나 이러한 진동은 인류의 대부분에게는 보이지 않지만, 인간의 정신에 놀라운 영향을 미칠 수 있고, 따라서 그들의 진화에 도움을 줄 수 있다. 천재성의 작품 이전에 인간의 의식은 정신적, 영적 진동을 받게 되는데, 이는 반사된 사상의 힘에 의해 생성된다. 어떤 작품이 고상하고 순수하며 숭고한 작품일수록, 그 작품에서 발산되는 이상적인 진동에 접촉하는 내면의 존재는 상승하고 정화하며 숭상하게 만들어질 것이다. 이상적이지 않은 예술가, 즉 모든 형태가 관념의 결과물임에 틀림없다는 것을 모르고, 모든 관념이 그 형태를 가져야 한다는 것을 모르는 예술가, 요컨대 미는 형태의 평형이라는 발광적인 개념이라는 것을 모르는 예술가는 영혼에 어떠한 영향도 끼치지 못할 것이다, 왜냐하면 그의 작품은 정말로 그 없이도 될 것이기 때문이다.즉 생명이 없어야 한다.

아이디어는 감정이 영혼의 반사작용인 만큼 영혼의 감정이다.^[28]

델빌은 미에 대한 그의 이해를 세 가지 범주로 나누면서 더 나아간다. 나) 영적 아름다움: 육체적 대상에서의 미의 원천, ii) 형식적 아름다움: 예술 작품에서의 미의 육체적 표현, 그리고 iii) 기술적 아름다움: 선, 색상, 명암, 그리고 물리적 사물이나 예술 작품에서 이상적인 아름다움을 표현하기 위한 구성의 구체적인 실행. 프랑스어 델빌에서는 이 용어들을 다음과 같이 불렀다: 라 미테 스피르튜엘, 라 미테 플라스티크, 라 미테 테크닉.^[29] 델빌은 더 나아가 미에 대한 그의 세가지 개념을 자연, 인간, 그리고 신성한 영역으로 구성된 현실의 세가지 본질에 대한 난해한 개념과 더불어 육체(죄), 영혼(감정), 정신(사상)으로서의 인간의 세가지 본질에 대한 그의 세가지 개념에 매핑한다.^[30] 그는 다음과 같이 쓰고 있다.

그러므로 이상주의 예술의 작품은 그 자체로 생명의 세 가지 위대한 말씀 즉 자연과 인간 그리고 신과 조화를 이루게 될 것이다. 이 정도의 미적 균형을 이루기 위해서 – 인정하게 되어 기쁘지만, 그것은 아무나 손에 넣을 수 있는 것이 아니다! – 작품에서 지적 수준에서 가장 순수한 생각, 예술적 영역 내에서 가장 아름다운 형태, 그리고 실행 면에서 가장 완벽한 기법을 찾아야 한다. 아이디어가 없으면 작품은 지적인 사명을 놓치고, 형식도 없으면 자연적인 사명을 놓치고, 테크닉도 없으면 완벽이라는 목표를 놓친다. … 이상주의 예술 작품의 진정한 성격은 그 성취에 지배하는 균형에서 확인할 수 있는데, 이는 아이디어, 예술 또는 기술의 본질적인 용어들을 다른 용어들보다 우선시하지 않고, 각각의 힘에 비례하는 관계에 따라 더 가능성이 높다는 것을 의미한다.^[31]

고전 전통

델빌은 이상주의 예술의 가장 순수한 표현은 고대 그리스 예술의 고전적 전통과 하이 르네상스에서 발견될 것이라고 믿었다. 그에게 있어서 고전 예술은 물질적 형태로 영적인 것의 가장 순수한 표현이었다. Delville은 현대적 맥락에서, 스위트로 작품을 특정 Idealist는 스타일 그는 1890년대 동안 명확하게 할게 아니야. 단순히, 다른 말로 하면,이나 따라 조화와 평형의 그는 클래식 art,의 필수 요소로 보았던 art[32]그 표현의 클래식 모드를 복사하기에 고전 주의 작풍 새롭게 해석하려고 했다.우리가자연적 형태의 영적 표현의 근본을 새롭게 하다 그가 다음과 같이 썼을 때 델빌의 미학, 이상적 아름다움에 대한 관념에는 신비적인 측면이 있다.

고전적 의미로 해석되는 '아름다운'은 환상이 아니다. 아름다운 것은 그 아이디어에 의해 형태적으로 드러난 진실이다. 이것은 예술가가 성취하기 위해 추구해야 할 가장 높은 목표다 … 예술가가 어둠에서 빛을 뿜어내도록 할 때, 추악함에서 나오는 아름다움, 불순함에서 나오는 순수함을 인간성에 드러내게 할 때, 그는 하나님을 드러낸다. 아름다운 것, 진실된 것, 선한 것은 동의어다. 하나의 미스터리를 이루는 세 가지 미스터리를 인간의 눈으로 감지할 수 있는 것은 예술의 영광이다!^[33]

이상주의 미술

델빌은 분명히 그의 그림에서 뚜렷한 스타일을 발전시켰다. 그의 완성된 그림과 그림은 형태를 렌더링하는 방식이 매우 뚜렷하고 정확하다. 그러나 그의 작품은 현실주의 예술에서 흔히 볼 수 있는 것처럼 지나치게 디테일이 세밀하지 않지만, 그는 가능한 한 가장 단순한 수단을 사용하여 자신이 표현하고 있는 형태의 본질을 포착해내고 있다. 이것은 수치에 대한 그의 접근법에서 특히 그렇다. 그의 l'Amour des Ames에서 그는 길고 곡선미가 있는 등고선을 이용하여 인물들의 윤곽을 그리고 그들의 해부학적 구조는 명암에서 완만한 대비를 사용하여 가볍게 제시된다; 그 효과는 지나치게 관능적이지 않은 위대한 아름다움의 표현이다: 르네상스 프레스코에서 종종 볼 수 있는 기술이다. Delville은 색채에 대한 상상력과 표현에 대한 사용법을 잘 알고 있었다. 그의 색깔은 종종 생생하고, 거의 환상적이다; 가장 뚜렷이 보이는 것은 그의 트레소르 드 사탄인데, 그것은 야광의 금과 노란색의 분위기로 목욕되어 있다. 그의 L'Ange des Splandeurs에서 그는 천사의 휘장 속에서 무지개빛, 극명한 금의 효과를 오른쪽 하단에 있는 자연적인 디테일의 무거운 지구성과 뚜렷이 대조적으로 포착했다. 그의 에콜 드 플라톤은 플라톤의 아카데모스의 지적 공중을 강조하기 위해 음습하고 시원한 색상과 파스텔 음영을 사용하는 데 있어서 평온의 패러다임이다.

델빌은 자신의 모습을 위해 풍경화를 그리거나, 정물화를 그리거나, 초상화를 그리는 일은 거의 없었지만, 종종 이것을 그의 인물화에 포함시켰다. 델빌의 거의 모든 그림들은 그의 작품들의 드라마 제작자로서 인간의 형태에 초점을 맞추고 있다. 그는 자신의 이상주의 기법과 사상을 생생하게 표현하곤 했던 인간 해부학의 표현에 능통했다. 그가 인간의 모습을 표현하는 다양한 방법들은 그가 일생 동안 그림에서 공개한 그의 예술 프로그램을 이해하는 열쇠다. This is especially the case in the rendering of lithe and supple male and female figures in his Les Trésors de Sathan, L'Amour des Ames and L'Ecole de Platon, or the highly expressive drawn, sinewy almost emaciated forms in the lower part of his epic l'Homme-Dieu displaying the suffering and distress of the human condition; or in the highly muscul티타네스크는 자신의 프로메테와 레 데르니에르 아이돌에서 영웅적인 모습으로 해부학을 묘사했다.

잘 재현된 그림을 잘 선택하려면 이 웹사이트를 참조하십시오: "Jean Delville: 영적 아름다움의 시작"

연습: 이상주의 미술품

미스테리오사 또는 부인의 초상화 스튜어트 메릴(1892년)

종이 위에 연필, 파스텔, 색연필, 40 x 32.1cm, 브뤼셀: 왕립 미술관: Delville은 그의 아이디어에 대해 자주 썼지만, 그는 거의 그의 그림에 대해 토론하지 않았다. 그는 그 해석을 시청자에게 맡겼고, 그 결과 그의 가장 좋은 사진들은 미스터리와 음모의 분위기를 풍긴다. 가장 신비로운 것 중 하나는 그의 부인의 초상화다. 스튜어트 메릴. 1892년에 분필로 실행된 이 그림은 놀랄 만큼 다른 세상이다. 그 속에서 델빌은 그 젊은 여인을 눈을 위로 향하게 한 채 무아지경에 빠진 매개체로 묘사하고 있다. 발광하는 붉은 오렌지색 머리카락은 그녀의 아우라의 유동적인 빛과 결합된다.

메릴 부인의 머리를 감싸고 있는 뜨거운 색깔들은 열정과 관능의 지상적인 불을 암시하는 것처럼 보인다. 반면에, 그녀가 턱과 길고 거의 스펙트럼이 있는 손을 올려놓은 책에는 위로 향한 삼각형이 새겨져 있다. 이것은 (그의 대화에서 말하는 대로) 마법을 통해 달성한 델빌의 완벽한 인간지식을 카발라와 헤르메티슈는 카발라와 헤르메티즘이다. 많은 작가들이 지적했듯이, 신비주의와 지혜에 대한 언급이 있는 이 그림은 시작을 암시하는 것 같다. 그렇다면 여자의 붉은 아우라는 다른 발전 단계로 접어들면서 더욱 영적인 면모를 갖게 될 그녀의 관능적인 면을 가리킬지도 모른다.

그 해석이 어떻든 간에, 이 매우 특이한 초상화는 시청자들에게 강한 영향을 끼쳤다. 섬뜩하고 초자연적인 모습(Bade, Femme Fatale, 1979), 또는 "긍정적인 마법의 비전"(Jullian, Deccentence의 꿈꾼들, 1974년)으로 볼 수 있다. 그것은 1890년대의 모나리자라고도 불리며, 라 미스테리오사라는 칭호를 받기도 한다. 오늘날, 시터에 대한 자세한 내용은 거의 없고, 심지어 그녀의 이름조차 문헌에 언급되지 않는다. 그녀의 신원에 대한 가장 광범위한 정보는 델빌의 아들 올리비에가 화가에 대한 그의 전기에서 제공한 것이다. 그러나 올리비에가 이 사진을 집행한 지 적어도 10년 만에 태어났기 때문에 이것은 직접적 설명은 아니다. 그에 따르면 스튜어트 메릴(파리와 브뤼셀에서 자신의 작품을 출판한 상징주의 시인)은 당시 포레스트의 델빌 근처에 집을 갖고 있었다. 올리비에는 '젊은 메릴리온 부인'이 벨기에인이었으며, 델빌은 그녀의 이상한 아름다움에 충격을 받아 중상주의적 성격으로 그녀를 묘사했다고 덧붙인다. 델빌은 스튜어트 메릴 부인과 1893년 그린 '메두사'의 다른 초상화를 같은 매체에서 그렸을 가능성이 높다.

이 그림은 메릴스가 사들인 것이 아니고 1960년대 후반 캘리포니아의 한 개인 수집가에게 팔리기 전까지 델빌과 함께 남아 있었다. 1998년 브뤼셀 미술관에 인수되어 현재 대중에게 전시되고 있다.

The Angel of Splendour (L'Ange des Splendurs, 1894년)

캔버스에 오일 127 x 146cm, 브뤼셀: 미술관.

이것은 의심할 여지없이 델빌의 1890년대 초의 가장 선견지명이 있는 이미지 중 하나이다. 이 작품은 시작의 사상과 영혼의 영적화에 대한 델빌의 관심을 언급하고 있다. 그의 많은 작품에서 보듯이 델빌은 종종 빛과 어둠, 정신과 물질, 자연과 이상 등 반대편 사이의 긴장감을 가지고 논다. 이러한 사상은 이 작품에서 자연 또는 물질적 영역에 갇혀 있는 안드러진 천사들과 안드러진 젊은 안드러진 젊은이들 사이의 이중성에 의인화되어 있다. 그의 아래쪽 몸통은 톱니바퀴에 휩싸여 있고 두꺼비, 거미, 나비, 그리고 자연계의 다른 생명체들에 둘러싸여 있다. 반면에 천사는 물질보다 더 유동적인 원피스를 입고 부드럽고 강렬한 빛을 뿜어내는 디아파누스 금의 환영이다. 그녀의 얼굴은 르네상스 초상화에서 흔히 볼 수 있는 절묘한 아름다움으로, 특히 델빌이 존경했던 레오나르도의 작품에서 볼 수 있다. 그녀의 얼굴을 감싸고 있는 밝은 아우레올은 사방으로 빛을 비추는 그녀의 영적인 본성을 나타내는 공통적인 표시다. 그녀의 비율은 인간의 기준으로 볼 때 이상하고, 그의 동시대 사람들에 의해 비판받았지만, 델빌은 천사를 인간화하는 것은 이 작품에서 그녀의 상징적인 기능과 모순되는 것이라는 것을 이해했다. 그녀는 육체적으로 자기 자신의 초월적인 영역에 있는 존재로 남아있다. 그녀는 영혼과 아름다움의 이상적인 영역으로 가는 길을 가리키며 위를 가리키고, 젊은이는 자신을 아래에서 감싸는 물질적 유혹에서 벗어나려는 시도로 그녀를 향해 손을 뻗는다. 이곳에는 분명한 긴장감이 흐르고 있는데, 그것은 젊은이들이 그것을 해낼 것인지 아니면 그가 부상하고 있는 죽음의 물질 영역으로 다시 가라앉을 것인지 완전히 확실하지 않기 때문이다. 시작과 초월성의 경로의 첫걸음은 환상의 물질적 차원의 한계를 극복하고 제어하는 것이며, 특히 열정과 욕망을 통제하는 것으로 영혼의 초월을 위한 길을 개척하는 것이다. 이 그림은 당시 델빌이 그의 많은 그림과 시에서 표현했던 초기극의 그 순간의 토템이다.^[34]

사단의 보물 (Les Trésors de Sathan, 1895년)

캔버스의 오일, 258 x 268cm, 브뤼셀: 미술관.

델빌은 1895년 9월 벨기에 프릭스 드 로마 입상 작업을 하던 중 살롱 드 간드(Salon de Gand)에서 자신의 트레소르 드 사탄(Sathan's Treasures)을 전시했다. 그 후 1896년 브뤼셀에서 처음으로 델빌 최초의 살롱 다르트 이데알리스테에 전시되었다. 이것은 델빌의 첫 번째 '침투' 그림 중 하나였으며 그의 예술적 시대부터 1895년까지 그의 가장 중요한 작품들 중 하나이다.^[35]

전반적으로 델빌의 작품들은 일반적으로 자연(인간이든 아니든)과 초월계 사이의 이중성을 주제로 다루고 있다. 델빌은 이상주의자였고, 다시 말해서 그는 현실의 근간으로서 초월적 또는 영적 차원의 현실을 믿었다. 우리의 지각 물질 세계는, 이 세계관에서, 단지 고통과 불만을 가져오는 환상일 뿐이다. 우리의 목표는 우리의 존재를 영적으로 만들고 물질적 자아를 다듬는 것인데, 여기에는 물질적 만족의 충족에 대한 우리의 욕망과 욕구가 포함된다. 영적인 맥락 없이, 남성과 여성은 단순히 그들의 욕망, 열정, 탐욕, 그리고 타인에 대한 통제와 권력에 대한 자아가 주도하는 욕구에 의해 항상 지배되는 죽은 물질적 실체가 된다. 이것이 물질의 영역이며, 또는 델빌의 우주론에서는 우리의 낮은 존재 상태를 통제하고 지배하는 사탄의 영역이다. 인생의 영적 목표가 없다면, 우리는 사단의 노예일 뿐이고 그의 권력에 완전히 복종한다; 우리는 이 그림의 제목에 암시된 대로 그의 '보물'이 된다. 여기서 델빌은 사단을 다소 매력적인 인물로 묘사하고 있는데, 매력적이고, 힘차고, 유혹적인 모습으로, 불행한 남녀의 덩어리를 그의 바다 밑 은신처로 끌어들이고 있다. 현저하게 그 인물들은 보통 사탄의 지하세계에 대한 서양의 묘사에서 그렇듯이 고통이나 고통의 상태에 있지 않다. 여기서 그들은 몽상과 행복의 상태에 빠져 있고, 자신의 삶과 존재의 영적 현실의 가치를 의식하지 못하고, 오히려 전적으로 금과 관능적 쾌락의 유혹에 굴복하는 것, 즉 델빌이 인간의 참된 목표의 채찍에서 오는 재앙적 전환으로 본 물질적 탐욕과 관능적 쾌락의 유혹에 굴복하는 것으로 보인다.ch는 자신의 존재를 영적으로 만들고 그가 '이상'이라고 지칭했던 의식과 영적 행복의 더 높은 영역으로 들어가는 것이다.^[36]

자신의 낮은 본성에 대한 통제력을 행사하는 주제, 에로틱한 유혹과 면죄부를 주는 주제는 델빌과 그의 난해한 동시대인들(특히 호세프 펠라단)이 입시의 길에 첫 무대를 대표한다고 믿었다. 이것은 Edouard Schuré의 영향력 있는 작품 The Great Initiations에서 처음 제안되었고 이집트 초기 시도를 재구성하는 한 구절에서 요약되었다. 그는 어떻게 마지막 재판이 매혹적인 여성상의 형태로 의인화된 에로틱한 유혹에 저항하기 위한 것인지에 대해 이야기한다.^[37]

델빌은 1893년 현대 학술지 르 무브먼트 리테레에 게재된 기고문에서 이런 생각을 표현했다.

에로틱 열은 대부분의 마음을 소독해 왔다. 보통은 여자의 가라앉지 않은 욕망을 만족시키기 때문에 자신을 남성적이라고 생각한다. 음, 거기서 우리 시대의 뇌 퇴화의 엄청난 수치심이 시작된다. 시인, 예술가, 과학자는 동물적 기능을 모방하기보다는 영적 기능에 대부분 집착한다. 진정한 수컷은 육체를 지배할 수 있는 정신이 있고 자신의 의지대로 육체의 간청에만 응하는 사람이다. …만약 있다면 정열적인 남자인 사르의 작품이 정절을 찬성하는 일관된 호소라면 그것은 사랑의 파괴를 연구해 왔기 때문이며, 사랑에 빠진 마음이 본능의 위험한 공범이라는 것을 알고 있었기 때문이다. …불행히도 대부분의 경우, 우리는 진정한 처녀성이 영혼의 힘을 고도로 발달시키고, 그것에 헌신하는 사람들에게 그것이 나머지 인류에게 알려지지 않은 능력을 부여한다는 사실을 완강히 모르고 있다.^[38]

델빌의 1897년 시집 프리스송 뒤 스핑크스에도 '사단'에 대한 언급이 자주 있는데, 예를 들면 그의 'Les Dharmes de l'Ambre', 'Téte d'Ambre', 'L'Toile Noire' 등이 그것이다. 이 마지막은 델빌의 저술 전반에 걸쳐 나타나는 모티브를 생생하게 환기시킨다.

레투아르 누아르
Du plus enfer du mal et du néant
사타니크 사타니크에 대해 언급하다.
Darder sinistrement, comme in une panique,
ses néfastes rayons coeur du mecréant

Sathan brûle ce feu bombre des maléfiques. 사탄 브레
파시너 레즈 yux 쿠파블 등을 붓다.
fair jaillir sur tous cux soux sont nés를 붓는다.
르 혼돈은 극도로 복잡하다.

므란트 아들 전제주의 아 아들 부조리테
콩트르 르 보와 르 아무르와 르 시엘과 라 베리테와
쎄 르 멘송에 하이넥스 외 라 루르데 무식함

오! Vieil ostre de mort, 묽은 apparil,
vous ets la nuit froide et la morne infusense,
카 르 le clair du Christ est l'me du soleil!

다크스타(번역)

가장 깊은 악과 무성의 지옥에서 사탄의 별의 어두운 눈부심이 마치 공황상태에서처럼 불신자의 심장에 해로운 광선을 비추고 있는 것을 본다. 사단은 이 사악한 마법의 어두운 불을 태워 저주받고 죄의식을 가진 모든 눈을 사로잡고 어둠을 묵인하는 최악의 혼돈으로 태어난 모든 사람들에게 뿜어낸다. 그의 전제주의와 부조리한 거짓말, 증오와 무지로 가득 찬 거짓말, 아름다움과 사랑, 하늘과 진리에 대한 것. 오! 죽음의 늙은 별, 공포의 장치, 그대는 다만 추운 밤과 음산한 발기부전일 뿐이다. 그리스도의 축 늘어진 피는 태양의 영혼이기 때문이다.^[39]

플라톤 학파 (L'Ecole de Platon, 1898년)

캔버스에 기름 260 x 605cm, 파리: 오르세 미술관

이 중요한 그림에서 델빌은 고전 세계의 고요한 아름다움과 그 미적 철학적 원리를 환기시킨다. 델빌은 이탈리아에 있는 동안 벨기에 프릭스 드 로마에서 우승한 후 그곳에서 예술적으로 체류하면서 이 작품을 그렸다. 그때 마침내 델빌은 르네상스의 고전 작품과 그의 예술적 사상에 깊은 영향을 미친 고대 세계를 연구할 수 있었다.

그림의 규모는 높이 2.60m, 길이 6.05m로 인상적인데 델빌은 그가 새롭게 하려고 했던 고전적 전통에 그려진 학문의 예술적 주제의 전유물인 대규모 학술사화를 확실히 염두에 두고 있었다.^[40] 묘사된 인물들은 거의 실물크기다. 이 그림의 스타일은 델빌이 로마에 있는 동안 보였을 라파엘과 미켈란젤로의 이탈리아 프레스코에서 영감을 얻었으며, 광택이 나는 대신 무광택 마감으로 형식을 과감하게 표현한 것이 특징이다. 이 그림은 1898년 브뤼셀에 있는 델빌의 마지막 살롱 다르트 이데알리스테에서 처음 전시되었다. 그 작품은 그의 동시대인들에 의해 걸작으로 널리 칭송되었다. 델빌과 그의 예술에 자주 적대적이었던 대표적인 아방가르드 미술 저널 L'Art Moderne은 그의 작품을 다음과 같이 칭찬했다: 'Jean Delville ... 작품을 만들었다! 훌륭한 예술 작품: 그가 "프레스코의 에세이"라고 부르는 플라톤 학파 - 가서 보라! 고요하고, 고요하고, 웅장하고, 맛있는 아름다움... 이상, 예, 정말로 이상적이다. 그 프로그램은 그의 가치를 보여주며 훌륭하다. 그것은 아름답고, 아름답고, 아름다워!^[41]

델빌은 당시 유행했던 난해한 전통과 숨겨진 철학을 연구하는 데 몰두하고 있었다. 이것은 개시를 통해 자기 계발과 영적 진보의 덕목을 격찬하는 전통이었다. 에두아르 슈레는 이미 플라톤을 '위대한 시작', 즉 지구 화신 동안 더 높은 의식과 더 깊은 영적 자각으로 인류를 인도하는 빛 비어링의 한 사람으로 파악했다. 플라톤은 물질과 형이상학적 차원들 사이의 본질적인 이중성을 가르쳤다; 그의 몸짓은 위아래를 가리키며 거시적인 것과 미시적인 것의 이 이중성을 암시한다.^[42] 이상영역의 달성과 그 진리를 물리적 형태로 표현하는 것이 델빌의 미학철학에서 핵심적인 개념이었다. 그는 종종 예술의 목표가 '절대', 즉 '영적 아름다움'을 육체적 형태로 표현하는 데 열망해야 한다고 썼다. 그는 고전미술을 이 목표를 가장 순수한 표현으로 보고, 자신의 현대 문화 시대에 걸맞은 방식으로 다시 작동시키면서 이 사상의 부활을 예술로 모색했다. 델빌에게 더욱이 인간의 육체는 이상과 영적 아름다움의 가장 순수한 표현이었다. 따라서 그는 종종 그의 예술에서 이 이상적 표현을 위한 수단으로서 나체남녀상을 묘사하는데 의존했다. 이 작품에서 분명히 볼 수 있듯이. 그가 쓴 <정신적 이상>의 표현의 수단으로서 누드의 정신적 중요성에 대해.

누드는 합성적이고 보편적인 높은 품질을 가지고 있다. …인류를 환기시키는 데 있어서, 그것은 우리 현대인이 이해하는 생명이 아닌 인류와 생명의 모든 아름다움을 환기시킨다, 신경과 병적인 열기와 동요를 구성하지만, 정신과 지구를 풍요롭게 하고, 별과 영혼을 재증발시키고, 공간을 진동시키는 위대한 보편적 생명체는 본질적으로 박동하는 것으로서, 지배와 모토로 작용한다.사랑, 지혜, 빛으로 만들어진 보편적 아름다움이 빛나고 영원히 반영되는 영원의 무한한 리듬과 신비, 신성한 거시적, 인간적 축소판 속에 있는 우주, 존재와 사물, 인간이든 인간이든 인간이든 인간이다.^[43]

이 그림의 남성들은 이상화되고 성가신 형태로 잉태되고 있다: 벨라단을 따라 델빌이 발달한 개념은 남성원리와 여성원리를 합성한 인간 상태의 비에로틱적인 완벽함의 이상을 o에 선행하는 인간완성의 원초적 상태를 모사하는 개념으로 표현하기 위해 개발되었다.너의 분열, 현실의 이중적 경험은 우리의 지구적 화신이다.^[44]

영혼의 사랑 (L'Amour des Ames, 1900)

템페라와 오일은 캔버스에 268 x 150 cm이다. 브뤼셀: 뮤제 공동 데 보-아트 d'익셀레스

이것은 의심의 여지없이 델빌의 가장 미묘하게 표현되고 아름다운 시대의 이미지 중 하나이다. 델빌은 남녀 영혼의 결합을 우주적 배경에서 그린다. 이 그림은 델빌과 그의 동시대 사람들에게 영적인 안드로지니를 낳게 하는 인간 경험의 이중 남녀 원리에서 단결로 복귀하는 것에 대해 중요한 주제를 제시하고 있다. 남성 에너지와 여성 에너지가 하나로 뭉쳐 비(Being)의 고결함과 완전한 단결 상태를 형성한다. 그것은 정반대, 극성과 불화를 넘어 존재의 목표에 대한 우주적 개념이다. 이 상태는 시공간과 물리적, 물질적 존재의 이중성을 넘어 우리를 우주적 정신으로 통합시키는 대립의 완전성과 통합의 원상태로 되돌아가는 것을 의미한다. 이 영적 결합은 초월적인 존재, 즉 안에 있는 우주 그리스도를 낳는다. 델빌은 종종 이중성의 본질과 반대파의 힘, 그리고 이것들을 조화롭게 이끌어낼 필요성, 즉 평형을 이루는 것에 대해 썼다. 사실 그는 '세계 질서에서의 평형'이라고 하는 것과 관련된 근본적 '법'으로서 자연(인간뿐만 아니라 자연계에서도)의 반대 경험을 이해했고, 이에 관해서 다음과 같이 썼다.

반대되는 외양에도 불구하고, 모든 힘, 자연의 모든 발현들은 부정할 수 없는 아스트랄적인 영향인 음극성과 양의 극성의 전류로 서로에게 영향을 미친다. …그러나 인생의 큰 대조는 모든 불행과 모든 고난의 책임이 있다; 그들이 혼돈의 생산에 책임이 있는가? 큰 실수: The Great and the Small, the Strong and the Weak, the High and the Low, the Active and the Passive, the Full and the Empty, the Weighty and the Dense, Exterior and Interior, the Visible and the Invisible, the Beautiful and the Ugly, the Good and the Bad, Essence and Substance, Spirit and Matter are divergent forces which eternally constitute the g세계 질서의 평형 리트 그것은 자연법칙이며, 어떤 철학도, 어떤 독단도, 어떤 교리도 결코 그것을 지배하지 않을 것이다.^[45]

이 작품의 배경은 중요하다. 델빌은 인물들을 불확실하고 우주적인 설정으로 배치하여, 그것들이 인간의 실체를 가진 인물들이 아니라 오히려 남자와 여자의 초월적인 영적 본성의 상징임을 시사한다. 그들을 둘러싸고 있는 색깔의 리본은 그들이 부력을 받는 유동 에너지장을 암시한다; 델빌과 그의 동시대 사람들이 종종 '별빛'이라고 부르는 아이디어는 살아있는 실체를 애니메이션으로 만드는 에너지 힘; 양자물리학에서 '장'의 아이디어와 매우 유사하다.

델빌은 템파에서 이 작품을 그렸는데, 템파에서는 색소를 달걀 흰자와 섞어 광채나는 마무리감과 내구성이 뛰어난 예술 작품을 만들었다. 그는 이탈리아 르네상스 시대의 예술가들로부터 많은 영향을 받았으며, 그들은 템페라를 그들의 작품에 자주 사용했으며, 오늘날까지 색채와 광채의 순수성을 높은 수준으로 유지하고 있다. 클로즈업된 디테일을 보면 팔레트의 색상을 혼합하기보다는 작은 획으로 페인트를 칠한 그의 기법이 눈에 잘 띄지 않는다. 이 효과를 얻기 위해서는 드로츠맨으로서 고도의 기술을 갖춰야 한다.^[46]

캐릭터

델빌의 아들 올리비에르는 그의 전기에서 자신의 이상을 세상에 물려주기로 결심한 그의 아버지가 끊임없이 그림을 그리고 글을 쓰고 있었다고 말한다. 그는 예술을 가르침으로써 이 신뢰할 수 없는 수입을 보충했지만, 그의 바쁜 직업 생활은 그가 강하게 갖고 있는 신념을 그의 사생활에 적용하는 것을 막지 못했다. 올리비에르는 아버지를 용기, 인내, 성실, 지성을 갖춘 사람일 뿐만 아니라 여섯 자녀에게 엄격했던 꼿꼿한 가정적인 사람으로 묘사한다.

레거시

델빌은 여전히 상징주의 시대의 그의 동시대 사람들만큼 잘 알려져 있지 않다. 이것에는 역사적인 이유가 있다. 예를 들어, 그는 레스 XX나 라 리브레 에스떼티크 같은 그의 경력 초기에는 브뤼셀의 주요 전시회에서 전시한 적이 없다. Khnopff, Mellery, Ensor와 같은 동시대인들의 명성은 조직화된 마케팅 캠페인을 통해 그들의 예술을 크게 홍보하고, 그곳에 전시된 예술에 투자하기 위해 딜러와 수집가들의 상업적 네트워크를 구축함으로써 크게 확립되었다. 그들은 또한 그들의 예술을 국제적으로 잘 알려지게 하는데 매우 성공적이었다. 그들이 그곳에서 전시된 예술에 대해 바람직한 상품으로 분위기를 조성하는 방법에는 이들 사회와 연관된 공공연한 상업적 요소가 있었다. 델빌은 예술의 상업화와 그것이 엘리트 상품으로 제조되는 방식을 피했다. 푸르 라트, 살롱다르트 이데이스테 등 자신의 소사이어티에서 작품을 판매했지만 이들의 목적은 주로 이상주의적인 분위기에서 활동하는 예술가들을 위한 포럼을 만드는 데 있었다. 델빌은 주로 예술을 사회를 변화시키고 주위 사람들의 삶을 향상시키는 힘으로 이용하는데 전념했다. 그는 다음과 같이 썼다: '예술이 점점 더 그 사명을 의식하여 사회에서 교육적인 힘이 되는 것을 막을 수 있는 것은 없을 것이다. 예술로, 이상과 미로 사회를 관통해야 할 때다. 오늘날의 사회는 점점 본능에 빠지는 경향이 있다. 그것은 물질주의, 관능주의, 그리고 ...상업주의로 가득 차 있다.^[47]

델빌은 오히려 사회의 인공호흡을 하는 것이 물질주의의 병폐로부터 사회를 구제하기 위한 구원의 길이 될 것이라고 믿었다. 그가 쓴 다른 책들: '이상주의... 교육적, 사회적 영향의 보편화... 이상주의는 인류를 그의 이상적 미래라는 거대한 생명력의 관점에서 본다. 화가가 이를 알아차리기 위해서는 자신을 정화시키고 고양시키는 것이 필요하다……. 현대 이상주의의 역할은 예술적 기질을 물질주의의 치명적인 전염병에서 벗어나게 하고 마침내 그를 미래 영성의 전조인 예술의 정화 지역으로 인도하는 것이다.'^[48]

델빌은 경력 초기 동안 필사적으로 가난했으며, 글래스고 미술대학원에서의 취업뿐만 아니라, 나중에 에콜 데보아트에서도 우승한 로마 프릭스와의 관련 규정에 의해 그의 상태는 이따금씩 완화될 뿐이었다. 델빌은 결코 딜러들에게 팔지 않았고 초상화(그가 뛰어났을 장르)에 대한 사적인 수수료를 거의 맡지 않았다. 그의 그림 대부분은 웅대한 규모였고 그는 예술이라는 사회적 역할에 대한 그의 이상을 따라 공공장소에서 전시하기 위해 이 그림들을 고안했다. 따라서, 델빌의 예술과 관련된 좋지 않은 평판은 부분적으로 그의 작품에 대한 어떠한 헌신적인 노출과 지속적인 마케팅의 부족과 관련이 있을 것이며, 이것은 초기 아방 가르드의 평판을 형성하는 데 필수적이었다. 델빌은 벨기에의 현대 부르주아 중심의 문화에서 큰 단점이 되었던 노동자 출신이기도 하다. 이는 분명 시간이 흐르면서 예술가로서의 가치를 지우는 데 기여했을 것이다. 그리고 마침내 델빌은 그의 사상과 예술적 이상을 홍보하는 접근법에서 맹렬하게 독립하여, 그의 형성기 동안 예술 시장을 지배하고 지배했던 보수적인 부르주아 사회에서 대중적이거나 수용되는 것의 의지에 좀처럼 굽히지 않았다. 주류 비평가들과 동료들은 그 결과 일반적으로 그의 예술과 이상을 피했다. 그의 엄청난 재능과 비전에도 불구하고, 델빌은 이 기간 동안 '황야의 목소리'로 남아 있었다. 이 명성은 그의 생애 동안 그리고 그 이후에도 계속 유지되었다.^[49]

델빌의 명성과 관련된 또 다른 큰 단점은 공공 박물관에서 그의 주요 작품들의 제한된 노출과 델빌의 예술과 경력에 관한 출판 자료의 상대적 빈곤과 관련이 있다. 브뤼셀 미술관은 지금까지 어떤 공공 소장품보다 많은 작품을 소장하고 있지만, 이 중 공개 전시된 작품은 거의 없다. 벨기에의 다른 센터(예: Bruges와 Antwerp)에서도 이와 같은 경우가 있다. 그의 작품들 중 몇몇은 벨기에 밖의 주요 박물관에서 볼 수 있을 것이다; 파리의 오르세 미술관에 있는 그의 작품을 제외하고는 말이다. 그의 작은 작품들 중 많은 것들이 사라진 지 오래되었거나 파괴되어, 그의 현존하는 작품 목록에는 눈에 띄는 빈틈이 남아 있다. 그의 Cycle passionnel과 La justice a travers les arge와 같은 주요 그림들의 상실은 또한 그의 알려진 작품들의 영향을 감소시킨다. 게다가, 그의 작품들 중 많은 수가 개인 소장품이고 그들의 행방은 여전히 결정되어야 한다. 이 모든 것은 그의 작품에 대한 접근이 극도로 제한되어 있다는 것을 의미하며, 그것들은 '공공의 시선'에서 벗어나지 않으며, 따라서 일반적으로 집단적 상상력을 발휘한다. 그의 그림들과 그림들의 일부 재현들은 인터넷에서 구할 수 있지만, 대개는 그들의 영향을 상당히 줄여주는 질이 좋지 않다. 마지막으로, 아주 최근까지, 화가의 작품에 대한 주요 연구나 단자화는 없었으며, 지금까지 화가의 삶과 예술, 그리고 사상에 대한 우리의 이해에 상당한 격차를 남겨두었다.

그럼에도 불구하고, 그의 작품과 아이디어에 대한 관심의 부활이 일어나고 있는 것으로 보이며, 특히 최근 나무르에서 열린 중요한 회고전으로 많은 중요한 그림들과 그림들이 한데 모였는데, 그 중 많은 것들은 19세기에 처음 전시된 이래 대중들 앞에서 볼 수 없었던 것이다. 델빌의 상속인 및 재산과 협력하고 있는 몇몇 벨기에와 영국의 미술사학자들 또한 델빌의 삶과 예술의 측면에 대한 자세한 연구와 모노그래프를 통해 처음으로 그의 삶과 일의 세부적인 면들을 드러내면서 델빌의 작품에 새로운 관심을 보이고 있다('소스' 참조).

엄선된 예술 작품

인쇄 및 도면

• L'Agonie de Cachaprés (1887), 종이에 숯, 33 x 34.5 cm. 브뤼셀: 뮤제 딕셀레스, 인바운드 CL240
• Tristan et Ysult, (1887), 종이 위에 연필과 숯, 44.3 x 75.4 cm. 브뤼셀: 벨기에 왕립 미술관, inv. 7927.
• Le Dernier Sommeil (1888) , 숯, 44 x 57 cm. 개인 소장품 (죽은 침대에 있는 그의 할머니의 초상화)
• 멘디안츠 아 파리 (1888), 종이 위에 연필, 48.2 x 66.2 cm. Tournai: Musée des beaux-arts.
• Les Las d'Aller(1890), 종이에 연필, 8.7 x 10.7cm. Tournai: Musée des Beaux-arts.
• 벨기에 왕립미술관 (Le Cycle des passion, 1890), 브뤼셀: 벨기에 왕립미술관.
• 알레고리 데 린퍼 (Azrael), (1890) 개인 소장품.
• 파르시팔(1890), 종이에 숯 70.7 x 56 cm. 개인 소장품.
• L'Idole de la perversité(1891), 종이 위에 연필, 98.5 x 56.5 cm. 개인 소장품.
• La Méduse(1891), 연필, 잉크 및 혼합 매체, 15.2 x 35.6cm. 시카고: 시카고 미술대학.
• 초상화 드 스튜어트 메릴 또는 미스테리오사, 파스텔, (1892) 종이에 연필과 컬러 파스텔, 40 x 32.1 cm. 브뤼셀: 벨기에 왕립 미술관, inv. 12029.

그림

위키미디어 커먼즈에는 장 델빌과 관련된 미디어가 있다.

• 라 쿨레 다시에 (1886)
• 라파메(1887), 캔버스에 기름 80x100cm. 개인 수집(최근 다시 검색됨)
• La Symbolicization de la Chair et l'Esprit(1890), 위치 미상.
• La Morte d'Offée(1893), 캔버스에 기름 79.3 x 99.2cm. 브뤼셀: 벨기에 왕립 미술관, inv. 12209.
• 르 크라이스트 미화 파르 레 앙팡트(1894), 캔버스에 기름 222 x 247cm. 앤트워프: 미술 아카데미(Prix de Roma entry)
• L'Ange des Splandeurs (1894), 캔버스에 기름, 127 x 146 cm. 브뤼셀: 벨기에 왕립 미술관, GC179.
• 초상화 du grand maître de la Rose-Croix, Joséphin Péladan en pattery de chœur, 1894, 캔버스에 기름 242 x 112 cm. 네메스: 뮤제 데 보아트
• 1895년 레 트레소르 드 사탄, 캔버스에 기름 258 x 268cm 브뤼셀: 벨기에 왕립 미술관, inv. 4575.
• 로라클 아 도도네(1896), 캔버스에 기름 118 x 170 cm. 개인 소장품.
• L'école de Platon, (1898) 캔버스에 기름, 260 x 605 cm. 파리: 오르세, RF1979-34
• L'Amour des armes (1900), 템퍼와 기름, 캔버스에 268 x 150 cm. 브뤼셀: 뮤제 공동 데 보-아트 d'익셀, 1942년.
• 옴므-디유, (1903) 캔버스에 기름, 500 x 500 cm. 브루즈: 그루네무스움.
• 프로메테(1907), 캔버스에 오일 500 x 250 cm. 브뤼셀: 리브레 드 브룩셀레스 대학
• 라 저스티스 아 브뤼셀의 팔레 드 저스티스 (1911–14) 2차 세계대전 말 독일의 폭격으로 파괴되었다.
• L'Oubli des 열정(1913), 캔버스에 기름 169 x 146 cm. 개인 소장품.
• Le Génie banyqueur(1914/18), 캔버스의 오일, 460 x 350 cm (?). 브뤼셀: 팔레 드 저스티스.
• La Belgique 불분명한(1916), 캔버스에 기름, 177 x 127 cm. 위치를 알 수 없음.
• 초상화 de la femme de l'artiste, (1916). 브뤼셀: 벨기에 왕립 미술관.
• Sur l'autel de la patrie(1918), 캔버스에 기름 305 x 205. 브뤼셀, 왕립미술관.
• 레미어(1919), 캔버스에 기름 112 x 144cm. 디넌트: 시 컬렉션, inv. 203.
• 단테 부반트 레 드 레테(1919), 142 x 179cm. 개인 소장품.
• 레스 힘 (1924), 캔버스에 오일, 500 x 800 cm. 브뤼셀: 팔레 드 라 정의.
• Hélene, Le fille du Cyne(1928), 캔버스에 기름, 205 x 135 cm. 개인 소장품.
• L'Ecole du Silence(1929), 캔버스에 기름 180 x 153 cm. 대만: 치메이 박물관.
• 레 테네브레 아 라 루미에르(1929), 캔버스에 기름, 205.5 x 93.5 cm. 개인 소장품.
• Le dieu boycu par l'amour(1930). 개인 소장품.
• Les Femmes d'Eleusis, (1931), 캔버스에 기름 110 x 140 cm. Tournai: Musée des Beaux-arts.
• Le Secret de la Tombe(1931), 캔버스에 기름 135 x 195 cm. 개인 소장품.
• 레 데니에르 우상(1931), 캔버스에 기름 450 x 300 cm. 개인 소장품.
• 세라피투스-세프라피타(1932), 캔버스에 기름 187 x 103cm. 개인 소장품.
• L'Extase de Danté(1932), 캔버스에 기름 159 x 53.5. 개인 소장품.
• 르레브 데 라무르(1933년), 트립티치, 캔버스에 기름, 133 x 298cm. 개인 소장품.
• Le Christ en Deuil (1933년), 캔버스에 기름, 200 x 215 cm. 개인 소장품.
• Les Idées(1934), 캔버스에 기름 210 x 280 cm. 개인 소장품.
• La Libération(1936), 캔버스에 기름 180 x 250 cm. 개인 소장품.
• Le Dieu de la Musique (1937), 캔버스에 기름 240 x 146 cm. 브뤼셀: 로얄 음악원.
• Le voile de la nuit (1937), 캔버스에 기름 168 x 127. 개인 소장품.
• 레 쿼트레스 쿠마라스(1938), 캔버스에 기름, 112 x 56 cm. 개인 소장품.
• 페가수스(1938), 캔버스에 기름 114 x 95cm. Mons: Musée de Beaux-arts de Belgque, inv. 285.
• 르 플레우 또는 라 포스(1940), 캔버스에 기름, 135 x 194cm, 브뤼셀: 갈레리 우잘.
• La Roue du monde(1940), 캔버스에 기름, 298 x 231.1 cm. 앤트워프: 왕립미술관, inv. 2607.
• 레즈 아메스 착란(1942년), 캔버스에 오일, 150 x 330cm. 개인 소장품.
• La vision de la Paix (1947년), 캔버스에 오일, 100 x 120 cm, 개인 소장품

출판된 작품

책들

• 르 센스 드 라 비에 (n.d.)
• 리데알 메시아니크(nd)
• 대화 엔트레 누스 주장 갑발리스티크, 오컬티스트, 이데알리스테(브루주: Daveluy Freres, 1895).
• 라 미션 드 라아트. 에뛰드 데세티크 이데알리스테 프레페이스 데두아르 슈레 (브룩셀: 조르주 발라트, 1900).
• 르 미스테르 드 레볼루션 오 드 라 겔레알로기 드 라 하프레스 라 테오소피 (Bruxelles: H. Lamertin, (1905)
• 프로블렘 드 라 비 모데네(Bruxelles: "En Art", 1905).
• 디우엔 누스 에사이 테오소피크 데망쿠엘레. 콘페렌스 파이트 아 라 브랑체 센트랄 벨게 데 라 소시에테 테오소피크 (Bruxelles: c.1905)
• Le Christ Reviendra, Le Christ en Face de l'Eglise et de la Science (Paris : Editions Théosopique, 1913)
• Forces pr. Jean Delville, Professesseur, ar l'occaschion de l'l'Année 1921–1922, Ville de Bruxelles:Académie Royale des Beaux-Arts et Ecole des Arts Décoratifs (Bruxelles: E Guyot, 1923)
• La Grande Hérarchie Occulte et la Video d'un Directeur Mondial (Bruxelles: Les Press Tilbury, 1925).
• Sur L'Art Moderne, Ledeberg-Gand, Imprimerie Jules de Vreese, 1926(Extrait du Bulletin Des Commissions Royales D'Arch & D'Archéologie LXV e Anne, 1926).
• 크리슈나무르티, 레베라투르 데 템스 누보(Bruxelles: Office de Publicité, 1928).
• La Craeation d'un Conseil Supérieur des Beaux-Arts. Voe de la Classe de Beaux-Arts de l'Academie Royale de Belgque(브룩셀: Lamertin, 1935)

시문집

• 레스 호라이즌 한테스(브룩셀: 1892년).
• 르 프리송 뒤 스핑크스 (Bruxelles: H Lamertin, 1897).
• 레스플렌데우르스 메콘(브룩셀: 1922년 오스카 램프리트).
• Les Chants dans la Clarté (Bruxelles: ar l'enseigne de l'oiseau bleu, 1927).

최근 전시회

• 2015. 2014년 나무르에서 전시된 작품들에 대한 스톤벨 하우스, 시티 아트 갤러리, 프라하 전시회 그림.
• 2014년, 뮤제 롭스, 나무르 장 델빌: Maïtré de L'idéal Small, 그러나 중요한, 델빌의 대표작 전시.

온라인 카탈로그: 장 델빌: 프랑스어로 된 전시회의 Maïtré de L'Idéal Catalogue (잘 삽화)

대중문화

스웨덴의 스매시 메탈 밴드 헥센하우스(Hexenhaus)는 앨범 'A Remerit to the Imadiant(1988)의 표지에 레스 트레소르 드 사탄(Les Tresors de Sathan)이라는 그림을 사용했고, 미국의 데스 메탈 그룹 'Diral Angel'도 2집 'Bless Are the Bited'(1991)의 표지에 사용했다. 이 그림은 앨런 무어의 코믹 프로비던스 (Avatar Press) (Avatar Press) (12장 3장)에서도 인용되고 묘사되고 있다.

원천

• Brendan Cole, Jean Delville, Art between Nature and the Absolute, Newcastle: Cambridge Scholars 출판, 2015.
• 브렌던 콜, '제안 델빌과 벨기에 아방가르드: 상징주의 로지나 네긴스키(ed.)에서 '언아트 아나콘시아테우르 데스 영적세'의 미래를 위한 반물질주의 폴레믹스. 그것의 기원과 결과, 뉴캐슬: 케임브리지 학자들 출판, 2010 페이지 129–146.
• 미리암 델빌, 로우룩스의 'Jean Delville, mon Grand-pere' 등. 장 델빌, 파리 마트레 드 리데알: 소모지 에디션 다르트, 2014, 페이지 14–36.
• 올리비에 델빌, 장 델빌, 핀트레, 1867–1953, 브뤼셀: 라콘티, 1984.
• 미셸 드라기엣(에드), 스플렌더 드 리데알. Rops, Khnopff, Delville 외 Leur temps. Liége: Musée de l'Art wallon, du 17 옥토브르 décembre 1997.
• 도널드 플래넬 프리드먼, , L'évocation du Liebestodd par Jean Delville », La Peinture (d)écrite, Textyles, n° 17–18. 브루셀레스: 르 크리 에디션, 2000, 페이지 79–84.
• 데니스 로이룩스 외, 장 델빌(1867–1953) 마이트레 드 리데알. 파리: 2014년 소모리아 에디션 다르트.
• Francine-Claire Legrand, Le Monstrumente en Belgech Brussell: Laconti, 1971년.
• 프랑신-클레어 레그랜드, 'Jean Delville Peintre Idéaliste', 올리비에 델빌의 Jean Delville, Peintre, 1867–1953, 브뤼셀: 라콘티, 1984년, 페이지 62–94.

참조

외부 링크

델빌의 작품

• 장 델빌. La Mission de l'Art Delville의 Archive.org의 이상주의 미학에 관한 연구
• 장 델빌. Delville's La Mission de l'Art의 새로운 아트 미션 영어 번역 Archive.org
• 장 델빌. 벨기에 예술은 제1차 세계대전 당시 벨기에의 전쟁 노력을 위한 자금을 마련하기 위해 벨기에 예술가를 소개하는 것으로 델빌의 소개로 편집되었다.

델빌 관련 에세이

• 델빌의 라 미션 다트는 델빌의 미적 저술에 대한 상세한 분석을 했다.
• 장 델빌과 벨기에의 아반트 가르드 에세이는 델빌의 현대 아반트 가르드와의 갈등에 대해 다루고 있다.
• Delville의 글과 시에 대한 Jean Delville 에세이 (프랑스어)
• 장 델빌과 현대 난해한 전통 에세이(프랑스어)가 현대 벨기에 문화의 난해한 조류에 델빌의 작품에 미치는 영향에 관한 것이다.
• 델빌의 라 메두세(1893년), 시카고 미술대학에 관한 라 메두세 기사.
• L'évocation du 'Lievestod' par Jean Delville 기사 (프랑스어)는 델빌의 트리스탄 외 이설트(1887년)의 측면에 관한 기사였다.
• Lynda Harris Jean Delville: 그림, 영성, 그리고 Essoteric Original은 원래 2002년 5월 6월 퀘스트지에 인쇄되었다. 인용: 해리스, 린다 "장 델빌: 그림, 영성, 난해한 자." Quest 90.3(2002년 5월 – 6월)
• '테오소피디아' 벨기에의 테오소피컬 협회에서의 델빌의 활동에 대한 세부 사항.

델빌의 예술을 보여주는 웹사이트

• 장 델빌: 영적 아름다움의 시작 델빌의 작품에 관한 훌륭한 블로그/웹사이트 그의 작품을 자세히 재현했다.
• 델빌의 예술에 대한 최근 연구
• 델빌의 보스턴 대학 정보 페이지
• 델빌의 ArtCyclopedia 목록
• 델빌 플라톤 학교에 오르세 미술관 입장
• Delville의 아트 리뉴얼 센터 엔트리