Portafolio de dibujo

Sombras-Esfera

Técnica: Lápiz

Historia

Lápiz

El lápiz es instrumento de dibujo con una mina, generalmente de grafito y arcilla, encapsulada en
un cilindro de madera, papel o plástico. Se diferencian los H (del inglés hard = duro) y los B (del
inglés black = negro), y aparte con un número para especificar la dureza.

Los italianos inventaron el de madera en el siglo XVIII. A partir de ahí se fabricaron millones de
unidades en todos los países del mundo. Hoy se fabrican 18 mil millones de lápices por año, es
decir 50 millones al día o 500 por segundo.

Tramado

La trama alude al enlace interno entre los distintos elementos que componen un todo. Es utilizado
el término en varios sentidos:

En líneas generales, la representación de líneas más juntas generan sensación de oscuridad,

mientras que el espaciado entre ellas y la disminución del número contribuyen a dar claridad y luz
al área requerida. Los elementos tradicionales para las tramas son el lápiz o lápiz compuesto y la
tinta china.

Existen infinidad de tipos de trama, desde líneas en paralelo, líneas rectas cruzadas, estilo panal de
abeja, mediante puntos, con líneas curvas, tantos cómo estilos personales puedan haber, en este
tutorial mostramos cómo realizar algunas con plumilla. Algunos artistas emplean los grafismos tan
sólo como método complementario a su obra por la riqueza que aportan.

Sombras

La palabra sombreado se utiliza para designar a aquella acción que consiste en aportarle sombra,
sombrear, ya sea un dibujo o una pintura. Y obviamente asimismo al resultado de esa acción, al
producto final digamos ya provisto de sombreado se lo designa de ese modo.

Entonces, donde más se usa el concepto que nos ocupa es a instancias de la pintura y del arte
plástico para denominar a aquellas figuras, caras, objetos, entre otros, que aparecen en un dibujo
o pintura, con un efecto de sombra.

En tanto, la sombra se caracteriza por ser una zona en la cual prima la oscuridad por sobre la luz,
porque justamente esta última está interrumpida o es obstaculizada de algún modo.
Bodegón – Composición

Técnica: Lápiz

Bodegón
Un bodegón representa objetos inanimados, generalmente extraídos de la vida cotidiana, que
pueden ser naturales (animales, frutas, flores, comida, plantas, rocas o conchas) o hechos por el
hombre (utensilios de cocina, de mesa o de casa, antigüedades, libros, joyas, monedas, pipas, etc.)
en un espacio determinado. Esta rama de la pintura se sirve normalmente del diseño, el
cromatismo y la iluminación para producir un efecto de serenidad, bienestar y armonía.

Historia

Con orígenes en la antigüedad y muy popular en el arte occidental desde el siglo XVII, el bodegón
da al artista más libertad compositiva que otros géneros pictóricos como el paisaje o los retratos.
Los bodegones, particularmente antes de 1700, a menudo contenían un simbolismo religioso y
alegórico en relación con los objetos que representaban. Algunos bodegones modernos rompen la
barrera bidimensional y emplean técnicas mixtas tridimensionales, usando asimismo objetos
encontrados, fotografía, gráficas generadas por ordenador o sonido y vídeo.
Los colores y la Composición Aurea

El tratamiento del color es motivo de un gran estudio, estas son pequeñas pautas que a modo de
resumen los ayudara a entender los principios básicos del color, lamentablemente con palabras no
se puede explicar ni recrear el maravillo mundo del color, la innumerable cantidad de grises, las
combinaciones de la rueda de color, la temperatura del color, el efecto que produce en el
espectador determinados colores, los colores análogos, discordantes, complementarios, todos tan
importantes para lograr el efecto visual de llevar una imagen plana a verla tridimensional, los
colores en la pintura nunca podran reproducir la luz, pero el saber aplicarlos lograra efectos
increibles, por ejemplo el tratamiento de los colores grises o neutrales con los colores puros, dan
resultados visualmente exquisitos, las pequeñas pautas aqui señaladas seran suficientes si recien
estan entrando al mundo de la pintura.
La rueda de color

La construcción de la rueda de color es en realidad bastante simple. Partimos de los colres

primarios, su mezcla dara como resultado los colores secundarios y luego los terciarios, estos
colores son los que podemos apreciar en la imagen , de las mezcla consecutivas de los colores
juntos tendremos mas y mas colores, a la vez los colores opuestos seran colores complementarios.

Colores primarios:

Rojo, amarillo, azul. Estos 3 colores son los colores base para cualquier otro color en la rueda de
colores. Esta es la razón por la que están llamados "primarios". Al mezclar dos primarias juntos, se
obtiene un color secundario.
También tomamos nota de la posición triangular de los colores primarios en la rueda de colores, y
cómo los colores secundarios son junto a ellos.
Colores primarios son útiles para diseños o arte que debe tener un sentido de urgencia. Colores
primarios son los más vívidos colores cuando se colocan junto a sí.

Colores secundarios:

Naranja, Verde, Purpura. Estos 3 colores son lo que usted consigue cuando usted mezcla los
colores primarios juntos.
Están ubicados entre los colores primarios para indicar a partir de qué colores están elaborados .
Colores secundarios son generalmente más interesantes que los colores primarios, por no evocar
la velocidad y urgencia.

Colores Terciarios:

Estos son los que estan "entre" los colores como amarillo-verde y rojo-violeta. Ellos están hechos
mediante la mezcla de un color primario y un color secundario juntos, puede haber un sinfín de
combinaciones de colores terciarios, dependiendo de la forma en que está mezclado.

Colores complementarios:

El rojo y el verde, azul y naranja, púrpura y amarillo. Estos son los colores directamente en frente
de sí en la rueda de colores. Son llamados "complementarios", porque, cuando se utilizan juntos,
se convierten en extremadamente vibrantes y tienen fuerte contraste. El dominio de los
complentarios nos ayudara a poder aprovechar el contraste que nos ofrecen y poder resaltar un
color sobre su fondo, y darle mas saturacion a un color.
Por ejemplo, si utiliza un fondo verde y tienen un círculo rojo sobre él, el rojo saltará fuera de la
página.

La precaución necesaria al momento de utilizar los colores complementarios se dara cuando los
coloquemos uno al lado el otro, al ser colores de alto contraste representaran visualmente un
molestia en igual proporción en el lienzo, debemos de distribuir los colores complemetarios de tal
manera que uno de ellos domine en cantidad y el otro resalte por el contraste propio como
resultado del efecto visual.

Por ejemplo: coloquen un cuadrado rojo sobre una hoja blanca de papel bond , el cuadrado debe
medir aproximadamente 5 cm por lado , mirenlo unos 20 segundos luego retirenlo y lo que veran
como una imagen fantasma sera el mismo cuadrado pero de color rojo, poco a poco lo veran
desvanecerse, nuestro cerebro nos responde con esta imagen fastama del color complementario,
entonces entendiendo esto podemos aprovecharlo al maximo, por ejemplo si queremos lograr la
luz del sol sobre un campo entonces debemos al lado del violeta que cumplira la funcion de la
sombra, nuestro cerebro al ver el violeta encendera el color amarillo, y por lo tanto la luz que
apliquemos se vera encendida y vibrante, el contraste en este caso se estara dando por dos
motivos el contraste de complementarios y a la vez por temperatura, ya que los complemetarios
son calidos y frios en sus lados opuestos, es decir el rojo, el naranja, el amarillo son calidos y el
verde, el azul y el violeta son frios.
Estos puntos no son solo utiles en este aspecto lo son tambien para lograr el volumen de los
objetos, el color nos da volumen, contraste extremo, sensación de temperatura y perspectiva.

Colores análogos:

Se conocen como colores analogos a los que estan juntos en la rueda de color, asi mantienen una
armonia cromatica, ya que suelen ser variaciones de colores similares.

Aspectos del color:

Hay varios nombres y títulos que se refieren a diferentes aspectos del color.

Colores cálidos: Colores como el rojo, amarillo y naranja. Estos colores evocan la calidez porque
nos recuerdan cosas como el sol o fuego.

Colores frios: Los colores como azul, verde y morado (violeta). Estos colores evocan una sensación
de frío porque nos recuerdan cosas como el agua o la hierba.

Colores Neutrales: Gris, marron. Estos no estan en la mayoría de ruedas de color, pero están
considerados neutrales porque no contrastan mucho con nada. Son calmados y sin sobresaltos.

Valor: Por lo general se refiere a la cantidad de blanco y negro en un color. Mas negro o blanco
cambia el valor del color..

Brillo: Se refiere a la cantidad de blanco en un color. El más blanco tiene un color, el más brillante
que es.

Saturación: Se refiere a la cantidad de un color utilizado. Cuando un color se encuentra en plena

saturación, es muy vibrante. Cuando un color es "desaturado," significa que una gran cantidad de
color se ha eliminado. Colores desaturados tienden a estar cerca de ser neutrales, porque hay
demasiado gris en ellos.

En la siguiente imagen podemos apreciar los diferentes valores que se puedesn conseguir
mezclando los colores primarios y secundarios con blanco y negro, de esta manera conseguimos
unos tonos grises muy agradables, esto es conocido como desaturacion del color.
Bodegón – Proporción Aurea Fibonacci

Técnica: Pasteles

La ordenación

La composición de un cuadro tienen muy en cuenta la ordenación de los elementos en un todo

unitario. El concepto de simetría es uno de los aspectos a valorar. En un primer estadio, el pintor
ordena los elementos en función de un eje –eje de simetría– y los distribuye de manera ordenada
a su derecha e izquierda. El mundo románico y gótico tiene muy en cuenta esta organización y
repite los elementos de manera idéntica. Sin embargo, el artista renacentista tiende a la
compensación del espacio en función de los grupos, que se apartan de la repetición estereotipada
del mundo medieval. La razón es una mayor individualidad de los personajes y objetos que
adquieren así una personalidad propia.
El Manierismo acostumbra a organizar el espacio de una forma irregular que a primera vista
parece desordenada. Nosotros la calificaríamos de poco ortodoxa en relación al Renacimiento,
aunque en ningún momento es desequilibrada. El eje se desplaza a un lado y los elementos
multidireccionales se equilibran unos con otros. Podríamos hablar de asimetría simétrica. En
definitiva, se trata de una cuestión de equilibrio compositivo, algo consustancial a la pintura y a
todas las artes, aunque sus formulaciones son diversas. Así, si entendemos por asimetría falta de
equilibrio, hemos de afirmar su no existencia a nivel pictórico.

El concepto de simetría va muy ligado a los tipos de composición. La composición cerrada

acostumbra a ordenarse en función de un eje central. La podríamos definir como aquella en la que
todos los elementos se dirigen hacia el centro teórico del cuadro –composición centrípeta– y,
normalmente, incluye la totalidad de los elementos de la representación. Es propia del mundo
medieval y renacentista.

La composición abierta puede ordenarse alrededor de un eje central o lateral o en función de un

punto de fuga exterior. La definiremos como aquella en la que los elementos huyen del centro
teórico -composición centrífuga– y, a veces, los excluye, en parte, de la representación. Es propia
del momento manierista y barroco. Generalmente, la composición cerrada globaliza todos los
elementos, mientras que la abierta los fragmenta.

La composición puede ser unitaria y no unitaria. Se entiende por composición unitaria aquella en
la que todos los elementos se interaccionan y superponen, siendo necesarios en la estructura
global. La composición no unitaria es aquella en la que los elementos se yuxtaponen e
individualizan. Esta valoración de lo individual tiene dos razones: una meramente formal y otra
conceptual. La primera se explica en razón de los avances compositivos que hace que en un primer
estadio sea más fácil la plasmación individual de los personajes y objetos, que no la interacción. La
segunda responde a la valoración que el artista hace de lo representado. Así, en la corriente
realista el objeto o personaje se convierte en algo esencial que se ha de potenciar. De ahí la
individualización. Por el contrario, la composición unitaria consigue un efecto global impactante.
Interesa más el todo que las partes, la síntesis que el análisis. Es la típica estructuración barroca.
Estos tipos de composición llevan pareja una mayor claridad u oscuridad. Así, lo que se define en
términos de individualidad es fácilmente aprehendido por el espectador, mientras que lo global
dificulta esta comprensión. Podríamos añadir que, generalmente, la oscuridad compositiva va
añadida a cierto horror vacui -composición llena de elementos-, mientas la claridad comporta un
menor número de elementos en la composición. A su vez, las composiciones pueden ser
superficiales o profundas. Las primeras ordenan los elementos en un primer plano o en planos
sucesivos bien diferenciados a través de la perspectiva. Las composiciones profundas superponen
los elementos diferenciándolos a través de la luz y el color.

Un aspecto importante en la composición perspectiva es la situación de la línea del horizonte.

Tenemos que volver a insistir en la tantas veces aludido significado de las formas. Es obvio que la
diferente distribución de los elementos en función de la línea del horizonte no se hace en virtud de
un formulismo meramente plástico, sino que sirve para potenciar el contenido de la obra.
Cualquier elemento situado sobre la línea del horizonte adquiere mayor grandeza, se potencia, se
mitifica, se impone al espectador. Por el contrario, un objeto situado por debajo de esta línea
queda empequeñecido, desmitificado y el espectador se impone. Haciendo mención al lenguaje
cinematográfico diríamos que el pintor utiliza el plano en picado horizonte alto– para
empequeñecer y el plano enfatizado -horizonte bajo– para ensalzar. El horizonte medio es sin
lugar a dudas el eminentemente mostrativo, el que valora los elementos situados en el mismo
plano del espectador.

El artista distribuye el cuadro ateniéndose a diferentes fórmulas de composición. La geometría,

con sus múltiples recursos, cumple a la perfección esta función. Así, los elementos se ordenan en
función del círculo, óvalo, triángulo, cuadrado, pentágono, hexágono, rombo, octógono … algunas
veces de forma individual y en otras utilizando varias de estas figuras. A la vez, la situación de los
personajes y objetos organizados en líneas rectas -verticales, horizontales o diagonales-, curvas o
hipérbolas, dan un sentido distinto a la composición.

En cuanto a las figuras geométricas, la utilización de estructuras regulares consigue situar los
elementos de manera ordenada, mientras que las irregulares consiguen una mayor dinamización
compositiva. Pero la obra de arte no se vale sólo de una determinada formulación, sino que utiliza
diversas maneras que se complementan. Así, un círculo centra la acción pero la existencia de
líneas curvas o diagonales dentro de la representación gráfica que encierra, dinamiza el conjunto.
Un triángulo de base amplia estabiliza, pero invertido da sensación de inestabilidad. Y así,
podríamos seguir ad infinitum. Lo que sí es cierto es que la geometría es la base de la obra
pictórica y, como hemos apuntado, su mayor o menor visualización por parte del espectador
depende de los llamados elementos añadidos o detalles que, en algunas ocasiones, enmascaran la
obra.

Entre los esquemas compositivos más utilizados está la llamada sección áurea o proporción
divina. Formulada de manera rigurosa por Luca Pacioli en su obra La divina proporción, era ya
conocida de antiguo. Fue definida por Euclides como «división de un segmento en su media y
extrema razón». Es decir, los dos segmentos son entre ellos lo que el más grande es al todo. Su
fórmula será (a/b)=(a+b)/a o b2=a(a+b). No tiene expresión numérica racional, sino
inconmensurable, dada por la raíz cuadrada (1+5(1/2))/2, cuyo resultado es 1,618… Se conoce
como «número de oro» o número phi. Es evidentemente una proporción que demuestra una gran
complacencia por la especulación matemática rigurosa, demostrativa del ya aludido ideal científico
que informaba a los artistas del último Trcento e inicios del Quattrocento. A la vez, se pretende la
creación de un nuevo orden ideal de claras connotaciones neoplatónicas. Sus formulaciones son
diversas y pueden organizarse las composiciones a partir de las diferentes figuras geométricas, lo
que confiere gran variedad de soluciones plásticas. Una de las figuras más queridas es el
pentágono, símbolo de la quintaesencia platónica, que en volumen se convierte en decaedro,
formado por doce pentágonos. Su utilización como base de la proporción áurea se remonta al
mundo medieval. En la representación del Paraíso, de las Tres Riches Heures du duc de Berry,
podemos ver este tipo de organización que el Renacimiento potenciará.
El Retrato

Técnica: Lápiz

Canon y Figura humana

Historia

Para entrar en materia es importante tener claro el significado de canon y su historia, y así
profundizaremos en una parte importante de el cuerpo humano, el rostro.

El canon es un concepto que se refiere a las proporciones perfectas o ideales del cuerpo humano y
se refiere a las relaciones armónicas entre las distintas partes de una figura.

Sin desarrollar el concepto en tratados escritos, ya los egipcios utilizaron en la práctica el canon
para la representación escultórica de la figura humana, pero en lugar de tomar la cabeza como
modulo, lo hicieron con el puño, de forma que los cuerpos tenían de alto 18 veces el tamaño del
puño, distribuido proporcionalmente en distintas partes del cuerpo (dos para el rostro, diez desde
los hombros a la rodillas y seis desde éstas hasta los pies).

La plasmación literaria de esta idea fue explicitada en la Grecia Clásica por Policleto, escultor del
siglo V A. de C., en un libro técnico titulado El Kanon. Aunque el texto no se ha conservado, fue
ejemplificado por el artista en sus obras Doriforo y Diadumeno. En ellas estableció que la altura
perfecta de una figura humana era siete veces la altura de la cabeza.

Vitrubio dejó asentados varios conceptos, ampliando otras proporciones entre distintas partes del
cuerpo humano, que fueron reelaboradas por los artistas del Renacimiento, especialmente por
Alberto Durero y por Leonardo da Vinci.

Para dominar el dibujo de la cabeza humana no sólo es necesario conocer su forma externa y el
canon de proporciones, sino que el artista debe representar con soltura, fidelidad y fuerza
expresiva las partes del rostro, pues en ellas se reflejan los sentimientos más íntimos del ser
humano, al tiempo que son rasgos identificadores únicos e irrepetibles. El mejor camino para
dibujar con perfección tales elementos es practicar estudios a partir de modelos diferentes y en
distintas posiciones. En nuestro caso llevamos a cabo un amplio muestrario de pequeños dibujos
con diferente nivel de acabado, pero definitorios por sus peculiaridades. Ejercitemos esta tarea
que, aunque en principio pudiera resultar ardua, finalmente nos reportará esa destreza
determinante para dibujar el rostro humano.

En los estudios que el dibujante lleve a cabo de las diferentes partes del rostro no debe eliminar
ningún elemento, por poca importancia que a primera vista tenga.

En el caso de la nariz se trata de un apéndice de menor relevancia que los ojos o los labios, pero
que al ser un rasgo sobresaliente colabora en la expresividad general del rostro humano, al tiempo
que cobra una enorme trascendencia en la representación de la cabeza de perfil.

Los griegos de la antigüedad clásica creían que la proporción conducía a la salud y a la belleza.
Retrato Color

Técnica: Pasteles

Los secretos del color piel

El color piel es uno de los misterios más increíbles de la vida, así como las medidas de nuestro
cuerpo humano las cuáles son perfectas. Nos hace pensar en la perfección de nuestra piel y
nuestro cuerpo.

Como vimos una de las medidas más importantes del cuerpo humano es la proporción áurea,
medida que se encuentra en la naturaleza y hasta el universo mismo. Y esto es lo que tenemos
que tomar en cuenta al momento de realizar un retrato o un desnudo. Pero ¿por qué digo que
nuestra piel también es un misterio? El tema es fascinante y les voy a contar algo que muchos
pasan por alto.

Lo increíble de nuestra piel es que contiene colores primarios y secundarios como los contiene la
naturaleza. Cualquiera sea la raza étnica los colores corresponden al círculo cromático y esto no es
casualidad. Nuestra piel es luz y no existe el color negro así como no existe en el resto de la
naturaleza. Hay que entender que el color negro es la ausencia de luz por lo tanto cuando
compren un pomo de color negro hay que utilizarlo solamente para las cosas o materiales de color
negro creadas por el hombre. Y cuando pintemos oscuridad completa el color negro siempre hay
que crearlo, nunca utilizarlo desde el pomo. Siempre y cuando estemos hablando de pintura
figurativa claro.

¿Qué colores componen el color carne, cómo pintarlo? el color carne se compone de rojo, azul y
amarillo (los colores primarios) más diversos matices de verde, naranja y violeta (colores
secundarios).

Entonces para los que gustan de la pintura al óleo escribiré los secretos de lo que en dibujo y
pintura se conoce como “carnosidad”, es decir la composición del color carne.

¿Cómo pintar la piel?

En principio hay que tener en cuenta que el pomo de color carne que venden en las artísticas lo
pueden utilizar los que se dediquen a la pintura abstracta pero no los que pintamos pintura
figurativa. Ya que utilizando este color carne no existirían los matices y el color carne resultaría
plano.

Por otro lado hay que tener en claro que no existe un color carne único, éste depende de la raza
ética de la persona que estemos retratando, de la edad del retratado así como también las luces y
las sombras reflejadas y proyectadas.

Sin embargo a pesar de esto hay mezclas de color piel que generalmente se repiten en los
desnudos y en el retrato. Para comenzar les paso a detallar la paleta de colores que deberían
comprar si deciden realizar un retrato, una figura vestida o un desnudo.

PALETA DE COLORES

• Amarillo ocre

• Amarillo de cadmio

• Rojo de cadmio

• Rojo veneciano

• Rojo carmín o de alizarina

• Azul cerúleo

• Verde viridian o viridita

• Azul cobalto
• Azul ultramar

• Tierra sombra tostada

• Tierra siena tostada

• Negro marfil

• Blanco titan

Dicha paleta de colores es válida para cualquier tipo de técnica y material.

A continuación antes de realizar las mezclas hay que tener en cuenta algunos secretos de la
técnica del retrato:

1. Para que un retrato sea interesante la persona debe posar en plano ¾ derecho o izquierdo.

2. La luz en la mejilla deberá estar en contraposición con la sombra así como la sombra de su pelo
la cuál deberá estar en contraposición a la luz.

3. Antes de esbozar se comienza por marcar la proporción áurea en la superficie para encajar el
rostro y se deberá encajar el ojo en plano ¾ dentro del punto áureo.

4. Luego de esbozar en el lienzo se marcan los rasgos con una mezcla de siena y sombra tostada.

5. Luego se definen las sombras, las luces y las medias tintas (o sea el matiz entre la luz y la
sombra).

6. Recuerden la regla fundamental graso sobre magro – para que un cuadro no se craquele la
primer capa se pinta únicamente con óleo y trementina bien diluido y el resto ½ óleo y ½
trementina. El aguarrás no sirve para pintar al óleo ya que agrisa la pintura y solo la disuelve. El
aguarrás solo se utiliza para limpiar los pinceles y siempre y cuando estén muy duros. En cambio la
trementina disuelve y diluye la pintura sin variar su consistencia.

7. En el retrato la mirada es lo más importante es por ello que los ojos se deben de destacar más
que la boca y que la nariz.

8. Las bocas entreabiertas nos indican que existió una conversación o una conexión entre el pintor
y el retratado.

MEZCLAS DEL COLOR PIEL MAS UTILIZADO

SOMBRA - Para realizar la sombra mezclar tierra sombra tostada y ocre

MEDIAS TINTAS - Es la que cubre la mayor parte de piel - mezclar amarillo ocre, rojo de cadmio y
azul cerúleo (poquito)- la media tinta además de colocarse entre la luz y la sombra se coloca
dentro del ojo (parte blanca - Esclerotica ). Esta mezcla debe de quedar agrisada.

LUCES - Para realizar las luces mezclar ocre, blanco y carmín de alizarina.

OTROS SECRETOS
Para ruborizar las mejillas se coloca un poco de rojo veneciano y para pintar los labios también se
utiliza rojo veneciano. (Recuerden que para los retratos naturales las mujeres no deben de estar
maquilladas).

La línea divisoria de los labios se realiza con una mezcla de sombra tostada y rojo de cadmio.

Ahora bien, esto es siempre y cuando estemos hablando del color carne básico y generalmente el
más utilizado, pero todo dependerá si se trata de un anciano/a (se utilizará más violeta), si se trata
de una persona asiática (se utilizará más amarillo), si se trata de un bebé (se utilizará más medias
tintas agrisadas), si se trata de una persona afro (se utilizará en vez de azul cerúleo azul ultramar) y
existen muchas más posibilidades dependiendo también del estado de ánimo y de la salud de la
persona.

En el caso del pastel seco o la creta pastel como el cuadro que les adjunto las mezclas las realicé
con líneas finas entrelazadas de dicha paleta de colores.

Espero que les haya sido de utilidad, más adelante publicaré más secretos de las mezclas para una
persona asiática, afro y ancianos