LENGUA CASTELLANA Y LITERATURA – 1º BACHILLERATO

LA LITERATURA DEL SIGLO XVI y XVII

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LA LITERATURA DE LOS SIGLOS DE ORO

1. Los Siglos de Oro

En la España y parte de Europa de los siglos XVI y XVII, dominaron dos grandes movimientos artísticos
y culturales: Renacimiento y Barroco. Ambos se han definido como los “Siglos de Oro” de las letras
españolas debido al gran esplendor que alcanzaron las artes y la literatura. Todavía hoy se mantiene dicha
calificación y ninguna época ha superado a aquel fulgor artístico. Estos dos siglos se caracterizarán por una
amplia proliferación de manifestaciones artísticas de inigualable calidad y dificultad técnica.

2. Renacimiento

El término Renacimiento (s. XVI) define todo el periodo cultural y social posterior a la Edad Media.
Alude al renacer de los estudios clásicos y a la veneración por los autores grecolatinos. Está estrechamente
relacionado con el concepto de Humanismo: movimiento cultural iniciado en Italia que, considerando al
hombre centro del universo, dedica sus esfuerzos al estudio de las letras humanas.

2.1. CONTEXTO Y PENSAMIENTO RENACENTISTAS

● Se destaca la dignidad del hombre o antropocentrismo, centro del mundo y dueño de su destino,
lo cual se opone al teocentrismo e inmovilismo de la sociedad estamental medieval. Ahora el
hombre maneja su futuro, por lo que es una época optimista.
● Racionalismo: será un rasgo dominante de la época. La confianza en el poder de la razón explica el
nacimiento de una idea bien fecunda desde entonces: la idea de progreso. Se considera que el
saber puede hacer mejor al hombre.
● Antigüedad clásica. Los renacentistas seguirán un modelo de pensamiento inspirado en los
filósofos clásicos e imitarán el arte antiguo, tomando antiguos mitos, tópicos o normas artísticas. El
arte renacentista buscará el equilibrio, sencillez, sobriedad, sin demasiada retórica.
● Afán de reformas: El deseo de renovación religiosa culminará pronto en el Cisma de Occidente que
supondrá la fragmentación de la iglesia cristiana por el auge de la reforma protestante, promovida
por Martin Lutero. La Iglesia católica convocó el Concilio de Trento y se definieron los dogmas
católicos esenciales para intentar frenar el protestantismo. España fue el país que defendió más
fervientemente la tradición católica, iniciando el movimiento de la Contrarreforma.
● El Renacimiento es un periodo de gran auge artístico y cultural. Es la época de científicos como
Copérnico o Kepler, de artistas como Rafael, Miguel Ángel, Botticelli; arquitectos como
Brunelleschi; músicos como Palestrina o escritores como Shakespeare, además de la impresionante
nómina de escritores españoles. La invención de la imprenta de Gutenberg en 1455 abarató los
costes de publicación y favoreció la difusión de las ideas renacentistas. Los libros impresos antes de
1500 se denominan “incunables”. Incluso se produce una revalorización del latín, al mismo tiempo
que se promociona el uso de las lenguas vulgares como el castellano.
● España formó un gran imperio y consiguió la hegemonía en Europa bajo el liderazgo de dos
monarcas: Carlos I y Felipe II que impulsaron la Contrarreforma. Además, quienes no se habían
convertido en cristianos fueron expulsados y perseguidos por la Inquisición. La plenitud política de
España conllevó un periodo de prosperidad económica pero mal gestionada, lo que desembocó en
la bancarrota del estado en varias ocasiones. A lo largo del s. XVI, la nobleza mantiene sus
privilegios y se acentúa un desprecio hacia el trabajo manual, de manera que encontramos una ola
creciente de vagabundos, mendigos y pordioseros.
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3. Barroco
El término Barroco se utiliza para definir un conjunto de rasgos propios de la cultura de gran parte del siglo
XVII. Algunos hechos como la deuda pública, la pérdida de preponderancia en el Mediterráneo llevó a una
crisis artística que obligará a los autores a renovarse. Es una evolución de las ideas renacentistas que busca
lo original y sorprendente, proporcionando estímulos al lector de forma dinámica. Por eso hace uso del
ingenio (juegos de palabras), grosero (términos vulgares, temas incómodos), juego de contrastes (trágico y
cómico) o lo hiperbólico. Si hay algo que define al arte barroco es la tendencia a la artificiosidad y
complicación, con lo cual era un arte hecho para minorías.

3.1. CONTEXTO Y PENSAMIENTO BARROCOS

● El desengaño y pesimismo: frente al optimismo renacentista domina ahora una concepción negativa
del mundo (visto como un caos, desorden y confusión). Dicho pesimismo dará lugar a un arte de
evasión y distracción (como Lope de Vega, un alegre inconsciente), o bien, a manifestaciones que
incluyen la protesta y crítica profunda (como Quevedo).
● La idea de la muerte: vivir es solo un breve tránsito entre la cuna y la sepultura. Se vuelve a insistir
en la fugacidad y caducidad de lo mundano.
● La idea de la vida como sueño, teatro, apariencia: la realidad y lo que vivimos es sólo ilusión y
apariencia: la vida es sueño, el mundo es un gran teatro donde cada uno debe representar un papel.
El artista barroco es desconfiado y valores como la prudencia, discreción o el engaño son los valores
modélicos de esta etapa.
● Dos líneas creativas: conceptismo y culteranismo. La primera tendencia incluye a autores como
Quevedo, que consideran que lo fundamental en el texto es el significado, el “concepto”. Preparan
asociaciones ingeniosas de palabras, juegos, la lengua es concisa y llena de significado, para
sorprender al lector. En cambio, los culteranistas creen que en el texto debe primar la belleza.
Pueden tratar temas triviales siempre y cuando el texto sea correcto estéticamente. Para ello eligen
cuidadosamente el vocabulario, la sintaxis y los recursos literarios. Su máximo exponente fue
Góngora.
● El triunfo de la Reforma en Europa en contra de la voluntad de España, la pérdida de hegemonía en
el Mediterráneo o la deuda pública conllevaron una enorme crisis, no solo económica sino espiritual,
que desembocó en un nuevo canon de belleza.

4. LA LITERATURA

4.1. EL TEATRO DEL RENACIMIENTO

En la segunda mitad del siglo XVI se produce la consolidación del fenómeno teatral. En esta etapa
conviven muestras de teatro religioso medieval, como demuestra el Códice de autos viejos (colección de
casi un centenar de piezas dramáticas, anónimas en su mayoría, de temas generalmente religiosos y
alegóricos) con un nuevo teatro. Y es que, poco a poco, se desarrolla un teatro de carácter popular
representado por pueblos y ciudades o puesto en escena en corrales de comedias que van surgiendo en las
ciudades más importantes a partir de 1570 y que serán el centro de la destacadísima actividad teatral del
siglo XVII. No puede olvidarse, además, la existencia de un teatro que toma como modelo el teatro clásico
grecolatino, especialmente fomentado en universidades y colegios.

Dentro de este rico magma dramático del siglo XVI, tendrá notable importancia la aclimatación al
castellano de la comedia italiana por parte de autores como Lope de Rueda. Fue un hombre de teatro
(actor, director de escena y autor) y destacó con sus pasos o entremeses, en los que introduce elementos
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tomados del folclore. Se caracterizan por su brevedad y su carácter cómico con un personaje central activo
y que solían representarse en los descansos de obras mayores.

4.2. EL TEATRO DEL BARROCO

El teatro del siglo XVII no es sólo un fenómeno de carácter literario, sino un espectáculo muy relevante
en la sociedad de la época, sobre todo en las grandes ciudades.
El teatro fue prohibido en algunos países europeos, sólo en España y en Inglaterra pervive y se
desarrolla un teatro popular, concebido como espectáculo para entretener y divertir a la gente más
variada, que paga por acudir a las representaciones. El teatro adquiere entonces las características de un
negocio, vinculado con mucha frecuencia a instituciones de beneficencia. Lógicamente, muchas personas
tenían también el teatro como medio de vida: empresarios, actores, escritores, etcétera. Se realizaban giras
y se descansaba durante la Cuaresma y Semana Santa.
Los corrales de comedia se convirtieron en el escenario idóneo donde el público permanecía separado
por grupos sociales, situados en zonas diferentes. Además, las representaciones eran largas, incluían varias
obras y seguían esta estructura:
Loa
Acto I
Entremés breve
Acto II
Entremés bailado
Acto III
Fin de fiesta, jácara o mojiganga

4.2.1. La Comedia nueva de Lope de Vega

Llamamos Comedia Nueva al teatro propugnado por Lope de Vega, obras con unos mismos patrones,
sin originalidad, pero que se hicieron con el aplauso del público. Lope pretende satisfacer la incesante
demanda del público de la época, voraz consumidor de obras teatrales. Sus ideas dramáticas fueron
expuestas en el Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609). Se trata de un discurso académico
escrito en endecasílabos sueltos, que se acabó convirtiendo en un polémico manifiesto literario.

Las características de la comedia nueva, según Lope de Vega son:

● Mezcla de lo trágico con lo cómico: frente a la idea clásica de separar tragedia y comedia, las obras
pueden mezclar elementos cómicos y trágicos para mayor satisfacción del auditorio.

● Ruptura de la regla clásica de las tres unidades (lugar, tiempo y acción): proporciona mayor variedad y
espectacularidad:
o La unidad de lugar exigía que toda la obra se desarrollara en un mismo lugar o lugares próximos,
pero en las comedias españolas es frecuente que los hechos sucedan en lugares muy variados.
o La unidad de tiempo prescribía que el argumento dramático transcurriera como máximo durante
un día, prescripción que no cumplen las comedias barrocas.
o La unidad de acción se rompe y ya no se desarrolla una acción principal, cuyos protagonistas son el
galán y la dama, sino también una secundaria, protagonizada por los criados.

● Personajes de la Comedia Nueva: los personajes que aparecen en las obras se repiten constantemente
de modo que los espectadores los reconocen de inmediato y los autores los crean con facilidad. Son
personajes que carecen de complejidad psicológica y que se comportan como meros personajes-tipo
cuyas actitudes y reacciones son fácilmente previsibles. Desempeñan funciones fijas y se caracterizan
por rasgos permanentes (idealización del galán y la dama, lealtad de los criados, respeto y honor en el
padre, justicia en el monarca, etc.):
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Si hay que destacar un personaje-tipo es el gracioso o figura del donaire: además de ser un personaje
que permite dialogar al protagonista y expresar sus inquietudes, tiene otras diversas funciones como
rebajar la tensión dramática con sus bromas, hacer de narrador de sucesos que no se ven en escena o
advertir al público de que lo visto no es real.

● Reducción a tres actos o jornadas: la necesidad de mantener la atención del público puede explicar
también la división en tres actos o jornadas, frente a los cinco actos del teatro clasicista. Así, de forma
directa, el escritor puede exponer el asunto en la primera jornada, desarrollarlo en la segunda y
concluirlo en la tercera: planteamiento, nudo y desenlace.

● El decoro poético: se pretende que la lengua se ajuste a la situación y a la condición de los personajes,
de modo que estos hablen conforme a su rango social y ello pueda distinguir, por ejemplo, al rey del
gracioso. Esta adecuación de la lengua al personaje se denomina decoro poético y es la única regla del
teatro clásico que Lope respeta.

● Polimetría y variedad de estrofas: todas las comedias son en verso, como corresponde a la transmisión
oral porque facilita su memorización. Se propone que la métrica se adecue a las situaciones y los
asuntos variando los metros de acuerdo con el pasaje, situación y personaje. Para asuntos de mayor
trascendencia: endecasílabos y heptasílabos; para temas ligeros, versos castellanos de arte menor.
Estos consejos no se siguen al pie de la letra, pero sí la variedad de estrofas, que rompe la monotonía
expresiva según el desarrollo de la acción. Se intercalaban además letrillas cantadas y bailes que
interrumpen el curso de la acción y que el público reconocería.

● La representación y los actores. Los vestuarios y decorados debían ser adecuados a las características
del personaje. La música tradicional también se empleaba. Para suscitar el interés, los actores jugaban
con los silencios, gestos, entonaciones, daban importancia a los diálogos y recurrían a efectos sonoros
como ruidos, llamadas de atención al público, etc. Los papeles femeninos solían estar representados por
muchachos jóvenes, dado que las mujeres tenían prohibido ser actrices en un principio. Poco a poco, sí
hubo algunas famosas como María Calderón, amante del rey Felipe IV.

Los temas de las comedias barrocas son variadísimos: religiosos, históricos, costumbristas, amorosos…Es
muy importante también la presencia del tema del honor, concebido como una fuerza superior que se
superpone a los deseos de los personajes y que los obliga a actuar conforme a unas normas
preestablecidas. Toda afrenta a la honra era considerada un asunto muy grave y debía ser reparada. El
espectáculo teatral cautivaba al público, de manera que el sistema social lo empleó como medio de
propaganda. En este sentido, se utilizaba para mantener el orden, realizar un control social y proponer una
evasión de la realidad al público. Algunos moralistas tradicionales intentaron prohibir las representaciones
(por poner en escena actos y actitudes inmorales) y lo lograron en dos ocasiones (aunque breves), pero el
tremendo éxito y los fines económicos e ideológicos lo frenaron.

4.2.2. Un paso más: el teatro de Calderón de la Barca

Calderón parte de la fórmula dramática de Lope y sus seguidores, pero paulatinamente introduce en
ella una serie de cambios que implican la renovación del género de la comedia nueva.

● Tiende a respetar la unidad de acción: respetando el trazado de los argumentos y evitando la

acumulación de accidentes y de intrigas secundarias.
● Limita el número de personajes y prefiere destacar uno sobre todos los demás para convertirlo en el
eje sobre el que gira la acción de las obras y en torno al que se organizan los demás personajes.
● Los protagonistas suelen tener un carácter intelectual y reflexivo: exponen sus ideas a través de
largos parlamentos, aunque siempre trata de equilibrar en sus obras los monólogos y los diálogos. Este
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teatro refleja el debate social del periodo entre razón y fe, normas sociales y libertad, providencia y
destino personal, etc.
● Los personajes son arrojados a un mundo que tratan de entender por la vía racional. Calderón niega
que puedan conseguirlo y considera que sólo puede justificarse acudiendo a un ser superior, Dios, que
así lo ha dispuesto todo. Podríamos decir que en los textos de Calderón convive la tragedia clásica
griega con la doctrina católica de la libertad, dando lugar a un característico y original drama trágico
católico.
● El lenguaje de Calderón es mucho más artificioso que el de Lope. Esto tiene que ver, claro está, con el
tipo de público (cortesano y culto) al que va dirigido su teatro.
● El carácter cortesano de las obras de Calderón explica la riqueza decorativa, la aparatosa escenografía,
la música, la mayor elaboración estilística, etc.
● Calderón incluye, como Lope, fragmentos líricos, pero estas canciones surgen de la acción y no se
pueden extraer del contexto, como sí ocurría con Lope.
● Destaca especialmente en Calderón el uso del símbolo y la alegoría como medios para plantear
problemas universales de la existencia humana.

Los temas de las comedias de Calderón son los mismos de toda la comedia barroca: la historia y las
leyendas nacionales y extranjeras; los motivos religiosos; la mitología; los conflictos de honra, amor y celos.
Sin embargo, en todos esos temas sí destaca un proceso de reflexión intelectual sobre problemas que
atañen la vida humana.

4.3. LA POESÍA DEL RENACIMIENTO

La poesía que más escucha la población a principios del siglo XVI continúa siendo la lírica tradicional y
el romancero, que se transmite a través de los Cancioneros. A partir de 1543, año en que se publican
póstumamente las obras de Juan Boscán y Garcilaso de la Vega, y se incorporan a nuestra literatura
nuevas formas y contenidos procedentes de Italia. Después, durante el reinado de Felipe II (o segundo
Renacimiento) comienza a desarrollarse una poesía de temática religiosa, ascética y mística organizada en
escuelas.

4.3.1. Temas y formas de la poesía

La poesía renacentista trata los siguientes temas:

-Tópicos y mitos clásicos: el artista del renacimiento retoma estos modelos de la antigüedad grecolatina:

● Carpe diem (‘Goza del día de hoy’): llamada a aprovechar el momento.

● Collige, virgo, rosam (‘Recoge, doncella, las rosas’): exhortación a una joven para que ame antes
de que el tiempo marchite su belleza.
● Aurea mediocritas (‘La feliz mediocridad’): alabanza de la vida moderada, alejada de grandes
ambiciones y pasiones que solo acarrearían preocupaciones e infelicidad.
● Beatus ille (‘Feliz aquel’): añoranza de la vida apartada del fragor mundano, generalmente en
contacto con la naturaleza, lugar apropiado para encontrar la paz y la armonía. A este estaría muy
próximo otro tópico renacentista conocido como menosprecio de corte y alabanza de aldea, en el
que por iguales motivos se pondera la vida en el campo frente a la urbana.
● Descriptio puellae (´descripción de la muchacha’): La descripción se realiza de arriba abajo (cabeza,
rostro, cuello, brazos, manos, torso y piernas, aunque con mucha frecuencia se detienen en el
cuello). En la cabeza, el cabello es rubio y da pie a una serie de imágenes constantes
(comparaciones: el cabello es como el oro; metáforas: el cabello es oro). Si el cabello es blanco
(signo de vejez), las imágenes usadas son nieve o plata. El rostro se describe aludiendo a
elementos naturales vinculados con la pasión y el calor (flores o frutos rojos o rosas para los labios
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y las mejillas), con la pureza y la frialdad (mármol, hielo, cristal, etc.) Los ojos se asemejarán a
estrellas, soles, etc. Todo en la amada es luz.
● Donna angelicata (`mujer ángel’), cuyo amor hace brotar en el hombre no los instintos carnales
sino el deseo de superarse a sí mismo.

-Amor. Está ahora influido por la filosofía neoplatónica. Se concibe como una virtud del entendimiento,
que contribuye a hacer mejores a los hombres. Mediante el amor, el hombre se eleva de lo inmaterial a lo
material: a través de la contemplación de la belleza femenina (como de la belleza de la naturaleza o la
armonía musical) accederá al conocimiento de la Belleza Absoluta.
Sin embargo, el amor aparece también como fuente de frustración y dolor: el enamorado percibe que le
resulta imposible alcanzar el amor o comprueba que éste no es eterno y se puede perder. El deseo no
satisfecho se representa mediante antítesis (características de la lírica de este período): fuego/hielo,
día/noche, calma/tormenta, paz/guerra…

-Belleza. Vinculado con el amor aparece eltópico de la belleza de la mujer se idealiza como reflejo de la
belleza divina y se describe mediante el tópico de la descriptio pullae, siguiendo las normas ya descritas. A
toda esa belleza física, Dante y Petrarca añaden un componente espiritual con el tópico de la donna
angelicata. Para alabar a los varones se valora que los hombres cultiven tanto su físico (con la danza, la
caza o la guerra) como el espíritu (con el estudio, la creación literaria, el canto y la música).

-Naturaleza, aparecerá en el Renacimiento bellamente estilizada como reflejo de la Belleza divina. En la

descripción de la naturaleza se sigue el tópico del locus amoenus (lugar agradable), que describe una
naturaleza ideal, armónica y reposada, con unas características fijas: arboleda, sombras, corrientes de
aguas cristalinas, flores, serenidad climatológica, prados de hierba fresca…

-Moral. Durante el primer Renacimiento (época de Carlos I) la literatura y arte se paganizan. Pero a partir
del reinado de Felipe II, aunque se mantienen los temas renacentistas paganos, aparece también el
sentimiento religioso a través de la literatura mística y ascética.

En cuanto a las formas de la poesía, la lírica renacentista es fuertemente innovadora: nuevos versos,
nuevas estrofas, nuevos géneros procedentes de Italia:

● Innovaciones métricas: el verso predilecto es el endecasílabo, con el que alterna frecuentemente

el heptasílabo. En general, las dos líneas poéticas de la época, la amorosa y la moral, se diferencian
también por la forma de expresión elegida. La lírica amorosa se expresa en canciones, sonetos; la
de temática moral prefiere géneros como la epístola o la oda y estrofas como el terceto
encadenado, la silva y la lira, además del soneto. 1
● Innovaciones en los géneros: se recuperan muchos de la tradición grecolatina: églogas, odas,
epístolas, elegías, sátiras…2

4.3.2. GARCILASO DE LA VEGA

Garcilaso de la Vega fue el prototipo del cortesano renacentista, tal como lo había definido el
italiano Baltasar Castiglione: muy culto, elegante, valeroso y hombre de letras. Nació en Toledo y formó
parte de la guardia real de Carlos I, participó en campañas militares por Europa. Estaba casado pero la

1 Soneto: poema estrófico de 14 versos compuesto por dos cuartetos y dos tercetos. Lira: estrofa de cinco verbos (7 a, 11B, 7 a, 7b, 11B). Octava
real: estrofa de ocho versos de arte mayor (ABABABCC). Estancia: propia de la canción, tiene un número variable de versos endecasílabos y
heptasílabos con una estructura fija. Silva: igual que la estancia, pero sin estructura prefijada.
2 Poesía lírica: églogas (poemas protagonizados por pastores/poetas cortesanos que dialogan acerca del amor); epístolas en verso (cartas en
verso); odas (poemas en que se expresa la admiración exaltada por algo o alguien). Poesía épica: poemas épicos en octavas reales.
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mayoría de sus composiciones amorosas se dirigen a una dama portuguesa de la reina, Isabel Freyre. Por
motivos no muy claros fue desterrado a una isla del Danubio. Perdonado, fue enviado a Nápoles donde
entró en contacto con el arte italiano. Murió en un combate al sur de Francia en 1536.

Su obra poética es escasa aunque podemos destacar el poema Oda a la flor de Gnido, églogas,
sonetos y otras composiciones. Aunque breve, su producción modificó el rumbo de la lírica castellana
posterior y le otorgó su definitiva configuración hasta los tiempos modernos.

Podemos distinguir tres estapas poéticas de Garcilaso: en la primera compone una poesía arraigada
en el cancionero y practica ya un poco las formas italianas, hay mucho artificio. En la segunda, consolida
plenamente las formas italianas en la poesía española, algo que había intentado sin éxito el Marqués de
Santillana a finales de la Edad Media. En la tercera etapa, observamos que la obra de Garcilaso no es, sin
embargo, una mera imitación sino que encuentra su propio lenguaje.

En cuanto al estilo, su poesía transmite una fuerte sensación de sinceridad amorosa, probablemente
en ella se combinan dos cosas: sentimientos personales y una retórica literaria. El otro gran tema de la
poesía de Garcilaso es la presencia de la naturaleza, como entorno estilizado3 en el que los personajes se
quejan de sus cuitas amorosas y como confidente que escucha y consuela a los pastores en sus quejas. Su
lenguaje es aparentemente sencillo, fluido y natural, con muchas referencias mitológicas. Busca el
equilibrio clásico entre la pasión y la contención. El tono de su poesía es dulce, triste y melancólico, como
revelan los adjetivos antepuestos (epítetos), uno de los rasgos más característicos de su estilo: dulces
prendas, dulce nido, triste canto, triste y solitario día, cansados años…

4.3.3. FRAY LUIS DE LEÓN: la poesía ascética.

Nació en un pueblo de Cuenca e ingresó muy joven en la Orden de San Agustín. A los 32 años era
profesor en la universidad de Salamanca, destacando por sus conocimientos sobre la Biblia y envidiado por
otros profesores compañeros. Fue encerrado durante cinco años, acusado por haber traducido del hebrero
el Cantar de los Cantares, prohibido por la Iglesia en el Concilio de Trento. Murió en 1591.

Obra poética

La mayoría de sus poemas pertenece al género clásico de la oda4. Si bien no es segura la datación de
los textos, los poemas de fray Luis suelen agruparse en tres periodos: escritos antes de la prisión (Oda a la
vida retirada, trata del deseo de soledad, desprecio de los placeres mundanos…), otros escritos durante el
encarcelamiento (Noche serena, contenidos religiosos y quejas) y los posteriores al encierro, con un tono
melancólico.

Temas

Su poesía podría ser explicada como una catarsis5 lírica que le permite olvidar sus desgracias y calmar
sus tormentos interiores. Es poesía ascética. De ahí los temas predilectos de sus poemas: la naturaleza, la
añoranza del campo y de la vida de aldea, su predilección por la noche y por la música.

3 Suele describirse el tópico del locus amoenus: lugar propicio para el amor, que describe un paisaje idealizado: un prado cubierto de flores, con
árboles y un riachuelo de aguas cristalinas donde cantan los pájaros y sopla una suave brisa en un día soleado de primavera.
4 Oda: composición de número indeterminado de versos, estrofas cortas y temas variados, aunque siempre serios y graves.
5 Catarsis: purificación, liberación o transformación interior suscitados por una experiencia vital profunda
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Estos temas clásicos deben ser entendidos desde la perspectiva cristiana. Fray Luis defiende un
modelo de vida sencillo, sin grandes lujos, es decir, vivir con humildad para llegar al cielo. También se
considera como un desterrado en la tierra, lo que representa su ansia de perfección, su anhelo de unión
con la divinidad, un anhelo que lo acerca a la experiencia mística, aunque su poesía celebra un éxtasis más
bien intelectual en el que se intuye la armonía universal, pero del que se vuelve a caer en la tierra, vista
como dolorosa prisión.

Estilo

La estrofa favorita del poeta es la lira, cuya combinación de heptasílabos y endecasílabos le permite
eficaces combinaciones rítmicas. Su poesía es de una simplicidad sólo aparente porque en el fondo hay
una trabajada construcción poética, siempre dentro de la norma renacentista de la elegancia y de la
sencillez. Dicha elaboración concienzuda se comprueba en el uso de abundantes figuras retóricas. Por
último, un rasgo peculiar de este autor es que sus poemas están dirigidos a una segunda persona. Ello
aporta a las composiciones un carácter conversacional.

4.3.4. SAN JUAN DE LA CRUZ Y STA. TERESA DE JESÚS: los místicos.

Los místicos aspiran a comunicarse directamente con Dios y expresan esa experiencia en prosa o en
verso. El proceso místico por el que el alma se funde con Dios atraviesa tres fases o vías:

- Vía purgativa: fase por la que el hombre se libera del pecado mediante la penitencia y la práctica
de la virtud.
- Vía iluminativa: el alma se somete a Dios, renuncia a la razón y a la inteligencia humanas y recibe
una sabiduría especial que la ilumina.
- Vía unitiva: que supone la fusión, la unión mística entre el alma y Dios. La culminación de la unión
mística es el éxtasis, que supone la anulación total de los sentidos y un sentimiento tal de felicidad y
gozo que es inefable, no puede expresarse con palabras.

Las dos primeras son comunes a ascetas y místicos; a la tercera sólo llegan almas privilegiadas, los
místicos, por una gracia especialísima de Dios.
Las figuras más representativas de la mística española son Teresa de Jesús y Juan de la Cruz.
● San Juan de la Cruz destaca con Noche oscura del alma es más breve, consta de ocho liras y
expone, también bajo la forma de una alegoría, el caminar del alma hasta su unión con Dios. Elige
como fundamento alegórico una situación amorosa humana: la amada (el alma) sale “a oscuras y
segura” a encontrarse con el Amado (Dios). Otra obra interesante es Llama de amor viva, que se
centra exclusivamente en la última fase de la mística.
Escribió un comentario en prosa de cada una de sus obras en verso para explicar el sentido de los
textos verso a verso y casi palabra a palabra. Allí informaba que sus textos van más allá del obvio
contenido amoroso y erótico e intentan expresar un contenido espiritual. El objetivo es comunicar
la inefable unión mística y, para que el público lo comprenda, lo compara con el amor humano.
● Santa Teresa de Jesús compuso obras de contenido religioso divulgativo y dirigido al pueblo llano.
Su estilo sencillo, cercano a la oralidad, se caracteriza por su espontaneidad y ausencia de artificios.
Hay que destacar Camino de perfección, un libro de consejos cristianos dedicados a sus hermanas,
las monjas. Lo escribió por consejo de sus confesores.

4.4. LA POESÍA BARROCA

4.4.1. Temas y formas poéticas

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En el Barroco, los temas dos de los temas de la poesía renacentista se mantienen pero se llevan al
extremo:

● El amor es visto como pasión intensa, se resalta su fuerza y adquiere un sentido trascendente, es
decir, se aprecia que perviva más allá de la muerte.
● La naturaleza del Renacimiento se transforma en naturaleza sensual, llena de colores y sonidos.

Además surgen otras dos líneas temáticas nuevas como son:

● El desengaño: ligado a la visión pesimista de la vida humana. Dicha crisis despierta el interés por
temas morales y filosóficos: la vanidad de las cosas, el engaño de las apariencias, el sueño como
símbolo de vida y muerte, etc.
● La muerte: la vida se considera un presente inestable y fugaz, y la muerte acompaña al hombre
siempre en su existencia. Esta idea hace aparecer en la literatura tópicos relacionados con el paso
del tiempo como tempus fugit, carpe diem, ubi sunt? (‘¿dónde están? o memento mori (‘recuerda
que has de morir’).

Las estrofas más habituales son la silva y el soneto, en el que se respeta la estructura lógica de
exposición en los cuartetos y conclusión en los tercetos. En cuanto a las estrofas tradicionales, se
revalorizan los romances y las letrillas, composiciones en las que se repite a modo de estribillo un
pensamiento expresado con brevedad.
En cuanto a los recursos literarios, la concepción del mundo como un continuo de opuestos
(apariencia-realidad, juventud-vejez, vida-muerte, etc) conlleva el uso frecuente de antítesis, oxímoron,
paradojas, etc . Además, el deseo de mostrar capacidad de invención artística determina el empleo de
recursos como cultismos, hipérbatos, metáforas o paralelismos.

4.4.2. LOPE DE VEGA

Escribió muchísimo en los tres géneros literarios. En el campo poético, es preciso señalar sus
romances y rimas.
Los romances predilectos de Lope eran los pastoriles y moriscos, en los que el escritor se desdobla en
la figura de un pastor o un caballero moro y da expresión poética a sus amores.
En Rimas, la estructura está cuidadosamente pensada para ser variada, muy adecuada para su
finalidad didáctica de enseñar y agradar al público. Así, el libro es variado tanto estróficamente (sonetos,
canciones, romances…) como temáticamente y compositivamente.
Por último, cabe destacar sus Rimas sacras que son, en su mayoría, sonetos. Este libro muestra la
vertiente religiosa de Lope y algunos de sus poemas revelan una profunda espiritualidad, que contrasta con
el carácter netamente profano de otras muchas obras suyas escritas con anterioridad. Este poemario surge
en un momento difícil de la vida de Lope (crisis espiritual). Incluye la sentida elegía a la muerte de su hijo, y
en toda la obra expresa el arrepentimiento por sus faltas y el amor entre Cristo y el alma (sus pecados).

4.4.3. LUIS DE GÓNGORA

La obra lírica de Góngora circuló de forma oral y manuscrita durante su vida. Sus versos se editaron
póstumamente, algunas ediciones con comentarios eruditos, como si se tratara de un clásico. Tuvo dos
etapas, en la primera identificamos aun Góngora de lenguaje sencillo, popular, dejando imagen de ser un
autor oscuro y complejo. Más tarde, su intención es la de crear un nuevo lenguaje poético mediante la
acumulación de recursos retóricos utilizados anteriormente y el uso de otros nuevos. Va a ser a partir de
esta voluntad de forjar una nueva poesía cuando componga sus obras mayores:
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● Fábula de Polifemo y Galatea Galatea (1612), consta de 504 versos en octavas reales y
desarrolla el mito clásico del cíclope Polifemo enamorado de la ninfa Galatea. El poeta lleva
el mito al límite, convirtiéndolo en hipérbole. El lenguaje es enormemente complejo, pero la
sintaxis no alcanza todavía la complicación a la que llegará la lengua poética gongorina en las
Soledades.
● Soledades (1613-4). En total, unos dos mil versos agrupados en silvas. Esta forma métrica le
permite al poeta mayor libertad sintáctica y, como buen poeta culterano, complicar al
máximo el lenguaje. Curiosamente, el tema es muy sencillo: el canto de la vida natural, el
desdén de las ambiciones cortesanas. Con un tenue hilo argumental, las Soledades son tan
solo una sucesión de escenas pastoriles y rurales, siempre en el entorno de una Naturaleza
literariamente estilizada.
● Fábula de Píramo y Tisbe (1618) trata este mito de forma seria y grave. Esta composición
resume los rasgos estilísticos gongorinos a la perfección: su tendencia al cultismo junto a su
gusto por lo popular, la visión burlesca de la realidad y la reflexión seria, el refinamiento
exquisito al lado de la expresión chocarrera.
Además de estos grandes poemas, cultivó letrillas, romances y sonetos, hoy en día todavía muy
famosos. En las letrillas pone de manifiesto contenido burlesco, cómico, situaciones escatológicas. Por otro
lado, los romances tratan diversos temas y contrapone constantemente elementos contrarios. Sus sonetos
podrían clasificarse en tres grupos: amorosos (no demasiado pasionales sino contenidos), satírico-burlescos
(donde incluye palabras vulgares) y los sonetos morales (donde muestra su desengaño urbano tras vivir en
Madrid).

4.4.4. FRANCISCO DE QUEVEDO

La poesía de Quevedo ha llegado hasta hoy con numerosos problemas textuales porque solo fueron
publicadas póstumamente, idea impulsada por un amigo y sobrino suyos.
La abundantísima obra poética de Quevedo (unas mil composiciones) suele agruparse atendiendo a sus
temas:
a) Poemas de tema grave (filosóficos, morales, religiosos): abordan temas típicamente barrocos
como la muerte, la brevedad de la vida, la fugacidad del tiempo, el desengaño...
b) Poemas amorosos: la voz lírica suele ser la del propio poeta. Aquí se aborda el amor en clave
satírica, irónica, paródica, cómica o abiertamente erótica.
c) Poemas satírico-burlescos: Predomina el verso octosílabo. Son los más ingeniosos. Los objetos
de su sátira son muy variados: mujeres, maridos burlados, judíos, médicos, boticarios,
abogados, jueces, escritores (Góngora en particular), las modas, el poder del dinero, etcétera.
La clasificación de su poesía da una idea resumida de los temas característicos de la obra poética de
Quevedo. Gran parte de estos temas son tópicos literarios, pero Quevedo imprime siempre en ellos su sello
personal: el desengaño y pesimismo. Todos los valores que defiende (amor, honor, etc.) se desmoronan
Ello explica rechaze todo tipo de novedades, ya sean literarias, científicas, de costumbres, modas, etc. y
explica su añoranza de la sociedad estamental donde todo hombre tenía un lugar predeterminado en el
mundo, en la que el dinero no trastocaba valores ni condiciones sociales.

En cuanto al estilo, Quevedo domina la lengua en sus más variados registros (culto, coloquial, vulgar)
porque domina a la perfección las formas que utiliza. Consigue en ellos unas creaciones geniales con una
lengua y expresión perfectas y, además, sintetizadas al máximo. Llega con ello a la culminación del principio
conceptista de decir mucho con pocas palabras, obligado como viene por la limitación de sílabas, versos,
rimas o acentos. El soneto es, sin duda, el ejemplo máximo de esta perfección poética.

Conviene indicar, en fin, una característica muy peculiar de la lengua poética de Quevedo: su
intensidad afectiva. El apasionamiento del poeta se vierte en sus textos mediante la abundancia de
oraciones interrogativas, exclamativas y apelativas, mediante llamadas directas al lector (apóstrofes,
vocativos, imperativos, pronombres y verbos en segunda persona, etc.) o mediante el frecuente uso de
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diminutivos y aumentativos de carácter afectivo. El temperamento de Quevedo, inquieto, violento y

atormentado, brota en su poesía y deja de lado al hombre sereno renacentista que empezó a escribir sus
primeros poemas.

4.5. LA PROSA DEL RENACIMIENTO

El desarrollo de la prosa en castellano continúa y se asientan por fin las bases del género de la novela
moderna. Tres son las razones de ese despegue: la difusión de textos con la recién inventada imprenta, el
aumento de población en las ciudades (lo que favorece la difusión de los libros) y el disfrute del ocio que
llevará a la distracción y entretenimiento a través de la lectura.
En este periodo se suelen distinguir dos tendencias en la prosa: una de carácter didáctico y una prosa
de tipo idealista.

4.5.1. LA PROSA DIDÁCTICA

Este género continúa en el Renacimiento como respuesta al afán cultural y al individualismo del ser
humano. El modelo más utilizado en estos textos es el del diálogo. Los diálogos permiten un tono coloquial
y una lectura agradable como vehículo para transmitir determinadas enseñanzas. Se recupera este método
de enseñanza que ya existía en la Antigua Grecia (como los diálogos que Platón mantenía con sus
discípulos).
Entre los numerosos diálogos del siglo XVI cabe destacar los de los hermanos y erasmistas Juan y
Alfonso de Valdés. Juan de Valdés escribió el famoso Diálogo de la lengua, donde expone el ideal
renacentista de la lengua sencilla, pero cuidada. Su hermano, Alfonso de Valdés, escribió Diálogo de las
cosas ocurridas en Roma, una apasionada defensa de la política imperial de Carlos I y un violento ataque
contra las costumbres del Papa.

4.5.2. LA PROSA IDEALISTA

La prosa del XVI se caracteriza por su enorme variedad tanto en géneros como en temas. Todavía
gran parte de las narraciones son breves y se recogen dentro de otros modelos literarios sin tener carácter
autónomo. No puede hablarse de “novela” en el sentido actual del término, porque solo se utiliza para
referirse a narraciones breves. Los relatos más extensos se denominan de modo muy variado: “libro,
historia, tratado, vida”, etc.
LIBROS DE ● Aventuras fantásticas de un caballero en lugares exóticos. El caballero pretende alcanzar
CABALLERÍAS la fama y el amor idealizado de una dama. Las tramas se entrejen y son variados.
Cautivaron al público por el carácter cortés del protagonista y sus aventuras.
● El estilo es cuidado y arcaico. La más famosa fue el Amadís de Gaula, atribuida a Garci
Rodríguez de Montalvo.
NOVELAS ● Es un nuevo género narrativo. Presenta utópicamente la vida primitiva rústica en una
PASTORILES naturaleza idealizada en donde se desarrollan historias de amor entre pastores.
● Estilísticamente predomina el diálogo. El papel del narrador se limita a ceder la palabra a
los personajes. El diálogo se interrumpe por el intercambio de cartas y poemas.
● Se caracterizan por su comienzo in medias res y la interpolación de historias.
● Ejemplos: la obra pastoril más destacada es Los siete libros de la Diana de Jorge de
Montemayor.Tanto fue el éxito que se hicieron continuaciones a esa obra. También
autores muy notables escribirán obras siguiendo esa estela como: La Galatea de
Cervantes y La Arcadia de Lope de Vega.
NOVELAS ● Son relatos de amor y de aventuras; imitan un género narrativo griego.
BIZANTINAS ● Los enamorados son separados y deben reencontrarse. Durante el viaje, los
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protagonistas encontrarán impedimentos (ataque de piratas, tormentas que

desencadenan el naufragio, la estancia en la isla o el cautiverio), que constituyen
pruebas que deben superar. El final siempre es feliz.
● Estilísticamente, se caracterizan por su inicio in medias res y por la interpolación de
historias que añadían suspense a la narración.
● Ejemplos: la Selva de aventuras, de Jerónimo de Contreras. Un excelente ejemplo de
novela bizantina es La española inglesa de Cervantes, dentro de su colección de Novelas
ejemplares.
NOVELAS ● Evocan la vida de frontera entre Castilla y el último reino musulmán en el siglo XV. en
MORISCAS ellas, en un ambiente idealizado se presenta estilizada la figura del moro, a veces en
tolerante convivencia con los cristianos. Destaca la Historia del Abencerraje y de la
hermosa Jarifa, de autor desconocido.

En la segunda mitad del siglo XVI va a ver aparecer La vida de Lazarillo de Tormes, una novela
realista con un antihéroe como personaje. El Lazarillo es una obra singular puesto que nace en una época
en la que triunfan las novelas totalmente contrarias, las idealistas.

4.5.3. LA VIDA DE LAZARILLO DE TORMES Y DE SUS FORTUNAS Y ADVERSIDADES (1554), Anónimo.

Frente a la idealización del mundo que presentan los libros de caballerías, aparece en 1554 una obra
anónima titulada La vida de Lazarillo de Tormes, de sus fortunas y adversidades, que presenta una visión
más realista e inicia un nuevo género propio de la literatura española, la novela picaresca.

Tanto la fecha de composición como su autor son asuntos polémicos y uno de los grandes misterios
de la literatura española. Se han barajado algunos nombres pero sin conclusión definitiva. Sí podemos intuir
que poner voz a un tipo de clase baja (en este caso un pícaro) requiere una enorme destreza y audacia, por
lo que su autor debió ser alguien culto. Además, es una obra muy original y de atrevimiento
incuestionable (recordemos que se publicó en una época con otras modas literarias). La obra refleja una
realidad dura de España, llena de pobreza, antivalores, y con una Iglesia corrupta. La narración en 1ª
persona confiere un carácter autobiográfico a la obra y da la apariencia de que es Lázaro quien cuenta su
propia historia. El autor podría haberse valido esa autobiografía para mostrar, de forma anónima y, por
tanto segura, la decadencia de algunos estamentos (hay críticas a la Iglesia, muestras de la falsa nobleza,
antivalores…) de hecho, El Lazarillo fue prohibido por la Inquisición.

Argumento

El libro relata en primera persona la historia de Lázaro, un personaje de origen humilde, nacido a
orillas del río Tormes, que aprende a sobrevivir gracias a su ingenio. Pasa por siete amos diferentes (ciego,
clérigo, escudero, fraile, buldero, capellán, alguacil) y al final consigue asentarse como pregonero en Toledo
logrando así un “hipotético” ascenso social y el matrimonio con su propia criada. Decimos que ese ascenso
es “hipotético” porque existen rumores de que su mujer le engaña con el arcipreste.
El tema central es la historia de un aprendizaje del protagonista. Y otros temas más concretos son: el
hambre, la hipocresía, la pobreza, la insolidaridad humana o la mendicidad. El servicio a distintos amos
permite al autor introducir una amplia galería de tipos humanos representativos de la época: el ciego como
marginado social, el mundo eclesiástico (incluso el vinculado al papado) y la baja nobleza. En definitiva,
estamos ante una sociedad en la que impera la hipocresía y el engaño en todos los grupos sociales.

Estructura
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La obra se compone de un prólogo y siete tratados de extensión variable. Por el prólogo sabemos
que la narración es formalmente una carta dirigida a un personaje desconocido, al que apela con el
tratamiento de “Vuestra merced”, en la que el protagonista trata de justificar su “caso”, esa infidelidad de
su mujer desvelada al final.

Los tres primeros tratados, más extensos y elaborados, describen las andanzas de un Lázaro-niño; el
tema de cohesión es el hambre y la astucia del personaje para sobrevivir.
A partir del tratado IV, Lázaro va creciendo y mejora su situación hasta llegar a lo que él llama la
cumbre de la buena fortuna.
En el tratado VII se nos presenta como un hombre maduro, casado y que desempeña un oficio
respetable: pregonero. Es original la trabazón de estos siete capítulos, que impide toda modificación, ya
que en ellos se aprecia una evolución psicológica de Lázaro.

Estilo

A la utilización de la primera persona, que nos acerca la verosimilitud del relato, hay que añadir otros
elementos realistas, como son las referencias temporales y los lugares reales por los que transcurre la vida
de Lázaro: Salamanca, Maqueda o Toledo.
El Lazarillo es un buen ejemplo de prosa renacentista, pues se ajusta al ideal de la naturalidad y la
verosimilitud. Utiliza una prosa sencilla, con diálogos ágiles y un vocabulario en el que destacan las
expresiones coloquiales, como corresponde a la condición social del personaje. Hay que resaltar también la
presencia constante de la ironía, que se manifiesta con dobles sentidos, juegos de palabras y comentarios
humorísticos.

Interpretaciones

Esta novela permite, al menos, tres lecturas distintas, pero perfectamente compatibles:

● Novela de aprendizaje: narra la evolución del protagonista desde la infancia hasta la edad adulta. La
miserable vida del muchacho va justificando su progresiva degradación. Sin embargo, cuando alguien lo
trata con amabilidad, Lázaro es muy generoso; con lo que se demuestra que su malicia no proviene de
su temperamento intrínseco, sino más bien del maltrato que ha recibido y que le acaba forjando como
un hombre sin escrúpulos. Su inocencia inicial es corrompida por la sociedad y sus siete amos.
● Crítica social y política: el Lazarillo contiene una fuerte crítica social e incluso política. Los problemas
que plantea (el hambre, el desprecio por los oficios manuales, la honra…) eran habituales en la época.
En la novela también se critica la inmovilidad social que impedía a las clases más pobres prosperar
social o económicamente.
● Crítica religiosa: la novela es fuertemente crítica con la Iglesia y sus representantes. Rechaza la
mezquindad, la hipocresía, la avaricia y la lujuria de muchos religiosos. Esta crítica, vincula la obra con
los erasmistas, y esta podría ser la causa de su prohibición.

La crítica literaria reconoce el Lazarillo como la primera novela moderna y no solo eso, sino que
inaugura el género de la novela picaresca, que después tendrá otros representantes. Este modelo de
retrato fue tan innovador que, no será hasta medio siglo después, cuando aparezca una segunda novela
picaresca, el Guzmán de Alfarache de Mateo Alemán, o la versión femenina del pícaro en La pícara Justina
de Francisco López de Úbeda, y ya en el Barroco, El Buscón de Quevedo.

A partir del Lazarillo, todas las novelas picarescas compartirán estos rasgos:

1) Es el relato autobiográfico ficticio de un personaje de orígenes miserables.

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2) El protagonista abandona el medio familiar siendo un niño y trabaja al servicio de varios amos.
Este cambio de amos permite el retrato de la sociedad a través de las clases o grupos que cada uno de
estos representan.
3) Antihéroe como protagonista. Algunos críticos han definido al “pícaro” como un delincuente, es
decir, un transgresor de las leyes civiles y morales, pero no un malhechor violento o criminal. Es un
personaje astuto, versátil, prudente y receloso. Se trata de un personaje listo, sin oficio, que urde tretas
para robar o vivir a costa del prójimo, con escaso sentido moral y que suele ser víctima de sus propios
ardides.
4) Final desgraciado. El protagonista tiene afán de medro, es decir, aspira a ascender socialmente y a
mejorar su situación económica y su puesto en la sociedad. Sin embargo, el desenlace es desdichado.

4.6. MIGUEL DE CERVANTES

4.6.1. Vida

Nació en Alcalá de Henares. Comenzó pronto a escribir pero marchó a Italia y, aunque allí tuvo
relación con la cultura, prefirió la vida de soldado. Así pues, participó en la batalla de Lepanto, cuyo triunfo
fue esencial en la forja del imperio Español. En dicha batalla resultó herido y perdió la movilidad de su
brazo izquierdo. Más tarde, la galera en la que viajaba fue apresada por piratas berberiscos y estuvo preso
cinco años. Una vez liberado, volvió a su patria y retomó la escritura. Ante la falta de reconocimiento y
éxito de sus escritos, buscó trabajo como recaudador de impuestos para el Estado. Algún problema con
dichas recaudaciones le llevó a la cárcel. El éxito literario, al fin, le llegó en 1605. Murió en 1616, pocos
meses después de la publicación de la segunda parte del Quijote.

4.6.2. Obra

Poesía: Debió de escribir bastantes poemas, pero muchos se han perdido. Aparte de algunos que se han
conservado manuscritos y de otros que se encuentran insertos en sus dramas y novelas, sólo publicó una
obra en verso, El viaje del Parnaso (1614). En ella presenta en conflicto a los buenos y a los malos
escritores. Es interesante por los juicios literarios que vierte y por las referencias autobiográficas que
contiene. En general, como poeta, Cervantes es un escritor culto empapado de la tradición clásica e
italiana.

Teatro: escribió numerosas obras teatrales, de las que conservamos hoy más de una decena, a las que hay
que sumar el teatro menor.
Sus comedias de muy diversos temas, siguen, en general las normas clásicas de verosimilitud6 y
respeto a las reglas7, pero progresivamente van incorporando, aunque a veces parodiándolos, elementos
propios de la fórmula teatral que tiene éxito en la época, la de Lope de Vega, un teatro que rompe con los
moldes dramáticos clásicos. Títulos de comedias cervantinas son Los baños de Argel, La casa de los celos,
etc. Notable es también su única tragedia conocida: La Numancia.
Muy interesantes son sus entremeses8. Cervantes dota de mayor complejidad psicológica a los
personajes característicos del entremés. Así, hay personajes que desaparecen o pierden importancia, como
la negra, el barbero o el vizcaíno, mientras que dignifica al personaje básico del entremés: el simple o el
bobo. La construcción de las piezas y la trama argumental son también más consistentes. Los entremeses
cervantinos constituyen un certero retrato de las clases populares de la época. Entre los más famosos,
figuran El retablo de las maravillas, El viejo celoso, El rufián viudo…

6 verosimilitud: cualidad de algo que tiene apariencia de verdadero, creíble por no ofrecer carácter alguno de falsedad.
7 regla de las tres unidades: unidad de acción (una sola trama), unidad de espacio (todo debe ocurrir en un único espacio) y unidad
de tiempo (todo debe ocurrir en un máximo de veinticuatro horas).
8 entremés: pieza dramática jocosa y de un solo acto, que solía representarse entre una y otra jornada de la comedia.
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Novela: es en el campo de la novela donde la figura de Cervantes destaca especialmente. Su tarea como
narrador le llevó a experimentar con los modelos narrativos previos y, por ello, será un autor clave en la
renovación de los géneros literarios porque asienta las bases de la novela posterior.

La Galatea (1585)

Su primera obra publicada es una novela pastoril, aunque su concepción responde más a la idea de
poema que de novela. La Galatea (1585) siempre fue su obra preferida. Cuando la publica, Cervantes es
consciente de que el género ya no está en su máximo esplendor; de hecho, no alcanza el éxito con ella.
Está dividida en seis libros y contiene los ingredientes básicos de las novelas pastoriles, pues sus
personajes son pastores y el tema fundamental es el amoroso. La acción comienza al amanecer y acaba al
ponerse el sol, como en las églogas tradicionales. La influencia de Garcilaso en la obra es evidente: sus
versos son citados en varias ocasiones, la pastora se llama Galatea (como uno de los personajes de la
Égloga I) y el espacio es el Tajo.
La novedad y la originalidad en esta novela consisten en introducir en ella digresiones y juicios de
crítica literaria y muestra un juego entre realismo e idealismo (aquí a favor del idealismo), binomio que
resuelve definitivamente en el Quijote.
Dentro de las novedades destacan la inclusión de una visión crítica, la localización de la historia en un
lugar concreto (frente a la habitual estructura de viaje) y la inserción de narraciones variadas.

Novelas ejemplares (1613)

Si no hubiera escrito el Quijote, es muy posible que Cervantes hubiera pasado a la historia como
autor de las Novelas ejemplares. Esta colección de doce relatos cortos fue publicada en 1613. En su
prólogo dice Cervantes que es “el primero que ha novelado en lengua castellana”. Esto es cierto si
entendemos novela en el sentido de relato corto, que es el que tiene el vocablo en italiano, lengua de la
que procede. Aunque había habido unos intentos anteriores, Cervantes es el primero que compone estos
relatos al modo italiano con argumentos originales.
El adjetivo ejemplares del título expresa su conexión con el género de los exempla medievales: se
trata de presentar un ejemplo del que extraer una lección o moraleja. No obstante, no en todas estas
novelas es evidente la ejemplaridad moral. Probablemente, Cervantes no separa en su ejemplaridad lo
ético y lo estético: los relatos no solo podrían ser ejemplares moralmente, sino que, serían también
ejemplos o modelos de creación literaria.
El amor es el punto de partida de muchas de ellas, aunque no se presenta en todas en el mismo
grado. Se observa también ese dualismo entre realismo e idealismo característico del Quijote, aunque a
veces los límites no están claros, como ocurre en “La gitanilla” o “El licenciado Vidriera”, ambas con rasgos
idealistas y realistas. A pesar de ello, se suele aceptar esa doble clasificación: novelas realistas, idealistas y
que combinan ambos rasgos.

Los trabajos de Persiles y Sigismunda (1617)

Su última obra, Los trabajos de Persiles y Sigismunda, se publicó póstuma en 1617. Sigue el molde
narrativo de la novela bizantina. Cervantes sigue de cerca el modelo, pero fiel a la importancia literaria del
principio de verosimilitud, procura que los hechos narrados resulten creíbles.
Con un estilo muy cuidado, deja a un lado la ironía para dar paso a la narración grave.
En esta obra, Cervantes aporta nuevos matices a la novela de aventuras, como el empleo de nuevos
escenarios y una geografía fantástica con ficciones y aventuras insospechadas. El interés principal del autor
es escribir un libro acorde con los cánones literarios de la prosa narrativa.

El Quijote
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a) Génesis del Quijote

El Quijote es la obra maestra de Cervantes. Consta de dos partes. La primera se publicó en 1605 y la
segunda diez años después, en 1615. Estas dos partes son bastante diferentes: la primera es más
espontánea, parece escrita sobre la marcha y contiene diversidad de elementos; la segunda, sin embargo,
está mucho más pensada y responde a un plan bien trazado. No obstante, ambas muestran un cierto
paralelismo estructural: tras unos capítulos iniciales introductorios, al protagonista le suceden
ininterrumpidamente una serie de aventuras; hacia la mitad de ambas partes, el continuo deambular del
protagonista se detiene, en la venta en la primera parte y en casa de los duques en la segunda, en donde
suceden hechos muy diversos; el final de las dos partes también es simétrico: desengañado y derrotado,
don Quijote regresa a casa. Antes del desenlace, la segunda parte contiene un conjunto de capítulos, sin
paralelo en la primera, en los que Cervantes responde a la publicación del Quijote de Avellaneda.

b) El Quijote de Avellaneda
El Quijote de Avellaneda es una continuación apócrifa9 de la obra de Cervantes que se publicó en
1614, firmada por un tal Alonso Fernández de Avellaneda, seudónimo quizá de Gerónimo de Pasamonte,
autor de la época de una autobiografía, y a quien Cervantes habría tomado como modelo para el personaje
Ginés de Pasamonte, el galeote10 liberado por don Quijote.
El Quijote apócrifo es literariamente mediocre, pero muy interesante porque revela la indignación
que la publicación de la primera parte había provocado en el círculo de Lope de Vega, cuyas comedias son
satirizadas por Cervantes; por otro lado, el Quijote de Avellaneda se convierte en portavoz de una reacción
señorial ante la impertinencia que para la alta nobleza supuso la pretensión de un mero hidalgo, como
Alonso Quijano, de pasar por caballero.

c) Los personajes
Dos son los personajes centrales de la gran novela cervantina: don Quijote y Sancho Panza.
● Don Quijote: es un modesto hidalgo de un pueblo manchego, Alonso Quijano, que, loco debido a
la lectura de libros de caballerías, decide convertirse él mismo en caballero andante. Su extraña y
anacrónica figura en la España de comienzos del XVII hace de él un personaje fundamentalmente
cómico. Sin embargo, el diseño de su figura es muy complejo: fuera de su peculiar locura
caballeresca, muestra buen juicio y expone atinadas opiniones sobre muy diversos asuntos,
incluidos los literarios. Rasgo esencial de su carácter es la pertinaz defensa de sus ideas, incluidas
las que proceden de su extraña locura, lo que hace que constantemente, sea vapuleado por la
realidad. Esa persecución incesable de sueños, prácticamente improbables es un matiz
interesantísimo del personaje. En su lecho de muerte y ya desde la mitad de la segunda parte, don
Quijote desvela una conciencia totalmente razonable alejada de toda locura.
● Sancho Panza: es el escudero que en los libros de caballerías acompañaba al protagonista. En su
elaboración Cervantes sintetiza, además, muchas características de tipos folclóricos y literarios
como el loco, el simple, el bufón, el rústico, el bobo, el enano, el gracioso, el pícaro o el criado.
Pero Sancho es un personaje más complejo, porque a partir de este modelo literario, crece y
sobrepasa su original función cómica, al encarnarse en su figura la sátira de los libros de
caballerías. Fiel a su amo, acaba formando parte del mundo iluso de su amo y se deja adentrar en
él.
Características de los dos sería la transferencia de los rasgos del uno al otro. Por ello, se ha hablado
de la “quijotización” de Sancho y de la “sanchificación” de don Quijote. No obstante, ambos mantienen
durante toda la obra sus rasgos básicos iniciales. Además, todos los personajes se ven, en buena medida,
influidos por los rasgos de los demás: la locura de don Quijote contagia a los duques, que se comportan de
modo insensato; las ilusiones de Sancho se desplazan a su mujer, Teresa, etcétera.

d) El espacio y el tiempo

9 apócrifo: supuesto o fingido.

10 galeote: hombre que remaba forzado en galeras.
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El espacio es muy variado, pues las diversas aventuras hacen que los personajes se vayan moviendo
de un sitio a otro. Ya en la primera línea se indica el lugar geográfico concreto, La Mancha. Aparecen
también sus alrededores y otras tierras como Sierra Morena, Cataluña… Los personajes frecuentan espacios
realistas: caminos, ventas y pueblos.

En cuanto al tiempo, es contemporáneo al autor y presenta un notable fresco de la vida cotidiana de

la época. En la obra el tiempo es lineal, incluso en las diversas aventuras que acontecen. Por su parte, don
Quijote sí vive fuera de su tiempo, pues se imagina en la época de los caballeros andantes. Los
anacronismos derivados del choque entre los dos mundos, real y ficticio, serán una de las bases de la
parodia.

e) Los narradores

La obra se caracteriza por la polifonía, es decir, la existencia de distintas voces narrativas:

● El narrador principal: Cervantes, convertido en personaje, encuentra y «traduce» la historia,
parodiando así un recurso habitual en estas obras.
● Segundo narrador: un autor ficticio presentado como verdadero, Cide Hamete Benengeli, al que
presenta en el capítulo IX, como primer autor, para lo cual además necesita un traductor morisco.
Contribuye así al juego dialéctico entre historia y poesía (verdad/verosimilitud) propio de la
época.
● Narradores-personajes: de las diferentes historias o aventuras intercaladas. Cumplen la función
de contribuir a la fama de don Quijote, pues todos ellos saben que su narración aparecerá en la
obra.

f) Los recursos y temas cervantinos

La obra no es solo una parodia de los libros de caballerías sino de todos estos elementos:
● Critica al caballero andante y a todos los elementos que debe presentar como tal, por ejemplo, la
amada es una vulgar mujer del pueblo a la que llama Dulcinea. También parodia a los lugares,
porque la acción se sitúa en un lugar concreto y poco heroico: La Mancha, árida y seca, frente a la
idealización de las novelas de caballerías, con lugares lejanos y exóticos.
● Se burla del lenguaje de los libros de caballerías. Aquí encontraremos extensos parlamentos en
lenguaje rimbombante y rebuscamientos exagerados, característicos de muchos de estos libros,
puestos irónicamente en boca de don Quijote. Su lenguaje, al igual que su figura, causa sorpresa.
Esto contrasta con el habla coloquial y vulgar de Sancho Panza, plagada de refranes y frases hechas.
● El humor: el carácter cómico del personaje se acentúa sobre todo en los primeros capítulos. A veces
es el lenguaje el que provoca situaciones humorísticas a través de confusiones verbales, diálogos
relacionados con lo escatológico o erótico, y formaciones léxicas anómalas, como baciyelmo (bacía
de barbero como yelmo). Pero también los movimientos, caídas o luchas entre personajes sirven
para fomentar lo cómico.

Además de la parodia, en esta obra, Cervantes experimenta de una forma monumental sobre la
narración. Por ejemplo, ofrece varias versiones de un mismo hecho, mezcla lo natural con lo serio, de
manera que se ve en la actuación y el pensamiento de los personajes, y también la opinión del narrador.

Otra innovación es la incorporación de la propia novela como elemento novelesco dentro de la

obra, es decir, los personajes comentarán y criticarán, por ejemplo, el éxito que está teniendo la obra de un
tal Cervantes.

g) Intención y sentido
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El propósito explícito del Quijote es, sin duda, la parodia burlesca de los libros de caballerías. De
hecho, fue leído como un libro exclusivamente cómico durante los siglos XVII y XVIII. Sin embargo, desde el
Romanticismo hasta hoy los lectores de la novela ven en ella una defensa del ideal, el ansia de libertad, el
valor, la fe, la justicia, el amor absoluto hacia una amada inventada (Dulcinea), etc. en un mundo en que los
grandes ideales han perdido su sentido.
La novela, además de una novela humorística y de plantear ideas de alcance universales,
primordialmente, un libro de crítica y teoría literaria. Los personajes hablan constantemente de literatura
y en ella se vierten los más diversos juicios sobre los géneros literarios en boga en el siglo XVI.
Por otro lado, la novela es también un retrato social de la época: por sus páginas desfilan nobles,
hidalgos, escuderos que buscan recuperar una posición social digna, labradores ricos o míseros labriegos,
unidos en su afán de medro11 y ascenso social, moriscos perseguidos, etc. Don Quijote y Sancho serían un
reflejo abreviado de una sociedad donde el deseo de mejorar social y económicamente es una obsesión
generalizada. En el transcurso de la obra, los dos protagonistas lograrán un conocimiento de la dura
realidad y asumen la lección final que sería: comprender que cada uno es hijo de sus obras y vale tanto
cuanto valgan ellas.

h) Lenguaje y estilo

El lenguaje del Quijote es un acabado resumen de la variedad de estilos típica del Renacimiento. En
él se combina el estilo elevado y el habla popular. Todo ello de acuerdo con la condición social de los
personajes, las disquisiciones12 eruditas son compatibles con los refranes, etc.
Todos los recursos de la obra, desde los diferentes tipos de lenguaje (arcaico, culto, vulgar, empleo
de refranes y dichos) a los recursos propios de la tradición oral (sonoridades y ritmos, deícticos, variedad
de narradores, importancia del gesto, juegos de palabras, etc.) contribuyen además a la formación de un
lector moderno, capaz de descifrar todos estos códigos. Un nuevo lector entendido y cómplice, a quien
dirige prólogos y preliminares que reclaman su colaboración, que se deja llevar, pero no engañar, por
tantos embaucadores cervantinos maestros en el arte de hablar. Estamos ya ante la creación del lector
moderno: un lector escéptico que erigirá la duda por sistema.

11 medro: mejora de fortuna, aumento de bienes, de la reputación, etc.

12 disquisición: examen riguroso que se hace de algo, considerando cada una de sus partes.