Historia del Arte

1. Conceptos básicos
2. Origen del dibujo
3. Concepto de dibujo artístico
4. Instrumentos y soportes utilizados
5. El arte en la historia
6. Bibliografía

1. CONCEPTOS BÁSICOS:

- ARTE: Acto mediante el cual, valiéndose de la materia o de lo visible, imita o expresa el

hombre lo material o lo invisible, y crea copiando o fantaseando. En sentido amplio, podemos
denominar como Arte a toda creación u obra que exprese lo que el hombre desea exteriorizar,
obedeciendo a sus propios patrones de belleza y estética. El artista para crear, requiere ante
todo estar dotado de imaginación, a través de la cual responde al vasto y multiforme mundo
externo expresando sus sentimientos por medio de palabras, formas, colores y sonidos.

- ARQUITECTURA: En un sentido corriente, la Arquitectura es el arte de construir, de acuerdo

con un programa y empleando los medios diversos de que se dispone en cada época; así
podemos definirla como el arte de proyectar y construir estructuras. La misma tiene un sólido
fundamento científico y obedece a una técnica compleja, por esta razón se dice que sólo es
arte cuando la construcción es expresiva de la voluntad espiritual de una época y esa
expresión arquitectónica es el resultado de todos los elementos constitutivos que emanan
esencialmente de las relaciones que se entablan con el espacio que conforma la obra y el
espacio que lo circunda. De allí cabe resaltar que la Arquitectura es el arte de conformar el
espacio, transformándolo. En sus más acabadas manifestaciones, la Arquitectura logra unir la
belleza y la utilidad, a tal punto que una depende de la otra, pues una obra no es hermosa si no
se adapta al fin para el cual se destina.

- ESCULTURA: La Escultura es el arte de crear formas expresivas de tres dimensiones reales,

sean volúmenes, cuando se emplean materiales compactos, sean objetos en los que
predomina el espacio, apenas delimitado o indicado mediante ejes que lo recorren, cuando se
emplean materiales que pueden reducirse a hilos, cintas, cuerdas, etc. o materiales
transparentes. La primera forma es la tradicional, la segunda se desprende del carácter que
tiene la escultura de vanguardia, pero ambas afirman la tridimensionalidad. El escultor
tradicional crea formas volumétricas modelando una sustancia dotada de cierta plasticidad,
como la cera y la arcilla húmeda, o tallando materias duras como la piedra, el granito, la
madera, el marfil, o bien haciendo moldes que le permiten reproducir en relieve lo que aquellos
representan en hueco. El escultor moderno crea formas espaciales utilizando piezas de hiero
fundido, hilos de alambre, cintas de acero, filamentos de madera, cuerdas de violín y materiales
plásticos variados.

- PINTURA: Arte que representa en superficie plana cualquier objeto real o imaginario por
medio del dibujo y el color. Los testimonios más antiguos del arte humano son dibujos y
pinturas que los primitivos habitantes del planeta dejaron en cavernas prehistóricas, estas
pinturas fueron llamadas Rupestres. Desde el punto de vista técnico la pintura se dice que es
al fresco cuando se aplica a paredes y techo usando colores disueltos en agua y cal; al óleo
cuando ha sido elaborada con colores desleídos en aceite secante, por lo general sobre una
tela. La pintura al pastel se efectúa con lápices blandos y pastosos; la acuarela emplea
colores transparentes diluidos en agua; a la aguada se llama el procedimiento de emplear
colores espesos, templados con agua de goma y miel; pintura al temple es la preparada con
líquidos glutinosos y calientes, en ella se emplea entre otros productos, el agua de cola. En la
llamada de porcelana se usan colores minerales endurecidos y unidos por medio del fuego.

- ARTES VISUALES: En su sentido más general, son las que se relacionan con la impresión e
ilustración, las que se expresan por medio de gráficos e imágenes; abarca todas las artes que
se representan sobre una superficie plana. Las Artes Visuales tienen como función el
comunicar lo que el artista desea expresar por medio de un lenguaje visual, atendiendo tanto a
los elementos compositivos como a los principios compositivos, para que la obra en sí resulte
agradable y de buen gusto para quien la observe.

2. ORIGEN DEL DIBUJO

Desde la prehistoria el hombre trató de reproducir en las paredes de las grutas las formas de
los animales que había observado, logrando representar sus movimientos, la masa y la forma
de los cuerpos; así, nace este arte que es uno de los primeros practicados por el ser humano,
que siempre ha procurado representar los objetos como sus ojos los veían. El hombre a través
del tiempo deja su huella traduciendo la impresión que le transmite un objeto reproduciendo su
forma, su tamaño y su volumen, bien por medio de un trazo, como en el arte egipcio, griego y
japonés, bien sugiriendo sobre todo el aspecto del relieve por el juego de las sombras y de la
luz; este último modo de expresión es ya visible en los frescos de Pompeya y en los artistas del
Renacimiento italiano, como Leonardo De Vinci. En términos generales, este arte se ha
desarrollado en función de las condiciones de existencia de cada época, de cada cultura y de
los progresos y conocimientos acerca de los instrumentos y técnicas utilizadas por los artistas.

3. CONCEPTO DE DIBUJO ARTÍSTICO

Es la representación de un objeto por medio de líneas que limitan sus formas y contornos. Se
trata de una abstracción de nuestro espíritu que permite fijar la apariencia de la forma, puesto
que el ojo humano sólo percibe masas coloreadas de diversa intensidad luminosa. El dibujo es
el arte de representar gráficamente sobre una superficie plana de dos dimensiones objetos que,
por lo regular, tienen tres. También, debemos tomar en cuenta que el dibujo es la base de toda
creación plástica y es un medio arbitrario y convencional para expresar la forma de un objeto
por la línea, un trazo y juegos de sombras y luz. Lo que caracteriza al dibujo es la limitación de
las formas mediante líneas; esto lo diferencia de la pintura, en la cual la estructura de los
planos se logra mediante masas coloreadas. El dibujo es un elemento abstraído del complejo
pictórico, que en virtud de su fuerza expresiva, se convierte en un arte independiente.

4. INSTRUMENTOS Y SOPORTES UTILIZADOS

Las técnicas del dibujo son diversas y han variado con el tiempo; en general, los instrumentos
más utilizados son el lápiz, la pluma (tinta china o sepia), el carbón, el pastel, el óleo, etc. El
hombre prehistórico adornaba los muros de las cavernas o ciertas figuras de marfil, hueso, de
hasta de reno o esteatita utilizando buriles y raspadores de sílice, clavos, alfileres, etc. Las
pinturas primitivamente las hacían con los dedos, pasando luego a realizarlas empleando
pinceles de plumas o de madera astillada. Los colores consistían en tonos negros, rojos,
amarillos y pardos, obtenidos mediante la pulverización de arcillas rojas, de trozos de ocre
amarillo y rojo mezclados con grasas o con jugos vegetales. Los pintores egipcios cubrían la
superficie a pintar (madera, piedra), con una capa de estuco, luego realizaban el dibujo con
color rojo, para después trazar el contorno de la figura con negro; esta preparación permitía
que al contacto de los óxidos de la materia colorante con el soporte, se operara una reacción
química, dando como resultado la fijación de los pigmentos. Los romanos emplearon la técnica
del fresco en los muros, al temple (en cuadros) y la encaústica en retratos. En el arte de la
Edad Media se destacan los mosaicos, muchos de ellos realizados con vidrio esmaltado,
cortados en pequeños trozos, sobre un fondo dorado. Hasta el siglo XV, las pinturas de tamaño
grande todavía se ejecutaban al temple, esto es, con pigmentos molidos y mezclados con algún
aglutinante; el agente más común era la yema de huevo, adelgazada con agua hasta donde
fuera necesario; se pintaba sobre estuco blanco, aplicado previamente en una capa muy
delgada a la tabla o lienzo. El fresco, es un método parecido que se aplicó para pintar el interior
de las paredes y muros, fue muy utilizado. Las técnicas pictóricas empleadas por los pintores
barrocos fueron al temple y al óleo en diversas dimensiones o planos. La sutil gradación de la
luz y la sombra en La Virgen de las Rocas, de Leonardo, o en Mujer bañándose en un arroyo,
de Rembrandt, no se hubiera logrado más que con el óleo; los pigmentos coloreados se
mezclaban con aceite y se diluían, para darles la consistencia conveniente, con una mezcla de
aceite de linaza y aguarrás. Los pintores Flamencos, como Van Eyck, usaron el método
transparente, que consistía en aplicar la pintura en capas muy delgadas sobre fondo blanco, la
obra se pintaba por secciones y al terminar cada una, se dejaba secar el exceso de aceite.

5. EL ARTE EN LA HISTORIA

- PREHISTORIA

ÉPOCA PALEOLÍTICA

Las manifestaciones pictóricas de esta época son llamadas pinturas rupestres. Estas pinturas
se han localizado en diversas regiones del mundo, generalmente en las paredes de cuevas y
cavernas, alcanzando grandes dimensiones. La pintura rupestre responde a la expresión de
una cultura cazadora, se le atribuye un carácter mágico – religioso porque se presume fueron
realizadas como rituales para conseguir buena cacería. Las figuras que pintaban eran de
animales, estas primeras manifestaciones plásticas en el principio eran líneas trazadas con los
dedos sobre las partes blandas de las paredes de la cueva, luego interviene el color, rojos y
negros mayormente. A esta primera fase del arte rupestre se le ha denominado Auriñaciense,
en esta fase las figuras aparecen hechas con trazos burdos, los animales los realizan de perfil y
las figuras se presentan aisladas. Luego, hay una segunda fase, la Solutrense, en donde se
observan ciertas figuras moldeadas, interviene el color y los perfiles aparecen paralelos;
posteriormente, hay una tercera fase llamada Magdaleniense, en ella se presentan escenas de
caza, de lucha, etc. y se observa una asociación de la figura humana con la figura animal en las
representaciones, hay variada policromía y el empleo del claroscuro como elemento expresivo.
Hacia finales del Paleolítico, la característica esencial de las pinturas es la esquematización de
las formas, adquiriendo así mayor movimiento y dinamismo.

PINTURA: Las primeras manifestaciones pictóricas provienen de la época paleolítica o de la

Piedra Tallada, a esta se le denominó Pintura Rupestre. Estas pinturas se han localizado en
diversas regiones del mundo, generalmente en las paredes de cuevas y cavernas, alcanzando
grandes dimensiones. Responden a la expresión de una cultura cazadora, se le atribuye un
carácter mágico-religioso porque se presume fueron realizadas como rituales para conseguir
buena cacería. Las figuras que pintaban eran de animales, estas primeras manifestaciones
plásticas en el principio eran líneas trazadas con los dedos sobre las partes blandas de las
paredes de la cueva, luego interviene el color, rojos y negros mayormente. Hacia finales del
Paleolítico, la característica esencial de la pintura rupestre es la esquematización de las
formas, adquiriendo así mayor movimiento y dinamismo.

ESCULTURA: Del Auriñaciense datan las primeras esculturas de forma humana. Son figuras
femeninas, en hueso, marfil o piedra, de pequeño tamaño, relacionadas con el culto a la
fecundidad. Se las conoce con el nombre genérico de Venus. Entre las más conocidas tenemos
a las Venus de Willendorf, Lespugue, Savignano y Grimaldi.

ARQUITECTURA: En el Neolítico o Edad de Piedra Pulimentada, la pintura y la escultura

pierden importancia y en cambio se desarrolla al final del período una arquitectura de enormes
piedras que recibe el nombre de Arquitectura Megalítica, formados por bloques inmensos de
piedras, estos monumentos son de varios tipos: Menhir, Trilito, Dolmen y Cromlech.

- ARTE EGIPCIO

La pintura egipcia posee una sensibilidad artística innata; resulta ser un medio excelente para
transmitir un mensaje estético, creando un ambiente cargado de religiosidad; en ella se observa
la pureza de la línea, la armonía de las formas, el equilibrio compositivo y una gran gama de
colores que la hacen atractiva, mágica, natural y contemplativa. Con respecto a la
representación de la figura humana, esta se caracteriza por los siguientes rasgos: Ley de
Torsión o Frontalidad: cabeza, brazos y piernas de perfil; hombros, ojos, vientre y pies de
frente. Se destaca la silueta de la figura. Es detallista. Utiliza trazo seguro y firme.
Superposición de figuras y gran colorido, logrando diversos tipos de armonías. Representación
de escenas de la vida real. Carácter decorativo en atención a que ella es empleada en las
paredes de templos, tumbas y palacios.

ARQUITECTURA: Una de las grandes creaciones del genio egipcio es la arquitectura, arte en
que dejaron monumentos que asombran por su grandeza, hermosura y por la habilidad de los
ingenieros constructores. Entre sus obras se destacan los Monumentos Funerarios: Mastabas,
Hipogeos y Pirámides, y los Monumentos de Culto: Speos y Templos.

PINTURA: La pintura egipcia posee una sensibilidad artística innata; resulta ser un medio
excelente para transmitir un mensaje estético, creando un ambiente cargado de religiosidad; en
ella se observa la pureza de la línea, la armonía de las formas, el equilibrio compositivo y una
gran gama de colores que la hacen atractiva, mágica, natural y contemplativa. La
representación de la figura humana se caracterizó por los siguientes rasgos: Ley de Torsión o
Frontalidad: cabeza, brazos y piernas de perfil; hombros, ojos, vientre y pies de frente. Se
destaca la silueta de la figura. Es detallista. Utiliza trazo seguro y firme. Superposición de
figuras y gran colorido, logrando diversos tipos de armonías. Representación de escenas de la
vida real. Carácter decorativo en atención a que ella es empleada en las paredes de templos,
tumbas y palacios.

ESCULTURA: A lo largo de su historia, la escultura egipcia pasó por distintas etapas en cada
una, por causas políticas y religiosas cambió de dirección, desde la inspiración naturalista a la
construcción idealizada de la figura. Se destacan: el Cheik-el-Beled, el Escriba Sentado,
Rahotep y Nefret, la cabeza de Nefertiti, los Colosos de Memmón y la gran Esfinge de Gizeh,
entre muchos otros.

- ARTE GRIEGO

Floreció entre los siglos VII y II antes de C., en Grecia y otros territorios del Mediterráneo
habitados por los griegos. Se caracteriza por su idealismo estético, proporcionalidad, equilibrio
de los elementos y su interés por reflejar la expresividad genuina en la figura humana; por ello,
desarrollaron una gran perfección en el dibujo. El atletismo, tan cultivado por estos pueblos,
brindó a los artistas sus mejores modelos. La sencillez, el ritmo, la claridad y la unidad dominan
todas sus formas artísticas; así, los griegos alcanzaron sus mayores logros en la cerámica, la
escultura y la arquitectura.

El arte griego comienza aproximadamente en los siglos V y IV. Se caracterizó por darle a sus
obras el mayor sentido de la proporcionalidad, por expresar armonía y equilibrio de elementos y
por reflejar una genuina expresión de humanismo. Grecia, es una pequeña península situada al
sureste de Europa. Pero en este pequeño país nacieron las primeras ideas que dieron forma a
la cultura occidental, de tal modo que nuestros conocimientos y modos de pensar son una
consecuencia de la filosofía, la ciencia y el arte de los griegos.

ARQUITECTURA: En la arquitectura griega no se empleó ni el arco ni la bóveda. El elemento

sustentador de sus monumentales obras fueron las columnas. El sistema de construcción
utilizado fue el adintelado. Se destacan por orden jerárquico, los templos como exponentes
principales, luego, los teatros, las acrópolis, los propileos, los estadios, los gimnasios y las
palestras, las ágoras y los monumentos funerarios. Los diferentes tipos y formas de columnas
dieron origen a los famosos órdenes arquitectónicos griegos: Dórico, Jónico y Corintio.

MATERIALES UTILIZADOS: Los griegos usaron de manera preferente el mármol, el cual

pulían de forma cuidadosa; también emplearon la piedra.

ESCULTURA: La escultura griega no está sujeta ni a reglas ni a convencionalismos. El escultor

tiene libertad de expresión, sin embargo, toda ella busca y logra la perfección humana, por
tanto es una escultura dedicada a exaltar la fuerza física, la perfección de los rasgos, el
movimiento y la expresión de la divinidad. Su tema central gira en torno a la figura humana. La
escultura griega pasa por 3 períodos épocas o fases evolutivas, con características propias en
cada una de ellas. Estas son:
- Arcaica: Se caracterizó por ser una época en donde los escultores buscan un estilo y una
técnica propios. En ella aparece la figura femenina y masculina, al inicio estas figuras eran de
tipo hierático, sin movimiento, pero luego surgieron ideas de movimiento, los brazos se
despegan del cuerpo y el rostro expresa una curiosa sonrisa. Las esculturas eran hechas como
ofrenda a los deportistas. Son de esta época: El Kouros de Anavyssos (atleta), la Dama de
Auxirre o Xoana (doncella vestida), la cabeza del caballero Rampios, etc.

- Clásica: esta época significó el período de mayor auge en todas las manifestaciones
artísticas y literarias. Los escultores logran la perfección de sus técnicas, así como las mejores
piezas escultóricas, en donde se observa la magnificencia de la figura humana. Esta época
tiene 2 períodos: el estilo Sublime, en el que se destacan escultores como Mirón, Fidias y
Polícleto, y el estilo Bello, donde se destacan Scopas, Praxiteles y Lisipo, ambos estilos tenían
características propias.

- Helenísta: esta época corresponde al fin del arte griego, las obras de esta época toma
modelos de las anteriores, perfeccionándolos, demostrando una gran capacidad de realización,
entra la figura del niño como tema. La escultura adquiere caracteres de monumentalidad,
dominando lo pintoresco, lo grotesco, lo episódico, etc. El retrato pasa a un primer plano. En
este período surgen diferentes escuelas, entre las más importantes: las Escuela de Pérgamo,
la de Rodas y la de Alejandría.

PINTURA: Muy poco es lo que se conoce de los pintores griegos, sin embargo, si es de
conocimiento la maestría que se manifestaba en los increíbles efectos de realismo que sabían
producir por descripciones de algunas pinturas. Pero su obra se ha perdido casi toda, y lo que
ha quedado son copias y fragmentos que no dan una idea clara de cómo era aquella pintura.
Se destacan: Polignoto, Apolodoro de Atenas, Agatarco de Samos, Zeuxis, Parrasio y Apeles.

CERÁMICA: Esta constituye en las artes menores la mejor y más variada expresión en lo que
a decorado y pintura se refiere. Esta variedad nos da una muy completa evolución de su
cultura. Con un estilo y técnicas propias, se caracteriza por tener formas variadas y originales,
predominan los elementos geométricos dispuestos en franjas, las tonalidades del barro, desde
el amarillo hasta el gris castaño, presenta figuras en rojo sobre fondo negro o rojo el fondo y
figuras negras, predominan formas animales y humanas.

- ARTE ROMANO

Resulta de las influencias etruscas y griegas, alcanzó su mayor esplendor en la época del
Imperio. Se desarrolló en Italia desde el año 200 antes de C., hasta el siglo IV después de C.,
algunos lo consideran inferior al arte griego, pero en realidad fue más variado, más flexible y en
ciertos aspectos se acerca más al arte moderno; así, su influencia en el arte de la Edad Media
y del Renacimiento fue notable. Sus mayores logros los presenta en el desarrollo de la
arquitectura; por ello, el dibujo y la pintura la realizaban a servicio de esta, predominando los
murales. Los temas eran asuntos bélicos, eróticos, leyendas heroicas, paisajes, marinas,
naturaleza muerta y el retrato. A partir del siglo I, se observan dos corrientes pictóricas o
estilos: el estilo Neoático, que se preocupa por la forma humana, resaltando asuntos de la
mitología y epopeya y el estilo Helenístico - Alejandrino, que pone de manifiesto la
preocupación por la pintura rural, se cultivan el paisaje y las marinas. Al iniciarse el siglo II
hasta el 79 de nuestra época (pintura en Pompeya), se observan cuatro estilos: de incrustación,
alejandrino o arquitectónico, ornamental y fantástico.

Roma fue un pueblo de labradores, de comerciantes, de guerreros. Los romanos mostraron

mayor interés por las cosas prácticas y sus obras artísticas llevan siempre un sello utilitario.
Pueblo dominador, fundador de un vasto imperio, el romano tuvo por preocupación
fundamental mantener el dominio sobre los territorios colonizados, para lo cual movilizó
poderosos ejércitos, dio vida a un denso cuerpo de leyes que apretó los lazos entre la metrópoli
y las provincias, y desarrolló una gigantesca labor constructiva con un variado repertorio de
formas arquitectónicas perfectamente adaptadas a sus fines. Sus dos grandes realizaciones
fueron el Derecho y la Arquitectura, pero su mérito principal es haber extendido la civilización
grecolatina por una vasta parte del mundo conocido.
ARQUITECTURA: Su finalidad es utilitaria, está concebida en función de las necesidades
privadas y públicas. Expresa la voluntad de poder y de mando del Estado romano, que se erige
como rector de la vida privada y pública de sus ciudadanos. Es monumental, hecha pensando
en la glorificación de Roma y para resistir el paso y el peso del tiempo. Más que la belleza
busca la majestad y la robustez, por lo que se muestra en grandes masas sólidas y pesadas.
Expresa el ideal de uniformidad del Imperio, que aspira a que todos los pueblos sujetos a su
dominio asuman una fisonomía material a imagen y semejanza de la Urbe. Alterna dos
sistemas conocidos: el de la columna y dintel (copiado de los griegos), y el arco y bóveda
(tomado de los etruscos). Sus principales monumentos fueron: el templo, la basílica, las
termas, los teatros, los anfiteatros, los circos, etc.

LA ESCULTURA: Se mueve entre los polos contrarios de idealismo y realismo y su tema casi
central es el retrato. En sus comienzos, la influencia etrusca se hace presente en algunos
bronces, luego la influencia griega a través de los escultores helénicos que vivían en Roma o
en la Magna Grecia, así como de las obras descubiertas en suelo griego y llevadas a Roma,
impulsa la corriente idealista. El enfrentamiento de ambas tendencias se advierte en obras del
período republicano.

PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS: Creada con un destino utilitario que se cumple en su

función narrativa, honoraria o descriptiva. Más que un arte es una artesanía supeditada a
exigencias religiosas honoríficas o conmemorativas. Cultiva con preferencia el retrato
llevándolo a su máxima identificación con el modelo. Es un arte naturalista. Es una obra
anónima.

PINTURA: La conocemos a través de los frescos hallados en la ciudad de Pompeya, que

suelen ser copias griegas o caprichos decorativos de gracia picaresca como cupidos, pájaros,
cintas, flores, etc. Los temas son históricos, mitológicos paisajísticos y marineros. También en
ciertos períodos se hizo una pintura arquitectónica, que imita a los elementos constructivos. Lo
interesante de la pintura romana es la técnica de manchas de color al temple, aplicadas con
brochazos sueltos, sin detallar, a la manera impresionista y con efectistas toques de sombra y
luz. También en la pintura domina el gusto realista por lo que los temas preferidos, son el
retrato, la caricatura y el paisaje.

- ARTE ROMÁNICO

Entre los siglos XI y XIII, es decir, durante el período que se conoce como Baja Edad Media, se
forma en Europa un arte al que se le da el nombre de Románico. Este nombre hace referencia
a la fuente en que tiene su origen, que es el arte de Roma, el arte romano, del que toma tipos
de edificios y técnicas constructivas. Este estilo o arte se ha denominado románico, por la
semejanza con el vocablo romance, el cual designa los idiomas derivados del latín.

ARQUITECTURA: Es una arquitectura religiosa, de creación monástica, porque son los

monasterios y los conventos los que la impulsan. Su edificio tipo es la Iglesia. Expresa el ideal
de austeridad y recogimiento, de disciplina y penitencia. Desde el punto de vista técnico,
pertenece al grupo de arquitecturas de arco y bóveda, por ser estos sus elementos funcionales
básicos. Tiene una apariencia robusta y pesada. El principio de sustentación es estático, pues
enfrenta masa contra peso. Presenta un exterior sobrio, de muros desnudos y lisos,
interrumpidos nada más que por los elementos de refuerzo, que van incorporados a la
estructura. Otros elementos constructivos: contrafuerte, columnas, pilares, cúpulas.

ESCULTURA: Está subordinada a la arquitectura, que determina los lugares y espacios que
deben cubrirse con relieves o estatuas. Su finalidad no es artística sino didáctica: dar a conocer
a los fieles las figuras y verdades sagradas para su instrucción religiosa. Estilización y
desproporción: las figuras no guardan las proporciones naturales. Tampoco guardan la debida
perspectiva ni la relación de tamaños que se debe a la diferente profundidad a que están las
figuras. En los relieves, la diferencia de tamaño significa la importancia del personaje.
Composición simétrica: las escenas se componen, guardando una relación simétrica. En los
tímpanos, la composición tiene siempre como eje la figura de Cristo.
PINTURA: La pintura románica tiene un desarrollo notable, pues las vastas extensiones de
pared lisa eran apropiadas a la decoración pictórica; por ello, también la pintura era un arte
subordinada a la construcción. La falta de perspectiva, los colores planos, la composición
simétrica, la rigidez de las figuras y la inexpresividad de los rostros, que muestran siempre su
mirada asombrada, prueban una indudable influencia oriental a través del arte de Bizancio. La
técnica empleada es la del Fresco, notables ejemplos son las iglesias románicas catalanas, de
fulgentes colores y motivos abstractos de significado simbólico; y las iglesias italianas, donde
las escenas religiosas pintadas muestran ya cierto empeño en copiar la naturaleza con
fidelidad.

- ÉPOCA MEDIEVAL

El arte de la Edad Media es esencialmente religioso, aunque haya producido obras maestras
de carácter profano; la época medieval podemos dividirla en cuatro, ya que fue un largo
período en las que se produjeron distintos estilos de arte; el primero fue llamado Paleocristiano,
cuya pintura se inicia en las catacumbas, está llena de simbolismo y cabe destacar la
realización de los muy famosos mosaicos, los cuales eran de un gran colorido y los temas eran
litúrgicos, figuras de Cristo, apóstoles, la cruz, etc. Luego, nace el arte Bizantino en la época de
Constantino; en cuanto al dibujo y la pintura, adquiere características propias, los artistas
realizaban excelentes mosaicos centrados en la representación de acontecimientos bíblicos en
las cuales se observa que las figuras representadas poseen un hieratismo bastante acentuado
que siempre están colocadas de frente. El Románico, denominado así por la semejanza con el
vocablo "romance" que designa a los idiomas derivados del latín, se encargó de decorar el
interior de muchas basílicas e iglesias. Durante este período se pinta sobre ábsides y bóvedas
figuras estilizadas, llenas de incesante movimiento y colorido; la pintura románica empleó las
técnicas pictóricas al fresco y al temple; los temas solían ser figuras de ángeles, santos,
apóstoles, corderos, etc., también realizaron pintura sobre madera (frontales) y muchas
ilustraciones de biblias y evangelios. Por último, aparece el arte o estilo Gótico, conjuntamente
con tres connotados fenómenos de la Edad Media: la formación de la clase burguesa, el
desarrollo comercial y la industrialización. La pintura gótica fue expresiva y realista,
manifestando el naturalismo en sus composiciones. El paisaje se introduce como modalidad
pictórica y en los dibujos las figuras se presentan estilizadas y poco modeladas. Esta pintura
casi desaparece por completo de las catedrales, puesto que los grandes vitrales llenan los
espacios y de esta manera queda reducida a miniaturas de libros, tapices y retablos.

- ARTE GÓTICO

Entre los siglos XII y XV, florece en Europa un arte poderosamente original, que fue llamado,
un tanto despectivamente Gótico, en el sentido de bárbaro, por suponerse que sus creadores
habían sido los pueblos germánicos que ocupaban el centro de Europa, y a los cuales se les
designaba con el nombre de Godos. También se conoce este arte como Ojival, por la forma
apuntada (en ojiva) de sus arcos y bóvedas, que recuerdan una punta de lanza de filos curvos.
Los primeros monumentos góticos se levantaron cerca de París, en la región llamada Isla de
Francia. Aquí se construye en el año 1140 el coro de la abadía de Saint Denis, y en el 1163, se
da comienzo a la catedral de Nuestra Señora de París, obras en las que se resaltan los
elementos propios del estilo. De Francia pasó a todos los demás países de Europa, en cada
uno de los cuales adoptó variantes locales, pero con mantenimiento de sus rasgos esenciales.

FASES DEL GÓTICO

- LANCEOLADO (siglos XVII y XVIII)

Robusto, pesado y sencillo. Bóveda de cuatro paños de perfil en punta de lanza.

- RADIANTE (siglos XVIII y XIV)

Esbelto, ligero, muy adornado con esculturas, bóvedas de varios paños y formas.
- FLAMÍGERO O LLAMEANTE (siglo XV)

Arcos con ondulaciones de flama. Columnas muy delgadas. Gran altura de naves y torres.
Ornamentación escultórica apretada. Uso del arco conopial y de la bóveda en forma de estrella.

ARQUITECTURA: El arte gótico se manifestó magníficamente en la arquitectura, se

construyeron casas particulares, palacios, edificios públicos, castillos, puentes, fortalezas e
iglesias. Pero en realidad, la obra máxima de estos siglos fue la catedral, arquitectura
extraordinaria que nunca deja de asombrar a quien la contempla. Los elementos constructivos
esenciales son el arco apuntado, la bóveda de crucería ojival y el contrafuerte con su arbotante.
Esta arquitectura es de equilibrio dinámico y domina en ella la línea vertical, lo que produce una
impresión de impulso ascendente, acentuado por las formas agudas de los arcos y la
abundancia de elementos puntiagudos.

ESCULTURA: Las características de la escultura se pueden observar en los santos, vírgenes,

ángeles, reyes, profetas y figuras alegóricas que llenan el interior y exterior de la construcción,
haciendo de remate en pináculos, cubriendo los frisos y las arquivoltas, los tímpanos y todos
los espacios posibles. Para dar idea de la decoración escultórica, bastará saber que la
decoración escultórica de la catedral de Chartres cuenta con más de ocho mil figuras. Se
destacan como escultores: Giovanni Pisano, Nicola Pisano, Andrea Pisano, Klaus Sluter, Gil de
Siloe y William Torell.

PINTURA: En aquellos países donde el estilo gótico alcanzó mayor desarrollo, la pintura mural
fue perdiendo importancia, sustituida por las vidrieras, y a partir del siglo XIV aparece la pintura
sobre tabla, consistente en pequeños altares portátiles y retablos, formados por uno o varios
paneles. Tratan temas religiosos, con gran finura de detalles en la figura humana, pero sin
profundidad. Los pintores se esfuerzan por lograr la naturalidad y reproducen gestos y
ademanes con exactitud, un poco exagerado hacia lo dramático. Lo más hermoso de estas
tablas góticas es el colorido, que brilla con intensidad de esmalte. Se destacan: Jean Fouquet,
Juan Van Eyck, Rogerio Van Der Weyden, Giotto, entre otros.

- ARTE BIZANTINO

Bizancio, pequeña ciudad griega que había sido cabeza de una provincia romana, asciende de
repente (año 330), por decisión de Constantino el Grande, al rango de capital imperial con el
nombre de Constantinopla. Medio siglo después, el emperador Teodosio divide su reino entre
sus dos hijos, y crea dos Estados Independientes: el Imperio de Occidente, con Roma como
capital, y el Imperio de Oriente, con centro en Bizancio. La caída del Imperio de Occidente (año
476) echa sobre Bizancio la herencia espiritual de Roma y acrecienta su importancia como
poder político y artístico, que le llegará a su cúspide con el glorioso Justiniano. Pero la situación
geográfica de Bizancio, en las puertas de Asia; su alejamiento de las fuentes latinas y el
contacto estrecho y continuo con los reinos de oriente, influyen sobre ella en forma que si, por
una parte, mantiene su título de hija y continuadora de la cultura clásica, por otra, Bizancio
ofrece los rasgos de una monarquía exótica, teocrática y despótica; fastuosa y bárbara, cuyas
costumbres, gustos y estructuras pertenecen más al mundo asiático que al grecolatino, lo cual
se refleja en su arte.

ARQUITECTURA: Está inspirada en las arquitecturas de los países con que Bizancio estuvo
más en contacto o que formaban parte de su misma tradición histórica y cultural. Por eso en
sus construcciones encontraremos elementos tomados de los romanos, de los griegos, de Siria
o de Persia, combinados con otros de su propia invención. Entre los más importantes
tenemos:la cúpula, las trompas y pechinas, la bóveda, el arco, los contrafuertes, las columnas y
las torres. La construcción más importante de la arquitectura bizantina es la Iglesia.

PINTURA: Presenta dos modalidades muy interesantes: la mural, destinada a la decoración del
interior del templo; y la de caballete, que produce pequeñas piezas sobre tablas de madera,
llamadas Iconos, es decir, imágenes. La primera se pintaba al óleo o al temple, y eran grandes
composiciones de tema religioso, con un carácter simbólico que agradaba mucho a la
mentalidad abstracta del oriental. En los grandes espacios formados por bóvedas y cúpulas se
representaban escenas alegóricas en las que entraban la Virgen o el Cristo: la Resurrección, el
Juicio Final, la Gloria, etc.

LOS MOSAICOS: No es posible hablar del arte mural bizantino sin referirnos a una de sus más
hermosas creaciones: el mosaico. Consistía en la composición de grandes escenas,
generalmente religiosas, pero no pintadas sino hechas con pequeñas piezas de cerámica o de
mármol de colores (llamadas teselas), que se iban pegando a una base debidamente
preparada, sobre la que se había hecho el dibujo previo de las figuras que se querían
representar. La gran diversidad de colores y matices de estas teselas permitía dar a las figuras
todos los efectos de la pintura, en lo que se refiere a tonalidades, sombras, formas, etc.

ESCULTURA: En los primeros tiempos, la escultura bizantina es una prolongación del arte
helenístico que produce retratos de gran vigor. Pero después de la revolución de los
iconoclastas, que acabaron con todas las imágenes religiosas de bulto y prohibieron el culto de
las mismas, la escultura perdió importancia y quedó reducida a las artes menores del marfil, el
esmalte, el bronce y el oro, materiales en los que se trabaja el bajo relieve con gran maestría.

- RENACIMIENTO

El Renacimiento comenzó como un movimiento orientado por artistas e intelectuales en Italia,

bajo el signo del Humanismo; es un renacer de las artes donde los asuntos representados,
desde el punto de vista ético y estético se liberaron de los vínculos del concepto de vida
cristiano. Para ellos el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y a la iglesia, sino un
himno personal en alabanza a la belleza; así, se perfecciona el dibujo y se utiliza como base de
la pintura. La cuna del Renacimiento fue Florencia. Naturalmente la pintura no se liberó en
seguida de la influencia gótica, pero gradualmente evolucionó hacia un nuevo concepto de la
belleza. En el dibujo, los cuerpos adoptan formas naturales y se vuelven plásticos; se procura
destacar la expresión facial, que algunas veces revela los grandes conflictos del alma, un
ejemplo de ello es la expresión de desesperación que Masaccio le dio a Eva en su cuadro
Expulsión de Adán y Eva del paraíso. En el siglo XV adquiere preponderancia el retrato, a las
personas pudientes les gusta retratarse de busto o en medallón, y por tanto surge multitud de
personas cuyos rasgos quedan labrados en madera. Raramente se ve un desnudo entre la
profusión de vírgenes y santos, sólo con suma discreción se insinúa la mundana sensualidad
en ciertas representaciones del arte eclesiástico, por ejemplo, las referentes a mártires y
pecadores. Al principio, la mayoría de las imágenes alusivas a la carne pecadora se situaban
en la periferia de grandes escenas decorativas, donde el artista tenía más libertad de
expresión; ya en el siglo XIV, se prefiere interpretar estos temas por medio del desnudo
femenino. Entre los representantes más significativos del Renacimiento, podemos destacar por
sus majestuosas obras pictóricas a Sandro Botticeli, Miguel Ángel Buonarroti, Durero,
Tintoretto, El Greco, Leonardo de Vinci y Rafael Sanzio; de ellos, algunos como Leonardo de
Vinci, por ejemplo, destacó más como dibujante, ya que a través del dibujo realiza sus famosos
estudios anatómicos; sus dibujos están plenos de rasgos finos pero firmes, destacando las
expresiones humanas y también se puede apreciar que están envueltos en una sutil y fina
aureola de luz difusa.

Se llama Renacimiento al gran movimiento artístico y filosófico que se produce en Europa, en

Italia en primer lugar, a fines del siglo XV, y que muestra como principal característica, que se
manifiesta particularmente en las artes, su admiración por la antigüedad clásica, que toma
como modelo. El nombre de Renacimiento alude a lo que este movimiento quiso ser: un
renacer o volver a nacer de la cultura grecolatina. Comenzó como un movimiento orientado por
artistas e intelectuales en Italia, bajo el signo del Humanismo; es un renacer de las artes donde
los asuntos representados, desde el punto de vista ético y estético se liberaron de los vínculos
del concepto de vida cristiano. Para ellos el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios
y a la iglesia, sino un himno personal en alabanza a la belleza.

La cuna del Renacimiento fue Florencia. Naturalmente la pintura no se liberó en seguida de la

influencia gótica, pero gradualmente evolucionó hacia un nuevo concepto de la belleza. La
cultura greco-romana había sido desplazada durante la Edad Media. En esta época lo
novedoso es el arte gótico y bizantino, pero en Roma, estas nuevas concepciones artísticas,
enmarcadas en el acto religioso no tienen mayor auge, debido a los recelos de los sabios
humanistas orientales que emigran a esta ciudad después de la caída de Constantinopla; es
así como al ser rechazado el estilo gótico y bizantino, y puestas en un primer plano las antiguas
formas greco-romanas, surge el arte del renacimiento, que se expande por toda Europa
(Francia, Inglaterra, Alemania y la Península Ibérica, especialmente).

PRINCIPALES CAUSAS DEL RENACIMIENTO

- Conservación en universidades y conventos medievales de valiosos manuscritos de autores

griegos y romanos.

- Uso del latín como lengua culta, que hacía posible la lectura de las obras clásicas.

- La presencia en tierra Italiana de ruinas romanas que tenían que despertar en los curiosos el
deseo de conocer la civilización que había levantado tales monumentos.

- La invención de la imprenta, que contribuyó a la difusión de los escritos de los poetas,

filósofos y sabios de la antigüedad y de los modernos.

- Los descubrimientos geográficos, el avance de las ciencias naturales y el progreso de las

técnicas que inspiran una confianza ilimitada en el poder de la inteligencia humana y estimulan
a la acción.

CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ARTE RENACENTISTA

- Imitación de la arquitectura y la escultura de Grecia y Roma.

- Realización de una belleza ideal, ajustada a cánones dictados por la razón.

- Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que proceden de la armonía del todo.

- Creación de obras, cuya claridad y perfección, atributos exigidos por la razón universal, les
dan una validez permanente.

ETAPAS DEL RENACIMIENTO

- PRERRENACIMIENTO O TRECENTO: siglos XIII y XIV. Coincide con el período gótico

europeo.

- QUATROCENTO: llega hasta finales del siglo XV y su centro cultural es la ciudad.

- CINQUECENTO: llena todo el siglo XVI y su cabeza es Roma.

ARQUITECTURA

La arquitectura del renacimiento empleó los órdenes clásicos (jónico, corintio y dórico),
combinándolos entre sí en un mismo tipo de construcción, pero no tal y como aparecen en la
arquitectura grecorromana sino al amparo de la inventiva y originalidad del arquitecto
renacentista, de esta manera surge el estílo "colosal" propio de esta arquitectura.

En este nuevo acontecer arquitectónico se le da mucha importancia a la arquitectura civil,

construyéndose los Palacios Municipales, que presentan un aspecto de fortaleza, el Palacio de
Habitación, que es de inventiva renacentista y presenta en su exterior forma de cubo con tres
pisos, que culmina en una cornisa; y las Villas, que fueron construidas en las afueras de Roma,
tenían grandes pabellones con terrazas, escalinatas y patios internos, jardines y parques.
La arquitectura religiosa renacentista, utiliza en sus inicios la planta de la basílica cristiana, sin
embargo, el centro adquiere mayor importancia por el empleo de la Cúpula, que desplaza a la
ojiva gótica y presenta los famosos Ojos de Buey (aberturas circulares). En relación con los
elementos constructivos, tenemos que los muros son de ladrillo o sillería, con apariencia
robusta, las bóvedas usadas fueron: las de "cañón seguido", "rincón de claustro", "de arista" y
la "cúpula"; se usan arcos de medio punto; las ventanas suelen ser de varias formas:
rectangulares, gemeladas (dos arcos de medio punto subdividido en otros dos), con alfeizar
saliente, o en forma de tabernáculo.

En lo que respecta a la decoración de las obras arquitectónicas, se observa que se emplearon

varios elementos, estos son:

- La Escultura: cubre toda la superficie de los monumentos como un sutil manto, en sus
inicios; luego se realizan esculturas en bulto que adornan el conjunto arquitectónico,
posteriormente hay una gran profusión de ésta envolviendo por completo el conjunto lineal
arquitectónico.

- La Policromía Natural: consiste en el empleo de diversos materiales naturales, los cuales al

ser combinados reflejaban una diversidad de tonos; por ejemplo, combinaron el mármol blanco
de las paredes con la piedra de los muros.

- El Esgrafiado: consiste en realizar sobre las paredes finos relieves pintados con dos colores.

- Los Frescos y Mosaicos: llenan las cúpulas y paredes interiores de la construcción, se

empleó una diversidad de tonos, los cuales los hacía muy llamativos.

- Los Frontones: son de inventiva romana, colocados casi siempre sobre puertas y ventanas,
generalmente son rectilíneos, pero en ocasiones pueden ser triangulares o curvilíneos.

- Las Pilastras: son columnas que se colocan contiguas a una pared. Las pilastras tienen sus
orígenes en la arquitectura romana.

ARQUITECTOS RENACENTISTAS

- ITALIA: Filippo Brunelleschi, Donato Bramante da Urbino, Rafael Sanzio, Miguel Ángel
Buonarroti.

- ESPAÑA: Diego de Siloé, Juan Herrera.

- FRANCIA: Salomón de Brosse.

ESCULTURA

El origen de la escultura renacentista se remonta al siglo XIII, en Toscana, con el escultor

Incola Pisano, quien se encarga de esculpir del púlpito del Baptisterio de la catedral. Este
escultor es el que se atreve a exteriorizar la ruptura con la severidad bizantina y con las ideas
artísticas del arte gótico, pero su obra queda aislada.

Es en los siglos XIV y XV, donde se comienza la época de mayor furor de la escultura
renacentista. En esta época se advierte:

a. Vehemencia por la naturaleza y el desnudo idealizado o natural.

b. Expresión de los sentidos y pasiones humanas.
c. Reinterpretación modernizada de los cánones clásicos.
d. Temáticas diversas: mitología, religión, historia, leyendas, etc.
La escultura renacentista es el primer medio expresivo que reacciona contra el estilo gótico.
Esta presenta variaciones de acuerdo con el siglo en que se desarrolla. Así es como al siglo
XIII se denominó Época Arcaica, los siglos XIV y XV, Época Clásica y el siglo XVI, Época
Barroca.

SIGLO XIII. ÉPOCA ARCAICA

Surgen los primeros intentos del nuevo estilo escenificado en las obras de los "pisanos", Incola,
Giovanni y Andrea Pisano.

Entre las características de estas primeras obras tenemos:

• Expresión de sentimientos humanos.

• Inspiración en la antigüedad clásica.
• Realización de "Madonas".
• Ropaje y accesorios profusamente trabajados.

SIGLO XIV Y XV. ÉPOCA CLÁSICA

Durante estos siglos existe una gran producción de obras de arte. La actividad artística se
encuentra centrada en la ciudad de Florencia sobre todo en el siglo XV. Sus principales
representantes son Donatello di Betto Bardi y Lorenzo Ghiberti. Además, cabe destacar la
importancia en este siglo de las obras escultóricas de los Della Robia, Andrea y Lucca. Estos
escultores, realizaron e introdujeron una nueva modalidad escultórica-pictórica, los relieves
realizados con barro cocido policromado y vidriado.

Las características de esta época son, entre otras:

• Adornan monumentos (tribunas, coros, sepulcros, etc.)

• Diversificación temática.
• Efectismo pictórico.
• Gran destreza en la ejecución de obras hasta llegar al perfeccionismo.

SIGLO XVI. ÉPOCA BARROCA

Durante este siglo la figura más resaltante es Miguel Ángel Buonarroti, quien realiza numerosas
obras con características muy propias, que lo distinguen de otros escultores de la misma
época, también sobresale la obra de Benvenuto Cellini, entre otros.

Entre las principales características de estas obras tenemos:

• Fuerza expresiva, dinamismo, dramatismo.

• Dominio anatómico.
• Figuras llenas de abundante vitalidad.
• Demostración de gestos y actitudes en sus figuras.
• Fuerte influencia clásica.
• Materiales: bronce y mármol preferiblemente.

PINTURA

La pintura renacentista está plena de religiosidad, sin embargo, cada artista busca su propio
estilo, en donde el retrato y la representación del paisaje tienen mucha importancia.

Durante el renacimiento surgen diversas escuelas, estas adquieren el nombre de la ciudad

donde se desarrollan, entre estas se citan: la Escuela Florentina, la Veneciana, la de Siena, la
de Umbría, la de Parma, la de Verona, la de Padua, la de Milán y la de Carrara.
Los pintores también se agrupan, pero por generaciones, así, tenemos los del Quattrocento
(1400) y los del Cinquecento (1500). Hay otra clasificación muy utilizada para caracterizar las
obras pictóricas del renacimiento, la cual es:

• Renacimiento Temprano: que abarca desde el año 1420 hasta el año 1500 y cuyos
representantes más significativos son Fran Angélico de Fiesole, Masaccio, Piero della
Francesca y Sandro Botticelli, entre muchos otros, con pinturas verdaderamente
grandiosas.
• Alto Renacimiento: que comprende el período que va desde el año 1500 hasta el año
de 1527, en el cual se destacaron famosos pintores: Miguel Ángel, Leonardo da Vinci,
Tiziano, Pablo Veronés, Tintoreto, Rafael Sanzio, Juan Van Eyck, Alberto Durero, Jean
Cousin y el Greco.

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA RENACENTISTA

• Es narrativa: expone historias y sucesos, reales o ficticios, sacados de la religión, de la

mitología o de la historia.
• Es realista: las figuras humanas o de animales, y los objetos inanimados están
reproducidos con el mayor cuidado porque se parezcan en todo a sus modelos reales.
• El cuadro se presenta como un escenario: un espacio cúbico, sugerido por medio de
los recursos que enseña la perspectiva geométrica recién descubierta y dan la ilusión
de profundidad. El punto de vista del pintor suele estar en el centro del cuadro.
• La composición está sometida a esquemas intelectuales, es decir, razonados. Suele
preferirse la forma simétrica en la distribución de las figuras.
• En cuanto a los esquemas de composición preferidos, el triangular (con el vértice arriba
o invertido) y el rectangular con la división del espacio en segmentos áureos. En
algunos casos, los triángulos son dos combinados.
• En general, es una pintura dibujística, que se fundamenta en el poder definidor y
expresivo de la línea, y considera el color como un accidente de la materia de
importancia secundaria. Las formas se cierran con un dibujo de trazo continuo y su
separación del fondo es absoluta.
• Se da interés preferente al cuerpo humano, en particular al desnudo, cuya anatomía se
estudia y copia cuidadosamente.
• A partir del siglo XV, se usará en vez del temple, la técnica del óleo, inventada por los
pintores flamencos, que facilitará el desarrollo de la pintura de caballete.

EL DIBUJO Y EL GRABADO

Los grandes pintores del renacimiento fueron dibujantes de primera. Los apuntes, bocetos y
estudios que conocemos de Boticelli, Durero, Buonarroti, da Vinci o Sanzio, quienes se
destacaron por su majestuosa obra pictórica, revelan gran maestría en el manejo del lápiz. El
que más se destaca como dibujante es Leonardo da Vinci, ya que a través del dibujo realiza
sus famosos estudios anatómico. Su dibujo está pleno de rasgos finos pero firmes, destacando
las expresiones humanas.

Sin embargo, el dibujo como técnica independiente, con valor por sí misma, no fue considerado
en la época, quedando reducido sólo a un medio auxiliar de la pintura, para tomar apuntes
rápidos del natural o hacer estudios de composición, perspectiva, movimiento, anatomía y otros
aspectos del cuadro que iba a pintarse.

Las técnicas que solían emplear eran el carboncillo, la sanguina, el lápiz y la tinta sobre papel.
Pero si el dibujo no tuvo mucho interés para los artistas del renacimiento, en cambio el
grabado, sobre todo entre los alemanes fue muy cultivado y se trabajó como una técnica
autónoma, paralela a la de la pintura, en sus dos formas principales: el grabado en metal
(calcografía) y el grabado en madera (xilografía), a cuya difusión contribuyó el reciente invento
de la imprenta en 1450.

- BARROCO
Este estilo se inicia en Italia en el siglo XVI y perdura hasta finales del siglo XVIII, se extendió
por todos los países europeos, desarrollando características propias en cada país. En este arte
hay una marcada predilección por el naturalismo, el dinamismo y los efectos ópticos, aparecen
composiciones de naturaleza muerta, bodegones, animales, vida de santos y de Cristo,
enmarcándose dentro de esquemas asimétricos. Las representaciones de personas o de gente
del pueblo aparecen con sus vestimentas normales, pero en los retratos de clase social alta,
son más adornadas las vestimentas, pelucas, encajes, zapatos estilizados, sombreros, etc.; sin
embargo, lo que más caracteriza a la pintura barroca es el manejo de las luces y sombras, la
intensidad dramática y el empleo del color. En Italia se produjeron dos corrientes pictóricas, o
estilos: el Ecléctico y el Clasicista, en este país se destacó la figura de Miguel Ángel Merisi de
Caravaggio; en Francia destacaron Nicolás Poussin, Georges de La Tour y Claude Gelée
Lorrain; en España el barroco se torna serio y formal, representado magistralmente por Diego
Rodríguez de Silva y Velásquez, Francisco Zurbarán, José de Ribera y Bartolomé Esteban
Murillo. En los países bajos el barroco generó dos escuelas: la Flamenca, que tuvo su apogeo
en el siglo XVI en Flandes y fue representada por Pedro Pablo Rubens, Antón Van Dyck y
Jacob Jordanes, y la Holandesa, la cual produjo un nuevo estilo y contó con dos importantes
personajes: Rembrandt H. Van Rijn y Jan Vermeer o Van der Meer de Delft.

Este arte se desarrolló entre los siglos XVII y parte del XVIII, su punto de partida fue Italia,
Roma, concretamente, donde dejó monumentos grandiosos en el orden de la arquitectura. De
Italia pasó al resto de Europa y llegó incluso a Rusia. A través de España, el Barroco se
difundió por toda América y alcanza su momento culminante en el siglo XVIII.

ARQUITECTURA: Los dos tipos de obra arquitectónica que el barroco desarrolla son la Iglesia
y el Palacio. La iglesia, como típico estilo tiene dos robustas torres laterales que enmarcan la
gran linterna con su cúpula. El palacio, que toma por modelo el de Versalles, consiste en una
larga edificación de varias plantas, cuyo cuerpo central contiene la mayor densidad de
elementos decorativos y forma un frontis de gran valor artístico. Elementos esenciales del
palacio barroco son las galerías, que son salones largos, abovedados y con ventanales, y la
escalera "a la imperial".

PINTURA: En este arte hay una marcada predilección por el naturalismo, el dinamismo y los
efectos ópticos, aparecen composiciones de naturaleza muerta, bodegones, animales, vida de
santos y de Cristo, enmarcándose dentro de esquemas asimétricos. Las representaciones de
personas o de gente del pueblo aparecen con sus vestimentas normales, pero en los retratos
de clase social alta, son más adornadas las vestimentas, pelucas, encajes, zapatos estilizados,
sombreros, etc.; sin embargo, lo que más caracteriza a la pintura barroca es el manejo de las
luces y sombras, la intensidad dramática y el empleo del color. En Italia se produjeron dos
corrientes pictóricas, o estilos: el Ecléctico y el Clasicista, en este país se destacó la figura de
Miguel Ángel Merisi de Caravaggio; en Francia destacaron Nicolás Poussin, Georges de La
Tour y Claude Gelée Lorrain; en España el barroco se torna serio y formal, representado
magistralmente por Diego Rodríguez de Silva, Velásquez, Francisco Zurbarán, José de Ribera
y Bartolomé Esteban Murillo. En los países bajos el barroco generó dos escuelas: la Flamenca,
que tuvo su apogeo en el siglo XVI en Flandes y fue representada por Pedro Pablo Rubens,
Antón Van Dyck y Jacob Jordanes, y la Holandesa, la cual produjo un nuevo estilo y contó con
dos importantes personajes: Rembrandt H. Van Rijn y Jan Vermeer o Van der Meer de Delft.

ESCULTURA: La escultura barroca muestra las siguientes características:

MOVIMIENTO: las figuras se representan en alguna acción violenta y en actitudes de esfuerzo

y tensión. Las ropas participan también de esta agitación y se arrugan en pliegues que
revolotean como sacudidos por el viento.

PATETISMO: gusta de la expresión de estados anímicos emotivos tales como: éxtasis, miedo,
ansiedad, etc., que los rostros traducen con el más vivo verismo.

CLAROSCURO: se buscan efectos propios de la pintura, de manera que los cuerpos se

perciben como envueltos en una atmósfera luminosa.
TEATRALIDAD: existe una propensión a lo exagerado y a las actitudes elocuentes que hacen
de ella una representación dramática.

- EL ROCOCÓ

Estilo característico del siglo XVIII europeo, que sucedió al barroco y precedió al neoclásico. El
término procede del francés Rocaille, que designaba en el siglo XVII la decoración de las grutas
y jardines renacentistas a base de conchas. El Rococó floreció principalmente en Francia, en
un principio junto con el barroco, hasta que adquirió un lenguaje propio que se difundió por toda
Europa. Mientras la arquitectura conservaba su rigidez de origen clásico, los elementos
decorativos del rococó aportaron fantasía y elegancia a las construcciones, pero fue sobretodo
en los interiores donde la decoración rococó consiguió los mayores logros.

ARQUITECTURA: Los adornos que, representando falsas rocas, adheríanse a la arquitectura

de las grutas y las cascadas, llamados rocallas, fueron el principal elemento nuevo, introducido
para sustituir el rígido sistema de los órdenes clásicos, para evocar en la arquitectura el frescor
y la alegría de lo primitivo y lo campestre. Los palacios son los primeros en adoptar como
elementos básicos caprichosos recuadros, columnas esculpidas, conchas, etc.

ESCULTURA: Alemania acogió el rococó con tal entusiasmo que le fue difícil desprenderse de
él . Un gran escultor del siglo rococó fue Andrea Schluter, autor de la efigie ecuestre del elector
Federico Guillermo, en la cual puede observarse como el movimiento de masas y líneas, que
en el tiempo barroco afectaba solamente a la concepción del conjunto, en el siglo XVIII fue
utilizada como un detalle para dar vida a cada pormenor de los cuerpos.

PINTURA: El carácter de la época rococó, enamorada de la intimidad, favoreció en pintura, lo

mismo que en la escultura, el cultivo del retratismo. Este hubiese carecido de gracia sin el
realismo, y por tanto, se inspiró en la pintura holandesa y flamenca, especialmente en Van
Dyck. El cliente ya no es el Rey, con las grandes necesidades decorativas de un palacio, sino
que se halla entre los nobles y burgueses adinerados a los que ha dejado de interesar las
composiciones históricas y mitológicas, aunque a menudo, se complacen todavía en hacerse
retratar caracterizados como personajes de fábula.

- NEOCLASICISMO

Fue un movimiento que se produjo en Europa en el siglo XVIII ante los cánones ya agotados
del clasicismo, al producirse el desgaste de las culturas barrocas, que aspiraba restaurar el
gusto y las normas del clasicismo. En la época neoclásica, el color pasa a un segundo plano y
adquiere mucha importancia el dibujo; es decir, el trazo puro, y el color es aplicado sólo como
complemento. Este arte trató de imitar los estilos utilizados antiguamente en Grecia y Roma,
por la influencia de los descubrimientos arqueológicos como los de Pompeya y Herculano. En
pintura David fue el máximo exponente del neoclasicismo francés, que contó con pintores como
Gross, Gèrard, Prud´hon e Ingres, aunque en algunos de ellos ya apuntaba el germen del
Romanticismo, movimiento estético que habría de suceder al neoclasicismo.

CARACTERÍSTICAS GENERALES

Inspiración en las obras de la época clásica, que se tienen por perfectas y definitivas.

Aspiración a una belleza ideal, nacida de la exacta relación de las partes, según medidas
dadas por la razón.

En las artes plásticas: dibujo impecable, contornos cerrados, volúmenes modelados de modo
que da la ilusión de redondez de los cuerpos; colorido suave y composición simétrica y estática.

ARQUITECTURA: Se caracterizó por la simetría, la elegancia y la sobriedad, el empleo de un

solo orden (dórico, jónico o corintio, en lugar de la superposición barroca); además del énfasis
sobre los valores lumínicos, la división tripartita de la fachada con tímpano central, la
eliminación del color, el gusto por los arcos de triunfo y las columnas conmemorativas.

ESCULTURA: Los escultores centran su interés en los ideales estéticos y los procedimientos
técnicos de la estatuaria antigua. El italiano Canova fue el más destacado, seguido del danes
Thorvaldsen, educado en Roma; otros representantes de la época son: Bartolini, Rude, Pradler,
Flaxman, entre otros.

PINTURA: Tomó como modelo la estatuaria antigua y el siglo XVI italiano (Rafael). El artista
que contribuyó de modo definitivo a afirmar el nuevo estilo fue David, quien influyó en artistas
franceses de la talla de Ingres, Gerard y Prud´hon. En E.E.U.U. la influencia italiana e inglesa
se fundieron.

- ROMANTICISMO

Aparece en Francia a principios del siglo XIX como una reacción violenta contra la frialdad del
neoclasicismo. Si este significaba la razón, serenidad y límite, el romanticismo era imaginación,
pasión e infinito.

CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES

SUBJETIVIDAD: el artista crea su obra a partir de sus emociones, sentimientos e ideas

íntimas.

LIBERTAD DE EXPRESIÓN: no hay reglas fijas, sino que cada artista puede manifestarse
según su gusto y según las exigencias de la propia obra.

SUPREMACÍA DEL FONDO SOBRE LA FORMA: lo importante es lo que el artista expresa y

no cómo lo hace. La forma de decir es secundaria y debe estar determinada por la naturaleza
del contenido.

PINTURA: Se caracterizó por el predominio del color sobre la forma. Eran composiciones
dinámicas, de gran movimiento y sus temas eran tomados de la literatura y la historia
medievales y de la realidad pintoresca. Artistas importantes en el campo de la pintura fueron:
Gericaúlt, Delacroix, Francisco de Goya y Caspar Friedrich.

ESCULTURA: El movimiento tuvo sus orígenes en la primera mitad del siglo XIX y representó
una reacción contra la rigidez académica y la afirmación de una libertad y eclecticismo
absolutos. Se abandonaron los modelos de la antigüedad clásica a favor de los ideales
medievales.

- REALISMO

El realismo surge como oposición al idealismo de clásicos y románticos, proponiendo una

realidad objetiva de los temas de la vida común; el hombre debe aparecer dentro de su
ambiente habitual, y su trabajo cotidiano tiene que ser un motivo de fecunda inspiración. El
término realismo fue adoptado por un movimiento artístico que apareció en Francia a raíz de la
revolución de 1848 y que tuvo como principal representante al pintor Gustave Courbet, cuyo
arte representó las inquietudes sociales que invadieron a Europa a mediados del siglo XIX.

CARACTERÍSTICAS GENERALES

Temas sacados de la vida real, sobre todo de la vida humilde y trabajadora, expuestos con
sentido de crítica social.

Presentación de lo bello y lo feo como son, sin idealizarlos.

Dibujo vigoroso, aunque no sea correcto; colorido sobrio e interés por los contrastes del
claroscuro.

Técnica: la que proporciona la más completa identificación entre lo pintado y la naturaleza.

Representantes: Courbet, Daumier y Rousseau.

- IMPRESIONISMO

La primera exposición presentada por un grupo de impresionistas tuvo lugar en 1874 y el

nombre les fue aplicado con intención de ridiculizarlos, por los críticos que no veían con buenos
ojos el nuevo estilo. Los impresionistas querían captar la cualidad de la luz y de la atmósfera en
una hora particular del día a través de las cuales se ven los objetos, pues su condición
determina la apariencia de estos. La posibilidad de retratar la luz en términos de la pintura fue
resultado del nuevo análisis científico de los colores. El fundamento de este movimiento
pictórico se centra sobre la base de que a nivel cerebral las manchas separadas de color se
unen; así, una mancha junto a otra azul, da por resultado un color verde si se miran desde
cierta distancia. Este principio lo tomaron en cuenta los pintores impresionistas al realizar sus
lienzos. La combinación de colores puros ya no se hará sobre la paleta ni sobre la tela, sino
que será el cerebro del espectador el que los una para formar así las figuras. Se consideran
iniciadores de este movimiento a los artistas Claude Monet y Edouard Manet; también se
destacan Edgar Degas, Pierre August Renoir y Camille Pizarro. El manejo de la luz es la
característica primaria, a través del estudio de ella se logrará verificar que un mismo paisaje se
verá distinto de acuerdo con la hora del día en que se pinte. A la par de los grupos
impresionistas, nace un nuevo grupo de pintores que logran perfeccionar las técnicas y
posibilidades colorísticas impuestas por este movimiento, estos son llamados
Neoimpresionistas o Postimpresionistas, destacan en este movimiento Paul Cézanne, Gauguin,
Vincent Van Gogh y Henri Toulouse Lautree.

- EXPRESIONISMO

Fue un movimiento artístico plástico emparentado con la literatura; nace en 1890 en Alemania y
en los países del norte de Europa, se extiende hasta bien entrado el siglo XX. Destacan en este
movimiento los artistas plásticos Edward Munch, Gustav Kimt, Oskar Kokochka, Emil Nolde y
Georges Rouault. La pintura expresionista busca y logra expresar violentas emociones, va de
dentro hacia fuera, al contrario de la impresionista que va de fuera hacia dentro. Su objetivo
fundamental era crear impetuosas reacciones en el espectador, por medio de sentimientos y
emociones del artista, expresados con audacia de formas y rígido colorido.

- FAUVISMO

En 1905 un grupo de jóvenes pintores expuso sus obras y para designar su estilo, los críticos
acuñaron el nombre de Fauvismo por parecerles que aquellos artistas eran fauves (fieras).
Como movimiento artístico no duró más de cinco años, pero como estilo ejerció una influencia
mayor y más persistente en el uso del dibujo y el color que cualquiera otra escuela del siglo XX.
El fauvismo derivó de los fuertes colores y las vehementes pinceladas de Van Gogh; de las
formas simplificadas y los atrevidos esquemas decorativos de Gauguin, y del desprecio que
ambos demostraron por las cualidades académicas formales de la composición. Henri Matisse,
primera figura del grupo original fauvista, en su pintura Gran interior en rojo, deja presente la
intensidad fauvista del colorido, aunque usado con resultados bastantes diferentes, ya que
naturalmente se considera al rojo como color brillante que produce gran excitación y en este
cuadro el efecto de la composición da una sensación de profundo reposo.

- CUBISMO

Este movimiento artístico surge en Francia hacia 1907, y se extiende por todo el mundo. Se
inspira en los postulados artísticos de Paul Cézanne y de Georges Seurat; su planteamiento
básico es representar obras de la realidad, pero fracturadas por medio de la geometrización de
la forma, de tal manera que se representaban las mismas formas del objeto, vistas desde
varios ángulos a modo de simultaneidad de planos. Los artistas cubistas pintaban superficies
planas, la perspectiva dada a la obra era aparente, lograda por medio del alargamiento de las
líneas y ángulos. El color fue, virtualmente suprimido, subordinándose a las formas y por tanto,
al dibujo. Los cubistas crearon la superposición a través de la visión polifacética y simultánea
del objeto. Como creadores del movimiento cubista podemos nombrar a importantes
personajes como Pablo Picasso y Georges Braque. En Venezuela el cubismo tiene numerosos
seguidores, podemos citar a Ángel Hurtado, Armando Barrios y Manuel Quintanilla como
representantes de esta tendencia en nuestro país.

- FUTURISMO

Fue un movimiento italiano al que pertenecieron Humberto Boccioni y Carlo Carrá; su propósito
era despertar a Italia de la apatía cultural en que estaba sumida desde fines del siglo XVIII,
atacaba a los museos y academias, al culto de lo antiguo y a todo el arte italiano de otros
tiempos. El futurismo, exigía un nuevo concepto artístico basado en la dinámica de la
velocidad, que para los futuristas era fundamental y peculiar de la vida moderna. El símbolo
más venerado por los futuristas era el automóvil de carreras; en esencia la pintura futurista era
retrato del movimiento relacionado con el cubismo analítico por su fragmentación, pero así
como el cubista ve un objeto estático desde varios ángulos moviéndose alrededor de él, en el
futurismo el espectador está quieto mientras el objeto se mueve. Por tanto, en el dibujo, la
representación futurista del movimiento simultáneo de un perro que trota por la calle, puede
tener veinte patas y seis colas, con efecto parecido al de una larga exposición fotográfica de
algún objeto que se mueve.

- SURREALISMO

Este movimiento vanguardista no se circunscribió a un solo lugar geográfico y su

manifestaciones son tan variadas como sus interpretes. Giorgio de Chirico, paul Klee, Man Ray,
Salvador Dalí, Joan Miró, Yves Tanguy, fueron sólo algunos de los artistas que tomaron parte
activa en el grupo de los pintores surrealistas. El Surrealismo, libró a la pintura de su larga
sumisión a la imagen realista y del concepto de espacio heredado del Renacimiento, dándole
rienda suelta al artista para expresar sus sentimientos e impulsos más íntimos. Influido por el
psicoanálisis de Freud y las doctrinas revolucionarias de la época, el surrealismo supo dar
cause a vagos impulsos renovadores latentes en la intelectualidad surgida de la primera
posguerra. Su período más floreciente fue el de 1924 a 1928. Como ideal estético se propone
lo maravilloso, reuniendo dos objetos incongruentes en un contexto ajeno a ambos; el propósito
de los surrealistas no era "hacer arte", sino explorar posibilidades.

- ABSTRACCIÓN

Este arte consistía en extraer de una imagen figurativa los elementos esenciales,
deformándolos o modificándolos; en él se tiende a impresionar lo psíquico por encima de lo
puramente visual, se busca una nueva expresión de la realidad, llegando a oscilar entre dos
polos: el acercamiento a la realidad para entenderla y el alejamiento de ella al interpretarla. El
arte Abstracto es un movimiento que nace con la creación de la nueva pintura del ruso Wassily
Kandinsky en 1910, en la cual no existía ninguna representación figurativa, sino formas y
colores; sin embargo, revisando obras prehistóricas, de Egipto, del período prehispánico, etc.,
se puede ubicar en ellas el origen de este arte. Esta tendencia artística se basó, no en la
representación real del objeto, sino en la belleza que el cuadro pueda reflejar, de allí la
importancia del color en las obras abstractas. El Abstraccionismo tiene dos corrientes: la
Abstracción Lírica, que se refiere a las composiciones donde el artista parte de su intuición para
expresar, por medio de color, sentimientos, ideas, etc., y la Abstracción Geométrica, que se
refiere a las composiciones en donde el artista trabaja con figuras geométricas como el círculo
y el cuadrado, y con líneas que partiendo de colores planos las hacen ser obras totalmente
estáticas.

6. BIBLIOGRAFÍA
 • READ, Herbert. Las Bellas Artes. Vol. 1. Editorial Cumbre S.A. México. 1981. 316 pp.
• WENTINCK, Charles. La Figura Humana en el arte, desde los tiempos prehistóricos
hasta nuestros días. Ediciones Abbott Universal. Holanda. 160 pp.
• PELLICER, A. Cirici. Teoría, Técnicas e Historia del Arte. Enciclopedia Labor. Vol. 8.
Editorial Labor S.A. España. 1961. 552 pp.
• QUILLET, Arístides. Nueva Enciclopedia Autodidáctica. Tomo III. Editorial Quillet S.A.
México. 1968. 526 pp.
• COMBI Visual 2. Grolier International. España. 1972.

Lluvia Velandia