Arte Griego 01

I.E.S. JORGE JUAN. DEPARTAMENTO DE GEOGRAFÍA, HISTORIA E HISTORIA DEL ARTE.
Curso 2011-2012
EL ARTE GRIEGO
1. INTRODUCCIÓN. LOS ÓRDENES.
2. EL TEMPLO GRIEGO: EL PARTENÓN
3. LA ESCULTURA. LOS GRANDES
MAESTROS DE LOS SIGLOS V Y IV.
POLICLETO Y FIDIAS. PRAXITELES Y
SCOPAS. LISIPO Y SU CANON.
4. EL PERÍODO HELENÍSTICO.
HISTORIA DEL ARTE 2º BACHILLERATO. Tema 3: ARTE GRIEGO 1

I.E.S. JORGE JUAN. DEPARTAMENTO DE GEOGRAFÍA, HISTORIA E HISTORIA DEL ARTE. Curso 2011-2012
INTRODUCCION.
Antes de que el mundo helénico tuviera un papel destacado en

la historia, otras civilizaciones más poderosas y desarrolladas (en Egipto,
Mesopotamia, India o China) habían realizado ya magníficas creaciones
en arquitectura, escultura y pintura. En particular, Egipto ejerció una
profunda influencia en los orígenes del arte griego. Pero un rasgo
diferenciador de Grecia fue la importancia concedida a la razón humana,
que marcó toda la evolución posterior de su cultura y propició el
surgimiento del arte clásico (es decir, superior y modélico), cuyo
concepto de belleza obedecía a criterios objetivos y racionales, pues se
consideraba bella toda realización que reuniera los principios de orden,
armonía y proporción.
Sin embargo, hasta la plenitud clásica del siglo V a.C., los
artistas griegos tuvieron que emprender un largo camino de
indagaciones y tanteos a partir de las herencias recibidas, algunas de las
cuales se remontaban en el tiempo a épocas remotas y casi de leyenda,
como la civilización cretense o la micénica.
EL ARTE CRETENSE O MINOICO

El arte cretense alcanzó su momento de máximo esplendor en la
primera mitad del segundo milenio a.C., época en la que Creta era una
talasocracia, es decir, una potencia marítima indiscutible. No parece, sin
embargo, que Creta fuera un territorio unificado bajo el mando de un La pintura cretense, por su parte,
solo monarca, sino más bien un conjunto de ciudades-estado, cada una manifiesta un marcado gusto por la
de ellas con un palacio-santuario como núcleo económico, político y curva y un gran sentido del
religioso. Estos palacios y las pinturas que decoraban sus muros movimiento. En este sentido, se
constituyen el más rico legado del arte cretense. aparta del carácter geométrico y
Los palacios cretenses eran estructuras abiertas y carecían de repetitivo que caracteriza a la
murallas, a diferencia de los rígidos y cerrados palacios orientales. Sus pintura de una civilización agraria,
numerosas dependencias se distribuían en bloques de diferentes alturas, como la egipcia, a la que, sin
que se articulaban en torno a un gran patio central y se amoldaban a las embargo, se asemeja en la
ondulaciones del terreno, por lo general en lugares elevados y apartados aplicación de colores planos y en el
de la costa. Entre sus elementos constructivos, se utilizó un tipo de tratamiento de la figura humana
columna de fuste liso que disminuye en grosor hacia la base, y cuyo (cabeza de perfil y ojo de frente y
capitel anticipa los rasgos del capitel dórico. almendrado).

EL ARTE MICÉNICO formas monumentales. Ese es el caso de la Puerta de los Leones (siglo
Hacia 1400 a.C. el poder cretense se hundió y sus palacios XIII a.C.) que era el ingreso occidental a la ciudadela de Micenas.
fueron destruidos. Este hecho se ha atribuido tradicionalmente a la
invasión de los aqueos, pueblo procedente de la Grecia continental. El
nuevo centro de poder político se desplazó de Creta al continente,
donde lo más probable es que existieran diversos reinos independientes
–Micenas, Tirinto, Pilos, etc.-, tal vez bajo la hegemonía del rey de
Micenas. En cualquier caso, la cultura cretense pervivió en gran medida
en la civilización micénica, aunque a adaptada a las nuevas condiciones
políticas y sociales.
Del arte micénico conocemos algunos ejemplos notables de
tumbas monumentales, de pintura mural y de objetos de orfebrería,
pero lo más significativo es la arquitectura de sus ciudadelas y palacios.
El palacio micénico, a diferencia del cretense, era cerrado y de
carácter defensivo. Algunos, como los de Micenas o Tirinto, se erigieron
en el interior de ciudades rodeadas de murallas ciclópeas, sobre
enclaves elevados. El elemento más importante del palacio micénico es
el mégaron, edificio formado por una sala rectangular, con el hogar en
el centro, precedida de antecámara y pórtico. Se utilizaba como sala del
trono y de él parece que derivó el templo griego.
Trono Cámara Pórtico
Hogar Antecámara
Los recintos amurallados requerían entradas que a veces adoptaban

En torno a 1200 a.C. grandes movimientos de población PERÍODO CLÁSICO (siglos V y IV a.C.) en el que la atmósfera de auto
convulsionaron el Mediterráneo. La civilización micénica desapareció y confianza que genera en Atenas la victoria contra los persas, la
entre los siglos XII y VIII a.C. transcurrió un largo periodo de prosperidad y el poder que trajo consigo, y la inclinación antropocéntrica
decadencia, la EDAD OSCURA, sobre el cual la información es escasa. de los griegos, centrada en la sociedad humana, explican la creencia en
Los estudios arqueológicos de esta época nos muestran unas pobres que el ser humano, mediante su pensamiento y acción racionales, puede
condiciones de vida y una falta de contactos entre las diversas zonas del perfeccionar su entorno, hasta el punto de que la comunidad y sus
mar Egeo que, junto con la diversidad geográfica y la variedad étnica, valores se exaltan hasta alcanzar rango divino; Pericles, Fidias o Sófocles
explica el desarrollo de unas ciudades independientes -las polis-, que dan forma natural a esta visión.
constituyen la base del sistema político griego. Fue entonces cuando se Este período de confianza dura poco y se quiebra debido a las
produjo la primera colonización de pobladores griegos en las tierras de catástrofes que sucesivamente asolan Atenas. Una devastadora
Asia Menor (Jonia). epidemia y las guerras del Peloponeso contra la hegemonía ateniense
Durante mucho tiempo se ha pensado que fueron los dorios, imponen de nuevo la sensación de un mundo en desorden, donde lo
pobladores del norte de Grecia, quienes invadieron y destruyeron la irracional cobra fuerza.
civilización micénica, pero la historiografía actual se cuestiona esta En consecuencia, el arte posterior será cada vez más proclive a
explicación. reflejar la experiencia emotiva y los valores del hombre como individuo y
En cualquier caso, en el siglo VIII hallamos ya signos claros de no los de la colectividad. Se recogen las emociones humanas, como la
recuperación en todos los órdenes: es el siglo de Homero y Hesíodo, angustia, el sufrimiento, la ternura y el humor, lo sensorial y la
reapareció la escritura, y se produjo la segunda colonización griega, en sensualidad y hasta la emoción religiosa; pero, aún así, todavía no se
esta ocasión en el Mediterráneo occidental (Sicilia, Magna Grecia, renuncia a plasmar experiencias universales.
Península Ibérica) y en torno al Mar Negro. Durante esta etapa, que El período clásico termina con la conquista del territorio griego por
denominamos PERÍODO ARCAICO (siglos VIII a VI a.C.), las polis parte de Filipo II, rey de Macedonia, culminada en 330 a.C. por su hijo
aparecen definidas como asentamientos al amparo de una elevación Alejandro Magno. El PERÍODO HELENÍSTICO (323 -31 a.C.) es una
natural del terreno, la Acrópolis. Además, durante los siglos VII y VI a.C. etapa de importantes cambios políticos, sociales culturales y artísticos,
muchas de ellas evolucionaron hacia formas de gobierno democráticas, que abarca desde la muerte de Alejandro Magno hasta la incorporación
aunque hubo excepciones tan significativas como Esparta. Pero todas de Egipto y Oriente al Imperio Romano. Los centros artísticos ya no eran
ellas, a pesar de su independencia política, tenían la conciencia de las viejas ciudades, como Atenas, sino otras de la periferia del mundo
pertenecer a una cultura común, con una misma lengua y unos mismos griego, como Rodas, Alejandría o Pérgamo. Culturalmente se produjeron
dioses. dos fenómenos paralelos: el espíritu griego se expandió por Oriente,
El templo, que es el edificio que más esfuerzos de perfección pero al mismo tiempo la influencia oriental impregnó la cultura griega y
concita, se estructura en este período, y la preocupación por el hombre la transformó, despertando en ella el gusto por lo grandioso, la
se refleja en las esculturas de atletas y en la decoración escultórica del exaltación y la propaganda del poder.
templo.
En el siglo V a.C. las ciudades griegas de Jonia, con el apoyo de

Atenas, se sublevaron contra el imperio persa que las oprimía con
tributos. La consecuencia fue el enfrentamiento entre griegos y persas
en las llamadas Guerras Médicas. Los griegos, unidos ante el peligro
común, resultaron vencedores y Atenas, dirigida por Pericles, se
convirtió en la polis hegemónica del mundo helénico. Es el comienzo del

El principal centro de interés de la cultura griega era el hombre en una estructura de líneas horizontales y verticales, pero
en todas sus facetas: física, intelectual, moral o religiosa. La vida en entraña dificultades para la superposición de pisos o para la
pequeñas comunidades (polis) generó en los griegos una visión del elevación en altura.
mundo a escala humana, sin las desmesuras de los despotismos agrarios 3. Arquitectura matemática, donde proporción y equilibrio se
de Egipto o Mesopotamia. Por otra parte, la práctica política de debatir respetan escrupulosamente. Aunque,...
en la asamblea propició el intercambio de ideas y la discusión, por lo 4. La búsqueda de la armonía visual obliga a separarse de las
que no sorprende que en Grecia naciera la filosofía como explicación del medidas matemáticas mediante los llamados refinamientos
mundo a la luz de la razón. Incluso las divinidades griegas, a diferencia ópticos, sobre los que más tarde volveremos.
también de las egipcias o mesopotámicas, tenían apariencia y 5. Como material se utilizó en principio el conglomerado o piedra
comportamientos humanos, con todos sus defectos y debilidades. arenisca, llamado "poros". El mármol no se usó antes de
En concordancia con lo anterior, al arte griego se le puede mediados del siglo V, hasta la construcción del templo de Apolo
definir por las siguientes cualidades, que lo diferenciaban del egipcio o en Delfos y el Partenón, por las dificultades que ofrecía su
mesopotámico: trabajo.
Racional. Las reglas del arte eran fruto de la reflexión y no de la 6. El aparejo es isodomo: los sillares son perfectamente uniformes;
tradición. una vez construido se alisan y unen con grapas metálicas.
Naturalista. El arte aspiraba a imitar la naturaleza con fidelidad. 7. Aunque se han perdido, se utilizaron colores (azul, rojo y
A escala humana. No era un arte colosal sino a la medida del hombre. dorado) para enriquecer la arquitectura.
En continuo progreso. Los artistas indagaron y el arte evolucionó con 8. La decoración característica es el meandro, la espiral, la roseta,
el tiempo, libre de convencionalismos y rigideces. las ondas, ovas y perlas....
Bello. Como todo el arte antiguo, tenía una finalidad práctica, pero
también perseguía la belleza, entendida como orden, armonía y Estas ideas se plasman en arquitectura mediante la aplicación del
proporción. concepto de "ORDEN ARQUITECTONICO", entendiendo por tal el
módulo de construcción de los edificios, las reglas que fijan la forma,
tamaño y decoración del mismo, así como la proporción (relación
LA ARQUITECTURA numérica) entre las partes.
En el terreno de la arquitectura, y antes de abordar con detenimiento

los "ÓRDENES CLÁSICOS", podemos apuntar como notas definitorias
de la arquitectura griega:
1. Frente a la monumentalidad egipcia, en Grecia la escala utilizada

es humana. El dramaturgo Sófocles había afirmado que
"numerosas son las maravillas de la naturaleza, pero de todas
ellas la más grande es el hombre". Una idea que Protágoras
resumirá en la máxima: "el hombre es la medida de todas las
cosas" y, a su imagen y semejanza, los griegos configuraron el
panteón olímpico, y graduaron proporcionalmente sus
construcciones.
2. Es arquitectura arquitrabada, de apariencia serena, al basarse

LOS ÓRDENES ARQUITECTÓNICOS

"(Ión) conquistó el territorio
Se denomina orden a una determinada forma de combinar distintos de Caria y fundó allí ciudades
elementos arquitectónicos atendiendo a una relación proporcional entre grandiosas...Estas ciudades,
ellos. La unidad de referencia o módulo era el diámetro de la columna, después de haber expulsado a
que multiplicado o dividido establecía las dimensiones y proporciones de los carios y a los lélegos,
todas las partes del edificio. Los elementos básicos cuyas características llamaron Jonia a esta parte de la
variaban en cada orden arquitectónico eran la columna y el tierra a partir del nombre de su
entablamento. jefe Ión y, después de haber
señalado recintos consagrados a
los dioses inmortales, empezaron
Orden dórico a edificar templos. El primer
Se va concretando en el curso del siglo VII. De estructura bastante templo...que vieron construido
sobria, se desarrolla en la Grecia continental, irradiando a las colonias así estaba en una ciudad de los
italianas que se fundan entre la Magna Grecia y Sicilia. Normalmente, los dorios. Como quisieron poner
templos de este orden se asocian con los valores de austeridad, columnas en este templo y no
robustez, claridad y precisión. tenían la medida de las
En él, las columnas arrancan directamente del estilóbato. El fuste, proporciones, investigaron cómo
que simboliza el árbol, se hunde en el terreno, sugiriéndonos hacerlas para que no sólo fuesen
estéticamente la noción del peso que soporta. La altura de la columna aptas para soportar la carga, sino
dórica equivale a 6 veces la longitud del diámetro del fuste, el cual va que también fuesen de aspecto
disminuyendo de diámetro hacia arriba, y en toda su altura lleva 20 agradable por sus proporciones.
acanaladuras de cortante arista, las cuales sirven de decoración y al Midieron la huella de un pie
paso provocan en nosotros, por su inflexibilidad, una gran impresión de humano y la relacionaron con su
firmeza. Como remate, y para suavizar el choque con los elementos de altura. Cuando supieron que el
carga, se coloca el capitel. pie era la sexta parte de la altura
(Todavía entre el capitel y el fuste hay una corona de ranuras que de un hombre, transfirieron esta
integran el collarino). relación a la columna. Hicieron la
El capitel consta de dos partes: el equino, una moldura convexa, y el altura del fuste, incluido el
ábaco, especie de dado de poca altura que recibe directamente la carga capitel, seis veces mayor que la
del edificio. anchura de su base. Así fue
La gran masa horizontal de carga recibe el nombre de entablamento, como la columna dórica aportó a
que en el estilo dórico se forma de las siguientes partes. La inferior es los edificios las proporciones de
un ancho listón de piedra llamado arquitrabe. Sobre él monta el friso, un cuerpo varonil y su solidez y
dividido en espacios cuadrados, donde alternadamente se disponían los belleza". VITRUBIO, 4, 1, 4-6
triglifos y las metopas, que generalmente se decoraban con relieves. Los
triglifos asomaban en el arquitrabe por unas terminaciones llamadas
gotas. Todo queda luego cubierto por la cornisa, que con su vuelo
protege al templo de la lluvia.

Orden jónico
Más ligero, esbelto, elegante y decorativo que el anterior, se origina
también durante el siglo VII a.C. en Asia Menor y en las islas del Egeo.
Las columnas son más altas (9 veces el diámetro del fuste) y
delgadas que las dóricas. El fuste apoya en una basa, formada de
molduras convexas (toro) y cóncavas (escocia). A veces la basa apoya
en un pedestal cuadrado, por lo común casi plano: el plinto.
El fuste tiene forma cilíndrica en toda su extensión, aunque en
ocasiones aparece ligeramente hinchado en el centro (éntasis). Lleva
numerosas acanaladuras (24) que se separan lo suficiente para evitar la
formación de aristas. El capitel tiene una decoración de ovas y perlas y,
a los lados, robustas volutas que constituyen lo más característico del
estilo.
El arquitrabe difiere también del dórico, ya que está dividido en tres
listones o platabandas horizontales. El friso, por el contrario, forma una
banda corrida, que puede decorarse con relieves o permanecer lisa. La
cornisa posee menos vuelo que en el estilo dórico, estando, en cambio,
enriquecida con ovas.
"Cuando decidieron levantar un templo en honor de Diana,

inventaron un nuevo estilo, dándole esbeltez al aplicar la misma
proporción que para el estilo anterior, pero ahora la relacionaron con las
pisadas de una mujer. Hicieron que la anchura de la columna fuera la
octava parte de su altura, para que tuviera un aspecto más grácil.
Después pusieron en su base un anillo a manera de calzado, y en el
capitel colocaron como cabellera unos bucles rizados que le caían a
derecha y a izquierda, y con ondas y guirnaldas adornaron la frente
como si llevara flequillo. A lo largo de todo el fuste marcaron estrías
como si fueran los pliegues de las estolas que llevan las matronas. Así
hicieron el modelo de los dos estilos de columnas, uno de belleza
severa, sin adornos, varonil, y el otro con la figura, la ornamentación y
la proporción femenina...Y como los primeros que lo usaron fueron los
jonios, se le llamó estilo jónico”. VITRUBIO, 4, 1, 7-8

Orden corintio
Aparece durante la segunda mitad del S. V a.C. Su geografía parte
del Peloponeso y conocerá su expansión en el período helenístico
Es muy semejante al jónico y las diferencias principales estriban en
el capitel, semejante a un cestillo de hojas de acanto y unas
reducidísimas volutas en los ángulos y en la altura de la columna, que
corresponde a 10 veces el diámetro del fuste.
"El tercer estilo, llamado corintio, imita la esbeltez virginal, porque su

forma recuerda los adornos más bellos de una doncella, representada
con los miembros más esbeltos a causa de su tierna edad. Cuentan que
el descubrimiento de este capitel fue así: una doncella de Corinto, ya en
edad de casarse, se puso enferma y murió...Su nodriza cogió los
juguetes con los que la muchacha jugaba cuando estaba viva, los colocó
en un cestito y, llevándolo a su tumba, lo puso encima y, para que todo
aquello se conservase más tiempo al aire libre, lo tapó todo con un
ladrillo. Este cestito quedó colocado por casualidad encima de una raíz
de acanto. Más tarde, la raíz de acanto, a pesar de tener encima este
peso, en primavera sacó hojas y brotes, y estos brotes, creciendo por
los lados del cestito y por los costados del ladrillo, se doblaron por el
peso en sus extremos superiores formando volutas”. VITRUBIO, 4, 1, 8-
9
Conviene finalizar advirtiendo que, a partir del S. V, los órdenes

dórico y jónico comienzan a yuxtaponerse en un mismo edificio,
reservándose el dórico para el exterior y aplicándose el jónico en el
revestimiento interno. El "Partenón", erigido en la Acrópolis de Atenas,
muestra esta combinación).

LOS ORDENES CLÁSICOS
EL TEMPLO GRIEGO: EL PARTENON "ápteros"; aquellos cuyas columnas estaban embebidas en la pared
siendo sólo visible la mitad de ellas recibían el nombre de
La manifestación más representativa y monumental de la arquitectura "pseudoperípteros"; si eran circulares, se los llamaba "monópteros"; y si
griega es el templo. Hasta la época arcaica (fines del S. VIII), el carecían de techumbre "hípetros".
escenario del culto consistía en un lugar al aire libre, un espacio acotado
-"témenos"-, tal vez con uno o varios árboles sagrados y un altar de
sacrificios. No obstante, cuando a partir de los siglos VIII y VII a.C.
comenzaron a labrar estatuas de dioses, sintieron la necesidad de
custodiarlas en un relicario, y en eso se convirtió el templo griego: en la
morada de la imagen del dios. De aquí se desprende una primera
característica del mismo: el templo no daba cobijo a los fieles, por lo
tanto, no tiene apenas espacio interior y predomina el cuidado de su
envoltura externa.
Su estructura es muy elemental, según parece derivada del megarón
micénico (*), en la que el espacio se reparte entre un breve ámbito de
acceso -"pronaos"- y una sala -"naos"-, en la que se deposita la estatua
del dios. A estos espacios contiguos y comunicados se añadió un tercero
-"opistodomo"- adosado al otro extremo de la cella o naos, pero
incomunicado con ella. Este núcleo longitudinal y simétrico se eleva
sobre una plataforma de tres gradas, donde el peldaño superior o
"estilobato" aguanta el peso del edificio. Alrededor de las dependencias
litúrgicas se habilitó un pasillo exterior o "perístasis", delimitado por
columnas, cuyo número, presencia y distribución en los ejes cortos y
largos ofrece una triple clasificación. Todo el conjunto se cubría con una
techumbre a dos aguas.
(*) Sala de audiencia del palacio micénico: un espacio rectangular, con un hogar
A un esquema tan sencillo correspondieron en un principio
redondo en el centro y cuatro columnas sosteniendo las vigas del techo. A él se
entraba por un pórtico con dos columnas y un vestíbulo.
materiales asimismo humildes y deleznables, el adobe y la madera, de
ahí que apenas conozcamos la apariencia de los más viejos santuarios.
La fachada principal se dispuso siempre en uno de los ejes cortos y, Pronto se inicia, sin embargo, un período de reflexión y mejoría en las
de acuerdo con el número de columnas que exhibe, el templo puede ser fórmulas constructivas, que desembocará en la sistematización de los
"dístilo" (2), "tetrástilo" (4), "hexástilo" (6), "octástilo" (8), "decástilo" órdenes arquitectónicos (epígrafe anterior) y en la utilización del mármol
(10).... como material de construcción predilecto. Las piezas de mármol se
Si sólo presenta columnas en la fachada principal es "próstilo", pero unían mediante grapas, pulimentándose después las paredes y demás
si éstas se proyectan también en su parte posterior será "anfipróstilo". elementos. Una policromía final en tonos rojos, azules y dorados
Finalmente, si está rodeado por una fila de columnas recibe el realzaba el edificio.
nombre de "períptero", mientras que si la hilera es doble entonces se
llama "díptero". En el interior de la cella se alzaron al principio columnas a lo largo
Además, los templos que no tenían columnas recibían el nombre de del eje longitudinal de la misma, y en el se mantuvieron cuando las

divinidades veneradas formaban pareja. En los demás casos constituían

un estorbo que aconsejó sustituirlas por dos hileras laterales que El Partenón
dividiesen el espacio en tres naves, la central más ancha que las
laterales. Normalmente esas hileras tienen las columnas superpuestas Atenas, su Acrópolis, y dentro de ella, el Partenón, constituyen el
en dos pisos dando así mayor altura a la nave central. emblema de la Grecia clásica. La situación de la ciudad y su fortaleza no
Para que se estime debidamente hasta dónde llegó el espíritu de fue configurada por azar o por capricho de un puñado de hombres, sino
observación de los arquitectos helenos, baste citar algunas por una tradición secular enraizada en la mitología, según la cual en
particularidades que presentan los templos. Teniendo en cuenta las aquel lugar tenía la diosa Atenea su complacencia. Esta predilección
aberraciones normales que sufre el ojo humano al ver los objetos, los correspondía a los desvelos y homenajes que incesantemente le
arquitectos griegos procuraron anularlas con efectos contrarios. Para ello tributaban los habitantes de la zona. Así se convirtió la Acrópolis, desde
les fue necesario deformar intencionadamente sus construcciones: tiempos inmemoriales, en objeto de atención especial para los
gobernantes de Atenas.
- Curvaturas del entablamento y del estilobato hacia arriba, para En concreto, los años de gobierno de Pericles en Atenas (461-429
evitar el efecto de pandeo, de vencimiento por el centro. a.C.), tuvieron un esplendor y brillantez inextinguibles. Esplendor político
- Inclinación suave de la fachada hacia dentro, para corregir el efecto tras la derrota de los persas (Guerras Médicas), esplendor económico
que produce un edificio de desplomarse hacia delante. (desde Atenas se administrará el tesoro de la Liga de Delos) y esplendor
- Dieron a las columnas situadas a los extremos de la fachada unas artístico que culmina con la reconstrucción del conjunto de la Acrópolis
dimensiones mayores, pues, al recibir más luz debido a su previamente arrasada por los persas. Una reconstrucción que supone
emplazamiento, parecen más pequeñas a nuestra vista. casi medio siglo de febril actividad: el primer monumento que se
- El éntasis de las columnas está hecho precisamente para corregir la empezó a construir en la Acrópolis el año 447 fue el "Partenón", seguido
apariencia de estrechamiento en la parte central. de los "Propíleos", del "templo de Atenea Niké", y del "Erecteion", cuyas
- Por último, deshicieron la ilusión de convergencia que nos producen obras concluyen hacia el 406 a.C.
las columnas hacia arriba separando ligeramente de la vertical a Es innegable que Pericles fue la mente inspiradora y quien se
cada par de columnas en aquel mismo sentido. empeñó en sacar adelante la empresa, pero también lo es la
intervención directa y activa de una comisión de obras creada
expresamente al efecto, para controlar y dirigir la situación. En ella
estaba Pericles y a ella pudieron ser llamados artistas amigos suyos,
como el arquitecto Iktinos y el escultor Fidias. No obstante, en última
instancia, es el pueblo ateniense, a través de sus representantes, el
responsable de las obras.

El Partenón es un templo octástilo, anfipróstilo y períptero, al que

nos hemos acostumbrado a identificar como una ruina solitaria,
recortada su silueta en medio de la Acrópolis, sin el remate de la
techumbre y carente de la policromía, aunque, pensándolo bien, es
asombroso que quede lo que queda. Su fama sigue acrecentándose con
el tiempo y hoy en día es mucho lo que se sabe sobre él, aunque la
investigación arqueológica no cesa en su avidez de más y mejores
conocimientos.
La cronología del Partenón la tenemos asegurada por inscripciones

que fijan el comienzo de las obras en el curso del año 447 y el final en el
438 a.C.; duración breve cuando se piensa en la magnitud de la obra,
toda ella realizada en mármol pentélico.
Como arquitectos mencionan las fuentes a Iktinos, Kallíkrates y
Karpión, nombre este último que no volvemos a encontrar. Fidias se
encargaría de las labores escultóricas. Las ideas básicas del proyecto las
aporta Iktinos, arquitecto que escribió un libro -desaparecido- sobre las
teorías desarrolladas en la construcción del Partenón. No obstante, su
idea de lo que es un templo dórico y de cómo se modela el espacio se
tiene al comparar el Partenón con el templo de Zeus en Olimpia y con el
llamado "Prepartenón", es decir, el templo dórico hexástilo que estaba
en construcción en 480 a.C. cuando los persas arrasaron la Acrópolis, y
sobre cuyos cimientos se alzó el Partenón. Esta comparación demuestra
que éste es más monumental, más cerrado y más compacto, aunque en
sus miembros se extreme la finura y la delicadeza.
Respecto al canon dórico de Olimpia se observa que la ampliación de
la columnata (8x17 el Partenón; 6x13 el templo de Zeus) y la ampliación
considerable de la cella o naos van en detrimento de la anchura del
pasillo existente entre ambas (perístasis) y denotan un nuevo sentido
del espacio, pues el conjunto resulta más grandioso y unitario.
Por su parte, el nuevo sentido del espacio que modifica
sensiblemente las proporciones de la cella es una novedad
importantísima, cuya causa primordial es el colosalismo de la estatua de
Atenea Partenos que tiene absorto a Fidias durante el período
constructivo.
En efecto, el basamento de la estatua, que se conserva "in situ", es

monumental; exigía enorme anchura, de ahí la necesidad de ampliar la
cella. Se trata, pues, de una solicitud de Fidias a Iktinos ante la

necesidad de un escenario adecuado para el coloso de 11 metros de activo. Son las llamadas correcciones ópticas, que en sí mismas no son
altura que fue la Partenos. Por idéntico motivo, en vez de una cella de novedad, aunque sí en lo que se refiere a la manera de interpretarlas o
tres naves con doble columnata paralela, las columnas se curvan en hacerlas valer. (Ver atrás).
forma de "U" por la parte posterior de la nave central, como si de un El ensamblaje tan cuidado como armonioso de todos estos
nicho para ubicar la estatua se tratara. Fue una solución cuya influencia pormenores es lo que hace distinto al Partenón.
se dejaría sentir inmediatamente.
Respecto a la decoración, lo que realmente manda, a efectos
Frente a estas novedades, hay en el Partenon peculiaridades que no cromáticos, es la calidad inigualable del mármol pentélico, cuya
son originalidad del proyecto arquitectónico, sino consecuencia o transparencia y blancura definen el núcleo de la obra. Triglifos, mútulos,
adaptación a tradiciones. Así, por ejemplo, la organización en altura (dos gotas, iban pintados de azul, como es frecuente en los elementos
pisos de columnas superpuestas), la división de la cella en dos espacios verticales, mientras las molduras horizontales, banda que corre por
desiguales (naos y opistodomos) y la introducción de rasgos jónicos en debajo de los triglifos, listel superpuesto a ellos, iban decorados con un
un templo dórico (el friso que recorre los muros de la cella y las cuatro meandro dorado sobre fondo rojo. Los casetones del techo quedaban
columnas jónicas de la menor de las dos estancias, donde se guardaba enmarcados por motivos vegetales, ocupado el centro por una palmeta
el tesoro del templo), deben considerarse rasgos heredados del sobre fondo azul. Policromada iba también la decoración escultórica:
Prepartenón. metopas del friso dórico, friso jónico y frontones. (Nos ocuparemos de
ella al analizar la obra de Fidias).
Medidas: 67,5 x 30'95

- Fachadas de 18 m de
altura
- Altura máxima de las
esculturas de los
frontones 4 metros
- Longitud total de los 4
frisos: 160 metros
- Altura del friso: 1,02
metros
- N.º total de metopas:
92
- Altura de las metopas:
1'34 metros
Quizá el aspecto que más sorprende de su arquitectura es el que no

se ve: hay en el Partenón refinamientos casi inaprensibles, pero de
extraordinaria eficacia a la hora de darle ese carácter vital de músculo

LA ESCULTURA GRIEGA  La belleza concebida como medida, proporción entre las partes,
anatomía armoniosa, idealización del cuerpo humano, alcanza su
CARACTERISTICAS GENERALES. plenitud. En líneas muy generales -que desarrollaremos
posteriormente-, aplicaron tres conceptos a las estatuas:
- la "proporción armónica" basada en la cabeza como
 La escultura, además de una posible función práctica (religiosa), módulo (7 cabezas en el S. V a.C. y 8 cabezas en el IV a.C.).
responde al deseo de contemplación estética, atrae por sí misma, - el "principio de la diartrosis" que concibe el desnudo
cobra autonomía respecto de la arquitectura. como un esqueleto perfecto, regido por la movilidad de las
articulaciones y la relación de cada parte con el todo, lo que
 El principal problema que plantea es la falta de piezas originales. les hace acentuar la división entre el tronco y las
Mármoles clásicos de los siglos V y IV quedan muy pocos, si extremidades, y dentro del torso, marcar nítidamente los
exceptuamos los relieves decorativos de los grandes templos. El pectorales, la cintura y el pliegue inguinal.
bronce, que se convirtió en el material favorito a la hora de realizar - finalmente, rompieron la ley de la frontalidad al adoptar y
estatuas exentas, es aún más escaso, y sólo los hallazgos recientes desarrollar la "postura de contraposto", donde una pierna
que ha proporcionado la arqueología submarina, rescatando del actúa de sostén y la otra se flexiona, desnivelándose la línea
fondo del Mediterráneo al "Poseidón del cabo Artemisión", los recta de las caderas.
"Filósofos de Anticítera y Porticello", y los "Guerreros de Riace",
permiten vislumbrar la perfección que alcanzaron los artistas en la  La "expresión" entendida como la exteriorización de los
técnica de la fundición, normalmente "a la cera perdida". Ante estas sentimientos, es otra preocupación de los escultores helénicos,
carencias, la plástica griega es conocida por copias en mármol del especialmente a partir del S. IV.
período romano, que los Césares y la aristocracia del Imperio
ordenaron reproducir para decorar sus palacios, villas, termas y  La representación del movimiento y la preocupación por el volumen
ciudades, creando un floreciente mercado de imitaciones que, en constituyen también objetivos básicos.
muchos casos, desvirtuaron la calidad y el sentido de los originales.
 Podemos hablar, en general, de una escultura "naturalista" y
 Además del mármol y el bronce, destaca por el aprecio que se le "realista" que, inspirándose en la naturaleza reproduce la realidad. La
tenía la técnica crisoelefantina (oro y marfil). evolución nos lleva desde lo casi abstracto-geométrico del período
arcaico hasta la extrema y dramática realidad de algunas escuelas
 No hay que olvidar que las figuras se policroman con colores suaves, helenísticas, pasando por el realismo idealizado del período clásico.
pero la pintura se ha perdido casi por completo. Se empleaban,
además, postizos en los bronces, láminas de plata en los labios,
incrustaciones de pasta vítrea en los ojos, rodetes de cuero para los
pezones...
 Es normal que las obras estén firmadas, si bien en ciertos períodos

domina el trabajo en escuela.
 Absoluta primacía en la representación del cuerpo humano, en

evolución constante.

LA ESCULTURA ARCAICA: KOUROS Y KORE Los primeros kouroi se esculpen en

las islas, pues ejemplares muy antiguos
La figura humana es el tema principalísimo de la escultura griega. El proceden de Delos, Naxos y Samos.
cuerpo humano polarizó la atención de los escultores y fue permanente Hacia finales del S VII y comienzos del S.
objeto de estudio. Los escultores arcaicos, en un principio, se inspiraron VI el Ática y el Peloponeso producen ya
en modelos orientales, más concretamente egipcios, pero enseguida obras representativas del alto arcaísmo:
siguieron derroteros propios y se atuvieron a criterios propios, lo que les 1
garantiza la originalidad. -"Cleobis y Bitón (Peloponeso):
caracterizados por la rotundidad de los
El kouros es, ante todo, el tipo escultórico que crearon los griegos volúmenes y por una corporeidad maciza.
para representar el ideal de belleza masculina. El esquema se origina
mucho antes de comienzos de época arcaica, pues lo habían
desarrollado los egipcios dotándolos de rasgos característicos fáciles de
reconocer:
- postura hierática y frontal
- pies sólidamente asentados en el suelo -"Kouros de Sounion" (Ática): carecen de
- pierna izquierda adelantada la hinchazón de los anteriores. Son más
- brazos caídos a lo largo del cuerpo descriptivos y demuestran el interés de
- manos cerradas pegadas a los muslos los escultores por el modelado.
- cabeza cúbica adornada por una melena larga y maciza
Durante el segundo cuarto del S. VI dos
En definitiva, la figura evoca lo que fue antes de ser tallada: un obras procedentes de la Acrópolis de
bloque de mármol. A comienzos del período arcaico las cuatro caras del Atenas, sin ser kouroi en sentido estricto,
bloque se labran sin cohesión, de ahí que la figura presente cuatro acreditan la evolución emprendida:
aspectos independientes. Poco a poco, sin embargo, comienza la
búsqueda de la organicidad, de la unicidad plástica, hasta que
desaparece la forma prismática, gran triunfo de los maestros del
arcaísmo.
-"El Moscóforo": joven que lleva un ternero
No obstante lo común de las características, existen algunas sobre los hombros. En la envergadura de la
diferencias estructurales básicas con respecto al modelo egipcio: parte superior del torso, en la robustez de
- ausencia de un apoyo por la parte posterior (la griega es una brazos y piernas y en la estructura compacta,
escultura exenta que se sostiene a sí misma). claramente manifiesta en la trabazón del cuerpo
- la desnudez total del joven y el del animal, se reconoce el estilo
del alto arcaísmo, si bien la evolución se detecta
El origen de este tipo escultórico remonta al siglo VII, sin que en la apariencia blanda y redondeada de la
conozcamos bien su significado; puesto que las estatuas de kouroi superficie del mármol, a diferencia de las aristas
aparecían en lugares de culto y en tumbas, se pensó que podían ser y formas cúbicas preponderantes en la etapa
representaciones de Apolo, o bien estatuas funerarias. ¿Quizá atletas? ... anterior.

-"El jinete Rampín" (4): con el que se los cuales destaca el del peinado. Se impone
alcanza la cima de la primera etapa del la moda del pelo corto como una especie de
arcaísmo. Es la estatua ecuestre más casquete adherido al cráneo, cuya redondez
antigua de Grecia. En atención a la calidad acentúa. Ejemplo inmejorable es:
y al carácter oficial de la representación se
ha querido identificar con un personaje de -"La cabeza
la aristocracia ateniense. Rayet": prodigiosa
Durante el arcaísmo medio se consigue obra al conseguir
un planteamiento más orgánico y un una tensión
modelado más minucioso, o sea, más unitaria que salta
pendiente de la plasticidad de los detalles. del mentón a los
Así lo demuestra un grupo de kouroi al que pómulos, de éstos
da nombre el ejemplar más sobresaliente a los ojos y acaba
de la serie: en el contorno de
la bóveda del
-"Kouros de Tenea": Procede de un taller cráneo.
corintio, en el que h.550 a.C. se habían
hecho progresos considerables en lo En esta misma
referente a la tensión y esbeltez de la línea está otra obra
figura, rasgos fáciles de reconocer en él. de h.500 a.C. típica del bajo arcaísmo:
Contornos movidos, dinamismo fluido por
todo el cuerpo, rostro animado con la -"Kouros de
típica sonrisa arcaica; incluso el peinado Aristodikos"
refleja el esfuerzo por ganar en : Su postura
movilidad. es más
resuelta, relajada y natural, a
consecuencia de tener los hombros
Muy distinto al de Tenea, y algo posterior ligeramente cargados, el pecho
(h.530 a.C.) es el procedente del Ática: henchido y el estómago plano.
Comparado con el K. de Anavysos, en
-"Kouros de Anavysos": Predominan en él el que contorno de brazos y costados
las formas masivas, blandas más todavía van paralelos, el de Aristodikos
naturales, todo ello fruto de una sorprende por la relación más
evolución estilística, en la que, además, compleja y rica entre sus miembros,
deben ser valorados detalles como el ojo sin olvidar que el modelado logra crear
menos saltón, con la mirada fija en un punto, y la oreja modelada efectos de auténtica relación entre la
conforme a un criterio más realista. estructura ósea y la carne.
Al final de la época arcaica se
A finales de esta etapa se producen cambios importantes, entre habían salvado no pocos escollos,

aunque quedaba por resolver el problema de la ponderación, es decir, la peplo se echa un manto. La
repercusión del peso del cuerpo sobre cada una de sus partes cuando anchura de los hombros y las
las piernas realizan funciones distintas. En los talleres áticos esta formas tectónicas de la diosa no
cuestión suscitaba gran inquietud, pues ya el K. de Aristodikos preludia distan mucho de los kouroi del alto
la solución, que no se logra plenamente sino con el "Efebo de Kritios", arcaísmo.
obra que inaugura el estilo severo a comienzos de la alta época clásica.
Por lo que se refiere a la figura femenina, hay que señalar que el

desnudo es tardío. El ideal femenino se identifica con el vestido y con el
atuendo digno. Esta diferencia entre kouros y kore es esencial, como
también lo es la ausencia de inactividad en
ésta, que suele sostener en una mano una
flor, un fruto, un animalillo,..., o bien
recogerse los pliegues del vestido, o,
sencillamente, cruzar los brazos por delante
del cuerpo. Por lo demás, pies asentados A un tipo distinto pertenecen la serie de
en el suelo y postura frontal como el estatuas dedicadas como exvotos a la diosa Hera
kouros. Respecto a la interpretación hay de Samos, la más conocida de las cuales es
dudas sobre a quién representan las korai. precisamente la llamada:
Formas compactas, estructuras cúbicas -"Hera de Samos" (3) (h.570 a.C.): viste un
y pesadez en los volúmenes son las chitón plisado y ceñido sobre el que lleva el
características dominantes en las obras más himatión, un manto terciado. Más que el cuerpo
antiguas, al estilo de: resalta la identidad y protagonismo del vestido a
causa del esmeradísimo trabajo de los pliegues,
-"La dama de Auxerre": obra con fuerte que dan a estas figuras
carga abstracta y geométrica, concebida apariencia de fustes de
con criterio aditivo, embutida en el vestido columnas.
que marca el pecho y las caderas y bajo el
que asoman las puntas de los pies. Es el Al período comprendido entre 550-530 a.C.
estilo de la segunda mitad del S. VII. aproximadamente corresponden:
En la primera mitad del S. VI se dan
algunos cambios, el más llamativo de los cuales es la pérdida de relación -"La Niké de Delos" (4): prodigio de ingenuidad
entre el cuerpo y el vestido, a consecuencia de la frecuente y buena muestra del convencionalismo
superposición de paños. Ejemplo claro es: esquemático imperante todavía a mediados del
S. VI para representar a la figura en movimiento
-"La diosa de Berlín" : (aprox.58-570 a.C.), elegantemente ataviada, veloz o carrera. La figura adopta una postura
enjoyada y tocada con un birrete bajo. Según la costumbre dórica lleva forzada, que consiste en doblar las piernas en
un peplo grueso y cerrado encima de un chitón con mangas, y sobre el genuflexión y en distanciar del cuerpo los brazos

doblados, como si las extremidades inferiores y superiores fuesen aspas

impulsoras de la velocidad.
-"La Kore del Peplo": obra maestra del

escultor al que se atribuye el jinete
Rampín. Conserva restos de policromía
y hace gala de originalidad, pues
cuando la indumentaria habitual viene
impuesta por la moda jónica, ella viste
el peplo dórico por encima del chitón.
El grosor del paño determina la caída
de los pliegues en vertical y los detalles
minuciosamente observados en el
borde inferior del peplo, en el escote y
en el talle son un alarde de plasticidad.
Sus formas son más suaves y naturales
en ojos y boca, y el movimiento del
brazo izquierdo, que mitiga la
frontalidad, son rasgos que manifiestan
la mejora respecto al jinete Rampín.
Todavía a principios del S. V la "Kore de Euthydikos" sigue el

esquema de las korai arcaicas, pero las novedades que hay en ella son
El atuendo típico jónico formado por un chitón fino ceñido al cuerpo típicas del primer período clásico, por lo que es preferible posponer su
y por un himatión cruzado en forma de arco sobre el mismo, se impone estudio.
en el último cuarto del S. VI y permite a los escultores crear un juego de
paños con motivos ricos y variados, a través de los cuales se adivinan
las formas anatómicas. Las korai de este período tienen un atractivo
especial, no sólo por las excelencias del modelado, sino por la variedad
de expresiones y por el enorme refinamiento que acreditan peinados y
adornos, especialmente pendientes. Obras maestras de este período
son:

LA ESCULTURA ARCAICA: EL RELIEVE EN LOS Hacia el año 570 a.C. los escultores áticos habían descubierto la
FRONTONES. forma de paliarlo. Para ello recurren a figuras que por su propia
naturaleza o por las actitudes adoptadas (monstruos serpentiformes,
Es una modalidad escultórica intensamente cultivada desde luchadores que se arrastran,...) encajan con mayor naturalidad en las
comienzos de la época arcaica. Al igual que las esculturas de bulto zonas cerradas y rincones del frontón. (Ej. "Barba azul").
redondo, las manifestaciones relivarias que nos han llegado son
preferentemente de mármol, y algunas de ellas conservan aún su
policromía.
Lo que nos parece tan normal en un templo griego, esto es, la
decoración escultórica de sus frontones, representó un grave problema
que sólo se resolvió con esfuerzo e ingenio y, aun así, tardó en llegar a
una solución verdaderamente feliz.
Entre las caras divergentes del tejado a dos aguas y la línea
horizontal de la cornisa quedaba un espacio triangular vacío, cuya
disconformidad con los demás miembros del conjunto arquitectónico es
fácil suponer. Para tapar aquel hueco se empezaron a utilizar placas de
cerámica decoradas, pero pronto se pensó en posibilidades más "El frontón del tesoro de los Siphnios", "los dos frontones del
evolucionadas, como la colocación de figuras apoyadas en el saliente de templo de Apolo en Delfos", "el frontón del templo de Atenea en
la cornisa y destacadas del fondo plano. Surge entonces el problema de Atenas", "el frontón del templo de Apolo en Eretria",..., ilustran
la composición frontonal, puesto que al poner en práctica esa idea se claramente los pasos de la evolución durante el último cuarto del S. VI,
tropieza con el grave inconveniente representado por la forma triangular que parte de la sencilla secuencia de figuras verticales colocadas unas
del espacio a decorar. junto a otras e inicia la búsqueda de relación y cohesión entre ellas y
Los primeros intentos de solución los vemos a finales del S. VII y con el espacio. Estos frontones, pues, preconizan las novedades
décadas iniciales del S. VI en el "templo de Artemisa en Corfú" y en venideras cuando se abre la transición al primer período clásico.
los "restos hallados en la Acrópolis de Atenas". Se caracterizan por:
- ausencia de coordinación
entre las figuras.
- graves distorsiones a
efectos de escala, ya que
el tamaño viene
determinado
convencionalmente por el
lugar que las figuras
ocupan en el frontón.

LA ESCULTURA ARCAICA: LAS ESTELAS FUNERARIAS
Esta clase de monumento está muy bien

definida dentro de la escultura griega, entre
otras razones, por su función específica y
demanda abundante. No menos clara y sencilla
es su estructura, integrada por un basamento,
una pilastra y un remate generalmente en forma
de palmeta.
La decoración puede ir esculpida en relieve,
incisa o pintada y presenta a las figuras de perfil,
por regla general en actitudes alusivas a la
actividad que el difunto desempeñó en vida. Así,
los jóvenes adoptan el esquema del kouros y
llevan entre otros distintivos la botellita de aceite
que se utiliza en la palestra; las jóvenes van
vestidas y tienen una flor en la mano; los
soldados aparecen con indumentaria militar.
La finura del relieve y la precisión de las
incisiones hacen de "la estela de Aristión"
(h.510) la obra maestra en este campo.

LA ESCULTURA CLASICA. lado de la pierna de sostén que el

contrario; cabeza y cuello pierden
Decimos "arte clásico" y englobamos en esta designación casi dos su posición axial (centrada) y
siglos de producción artística, aunque tal vez de manera más o menos giran levemente en la dirección
consciente la restrinjamos al período clásico por excelencia, esto es, a de la pierna exonerada.
las décadas centrales del S. V. Pero, además de lo puramente
La transición del arte arcaico al clásico acaece entre los años 500- formal, el contraposto dota a la
490 a.C., y a partir de entonces se inicia una secuencia evolutiva que escultura de contenido, le da
finaliza el año 323 a.C., cuando muere Alejandro Magno. Durante todo apariencia de cuerpo vivo, con el
ese tiempo el arte clásico experimentó cambios estilísticos profundos, a pecho henchido, la espalda
pesar de la fidelidad a determinados principios esenciales, de ahí la ligeramente arqueada, la
necesidad imperiosa de establecer etapas: musculatura activa.
A todo ello contribuye también el
1. Transición al S. V modelado de la figura, prueba de
2. Alta época clásica o estilo severo (480-450 a.C.) la categoría de Kritios como
3. Época clásica plena o madura (450-420 a.C.) escultor.
4. Segundo clasicismo (años del siglo IV)
1.-LA ESCULTURA CLASICA: LA TRANSICION AL SIGLO V.
Dos escultores áticos predominan en las primeras décadas del S. V:

Kritios y Euthydikos. El nombre de Kritios está ligado a la aparición del Entre las obras que se le
"contraposto", una de las soluciones más trascendentales de la historia atribuyen ninguna fue tan célebre
del arte, a la que se ha atenido la representación de la figura humana como:
durante siglos. Es en una obra suya en la que por primera vez lo vemos
plasmado: -"El grupo de los Tiranicidas", a cuyo
valor artístico se suma el político. Las
-"El efebo de Kritios": Se fecha h.480 y representa un avance sin copias de mármol (el original era de
precedentes en la búsqueda de expresión plástica para algo tan bronce) del museo de Nápoles
abstracto como la energía y la potencialidad del movimiento. Desde un permiten saber que son obra de
punto de vista formal, el contraposto equivale al hallazgo de un aprox. 477 a.C.
esquema definido por la contraposición de los miembros a partir del
juego de piernas, que marca y acusa la diferencia funcional entre pierna
de sostén, sobre la que recae el peso del cuerpo y, por tanto, se
mantiene tensa, y pierna exonerada, que se flexiona.
Tal actitud tiene inmediata repercusión en todo el cuerpo, ya que la
cadera de la pierna de sostén queda más alta que la de la pierna
flexionada, e idéntico desequilibrio afecta a los hombros, más bajo el del

De la misma época que el efebo de LOS FRONTONES DEL TEMPLO DE APHAIA EN EGINA
Kritios es: Ambos frontones narran las hazañas de los héroes eginetas en la
guerra de Troya, ambos responden al mismo esquema compositivo
-"La cabeza de efebo rubio": a pesar de (simetría estricta, con Atenea presidiendo en el centro y grupos de
que el peinado artificioso le presta combatientes a los lados), pero difieren en el estilo.
monumentalidad y carácter tectónico, y La comparación de las figuras del frontón occidental (1 y 2)(h.490
a pesar de la dureza de sus rasgos a.C.) con las del frontón oriental (3 y 4) (h.480) demuestra claramente
fisiognómicos y de su expresión el estilo más evolucionado de éste, en el que se advierten los cambios
sombría,..., de la inclinación y giro de la incipientes del estilo severo, mientras en aquel queda la herencia del
cabeza se deduce que la obra arcaísmo.
respondía al mismo criterio de Así se ve en la figura de Atenea del frontón occidental, que viene a
frontalidad y contraposto. ser una kore armada, y en las figuras de guerreros que la acompañan,
como el guerrero caído, que intenta extraerse una flecha del pecho
mientras se dibuja en su rostro la sonrisa arcaica. Son figuras planas
que ejecutan movimientos convencionales y cuyas actitudes no
sintonizan con los movimientos ejecutados. Lo mismo se puede decir del
La relación entre esta "cabeza de efebo rubio" y el escultor tratamiento de los paños, sometidos a los convencionalismos de rigidez,
Euthydikos se establece en virtud del estrecho parentesco con la zigzags y falta de naturalidad.
llamada:
-"Kore de Euthydikos", fechada en 490

a.C. Ambas esculturas acreditan la
monumentalidad y voluminosidad
masiva, típicas de ese escultor;
coinciden en la firmeza del modelado,
en la fuerza de los detalles -óvalo del
rostro, pómulos, contorno de ojos y
labios-, y concentrada interioridad de la
expresión o sobriedad expresiva.

cohesión, es decir, la absoluta

En el frontón oriental, sin embargo, se aprecia un cambio sustancial. primacía del todo sobre las
La evolución del guerrero con respecto al anterior es notabilísima: partes, junto a la tensión
reducción de los puntos de apoyo, verosimilitud del gesto,..., o en la acumulada en la figura, que se
figura de Heracles, espléndida representación por su plasticidad y por la muestra erguida y quieta sobre
capacidad para distinguir y cohesionar al mismo tiempo estructura ósea, el carro, pero agitada por un
musculatura y carnosidad, y por el modo en que la forma cerrada de la dinamismo que fluye de su
escultura expresa la intensidad y la cohesión del movimiento. interior.
De entre los detalles salta a la
vista la maravilla del plegado
con sus variaciones en mangas,
pecho, cintura y en las
acanaladuras verticales
formadas a partir del ceñidor.
Mención especial merecen
también los ojos, por cuanto
contribuyen a dar vida a la
figura. Están hechos con pasta
vítrea blanca, cristal y masa
coloreada e incrustada en la
cuenca ocular; aparte van los
párpados enchapados y las
LA ESCULTURA CLASICA: EL ESTILO SEVERO (480-450 pestañas.
A.C.) En atención a la fisonomía hay
que señalar también la facilidad
El estilo severo es, ante todo, una postura artística genuinamente del escultor para mezclar
griega, con precedentes griegos y con desarrollo dentro de Grecia. A detalles ideales con otros
diferencia de la situación artística originada en época arcaica, más difusa realistas. En este sentido, los
y desperdigada por las islas del Egeo y por las colonias del pies del auriga, con su dura
Mediterráneo, el estilo severo es unitario y cohesionado, se centra en estructura ósea, deformidades,
Grecia y se interesa por una temática consustancial al pensamiento venas y tendones
griego que es la figura humana. En atención a los rasgos externos se minuciosamente observados y
puede decir que el estilo severo es ritmo pausado, grave compostura y reproducidos, son una lección
modelado cuidadísimo. de realismo como el arte griego
La producción característica de este estilo es la estatua de bronce, no volvió a dar con tal
dos de cuyos ejemplares más conocidos y representativos nos han intensidad hasta el Helenismo.
llegado en bastante buen estado:
-"El auriga de Delfos": Original de 1'80 que conserva los ojos. Formaba
parte de un grupo. Lo que más sorprende en esta obra es su enorme

-"El Poseidón del cabo Artemision": es otro original ejemplar en la LA DECORACION ESCULTORICA DEL TEMPLO DE ZEUS EN OLIMPIA
técnica de fundición del bronce (ver explicación), dados el dinamismo y
la fluidez del entorno de la figura, en la que se advierte la oposición Sin duda es el ejemplo más monumental de esta época (h.470-460
entre rasgos esenciales, típica del estilo severo. Así, por ejemplo, al a.C.). Los dos grandes frontones han conservado la mayor parte de su
ritmo deslizante y a la cadencia circular se contrapone la solidez del decoración que, junto con las metopas, constituyen el mayor complejo
torso. conocido de estilo severo llegado hasta nuestros días. Algunas de sus
El modelado consigue generalizar la impresión de vigor corporal a base características son:
de musculatura, tendones y venas plenas de vitalidad, y pormenoriza la
descripción del peinado y de la barba. - estilo unitario
Como toda la estatuaria clásica y, aún más, la del estilo severo, el - gran plasticidad en el tratamiento de los paños
Poseidón responde a la norma estricta de la frontalidad. A ella se adapta - paso adelante hacia un realismo sin paliativos, pues el estudio
el motivo de lanzamiento del tridente, acción que combina el equilibrio anatómico no rehuye la crudeza de las venas hinchadas bajo la
de la composición con la tensión que precede al movimiento impetuoso. epidermis, de los tendones abultados, de las arrugas y la carne
fláccida de los viejos.
- en la composición de los frontones, por primera vez, la forma
triangular parece venir determinada por las características de las
figuras (y no al contrario).
- la composición se basa en la verticalidad tectónica de las figuras
que ocupan la sección central, desde la que el movimiento se
desplaza hacia los lados, hacia el exterior. Este impulso se ve
compensado por otro contrario, dado que las figuras de los
extremos dirigen la vista y actúan hacia el centro. Una muestra
más del equilibrio buscado por el estilo severo.
Otros bronces representativos del estilo severo son:

-"Apolo de Piombino" : 1,15 m. (primer tercio S. V) y "Zeus": (h.490
a.C.)

MIRON
La transición del estilo severo a la época clásica plena o madura está
representada por Mirón, gran escultor y broncista de enorme prestigio.
Las fuentes le recuerdan por la diversidad de su obra, por su empeño en
reproducir la realidad y por la preocupación por la simetría, al tiempo
que le censuran el desinterés por reflejar las emociones y la obsesión
por los detalles superficiales.
Su obra más famosa y, quizá más innovadora, tanto en lo que afecta
al movimiento como a la composición, es el célebre:
-"Discóbolo": representa un avance originalísimo y decisivo en el estudio

del movimiento violento, de la tensión muscular consiguiente y de la
integración de la figura en el espacio. No obstante debe quedar clara la
fidelidad de Mirón al planteamiento básico de la escultura clásica -
frontalidad del punto de vista principal- y su esfuerzo por variar y
enriquecer la composición, enmarcada en este caso por un amplio arco,
dentro del cual se cruzan y contraponen diversas líneas. El modelado -
musculatura plana- es típico del estilo severo.

fuentes. Era ateniense e hijo de Carmides, y parece ser que se formó

LA ESCULTURA CLÁSICA: ÉPOCLA CLÁSICA PLENA (450- con Hageladas. Desplegó una intensa actividad, gozó de gran notoriedad
420 A.C.). LOS GRANDES MAESTROS DEL SIGLO V: FIDIAS y de la amistad de Pericles, y creó una escuela floreciente de escultores
Y POLICLETO cuya influencia excedía las fronteras del Ática. El conocimiento de su
obra permite saber, además, que era un artista en permanente
FIDIAS (490-430 a.C.) evolución y con una sensibilidad y tacto especiales para expresar los
aspectos más sublimes y profundos con tanta belleza como naturalidad.
La leyenda, el tiempo, su propia grandeza, han convertido a Fidias
en una entelequia. El personaje de Fidias creado por Plutarco (46-120 Escultor e "imaginero" son profesiones distintas, aunque
d.C.) en la biografía de Pericles responde a la mentalidad típica de un compatibles. Ambos persiguen en sus obras la belleza; pero, mientras el
escritor del S. I d.C. formado en la escuela platónica, más interesado en escultor se queda en la cáscara estética, el imaginero debe, además,
provocar la devoción del fiel. En este sentido, se habla de Fidias como el
el "exemplum" y en el cuadro ético que en la transmisión de hechos
reales. Plutarco ve en Pericles al gran mecenas y en Fidias al amigo y primer imaginero del arte clásico y occidental. Sus creaciones divinas
colaborador en el desarrollo de los numerosos proyectos de la época. ofrecen las características de la imagen devota: hermosura de rostro,
honesto ademán y gallarda postura. Transmitió al panteón olímpico el
La autoridad e influencia de Plutarco hicieron que su obra fuera la
fuente primordial de información sobre Fidias cuando Europa quedó "nous", que su contemporáneo, el filósofo Anaxágoras, definió como
embelesada ante las maravillosas esculturas del Partenón, trasladadas a "espíritu". Los griegos así lo entendieron, y también los romanos. El
retórico Quintiliano advirtió: "Su
Londres en 1811. A partir de entonces, progresivamente, tomó cuerpo la
idea de que Fidias había sido el supervisor o director general de los belleza añadió algo a la religión
monumentos construidos durante el gobierno de Pericles, muy tradicional, al aplicar la majestad
especialmente del Partenón. que conviene al dios
La investigación incesante sobre la obra de Fidias ha dejado en claro representado en ella". La Iglesia
varias cosas a lo largo de años: Católica mostró idéntica
admiración, acudiendo a Fidias
1ª.-Que es imposible para un solo hombre, ni siquiera para un cuando cristianizó los modelos
taller, esculpir las distintas series escultóricas del Partenón - paganos y convirtió a Zeus en el
metopas, frisos y frontones- en el tiempo que duraron los Padre Eterno, a Apolo en Cristo,
trabajos. a Palas Atenea en la Virgen María
2ª.-Que durante ese tiempo Fidias está dedicado a la Atenea y a Hermes, el mensajero de los
Partenos y, posteriormente, al Zeus de Olimpia. dioses, en el Arcángel San
3ª.-Que mientras más directamente se busca la mano de Fidias Gabriel.
en el Partenón, más parece evadirse.
4ª.-Que su influencia, no obstante, es evidente y constatada por Las tres célebres estatuas de
las fuentes literarias y arqueológicas. Atenea creadas por Fidias
representan otras tantas etapas
Las fuentes atribuyeron a Fidias 15 obras (ningún original nos ha en su obra:
llegado), de las cuales la Atenea Partenos y el Zeus de Olimpia son las
que le reportaron mayor fama. -"Atenea Promachos", es decir,
Son muy pocos los datos personales del maestro recogidos en las una Atenea armada en calidad de

protectora del combate. Las fuentes nos informan que era un bronce Partenon, puesto que las inusitadas
gigantesco de 15 metros de altura y la sitúan en la Acrópolis de Atenas. dimensiones de la estatua
Ecos y resonancias del original se detectan en versiones y replicas, pero condicionaron la estructura y la forma
la obra que mejor documenta el espíritu de una creación temprana de de la cella. La posición preeminente
Fidias, anterior al 450 a.C., es una copia del Museo del Prado, la llamada que ocupa esta escultura en la obra de
"Atenea de Madrid". Fidias no se debe sólo al colosalismo
(11 o 12 m. de altura) y a la rareza de
-"Atenea Lemnia", consagrada en la los materiales utilizados (oro y marfil),
Acrópolis de Atenas h.450 a.C.. sino que viene determinada por la
También en bronce, de 2 m de calidad artística que, a su vez,
altura, que había sido encargada a obedece a un sentido nuevo, más
Fidias por los colonos que partían evolucionado en la forma de
para la isla de Lemnos. Esta obra fue representación.
conocida en la antigüedad como la La Partenos lleva el peplo abierto por
"belleza eximia". A diferencia de la un costado con caída de pliegues en
Promachos, la Lemnia presenta a zigzag y ceñido. Sobre el pecho lleva la
Atenea en actitud pacífica, vestida égida, se toca con casco ático, apoya
con peplo abierto por un costado y la mano izquierda en el escudo que la
ceñido con la égida terciada sobre el flanquea y sostiene en la derecha una
pecho y la cabeza descubierta e Niké (la Victoria).
inclinada, fija la mirada en el casco La réplica más valiosa es la "Atenea de
que sostiene la mano derecha. Varvakeion", que mide
El nuevo esquema indica que, hacia mediados de siglo, hay una aproximadamente 1 metro y es copia
evolución que afecta también al estilo, pues la Atenea Lemnia tiene un romana del S. II d.C. Pese a la enorme diferencia de escala, tanto las
ritmo más dinámico que la Promachos. Sin duda alguna, el mayor medidas como la estructura de la composición demuestran que la
atractivo de la obra reside en la cabeza, cuya estructura resalta Partenos sobrepasa a la Lemnia en el grado de tensión, en el ritmo más
admirablemente por medio de la taenia que la ciñe. La forma esférica de dinámico y en la relación con el espacio, como demuestran el
la cabeza y la belleza severa del rostro adquieren toda su fuerza en el movimiento de las piernas, los motivos del plegado,..., aunque el
perfil, a la que contribuye tanto el modelado de las facciones como el síntoma más claro de evolución es la sensación de energía que causa,
tratamiento del peinado a base de mechones pequeños, independientes como si estuviera dispuesta a moverse y actuar. Este rasgo es
y finamente articulados. aportación característica de Fidias que encontramos también en el Zeus
Las novedades introducidas en esta obra afectan también al tratamiento de Olimpia.
de los paños, y, en conjunto, representa un hito en la producción
fidíaca, además de ser el prototipo en el ideal de la belleza femenina Se atribuyen a Fidias otras obras mencionadas por las fuentes y
clásica. reproducidas por las copias, entre las que sobresalen:
-"Apolo Parnopios", cuya mejor copia es el Apolo de Kassel Representa
al dios en todo su esplendor y es obra decisiva para comprender como
-"Atenea Partenos", obra con la cual Fidias alcanza su plenitud. El veían a los dioses los hombres de la época clásica. El Apolo de Kassel es
proyecto tuvo que estar a punto en 448, cuando empiezan las obras del la viva imagen de un ser radiante, bello y lozano.

Si nos atenemos a las fuentes literarias, el aspecto más deslumbrante

del Zeus de Olimpia era el religioso, pues " Fidias había logrado añadir
algo nuevo a la religión tradicional ... cada cual había tenido una idea de
Zeus hasta que Fidias fijó la idea de lo que el dios era".
A finales de los años treinta se fecha:
-"La Amazona", presentada por Fidias al concurso de Efeso. Es la última

de sus obras y la que refleja la evolución final del maestro, tanto en la
valentía y veracidad del motivo -la Amazona cojea porque viene herida
en una pierna-, como en el virtuosismo del modelado de los paños. La
"Amazona Mattei" es la mejor de las copias.
Fidias y la decoración escultórica del Partenón.
Tradicionalmente, a partir del testimonio de Plutarco, se ha

relacionado a Fidias con la decoración escultórica del Partenón, aunque
la relación no es tan automática ni fácil de demostrar. A los argumentos
expuestos anteriormente hay que añadir las diferencias evidentes, no
sólo entre las diversas series escultóricas -metopas, frisos, frontones-
sino dentro de cada una de ellas. Las diferencias no son sólo estilísticas,
es decir, consecuencia de una mano y una técnica, sino también
-"Anacreonte", representa, en cambio, al hombre maduro que disfruta compositivas, o sea, relacionadas con el proyecto. Desde esta
con la vida y se atrae a la juventud con el encanto de su canción y de su perspectiva no hay posibilidad de aceptar normas estrictas impuestas
lira. por Fidias para ser cumplidas a rajatabla, sino que el estudio de la
decoración escultórica del Partenón da a entender que el procedimiento
En los años treinta Fidias sale de Atenas y se dirige a Olimpia para o sistema de trabajo fue siempre el mismo: instrucciones probablemente
trabajar en la estatua de: orales sobre tema y contenido, ejecución e interpretación libres.
Naturalmente, lo único que venía impuesto era el formato. Así pues, el
-"Zeus", destinada a ocupar la cella del templo. De nuevo recurre Fidias selecto y numeroso plantel de escultores empleados en el Partenón
al formato colosal y a la técnica crisoelefantina utilizada en la Partenos. actúa con un margen de libertad. Y aquí radica lo más admirable, pues
Para su estudio hemos de basarnos en las fuentes literarias, en monedas en esa aparente anarquía fraguó un estilo depurado y único.
romanas que lo reproducen de perfil y en copias y versiones parciales de El programa iconográfico muestra a las claras su finalidad: proclamar
algunos temas que lo decoraban. la gloria de Atenea y de Atenas, y puede resumirse así:
La descripción de Pausanias nos dice que "Zeus aparecía sentado en un
trono con el torso desnudo y el manto en torno a las piernas, llevaba la - Metopas:
cabeza coronada de olivo y la mirada, dirigida hacia abajo, le confería o Este: Gigantomaquia
aspecto paternal; y en la mano derecha sostenía una Niké y en la o Oeste: Amazonomaquia
izquierda el cetro rematado por un águila..." o Norte: Iliupersis o destrucción de Troya

o Sur: Centauromaquia
- Friso Jónico:
o Recorre por fuera la parte alta del muro de la cella. A lo
largo de sus cuatro lados se desarrolla la procesión de
las "grandes Panateneas", festividad celebrada en honor
de la diosa cada 4 años, que culminaba con la entrega
del peplo a Atenea.
- Frontones:
o Oriental: Nacimiento de Atenea
o Occidental: Lucha entre Atenea y Poseidón por la
posesión del Ática.
El friso jónico:
Metopas: Hay que destacar la calidad excepcional de la labra, que se aprecia
En la medida de lo que hoy se sabe, se puede decir que las metopas mucho más cuando se piensa que los escultores pusieron en ella toda su
representan el comienzo de los trabajos escultóricos y, en consecuencia, alma a sabiendas de que el friso iría en la zona más alta y peor
son la serie menos cohesionada. Ni siquiera dentro de las de un mismo iluminada del templo. Como el relieve tiene alrededor de 5 cm. de fondo
lado hay una estricta unicidad. No está de más insistir, por un lado, en y resulta más bien plano, los inconvenientes derivados de su ubicación
que eran muchos escultores, algunos con gran prestigio; por otro, en se paliaron y contrarrestaron dando a los bloques de mármol una ligera
que sólo el tema, el formato y la altura del relieve los obligaba. Ahora inclinación hacia afuera por la cara anterior, para que al relieve le llegara
bien, conforme se desarrolla y avanza la labra de las metopas, los la luz desde abajo.
escultores evolucionan hacia un estilo cada vez más afín, que culmina en
el friso. Respecto a la participación de Fidias hay que decir que no pudo
dedicarse mucho a ellas, puesto que él y su taller están por esos años
trabajando en la Atenea Partenos. La solución propuesta, que consiste
en atribuirle las metopas más innovadoras y avanzadas, no es
convincente. La fuerza de Fidias se percibe, pero no se puede concretar.

Por los cuatro lados del friso se representa el cortejo procesional

de las fiestas panatenaicas, es decir, una escena real protagonizada por 1. Diferencias estilísticas atribuibles a la participación de numerosos
la sociedad ateniense y por el pueblo ático, aunque bastante alejada del escultores y, además, al hecho de que unos bloques fueron
"relieve histórico" romano. La procesión arranca del ángulo suroccidental esculpidos a pie de obra y otros tras haber sido colocados en su
y se bifurca en dos direcciones, una por los lados oeste y norte y otra sitio.
por el lado sur, para confluir ambas en el lado este. Los grupos de la 2. Seguramente existieron "paradeigmata", esto es, muestras
procesión se repiten en ambos lados: secciones de jinetes, carros de escultóricas o paradigmas en materiales perecederos que se
apóbatas (participantes en unos juegos de vieja tradición), cortejo a pie conservaron durante algún tiempo en los talleres y contribuyeron a
con thallophoroi (ancianos portadores de ramas), músicos, conductores la compenetración desde el punto de vista del estilo.
de víctimas para el sacrificio... En el lado este se acercan al lugar 3. En puntos distintos del friso se repiten esquemas o composiciones
sagrado las jóvenes atenienses ataviadas con peplos y los más o menos parecidos
representantes jerárquicos, grupo que participa en la ofrenda del peplo 4. A lo largo del proceso de elaboración del friso se crea el canon
ante la cella del templo de Atenea. En el centro contemplan la escena estilístico peculiar y propio de los escultores que trabajan en él. Es el
dioses y héroes desde la esfera olímpica, sin que su presencia resulte llamado "estilo Partenón", caracterizado por:
advertida por los humanos. - Maravillosa plasticidad
- Destreza y fluidez del modelado, que obtiene del mármol
resultados similares a los de un material blando
- Apariencia real de la anatomía...gracia espontánea de los
peinados...y, sobre todo, la contextura de los paños, airosos
y naturales en la caída.
Por lo que se refiere al estilo, las diferencias no son tan grandes

como en las metopas, aunque no dejan de existir. En la organización del
trabajo del friso se advierte la idea de una cohesión lograda a base de
indicaciones orales, de esfuerzo común y de criterios que pueden
resumirse así:

Los frontones:
Pese al tamaño de sus medidas (casi 30 m. de largo, 4 m de altura
máxima, casi 1 m. de profundidad), las esculturas se colocan muy al
borde del frontón y, aunque iban bien sujetas por barras metálicas, la
disposición no deja de sorprender por la osadía y atrevimiento de que
hace gala. Como en todo frontón griego, las figuras son
conceptualmente un relieve, aunque se labran como esculturas de bulto
redondo. Los trabajos escultóricos se prolongaron hasta bien entrados
los años 30 por lo que en los frontones tenemos las manifestaciones
escultóricas más avanzadas de todo el Partenón. La relación directa con
Fidias es tan difícil de probar como en las metopas y en el friso, pero
hay rasgos que la sugieren.

POLICLETO "Doríforo" se basa en la aplicación de módulos aritméticos, como la

altura total determinada por 7 cabezas, y otros geométricos que nos son
Si el ateniense Fidias fue un imaginero de dioses en mármol, oro y desconocidos. El factor numérico juega, por tanto, un papel decisivo en
marfil, en la escuela de Argos, la más famosa del Peloponeso, florece la expresión rítmica de la simetría, aunque ésta también responde a un
hacia mediados del S.V un escultor de atletas o kouros en bronce conocimiento riguroso del cuerpo humano obtenido a base de una
extraordinario: Policleto. Las fuentes de que disponemos valoran sus detallada observación, hecho que explica la importancia de otro principio
obras no sólo por la calidad que atesoran sino por su enorme resonancia rector, la "diarthrosis" o articulación, el engranaje de piezas y miembros
y difusión desde el punto de vista didáctico. Plinio nos dice que la más en el conjunto del cuerpo.
copiada e imitada de ellas era la que representaba a un joven de formas
maduras con una lanza, a la que llamaban "kanon". (Aunque no se ha llegado a ninguna conclusión sobre las proporciones
"Kanon" significa norma, y así se titulaba el libro en el que Policleto del canon, parece ser que la unidad de medida era el dedo. La cabeza
compendió sus ideas y criterios sobre el problema fundamental de la es la séptima parte del cuerpo; el rostro está dividido en tres partes
escultura griega, es decir, la representación de la figura masculina iguales: la frente, la nariz y la distancia de ésta al mentón; el pie es tres
desnuda. El contenido del libro se ha perdido, pero fragmentos y veces la palma de la mano; del pie a la rodilla, seis palmos, de la rodilla
referencias transmitidos demuestran que la mayor inquietud de Policleto al centro del abdomen, seis palmos; el arco torácico y el pliegue de la
y el principio básico al que se atenía era la "simetría", o sea, la relación ingle son arcos de un mismo círculo. La belleza se traduce en belleza y
de las partes entre sí y de proporción).
cada una de ellas con el
todo, en la que radica la Si alineamos al "Doríforo" junto a
fuerza rítmica de las precedentes como el "Aristodikos" y el
figuras. "efebo de Kritios" valoraremos mejor las
innovaciones introducidas, sobre todo en
-"El Doríforo", se suele lo que se refiere al ritmo oscilante, en
repetir, da forma a la forma de "S" del primero, como si una
máxima aspiración de los corriente dinámica fluyera por todo su
escultores griegos, que era cuerpo. La disposición de miembros
la perfecta proporción exigida por el contraposto se expresa con
dentro de un ideal nuevo énfasis, pues pierna de sostén y
naturalista. Efectivamente, brazo caído coinciden en el mismo lado,
Policleto es el último mientras en el otro lo hacen brazo
escultor interesado por el flexionado y pierna exonerada (sin
viejo problema del kouros, soportar peso), retrasada y sin tocar el
y el que consigue dar una suelo mas que con las puntas de los
nueva expresión al dedos del pie. El resultado de este
contraposto, cuestión esquema ofrece un contraste muy
fundamental para enjuiciar armónico entre el flanco derecho cerrado,
su trayectoria artística. que acentúa el giro de la cabeza, y el
Como es sabido, el sistema izquierdo, abierto y con concesiones a la
de proporciones del profundidad. El equilibrio entre los

efectos de carga y descarga del peso del cuerpo es lo que da al Doríforo -"Relieve de Eleusis", en el que las diosas Deméter y Kore inician al
ese dinamismo único que es consecuencia de la tensión y de la placidez. joven Triptólemos en los misterios relacionados con el cultivo del trigo.
La delicadeza de los rasgos, por una parte, y el virtuosismo en el
El influjo de esta obra creada hacia el año 440 a.C. se deja sentir tratamiento de los paños, por otra, resumen las aspiraciones típicas del
muy pronto, pero, poco después, h.430 a.C., se advierte la evolución de momento, en las que se llega a alcanzar tanta calidad, que se configura
Policleto en otra obra maestra: un estilo preciosista y pulcro conocido con el nombre de "estilo bello".
-"El Diadumeno": en ella se mantiene el ritmo alternante, pero se

reducen las proporciones y se da a la composición una forma más -"La Amazona" de Krésilas, que se apoya en un pilar y adopta un juego
cerrada. Comparado con el Doríforo, el Diadumeno se concentra más en de piernas típicamente policlético, mientras la riqueza y belleza de los
la acción, perfectamente definida mediante el recurso de ceñirse la motivos del plegado tienen ascendencia ática y fidíaca, además de
cabeza con una taenia. Por otra parte, el Diadumeno acredita un cambio recoger ya los efectos del estilo bello.
de mentalidad en el maestro, más suavizada y, si se prefiere, más dulce
y espiritual, cambio que se atribuye al influjo ático y fidíaco.
-"La estatua de Pericles" de Krésilas, de la que sólo nos han llegado
-"La Amazona", reproducida por la "Amazona Capitolina" y ganadora del copias de la cabeza, aunque era de cuerpo entero y de bronce. En ella
célebre consurso en competencia con Fidias, Crésilas y Phradmón, está Pericles estaba representado con los atributos propios del estratega:
en perfecta consonancia con su típico ideal viril y es obra de finales de lanza y casco corintio. Las copias romanas de mármol que reproducen la
los años treinta. Herida en el pecho, la amazona se retira con una mano cabeza muestran un retrato ideal, esto es, un conjunto de rasgos que
el chitón de la parte dañada y con la otra se apoya en una lanza, por lo definen un tipo humano, en este caso, el de hombre maduro en el
que el ritmo y la forma de la composición se aproximan a los del apogeo de su vida y facultades. El aspecto primordial de esta obra de
Diadumeno; la única variante es la cabeza, que gira en la dirección de la Krésilas consiste en comprender que en la estatua, y más especialmente
pierna exonerada. La redondez de la cabeza, el tratamiento del pelo y en la cabeza, los contemporáneos y la posteridad debía reconocer la
las proporciones del rostro siguen también al Doríforo y al Diadumeno. obra de Pericles, su ethos, más que los rasgos individuales del político.
Ese es el objetivo básico, aunque no único, del retrato de época clásica.
Considerada en conjunto, la obra de Policleto acredita a un gran
maestro, al que se suele objetar fijación al tema del desnudo ideal. El
gran mérito y el mayor atractivo de su escultura es la elasticidad y la -"Niké" de Paionios de Mende (h.424 a.C.), representada en vuelo, con
perfecta expresión de la potencialidad del movimiento, razón primordial las alas y el manto, hoy perdidos, desplegados a la espalda, henchido
para que la posteridad viera en ella al arquetipo de la plástica griega. este último como una vela por el viento, que le ciñe el peplo al cuerpo y
se lo arrebata por el lado izquierdo. La obra así concebida es una
LA ESCULTURA CLASICA: EPOCA CLASICA PLENA (450- síntesis de motivos y recursos sumamente plásticos entre los que
420 A.C.) destaca la transparencia del peplo y la sutileza de la técnica de paños
LOS DISCIPULOS DE FIDIAS. EL ESTILO BELLO mojados. También habría que destacar de esta obra la plasmación de la
idea del aire por medio de un águila que emerge y cruza hacia la
La influencia del estilo Partenón se deja sentir con intenso vigor derecha.
entre los escultores del último tercio del S. V. Como muestras de
algunas obras tenemos:
-"Afrodita de Fréjus" de Kallímachos, original en bronce, y en la que

Afrodita adopta la posición de las figuras policléticas y lleva un chitón -"Los guerreros de Riace". Aún no pueden alcanzarse posiciones
muy fino, suelto y transparente, a través del que el autor se recrea en el precisas acerca de los
modelado anatómico y sobre el que cae un himation echado sobre el diferentes problemas
brazo izquierdo y por la espalda. La obra hace gala de la exquisitez históricos y estéticos que
característica del "estilo bello". plantean las dos colosales
estatuas. Su estudio es
hoy posible después de
los trabajos de
-"Relieves de la Balaustrada del templo de Atenea Niké", en los que se restauración que les han
advierte el grado de devuelto su calidad
evolución a que había sido original. Ambas estatuas
llevado el estilo Partenón. fueron fundidas según la
La finura y la delicadeza en técnica de la cera perdida,
el modelado de los paños y, pero ciertos detalles se
especialmente en los "paños realizaron aparte: las
mojados", por un lado, y la pestañas son pequeños
libertad de movimiento de fragmentos de cobre
las figuras, por otro, moldeado integrados en la
alcanzan su más alta cara después de su
expresión en la célebre fusión; los labios son de
"Niké atándose la sandalia". bronce puro macizo. A
causa del lugar de su
hallazgo también se
plantea de dónde
procedían las estatuas,
qué representan y cuándo
fueron ejecutadas. Los
análisis del bronce
excluyen una atribución a
época romana. Las dos
estatuas son de estilo
ático, y podrían fecharse
entre 460 y 430 a.C. En
cualquier caso se hace
muy difícil atribuir estas
Conviene mencionar también aquí uno de los descubrimientos obras con certeza a
más importantes del S.XX, efectuado en aguas de Riace (Calabria) en cualquiera de los grandes
1972. Son dos estatuas de bronce que representan a dos hombres artistas documentados de
desnudos en posición frontal y en actitud casi idéntica: la escultura griega.

LA ESCULTURA CLASICA: SEGUNDO CLASICISMO (S.IV) del clasicismo "pleno", pero, con el paso del tiempo y, sobre todo, a
LOS GRANDES MAESTROS DEL SIGLO IV: PRAXITELES, medida que se desarrollaba la guerra del Peloponeso, se fue viendo
ESCOPAS Y LISIPO crecer una cierta sensibilidad común. Si hubiésemos de definir de un
modo sencillo esta nueva mentalidad, diríamos que consistió en LA
Tres nuevas "tendencias" iluminan la plástica griega del siglo IV a.C.: BUSQUEDA DE LO INMEDIATO: Se valora, frente a los grandes
- la "charis" praxiteliana, caracterizada por expresar las ideales, a las teorías estructuradas por la tradición, a los principios
emociones líricas; religiosos y divinos,..., se valora decimos lo que se aprehende más
- el "pathos" de Escopas, que tiende a explotar el estado directamente a través de los sentidos, sin ningún prejuicio intermedio, o
dramático; lo que se siente con mayor intimidad.
- y la fusión que hace de ambas tendencias Lisipo, el último de Quizá los dos conceptos clave -verdaderas bases de lo más creativo del
los clásicos, acuñando un nuevo canon de belleza ideal del arte griego a partir de este momento- son los siguientes:
cuerpo humano. LA PERCEPCION Y REPRESENTACION DE LO QUE SE VE.- Nos
Intentaremos explicar a continuación a qué responden estas hallamos ante el primer intento consciente, por parte del hombre griego,
innovaciones en la plástica griega. de representar lo que se ve, y con la idea de que, caso de considerarse
distintas la apariencia de un objeto y su esencia real, lo que debe
La batalla de Egospótamos constituye el final del acto tercero y representarse es la apariencia. En este sentido, los pintores serán los
último de la guerra del Peloponeso, y marca la derrota definitiva de la que más profundamente se comprometan, inventando (o descubriendo)
flota ateniense. Unos meses después, en abril del año 404 a.C., la dos útiles esenciales:
asamblea ateniense decidió capitular ante Esparta, aceptando todas sus - el sombreado
condiciones. Este acontecimiento tiene un significado de enorme alcance - la perspectiva
y profundidad. Marca todo un hito en la marcha política y económica de
Grecia, con un cambio completo de equilibrios de poder, pues rompe EL ANALISIS DE LOS SENTIMIENTOS Y DE LAS PASIONES.- En
con la preeminencia ática, abre un período de terrible posguerra y, por este sentido no hablamos simplemente del "ethos", el carácter moral de
encima de todo, supone un cambio de rumbo radical en la mentalidad y una persona, esto es, la dignidad del dios, la belicosidad del guerrero, el
la cultura de los griegos, una diferencia de enfoque sin posible vuelta salvajismo del centauro,..., sino también del "pathos", la expresión de
atrás. los sentimientos momentáneos, un campo prácticamente ignorado por el
La guerra, la miseria y los fracasos habían supuesto en el Ática el fin arte griego. Empezará pues a ponerse de relieve el mundo del
de la creencia en muchos principios y valores adquiridos. Se habían sentimiento personal y a valorarse las pasiones del alma.
venido abajo todos los ideales que sustentaron el brillante siglo de
Pericles: Tras la guerra y hasta 380 a.C. aprox. pasará un cuarto de siglo de
postración en toda Grecia, y ésta se mostrará especialmente grave en
- La confianza en los grandes dioses patrios y panhelénicos Atenas, la vieja potencia rectora ahora vencida. Los talleres artísticos del
- El culto a la democracia y a las leyes Ática en estas fechas viven un período de hibernación. En el campo
- El ensalzamiento supremo de todo lo que perteneciese a la escultórico el trabajo se limita a algunas estelas funerarias y pocas
propia ciudad... esculturas de bulto redondo.
Con el tiempo, sin embargo, la reconstrucción nacional da sus
La puesta en duda de los principios consagrados alcanza a todos los primeros frutos. Hartos del predominio espartano y persa, muchas islas
campos y, entre ellos, claro está, al del arte y el pensamiento. Algunas del Egeo se vuelven hacia Atenas y crean con ella una Confederación
mentes venían, ya desde mediados del S. V, minando los fundamentos (377 a.C.) Atenas recupera así su liderazgo político y económico en el

mar, y este liderazgo queda inmediatamente sellado con la destrucción - el intento -aún sólo parcialmente conseguido- de darle a la
de la flota enemiga en Naxos (376 a.C.). criatura formas realmente infantiles, rompiendo con la tradición
que veía a los niños como jóvenes en tamaño reducido
Este rápido vuelco de la situación tiene, en el arte ateniense, un - también es la primera gran composición alegórica de la
efecto inmediato. Es el ambiente mejor preparado para rehacerse y escultura griega, capaz de expresar en el arte público una idea
responder a las demandas de toda Grecia. Los talleres van saliendo de abstracta: la paz es el origen de la riqueza.
su letargo. Una nueva burguesía comerciante se desarrolla al amparo de
la nueva evolución económica y se plantea necesidades de tipo cultural.
Ya no se trata, como en la época de Pericles, de una clase unida por el PRAXITELES
nacionalismo y el culto al estado y a la polis... Poco a poco, junto al arte
pagado con dinero público y a los exvotos puestos en los santuarios, Nace en Atenas con el siglo y extiende su actividad hasta el año 330
empezará a desarrollarse el arte privado, el adorno de jardines, la a.C. Aprendiz de Cefisódoto el viejo, probablemente su padre, viajó con
colección particular, y la sociedad ateniense se interesa por lo íntimo, él por Grecia contrastando conocimientos
por la nueva sensibilidad de lo inmediato y de los sentimientos con otros maestros y escuelas, efectuando
individuales. obras en común, intentando unificar estilos,
aprendiendo todas las novedades y, a la
Acaso quien mejor supo conectar con este mundo emergente fue el vez, se dedica a estudiar las grandes obras
escultor CEFISODOTO EL VIEJO, que recibe el encargo oficial de la del pasado (especialmente a Policleto).
escultura de bronce que conmemoraría la paz firmada entre Atenas y Hacia 365 a.C. lo encontramos en
Esparta (374 o 371 a.C.). Su Atenas
Sus obras de juventud apuntan ya la
-"Irene y Pluto", es decir, la paz como fórmula de su estilo maduro: temas
madre o nodriza de la riqueza, es agradables, llenos de encanto, tratados con
considerado unánimemente la piedra suavidad y reflejados a través de un rítmico
fundacional del segundo clasicismo, y ha contoneo sinuoso, que se ha dado en llamar
llegado hasta nosotros a través de la "curva praxiteliana"; destacan:
copia en mármol del museo de Munich.
Irene, majestuosa, se yergue como una -"Sátiro escanciador", conocido a través
matrona clásica. Actitud y vestido son de múltiples copias. Probablemente sería un
una consciente vuelta a Fidias, pero, por exvoto de los que encargaban los
debajo de esta apariencia, síntoma de la vencedores en concursos teatrales. Este
voluntad política ateniense de volver a sátiro es toda una declaración de principios
las glorias pasadas, el nuevo mundo de Praxíteles: reducido el aspecto
bulle en las partes desnudas de la animalesco del diosecillo a poco más que las
estatua: simples orejas puntiagudas, la figura oscila
- la infinita dulzura de la diosa al dejando limpia la visión de sus dos costados. Para nada oculta, en esta
mirar al niño actitud y en su movimiento, que su punto de arranque se halla en el
- el contacto psicológico del cruce "Diadumeno" de Policleto... Pero Praxíteles es capaz, con la suave
de miradas mirada y con el ondular de las formas, de dar una sensación

absolutamente nueva: el propio gesto de verter el vino desde la jarra de Pero, además, y sobre todo,
la mano derecha a la vasija de la izquierda hace que nuestra mirada había creado algo nuevo en el
ascienda por todo el perfil de la figura hasta el codo y la mano arte helénico: una Afrodita
levantada, para después bajar por la cara hasta la otra mano. En una absolutamente desnuda y, a la
palabra, Praxíteles sugiere la preeminencia de los perfiles y la ligereza vez, el primer ideal de un
de las formas allí donde Policleto afirmaba las masas musculares y su cuerpo femenino basado
estabilidad. precisamente en una anatomía
femenina, y no, como en época
-"Afrodita", que conocemos a de Pericles, en una estructura
través de la llamada "Venus de corpórea de varón.
Arles". Obra en la que, pese a su
actitud algo fría, y a sus telas un
tanto convencionales, aporta un
elemento nuevo que parece
descubrir ahora el maestro: la
desnudez de la diosa en ruptura
completa con la tradición. -"Apolo Sauróctono", de iconografía
difícil de explicar, y de una novedad
En los años en torno al 360 a.C. plástica impresionante. El suave torso,
es donde se sitúan las dos obras por primera vez en la estatuaria griega,
más creativas y novedosas de se desequilibra hasta tal punto que no
Praxíteles: puede sostenerse por sí solo; la
ondulación del cuerpo, estructurada
-"Afrodita de Cnido", obra cuya sabiamente por Policleto, se deshace en
fama atraviesa todo el mundo una bella curva continua, la "curva
antiguo. El asombro que su belleza praxiteliana", que un árbol debe
causó fue tal que, pese a su condición de imagen de culto, se pensó soportar. Y el propio árbol, por lo
enseguida en su contemplación estética: situada en el centro de un demás, añade, con su lagarto, una
templete redondo, los visitantes le daban la vuelta por completo. Sin dimensión nueva a la estatua: Apolo
embargo, se trata de una obra concebida, como todas las de Praxíteles, aparece idealmente inmerso en un
según un punto de visión principal. Contemplada desde él, la diosa se paisaje idílico. Jamás hasta entonces la
inclina un poco hacia delante y hacia un lado, acentuando así el gesto absoluta felicidad divina había sido
de cubrirse al salir de las aguas. plasmada de forma tan directa y
A pesar de que ninguna de las numerosas copias llegadas hasta espontánea.
nosotros le hacen justicia, si nos centramos en algunas de sus cabezas,
y las suponemos barnizadas de cera transparente, 4 con los ojos Con la realización de estas dos obras se puede decir que Praxíteles
finamente coloreados y brillantes hasta obtener un aspecto ensoñador y había logrado cuanto ansiaba su creatividad. Hasta su muerte (antes del
húmedo, podremos imaginar la impresión que tal obra causó, y en qué 330 a.C.?) se limitaría, sencillamente, a explotar sus bien recibidos
consistía la "charis" o gracia que dio fama a Praxíteles. hallazgos. No obstante, queda por mencionar el posible único original

que nos haya quedado del escultor,: ESCOPAS
-"Hermes con Dionisos" o Nacido en la isla de Paros, famosas por sus canteras de mármol,
"Hermes de Olimpia". Hallado Escopas empezaría su carrera artística en Atenas en torno al 370 a.C.,
donde, según Pausanias, se aún dentro de la tradición de los seguidores de Fidias. Sin embargo,
encontraba un Hermes de pronto descubrirá sus verdaderos intereses, volviendo a las obras
Praxíteles, su verdadera maestras de Policleto, -como Praxíteles-, pero distanciándose de la
atribución lleva más de un siglo simpatía de éste y ahondando en los estímulos patéticos, dando origen a
siendo quebradero de cabeza unos individuos atormentados e inflamados de pasión. La obra que
para todos los estudiosos. marca el punto de arranque de su trayectoria es:
Ciertamente, se inclina
buscando la curva praxitélica, -"Heracles", que conocemos como "Heracles Lansdowne". Es, en cuanto
su cara es suave como las de a su actitud y su estructura, una mera variante del "Doríforo", pero lo
Praxíteles, y el grupo se importante es la aparición en ella de un tipo de cabeza que será ya la
estructura como el de "Irene y marca característica del maestro: redonda, con la cara recogida bajo
Pluto"... Pero, por otra parte, una pesada frente, con los ojos profundos, las bocas anhelantes,
su musculatura es más fuerte capaces de expresar cansancio, drama o tensión, "pathos" en una
que las que suele usar palabra. Si el cuerpo se mantiene en sendas tradicionales es porque
Praxíteles, su cabello parece todo el interés se dirige hacia la cabeza.
inacabado, como si esperase -
igual que ciertas estatuas Hacia el 350 a.C. acude a Halicarnaso para cooperar con otros
alejandrinas del S.III a.C.- un artistas en la construcción y decoración del Mausoleo (tumba de
recubrimiento de estuco y pan Mausolo, sátrapa de Caria). A raiz de su obra en Halicarnaso, se
de oro; la frente se abomba convirtió en una de las grandes figuras del arte griego. Enseguida le
sobre los ojos en lo que suele llovieron encargos en Asia Menor, uno de ellos enorme y tentador:
llamarse "barra miguelangelesca", un elemento usado más bien en el
taller de Lisipo; y, desde luego, el manto que cuelga sobre el árbol es -"Reconstrucción del Templo de Atenea en Tegea". Escopas había de
tan realista que resulta chocante pensar en Praxíteles. dirigir tanto la obra arquitectónica como la realización de los frontones y
¿Es una obra tardía de Praxíteles en la que éste asume con entusiasmo de las acróteras. Los frontones de Tegea debieron suponer, para la
todo tipo de novedades? ; ¿una escultura del S.II a.C. inspirada en el creatividad de nuestro artista, una verdadera liberación. Por fin podía
arte de Praxíteles y nacida en un ambiente neoclásico?; ¿una obra dar rienda suelta a su gusto por los rostros apasionados, a su sentido
realizada por la escuela de Praxíteles ya bien comenzado el S.III a.C.?. dramático de la mitología. Se trataba de reflejar en apretados grupos
En cualquier caso, lo que sí parece seguro, es que la Iglesia Católica se dos escenas llenas de tensión. Apenas nos quedan unos fragmentos que
apropiará de ella cristianizándolo en San Cristóbal. hacen difícil cualquier reconstrucción; pero, por lo menos, las cabezas
conservadas son de un patetismo brutal, realzado incluso por una talla
sin pulir. Desde luego, este acabado imperfecto se justificaba por la
lejanía del espectador, pero también tenía algo de rasgo estilístico, de
entusiasmo por lo inmediato.

El pathos alcanzado por Escopas, solución magistral al problema de

la expresión psíquica, recibía adhesión general, de ahí que nuestro autor -"Photos", o amor por lo ausente, bella composición que cobra carácter
siguiese explotando sus logros y analizando variantes: ascensional por la intensidad de la mirada
-"Meleagro"
Escopas muere h.330 a.C.
-"Ménade furiosa", retratada

en plena orgía, con un cabrito
muerto sobre los hombros, retorcida bajo el efecto de la locura báquica.

- también notamos que la cabeza cobra movimiento, al inclinarse

LISIPO hacia la izquierda sobre un cuello torcido hacia la derecha
- y que, además, las proporciones del cuerpo se han alargado,
Según nos relatan las leyendas llegadas hasta nosotros, que tienden sumando un total de ocho cabezas
a considerar a Lisipo como la cumbre hacia la que se había ido - La consecuencia es obvia: el cuerpo entero del Agias vibra y
encaminando la estatuaria griega en su progreso, este autor de Sicione, parece aligerarse, incluso con sus dos talones pegados al suelo.
en el Peloponeso, tomó como punto de partida para su estética de Y todo esto se acentúa, como en Scopas, dándole importancia a
broncista dos principios: la cara a través de unos ojos profundos, un tanto soñadores.
- la naturaleza
- el Doríforo de su "compatriota" Policleto Hacia el 335 a.C. parece que realiza su segunda obra maestra:
-"Eros de Tespias". En este caso lo que se plantea es, por una parte,
Las primeras obras de las que el análisis de la anatomía infantil directamente basado en la realidad, y,
conservamos copias fidedignas por otra, una postura compleja. En
parecen ser todas ellas posteriores ella, acaso lo más interesante es el
al 350 a.C.: paso de un brazo por delante del
torso: algo que sólo en muy raras
-"Agias", es la más antigua y una ocasiones se había hecho antes y
de las más elocuentes. Se trata que se enfrentaba de lleno con un
del retrato ideal de un atleta y principio clásico indiscutible: el del
magnate de Tesalia que había culto a la musculatura del torso.
vivido en el S.V a.C. La conocemos
por una copia en mármol del Es por estas fechas cuando
mismo S.IV a.C. El Agias se nos Lisipo empieza a recibir encargos
presenta, decididamente, como de Alejandro Magno. Durante unos
una obra de Policleto cinco años todo su taller se pondrá
transformada. Y no deja de ser casi exclusivamente al servicio del
significativo como, al igual que monarca macedonio, y se
Praxíteles y Escopas, Lisipo es esculpirán las obras más variadas,
capaz de darle a los modelos del desde la estatuilla del "Heracles
viejo maestro un planteamiento Epitrapecios", destinada a adornar
nuevo y personal, acorde a sus la mesa del rey, hasta la serie de
propios intereses. En su estatua retratos oficiales. Entre estos
advertimos, por debajo de la últimos cabe mencionar sobre todo
estructura geométrica de los el "Alejandro con lanza", alabado en varios poemas y conservado en
músculos, cómo se rompe el juego unas pequeñas copias del Louvre. El conquistador aparece en él en
de pesos y contrapesos: actitud heroica y desnudo por completo.
- el atleta se apoya en su pierna derecha, pero su brazo activo es Lisipo debió retirarse de nuevo a Grecia (desde Egipto?), y durante el
también el derecho, que debía doblarse y sostener una palma, y cuarto de siglo que aún viviría desarrolló una actividad febril, siempre en
no el izquierdo, como exigiría el canon de Policleto busca de novedades. Una de ellas, sin duda, fue explotar el género del

grupo estatuario de carácter escenográfico.

Otra, de mayor interés, está representada en su obra:
-"Apoxiomeno" . Obra básica

para explicar la conquista de la
tercera dimensión parta las
estatuas, para iniciar la realización
de esculturas que no tengan un
punto de vista esencial, sino que
inviten a darles la vuelta. En el
Apoxiomeno, la idea de lanzar
hacia adelante los brazos del atleta
vencedor que se limpia el sudor y
polvo de la ejercicio con el estrígil,
brazos que sólo pueden verse si se
gira en torno a la estatua,
constituye una absoluta novedad, y
abre unas posibilidades enormes
para el futuro.
La lista de obras podría

prolongarse mucho más: habría
que citar el "Heracles en reposo",
conocido sobre todo por la copia -
de músculos exagerados- llamada
"Hercules Farnesio"; En esta
obra Lisipo hace que su héroe avance un pie y esconda su mano tras la
espalda para invitarnos a rodearla.
Sería imposible señalar todo lo que puede adscribirse al arte de
Lisipo; baste decir que, tras su paso por Grecia, el arte quedaría liberado
de casi todas sus trabas clásicas, y abierto a múltiples posibilidades
antes inconcebibles.

EL PERIODO HELENISTICO de estos programas será la presencia de varias plantas en los edificios,
con columnas gigantes y órdenes superpuestos, reservando el jónico
El 13 de junio del año 323 a.C. moría Alejandro Magno en para el primer piso y el corintio para el segundo. Roma se aprovechará
Babilonia, víctima de la malaria. Contaba 32 años, era el príncipe más de tan fecundas innovaciones artísticas.
poderoso del mundo antiguo y los sacerdotes egipcios lo habían
reconocido como el hijo de Zeus. A falta de un heredero indiscutible, los Con todo, las grandes creaciones del arte helenístico pertenecen
principales generales del ejército se disputan sus estados, que al campo de la escultura. Se ofrecen soluciones satisfactorias en el
fragmentan en monarquías hereditarias de origen divino: los Antigónidas orden técnico e iconográfico. Las estatuas pierden el punto de vista
en Macedonia, los Atálidas en Pérgamo, los Nicoménidas en Bitinia, los frontal en favor de su visibilidad desde todos los ángulos, con el
Seléucidas en Siria y los Ptolomeos en Egipto. Todos estos reinos propósito de que puedan erigirse en el centro de una plaza y el
terminaron por convertirse en provincias romanas. El período observador las contemple desde cualquier perspectiva. Se resuelve
comprendido entre la muerte del héroe macedónico y el año 30 a.C., en también el problema de la torsión del cuerpo, con figuras girando en
que Augusto concluye la anexión del país de los faraones, va a recibir el espiral, y surgen grupos complejos, integrados por varios personajes. El
nombre de "período helenístico". repertorio iconográfico se amplia y la nómina de dioses es compatible
A lo largo de tres siglos asistimos a una nueva civilización, con individuos de toda condición social, desde el príncipe al esclavo, en
donde se conjugan elementos griegos y orientales, convirtiéndose el arte un proceso artístico de secularización; se cultivan las tres edades de la
en factor de unión. vida: la ternura de la infancia, la plenitud de la madurez, y las carnes
Las cortes de los reyes y los ricos ciudadanos ofrecen un decrépitas del anciano; los modelos pueden ser griegos o extranjeros,
mecenazgo que produce una gran variedad de obras. Surge un vestidos o desnudos; se exploran las emociones y sentimientos, triunfa
eclecticismo en el que caben todas las tendencias, desde una mímesis la alegoría, etc...
del más puro clasicismo hasta la exageración y el lujo más abigarrados;
desde la definición estricta de los órdenes hasta una monumentalidad
gigantesca de escalas orientales. Los principales centros artísticos,
además de Atenas, son Pérgamo, Rodas y Alejandría.
Los principales órganos del helenismo van a ser las ciudades,

que fundan los nuevos soberanos como plataforma de sus florecientes
cortes. Son éstas vastas metrópolis que ostentan el glorioso nombre de
su fundador, como Alejandría, en Egipto, y Antioquía en Siria. Su
urbanismo suele ser reticular, con calles trazadas en ángulo recto,
divididas en manzanas regulares, como un tablero de ajedrez, siguiendo
los dictámenes que impuso el urbanista Hypodamos de Mileto en el
puerto griego del Pireo. En medio se alza el "ágora": una espaciosa
plaza con pórticos o "stoas". Los gobernantes sembraron las poblaciones
con majestuosos edificios de carácter privado, público y religioso:
palacios, mausoleos, mercados, bibliotecas, teatros, gimnasios y
santuarios. Las ciudades costeras remodelan la zona portuaria, erigiendo
monumentos que se convirtieron en "maravillas del mundo", como el
"Coloso de Rodas" y el "Faro de Alejandría". Característica arquitectónica

PÉRGAMO, actual Bergama (Turquía), fue durante los siglos III

y II a.C. una de las ciudades más prósperas del mundo helenístico, y en
ella va a surgir quizás la más importante de todas las escuelas
helenísticas. En el año 279 a.C. numerosas tribus celtas –gálatas- se
lanzaron sobre los ricos puertos griegos para saquearlos. Contra ellos
sabrá levantarse un pequeño y nuevo reino: el de Pérgamo, que se
convertirá en lo que fue Atenas a principios del S. V a.C. cuando
defendió a toda Grecia de la invasión de los persas.
Sin duda, las creaciones más famosas de esta escuela se
desarrollan con la llegada al poder de Atalo I (241-197 a.C.), quien se
encargó de ensalzar las victorias militares de manera sumamente
original; en lugar de esculpir gobernantes y generales coronados por
Victorias aladas o montados en carros (que no desaparecieron del todo),
representaron a los enemigos derrotados. La importancia de la victoria
era proporcional a la fuerza y la ferocidad de los vencidos. Estas
esculturas eran exvotos que llenaron el santuario de Atenea de la Existen otras obras
capital, pero también la que denotan una sensibilidad
Acrópolis de Atenas, donde la y estilo semejantes, como el
diosa protectora de Pérgamo “Conjunto de Marsias y el
tenía su hogar. escita”, donde nos
Los escultores de la encontramos de nuevo con el
escuela de Pérgamo, imitada análisis de una raza no
en todo el mundo helenístico, griega, un asiático
crearon un estilo peculiar procedente del sur de Rusia.
basado en estructuras de tipo Y lo que es más interesante,
piramidal, variados puntos de en la figura del propio
vista, estudiadas Marsias, con un estudio
combinaciones de realismo y anatómico llamado a tener
un dramatismo en unas una proyección gigantesca en
ocasiones teatral y, en otras, el arte europeo: es la
contenido. primera vez que se analiza
Las dos obras más una musculatura de un cuerpo colgado de las manos.
destacadas que se han
conservado de esta época El sucesor de Atalo I, Eumenes II (197-159 a.C.) siguió luchando
son las estatuas de mármol contra los gálatas y encargando exvotos con sus figuras, pero no se
conocidas como "Gálata conformó con eso. Con él, Pérgamo acrecentó su poder y se convirtió en
herido”" y el "Gálata un verdadero conjunto monumental, del que sobresale:
moribundo". -"El Altar de Zeus", un gigantesco podio macizo –de unos 7
metros de alto- con una amplia escalera para salvar el desnivel,

decorado con un friso en su parte exterior en el que a lo largo de más

de 120 metros se relataba mediante altorrelieve la Gigantomaquia, es
decir, la encarnizada lucha entre dioses y gigantes, versión mitológica
del triunfo de los reyes de Pérgamo sobre la barbarie de los celtas
invasores. Característico de este relieve es la confusión de telas, formas
animales y musculaturas humanas, el grandioso ritmo de todo el
conjunto,..., Un ambiente donde las caras viven la tensión y el anhelo
hasta mucho más allá de lo que Escopas concibiera, donde el sol brilla
sobre las superficies, donde cualquier calidad -tela, piel, escamas- recibe
un tratamiento individualizado y convincente.
Además de los grupos

encontramos esculturas donde el realismo
se recrea, como en la magnífica muestra
de anatomía de la ancianidad que es la
"Vieja borracha".

Además de Pérgamo, en el Egeo existe durante el período mojados"; la vibración del aire marino se siente en toda la superficie,
helenístico otra gran zona de importancia artística con centro en el creando remolinos y
activo puerto de RODAS. La ciudad, orgullosa de su carácter sacudiendo las propias
monumental, y con ella los acaudalados comerciantes que la plumas de las alas. Todo
gobernaban, estaban deseosos de hacer fuentes y monumentos ello se completaba, para
públicos, templos y también adornos para los jardines y pórticos de sus acrecentar aún más el
mansiones. Y es precisamente en este contexto decorativo donde efecto teatral de la obra,
debemos situar dos de las obras maestras del realismo helenístico: con un entorno
-"Fauno Barberini": se nos presenta fornido, durmiendo plácidamente ambientador: colocada
su borrachera. Tiene la cara de un recio campesino, estudiada con el sobre su nave, la figura
mismo afán que por entonces se analizaban los celtas en la vecina aparecía en un templete,
Pérgamo, y el análisis anatómico, igual que en la serie de los galos, como metida en una
conserva un recuerdo de las proporciones ideales del clasicismo; pero el hornacina y destacando
desenfado de la actitud sobre un fondo oscuro; y
con el cuerpo yaciendo en delante de ella, al pie de la
desorden sobre la roca, proa, se abría un estanque
descuidado de toda del que surgían rocas y por
estructura que lo el que corrían cascadas de
sostenga, es algo mucho agua. Magnífica fusión de
más libre que la estricta escultura y naturaleza que
forma piramidal de difícilmente hallaremos en
Pérgamo. el arte griego anterior.
Otras obras dignas de mención:

-"Niño de la Oca": carnes realistas y
blandas de niño; tema intrascendente.
-"La Victoria de Samotracia": de estructura ondulante, ascendente;

sus finísimas telas pegadas por el viento al cuerpo, crean un efecto que
supera incluso en fuerza y en realismo la técnica clásica de "paños

También de la Escuela de Rodas es uno de los mejores ejemplos Alejandría, la más cosmopolita y bulliciosa de las ciudades por
escultóricos del barroquismo helenístico: “Laocoonte y sus hijos”. Un las que Egipto se asoma al Mediterráneo es, tal vez, el mayor de los
grupo escultórico lleno de dramatismo, que explora en las emociones centros artísticos del mundo. Apasionada por el mundo de lo real y
humanas y la expresividad de rostros y cuerpos, cargado también de cotidiano, su producción es grande y variada. Una de las obras más
desequilibrio compositivo y movimiento. El idealismo clásico, con sus representativas es la "Alegoría del río Nilo".
paradigmáticas expresiones de equilibrio y serenidad, dejaba paso al Desde los realistas retratos regios de Ptolomeo IV y su esposa
realismo y a las expresiones atormentadas. Arsinoe III, pasando por los temas cotidianos representando en
terracota, piedra o bronce toda una galería de tipos populares:
-"El negrito del Cabinet des Médailles", con su ondulante caminar
-"La danzarina Baker", cubierta de telas que se tensan a medida que
ejecuta sus giros
Hasta desarrollar en mármol personificaciones de ideas
abstractas, como la "Alegoría del Río Nilo", definido como un anciano
recostado que porta el cuerno de la abundancia y los símbolos de las
tierras que sus aguas fertilizan.
También son características de esta

época las tanagras, pequeñas esculturas
de terracota que alcanzan una gran
difusión.

La Escuela de ATENAS destacó desde siempre por los avances

en el retrato, desarrollándose una verdadera fiebre por representar a los
grandes intelectuales de la Hélade: Sófocles, Aristóteles, Menandro,
Demóstenes, etc
-"Venus de Milo", quizás la

obra más famosa del
neoaticismo. Constituye una
magistral adaptación de una
obra atribuida a veces a
Lisipo, "La Afrodita de Capua".
Lo principal de esta escultura
es el modo en que el artista
Pero además, desde mediados del siglo II a.C., cuando Roma logró dar un movimiento
comienza a dominar el Mediterráneo oriental doblegando a los reinos y a ondulante del cuerpo, dando
las ciudades helénicas, y convirtiéndose la aristocracia romana en cliente vida y vibración al elegante y
ávido de todo lo griego, se inaugura una corriente de nostalgia por el frío esquema del S. IV a.C.
pasado (Neoaticismo), que, con copias del período clásico y otras obras,
inunda las villas de los ricos coleccionistas en un conglomerado ecléctico
y decorativo.
De entre las innumerables obras neoáticas podemos destacar:
-"Hermaphroditus nobilis", que debe ser el conocido Hermafrodita

desnudo y yaciente llegado hasta nosotros en varias copias. En él se
plantea un problema nuevo: un cuerpo relajado e inconsciente destinado
a ser visto desde arriba.

-"Espinario o Niño de la Espina", Fuera del campo del retrato, existe un renovado gusto por lo
cuyo eclecticismo es tal que logra dar expresivo, por lo barroco en suma. Lo que se intenta es reintroducir
aspecto clásico a un esquema realista de formas realistas en estructuras potentes y, en muchos casos, exagerar
hacia 200 a.C., añadirle una cabeza tanto estas estructuras como el análisis anatómico,..., musculaturas
inspirada en las de principio del S. V a.C. forzadas,...
y hasta hacernos olvidar que los bucles Con todos estos elementos lo que se obtiene es un lenguaje de
del cabello cuelgan en sentido horizontal efecto abrumador, que entra por los ojos desde la primera mirada, y por
hacia la espalda. ello muy apropiado a grandes conjuntos de aspecto monumental,
magníficamente decorativos. Las figuras, casi siempre agitadas, recibirán
formas abiertas, como queriendo abarcar el aire que las rodea, y
Pese a su enorme éxito entre la atraerán inmediatamente el entusiasmo o la compasión de quien las
clientela romana, lo cierto es que el contemple. Es lo que se conoce como "MONUMENTALISMO
neoaticismo dejaba pocas posibilidades a BARROCO". Obras representativas de este estilo, además del ya visto
un artista creador. Por ello no hay que “Grupo Laocoonte”, son:
extrañarse de la supervivencia, sobre
todo en el Egeo oriental, pero también
en otros lugares, de las CORRIENTES -"Suplicio
REALISTAS. de Dirce o
Precisamente, a mediados del S. II a.C., suele fijarse una de las Toro
obras máximas de este estilo: Farnesio"
-"El jinete niño". Se ignora el taller del que pudo salir tal maravilla de
dinamismo, pero resulta difícil de olvidar este pequeño que, pese a su
aspecto enjuto y feúcho, aparece dramáticamente engrandecido por su
propio entusiasmo, por su vitalidad intensa y por la tensión crispada de
su cara.

-"Pugil de las Termas"
-"Torso de Belvedere"

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