TEMARIO APORTE 1ER PARCIAL 2DO QUIMESTRE

2do BGU
EL CANON Y LAS PROPORCIONES
Canon: Es la proporción ideal de un cuerpo.
Módulo: Son los sectores en los que se divide el cuerpo humano para establecer sus
proporciones ideales.
Los dos conceptos clave en este tema son el módulo y el canon. El término “canon” se utiliza
a partir del arte clásico para designar el conjunto de proporciones ideales del cuerpo humano.
Se divide el cuerpo en sectores, llamados módulos, y mediante cálculos matemáticos se
establecen las proporciones ideales, cumpliendo la regla de la justa relación, es decir, que de
la medida de una parte se puede deducir la medida del todo y a la inversa. Por tanto, una
figura estará bien proporcionada cuando se mantenga la relación entre las partes y el todo,
así como la interrelación entre dichas partes y el conjunto.
Desde que en la Antigüedad egipcios y griegos desarrollaran métodos para representar la
figura humana bajo un sistema de proporciones, los cánones para determinar las proporciones
de la figura humana han evolucionado y generalmente hoy cada artista tiene su canon.
Los egipcios, por ejemplo, desarrollaron a lo largo del tiempo varios sistemas modulares
basado en el puño o en el pulgar o el ancho del pie, que funcionaban como módulos; los
griegos, por su parte, lo hicieron también a Partir de la palma de la mano, pero básicamente
establecieron diferentes cánones a partir de la cabeza, que es como aún algunos dibujantes
trabajan. Aunque hubo varios, en Grecia el canon que más se usó fue el de la figura común,
que medía 7 cabezas (luego estaba el de la figura ideal, de 8 cabezas; o el de la figura heroica
de entre 8 cabezas y media y 9.
Para la figura femenina el canon es el mismo, pero, como la cabeza era más pequeña, la figura
resultante también lo era. Para figuras de niños y jóvenes, por ejemplo, se pueden utilizar
otros cánones que se adecúan a la edad de cada individuo.

LA FIGURA HUMANA
El género de 'Figura Humana' denomina a las obras visuales que tienen como motivo
principal el cuerpo humano, representado generalmente desnudo.
La 'Figura Humana' ha sido un tema recurrente a través del desarrollo del arte,
principalmente a la importancia visual que los cuerpos poseen tanto para el individuo como
para el artista que lo representa, como para la sociedad que contempla sus obras.
Si bien hallamos todo tipo de representaciones del Cuerpo Humano desde la prehistoria, éste
adquiere autonomía como tema estético en sí mismo a partir de las vanguardias del Siglo XX,
ya que, si antes lo encontrábamos en la historia del arte, surgía normalmente bajo la excusa

1
de otras motivaciones, como las escenas mitológicas o bíblicas, o bien, como imagen
necesaria para los ritos mágicos de algunas culturas.
La figura humana El cuerpo como vehículo de la propia expresión implica un largo recorrido
que involucra crecimiento y asociación de sensaciones, percepciones y emociones.
El dibujo de una persona ofrece un medio natural de expresión de las necesidades y conflictos
del cuerpo de uno.
El cuerpo humano como elemento de representación en el arte fue llamado “figura humana”
por los artistas, para describirla, exaltarla de manera simbólica y como expresión de deseo,
al igual que el rostro humano, que es uno de los principales objetos de estudio del arte.
Al contemplar el mundo, el ser humano se identifica con él y, mediante esta relación, crea y
se expresa artísticamente.
En el Renacimiento la belleza es la armonía de partes, pero también es brillo, se gozaba de
la objetividad y de la naturaleza espiritual, esto quiere decir que “la hermosura de los cuerpos
depende de la imagen espiritual que transparenta la apariencia de los mismos".
Se procura destacar la expresión facial, que algunas veces revelaba los grandes conflictos del
alma. La figura fue pintada o esculpida con tanta perfección que difícilmente se puede ver
un desperfecto.
Transcurrió entre los siglos XVII al XVIII. La monarquía utilizó la magnificencia de este
arte para poder hacer propagandas que los beneficiasen, ya sea en el arte o en la sociedad.
Entre las últimas décadas del siglo XIX y las primeras del siglo XX, en casi todos los países
con un cierto grado de desarrollo industrial se puso de manifiesto un sentido del presente y
un ansia de romper con los estilos del pasado. Fue un momento agitado y complejo, en el que
la búsqueda de lo nuevo convivía con la permanencia del pasado: rechazo de la máquina y
aceptación de nuevas tecnologías (que exploraban o anticipaban el futuro), agitación social
y anarquismo a la par que consolidación de los valores de la cultura burguesa, además la
crisis arte-sociedad se evidencia siendo la característica que conlleva la vanguardia.

REPRESENTACIÓN DE LA FIGURA HUMANA A TRAVÉS DE LOS TIEMPOS

Las formas de representación de la Figura Humana, a través de los tiempos, se ha ido
transformando y variando de acuerdo principalmente a los cambios de los modos de
producción de las sociedades.
PERIODO CLÁSICO
Así por ejemplo en la Prehistoria, la representación humana no era clara, no había
diferenciación de sexo ni de rasgos físicos, es decir, eran formas muy esenciales.
En Egipto, la representación humana, no era realista, las formas eran de perfil y sin
movimiento.

2
Para los griegos, la figura humana era muy importante, de allí el gran legado escultórico
recuperado que da muestra de ello.
El arte romano, se caracteriza por el extremo realismo tratado en las figuras humanas.
El arte Renacentista, es quizá unos de los periodos más importantes del arte clásico en
cuanto a la producción artística de la figura humana se refiere. Es aquí donde las formas
adquieren una exquisitez y precisión casi perfecta en el tratamiento de la anatomía humana.
Los estudios de cadáveres que realizaron los artistas para conocer a fondo el funcionamiento
de los músculos del cuerpo humano básicamente, hizo que los artistas renacentistas, se
convierta en los pioneros en el campo de la disección humana.
PERIODO MODERNO
El arte vanguardista, rompe drásticamente con las formas de representación humana y de
manera general con todo lo pre-establecido hasta aquel entonces a finales del siglo XX.
El arte moderno rompe con toda regla de los cánones universales. El artista moderno, va a
representar la figura humana, a su manera, crea sus propias reglas, sus propios cánones,
trabaja bajo sus propios preceptos.
En la representación de la figura humana, hay un abandono voluntario de las reglas prefijadas
por la academia, el artista moderno es libre de hacer y concebir el arte a la forma propia.
Existe una cierta deformación de la anatomía, llegando incluso en algunos casos a tornarse
casi abstracta.
PERIODO CONTEMPORÁNEO
El tratamiento de la figura humana en el arte contemporáneo, posee una cantidad infinita de
manifestaciones, así como diversidad de medios de representación, tanto figurativo como
abstracto. El artista contemporáneo, en la actualidad en muchos casos ni siquiera elabora la
pieza artística (físico), en varios casos, la realizan artesanos, pero es el artista quien concibe
la obra, por lo tanto, la obra, es a él a quien pertenece. Aspecto que el periodo que lo precede,
y aún más en el periodo clásico, hubiera sido un hecho inconcebible e impensable.

EL GESTO Y LA GESTUALIDAD
La expresión facial, junto con la mirada, es uno de los medios más importantes para expresar
emociones y estados de movimiento y no como un objeto estático podemos conseguir una
mejor comprensión de lo que nos comunican los demás.
La expresión facial es, junto con los ojos, el mejor modo de transmitir las emociones y los
sentimientos. Constituye un medio de comunicación directo, sin palabras, universal, el modo
más sincero y espontáneo de mostrarnos. Tanto la filosofía como la ciencia o las artes
plásticas han ahondado en su estudio.

3
En las artes plásticas se buscaba algo más allá de lo supuestamente permanente de la
fisiognomía, la expresión de las pasiones en tanto un momento transitorio de los sentimientos
del alma. Era necesario adecuar los rostros a las sensaciones que se quieren generar en el
público de acuerdo con la narración que se presenta o como medio para describir el carácter
de un personaje.
Y es que las pasiones, particularmente las fuertes, deforman el rostro, lo que en sentido
clásico equivalía a la pérdida de la belleza, en tanto que se entendía como harmonía y
equilibrio.
Sin embargo, desde el Renacimiento y sobre todo en el Barroco las cosas cambian
drásticamente. Ahora el camino del naturalismo incluye la plasmación de esos movimientos
del alma de los que habla Descartes a fin de mover los afectos. Era por tanto preciso trabajar
todo un repertorio de gestos expresivos. Necesario porque hay iconografías que exigen de
este tipo de expresión muy marcada, para comunicar hay que enfatizar.
Parte de la premisa de que cada emoción produce alteraciones faciales características, por lo
que es posible fijar un abecedario estandarizado.
Muchos artistas practicaron con su propio rostro y un espejo para experimentar formas
gestuales que utilizar luego en sus obras. Este sistema evitaba la presencia de un modelo y
por tanto resultaba más económico.
El artista Messerchmidt, quien en el último tercio del XVIII se centró obsesivamente en
esculpir hiperrealistas cabezas, cabezas de caracteres, tomándose a sí mismo como modelo.
Realizadas en bronce, yeso, alabastro, tenían como finalidad reflejar las expresiones
primordiales del ser humano que fijó en 64. Esta etapa final de su vida coincidió con recaídas
de su esquizofrenia lo que sin embargo no le impidió seguir trabajando mirándose frente al
espejo con las gestualidades que deseaba plasmar.

4
El videasta Bill Viola, pionero del videoarte, recoge en su serie Las Pasiones -20
instalaciones- una especie de cuadros en movimiento centrados en las expresiones del rostro,
conectando gentes de hoy -actores- con cuadros del pasado y los sentimientos que contiene.

5
 Prof.: Luis Mantilla Olmedo
WEBGRAFIA.
https://masdearte.com/movimientos/gestual/

https://oa.upm.es/451/1/KIKI_RUANO_ARRIAGA.pdf

https://eprints.ucm.es/id/eprint/71206/1/01_gestoy%20expresio%CC%81n.pdf

https://www.abc.com.py/edicion-impresa/suplementos/escolar/la-figura-humana-en-el-arte-
primera-parte-369155.html

https://www.youtube.com/watch?v=x1mGaf1lElo&t=2s&ab_channel=MaximZakharov
http://vieirosdaarte.blogspot.com/2016/10/expresion-facial.html