Revista CLEA
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ISSN 2447-6927
Consejo Latinoamericano de Educación por el Arte
REVISTA CLEA
Número 5, primer semestre año 2018
ISSN 2447—6927
Dirección:
Rua Ouro Preto 1938, Bairro Francisco Pereira, Lagoa Santa - MG
Brasil
CEP: 33400-000
Correo electrónico:
[email protected]
Página Web:
http://www.redclea.org
Portada:
Benjamín Sierra Villarruel. México.
Ámbito Carrillo. 2000.
Técnica mixta (acuarela, acrílico y lápiz de color sobre hoja de directorio telefónico)
21x28 cms.
Diagramación Revista:
Patricia Raquimán O.
Contenido Página
Investigaciones
Reseña de Libros 77
Congresos 80
COMITÉ EDITORIAL
Salomón Azar Segura.
Instituto Uruguayo de Educación por el Arte–Taller Barradas, Uruguay.
Ana Mae Tavares Bastos Barbosa.
Universidade de São Paulo; Universidad e Anhembi Morumbi. Brasil.
Ethel Batres Moreno.
Foro Latinoamericano de Educación Musical. FLADEM. Guatemala.
Ramón Cabrera Salort.
Instituto Superior de Arte. Cuba. Profesor invitado de Universidad Autónoma de Nuevo León, México.
Rejane Galvão Coutinho.
Instituto de Artes - Universidade Estadual Paulista Júlio de Mesquita Filho, UNESP. Brasil.
María Victoria Heisecke Benítez.
Taller de Expresión Infantil y Juvenil, TEIJ, Paraguay.
Víctor Kon Gostynski.
Asociación Nueva Mirada. Grupo Boedo y Barrios del Sur, Argentina.
Mario Méndez Ramírez.
Universidad Autónoma de Nuevo León. México.
Olga Lucía Olaya Parra.
Consultora en Arte, Cultura y Patrimonio en Educación.
Amanda Paccotti Covacich.
Red Cossettini, Irice-Conicet. Argentina,
Rocío Polania Farfán.
Universidad Surcolombiana. Neiva, Colombia.
Patricia Raquimán Ortega.
Universidad Metropolitana de Ciencias de la Educación y Pontificia Universidad Católica de Chile.
Fabio Rodrigues da Costa.
Universidad Regional del Cariri-URCA. Ceará, Brasil.
Benjamín Sierra Villarruel.
Universidad Autónoma de Nuevo León, México.
Miguel Zamorano Sanhueza
Universidad Metropolitana de Ciencias de la Educación. Chile
El primer artículo forma parte de las Ediciones del CLEA N°1, editado por Uruguay, las que
surgieron como la necesidad de crear memoria, sobre el Consejo Latinoamericano de Educación por
el Arte, en ese entonces recientemente creado, y se refiere a la cooperación internacional para el
desarrollo de la educación por el arte. La sección de docencia, enfoques metodológicos y prácticas está
compuesto por dos artículos, el primero relata la transformación de la Academia de Bellas Artes de
Río de Janeiro en Escuela, con la Reforma de 1890, y el nuevo reglamento creado para el concurso de
Premio de Viaje a Europa. El texto analiza la relación entre el sistema de enseñanza adoptado por la
Escuela, el lugar de los alumnos de la antigua Academia, en esta nueva estructura y el reglamento del
Premio de Viaje a Europa.
El segundo artículo de esta sección de docencia plantea interrogantes a la génesis del acto
creador y de los caminos que se entrecruzan para llegar a él, abarca tanto el nivel del niño de primera
infancia como el adulto estudiante o docente que busca formarse en una pedagogía de Educación por
el Arte para su propio crecimiento personal y para su implementación en el ámbito de taller o en su
labor pedagógica en Jardines de Infantes.
En la reseña de libros presentamos el: International Yearbook for Research in Arts Education
5/2017; Teoria e Prática do Ensino de Arte: a lingua do mundo, 2009. El Congreso Regional
Latinoamericano de InSEA 2018 y el anuncio del Congreso de enseñanza / aprendizaje de las artes en
América Latina: colonialismo y cuestiones de género, cierran esta edición de la Revista CLEA N° 5.
O primeiro artigo forma parte das Ediciones del CLEA N°1, editado pelo Uruguay, as que
surgiram como a necesidade de criar memória, sobre o Conselho Latinoamericano de Educação pela
Arte, então recentemente criado, e se refere à cooperação internacional para o desenvolvimento da
educação pela arte.
A seção de docência, enfoques metodológicos e práticas está composto por dois artigos; o
primeiro relata a transformação de la Academia de Bellas Artes do Río de Janeiro em Escola, com a
Reforma de 1890, e o novo regulamento criado para o concurso do Prêmio de Viagem à Europa. O
texto analisa a relação entre eo sistema de ensino adotado pela Escola, o lugar dos alunos da antiga
Academia nessa nova estrutura e eo regulamento do Prêmio de Viagem à Europa.
O segundo artigo desta seção de docência levanta questões da genesis do ato criador e dos
caminhos que se entrecruzam para chegar a ele, abarca tanto o nível da criança de primeira infância
como o adulto estudante ou docente que busca formar-se em uma pedagogia de Educação pela Arte
para seu próprio crescimento pessoal e para sua implementação no âmbito de oficina ou em seu labor
pedagógico eem Educação Infantil.
A seção de investigações contém, também, dois artígos, começando com O desenho como
grafia da existência, que apresenta a experiência estética como algo que transforma o espaço do
cotidiano em território para o extraordinário. A autora busca, em sua narrativa de vida, encontrar uma
experiência primordial que transformou sua travessia e provocou desdobramentos que ecoam, ainda
hoje, em seu corpo. O desenho é, então, compreendido como um processo de construção e grafia de
uma existência, passando a habitar seu olhar sobre a infância e suas grafias de viver.
___________________________________________________________________________
COOPERACIÓN INTERNACIONAL
PARA EL DESARROLLO
DE LA EDUCACIÓN POR EL ARTE
Salomón Azar. Uruguay
INTRODUCCIÓN
Este artículo forma parte de las Ediciones del CLEA N°1, las que surgieron como la
necesidad de crear memoria, sobre el Consejo Latinoamericano de Educación por el Arte, en
ese entonces recientemente creado. Las Ediciones del CLEA N° 1 incluyeron la síntesis de las
ponencias presentadas durante las Jornadas Latinoamericanas de Educación por el Arte,
realizadas en la Facultad de Arquitectura en la ciudad de Montevideo y organizadas por la
Asociación Uruguaya de Educación por el Arte, en setiembre de 1985. El objetivo principal
fue difundir los enfoques y experiencias que se estaban desarrollando, en Latinoamérica.
DESARROLLO
Durante el XXV Congreso Mundial de la Sociedad Internacional de Educación por el
Arte, INSEA, realizado en Río de Janeiro 1984, a partir de una convocatoria de su presidente,
Brian Allison, de Inglaterra, y de la consejera mundial por Latinoamérica, Ana Mae Barbosa,
se reúnen los asistentes latinoamericanos, en la Universidad del Estado. Tema: Formación de
un Comité Provisorio para un Consejo Regional para América del Sur y Central.
Es el inicio de una etapa que renovará el accionar de la Educación por el Arte en el
área. En muchos años no se había dado la coyuntura que posibilitaría una relación directa entre
buena parte de los educadores de nuestro continente.
Habíamos concurrido al Congreso, con la expectativa puesta en conocer lo que se
realizaba a nivel mundial, aunque también en tratar de contactar las diversas delegaciones a
efecto de intercambiar ideas y acciones sobre temas comunes. Similar inquietud era
manifestada por el resto de las delegaciones, que, a través de intensos contactos en los
ambulatorios del Congreso y los salones de exposición de la Embajada Argentina, fueron
conformando una unidad de pensamiento que se reforzaría posteriormente.
Se detectaba pues, una manifiesta necesidad de encuentro. Los educadores por el arte
no eran ajenos al momento que vivía el resto del continente. Más allá de la convocatoria
realizada por las autoridades de INSEA existía una intencionalidad común de actuar en
función de raíces auténticamente latinoamericanas.
En este marco se concreta la cita programada, el 27 de julio de 1984. Con la asistencia
del Consejo Mundial de INSEA y la presencia de las delegaciones de Argentina, Brasil, Chile,
Paraguay, Perú y Uruguay, se da por constituido el Comité Provisorio para un Consejo
Regional para América del Sur y Central.
CONSEJEROS HONORÍFICOS
Palavras chave: Ensino de Arte, Academia de Belas Artes, Escola de Belas Artes, Prêmio de
Viagem à Europa.
RESUMEN:
Después de la transformación de la Academia de Bellas Artes en Escuela, con la Reforma de
1890, un nuevo reglamento fue creado para el concurso del Premio de Viaje a Europa. El
nuevo reglamento puso en práctica varias mejoras que venían siendo requeridas por el medio
artístico a lo largo de las décadas pasadas. Sus formuladores han redactado un documento en
plena sintonía con el moderno sistema de enseñanza de arte adoptado por la Escuela, sin
olvidar, sin embargo, a los alumnos que estaban en proceso de formación en la antigua
Academia, considerada retrógrada, cuando ocurrió la Reforma de 1890. Aunque la formación
de estos alumnos -entre los cuales nombres de destaque, como el de Eliseu Visconti- fuera
considerada deficitaria, sólo ellos estaban aptos para concurrir al Premio de Viaje en los
primeros años de funcionamiento de la Escuela. El texto analiza la relación entre el sistema
de enseñanza adoptado por la Escuela, el lugar de los alumnos, de la antigua Academia, en
esta nueva estructura y el reglamento del Premio de Viaje a Europa.
Palabras claves: Enseñanza de Arte, Academia de Bellas Artes, Escuela de Bellas Artes,
Premio de Viaje a Europa.
Key words: Teaching of Art, Academy of Fine Arts, School of Fine Arts, Travel Prize to
Europe.
INTRODUÇÃO
A Academia Imperial de Belas Artes do Rio de Janeiro foi a mais importante
instituição voltada ao ensino de arte no Brasil, e uma das mais significativas da América
Latina, ao longo de todo o século XIX. Fundada em 1824 (WANDERLEY, 2011, s/p)1i, a
Academia teve as suas primeiras décadas de funcionamento marcadas pelo sistema de ensino
artístico francês trazido pelos membros da chamada Missão Artística, que atuaram na
instituição como professores, dentre eles artistas renomados, como Jean-Baptiste Debret e
Nicolas Antoine Taunay. A Academia sofreu uma primeira reforma de seus estatutos em 1854,
quando ocorre a “Reforma Pedreira” marcada pela tentativa de adaptar a instituição aos
progressos técnicos de meados do século XIX (SQUEFF, 2000, p. 103). Uma segunda reforma
da renomada instituição ocorreu somente em 1890, após décadas de insistentes pedidos por
parte de alunos, professores e críticos de arte, de renovação dos métodos utilizados para a
formação dos jovens artistas. A Reforma de 1890 teve como alicerce a modernização da
instituição, que passou a se chamar Escola Nacional de Belas Artes, tendo como seu primeiro
diretor o jovem escultor Rodolpho Bernardelli.
1
A Academia Imperial de Belas Artes teve sua origem no projeto da Escola Real de Ciências, Artes e Ofícios,
aprovado pelo decreto de 12 de agosto de 1816. Com o Decreto de 17 de novembro de 1824 finalmente foi
criada a Academia Imperial das Belas Artes. Para mais informações sobre o complexo início da instituição.
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Os Estatutos que passaram a reger a Escola após 1890 foram pautados em duas
premissas: uma educação que privilegiasse a originalidade e da liberdade de invenção e uma
estrutura curricular baseada na graduação e seriação do sistema de ensino. A primeira
premissa estava estreitamente vinculada a uma concepção moderna de arte, que se afirmou na
segunda metade do século XIX, e segundo a qual o importante era a subjetividade, a
expressividade e a originalidade dos artistas (DAZZI, 2012, p. 88). A nova função do
professor não era aquela de transmitir preceitos, mas de constituir um modelo para os alunos,
individualizando e cultivando talentos peculiares. Cada aluno deveria se exprimir com a
originalidade que lhe era própria. O professor ou mestre, assim, era um exemplo e um
maiêutico: deveria saber fazer crescer o potencial artístico dos seus alunos, em uma relação
constante e exclusiva. (VAUGHAN, 2000, p.150). Por outro lado, a ausência de graduação no
sistema de ensino é outro ponto evidente nos estatutos da Academia, que em nenhum momento
apontam a exigência de que os alunos sigam um currículo ordenado. A exigência de uma
maior sistematização do ensino nas academias será um dos fatores que conduzirá às reformas
ocorridas na segunda metade do século XIX em toda Europa e Américas. A cobrança por parte
de artistas, intelectuais e mesmos políticos por um currículo estruturado para o ensino das
artes teve origem no pensamento Positivista, que condenava a forma como a educação era
pensada até o início do século XIX: um conjunto de disciplinas independentes e
conhecimentos avulsos, decorados e sem conexão entre si. Para os teóricos positivistas, para
o ensino de qualquer disciplina funcionar, ele deveria partir da aquisição de noções mais
complexas e raciocínios mais complicados, de forma consecutiva e seriada. (NUNES, 2003,
p. 13). Para filósofos como Comte, o ensino deveria ser pensado de acordo com uma seriação
sistemática, partindo sempre daquilo que já era conhecido e observado pelos sentidos, do
conhecimento mais geral e menos complicado para o desconhecido, para o abstrato, para o
mais especializado e o mais complexo. (COMTE apud CARTOLANO, 1994, p. 151-152).
Uma academia de arte moderna, em sintonia com o seu tempo, deveria, portanto, proporcionar
aos seus alunos disciplinas com sequências lógicas, e não conteúdos avulsos (sem sucessão),
pois a verdadeira instrução consistia, não em estudos desagregados, mas no desenvolvimento
harmônico do entendimento, mediante a ação convergente de disciplinas apropriadas,
aprendidas na sua gradação lógica e na sua colaboração natural.
Discussões de
Sem aprovação Regulamento Especial para os Alumnos da
elaboração na Ata de
localizada no Antiga Academia
1891 (Ata, 1891, p.
D.O.U.
1A-11B).
Regulamento para processo nos concursos,
Publicado no D.O.U.
Aprovado em 26 de na Escola Nacional de Bellas Artes, aos
de 13 de novembro de
outubro de 1892 logares de pensionista do Estado na Europa
1892
(inclui deveres dos pensionistas).
Quadro: Regulamentos da escola nacional de belas artes.
Por certo, nessa categoria foram incluídos alunos como Eliseo Visconti, Rafael
Frederico e Bento Barbosa, que passaram a ser mencionados como alunos da Escola.
Diferente do que localizamos sobre Fiuza Guimarães, sempre mencionado como “alumno de
antiga Academia”:
Art. 2º - Os matriculados nas aulas de desenho figurado, desenho geométrico
e na especialmente chamada de matematicas aplicadas do plano de estudos da
antiga Academia serão admitidos independentemente de provas de habilitação à
frequencia das aulas de qualquer dos annos do curso geral da actual ENBA
(grifos nossos). (Ata de 8 jun. 1891. p. 6A).
Cabe ressaltar que Eliseu Visconti, Rafael Frederico, Bento Barbosa, Fiuza Guimarães
foram os ganhadores do Prêmio de Viagem à Europa ao longo dos primeiros anos de
funcionamento da Escola Nacional de Belas Artes. (VALLE, DAZZI, 2007, s/p).
Uma diferença em relação aos estatutos anteriores, datados de 1855, e que vigoraram
até o último ano da Academia de Belas Artes, aqui se faz notar. Ainda que os Estatutos de
1855 tenham sofrido modificação ao longo dos anos, não pudemos localizar nenhum decreto
alterando as suas determinações sobre os Prêmios de Viagem à Europa.
Os Estatutos da Reforma Pedreira (DECRETO NO 1630, de 14 de maio de 1855, s/p),
como ficou conhecida a reforma de 1855, não determinavam de modo claro quem poderia
concorrer ao Prêmio de Viagem, não estipulavam uma ordem de realização – diferentemente
do Regulamento de 1892, que estabelecia a sequência: “1º anno, pintura; 2º anno, escultura;
3º anno, architectura; 4º anno, gravura” – e, por fim, privilegiavam os cursos tidos como os
mais significativos dentro da Academia, sobretudo no que se refere ao tempo de duração das
pensões:
TITULO IX
Dos Pensionistas do estado
Art. 74. De tres em tres annos partirá hum pensionista qual ficará seis annos na
Europa se for Pintor Histórico, escultor, ou Architecto, e quatro se for Gravador
ou Paisagista. (DECRETO NO 1630, de 14 de maio de 1855, s/p).
Tais critérios eram bastante diferentes daqueles vigentes nos concursos dos Prêmios
de Viagem realizados no período da antiga Academia. Nesses, os candidatos de pintura eram
avaliados, sobretudo, com base na realização de um quadro de composição, uma obra que,
presumivelmente, denotava um grau considerável de maturidade e autonomia artística por
parte do seu autor. Esperava-se que o aluno já fosse um artista formado. Entendimento distinto
do que foi implementar após a Reforma de 1890, momento no qual a Escola era compreendida
como uma instituição “preparatória de ensino”, como assinalou Rodolpho Bernardelli em seu
relatório ministerial de 1891:
Os estatutos da Escola Nacional de Bellas Artes [...] não compreendem um
vastíssimo plano como seria o de um estabelecimento destinado a instrucção
completa e acabada em cada uma dos cursos [especiais] do programma da Escola
No curso de pintura
Primeiro anno Segundo anno e terceiro
Anatomia e fisiologia artísticas; Pintura (duas cadeiras).
Desenho de Modelo Vivo
CONCLUSÕES
A título de considerações finais, podemos afirmar com base no que foi apresentado e
analisado ao longo do texto, que o Regulamento Especial para os Alunos da Antiga Academia
e o Regulamento para processo nos concursos aos lugares de pensionista na Europa se
entrelaçavam e se completavam, uma vez que nos primeiros anos de funcionamento da
Escola, os ganhadores do prêmio de viagem à Europa foram todos alunos da antiga Academia:
Eliseu Visconti, em 1892; Rafael Frederico, em 1893; Banto Barbosa, em 1894; Fiuza
Guimarães, em 1895, Souza Vianna, em 1896. Pudemos comprovar, ainda, que os dois
regulamentos eram plenamente coerentes com a estrutura seriada de ensino proposta para a
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Escola, um dos pilares da reforma da antiga Academia. O regulamento dos Prêmios de Viagem
à Europa, além disso, propunha inovações e concretizava melhorias há muito solicitadas por
artistas, críticos de arte, alunos e professores da antiga Academia. Na Academia os candidatos
de pintura eram avaliados com base na realização de um quadro de composição, como se
fossem artistas já plenamente formados. A Escola, no entanto, era compreendida como uma
instituição “preparatória de ensino”, e passou a avaliar os candidatos com base em estudos de
modelo-vivo. Acreditamos que estudar esses documentos vinculados a Reforma de 1890 é
uma das vias mais concretas para conferirmos a Escola Nacional de Belas Artes à importância
que lhe é devida, resgatando a sua relevância histórica como principal instituição de ensino
artístico do país após a Proclamação da República.
REFERÊNCIAS
COMTE, August. (1830). Cours de Philosophie Positive. Tome I, Primier Volume. Paris:
Anthropos.
DAZZI, Camila. (2016) O ensino das disciplinas teóricas na Academia das Belas Artes.
19&20, v. XI, p. 1-20
DAZZI, Camila. (2015). Arte e Indústria - o ensino de desenho na Escola Nacional de Belas
Artes. Educação Gráfica (UNESP), v. 19, p. 10-25.
DAZZI, Camila. (2012). O moderno no Brasil ao final do século 19. Revista de História da
Arte e Arqueologia (UNICAMP), n.17.
SQUEFF, Letícia Coelho. (2000). A Reforma Pedreira na Academia de Belas Artes (1854-
1857) e a constituição do espaço social do artista. Cad. CEDES, vol.20, n.51.
VAUGHAN, William. (2000). Cultivation and control: the ‘Masterclass’ and the Dusseldorf
Academy in the Nineteenth century. CARDOSO, R; TRODD, C. Art and academy in the
nineteenth century. New Jersey: Rutgers University Press, New Brunswick.
WANDERLEY, Monica Cauhi. (2011). História da Academia - diferentes nomes, propostas
e decretos. 19&20, Rio de Janeiro, v. VI, n. 2, abr./jun.
DOCUMENTOS
AMOÊDO, Rodolpho. (1894). Anexo Q. NASCIMENTO, Alexandre Cassiano do. Relatório
do Ministro da Justiça e Negócios Interiores ao Vice-Presidente da República dos Estados
Unidos do Brasil, mar.
Ata de 10 nov. 1892. p. 17A. Arquivo do Museu Dom João VI/EBA/UFRJ.
Ata de 4 jun. 1891. p. 2B. Arquivo do Museu Dom João VI/EBA/UFRJ.
Ata de 8 jun. 1891. p. 6A. Arquivo do Museu Dom João VI/EBA/UFRJ.
Ata de 8 jun. 1891. p. 6A. Arquivo do Museu Dom João VI/EBA/UFRJ.
BERNARDELLI, Rodolpho. (1895). Anexo P. FERREIRA, Antonio Gonçalves. Relatório do
Ministro da Justiça e Negócios Interiores ao Vice-Presidente da República dos Estados
Unidos do Brasil, abr.
DECRETO N. 1630, de 14 de maio de 1855. Estatutos referentes a Academia Imperial das
Bellas Artes.
DECRETO N.938, de 8 de novembro de 1890. Estatutos referentes a Instituição da Escola
Nacional de Belas Artes e do Conselho Superior de Belas Artes.
DIÁRIO OFICIAL DA UNIÃO, Rio de Janeiro, 13 nov. 1892. Regulamento para o processo
nos concursos, na Escola Nacional de Bellas Artes, aos logares de pensionista do Estado na
Europa (inclui deveres dos pensionistas). Aprovado em 26 de outubro de 1892.
RESUMEN:
Este trabajo intenta plantear interrogantes a la génesis del acto creador, tanto a nivel del niño
de primera infancia como del adulto estudiante o docente que busca formarse en una
pedagogía de Educación por el Arte para su propio crecimiento personal, y para su
implementación en el ámbito de taller o en su labor pedagógica en Jardines de Infantes,
instituciones que atienden a la primera infancia y escuelas
Palabras claves: Acto creador, niño, ensoñación, caminos
RESUMO:
Este trabalho procura colocar questões para a gênese do ato criativo, tanto em nível da criança
da primeira infância, quanto do aluno ou professor adulto que busca ser treinado em uma
pedagogia da Educação para a Arte para seu próprio crescimento pessoal e para sua
implementação no campo da arte. oficina ou em seu trabalho pedagógico em jardins,
instituições que lidam com a primeira infância e escolas
Palavras chave: Ato criativo, criança, sonhar acordado, caminos
ABSTRACT:
This work seeks to pose questions to the genesis of the creative act, both at the level of the
child of early childhood and the adult student or teacher who seeks to be trained in a pedagogy
of Education for the Art for their own personal growth and for its implementation in the field
of workshop or in their pedagogical work in gardens, institutions that deal with early
childhood and schools
Key words: Creative act, child, daydreaming, paths
El presente artículo está concebido para abordar el misterio del acto creador. Desde
una doble vertiente ¨investigación/acción”, pues al trabajar con niños pequeños uno aprende
y se nutre de su modo complejo de ser y conocer el mundo. En mi labor de Formación Docente
procuro acercar a los adultos ese mundo infantil, que se sustenta, además de mi labor
pedagógica (durante décadas) en Educación por el Arte, en numerosos trabajos de autores de
múltiples disciplinas; de su lectura se va conformando una panoplia de teorías que van tejiendo
un entramado teórico que paulatinamente va iluminando el acto creador. Entre los temas a
tratar que construyen el acto creador, el amor, el vínculo humano, entorno, exploración, niño,
me voy a detener en aquellos aspectos que considero pertinentes, el orden en que figuran tiene
relación con el presente trabajo, y apunta a un encadenamiento evolutivo, pero no valorativo.
I) En el comienzo es el niño
II) Senso-percepción
III) El primer juego
IV) Entorno, exploración, comunicación
X) Conclusiones
EN EL COMIENZO ES EL NIÑO
“La infancia es la etapa evolutiva más importante de los seres humanos, pues en los
primeros años de vida se establecen las bases madurativas y neurológicas del desarrollo.
Pocas dudas existen sobre la importancia del desarrollo infantil temprano en el aprendizaje
y en el desarrollo social posterior. Las experiencias de los niños1 en sus primeros años son
fundamentales para su progresión posterior. No es extraño por ello que los economistas y
los científicos sociales aseguren que los programas que promueven el desarrollo de los
niños pequeños son la mejor inversión para lograr el progreso del capital humano y el
crecimiento económico. En consecuencia, es imprescindible que se garanticen las
condiciones básicas de alimentación y de salud de los niños pequeños, la provisión de
estimulación variada, el apoyo a las familias para que atiendan las necesidades, el
desarrollo y la educación de sus hijos, y la incorporación progresiva de los niños en centros
educativos que contribuyan a su maduración y a su aprendizaje” (S.f.) MARCHESI,
Alvaro, Secretario General de la OEI
Y estamos de acuerdo con la opinión de Marchesi, ahora bien, para el pleno desarrollo
infantil es fundamental el contacto físico; compartimos con los primates una infancia
prolongada, nos resulta imprescindible -el abrazo, es en el contacto con la piel de la madre (o
de quien cumpla ese rol) que el ser humano, y los grandes monos- vamos madurando física,
social y cognitivamente. El amor es así un componente fundamental en el crecimiento. Desde
los primeros días necesitamos vernos en los ojos de otra persona, sentir su calor, su aroma
corporal, escuchar su voz, sentir su cercanía, su cariño.
Había una sabiduría ancestral en las abuelas cuando tomaban al niño en brazos y lo
mecían, con un ritmo que se acoplaba inconscientemente con el ritmo del bebé; cuando le
recitaban antiquísimas nanas de tradición oral, estaban cumpliendo varias funciones, la de
calmarlo, la de un contacto que favorecía el vínculo corporal, afectivo y lúdico, y al hacerlo,
le estaban abriendo la puerta a la noción de pertenencia familiar y cultural. Cuando unos meses
más tarde ese bebé desde su cuna ensaya su “lalaleo”, con una melopea que dura largo rato,
está jugando con su voz, se está vinculando con ella y está ejercitando explorando y
manifestando una de sus primeras expresiones sonoras, con las que se deleita e inicia una
intencionada y lograda expresión de sí mismo.
1. SENSOPERCEPCIÓN
Acordes con la postura pedagógica de la Educación por el Arte- inspirada en el modo
en que los niños conocen el mundo- nuestra propuesta pone especial énfasis en una educación
que se detenga en cada uno de los cinco sentidos, incentivando su utilización, afinando la
percepción y al mismo tiempo aumentando la capacidad sensible del docente, aptitud que se
traslada luego al niño, (pues el adulto recobra su capacidad perceptiva) conociéndolo y
promoviéndolo adecuadamente.
Respecto a la naturaleza de la realidad, Maturana nos indica que, para uno como
organismo, la realidad existe únicamente si la percibimos.
2. EL PRIMER JUEGO
La vida se inaugura con el juego primario, libre, del bebé con su cuerpo, al que conoce
explorándolo; del jugueteo de ese mismo bebé con el pecho de su madre, va surgiendo el
juego, los múltiples juegos que se nutren de él.
Indagando sobre el juego, nos llega la pequeña joya en forma de libro de Arminda
Aberastury, El niño y sus juegos, obra que, con su abordaje psicológico, nos permite ahondar
en el significado profundo de la elección de determinados juguetes por parte de los niños.
En ese primer juego nace y se van fortaleciendo los vínculos afectivos; al llegar a los
dos años y medio, sigue el juego de mirarse niño y madre, el uno reflejado en la mirada del
otro; camino de estrecho vínculo, del cual surge la metáfora, “estoy en tus ojos mamá…”
Desde muy temprana edad, los pequeños sienten la necesidad de conocer el mundo
que los rodea, mediante su actividad sensorial van tocando, oliendo, escuchando, probando,
viendo y en un complejo acto exploratorio van conociendo y aprehendiendo las características
y cualidades de su entorno, y paulatinamente va creciendo su mundo y pasito a paso aumenta
su capacidad comunicativa. En nuestra propuesta, se promueve el conocimiento del entorno
de manera corporal y lúdica, recobrando y acrecentando ese especial modo de conocer y estar
situado en el mundo.
El filósofo Walter Benjamin aporta una interesante visión sobre la infancia, la cultura
infantil y el juego; para él, mediante el juego, el niño crea cultura. Al jugar, va desarrollando
una actividad de “coleccionismo”, se va apropiando de todo lo que lo rodea. Con esos
elementos construye su universo lúdico y estético, en una actitud que tiene puntos en común
con la de muchos artistas contemporáneos, en una labor de apropiación y renovación de los
materiales ofrecidos por la naturaleza y la cultura.
El autor sostiene, además, que «nada se adecua más al niño que la combinación de los
materiales más heterogéneos en sus construcciones», en una actividad de selección,
combinación y transformación, actividad que lo fascina y conmueve, implicándose
emocionalmente en una vivencia que busca repetirse: «toda vivencia profunda busca
insaciablemente hasta el final, repetición y retorno, busca el restablecimiento de la situación
primitiva en la que se originó». BENJAMIN (2015).
5. ESTÉTICA Y ÉTICA
Hay una obligación estética y ética de proporcionar a los niños experiencias
perceptivas variadas y vastas. He podido observar en algunos centros educativos actuales
como se promueve en niños pequeños el permanecer sentado a la espera de que el maestro
“explique” lo que van y tienen que hacer, el maestro es el que sabe, el depositario de la única
e incuestionable verdad. He visto la apatía, el aburrimiento, la falta de curiosidad de los niños;
ese es un acertado camino cuyo casi ineludible destino es conducirlos a la pre-burocracia.
Destino de monotonía, de no querer curiosear, no querer sacar sus propias conclusiones y
elaborar sus propios pensamientos y modo de conocer el mundo. Y agrego modo de hacer
mundos posibles a los de Nelson Goodman. Cuando al salir de algunos de los centros tomo el
ómnibus, frecuentemente veo a jóvenes madres con bebés de ocho meses, un año y más darles
el celular o el iPhone y ponerles videos o dibujitos y los niños miran las imágenes sin poder
despegar los ojos de la pantalla en una dependencia en la que el elemento vincular significativo
está ausente.
El niño en sus dos primeros años carece de la madurez neurológica para recibir
estímulos tan diversos, tan cambiantes y con los que no es posible establecer vínculos
sensoriales o afectivos y que lo van sumergiendo en una atmósfera brumosa y caótica de
movimientos cambiantes, ruidos e imágenes lumínicas que se suceden incontroladamente. Es
un mundo que se debe ir incorporando muy lenta y paulatinamente. El pequeño debe
establecer relaciones de conocimiento sensorio-motriz y emocionales con el medio ambiente.
6. ENSOÑACIÓN, SENSIBILIDAD
“Todos los sentidos se armonizan y despiertan en la ensoñación creadora”
(Bachelard)
Hay actualmente niños tan sobrecargados de actividades desde los primeros años que
no tienen tiempo para una actividad humana fundamental; me refiero a la ensoñación y a
valorar y en alta medida el proceso de la ensoñación.
Jesualdo no fue docente de niños pequeños, pero su idea sobre la creación infantil tiene
plena vigencia también para ellos.
Es desde el amor, amor destinado a los niños, a los más desposeídos, que se han
elaborado y llevado a la práctica métodos pedagógicos que apostaron por una educación, por
una postura de amor que otorgara respeto y crecimiento en libertad, por nombrar solo algunos:
Jesualdo Sosa, Herbert Read, Loris Malaguzzi, todos ellos por amor y luchando desde la
revolución que ese amor puede producir. Acorde con la postura ecléctica del Taller Barradas
nos nutrimos de variadas fuentes, enraizados en la Educación por el Arte, nos resulta muy afín
la pedagogía de Reggio Emilia.
Personalmente, además, me nutro del pensamiento complejo, de un pensamiento que
re-liga, que reconoce la cualidad compleja de la que estamos hechos, somos “homo sapiens,
demens, ludens” y de nuestra posibilidad sempiterna de elección y la Dra. Cabanellas reconoce
en el niño pequeño un ser complejo “Necesitamos un paradigma educativo que conjugue la
complejidad humana, en una relación circular, de vida, cultura, y arte. Comunicación con el
adulto que observa, que aprende del niño y de su forma de sentir, conocer y comunicar”.
(CABANELLAS, 1990)
Y para aprender de los niños, dejarse sorprender por sus actitudes, sus transgresiones,
su uso exploratorio y lúdico y aparece el placer, la gracia de compartir ese rato fuera del
tiempo, con otra dimensión. Y diseñar un taller que implica y sus similitudes con el juego y
uno diseña y el componente de misterio y cómo depende en gran medida del grupo destinatario
y de lograr – o no- un buen clima de taller y el espacio/tiempo, ese espacio de fuerte semejanza
con el tiempo de la fiesta, tiempo en el cual según Gadamer participan el arte y lo celebratorio,
apartado del discurrir de la rutina y surge en ese lapso la capacidad de trasladarse hacia otos
tiempos/espacios. Un lugar donde afinar la sensibilidad mediante la educación sensorial que
cimenta y promueve un mejor conocimiento de uno mismo y del grupo. Surge el hecho
estético, la “poiesis” a nivel individual pero también colectivo.
9. CONCLUSIONES
Mi camino ha sido y es múltiple, variado, entusiasmado: deseo compartir mi
entusiasmo y mi estado de enamoramiento; hacia los niños, los jóvenes, los creadores. Día a
día mis intereses crecen y el estado de encantamiento amoroso al estar en contacto con los
niños, retroalimenta la pregunta, el asombro, el ser curiosa. Necesito rodearme de juguetes,
de libros, de autores de teorías que me permitan continuar buscando y abriéndome a nuevas
interrogantes.
Esperando que este trabajo, que relata una búsqueda creadora personal, pueda
contribuir en cierta medida a aportar semillas que contribuyan en la elaboración del acto
creador, y que se planteen nuevas interrogantes, destaco la relevancia que tiene aprender del
niño, verlo en su camino, en su búsqueda en sus hallazgos, y tenerlo como modelo. En un
mundo en el que lo único permanente es la noción de cambio, promovamos en los pequeños
su actividad exploradora, cuestionadora y en definitiva su manera creadora de hacer mundos
posibles. Y permaneciendo fieles a la Educación por el Arte estar abierto a nuevas tendencias,
nuevos abordajes, acercar al niño pequeño al arte, a lo patrimonial, incorporando en el taller
los escenarios estéticos tan amados por los niños.
BACHELARD, Gastón (1975) “La poética del espacio” Fondo de Cultura Económico,
México.
BODEI, Remo (2013) “La vida de las cosas”, Editorial Amorrortu, Argentina.
BOURRIAUD Nicolás (2015) “Estética relacional” Adriana Hidalgo, Buenos Aires.
MORIN ,Edgar (1999) Los siete saberes necesarios para la educación del futuro,
Santillana, Colombia..
TASSIN, Jacques, (2018) Penser comme un arbre editions Odile Jacob France
RESUMO:
Entender a experiência estética como algo que transforma o espaço do cotidiano em campo
para o extraordinário. A autora busca em sua narrativa de vida encontrar uma experiência
primordial que transformou sua travessia e provocou desdobramentos que reverberam ainda
hoje em seu corpo. O desenho é então compreendido como um processo de construção e grafia
de uma existência, e, para além dos territórios sensíveis da autora, passa a habitar o seu olhar
sobre a infância e suas grafias do viver.
RESUMEN:
Entender la experiencia estética como algo que transforma el espacio de lo cotidiano en
territorio para lo extraordinario. La autora busca en su narrativa de vida encontrar una
experiencia primordial que transformó su travesía y provocó desdoblamientos que resuenan,
aún hoy, en su cuerpo. El dibujo es entonces comprendido como un proceso de construcción
y grafía de una existencia, y, más allá de los territorios sensibles de la autora, pasa a habitar
su mirada sobre la infancia y sus grafías del vivir.
Palabras clave: Dibujo. Experiencia. Infancia. Narrativas de si.
ABSTRACT:
Understanding the aesthetic experience as something that transforms the everyday space into
the field for the extraordinary. The author seeks to find, in her life narrative, a primordial
experience that transformed her journey and led to outcomes that reverberate in her body to
this day. Drawing is understood, therefore, as a construction process and the script of an
existence, and, beyond the author's sensitive territories, starts to inhabit her regard towards
childhood and her scripts for living.
Keywords: Drawing. Experience. Childhood. Self-narrative.
1
Pesquisa de Doutorado da autora, sob orientação da Profa. Dra. Lucia Gouvêa Pimentel, em processo de
desenvolvimento no Programa de Pós-Graduação em Artes da Escola de Belas Artes da Universidade Federal
de Minas Gerais.
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Imagem 1: No ar (caneta hidrocor sobre papel).
Fonte: PALHARES, 2017.
2
As palavras em itálico ligadas por hífens foram “criadas” pela autora e pontuam o estabelecimento de uma
relação, uma continuidade entre suas partes. A exceção é a expressão ser-no-mundo que pertence a Edmund
Gustav Albrecht Husserl (1859-1938). Husserl foi um filósofo e matemático alemão que criou e estabeleceu a
escola da fenomenologia.
Ao olhar a minha história, procurei encontrar uma experiência que ainda hoje se
desenha em meu corpo. Um momento de deslocamento que reverberou em minha travessia,
como algo que se grafou em voz clara, e, por isso, fez transbordar o silêncio e se construiu
como uma morada para a minha existência.
No meu exercício para compreender a travessia vivida que me fez artista-professora-
pesquisadora, e, nesse processo de investigação elucidar os territórios que escolho olhar e os
achados que acolho, percebi que um dos principais elementos que me constituem é o desenho.
O ato de desenhar se configurou na minha história, desde a mais tenra infância, como uma
forma de subverter o ordinário e construir sentidos para o mundo.
O desenho se fez matéria afetiva para narrar o meu existir. Dentre todas as experiências
vividas escolhi narrar a substância sensível de minhas linhas, que iniciaram sua travessia aos
cinco anos de idade, quando para tecer sentidos ao vivido comecei a desenhar os objetos que
habitavam o meu cotidiano. Narrar essa experiência significa encontrar a essência
contemplativa de meus olhos, perceber o instante de existência que fez com que a poesia se
constituísse como a minha forma de apreciar o mundo.
No princípio vieram as insignificâncias. Para dizer sobre o que constrói meu ser-
artista-professora preciso reencontrar a menina que fui,e, que ainda hoje permanece no
pergaminho secreto do meu corpo. Das preferências de minha criança guardo apreço pelo
A linha intensa que se revela na Imagem 4 traz em sua impressão silenciosa o arranjo
de um corpo-criança que se transmuta em gesto e traço. A travessia da grafia sobre o papel
narra caminhos com reentrâncias, possibilidades de pausa e transformação. A linha que me
atravessa tece emaranhados e costuras enquanto observa as crianças. A Imagem 5 faz parte de
um diário que foi construído durante minha dissertação de Mestrado e tanto meus desenhos
quanto as escritas nasceram do olhar sobre as experiências estéticas da infância. Percebo que
a coragem para me lançar sobre o papel, a entrega necessária para fazer do branco da folha
um território poético para as grafias, é a mesma que lança as crianças em seu encontro com a
matéria expressiva e constrói a possibilidade de tocar o sensível.
O exercício de apreciar as linhas da infância e as minhas próprias grafias faz com que
os sentidos de meu existir se alarguem, tomando de assalto o meu olhar e meus afetos,
tornando as grafias das crianças um corpo-desenho que percorre meus traços e[re]desenha a
pausa necessária para acolher o desconhecido. Nas terras desmedidas da infância onde o corpo
se transmuta em céu, em folha e vento, desenhar anuncia os amores, as descobertas e o
encontro com o outro.
Olhar o desenho das crianças modifica a observação de minhas linhas, como o lugar
de repouso de Dewey (2010) que torna-se potência estética para transformar o cotidiano. O
desenho infantil, segundo Merleau-Ponty (2007), não é uma representação do mundo, mas
uma forma de exprimir os afetos e encontros com este mesmo mundo. Penso que ao observar
e testemunhar o instante em que o corpo-criança se transmuta em grafia, também faço das
minhas linhas um campo relacional, um corpo-poético que se revela em traço e não representa:
apenas é.
CALVINO, Italo. (2010). Coleção de Areia. Tradução Maurício Santana Dias. 1ª ed. São
Paulo: Companhia das Letras.
DEWEY, Jonh. (2010). Arte como Experiência. Trad. Vera Ribeiro. São Paulo: Martins
Fontes.
HEIDEGGER, Martin. (1987). La esencia del habla. In: De camino al abla. Barcelona:
Ediciones del Serbal.
LARROSA BONDÍA, Jorge. (2002). Notas sobre a experiência e o saber de experiência. In:
Revista Brasileira de Educação. Rio de Janeiro, Anped, n. 19. p. 20-28.
RESUMO
O presente artigo tem por objetivo a análise do design presente nos tapetes da festa de Corpus
Christi realizada na cidade de São Luiz do Paraitinga, interior de São Paulo. Para o
desenvolvimento do artigo optou-se pela pesquisa etnográfica e iconográfica realizada em
dois anos consecutivos – 2016 e 2017. O design popular presente na elaboração e nas técnicas
de confecção em consonância com materiais industrializados e reaproveitamento de outros
constitui a formação de uma visualidade para os tapetes que exercem uma função sagrada,
porém efêmera para a comunidade que os desenvolve.
RESUMEN
El presente artículo tiene por objetivo el análisis del diseño en las alfombras de la fiesta de
Corpus Christi realizada en la ciudad de São Luiz do Paraitinga, interior de São Paulo. Para
el desarrollo del artículo se optó por la investigación etnográfica e iconográfica realizada en
dos años consecutivos - 2016 y 2017. El diseño popular en la elaboración y en las técnicas de
confección en consonancia con materiales industrializados y reaprovechamiento de otros
constituye la formación de una visualidad para las alfombras que ejercen una función sagrada,
pero efímera para la comunidad que los desarrolla.
ABSTRACT
This article has the objective of analyzing the design present on the rugs of the Corpus Christi
party held in the city of. For the development of the article, we opted for ethnographic and
iconographic research carried out in two consecutive years - 2016 and 2017. This kind of
popular design that is elaborated with industrialized materials and reutilization of others,
constitutes the formation of a visuality for the carpets that perform a sacred, but ephemeral,
function for the community that develops them.
1
Cf.: História da Festa de Corpus Christi (AQUINO, 2017).
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O sacerdote é o primeiro a passar sobre os tapetes confeccionados para a procissão e,
após isso, as pessoas que acompanham o trajeto o fazem também, desmanchando o trabalho
realizado pelas pessoas da comunidade, dando o tom da efemeridade para a criação que
discutiremos neste trabalho.
Figura 1 – Ostensório
Fonte: Acervo do pesquisador (2016).
No Brasil, faz parte da tradição popular ornamentar as ruas por onde passará a
procissão de Corpus Christi com tapetes coloridos ornamentados com desenhos de temáticas
e inspirações religiosas.
Na cidade de São Luiz do Paraitinga, campo desta pesquisa, a feitura dos tapetes tem
início na noite anterior à procissão, por volta das vinte e uma horas, atravessando uma parte
da madrugada com continuidade ao longo da manhã do dia de Corpus Christi, até cerca das
treze horas, deixando tudo pronto para a procissão que neste ano teve uma modificação:
anteriormente, a procissão terminava com a missa; mas neste ano a procissão aconteceu após
a realização da missa de Corpus Christi.
A confecção dos tapetes se dá por representantes da comunidade, que se voluntariam
para ajudar em sua feitura. Neste ano, além da população em geral e fiéis ativos na igreja
católica – ministros, catequistas, legionários de Maria e outros – a feitura dos tapetes contou
com grupos de alunos e jovens. Segundo depoimentos das pessoas que tradicionalmente
21
O calcário dolomítico é utilizado para fins agrícolas com a função de corrigir a acidez do solo e fornecer
cálcio e magnésio que são indispensáveis para a nutrição das plantas.
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Figura 6 – Embalagem de ovos para contorno das flores
Fonte: Acervo do pesquisador (2016).
A tradição dos tapetes de Corpus Christi constitui uma das muitas manifestações da
religiosidade popular presentes na cultura popular brasileira. Com algumas diferenças em sua
feitura, de cidade para cidade, a função dos tapetes permanece a mesma: a passagem do corpo
de Cristo pelas ruas por onde passa a procissão.
O envolvimento das pessoas para sua feitura reflete a importância da fé que se mantém
na religiosidade popular, passada tradicionalmente de uma geração para outra, constituindo-
se de elemento simbólico deste ou daquele povo uma vez que “a natureza simbólica das festas
e seu forte apelo aos sentidos humanos estão na base de sua notável dimensão estética e
capacidade de resistência à usura do tempo” (CAVALCANTI, 1998-2012, p. 2). Com isso a
permanência da tradição dos tapetes de Corpus Christi constitui-se em elemento identitário
daqueles ali envolvidos.
A visualidade presente na construção imagética dos tapetes aponta para símbolos
religiosos presentes no cotidiano católico da comunidade, associados à eucaristia (cálices,
hóstias, santos), além de flores e outros elementos visuais. Na cidade de São Luiz do
Paraitinga, além de símbolos comuns, presentes em outras cidades, em um dos tapetes fez-se
a imagem de São Luiz de Tolosa, padroeiro da cidade (Figura 12). Em anos anteriores, além
da presença do santo padroeiro fez-se também a imagem de Nossa Senhora das Mercês, santa
que dá nome à capela onde se encontra a sua imagem.
31
Os materiais utilizados para a confecção dos tapetes, segundo o informante Ederaldo, encarregado da equipe
de limpeza, são convertidos em adubo para uso nas áreas rurais; daí o uso de calcário e outros materiais que se
degradarão no solo.
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Figura 13 – Tapete desmanchado
Fonte: Acervo do pesquisador (2016).
Talvez, para alguns, o olhar do design para a cultura popular, diretamente ligada à
feitura dos tapetes de Corpus Christi possa parecer inusitado, ou ainda impróprio por se tratar
de um fazer popular, executado por pessoas comuns, não designers e que não dominam as
técnicas e os procedimentos desta área.
Caminhando para as considerações finais deste artigo, os relatos da Professora Ana
Mae Barbosa apontam caminho que propõe olhar intercultural criando o diálogo entre museus
e cultura popular e, aqui, utilizado para provocar as ideias de que este dialogo se faz necessário
para que possamos formar cidadãos e, quiçá, profissionais destituídos de preconceito para com
as manifestações culturais.
Segundo a Enciclopédia Itaú Cultural
A criação de um Museu de Arte Contemporânea em São Paulo remete ao ano de
1963 e à doação do acervo do Museu de Arte Moderna de São Paulo – MAM/SP,
feita por Ciccillo Matarazzo (1892-1977) à Universidade de São Paulo – USP. Ao
acervo do MAM/SP somam-se as coleções particulares de Ciccillo Matarazzo e
Yolanda Penteado (1903-1983); posteriormente, reúnem -se ao núcleo primeiro o
espólio Yolanda Mohalyi (1909-1978) (com 26 obras da artista) e a coleção Theon
Spanudis (364 obras, entre as quais um grande número de trabalhos construtivos
posteriores à década de 1960). Em sua fase inicial, o museu funciona no terceiro
andar do pavilhão que abriga as Bienais, no Parque do Ibirapuera. O ano de 1985
marca o começo da construção da sede definitiva do MAC, na Cidade
Universitária, inaugurada em 1992. (Museu de Arte Contemporânea da
Universidade de São Paulo - MAC/USP, 2016).
A arte erudita estava presente na exposição de cem esculturas e relevos do acervo, com
exceção feita à escultura de Louise Bourgeois emprestada pelo Museum of Modern Art
(MoMa) de Nova Iorque, tomada porque havia poucos artistas norte-americanos na coleção
de quase 8.000 obras de arte do MAC. Frida Baraneck, Jac Lemer e Cildo Meirelles, que
tinham acabado de expor na mostra de Arte Latino Americana do MoMa, estavam nessa
exposição de abertura, que incluía obras de Boccioni, Henry Moore, Max Bill, Cesar Domela,
Pietro Consagra, Jean Arp, Alexander Calder, Barbara Hepworth, Rafael Conagar, Cesar
Baldaccini, Eduardo Paolozzi, Jesus Rafael Soto e outros.
Um grupo de artistas populares de Itapecerica da Serra foi convidado a desenhar um
tapete de areia colorida que começava na rua, atravessava o jardim e chegava até a entrada do
museu.
REFERÊNCIAS
AQUINO, Felipe. Qual a origem da festa de Corpus Christi? Lorena, SP: Editora Cléofas,
2017. Homepage da editora dedicada a publicar e divulgar os livros do professor Felipe
Aquino e demais projetos. Disponível em: <https://goo.gl/mqEpf2>. Acesso em: 20 abr.
2018.
CAVALCANTI, Maria Laura Viveiros de Castro. As grandes festas. Museu Casa do Pontal,
1998-2012. Disponível em: <https://goo.gl/sCsgZk>. Acesso em: 20 abr. 2018.
DIAS FILHO, Clovis dos Santos. Cultura Popular: arte, artesanato. Salvador: Centro de
Estudos Multidisciplinares em Cultura, [200-]. O CULT desenvolve pesquisas, atividades de
extensão e formação, como cursos e eventos, e publica livros periodicamente. Disponível
em: <https://goo.gl/Y5tdKL>. Acesso em: 20 abr. 2018.
SILVA, Adriana de Oliveira. Caminhos do Divino: festas e cultura popular em São Luiz do
Paraitinga e Lagoinha. São Paulo: Melhoramentos, 2013.
BIBLIOGRAFIA CONSULTADA
JURKEVICS, Vera Irene. Festas religiosas: a materialidade da fé. História: Questões &
Debates, Curitiba, PR, n. 43, p. 73-86, 2005. Disponível em: <https://goo.gl/JGdXas>.
Acesso em: 20 abr. 2018.
IJDENS,Teunis; BOLDEN, Ben and WAGNER, Ernest. International Year Book for
Research in Arts Education. Munster, New York: Waxmann, 2018.
Termina dizendo que se de um lado Artes Educação (termo usado no livro) nestes
quatro países promove a tradição especialmente em relação a cultura autóctone e o artesanato,
do outro lado encoraja a criatividade, a inovação e as mudanças. Há ainda também
um magnifico artigo de Gloria Restrepo da Colômbia sobre Artes Educação na construção
de uma paz sustentável Ela dá relevância ao contexto: Artes Educação tem que responder as
Abril 2019, dias 23, 24 e 25. A sede será o SESC Vila Mariana. Sao Paulo. Brasil.
A Diretoria da INSEA apoia oficialmente o Congresso SESC 2019
Información / información / information:
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