REPÚBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA

UNIVERSIDAD NACIONAL EXPERIMENTAL DE LAS ARTES

CENTRO DE ESTUDIO Y CREACIÓN ARTÍSTICA BOLÍVAR

PLAN DE ESTUDIO: LICENCIATURA EN DANZA

MENCIÓN: INTERPRETE DE DANZA CONTEMPORÁNEA

CÁTEDRA: ACTUACIÓN

Técnicas de actuación e interpretación, características y diferencias

Estudiante: Karina Gómez Cedeño

Ciudad Guayana, 16 de diciembre de 2020

 2

Índice de Contenido

Introducción 3
Técnicas de actuación 4
El romanticismo y cuarta pared 4
Andre Antoine (1858-1943) 4
Stanislavski: La verdad escénica 5
Meyerhold 7
Bertolt Brecht 8
Jerzy Grotowski: Un teatro pobre en 10
medios, pero rico en soluciones
¿Cuál técnica de Actuación practicaría y 10
por qué?
Técnicas de actuación cuadro comparativo 11
Conclusión 12
Referencias bibliográficas 13

INTRODUCCIÓN

El éxito de una obra de teatro depende en gran medida del uso de las técnicas de
actuación adecuadas para cada una de las representaciones que se plasmen en escena, la
expresión corporal de cada una de las emociones de los personajes a representar y una
 3

caracterización acorde con la historia forman un papel decisivo en este mundo de las
tablas que refleja nuestra realidad e imaginación.

El estilo de escenografía que se utilizará también comunica la esencia de cada una de las
historias narradas en cada una de las distintas obras teatrales. Es por esta razón que se
requiere de la elección de una buena técnica de actuación que combine estos elementos,
voz, historia, gestos, posturas, escenografía, vestuario y maquillaje. Todos éstos se
conjugan para alcanzar una propuesta escénica que supere las expectativas del público
que asiste a ver la representación teatral.

Lo expuesto anteriormente solo puede conseguirse a través de las distintas técnicas

utilizadas en la actuación como lo son: La Cuarta Pared, Teatro Libre, Teatro Pobre, la
verdad escénica o realismo de Stanislavski, la biomecánica de Meyerhold y el teatro
didáctico y dialéctico de Brecht, las cuales serán analizadas a continuación para adquirir
herramientas que permitan un mejor desempeño teatral.

Al practicar con dedicación cada una de estas técnicas, se puede analizar cada una de los
elementos que lo caracterizan y de esta manera comprender como ha sido la evolución
de las mismas a través del tiempo. Conseguir esta meta depende del empeño que se le
coloque al estudio y práctica de cada una de ellas, las cuales también son de utilidad
para el crecimiento personal y profesional de los actores y actrices.

El análisis y aprendizaje de cada una de las técnicas mencionadas es de gran utilidad

para mostrar el mágico mundo de esta disciplina artística que tiende a representar los
aspectos cruciales de una época histórica de la sociedad, en donde la mejor manera de
dar a conocer las realidades de los acontecimientos es a través del teatro.

Técnicas de actuación

El romanticismo y cuarta pared

 4

“En el escenario a la italiana, la representación dramática sucede entre cuatro paredes

(la del fondo del escenario, las dos de los laterales y la cuarta pared situada en el telón
de boca, que cierra la escena)” (Tejedo, 2014, pág.2).

Tejedo en el 2014 define que de existir la cuarta pared debe imaginariamente estar
cerrada, no existía ni debía existir, igualmente, la relación entre el actor con otros
actores y los objetos que forman parte de la obra es realista. Tejedo (2014) también
destaca que a partir de esta época comienza el desarrollo de las teorías teatrales
posteriores, a partir del concepto de la cuarta pared.

André Antoine (1858-1943)

Durante esta época “Antoine se dispone con su Teatro Libre inicia una técnica de
representación antiteatral, como si los actores no estuviesen encima de un escenario,
como si entre ellos y el público existiese realmente una cuarta pared y se encontrasen en
una situación real de la vida”. (Tejedo, 2014, pág.3). De acuerdo a los conceptos
expresados por este autor se concluye que la obra se representaba sin tomar en cuenta la
presencia del público, el cual no existía para los actores y actrices que practicaban esta
técnica.

Otra de las características de esta forma de realizar teatro es la incorporación a escena

de un decorado como muebles y objetos auténticos. “Eliminó los bastidores de tela
pintada que imitaban la madera e intentó reproducir objetivamente el espacio dramático:
paredes, puertas, techos, claraboyas, mesas, sillas, todo era auténtico en la escena y no
meramente decorativo”. (Tejedo, 2014, pág.3).

Este método de interpretación se caracteriza porque “el actor se mueve con total libertad
y desenfado, se coloca frecuentemente de espaldas al público, habla frente a frente con
el otro actor, realiza acciones cotidianas o recita parlamentos en ángulos de difícil visión
para el espectador” (Tejedo, 2014, pág. 3). Al leer la definición de este reconocido autor
se asimila que para lograr esta técnica se requiere de muchas horas de ensayo con los
objetos que formarán parte de la obra, para poderlos dominar al igual que conocer como
está distribuido el espacio escénico.

También es necesario describir que Andre Antoine “logró reproducir fielmente la

realidad a través del maquillaje, la caracterización facial y el vestuario, así como el
decorado, en el cual se afianzó para apoyar toda aquella verosimilitud”. (Mora, 1998,
 5

pág.18). A partir de esta descripción, se aprendió que en esta técnica la caracterización

juega un papel fundamental para la realización de una representación teatral.

En cuanto a la escenografía “un sencillo telón de fondo era suficiente para denotar un
palacio, una plaza pública o un salón de recepción”. (Mora, 1998, pág. 20). Mora (1998)
destaca que la originalidad del decorado se debe basar en algún paisaje o lugar
anteriormente visto. “Si se trata de este último, se debe montar con sus cuatro lados, sus
cuatro paredes, sin preocuparse de la cuarta pared, que más tarde desaparecerá para
permitir al público ver lo que está sucediendo” (Mora, 1998, pág.22), es decir, el
público forma parte de la obra.

Por otra parte, Mora destaca que “para interpretar al personaje sólo cuentan con dos
instrumentos a su disposición: voz y cara. El resto de sus cuerpos no participan en
acción”. (Mora, 1998, pág. 24). Es decir, las herramientas más importantes que señala
Oliva Mora para desempeñarse con esta técnica son la voz y la cara que son los
principales elementos de expresión de un personaje.

Por último, la autora agrega que “el movimiento es el medio de expresión más intenso
del actor. Que todo su maquillaje físico forma parte del personaje que representan, y que
la acción, sus manos, espalda y pies pueden ser más expresivos que cualquier expresión
oral”. (Mora, 1998, pág.24). La enseñanza adquirida con este análisis es que Antoine es
uno de los exponentes del teatro que cree fielmente en la expresión corporal como
principal instrumento para representar un personaje.

Stanislavski: La verdad escénica

Esta técnica se caracteriza por “convertir la obra en realidad teatral: para eso deben
sentir y actuar como si las circunstancias y condiciones escénicas fuesen reales”
(Tejedo, 2014, pág.5). La realidad según el autor es el objetivo a cumplir durante la
puesta en marcha de esta técnica.

Este método “da sentido de verdad a la obra teatral: las acciones dramáticas son vividas
por los actores, no son fingidas. Si se finge, se crea la mentira escénica” (Tejedo, 2014,
pág.5). De esta forma, la realidad es la mejor forma de hacer una puesta en escena según
lo expresado por el autor con la explicación de este método de actuación.
 6

Tejedo, (2014) comenta que para un buen desempeño de esta metodología actoral es
necesario que el actor se comunique directamente con los espectadores con vivencias y
acciones auténticas, pero especialmente debe centrar su atención a los otros actores y los
objetos presentes en la escena para influir o dejarse influir por ellos.

La técnica de Stanislasvki se caracteriza por tener:

Memoria afectivo-emotiva

Según Tejedo (2014) es el recuerdo de las sensaciones que hemos experimentado en el

pasado, logrando que se sientan los mismos sentimientos de esa ocasión. Se
experimentan emociones como en épocas pasadas.

Subtexto

Esta definición es aquella con la cual “se revela la intención de las palabras, el
verdadero sentido de las mismas. Si el actor se pregunta ¿qué quiero decir con esas
palabras?, entonces sabrá perfectamente ¿cómo ha de decirlas, con qué sentido y
entonación? (Tejedo, 2014, pág.5). Esto significa que existe una intencionalidad,
sentido y forma de recitar un guión.

Acciones Físicas

Son las “pequeñas acciones en que se ocupa el actor durante la actuación y dicción de
las réplicas o parlamentos. Suelen ser actos sencillos que revelan los sentimientos
internos. La tensión interior del personaje busca escape en las acciones externas”
(Tejedo, 2014, pág.6). Son todas las posturas, gestos y tonos de voz utilizados al
momento de actuar.

“El sistema Stanislasvki es aquel dedicado al trabajo del actor consigo mismo y con el
personaje, a la técnica externa e interna en el arte de la actuación. Él quería que la
vivencia y la vida latente colmaran la actuación del actor, y que la vivencia se
convirtiese en el fundamento de la encarnación escénica del personaje (Mora, 1998,
pág.31). Al estudiar a Stanislasvki, nos damos cuenta de la importancia de la ejecución
de este método que se recomienda a todos los actores noveles y experimentados.

Meyerhold
 7

“Su idea de teatro estuvo muy lejos de cualquier cosa remotamente parecida al realismo.
La cuarta pared es absurda: la escena se convierte en un museo de objetos, donde el
escenario está como en la vida”. (Tejedo, 2014, pág.7). A través de la práctica de este
método se utiliza el simbolismo y la útil imaginación que parece no tener límites en un
espacio escénico funcional. Según Tejedo (2014) Meyerhold suprime elementos del
teatro como el telón, candilejas, decorados, al igual que las barreras entre el escenario y
el público.

Características de la técnica de actuación de Meyerhold

Constructivismo

Este importante dramaturgo destaca que “en escena, debe aparecer una construcción de
madera, vidrio o metal con distintas alturas, unidas por rampas o planos inclinados,
plataformas, escaleras, ruedas, conos que sirvan al actor en su interpretación” (Tejedo,
2014, pág.7). Es decir, deben existir objetos que recreen la obra teatral y permitan un
mejor desempeño actoral.

Prácticas de biomecánica

Meyerhold, define este concepto como aquel que “se refiere fundamentalmente al
trabajo físico del actor y a la racionalización de sus movimientos sobre el escenario, con
la máxima de todo excepto realismo” (Tejedo, 2014, pág.7).

La puesta en escena lleva tanto un diálogo exterior o texto como uno interior o con la
musicalidad de los movimientos plásticos de los actores. Así lo explica Tejedo (2014),
quien también resalta que el personaje se construye con el cuerpo por los gestos,
posturas, miradas y silencios. Al igual que la postura la cual es “la actitud fundamental
de un personaje y se manifiesta sobre todo cuando se congela el movimiento, como si
fuera un plano fijo o foto fija (Tejedo, 2014, pág, 8).

Movimientos escénicos

“El único deseo del actor es dominar el espacio escénico por medio del movimiento
expresivo: no hace falta sentir miedo sino saber expresarlo por medio de una acción
física” (Tejedo, 2014, pág.9). Es por esta razón que la expresión corporal forma parte
fundamental de esta técnica teatral, sin embargo, el autor también destaca que deben
 8

existir objetos en la escena para que el actor demuestre su habilidad con ellos, al igual
que música para contrastar o tener un ritmo de actuación en específico.

Alternancia de lo patético y lo cómico

Según Tejedo (2014) Meyerhold busca alcanzar un contraste entre lo grotesco y lo

divertido para que exista un resultado entre ambas, es decir, lo serio se vuelve divertido
y lo divertido en tragedia. Lo más importante para este representante no es el qué sino
cómo se hace.

Meyerhold realiza innovaciones, evoluciona el tratamiento de la multitud como lo hacia

Stanislasvki, también utiliza juegos de luz en sustitución de los decorados. Así lo
explica Tejedo en el 2014. El autor concluye que el dramaturgo trata de suprimir las
barreras entre el escenario y el público, con la colocación de pasillos que establezcan
una comunicación entre ambos.

En este sentido, Mora en 1998 comenta que este importante representante del teatro
eliminó la ornamentación escénica, candilejas, y el telón de los decorados. Con este
método “el trabajo del actor se realiza según las reglas de la biomecánica. El actor debía
a través de una serie de ejercicios gimnásticos, cuidar la mecánica de su cuerpo y gestos
que cumplían un dibujo escénico preciso” (Mora, 1998, págs. 48, 49).

Bertolt Brecht

En cuanto a este tipo de técnica de actuación “a Brecht tampoco le interesaba la cuarta

pared. El espectador, que viene al teatro fundamentalmente a divertirse, debe juzgar lo
que sucede en escena y por tanto debe distanciarse de la representación” (Tejedo, 2014,
pág.12).

Su propuesta de teatro épico según Tejado (2014) se sintetiza de esta manera:

 Teatro didáctico, teatro dialéctico.

 Estructura narrativa.

 Relación actor-espectador.

 Recursos más frecuentes de extrañamiento o sorpresa.

 9

En cuanto a sus características las más destacadas según (Tejedo, 2014. pág.12) son:

 Aparición del narrador, que siempre se dirige al público, los actores cuentan lo
que sucede en escena.

 Miradas de confabulación con el público de un personaje que está dialogando

con otro.

 Canciones algunas populares, aunque muchas se las componían expresamente

para las obras que representaba.

 Textos irónicos o burlescos que contrastan con el resto de la escena.

 Focalización de la escena (dónde debe mirar el público).

 La forma de utilizar el cuerpo, definida como la actitud hacia el otro que se

manifiesta en la expresión corporal.

 Estilización realista-simbólica de los elementos escenográficos, la cual aprende

de Meyerhold, cuyos montajes tiene ocasión de ver en una gira que el director
ruso realizó por Alemania.

Con la descripción de este Tejedo se analiza que existe mucha premeditación, ensayo e
intencionalidad al momento de realizar una puesta en escena con este método teatral,
recomendado también para el perfeccionamiento de la actuación de un personaje.

Visión de Brecht según Tejedo (2014):

 No hay desarrollo lineal sino escenas independientes:

 Existe una relación del actor con el espectador y del actor con el personaje que
interpreta.

Por su parte Mora (1998) cataloga a Brecht como un artista con ideas teatrales con el
objetivo de generar un eco y utilidad en los países en desarrollo, por tener sus obras un
contenido político y social que encajó en las problemáticas sociales de los años 60 y 70.

Jerzy Grotowski: Un teatro pobre en medios, pero rico en soluciones

 10

Este tipo de metodología para hacer teatro la describe Tejedo a través de la explicación
de los elementos utilizados: “Era un teatro realmente pobre en medios técnicos y
escenográficos y al mismo tiempo enormemente imaginativo, basado única y
exclusivamente en el trabajo del actor. Es decir, que si se contaba con actores, aunque
no se tuvieran muchos recursos económicos, se podía hacer teatro” (Tejedo, 2014,
págs.20 y 21).

Entonces se comprende que es un teatro de imaginación y creatividad donde no existe la

presencia de “decorados, escenografía, vestuario, música, luces; todo era superfluo. No
se necesitaba invadir el escenario de medios técnicos para hacer teatro” (Tejedo, 2014,
pág. 21). La trascendencia de esta técnica es la comunicación que debe desarrollarse
entre actor y espectador.

En canto al uso de los objetos si hay menos en escena mucho mejor, los mismos deben
ser transformables, así lo define Tejedo (2014) ya que el actor debe manejar los objetos
y transformarlos a su voluntad.

Por último, Tejedo (2014) expone que al eliminar la música existe una mejor
representación de la obra de teatro a través del sonido de los objetos de la escena y las
voces de los actores.

¿Cuál técnica de Actuación practicaría y por qué?

La técnica de actuación con la cual me siento más identificada por la práctica de la

danza tradicional, nacionalista, ballet y contemporánea es la de Meyerhold, porque
permite tener mayor cercanía con el público que asiste a ver un espectáculo dancístico.
Con la eliminación de las barreras entre público y artista existe una mejor expresión de
las emociones que se quieran transmitir con la puesta en escena de la obra, al igual que
el juego de luces que se puede incluir con esta técnica, lo que permite ofrecer elementos
que aportan un ambiente de realismo al personaje interpretado.

Los gestos, la postura, los silencios, forman parte fundamental de la representación

teatral y permiten describir con detalles la historia de vida del personaje, así como
expresar el mensaje implícito y explícito que tiene la obra.

Técnicas de actuación cuadro comparativo

 11

Técnica Características Caracterización Instrumentos del actor Escenario

Teatro libre Inicia una técnica de Todo maquillaje Para interpretar al personaje sólo Eliminó los bastidores de
representación “antiteatral”, físico forma parte del cuentan con dos instrumentos a su tela pintada que imitaban la
como si los actores no personaje que disposición: voz y cara. El resto de madera e intentó reproducir
estuviesen en un escenario, representan, y que en sus cuerpos no participan en la objetivamente el espacio
como si entre ellos y el ciertos momentos de acción. Los actores saben que el dramático: paredes, puertas,
público existiese realmente la acción, sus manos, movimiento es el medio de techos, claraboyas, mesas,
una cuarta pared y se espalda y pies pueden expresión más intenso del actor. sillas, todo era auténtico en
encontrasen en una ser más expresivos la escena y no meramente
situación real de la vida. que cualquier decorativo.
expresión oral.

Stanislasvki: Los actores (esto va unido a Sencillo, limpio y El actor que se comunica Es necesario un fondo
La verdad la creencia en la cuarta transparente. directamente con los espectadores sencillo, y la sencillez de la
escénica pared) deben pretender Pintoreso y animado, pertenece a la categoría de los fantasía es creada por una
convertir la obra en realidad se concentran más en actores rutinarios. En el arte de las rica invención.
teatral. Para lograr eso la técnica y transmitir vivencias y acciones auténticas, el
deben sentir y actuar como realismo. actor busca relacionarse con los
si las circunstancias y otros actores y con los objetos de la
condiciones escénicas escena para influir o dejarse influir
fuesen reales. Esto da por ellos. Por tanto, el centro de
sentido de verdad a la obra atención de un actor son los objetos
teatral, las acciones de la escena y el resto de actores, no
dramáticas son vividas por el público.
los actores, no son fingidas.

Teatro pobre Era un teatro enormemente No se utilizan Los objetos tienen un uso específico Decorados, escenografía,
imaginativo, basado única y elementos como de acuerdo con su funcionalidad , es vestuario, música, luces,
exclusivamente en el maquillaje y decir tiene una utilidad en la obra, todo era superfluo. No se
trabajo del actor. Es decir vestuarios elaborados, pero en su transformación pierde su necesitaba invadir el
que si se contaba con en caso de utilizarse funcionalidad para adquirir una escenario de medios
actores, aunque no se tienen que ser reales y nueva, se le da un uso inusual al técnicos para hacer teatro.
tuvieran muchos recursos acordes al personaje cual buscarle nuevas aplicaciones. El espacio propuesto por
económicos, se podía hacer representado. Grotowski no exige un
teatro. teatro, pero sí un recinto o
sala con ciertas medidas
para poder distribuir a los
espectadores.

Fuente: Elaboración propia

CONCLUSIÓN
 12

El uso de las diferentes técnicas de actuación expuestas y analizadas dejan un gran

aprendizaje, acerca de como se deben emplear en cada una de las diferentes actividades
relacionadas con este grandioso arte, que permite el avance de la sociedad en el ámbito
cultural y social. Al igual que tiene influencia en la educación cívica de los valores que
reflejan como está realmente la sociedad.

El ser humano siempre se quiere ver representado en cada una de las diferentes
disciplinas de las bellas artes, es por este motivo que las mejores estrategias de
expresión de las emociones que narran historias reales o imaginarias se basan en la
aplicación de las técnicas de los grandes representantes del teatro como lo son: André
Antoine, Stanislavsky, Meyerhold, Bertolt Brecht y Jerzy Grotowski.

Las diferencias entre cada metodología se pueden exponer a través de la explicación de

las características de una a una por cada exponente de las mismas, en el caso de André
Antoine, su principal instrumento es la voz y el rostro, sin dejar de lado los
movimientos corporales, ya que considera que para narrar una historia los actores se
deben centrar en los gestos de la cara y el tono, ritmo o dicción de la voz.

Stanislavsky, por su parte, se concentró en que se representará una obra teatral como si
formara parte de la vida real, sin ficción y total realismo. En cuanto a Meyerhold, este
dramaturgo plasmó historias con imaginación, a través del uso de la música, para tener
un ritmo o contrastar. Elimina el decorado y se utilizan las reglas de la biomecánica, que
se basan en una combinación de gestos coherentes y acordes al personaje representado.

Otro de los dramaturgos que creó técnicas de actuación importantes para el desarrollo
del teatro fue Brecht, quien se encargó de documentar por medio del arte los
acontecimientos políticos y sociales de los años 60 y 70. Para lograrlo, Brecht, usó las
estrategias didácticas y dialécticas de puesta en escena.

Para finalizar, Jerzy Grotowski, se concentró en dar a conocer el trabajo del actor sin la
necesidad de invertir grandes recursos económicos en escenografía, vestuario y música,
lo cual deja como enseñanza que se puede hacer teatro sin tanto presupuesto y logística.
Cada una de estas técnicas se recomiendan para la realización de actividades de la vida
diaria, ya que ayudan a mejorar la identidad cultural de la sociedad.

REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS
 13

Mora, O. (1998). Dirección Teatral. Caracas: Iudet.

Tejedo, P. (2014). Las técnicas de los grandes directores aplicadas al Taller de Teatro.
España: Universidad de Valencia.