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El arte y la arquitectura en la prehistoria
Se les llama arte prehistórico a las distintas
manifestaciones ornamentales, y religiosas elaboradas por
el ser humano durante la era de la prehistoria. En esta categoría
entran las pinturas rupestres del cuaternario como también el arte
paleolítico o las construcciones megalíticas.
El arte prehistórico es una categoría muy amplia, en conde
se pueden encontrar manifestaciones plásticas y visuales de
distintos tipos y procedencia. En sus distintas acepciones fue
consecuencia de la expansión y diversificación de la especie
humana a lo largo del planeta, dando origen así a culturas y
civilizaciones muy distintas.
El arte prehistórico es sumamente diverso y contiene no
sólo dibujos y tallas que buscaban representar la vida real, sino
también utensilios, construcciones y artefactos con fines
funerarios, por ejemplo. Sus características tienden a ser:
-Todo tallado en madera, sílex, hueso o piedra, o pintado
en esta última mediante polvo de hemetita y otros pigmentos
similares.
-Presenta siempre un profundo significado religioso, ya que
lo místico o mitológico era un componente fundamental de
relación del ser humano con la realidad circundante.

-Tiende siempre a la abstracción, la estilización, el
simbolismo y el esquematismo, alejándose de las pretensiones
realistas.
-En el caso del arte rupestre, se hallaba en las paredes
externas o superficiales de las cuevas y representa escenas de
caza o símbolos indescifrables.
La arquitectura prehistórica se refiere a las construcciones
primitivas de las que se tiene conocimiento y vestigios de su
existencia. A la arquitectura prehistórica se le puede dividir en tres
periodos: paleolítico, mesolítico y neolítico. Cuando el hombre era
nómada, sus refugios eran temporales y móviles. Esto se debe a
que eran grupos centrados en la caza y la recolección, por lo que
no pasaban mucho tiempo en un solo lugar. Se aprovechaban
refugios naturales, como cuevas o grutas, y los campamentos se
construían con materiales ligeros, como huesos y pieles. A este
periodo se le conoce como paleolítico.
Arte paleolítico: El más antiguo y primitivo de todos,
consiste en su mayoría en pinturas y relieves realizados con las
manos o con instrumentos de piedra, mediante técnicas
rudimentarias o empleando pigmentos extraídos de minerales
molidos. Sus dos tendencias son:
Arte parietal: La decoración de las paredes con formas
artísticas que representaban escenas de cacería

representaciones humanas o signos, mediante pigmentos en la
pared rocosa. Estas son las llamadas pinturas rupestres.
Arte mobilar: Relieves y pequeñas esculturas, en su
mayoría figurillas antropomórficas, como las distintas “venus”,
mujeres desnudas y talladas en piedra, con proporciones muy
exageradas de senos y caderas respecto al resto del cuerpo.
Arte mesolítico: El arte de este período representa una
transición entre las formas antiguas del Paleolítico y las nuevas
del Neolítico.
Arte neolítico: Durante la llamada Revolución Neolítica, en
que la humanidad abandonó la vida errante en favor de la
sedentaria, el arte prehistórico da un vuelco, apareciendo así
nuevos materiales que se iban descubriendo con las nuevas
técnicas sedentarias, como la cerámica, fruto del horneado.
El diseño de las viviendas solía ser muy elemental (dos
paredes y un techo). Eran hechas de piedra, sin ningún tipo de
mortero, y sólo eran apoyadas unas sobre otras. Este tipo de
construcción se llama megalíticas. Se dieron durante todo el
periodo neolítico y principios de la Edad de Cobre. Durante la
Edad de Cobre y después, se hicieron construcciones
ciclópeas. También eran construcciones sencillas de piedra, pero
a menor escala y se utilizaban morteros sencillos de arcilla para
hacer muros.
En la mayoría de las obras de arquitectura no hay un punto
en el que toda la estructura se pueda comprender a simple vista.
El análisis de los tipos de construcción ofrece una visión de
diferentes culturas y de épocas. Estos estilos a menudo reflejan
las necesidades de un modo de vida específico. Cada uno de los
grandes estilos ha sido empujado por el descubrimiento de
nuevos métodos de construcción. Una vez desarrollado, un
método sobrevive tenazmente, dando paso sólo cuando los
cambios sociales o nuevas técnicas de construcción lo han
reducido. Ese proceso evolutivo es ejemplificado por la historia de
la arquitectura moderna, que se desarrolló a partir de los primeros
usos del hierro y el acero estructural a mediados del siglo 19.
Bibliografía:
https://mexicodesign.com/las-caracteristicas-de-la-
arquitectura-prehistorica/
https://concepto.de/arte-prehistorico/
https://www.arkiplus.com/evolucion-de-la-arquitectura
Elementos de arte icónicos de la prehistoria
Arquitectura
Propios del final del Neolítico, hace unos 5.000 años, los
dólmenes son un tipo de monumento funerario megalítico. Suelen
estar formados por enormes losas de piedra verticales que
sostienen una horizontal a modo de techo, que recibe el nombre
de losa de cobertura. La mayoría de estos monumentos son
tumbas colectivas donde se enterraba a los difuntos de los
poblados vecinos junto a un discreto ajuar funerario.
Dolmen
La edificación de un dolmen constituía una obra titánica,
pues precisaba la participación de cientos de hombres durante
mucho tiempo. Cada losa podía llegar a pesar 100 toneladas, que
en unas ocasiones se extraían de una cantera vecina y en otras,
eran transportadas desde lugares muy lejanos.
El arqueólogo australiano V. Gordon Childe reforzaba esta
hipótesis en su último libro The Prehistory of European Society,

donde sostiene que la construcción de los enormes mausoleos
fue llevada a cabo por míticos misioneros megalíticos, miembros
de algunas de las primeras tribus egeas del Mediterráneo oriental,
quienes divulgaron una fe religiosa conocida por pertenecer a los
cultos de Gea, Gaya o Gaia, la diosa madre, diosa de la tierra.
Los Dólmenes son de gran interés y admiración para
millones de personas en todo el mundo y es una de las
construcciones arquitectónicas con más emblemáticas.
Pintura
Es la pintura de hace muchos años (35.000 años
aproximadamente). La pintura prehistórica también la llaman
Pintura Rupestre o Arte Rupestre, porque se pinta
mayoritariamente en rocas dentro de cavernas.
Los hombres primitivos empezaron a dibujar hace miles de
años, incluso antes de que empezaran a escribir o a construir
casas. Nuestros antepasados creían que las pinturas tenían
poderes fantásticos, y tal vez las hacían con algún propósito
religioso o mágico.
Estas pinturas se han preservado porque fueron hechas
dentro de cavernas o cuevas.
La Cueva de Altamira tiene las pinturas prehistóricas más
conocidas de la península y de Europa.

Se encuentran en lo alto de una colina de Santillana del
Mar (Cantabria). La cueva es pequeña y en la prehistoria se
utilizaba por los cazadores recolectores. Las pinturas de la
prehistoria eran sobre todo de:
-Representación de animales, sobre todo caballos y
bisontes, y en menor cantidad, ciervos, leones, mamuts y toros.
-Signos, aunque se desconoce su significado.
-Y la figura humana, ya sea masculina o femenina, o
combinada con formas animales.
Los colores utilizados fueron el negro y las tonalidades
rojizas, ocres, violáceas, que son las más fáciles de obtener en la
naturaleza.
Escultura
Venus de Willendorf, 25.000 a. C. Es una de las obras más
importantes del Paleolítico, es considerada una obra

paradigmática entre las numerosas venus paleolíticas halladas
por los arqueólogos. Sin duda una de las manifestaciones más
esclarecedoras de la cultura prehistórica
Es una escultura de bulto redondo, tallada en piedra
caliza. Las herramientas empleadas como la técnica, es bastante
rudimentaria. Responde a las características del arte mobilar del
Paleolítico Superior.
Tiene mezclas entre el naturalismo y el idealismo. Aunque,
se encuentra más cerca de la representación de una idea, más
que de una representación del natural. Se advierte, que el artista
esconde el rostro tras un peinado trenzado o quizá una malla, lo
que nos transmite la representación de una idea.
Por otro lado, se da una abstracción consciente, al
representar con menos esmero las extremidades, como los
brazos, casi imperceptibles o los pies, al tiempo que se representa
de forma exagerada los atributos sexuales.

El arte y la arquitectura en la antigua Mesopotamia
Durante el transcurso del presente se estará desarrollando
el tema sobre el arte y la arquitectura en la antigua Mesopotamia,
y se muestra cómo se desarrolla el arte en este periodo y la
manera en la que se empleaba la arquitectura dentro de la
sociedad.
La arquitectura mesopotámica que ha llegado a nosotros
es escasa debido a la pobreza de sus materiales. Se hicieron
grandes construcciones, pero nunca llegaron a tener el carácter
monumental de Egipto. Los mesopotámicos se interesaban por la
vida terrenal y no por la de los muertos. Las principales
construcciones más emblemáticas eran templos y palacios.
Es razonable que todos los detalles que envuelvan
determinada cultura serán de influencia para su desarrollo
artístico, así como los materiales y el clima en tanto a la ejecución
de la arquitectura, así como la sociedad en sí misma para el resto
de las manifestaciones artísticas. De tal manera que las que
consideramos principales son las siguientes:
-Uno de los roles más importantes que se presentaban
ante el Estado era la religión. En este sentido las edificaciones se
fundamentaban a partir de la religión, así como el desarrollo de
esculturas, las cuales tenían una función espiritual.

-Era de preocupación para ellos las constantes guerras. De
tal manera que el arte mesopotámico se dedicó, en gran medida,
a glorificar aquellas victorias militares.
-El entorno natural fue de gran influencia para el desarrollo
de sus obras artísticas. Al carecer de algunos materiales tales
como la madera y la piedra, entre otras, quedan ausente
completamente, siendo el ladrillo el más empleado. Este se
generaba a partir de la mezcla realizada a partir del lodo arcilloso,
cuyo material, por ser de menor duración, es poco lo que aún
queda de esta cultura.
Asimismo, cada una de sus manifestaciones artísticas
desarrolladas posee sus propias características según los factores
aquí descritos, cuya función particular radicaba en cultos
religiosos, o para la documentación de determinados hechos
especialmente en torno a las guerras.
Los mesopotámicos utilizaron el asfalto como material de
construcción hace 5000 años y fueron así los primeros en utilizar
el petróleo. Los sumerios usaron mortero bituminoso. En Ur, los
ladrillos de barro se unían con el asfalto. La pegajosa sustancia
negra ayudó a preservar estructuras como el zigurat de Ur. El
alquitrán fue uno de los primeros usos de los campos de petróleo
del sur de Irak.
La madera y la piedra no fueron utilizadas en la
arquitectura mesopotámica antigua. Gracias al suelo arcilloso y

fangoso, construyeron sus casas con adobe. Más tarde,
inventaron el ladrillo, que luego lo sometieron a diferentes
procesos como la cocción, el esmaltado y el glaseado.
En las estructuras mesopotámicas utilizan la madera de
palma para los techos. Por lo que las habitaciones suelen ser
alargadas, cubiertas de madera.
La piedra es poco utilizada, debido a su escasez, se
reducirá a ejemplos muy pequeños. El material de mayor uso es
el ladrillo de adobe y arcilla, en el que se incrustan pequeñas
teselas en forma de cono para dar mayor resistencia al ladrillo.
También se decora de forma característica.
La pintura de Mesopotamia fue generada particularmente
como parte de la arquitectura para embellecerla, aunque sean
pocas las que hasta ahora hayan sobrevivido; esto debido a los
materiales empleados de no mucha perdurabilidad. Algunas
principales características son las siguientes:
-La finalidad era expresamente decorativa, no solo para
generar mayor belleza al conjunto arquitectónico en sí mismo,
sino incluso a diversas piezas de cerámica.
-Los temas pictóricos más desarrollados eran relacionados
al culto de las divinidades, así como temas de la conquista. De
igual manera se representaban tanto personas como animales y
monstruos, e incluso figuras geométricas.

La producción escultórica en el arte mesopotámico tiene
dos formas básicas de expresión: la escultura exenta o de bulto y
el relieve. Ambos presentan coincidencias formales y temáticas
que otorgan una cierta unidad a todo el amplio repertorio
escultórico, que se prolonga a lo largo del tiempo y del espacio en
el territorio mesopotámico.
La escultura sumeria se realizó en piedra caliza o en
alabastro, y sus principales producciones fueron de esculturas de
bulto redondo y de relieves.
Trata temas y escenas de la realidad cotidiana, lo que
ayuda a la hora de aprender acerca de determinadas
características de su cultura (vestimenta, tradiciones, etc…
El sumerio se representa como
una figura de aspecto rechoncho, de
cabeza rapada, sin cuello, con grandes
ojos y nariz curva y marcada. Aparecen
vestidos con el “kaunakes”, un manto o
falda de piel de oveja, a veces con la
parte lana hacia fuera, representada con
bucles o escamas, otras con la parte de
la piel con unos flecos.
La postura de perfil con el ojo de frente recuerda al arte
egipcio. La boca sonríe un poco. La postura de los pies y brazos
es hierática, así como la composición de las escenas, realizada

de forma lineal. Las representaciones destacan sobre un fondo
liso, sin paisajes.
La arquitectura mesopotámica del zigurat era una
construcción de origen sumerio mesopotámico. El zigurat,
consistía en una torre piramidal y escalonada de base cuadrada
con una terraza y muros inclinados que terminaba en un santuario
o templo.
En la parte superior, se accedía a través de una serie de
rampas. Era un edificio adosado al templo, en ellas se hacían las
ofrendas y se consideraba la residencia de los dioses. Los reyes
se encargaban de su cuidado y restauración.
Muchos templos fueron abandonados con el paso del
tiempo y sus restos se reutilizaban para otras construcciones. La
importancia que tuvieron en su época puede reflejarse en el texto
sagrado de la Biblia.
En cuanto a las casas, en los escritos antiguos hay chozas
construidas con cañas. Las cañas dobladas funcionan como
columnas que sirven de base para atar otras cañas rectas. Es una
estructura con bóvedas que se cubre con esteras de caña o barro.
Este tipo de esquema de la arquitectura mesopotámica, a pesar
de ser prehistórica, continuó siendo utilizada por las tribus árabes
nómadas.
Las casas colmena, eran de adobe o piedra. Son casas
compuestas por dos cuerpos; uno principal circular o cónico al
que se añade un segundo cuadrado inferior.
Debido a las características del país, existen muy pocas
muestras de ello. No obstante, se puede apreciar que tienen la
misma temática y técnica que utilizan en los relieves, sin
perspectiva. Al igual que los mosaicos (más perdurables) tienen
un fin decorativo.
En la
pintura y los
grabados, la
jerarquía se
mostraba de
acuerdo al tamaño de las personas representadas en la obra: los

de más alto rango se mostraban más grandes a comparación con
el resto.
Finalmente, el arte que se implementó en Mesopotamia
creo una nueva y maravillosa forma de expresar el arte con
bocetos nuevos e ideas dominantes. Dentro de la arquitectura se
expresa una nueva forma de decorar y hacer que algunos
materiales que no se utilizaban, se utilizaran de manera dinámica
dentro de los diseños y aunque lo utilizaron por escases, esto
pudo contribuir a la sociedad en la forma en la que vivían.
Bibliografía
https://www.arteespana.com/arquitecturamesopotamica.htm
https://redhistoria.com/principales-caracteristicas-del-arte-
mesopotamico/#:~:text=El%20arte%20Mesopot%C3%A1mico%20
se%20caracteriz%C3%B3,destacadas%20como%20las%20ya%2
0mencionadas
https://www.decorarconarte.com/cont-culturales/paginas-
de-historia-del-arte/arte-en-mesopotamia/
https://www.fenarq.com/2020/04/arquitectura-
mesopotamica.html
https://domusapientiae.wordpress.com/2010/09/24/mesopot
amia-escultura-pintura-y-arquitectura/
Elementos de arte icónicos de antigua Mesopotamia
El arte Mesopotámico se caracterizó, en gran medida, por
el desarrollo arquitectónico a partir de cuatro monumentos
principales: los templos, el palacio, las murallas y las tumbas;
aunque también existieron viviendas, no fueron estas tan
destacadas como las ya mencionadas.
Como ya hemos mencionado, al encontrarse Mesopotamia
con la ausencia de materiales tales como el metal, la madera o
grandes piedras, el material empleado para sus edificaciones se
basaba el uso de los ladrillos de barro secados al sol, así como el
barro blanco.
Escultura
En cuando a escultura unas de las más representativas son
los orantes. Estas fueron realizadas con diversos materiales,
especialmente piedras. Este nombre se le da debido a la posición
que adoptan con las manos a modo de oración, así como algunas
ofrendas que traían en ellas.

La particularidad de ellas es que poseen una expresividad
característica en sus rostros, en especial la mirada penetrante y
con ojos grandes y redondeados.
En estas pequeñas esculturas el propósito principal no era
la imitación de la naturaleza. Las figuras están representadas
frontalmente y las partes del cuerpo son perfectamente simétricas.
Los rostros no tienen expresión, ojos muy grandes y en ocasiones
con pupilas dilatadas, deben comunicar la contemplación absoluta
hacia la divinidad.
En cuanto a los hombros, los brazos y los pies están muy
simplificados. En total las formas parecen muy rígidas y con
geometrías perfectas.
Pintura
Hay muy pocos ejemplos conservados de pintura
mesopotámica. La policromía de estatuas y relieves se ha perdido
en su mayor parte; mientras que los frescos no son tan
abundantes como en la pintura egipcia y aparecen solo de
manera excepcional.
León en la puerta de Ishtar

El mosaico proviene de la cerámica considerando que por
medio de éste se solían representar figuras o imágenes a partir de
pequeñas piezas de cerámica (aunque también se empleaba, en
menor medida, el vidrio, la piedra y otros), cuyos colores y
tamaños variaban según la combinación de su conjunto en sí
mismo.
Arquitectura
El Zigurat de Ur fue un templo ejecutado en honor a la
diosa Nanna (o diosa de la luna). En la actualidad el estado de
conservación en el que se encuentra es, en gran medida, casi
impecable, aunque haya perdido algunos de sus niveles
superiores.
Zigurat de Ur
El zigurat era el templo más importante en Mesopotamia, al
que solo podían acceder el rey y los sacerdotes más poderosos.
Las ruinas de este zigurat se encuentran en la ciudad de Ur,
actual Irak.
Era una pirámide que servía para conectar idealmente el
mundo terrenal con las deidades celestiales como una escalera
que conduce al cielo. El ziqqurat era el centro religioso, pero
también el corazón económico de la ciudad. Contenía almacenes
para suministros de alimentos, tiendas, laboratorios y muchas
otras habitaciones destinadas a sacerdotes y dignatarios de la
corte.
El mejor conservado es el de Ur, que en su conjunto debió
alcanzar los 25 m de altura. Consistía en tres terrazas
escalonadas, cada vez más estrechas a medida que avanzaba
hacia arriba, conectadas entre sí por grandes tramos de
escaleras.
Para la construcción del ziqqurat no se utilizó piedra (muy
escasa en la región), sino ladrillos de arcilla secados al sol y luego
soldados con betún.

El arte y la arquitectura del antiguo Egipto
Arte desarrollado en el valle del Nilo, habitado desde el
Paleolítico. Se desarrolló por la civilización del Egipto Antiguo
desde el año 5000 a. C. hasta el 300 d. C.
Su arte, fundamentado en la religión y en sus ideas sobre
la vida de ultratumba, en el carácter divino y sagrado del faraón;
se caracteriza por el colosalismo y monumentalismo de su
arquitectura, por la frontalidad de sus esculturas y por la
preponderancia del elemento lineal en su pintura.
La arquitectura se proyecta pensando en la eternidad,
como una especie de prolongación de la vida en la tierra, donde el
Ka (réplica inmaterial del cuerpo) puede seguir disfrutando del
ambiente terreno. De estas premisas derivan acciones como
construir en sus tumbas habitaciones para guardar todos los
bienes, ornamentos y dones que contribuyan a alegrar la vida
futura y la momificación.
Las formas estatuarias están subordinadas a la
arquitectura, son funerarias, sólidas y duraderas; se guían por
algunos convencionalismos no rígidos. Su temática se refiere al
mundo funerario y a la vida cotidiana.
Las pinturas suelen decorar las paredes de tumbas,
cámaras mortuorias y sarcófagos, tienden al realismo y la
frontalidad y presentan contornos marcados. Se elaboraron con
colores minerales aplicados a la cola sobre paredes de yeso

blanco; abundan en ellas los colores planos, obedecen a los
cánones del relieve y las figuras están situadas en franjas
consecutivas.
La escultura egipcia tuvo gran importancia no solo por su
carácter decorativo, sino por su relación con las ideas religiosas
de ultratumba de los egipcios. Practicaron tanto la escultura
exenta o de bulto redondo, como el relieve; Es una técnica
escultórica que se trabaja en una superficie plana limitada, puede
ser de papel, madera, piedra, etc.
-Bajorrelieve: Creación de figuras que emergen
mínimamente de su plano.
Bajo relieve del Museo

de Pérgamo
-Huecorrelieve: Son relieves donde las formas se hunden
en la superficie que sirve de soporte. Relieve en la entrada del
IES G.A. Bécquer de Sevilla. Se observan tres figuras femeninas,
una de ellas esta trabajada en hueco.
Mediorrelieve: Esta entre el bajorrelieve y el altorrelieve.

Relieve de la Santa Cueva de Cádiz
-Altorrelieve: Las figuras salen bastante del muro, no
podemos verlas desde atrás, aunque si desde los laterales.
Guerrero del arte ibero

Osuna
-Medio bulto: Las figuras están
esculpidas por completo, o en una
reducción mínima, pero se adosan al muro
donde se quiere colocar, sin posibilidad de
ser rodeadas por completo, lo que quiere
decir que están pensadas para que tengan
un único punto de vista.
Catedral de Sevilla Puerta de la Asunción

Las principales características de la escultura egipcia son la
utilización de la piedra, la ley de la frontalidad, la visión rectilínea,
el canon (18 puños) y su idealismo. Estas características ponen
de manifiesto la finalidad de la ejecución de las esculturas: su
perdurabilidad en el tiempo, puesto que a menudo su objetivo es
alojar el alma tras la muerte del cuerpo, lo que es especialmente
importante en el caso de las esculturas exentas.
Se trata de figuras que se representan
con rasgos idealizados, rígidas, estáticas (sin
movimiento), con los brazos pegados al cuerpo
(ley de la frontalidad). Intentaban dar una
sensación de majestuosidad. También hay
abundancia de esculturas de dioses y
animales divinizados.
Mikerinos y su esposa
Abundan las figurillas que representan escenas de la vida
cotidiana (trabajos agrícolas, soldados, sirvientes, artesanos,
etc.).
La arquitectura religiosa egipcia se caracteriza por su
monumentalidad a partir del Imperio Antiguo, con el empleo de
piedra, en grandes bloques, sistema constructivo adintelado y
sólidas columnas. En la arquitectura civil se empleó profusamente
el adobe en viviendas, palacios, fortalezas y murallas, perdurando
escasos restos.
Los materiales de construcción más comunes que se
utilizaron en la arquitectura egipcia antigua eran ladrillos y piedras
de barro cocidos al sol. La piedra caliza fue la forma principal de
piedra utilizada en la arquitectura, aunque la piedra arenisca y el
granito también se utilizaron con frecuencia. Con el tiempo, la
piedra se usó casi exclusivamente para templos y tumbas,
mientras que las casas e incluso los palacios se construyeron con
ladrillos.
La característica principal de la arquitectura egipcia antigua
fue la notable ausencia de madera en las estructuras. Esto se
debía a que Egipto era una tierra seca y no era posible encontrar
abundante madera para usar en la construcción, por lo que se
usaron otros materiales como el ladrillo de barro cocido al sol y la
piedra caliza. Se construyeron casas comunes a partir de lodo
extraído del río Nilo.
La antigua arquitectura egipcia de grandes monumentos
religiosos y templos también tiene algunas características
comunes, por ejemplo, tenían paredes gruesas e inclinadas con
solo unas pocas aberturas.

Se utilizaron enormes bloques de piedra para construir
techos planos de templos y estos estaban sostenidos por grandes
vigas y columnas. La arquitectura estaba bastante avanzada con
respecto a las normas y técnicas de construcción utilizadas en
ese momento. Algunas de sus principales características son que:
-Predomina la dimensión horizontal, sobre todo en los
templos; las ventanas son muy escasas, los muros son
extraordinariamente gruesos, emplean el talud (Parámetro
inclinado) a fin de conseguir mayor estabilidad y las molduras son
muy escasas.
-Las columnas representan el elemento sustentante de los
templos y al principio se utilizó la columna “Protodorico” de fuste
cuadrado con un simple ábaco por capitel y un sencillo disco sin
moldura como base. Los capiteles se inspiran y son la estilización
de motivos florales del país: papiros, lotos y palmares.
-En el imperio antiguo (2700-2200 a. C) se comienza a
erigir enormes edificaciones, construidas con grandes bloques de
piedra tallada. Esta es la época de la construcción de inmensas
pirámides, templos ceremoniales y esculturas.
Pirámide de Menkaura
Se desarrolló el demótico. Las lenguas fueron el demótico y
el arameo, usándose los jeroglíficos solo en elementos de
arquitectura.
Esto ocurrió en el Periodo Tardío (672-332 a. C).
Dominación greco-romana (332-30 a. C.): Los egipcios fueron
gobernados en algunos periodos por reyes de otras naciones,
pero mantuvieron su cultura y tradiciones hasta la denominación
romana.
Durante el ptolemaico se produjo un desarrollo del arte, se
construyeron nuevos templos, el museo y la Biblioteca de
Alejandría.
Templo de Jnum en Esna
La pintura repite los convencionalismos del relieve en
cuanto a la representación de la figura y del escenario que le sirve
Templo de Jnum en Esna de fondo. Es un arte que por su
carácter menos permanente que el relieve tiene menos
importancia que él. Desempeña, sin embargo, papel importante

en los relieves mismos, pues éstos, por su escasa proyección y su
policromía, semejan verdaderas pinturas.
Los tonos son planos, sin matices ni gradaciones, y de
carácter convencional y decorativo, no respondiendo los
pigmentos a la naturaleza. El dibujo en esta pintura plana, que no
busca perspectiva, es perfecto, de una gran seguridad de trazo.
Para ayudarse se sirvieron del procedimiento de la cuadriculación
de la superficie. De esta manera, un modelo en escala pequeña
podía ser reproducido en gran tamaño.
La pintura se utilizaba para decorar las paredes de templos
y tumbas, así como para ilustrar papiros. Una técnica muy
empleada fue la del fresco. Representaba símbolos religiosos y
escenas de la vida cotidiana.
Campesinos trillando el trigo
Escenas agrícolas
Una de sus características es la ausencia de la perspectiva
y el empleo de colores planos, sin degradar o difuminar. Por otra
parte, los hombres se representaban con piel más oscura que las
mujeres. La pintura del imperio antiguo representaba la vida
cotidiana y la naturaleza.
En el imperio medio narraban por medio de jeroglíficos y
contenían el retrato del difunto en la zona de la cabeza.
Las pinturas murales decorativas en el imperio nuevo,
consistían en relatos mitológicos del libro de los muertos y
escenas de la vida cotidiana, sobre todo, las que hubieran de
servir para manutención, entretenimiento y solaz del difunto en la
otra vida, según los egipcios.
Bibliografía:
https://masdearte.com/movimientos/arte-egipcio/
https://www.ecured.cu/Arte_del_Antiguo_Egipto
https://www.lanubeartistica.es/Volumen/Unidad1/VO1_U1_
T4_Contenidos_v04/11_el_relieve.html
http://www.claseshistoria.com/bilingue/1eso/egypt/art-
sculpture-esp.html
https://www.ecured.cu/Arte_del_Antiguo_Egipto#Pinturas_y
_bajorrelieves
https://www.arquitecturapura.com/arquitectura/egipcia-
11121/
http://www.claseshistoria.com/bilingue/1eso/egypt/art-
painting-esp.html
http://historiarrc.blogspot.com/2013/06/caracteristicas-de-la-
pintura-egipcia.html
https://www.ecured.cu/Pintura_egipcia
Elementos de arte iconicos del antiguo egipto
Pintura
Se destaca por la yuxtaposición de las figuras
representadas. Sin dejar de considerar la jerarquía entre las
figuras. Se empleaba la técnica del canon de perfil en el que
destacaba el cuerpo entero exceptuando sus rostros y hombros,
los cuales se encontraban mirando al frente. La pintura en el Arte
Egipcio tenía un fin simbólico, funerario y religioso. La pintura en
el Antiguo Egipto tuvo un gran desarrollo y fue un precedente de
la pintura al fresco o témpera.
Ésta, empleada particularmente como parte decorativa
tanto de tumbas como de templos, e incluso como parte ilustrativa
de los papitos. Cuyas temáticas más representadas variaban
entre las figuras de dioses, como su uso simbólico para ritos.
Igual se han podido ver escenas funerarias, de la vida
cotidiana, aspectos de la naturaleza, como vegetales o animales,
lotos, palmeras, papiro, peces, aves, hipopótamo, en fin, diversas
representaciones que nos ayudan a conocer cómo era la flora y la
fauna de esa nación.

El friso de las Ocas de Medium
El friso de las Ocas de Meidum, a primera vista, parece una
imagen naturalista, es en realidad una obra de composición
estricta. El friso muestra ya las características que se mantendrán
en el arte egipcio en los siglos posteriores: estilización,
idealización y representación en perfil. Las seis aves no corren
simplemente una detrás de otra, sino que están ordenadas de
forma simétrica.
El fondo consta de una capa clara de estuco, extendido
sobre un grueso revoco de adobe. Los colores al temple que se
emplean para la pintura se extraían de materiales minerales
naturales: el negro, del carbón, el azul y el verde de malaquita; el
rojo y el amarillo de tierra ocre
Se diluían en agua y se fijaban con una emulsión de cola y
albúmina. La mancha de rosa oscuro que aparece en el pecho de
los gansos se hacía con una sutil mezcla de colores primarios
negro y rojo.
Escultura
Fueron diversos los materiales empleados para el
desarrollo de la escultura egipcia, tales como el bronce, el marfil,
la madera, y la piedra principalmente. Gracias a ello es que se ha
podido conservar en el tiempo muchos de sus ejemplares.
Su grandiosidad está en la destreza generada por los
artistas para el nivel tan alto de perfeccionamiento en sus detalles
compositivos, a pesar de la dureza de estos materiales.
Algunas de las principales representaciones realizadas
fueron de faraones y dioses. A pesar de ello, al desarrollarse la
llamada Cuarta Dinastía el desarrollo artístico se transformó,
mostrando aires más elegantes, siendo la representación de
muchos personajes con mucha más majestuosidad.
Busto de Nefertiti. 1345 a. C... Museo Egipcio De Berlín
El busto de Nefertiti mide 50 centímetros de alto y pesa
unos 20 kilogramos. Está hecho de un núcleo de piedra caliza
cubierto con capas de estuco pintado. La cara es completamente
simétrica y casi intacta, pero el ojo izquierdo carece de la
incrustación presente en el derecho.

La pupila del ojo derecho es de cuarzo insertado con
pintura negra y se fija con cera de abejas. El fondo de la cuenca
del ojo es de piedra caliza sin adornos. Nefertiti usa su
característica corona azul conocida como la ¨Corona de gorra de
Nefertiti¨ con una banda a modo de diadema dorada enrollada
como cintas horizontales y uniéndose en la parte posterior, y un
Ureo (cobra) sobre su frente, que ahora está roto. Ella también
usa un collar ancho con un patrón floral. Las orejas también se
han dañado.
Se desconoce la función exacta del busto, aunque se cree
que el busto pudo haber sido el modelo del escultor para ser
utilizado como base para otros retratos oficiales, conservados en
el taller del artista.
Cuando se descubrió el busto por primera vez, no había
ningún pedazo de cuarzo que representara el iris del globo ocular
izquierdo, como en el otro ojo, y no se encontró ninguno a pesar
de una búsqueda intensiva y una recompensa significativa de
1000 libras esterlinas por información sobre su paradero.
El ojo perdido llevó a especular que Nefertiti pudo haber
sufrido una infección oftálmica y, de hecho, perdió su ojo
izquierdo, aunque la presencia de un iris en otras estatuas de ella
contradecía esta posibilidad.

Arquitectura
La arquitectura egipcia es fundamental porque a ella se
vinculan la escultura y la pintura. Siendo, como gran parte de su
obra, monumental debido a la grandeza de sus estructuras.
Esta grandeza se debía a sus extraordinarios
conocimientos matemáticos y técnicos, de tal manera que tanto
los arquitectos como los artesanos en general, eran personas muy
organizadas.
La finalidad de sus monumentos era, en gran medida,
religiosa, aunque también existieron edificaciones civiles en la que
emplearon en uso de adobe para las viviendas, así como
palacios, fortalezas y murallas.
Sin embargo, los materiales radicaban primordialmente en
enormes bloques de piedra bajo un sistema adintelado de
construcción con columnas muy robustas que, gracias a ello,
perduraron en el tiempo. En un primer momento se usaron la
madera, el adobe y el ladrillo, pero dejan de usarse como material
principal ya en el Imperio Antiguo.
Las viviendas no dejan de ser menos importantes,
especialmente por la distribución bien pensada. Se constituía por
diversos domicilios rodeados de un salón con luz cenital y
columnas. Todas ellas contenían bodegas subterráneas, así como
terrazas y un jardín al fondo.

El Speos es un templo de funerario, tallado en la roca,
siguiendo el tipo de hipogeo.
Los más sobresalientes son
los de la época de Ramsés II
en Abu Simbel, compuestos
de grandes estatuas al exterior
y una gran sala con pilares, el
santuario y la cripta.
Speos de Ramsés II en Abu Simbel
Para llegar a entender este tipo de arquitectura, es
importante entender también la relación de los egipcios con sus
muertos. Según sus creencias, el cuerpo era una parte esencial,
debía conservarse para asegurar la vida del fallecido en el “más
allá”; esto explica el surgimiento de las momificaciones.
El templo de Luxor
El templo está compuesto por diferentes edificios que se
añadieron en diferentes períodos por orden de diferentes
faraones. La construcción fue ordenada por Amenofis III, pero
principalmente se construyó durante las dinastías de Amenhotep
III y Ramsés II (sí, el mismo que Abu Simbel).
Se dedicó al dios Amón-Ra, considerado el dios del cielo,
del sol y del origen de la vida.

El edificio, uno de los mejores conservados del Nuevo
Imperio egipcio, aún mantiene numerosas estructuras. Además
del gran pilono, el visitante puede también atravesar dos grandes
peristilos y la columnata
monumental que enlaza
estos dos patios. El
santuario propiamente
dicho, residencia del Amón
de Opet, al igual que las
salas que conservan una
gran parte de sus baldosas.

Templo de Luxor
La pirámide de Jafra se encuentra a una altura de 448 pies
con una longitud de base de 706 pies. Este monumento histórico
también se conoce como la Pirámide de Kefrén. Alberga la tumba
del faraón Khafre de la cuarta dinastía, que gobernó entre 2558-
2532 a. C.
La pirámide de Khafre se encuentra al suroeste de la gran
pirámide de Keops. Aparece como parte de la necrópolis de Giza
situada en la meseta de Giza en el Gran Cairo, Egipto.
Por lo tanto, Khafre se encuentra junto con la Gran
Pirámide de Giza, la pirámide de Menkaure, junto con sus
complejos piramidales asociados. La ubicación de la estructura

está aproximadamente a 9 km al oeste del río Nilo y a unos 13 km
al suroeste del centro de El Cairo.
La pirámide de Khafre se asienta sobre un lecho de roca
que se encuentra 10 m más alto que la pirámide de Keops.
Contiene bloques de piedra caliza que pesan alrededor de 2
toneladas cada uno.
La pirámide de Khafre capta instantáneamente la atención
del turista. La estructura tiene una pendiente pronunciada con un
ángulo de 53 ° 13 ′, lo que la hace más vertical que la pirámide de
Keops. Es porque, aparte de todas las pirámides, Khafre sigue
siendo la mejor conservada.

Arte y arquitectura de la Grecia clásica
El período de la antigua Grecia se extiende,
aproximadamente, desde 1200 a.E.C hasta el año 146 a.E.C, por
lo que en este prolongado espacio de tiempo surgieron nociones
estéticas que se debían cumplir en la edificación de cualquier
edificio. Antes de las eras arcaica y clásica (siglos VII y IV a.E.C.),
lo que importaba era la enormidad de las construcciones, sin
embargo, posteriormente, surgió un conjunto de principios de
equilibrio, proporción y medida que se conocieron como órdenes,
de los cuales existieron tres, a saber: el orden dórico, el orden
jónico y el orden corintio.
La cultura desarrollada por los antiguos griegos establece
los fundamentos de la cultura occidental. De este, surgieron los
conceptos y principios del arte, la filosofía y el saber posterior. El
arte griego se inicia de manera autónoma al final de la civilización
micénica, cerca del 1100 a. C.
El arte más antiguo de los griegos es generalmente
excluido del arte de la Antigua Grecia, y en su lugar se conoce
como arte griego neolítico seguido por el arte egeo; este último
incluye el arte cicládico y el arte de las culturas minoica y
micénica de la Edad del Bronce griega. El arte de la antigua
Grecia se divide generalmente estilísticamente en cuatro
períodos: el geométrico, el arcaico, el clásico y el helenístico.

La arquitectura griega es adintelada, no
utilizó el arco ni la bóveda. Empleó como
elemento sustentante la columna, y como
material de construcción la piedra caliza
(mármol) pintada en diferentes colores. Con el
paso del tiempo esos colores han
desaparecido casi completamente.
A pesar de que construyeron edificios de diverso tipo
(teatros, estadios, hipódromos, Templo griego, bibliotecas, etc.), el
edificio más representativo fue el templo, cuya principal función
era albergar la estatua de la divinidad. Los fieles no tenían acceso
al interior de edificio, de ahí que los templos griegos fuesen de
menor tamaño que los egipcios.
Los templos griegos tenían planta rectangular, poseían dos
o tres estancias, una de las cuales, la "naos", albergaba la estatua
del dios o la diosa. Podían estar rodeados de columnas o tenerlas
tan solo en la fachada principal.
Los elementos arquitectónicos fundamentales eran las
columnas. Éstas rodeaban el edificio y sustentaban el
entablamento, constituido por tres unidades:
el arquitrabe (que servía de dintel), el friso,
dispuesto sobre el arquitrabe y
frecuentemente decorado con relieves, y
finalmente, la cornisa.
El frontón es una sección triangular decorada con
esculturas. Las columnas se componían
de varios elementos: basa, fuste y
capitel.
Los griegos valoraban especialmente la proporción y la
armonía en sus edificios. Según el tipo de columna y la relación
entre los elementos arquitectónicos, pueden distinguirse tres tipos
de órdenes o estilos: el dórico (el más antiguo y sobrio), el jónico y
el corintio (el más moderno y decorado).
Los órdenes griegos fueron asimilados por los romanos y
muy utilizados en la arquitectura renacentista. Todavía ejercen
una notable influencia en los edificios actuales.

El ejemplo más destacado de edificio clásico es el
Partenón, templo de orden dórico que se construyó en la acrópolis
de Atenas en el siglo V. Estuvo dedicado a la diosa Atenea,
protectora de la ciudad. En su interior había una enorme escultura
de la misma que medía 11 metros de altura.
El estilo dórico se prefirió en la Grecia continental y en las
colonias occidentales de Sicilia y el sur de Italia, conocidas juntas
como Magna Grecia. Se caracteriza por la columna dórica: no
tiene base, con ranuras que se tocan en un borde afilado, en la
parte superior con un capitel simple, que consiste en una
almohada redonda con un perfil convexo curvo y una placa
cuadrada (ábaco).
El entablamento descansa sobre el capitel y está
compuesto por tres elementos horizontales: arquitrabe, friso y
cornisa. Uno de los rasgos más característicos del orden dórico es
su friso con triglifos y metopas. Los triglifos son baldosas
rectangulares construidas
verticales sobre cada
columna y cada
antecolumna. Las metopas
son paneles cuadrados
entre triglifos, por lo
general ricamente
decorados.
El estilo jónico se desarrolló en paralelo con el estilo dórico,
pero alcanzó su forma final a finales del siglo IV a. C.- El Templo
de Atenea Polyada en Priena. Se distribuyó en las tierras jónicas:
las costas de Asia Menor y las islas del Egeo. Lo interesante aquí
es que la columna jónica siempre se coloca sobre una base (la
parte entre el tronco y el crepidomo). El elemento más
emblemático de este orden es el capitel, formado por dos
espirales (volutas) interconectadas, que sostienen el
entablamento significativamente más ligero.
En la columna jónica, las flautas están separadas entre sí
por bandas planas (llamadas folletos), la mayoría de las veces 24
flautas más profundas que las dóricas.
El orden corintio se inició en último lugar. Con la excepción
de la capital, todos los componentes del orden fueron tomados del
estilo jónico.
Según Vitruvio, la capital corintia fue inventada por el
escultor ateniense y maestro de productos metálicos Kalimah. En
su forma terminada, el capitel corintio tiene dos filas de ocho hojas
de acanto. A diferencia de las órdenes doria y jónica, la orden
corintia no era un sistema constructivo, sino puramente
decorativo.
Los griegos preferían el mármol, al menos para sus
edificios públicos. Al principio, sin embargo, se utilizó la madera
no solo para elementos arquitectónicos básicos como las
columnas, sino también para los propios edificios. Los templos de
principios del siglo VIII a.C. se construían así y tenían techos de
paja.
La piedra elegida era piedra caliza protegida por una capa
de estuco de polvo de mármol o, mejor aún, mármol blanco puro.
Además, la piedra tallada se solía pulir con gamuza para darle

resistencia al agua y un acabado brillante. El mejor mármol
procedía de Naxos, Paros y el monte Pentélico, cerca de Atenas.
Se conoce sobre todo por copias de época romana. Hay
escasas esculturas originales griegas: por desgracia, muchas se
perdieron en la Edad Media, suprimidas por cristianismo para
acabar con los restos del paganismo; el mármol se calcinó y
convirtió en cal y las estatuas de bronce fueron fundidas. Iguales
destinos sufrieron las grandes estatuas de Zeus Olímpico y de
Atenea Pártenos, elaboradas en valioso oro y marfil y que llegaron
a alcanzar entre 10 y 12 metros de altura.
En este nuevo estilo se define el Canon de la escultura y
del Arte en general: serenidad, equilibrio, armonía, a través del
uso de las proporciones, regidas por el número áureo; un realismo
idealizado, frente a la
escultura arcaica el arte
clásico alcanza el máximo
realismo en el tratamiento
de la anatomía, retratando
cuerpos y rostros
idealizados, bellos y
eternamente jóvenes,
tratando de representar el
ideal apolíneo de la
Belleza.
Fidias: Llamado el escultor de los dioses, a quienes
representa con actitud noble y serena. Desarrolla la técnica de los
“paños mojados” en la que los pliegues de las túnicas se pegan al
cuerpo resaltando la anatomía.
Policleto: Es conocido sobre todo por sus esculturas de
atletas, el Doríforo, el Diadumeno, el Discóforo, etc.
Característica: El uso del contraposto, escultura apoyándose en
una pierna.
La pintura griega clásica, como en el periodo arcaico, se
sigue usando para la decoración de piezas de cerámica, en
ornamentos escultóricos de la arquitectura griega (en templos,
tumbas, palacios, etc.), en la policromía de estatuas y relieves, en
estelas funerarias y tablillas independientes.
Los cuadros pequeños son las pinturas de moda en este
periodo. Se sabe por la literatura clásica que las exhibiciones y
concursos eran habituales en ciudades como Atenas o Delfos. Su
polaridad contrasta con la pérdida de interés por las grandes
pinturas murales.
De las características de la pintura arcaica se mantienen el
predominio del dibujo y la importancia de la línea, la economía en
los detalles y la aplicación de colores planos.
Para las pinturas al fresco o al temple de los muros, las
esculturas de piedra pintadas con tempera y encáustica y las
tablillas de madera y terracota, se supone que se empleaba una
amplia paleta de colores: rojo, amarillo, negro, blanco, verde, azul,
púrpura y marrón basándose
en las muestras de los
excepcionales lecitos áticos
blancos con figuras
polícromas y los mosaicos
romanos que copiaron
pinturas de este periodo.

El nombre de los pintores griegos clásicos y los títulos o
detalles de algunas de sus obras se conocen gracias a los
registros de los historiadores clásicos:
-Polignoto de Tasos: A Polignoto se le atribuye el
posicionamiento de las figuras a distintas alturas dentro de una
escena. También fue apreciado por la expresividad de sus figuras
y la calidad de sus dibujos.
-Apolodoro de Atenas: Apolodoro está considerado el
inventor del sistema primitivo de claroscuro con una trama de
líneas para modelan los objetos y figuras curvos.
-Zeuxis de Heraclea: Zeuxis fue apreciado por sus pinturas
de escenas cotidianas sobre tablillas.
-Parrasio: Al igual que Zeuxis, Parrasio perteneció a la
escuela naturalista jónica. Destacó por la elegancia y expresión
dramática en el dibujo de sus figuras.
Bibliografías:
https://www.lamudi.com.mx/journal/la-arquitectura-de-la-
grecia-clasica/
http://www.claseshistoria.com/bilingue/1eso/greece/art-
architecture-esp.html
https://www.worldhistory.org/trans/es/1-11683/arquitectura-
griega/
https://etem.com/es/blog/the-architectural-styles-of-ancient-
greece#:~:text=La%20arquitectura%20de%20la%20antigua%20G
recia%20tiene%20cinco%20tendencias%3A%20d%C3%B3rica,su
%20orden%20%2D%20estructura%2C%20orden
https://www.decorarconarte.com/cont-culturales/paginas-
de-historia-del-arte/arte-clasico-griego/
https://www.aboutespanol.com/pintura-griega-clasica-
180210
Elementos de arte icónicos de Grecia Clásica
El arte griego antiguo es la mejor representación creativa
desarrollada en este importante periodo de la historia universal.
Al escuchar sobre Grecia, lo primero que llega a la mente
son los imponentes monumentos, edificios, estatuas y otras obras
del arte griego antiguo. Aunque hayan pasado muchos siglos
desde la creación de estas piezas hasta la actualidad, varias de
ellas han sido descubiertas de la mano de la arqueología,
mientras que las ruinas arquitectónicas han sido restauradas para
su preservación en el tiempo para ser contempladas y admiradas.
La mayor parte de las obras griegas que han podido
prevalecer en el tiempo son las producidas dentro de la
arquitectura, escultura y pintura de dicha civilización, por los
cuales se toman estas tres disciplinas como referente para
conocer e interpretar todo sobre el arte griego.

En cuanto a la pintura griega, el conocimiento de sus
artistas se debe casi por entero a los antiguos historiadores, pues
no se conserva de ella ni un solo cuadro ni se conoce obra alguna
de los famosos Zeuxis, Parrasio y Apeles, considerados desde la
antigüedad los pintores por antonomasia.
Arquitectura
Uno de los legados arquitectónicos más importantes del
arte griego, sin dudas, es el templo, un edificio construido
siguiendo los cánones establecidos en esta época histórica y que
tuvo como principales aspectos una planta rectangular, un pórtico
de acceso y un techo a dos aguas sostenido por columnas.
Esta construcción sufrió distintos cambios a medida que
fueron pasando los periodos artísticos antes mencionados, siendo
los primeros templos de adobe y madera, sostenidos por cuatro
columnas, para luego consolidarse la edificación a partir de piedra
con una hilera exterior de columnas o peristilo, pasando de ser un
pequeño recinto para convertirse en un monumento de grandes
proporciones espaciales. Otro elemento característico de las
columnas fue su decoración, compuesta por el fuste acanalado y
un capitel con molduras o equinos.
Consagrado a la diosa Atenea Parthenos, el Partenón es
uno de los principales templos de construcción dórica que se
conservan, y también el más grandioso de los monumentos
creados durante la época de Pericles.

El Partenón fue erigido sobre un templo del siglo VI a.C.,
conocido como Hecatompedón, que fue destruido por los persas.
El edificio del Partenón, construido en mármol blanco del
Monte Pentélico, fue
concebido para albergar
la imagen de oro y marfil
de Atenea Parthenos,
una colosal estatua de
doce metros de altura
elaborada por Fidias. Partenón de Atenas
Con unas dimensiones aproximadas de 70 metros de largo
y 30 de ancho, el Partenón estaba rodeado por columnas en todo
su perímetro, 8 en las fachadas principales y 17 en las laterales.
En el friso se representaba la procesión de las Panateneas, el
festival religioso más importante que se llevaba a cabo en Atenas.
A lo largo de las cuatro caras del edificio se desarrollaba la
escena incluyendo más de 300 figuras humanas, dioses y bestias.
Fachada del Partenón de Atenas

Escultura
La escultura del arte griego se produjo en todos sus
periodos artísticos, siendo las primeras figuras hechas a partir de
materiales maleables como terracota y arcilla hasta que se
afianzó el uso de otros elementos como la piedra y el metal, de
acuerdo a las técnicas de moldeado y vaciado de esculturas
desarrolladas en el tiempo. Las figuras escultóricas primitivas del
arte griego tenían como finalidad la decoración de recintos
funerarios y carecían de expresión, tenía estricta rigidez y
contaban con postura frontal, recordando un poco la escultura
egipcia.
Más adelante, siguiendo el principio de la naturalidad
presente en la belleza ideal, se buscaba copiar las proporciones
humanas por lo que se incorporó el
dinamismo, la expresión facial y
corporal de sentimientos y emociones
y el realismo. Asimismo, la escultura
siempre estuvo ligada a la
arquitectura, ya que fue empleada
para la decoración de templos y
monumentos civiles.
Se trata del conjunto
escultórico de los hermanos Cleobis y Cleobis y Biton 580 a. C.

Bitón. Son dos figuras masculinas, en realidad no forman grupo
en el sentido estricto de la palabra, pero su aparición arqueológica

(fueron descubiertos en las excavaciones arqueológicas de 1893-
1894, al noroeste del Tesoro de los atenienses, a unos diez
metros de distancia una estatua de otra) y su vinculación al relato
de Herodoto, implican un tratamiento de conjunto. Se conservan
actualmente en el Museo Arqueológico de Delfos.
La obra se atribuye al escultor Polimedes de Argos, uno de
los pocos autores conocidos de la época arcaica (en realidad del
nombre solo ha llegado hasta nosotros las dos sílabas finales de
una inscripción).
Estas dos colosales estatuas,
de 218 y 216 centímetros de altura,
se encuentran entre las más
antiguas esculturas griegas de
mármol, ya que están datadas entre
los años 610-580 a.C. y suponen el
inicio del arte arcaico en Grecia.
Los rasgos formales,
comunes a otros «kuroi» son
los siguientes: anatomía muy simple
con brazos pegados al cuerpo,

Cleobis y Biton, los gemelos
de Argos frontalidad, hieratismo, simetría,
ingles muy marcadas, sonrisa arcaica, ojos almendrados, pómulos
muy marcados y melena trenzada.

Pintura
La pintura griega siempre tuvo como soporte principal a la
cerámica, ya que era utilizada para la decoración de ánforas,
vasijas, platos y otros objetos artísticos exportados a través del
comercio. En estas creaciones se realizaban escenas pictóricas
de temas mitológicos o reseñando gráficamente algunos de los
acontecimientos más relevantes del universo helénico; siendo
estas escenas incluidas por medio de franjas horizontales que
eran leídas o apreciadas a medida que se giraba la obra de
cerámica.
Las figuras pictóricas variaron en las épocas, siendo las
primeras las que representaban animales y plantas para,
seguidamente, agregar humanas en estos dibujos griegos,
plasmados con la silueta negra y roja, y ya para el periodo
helenístico, ampliamente coloridas.
El ánfora panatenaica del Pintor
Eufileto es un ánfora de terracota con
figuras negras del periodo arcaico que
representa una carrera, actualmente en el
Museo Metropolitano de Arte de Nueva
York. Fue pintada por el Pintor de Eufileto
como premio a la victoria en los Juegos
Panateneos Fue descubierta en el Ática.
Hecha de terracota, el ánfora tiene una altura de 62,2 cm).de
Atenas en el año 530 a. C.

En uno de los lados de la vasija hay una representación de
una carrera a pie, o estadio y en el otro lado del vaso hay una
representación de Atenea Promacos. Muchas ánforas
panatenaicas presentan a Atenea en esta postura y el evento para
el que el vaso constituía el premio en la otra cara.

El arte y la arquitectura de la roma clásica
Roma fue la cabeza de un gran estado imperial, también
llamada ‘ciudad eterna’. Al igual que Grecia, han sido la madre
cultural de las nacionalidades occidentales modernas.
La arquitectura romana tuvo gran influencia en la
arquitectura griega, aunque tenían las mismas características, su
estilo fue sumamente diferente.
La arquitectura romana es caracterizada por su
monumentalidad debido a la idea que tenían sobre la inmortalidad
del Imperio romano. Es una arquitectura utilitaria, funcional y
practica; se utiliza el orden toscano, dórico, jónico, corintio y el
más utilizado fue el compuesto.
Por otro lado, las expresiones artísticas de los romanos
fueron de carácter utilitario y de gran influencia griega, tanto así,
que los artistas que trabajaban en roma eran griegos que hacían
copias de esculturas de ese origen. Tuvieron la expresión
pictórica en mosaicos y pinturas de diferentes estilos.
Su mayor expresión artística fue la escultura, esta se
caracterizó por la introducción de dos géneros, que fueron el
retrato y el relieve narrativo; el retrato escultórico, buscaron
representar de una manera naturalista los personajes en que se
basaban; los relieves narrativos, son descripciones históricas
realizadas sobre piedra.

La arquitectura romana es la disciplina en la que mejor se
manifestó el poder del Estado, a través de la construcción de
grandes obras para uso público. También es la que ha quedado
mejor documentada. No solo perduraron numerosas
construcciones, sino que se conserva un tratado teórico, De
arquitectura, escrito por Vitruvio en el siglo I a. C.
La arquitectura romana se caracteriza por:
- El uso del arco de medio punto y, como derivación, la
bóveda de cañón corrido y la cúpula.
- El empleo de hormigón (también llamado mortero) y el
elaborado uso de ladrillos de distintas formas.
- La incorporación del diseño de amplios espacios
interiores. - La planificación del espacio urbano.
- El desarrollo de nuevas tipologías arquitectónicas.
La influencia griega en la arquitectura se manifestó en el
uso de los órdenes de arquitectura griegos (dórico, jónico y
corintio) o sus adaptaciones, pero con un fin ornamental.
Algunas de las tipologías arquitectónicas que introdujeron
fueron las siguientes:

Anfiteatro: Edificio
cerrado de planta elíptica,
ideado para realizar
espectáculos públicos, como
las luchas de gladiadores.
Basílica: Amplio espacio cerrado ubicado en los foros de
las ciudades importantes, donde se realizaban actividades
judiciales y comerciales. Luego de la caída del Imperio romano,
esta tipología dio lugar a las iglesias cristianas.
Circo: Pistas para
carreras de carros de
caballos, con graderías para
el público. Son los
antecedentes de los
hipódromos actuales.
Termas: Edificios con una
función similar a la de los clubes
actuales. Tenían baños públicos,
salones para realizar deportes, bibliotecas y salas de reuniones

Arcos de triunfo: Estos arcos, cubiertos de relieves
conmemorativos, reproducían las puertas de acceso a las
ciudades y recordaban las hazañas de los generales victoriosos.
También fueron característicos de la arquitectura y la
ingeniería romanas la red de caminos, los puentes y acueductos
que se construyeron por todo el territorio del Imperio.
La escultura romana, especialmente a partir del Imperio,
importó los modelos griegos, pero los adaptó a su propia
concepción del mundo, más concreta, realista y práctica.
Se caracterizó por la introducción de dos géneros: el
retrato y relieve narrativo.
El retrato escultórico atravesó
diversas etapas estilísticas: en el período
republicano eran más rígidos y austeros;
luego, tendieron a la idealización de los
personajes en los primeros años del
imperio y hacia el final adoptaron rasgos
más expresivos. A pesar de esas

diferencias, los retratos siempre buscaron reproducir de manera
naturalista los personajes que representaban.
Los relieves narrativos son verdaderas descripciones
históricas realizadas sobre la piedra. En general, representaban
las glorias militares de los emperadores y generales y se
desplegaban en altares, arcos de triunfo, columnas
conmemorativas y tumbas.
Los materiales más utilizados en el retrato fueron el bronce
y el mármol y las estatuas eran a polícromas, salvo en un primer
momento en que los ojos se coloreaban, práctica que se
abandonó para ser tallados.
También hubo retratos de cuerpo
entero, de pie o sedentes (esto fue más
frecuente en los cuerpos femeninos), y
retrato ecuestre, del que debió haber varios
ejemplos, pero que sólo nos ha llegado uno
importante. Sólo se representaba así al
emperador y es importante por la influencia
que tendrá en épocas posteriores.
El retrato más frecuente de la
escultura romana es el del emperador, que constituye el modelo
para el resto de retratos.
Al igual que otras artes, la pintura en Roma tenían una
finalidad práctica: decorar las casas y palacios. La condición

social del pintor era la de un artesano, aunque los que pintaban
sobre tabla tenían mayor prestigio.
La pintura mural se
realizaba con la técnica del
fresco, aunque también se
discute que en algunas
ocasiones se utilizaran técnicas
mixtas.
Para la pintura sobre tabla
se utilizaban las técnicas al temple y a la encáustica. La gama de
colores era amplia, ya que a la del mundo griego y egipcio se les
suman algunos colores más. Destacan el negro, el blanco, el rojo
y el amarillo, aunque a veces también se utilizaron verdes, azules
y violetas. Se aplicaban mezclados con agua y a veces con cola.
La pintura romana se clasifica en cuatro estilos a partir del siglo
XIX y fueron establecido en base a las pinturas conservadas en
Pompeya.
Las pinturas de Pompeya son las mejor conservadas ya
que en el año 79 d.C. una erupción del Vesubio cubrió toda la
ciudad, permitiendo que se conservaran las pinturas (entre otras
muchas cosas) como no se han conservado en ninguna otra
ciudad. Todas las pinturas de Pompeya se encontraban en
Domus.
A partir de esos hallazgos,
los investigadores establecieron
cuatro estilos de pintura mural
pompeyana:
-Primer estilo: Las paredes
se pintaban imitando placas de
mármol de colores.
-Segundo estilo: Se simulaba un espacio exterior, como si
la pared no existiera. A veces también se incluían personas o
escenas.
-Tercer estilo: Las paredes se pintaban de colores planos y
se incluían pequeños detalles.
-Cuarto estilo: Se buscaba una síntesis entre el segundo y
el tercero. Sobre paredes de colores planos, se abrían espacios
con escenas naturalistas.
Otra manifestación pictórica característica fueron las
escenas con mosaicos. En este caso, las imágenes se construían
con pequeñas piezas de mármol de distintos colores.
Como característica general, la pintura estuvo asociada a
la arquitectura hasta donde se ha podido conocer. Estas pinturas
tienden hacia el realismo, a encuadrar la dentro de un contexto
natural (paisaje) o arquitectura e intenta no resultar una pintura
plana.
Bibliografías:
https://enciclopediadehistoria.com/arte-romano/
https://www.arteespana.com/arquitecturaromana.htm
https://www.arteespana.com/pinturaromana.htm
https://www.arteespana.com/pinturaromana.htm
https://www.arteespana.com/esculturaromana.htm
Elementos de arte icónicos de roma clásica
Arquitectura
La arquitectura en la antigua Roma, fue la piedra inicial
para el avance y el fortalecimiento del imperio Romano, las
estructuras edificadas durante todo el imperio fueron inspiradas
en las órdenes de arquitectura clásicas griegas y fueron
adaptadas a los requerimientos romanos, las mismas son de una
incalculable belleza y el aporte cultural que este tipo de
construcción aportó a la humanidad es invaluable, muchas de
estas estructuras aún están en pie y se han convertido en unas
estructuras de arte milenaria.
La Arquitectura de la antigua Roma, fue representativa a lo
largo y ancho del imperio romano, la misma trascendió a través de
los siglos, inclusive muchas de ellas aún se encuentran en pie

como por ejemplo el Coliseo Romano, algunas de las
características son:
-Arquitectura monumental, desde el punto de vista de la
magnitud y de la filosofía, tomando en consideración que el
imperio romano era para toda la vida.
-Los diseños arquitectónicos además de ser monumentales
eran prácticos y funcionales, no sólo era una cuestión de belleza
para los palacios y lugares privados, las construcciones también
iban direccionadas al ámbito, civil, militar, religioso, entre otros.
-Se incluyen elementos arquitectónicos novedosos para la
época como los arcos y las bóvedas.
-Los materiales empleados para sus construcciones eran
variados entre los que destacan: la piedra, el estuco, el hormigón,
los ladrillos; solían revestir las paredes con estucos, placas de
mármol y con ornamentaciones de mosaicos o pinturas.
La arquitectura en la antigua Roma, diseñó los anfiteatros
en forma circular y ovalada, las graderías están divididas en
cuatro zonas, la inferior les correspondía a los senadores y demás
cargos del gobierno romano, la zona media era destinada para la
clase social identificada como la plebe que eran aquellos a los
cuales no se le podía hacer un seguimiento de sus antepasados y
en la parte superior estaba destinada a las mujeres e indigentes.
Los primeros anfiteatros fueron construidos en piedra tallada,
posteriormente se utilizaron los materiales de hormigón e

incluyeron los arcos y las bóvedas éstos son los techos curvados
o cóncavos que se construyen entre pilares y los arcos.
El Coliseo,
inaugurado oficialmente en
el año 80 d.C. y conocido
por los romanos como
Anfiteatro Flavio, es el
ejemplo más grande y
famoso, con una
capacidad para al menos 50.000 espectadores. Con sus 45
metros de altura y 189 x 156 metros de ancho hacía que todos los
demás edificios de la ciudad fueran enanos. Tenía hasta 80
entradas, y la arena en sí medía unos enormes 87,5 por 54,8
metros. En la plataforma del piso superior, se empleaban
marineros para manejar el gran toldo (velarium) que protegía a los
espectadores de la lluvia o les daba sombra en los días calurosos.
El diseño del Coliseo se hizo famoso cuando empezó a
figurar en las monedas, de modo que incluso la gente que nunca
había estado en persona conocía el mayor templo del
entretenimiento de Roma. El diseño se copió en todo el imperio:
un exterior muy decorativo, múltiples entradas, asientos (cavea)
colocados sobre una red de bóvedas de cañón, un muro que
protegía a los espectadores de la acción de la arena (a veces con
redes añadidas) y salas subterráneas bajo el suelo de la arena
para esconder a personas, animales y accesorios hasta que se

necesitaran en los espectáculos. También había un amplio
sistema de drenaje, una característica que se observa en otras
arenas, como el anfiteatro de Verona, donde todavía funciona y
ha contribuido en gran medida a la excelente conservación del
monumento.
Pintura
Para los romanos el arte era una expresión fundamental.
Daban mucho valor a los detalles, de ahí que fueran genios de la
escultura y de la pintura. Conservamos obras impresionantes y
admirables.
Los expertos en arte, opinan que la pintura romana fue
una de las principales fuentes de inspiración para lo que sería el
conocido años más tarde como el Impresionismo moderno. Esto
se debe al conjunto que podría verse en las pinturas, que incluía
muchos contrastes en las texturas, además de que sabían jugar
muy bien con las luces.

La gran mayoría de sus obras, además de tratarse como
mera decoración, se basaban en temas históricos, cotidianos o
mitológicos. Los dioses eran un aspecto muy importante para
ellos.
Cuándo los artistas tenían que hacer retratos, ya fueran
reales o inventados, los rodeaban con bordes negros. Los
expertos dicen que los romanos hacían esto para poder
resaltarlos del resto de la obra.
Es por todos sabidos que los romanos se inspiraron mucho
en los griegos, y en la pintura no podía ser menos. No solo se han
visto obras que eran plagios de pinturas griegas, sino que se
llegaron a coger piezas de murales griegos para poder usarlas
ellos.
Por norma general, los pigmentos que más usaban los
romanos eran los negros, blanco, rojo y amarillo; aunque en
ciertas ocasiones también usaban los verdes y azules.
Si hay una técnica usada frecuentemente por los romanos,
esa es el mosaico; que no solo se podían ver en el suelo, sino que
en multitud de ocasiones se sustituyó por pinturas. De todas las
técnicas que se usaban, destacó la técnica del “opus tessellatum”,
que se basaba en hacer mosaicos con tan nivel de detalle que
simulaba como se hacían las pinturas.

Las obras romanas que se han encontrado en el mundo se
han extraído de las ruinas provenientes de Pompeya, Herculano,
el Palatino de Roma y la necrópolis de El-Fayun, en Egipto.
La Poetisa de Pompeya: Se trata de una obra pictórica
romana, concretamente pompeyana, que
utilizó la técnica del fresco, realizada en
el siglo I d.C. Se desconoce su autor o
autora, y actualmente, como la mayoría
de frescos de Pompeya, se encuentra el
Museo Arqueológico de Nápoles), en
proceso de restauración para una futura
exhibición.
Esta pintura constituye una de las obras de artes más
bellas y enigmáticas de la Antigüedad, de una extrema
sensibilidad y delicadeza, donde es común querer ver una
representación idealizada de Safo, la poetisa de Lesbos del IV
a.C. Otras versiones creen que se trata de la representación de la
mujer ilustrada como ideal, que debió ser uno de los orgullos de
una ciudad tan cosmopolita y refinada como sería Pompeya, o
que se trata de retrato (que estaría acompañado de un medallón
gemelo con el busto de un varón) de la esposa del matrimonio de
la casa.
Tanta es la sensación enigmática que evoca, que en
múltiples ocasiones ha sido denominada la Gioconda de la
Antigüedad. Los historiadores Poetisa de Pompeya de arte

consideran que la pintura es excepcional captando esa
concentración, duda o meditación que nos muestra con el simple
gesto del cálamo cerca de sus labios.
Un gesto de intelectualidad que se ha repetido en
numerosas ocasiones a lo largo de la historia del arte, que puede
llegar incluso a chocar con lo establecido, puesto que se le otorga
una cualidad de gran importancia en Pompeya a una mujer, más
allá de retratarla con el fin de ser bella.
Escultura
Las esculturas de la Antigua Roma tenían como fin
representar lo que ellos consideraban como su ideal de la belleza,
con tintes realistas y ensalzando por encima de todo el valor
estético de la pieza. Aunque no tenga tanta relevancia como la
escultura griega, la escultura romana sí que tuvo mucha influencia
en su época. Por eso, hoy nos gustaría contarte más sobre ella.
-Como ya hemos mencionado, una de las características
más notables de la escultura romana antigua es la influencia de la
escultura etrusca, así como de la griega y, a través de sus
esculturas, se puede observar la evolución del idealismo
helenístico.
-Los materiales más utilizados por los escultores romanos
eran el bronce y el mármol, prevaleciendo especialmente este
último.
-Fue una obra muy utilitaria, que expresaba la idea de que
Roma era el centro del mundo y se buscaba a través de ella
exaltar el poder del Estado romano.
-Fueron los precursores de dos géneros: el retrato y el
relieve narrativo.
Diana de Versalles: Ubicada en el Museo Arqueológico de
Sevilla, esta escultura romana de bulto redondo fue encontrada en
la parte superior del teatro romano de
Itálica, ciudad ubicada en el actual
término municipal de Santiponce, a 7
kilómetros al norte de Sevilla.
Realizada en mármol en el siglo
II a. C., representa una figura femenina
que, probablemente, portaba un arco o
una lanza en su brazo derecho, el cual
está diseccionado.
Es una de las principales
imágenes de esculturas romanas que
se encuentran en España.
El arte y arquitectura oriental
Bueno, para empezar, el arte y la arquitectura
oriental es un arte rica y diversa. Y es por eso que, la arquitectura
oriental es aquella desarrollada en las regiones anteriormente
descritas desde los orígenes de la arquitectura.
Entre los 5000 y primer milenio se desarrollaron
grandes civilizaciones de oriente: egipcia, Mesopotamia, india,
china. De igual forma, dichos países han desarrollado estilos
artísticos y arquitectónicos únicos que reflejan su cultura, religión,
historia y filosofía.
El arte oriental, es una de las principales ramas
de la clasificación del arte. Y la influencia de este llega a Ia
pintura, al estilo de caligrafía y al gráfico. Del mismo modo,
incluyen la escultura y la cerámica patrimonio de este arte.
Por otro lado, la historia del arte oriental está
adornada por la influencia tanto de culturas como de religiones,
destacando el arte de China, el de la India, el coreano, el de
Japón o el arte de Oriente Próximo, con puntos de encuentro del
arte occidental. Hay que destacar la gran influencia en el arte
oriental y su desarrollo de los imperios reinantes en cada época.
Esta es también conocida como arte asiático,
incluye un gran número de influencias de culturas y religiones de
oriente donde destaca el arte de China, de la India, de Corea y de

Japón. Para continuar, las características principales de arte
oriental son la elegancia y la sencillez de las obras, también
resalta la presencia de las curvas y los relieves. Cada uno de los
elementos que las componen tienen un significado importante.
Ahora bien, se denomina arte chino al conjunto
de manifestaciones artísticas desarrolladas en la civilización
china; esto puede abarcar desde las primeras expresiones
plásticas, ocurridas durante la dinastía Zhou y la dinastía Shang,
hasta las obras realizadas en la actualidad.
El arte chino antiguo, es muy rico en belleza y
variedad. Algunas formas de arte, aún populares hoy en día, ¡se
iniciaron hace más de 8,000 años! El arte chino antiguo incluye
caligrafía, bordados, pinturas, estatuas. Los antiguos chinos
usaban pinturas, tintes, pinceles y otros materiales que se
encuentran en la naturaleza para crear bellas artes. Los chinos,
poseen un profundo amor por la naturaleza y, pues, descubrimos
que la naturaleza ha sido una gran fuente de inspiración para los
artistas del país desde los inicios de la civilización china. Los
artistas chinos eran particularmente aficionados a pintar paisajes.
La gran y amplia colección de obras de arte
chino antiguo presenta una gran variedad de formas artísticas, y
muchas ya eran comunes en otros países; pero, hay varias
formas de arte que se atribuyen que fueron desarrolladas por los
chinos. Y es por eso, que debo mencionar que, las primeras
porcelanas se produjeron en China durante el reinado de la

dinastía T’ang, cuando los alfareros chinos descubrieron la
manera de obtener recipientes translúcidos.
La cerámica china es posiblemente la forma de
arte más antigua practicada en la China. A partir de la dinastía
Shang, el arte de la cerámica comenzó́ a arraigarse con el uso
predominante del bronce para
hacer jarras, vasijas, recipientes y
cajas.
Por otro lado, el
arte de la caligrafía ha logrado
salvarse gracias no solo al
encanto que emana como forma estética, sino también como una
proyección externa de la persona que escribe, sin la mediación de
una simple máquina.
Y es por eso que, este es el arte de escribir a
mano. Cabe destacar que los antiguos chinos consideraban que
la escritura era una forma importante de arte.

La pintura tradicional china se desarrolló́
continuamente en un periodo de más de seiscientos años. Su
crecimiento inevitablemente
reflejó los cambios del tiempo
y las condiciones sociales. En
su primera etapa de
desarrollo, la pintura china se
relacionaba cercanamente a
otras formas de arte chino
antiguo, desde cerámicas a la
decoración usadas en los
grabados en bronce, jade y laca.
El arte de Japón surge de la asimilación de ideas
y conocimientos de otras culturas, en sus orígenes y por muchos
años, se han inspirado en los estilos de China, una vez
adoptados, crea una expresión autóctona y genuina. Y pues,
como todas las artes que provienen de las culturas asiáticas, las
bases de su estética se centran en el elemento sagrado.
A diferencia de otras, en el arte japonés se cree
en la existencia de múltiples fuerzas invisibles, dioses, espíritus
de las cosechas, del hogar, de los antepasados poderes que
mueven tanto al cosmos como a los humildes objetos. Además,
imitar la armonía de la Naturaleza, evocando a los dioses que
forman la sustancia de las cosas. La estética japonesa se inclina
más a admirar la hermosura de las cosas en función de su

fugacidad, utilizando materiales humildes y sencillos de encontrar.
Por otro lado, esta es un arte que se basa en ser feliz con las
cosas simples y con el placer que se experimenta bajo el encanto
de momentos aparentemente comunes. Es por esto, que los
colores, las formas, las impresiones que se perciben en la
naturaleza, determinan concienzudos ejercicios de belleza.
La pintura en Japón, a diferencia de China, se ha
visto marcada por diversas modificaciones a lo largo de la historia,
a pesar de que mantenga su esencia. Si bien, este país pasó por
diversos periodos, con algunos cambios, es a mediados del siglo
XI que surge la verdadera pintura como la conocemos hoy día,
tras la aparición del Yamato-e. En cuanto a la pintura, tuvieron
preferencia por el dibujo sin perspectiva, lineal y con grandes
espacios vacíos que intentaban introducirse con el resto de la
obra. La ventaja de estas pinturas es que se enrollan pudiendo
fácilmente lo mismo
coleccionarlas que
exponerlas Literatura
esta posee una fuerte
influencia del chino.
Como el resto de las
artes, la literatura nipona
ha estado sujeta a los
influjos de culturas extranjeras. La propia escritura japonesa, de
hecho, puede ser vista como un derivado de la china.

Por lo general, primero hay que hay que tener en
cuenta para acercarnos a la riqueza del arte hindú́ es que
estamos hablando de manifestaciones culturales casi siempre
vinculadas a creencias religiosas. Y las religiones en la India son
varias, y a cada cual más peculiar. Por ello, en muchas ocasiones
ese es el primer elemento definitorio de ciertas construcciones,
esculturas o pinturas.
Para continuar, la religión es algo clave para
comprender el arte hindú́ , lo mismo podemos decir de la
naturaleza. En realidad, para esa cultura, los animales, arboles,
las montañas o los ríos siempre han tenido algo de sagrados. Por
ese motivo, cuando se representan todos esos elementos en el
arte, no son solo sencillos escenarios o personajes. En muchas
ocasiones, hay algo de reverencia hacia esa naturaleza.
Entre todas las
pinturas destacan los murales que se
encuentran en las Cuevas de Ajanta,
que expresan las características de
India Antigua en cuanto a pintura. La
estética de la pintura de la India
contenía en sus inicios una fuerte
connotación religiosa, aunque con el
pasar de los años evolucionaria hasta
fusionar varias culturas. Algunas de
estas influencias fueron China, Irán, y elementos grecorromanos.

Además de los murales, la India también desarrolló pintura en
miniatura, las cuales eran realizadas sobre materiales más
nobles, efímeros, como el papel y la tela. Fueron precursores de
esta pintura en tamaños pequeños los Palas de Bengala.
En la India la escultura propicio el medio idóneo
para representar la imagen de dioses y semidioses al mismo
tiempo que plasmo en forma tangible sus tradiciones, creencias
filosóficas y religiosas con un medio artístico que por ser
tridimensional permite ser apreciado desde distintos ángulos
visuales.
Esta características de volumen y masa que
brinda la tridimensionalidad de la escultura es muy útil; no solo
para decorar templos y lugares de culto sino también ofrecen la
ventaja en (aquellas en que el material lo permite como las de
bronce), ser cargada y exhibida en la procesión religiosa y ser
apreciadas por los creyentes quienes encuentran un medio
tangible en que demostrar sus respetos y adoración a sus
deidades.
La escultura se muestra desde el inicio, con una
gran destreza en tanto a la idea de movimiento de la figura
humana. La belleza de los cueros femeninos se resalta, los
cuales, además de expresar movimiento, sino mucha sensualidad.
El artista indio lo que busca, más que la
anatomía, la blandura del cuerpo humano tanto como la suavidad
de los movimientos. Algunos de los relieves que más destacan
son los Mithunas, los cuales son la representación de amantes.
Éstos se repiten a lo largo de un muro,
representando diversos ritos de iniciación para el sexo, ligado de
manera muy íntima a lo divino. Se desarrolló́ desde la sociedad
primitiva a la Dinastía Qing, ultima del Imperio Chino (221 a. C. a
1912 d. C.). Y es por esto, que la arquitectura china antigua tenía
sus propios principios de estructura y diseño.
Los antiguos chinos usaban marcos de madera y
tierra para construir casas, templos y palacios. Las diferentes
piezas del edificio eran apoyadas de diferentes maneras, de modo
que la casa no estaba apoyada en una sola pared. Hay un viejo
dicho que dice: «Las casas chinas se mantendrán de pie cuando
sus paredes colapsen».
El interior de los edificios de todo tipo estaba
decorado con diseños de flores, pergaminos y otros elementos
que proporcionaban la paz encontrada en la naturaleza. Los
antiguos chinos también usaron un esmalte para revestir las

paredes y techos a fin de protegerlos contra la humedad y
aumentar su belleza.
El diseño de los pueblos tradicionales por lo
general ha sido compuesto por tres elementos principales: una
orientación norte-sur, una plaza y altos muros defensivos. Es
importante resaltar, que una características vinculada a las
creencias chinas fue el empleo de azulejos amarillos, el color
imperial, para el revestimiento de los techos.
Además, las paredes se encontraban coloreadas
de rojo, mientras que el negro era empleado para las pagodas
(edificaciones escalonadas típicas de Asia). También, la
arquitectura imperial empleó ampliamente el emblema del dragón.
Este animal mitológico era elegido para decorar techos, puertas y
vigas.
Los antiguos chinos usaban marcos de madera y
tierra para construir casas, templos y palacios. Las diferentes
piezas del edificio eran apoyadas de diferentes maneras, de modo
que la casa no estaba apoyada en una sola pared.

Un techo de pagoda tiene forma algo similar a la
cima de una montaña, con picos y niveles. Los antiguos chinos no
inventaron el techo de pagoda. Este diseño de techo llegó a la
antigua China desde la India a través de la Ruta.
La arquitectura china se caracteriza también por
el uso de una estructura de vigas y pilares de madera y un muro
de adobe que rodea tres de los costados del edificio. La puerta y
las ventanas principales se sitúan en el frente.
Los chinos llevan usando la madera como uno de
sus principales materiales de construcción desde hace miles de
años. La madera representa la vida y ésta es la principal idea que
la cultura china, en sus múltiples manifestaciones, trata de
comunicar. Esta características ha llegado hasta nuestros días.
La arquitectura japonesa encanta por su sencillez
y, al mismo tiempo, por su innovación. A lo largo de los siglos, ha

desarrollado una estética llamativa tanto en obras más
tradicionales como en edificios modernos.
Por otro lado, la arquitectura japonesa ha sido
tipificada tradicionalmente por estructuras de madera, elevadas
ligeramente por encima del suelo, con techos de tejas o tejas. Se
usaron puertas corredizas (fusuma) en lugar de paredes, lo que
permite personalizar la configuración interna de un espacio para
diferentes ocasiones.
Desde el siglo XIX, sin embargo, Japón ha
incorporado gran parte de la arquitectura occidental, moderna y
posmoderna en la construcción y el diseño, y es hoy un líder en
tecnología y diseño arquitectónico de vanguardia. La introducción
del budismo en Japón durante el siglo VI fue un catalizador para
la construcción de templos a gran escala utilizando técnicas
complicadas en madera.
La arquitectura tradicional japonesa y su historia
están, como consecuencia, dominadas por técnicas y estilos
chinos y asiáticos (presentes incluso en el Santuario Ise,
considerado la quintaesencia de la arquitectura japonesa) por un
lado, y por variaciones originales japonesas sobre esos temas por
el otro.
La estructura general es casi siempre la misma:
los postes y los dinteles soportan un techo grande y suavemente

curvado, mientras que las paredes son delgadas como papel, a
menudo móviles y nunca soportan cargas.
Los arcos y los techos de barril están
completamente ausentes. Las curvas de Gable y alero son más
suaves que en China y la éntasis columnar (convexidad en el
centro) es limitado.
Edifican templos budistas que, como señalan
diversos autores, están rodeados de murallas, tienen la entrada
en el lado sur y cuentan con una pagoda, un pabellón, el
dormitorio de los mojones, el refectorio y una sala de descanso y
lectura.
El tori es un monumento característico de este
país y consiste en un arco parecido al de las puertas de las
estupas de la India, pero sin la ornamentación de éstas.
La Arquitectura india tiene sus primeras muestras
en la construcción de edificios de ladrillo, al tiempo que se
levantaban estructuras de madera. Estas últimas fueron

desapareciendo a lo largo de los siglos, pero fueron imitadas por
construcciones de piedra que aún siguen en pie.
Dada la naturaleza cambiante de los pueblos que
conformaron la India, la antigüedad de sus habitantes y la
diversidad religiosa de cultos autóctonos o importados, la
arquitectura hindú́ es bastante difícil de mostrar de manera
unificada o cronológica.
El mejor ejemplo de estas estructuras destinadas
a presentar a Buda como el eje y señor del mundo es la de
Sanchi.
A partir del siglo V se produjo el ocaso del
budismo con el auge del hinduismo y el jainismo. Los jainíes
solían hacer construcciones gigantescas coronadas por cúpulas
puntiagudas construidas a base de ménsulas de piedra
escalonadas.
El estilo hindú́ está íntimamente relacionado con
el estilo jainí. El estilo está marcado por el exceso de
ornamentación y por los tejados piramidales. Las cúpulas en
espiral se terminan en delicados florones.
La estructura cupulada fue realizada en el estilo
indoislámico, utilizando mármol blanco con piedras preciosas
incrustadas. En cada uno de sus lados destaca un minarete (torre
de oración), y sus muros exteriores están decorados con pasajes
del ejemplo más notable de arquitectura moderna lo constituye la
ciudad de Chandigarh, capital conjunta de Haryana y Punjab,
diseñada por el arquitecto francés de origen suizo Le Corbusier en
colaboración con arquitectos indios.
Bibliografías:
https://todoporelarterd.com/el-arte-de-la-antigua-
chinacaracteristicas-y-
https://tiposdearte.com/arte-japones-que-es/
https://www.arkiplus.com/arquitectura-china-
antigua/
https://www.euston96.com/arte-japones/
Elementos de arte icónicos de la cultura oriental
Arquitectura
El Palacio Imperial de Tokio es la principal
residencia oficial del Emperador de Japón. El edificio está ubicado
dentro de un pequeño parque ubicado en el distrito central de
Chiyoda, cerca de la estación de Tokio. Dentro del complejo hay
varias estructuras, incluido el palacio Kyūden, la residencia
privada de la familia imperial.
Durante la burbuja especulativa japonesa de la
década de 1980, el palacio y sus jardines, que abarcan un área de
23.000 m², fueron valorados por más que el valor de todas las
propiedades inmobiliarias de California.

Escultura
La construcción de la
obra comenzó en 713, dirigida por un
monje chino llamado Haitong. Esperaba
que el Buda hubiera podido calmar las
turbulentas aguas que posaban los
barcos mercantes que corren el torrente
de los ríos. Según la leyenda, cuando
los fondos para la construcción de la estatua se estaban
agotando, el monje salió con sus propios ojos para demostrar su
buena fe y sinceridad.
La estatua fue terminada por sus discípulos 90
años después. Basta que la enorme masa de roca removida para
la construcción de la obra y depositada en los ríos al pie de la
estatua haya alterado realmente el curso del agua, con el
resultado de que la navegación se hizo más segura.
Pintura
La pintura
oriental es un arte muy antiguo,
nacido posiblemente antes de
comenzar la historia, junto con el
nacimiento del pincel,
instrumento principal de esta

forma de arte. Las primeras muestras se encuentran en los más
diversos soportes, tales como hueso, piedra, madera... Las
presentaciones van variando, desde tallas hasta pinturas
rupestres.
Al inventarse la caligrafía se forman enseguida
combinaciones de ambas, y la caligrafía se hace más presente
cuanto más avanza y se hace más sofisticada, llegando a formar
una parte muy importante de la composición, especialmente en el
estilo de Pincel Libre.
Es muy habitual encontrar poemas, citas,
expresiones, etc. en las pinturas, además de la firma del autor y el
título del cuadro. También los sellos forman parte muy importante
de la composición. Poco a poco, se va añadiendo al valor
puramente decorativo de la pintura una filosofía altamente
compleja, casi religiosa, hasta el punto en que se le llega a unir
uno de los conceptos más importantes de la cultura taoísta, el
«Qi».
Arte y arquitectura musulmana
El arte islámico está conocido por la forma artística que se
fue desarrollando en la religión islámica. Es el arte y la
arquitectura de las áreas de Oriente Próximo, norte de África,
norte de la India y España que formaron parte del territorio del
islam en diversos momentos desde el siglo VII. Como hemos
comentado anteriormente, este arte tiene una unión estilística,
esto fue así ya que los artistas islámicos se movían
continuamente, aunque la escritura islámica era común en todos
los artistas y por esta razón se fortalece la idea de unión. Además,
este estilo de arte dio una elevada importancia a la decoración y a
la geometría y hubo tres tipos:
-Lacería: eran líneas que se enlazaban y formaban
polígonos o estrellas.
-Caligrafía cúfica: a través de los fragmentos del Corán.

Ataurique: a través de ilustraciones vegetales.
A parte de estos tres tipos había otras características del
arte islámico como por ejemplo en la arquitectura se creaban
edificios que poco después hacían una función como por ejemplo
las mezquitas. En la escultura no existía como tal el “arte” pero
había unas representaciones talladas en cerámica, metal o marfil
y en cuanto a la pintura esta se hallaba en las representaciones
de los libros divinos y laicos.
El arte islámico evolucionó a partir de muchas fuentes,
como las romanas, paleocristianas o bizantinas, que se
entremezclaron en su primera arquitectura, el arte persa Sasánida
y los estilos del centro de Asia, incorporados a través de las
incursiones turcas y mongolas. El arte chino constituyó un
ingrediente esencial de la pintura, la cerámica y las artes textiles.
Algunas características del arte islámico:
-La escultura y la pintura fueron corrientes artísticas poco
desarrolladas. Esto se debe a que en la religión islámica se
prohibió la representación de figuras religiosas.
-La arquitectura fue la modalidad artística más
desarrollada por el islam.

-Se utilizaban materiales pobres como el ladrillo o el yeso.
Esto se debe a su origen geográfico en el desierto Arábigo, donde
el clima es extremo y hay escasez de materiales como la piedra.
-En la arquitectura islámica, por lo general, las paredes y
los techos se recubren de yeso, madera o azulejos. Además, la
decoración responde a formas geométricas, vegetales caligráficas
o epigráficas.
La Arquitectura islámica comprende los estilos
arquitectónicos de los edificios asociados con el islam. Abarca
tanto estilos seculares como religiosos desde la historia temprana
del islam en el siglo VII hasta nuestros días.
Las principales representaciones de este estilo
arquitectónico están dadas en mezquitas, pero también en baños
públicos, palacios y fuentes. La mayoría de las mezquitas y
palacios disponen de un importante espacio al aire libre.
La primera mezquita fue la casa de Mahoma, en Medina.
Por eso la orientación hacia la Kaaba de la Meca es fundamental.
Algunos de los mayores ejemplos de la Arquitectura Islámica
están en: la Mezquita Azul en Estambul, Turquía; en la Citadel en
el centro de El Cairo, Egipto; la Mezquita de Córdoba, en
Córdoba, España; el Taj Mahal, en Agra, India; la Cúpula de la
Roca, en Jerusalén.
Entre las influencias más destacadas están:

-Romana: columnas, arcos de medio punto, alternancia
cromática en las dovelas…
-Bizantina: grandes bóvedas y cúpulas. -persa: arcos
apuntados, lobulados y polilobulados.
Las características más destacadas de la arquitectura
islámica fueron:
-La utilización de materiales “pobres” como la madera, el
ladrillo, el tapial o el yeso; no hay un deseo de permanencia como
en la época romana. Sólo algunos edificios, como la mezquita de
Córdoba se levantaron en piedra.
-Los elementos sustentantes fueron pilares y columnas,
suelen ser esbeltas pues se emplean materiales poco pesados en
las techumbres. Los principales tipos de capiteles utilizados en la
arquitectura musulmana española fueron:
-Capiteles reciclados de las ruinas de los monumentos
romanos y godos.
-Desde el siglo X surge el primer modelo típicamente
hispano-musulmán: el capitel corintio de avispero, al que los
arqueólogos dan este nombre por los orificios que perforan el
trépano al estilizar las hojas de acanto. Presentaba la novedad de
ir grabado con inscripciones religiosas.
-Los almohades, a finales del siglo XII, utilizaron el capitel
encintado.
La mezquita hipóstila se convirtió en uno de los principales
estilos en surgir. Cuenta con un
patio rodeado de columnatas por
tres lados. Un santuario cubierto
en el otro extremo del patio
muestra una pared direccional
que muestra a un practicante
religioso cuál es el camino para orar.
Históricamente, el siguiente edificio más significativo
después de la mezquita fue la escuela religiosa; Un centro
educativo separado de la mezquita. Este tipo de arquitectura se
transformó lentamente de las casas de los maestros para
incorporar eventualmente funciones tales como salas de
conferencias, bibliotecas, residencias, baños y un patio.
La pintura fue un área poco desarrollada en el arte
islámico. Fue utilizada sí en
decoraciones de edificios y también
en las representaciones de los libros
divinos y laicos.
Con el fin de evitar la idolatría
las pinturas eran recargadas de epigrafía. Bajo este estilo, la
representación humana quedó prohibida. Por ello, en las
mezquitas se hace tácita la ausencia de esculturas o pinturas que
representen a Mahoma o a Alá.

Esto a su vez, dirige a los artistas a realizar dibujos
geométricos o vegetales en sus obras. Otro elemento que destacó
en la pintura característica de este arte fue la iluminación en los
libros sagrados y profanos.
A nivel escultural hubo aún
menos avances, había
representaciones talladas en
cerámica, metal, vidrio, cofres o
marfil. Reduciéndose a artes
menores, aquellas que
presentaban relieves con motivos
geométricos y caligrafía. El marfil
fue uno de los materiales más
usados para la fabricación de pequeños objetos como cajas de
lujo o cofres. Uno de los referentes más importantes es la caja de
Píxide de Al-Mughira, toda una obra maestra decorada con
escenas figurativas que son difíciles de interpretar.
Los trabajos en cerámica provienen principalmente de
Esmira, lugar que vio nacer los primeros azulejos. En cuanto al
marfil, se elaboraron cuernos finamente labrados, de carácter
decorativo. El vidrio y su fabricación aportaron nuevas técnicas a
la escultura, como el soplado y el vidrio pintado.
Por su parte, el uso de la madera se extendió a la
elaboración de obras perfiladas a tribunas, alminares, armarios,
entre otras. Mientras que, el uso del bronce permitió desarrollar

motivos animales, como objetos decorativos, de vajillas y de uso
religioso.
Durante el periodo Mamluk, los objetos decorativos, en
particular los trabajos en vidrio, se hicieron famosos en todo el
Mediterráneo. El imperio se benefició del comercio de estos
bienes económica y culturalmente, ya que los artesanos
mamelucos comenzaron a incorporar elementos obtenidos del
contacto con otros grupos. Poco a poco creció el comercio con
China y los mamelucos iniciaron la producción de las cerámicas
azules y blancas como imitación de la porcelana típica del lejano
oriente.
Existen esculturas destacadas del arte islámico, tal es el
caso de:
-El Patio de los Leones en la Alhambra: una extraordinaria
obra, elaborada en los siglos X y XI, que representa doce leones,
labrados en mármol y con rasgos característicos de la cultura
oriental.
-Musa Urania: representa el cuerpo de una musa de la
astronomía. Haciendo parte posterior de la cabecera de una
iglesia, lo que se denomina ábside. Fue elaborada detalladamente
en mármol y mide 142 x 61cm.
Bibliografías:
https://tiposdearte.com/arte-islamico-que-es/
https://asragenciasuscripcion.com/arte-islamico/
https://www.urbipedia.org/hoja/Arquitectura_isl%C3%A1mic
https://www.edx.org/es/aprende/arquitectura-islamica
http://lahistoriayotroscuentos.es/arquitectura-musulmana/
http://lahistoriayotroscuentos.es/arquitectura-musulmana/
https://arteanalisis.com/arte-islamico/
Elementos de arte icónicos de la cultura musulmana
Arquitectura
El Taj Mahal
es un mausoleo
ubicado en la India,
en la ciudad de
Agra. Un
monumento
emblemático de este país, es en mármol blanco finamente
cincelado. Fue construido entre 1631 y 1653 bajo el mando de
Shah Jahan para albergar la tumba de su esposa, Mumtaz Mahal,
quien murió en el parto durante el parto de su decimocuarto hijo.
Mumtaz Mahal también fue llamado Arjumand Bano Begum. El
Taj Mahal es una maravilla de la arquitectura mogol, en la
encrucijada de los estilos islámico, iraní, persa e indio.
El Taj Mahal ha podido cruzar la historia sin sufrir ningún
daño particular, lo que permite admirarla hoy como lo fue en su
construcción. Si el mausoleo es el más conocido, no reduzca este
monumento a esta construcción de mármol, el Taj Mahal es en
realidad un conjunto de edificios, jardines, lagos y fuentes con
simetría perfectamente organizada contenida en Un terreno
rectangular de 580 por 305 metros. Incluye dos mezquitas, una de
las cuales no está en uso porque no está orientada hacia la Meca,
la simetría obliga, tres puertas de estilo iraní, 3 edificios de
ladrillos rojos, una fuente central y 4 cuerpos de agua organizados

en una cruz. El Taj Mahal es visitado anualmente por 4 millones
de visitantes, lo que lo convierte en el monumento más visitado de
la India. También es el Taj Mahal, India monumento más famoso
de la India, y su símbolo, como la Estatua de la Libertad es para
los Estados Unidos, la Torre Eiffel para Francia o la estatua de
Cristo Redentor para Brasil.
Escultura
El Grifo de Pisa es una escultura
datada aproximadamente en el siglo XI
d.C. (período comprendido entre los
años 1.001 d.C. y 1.100 d.C.),
perteneciente al arte medieval, en
concreto al arte islámico.
Tiene una altura de 107 cm, una
longitud de 87 cm y una anchura de 43
cm.
Está fabricado en bronce,
mediante las técnicas de fundido y
grabado.
Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que
representa a un grifo, es decir, un ser mitológico cuya parte frontal
es la de un águila y la parte posterior es la de un león.
El grifo presenta la cabeza de un águila, las orejas como
las de un caballo, el cuerpo de león, alas y las extremidades y

dedos de las patas de otros mamíferos. Además, cabe destacar
que las alas fueron fabricadas por separado y unidas a la
estructura principal mediante remaches.
Se puede observar como las alas se encuentran
ornamentadas con plumas estilizadas.
En el cuerpo hay una decoración grabada en caracteres
cúficos situados alrededor del pecho y las
caderas del animal.
La traducción de la escritura cúfica
es la siguiente: " Bendición, bienestar,
alegría, paz eterna, salud, felicidad y
buena suerte para el dueño de la
escultura ".
En el lomo también se puede observar como hay una
decoración de semicírculos superpuestos y la parte posterior se
encuentra decorada con motivos de círculos encerrados en dos
anillos.
Aparte en la parte superior de cada pata hay un zona o
área decorada con una lagrima
invertida, dónde los motivos arabescos
rodean la figura de un animal.
En cada pata delantera hay
representado un león, mientras que en

cada una de las patas traseras hay representado un ave (se
piensa que podrían ser representaciones de águilas).
El interior es en gran parte hueco, también se pueden
apreciar que existen tres aberturas hacia el interior de la
escultura.
Hay aberturas en la boca, en la parte
posterior (tal vez por una cola faltante) y otra
abertura más grande situada debajo del vientre.
En la abertura más grande hay dentro
una copa globular fabricada en bronce, que se
encuentra abierta hacia el vientre y está soldada
en la parte posterior con una fina pieza
fabricada del mismo material.
Pintura
Es una obra de arte islámica de
gran importancia, que representa al
líder mongol Tamerlán sentado en su
trono, rodeado de sus consejeros y
seguidores. La pintura fue creada en
el siglo XIV en la ciudad de Herat,
Afganistán, durante el reinado de
Tamerlán.
La técnica utilizada en la
Miniatura del Rey Tamerlán es la pintura en miniatura, una técnica

que se caracteriza por su precisión y detalle en la creación de
imágenes a pequeña escala. En esta obra, la técnica Grifo de
Pisa La miniatura del rey Tamerlán se ha utilizado de manera
magistral para crear un nivel de detalle sorprendente en los
elementos de la pintura.
En términos de composición, presenta una organización
cuidadosa de los elementos de la escena, que se distribuyen de
manera equilibrada en todo el espacio pictórico. El fondo de la
pintura, completa la composición y le da profundidad y perspectiva
a la escena.
El uso del color en la Miniatura del Rey Tamerlán es otro
aspecto destacado de la obra. Los colores utilizados son intensos
y vibrantes, con una amplia gama de tonos cálidos y fríos que se
combinan para crear un efecto visual impresionante.

Arte y arquitectura del paleocristiano
Uno de los más grandes objetivos del arte paleocristiano es
enfocar la atención en figuras y símbolos que son relevantes para
el espíritu, la sobriedad es una de las cosas más relevantes en
esta, sin embargo, aunque estas técnicas fueran algo grotescas y
toscas, como todo movimiento cristiano, el objetivo final es
impartir y esparcir los conocimientos referentes a la religión, más
que eso, enseñar la creencia a cada individuo de las locaciones a
las que llegaba para que de esta manera no se desviara de los
caminos del padre celestial.
Para el estudio del arte europeo de la Edad Media es
imprescindible realizar un acercamiento al arte paleocristiano
pues en él se van a gestar dos manifestaciones artísticas de la
importancia del templo basilical y la iconografía narrativa y
simbólica del cristianismo.
Tuvo origen en la época de la conquista de roma, como
una rebelión que partía de lo que experimentaba la sociedad para
aquel tiempo, algunos eruditos dicen que fue la evolución del arte
romano tardío, no obstante, las raíces del cristianismo
imponiéndose en la sociedad tuvieron mucha influencia en el
desarrollo de esta corriente artística.
El arte paleocristiano se puede dividir en dos grandes
periodos:
-Periodo de persecución y clandestinidad (siglos II y III): Se
desarrolla entre Finales del siglo II y siglo III, años en los que las
comunidades cristianas son perseguidas e el Imperio.
Las dos manifestaciones arquitectónicas de este periodo
son las Domus Ecclesiae y los Cimeterios (cementerios).
-Periodo del gran arte paleocristiano en tiempos del
cristianismo como religión oficial del Imperio (parte del siglo IV y
los tres primeros cuartos del siglo V). En esta fase será, por
contra, un arte protegido e impulsado por las grandes jerarquías
eclesiásticas de la época.
Algunas características de este arte son las siguientes:
-Nace en la época de la conquista romana.
-Se divide en dos etapas.
-Se manifiesta a través de figuras y símbolos.
-Como la esencia de la divinidad y el espíritu es imposible
de representar, se realizaban figuras y símbolos que tuvieran un
significado relevante.
-Estas figuras y símbolos se dirigen generalmente hacia el
espectador, para que este tenga una percepción cristalina de la
creencia y su funcionamiento.
-Se basa y fundamenta en sugerencias, no existen órdenes
ni individuos obligados.
La arquitectura paleocristiana fue la arquitectura
rudimentaria y casi primitiva de los primeros cristianos y se
circunscribía a pequeñas iglesias que luego se tomaron como
ejemplo para desarrollar la arquitectura románica y los siguientes
estilos.
Las iglesias paleocristianas se apoderan de la arquitectura
de la basílica romana. La construcción en el plano centrado se
desarrolla a partir de del siglo quinto.
Las construcciones tenían formas simples, a menudo
rectilíneas. Los techos eran planos de madera. Como elemento
distintivo los mosaicos se encontraban en edificios sagrados.
Las basílicas generalmente consistían en 3 partes en su
interior: un atrio de acceso, el cuerpo de la basílica que se dividía
en tres naves, y el presbiterio, donde se sitúa el altar.

El emblema de la arquitectura cristiana primitiva fueron las
basílicas, que surgieron en grandes cantidades después del
edicto de Constantino en roma, en tierra santa y en
Constantinopla, y luego se extendieron por toda Italia. Las
primeras basílicas cristianas tempranas se inspiraron en las
romanas: un gran espacio rectangular, con un plano longitudinal,
dividido en cinco naves e interceptado por una nave ortogonal que
tomó el nombre de un presbiterio; el techo de las naves era de
madera, con cerchas. La mayor diferencia con la basílica romana
radica en la presencia de un solo lado corto semicircular: la
entrada ya no estaba en el lado largo de la estructura, sino en el
lado opuesto del ábside, creando un camino de oeste a este, en
dirección al sol naciente.

6-Lucernario o calado. Clair-étages, son las hileras de
ventanas colocadas en los pisos superiores de la nave que se usó
muchísimo 10 siglos después en las iglesias góticas.
7 – Marco
8– Techo a dos aguas
La escultura a gran escala no era popular, pero la escultura
en relieve, que acompañaba la arquitectura, para los sarcófagos,
como la de Junius Bassus (muerto en 359), y las tallas de marfil si
eran utilizadas ampliamente.
Normalmente se trabajan tres de sus caras, y los podemos
encontrar tanto de series narrativas seguidas, como de distintas
escenas separadas por columnas formando tabernáculos.
Los relieves encontrados hoy en día, de la época
paleocristiana, permiten notar que hasta el siglo VI se definió un
retrato de Cristo. Jesús aparece generalmente con un aspecto
juvenil en las escenas de la vida diaria. En las imágenes de su
gloria, aparece de mayor edad, con barba y una expresión grave.

La escultura paleocristiana resaltó siempre por su carácter
funerario, siendo los sarcófagos en el siglo II y III las tumbas de
los cristianos que tenían una buena posición económica, donde se
esculpían imágenes muy parecidas a las que aparecían en otros
sarcófagos como los de los paganos.
Las figuras generalmente se yuxtaponen o se ubican por
episodios, separados por elementos arquitectónicos como
columnas y pilastras que sostienen arcos y entablamentos.
En algunos casos se incluía el retrato del difunto, individual
o acompañado.
-Sarcófago de Leocadio (o de los leones); se encuentra en
el museo arqueológico de Tarragona.

La pintura en el arte
paleocristiano tuvo sus raíces en
el estilo romano clásico, y más
tarde se convirtió en una
expresión artística más abstracta
y simplificada. Su ideal no era la
belleza física sino el sentimiento
espiritual. Las figuras humanas
se convirtieron así, en sujetos
más que en individuos y con
frecuencia tenían ojos grandes y fijos, según los cristianos, eran
las ventanas del alma.
Los símbolos se usaban con frecuencia y las
composiciones eran planas y hieráticas, para concentrarse y
visualizar claramente la idea principal.
La mayoría de las imágenes representadas en el arte
paleocristiano se encuentran en los muros de las catacumbas
romanas, cementerios subterráneos donde los cristianos
enterraban a sus difuntos. Los temas representados eran muy
variados y muy significativos. En ellos aparecen las directrices
que conformarán la tradición del arte cristiano de los siglos
venideros.
Una de las primeras y más representativas imágenes de
este momento será el crismón, monograma que aparece con las
dos primeras letras griegas X y P del nombre de Cristo. Junto a

estas letras se le suma el signo de la cruz y el círculo y, a ambos
lados, la primera y última letra del alfabeto griego: alfa y omega.
Aparecen también temas que son influencia de la
antigüedad clásica como Hermes Crióforo que ahora se convierte
en el Buen Pastor. Igualmente, se representan elementos
vegetales y animales, como la vid, el cordero, el ciervo, la paloma
como símbolos alegóricos del mensaje cristiano.
Plásticamente, se perderá el realismo de la figura romana,
no hay cabida para la representación de la belleza física sino para
reflejar la espiritualidad de la verdad interior. Las figuras carecen
de volumen, son imágenes planas, sin profundidad, de trazos
vigorosos. No existe parecido con la realidad. En los rostros
representados resaltan los ojos grandes, bien trazados, como
ventanas abiertas que nos dejan ver la a floración del alma. Los
colores, de gran viveza, simbolizan la luz divina.

El Buen Pastor pintura de la catacumba de Santa Priscila.
Este tema representado se convierte en el símbolo de la
filantropía y su discurso se dibuja conforme a la valoración de la
tranquilidad bucólica del mundo ultraterreno, en contraste con la
violencia de la muerte.
Bibliografías:
https://www.arkiplus.com/arquitectura-paleocristiana/
https://www.arquitecturapura.com/arte/paleocristiano-
13187/
https://zygnusgallery.com/paleocristiana-pintura-escultura-
arte#:~:text=La%20escultura%20paleocristiana%20resalt%C3%B
3%20siempre,como%20los%20de%20los%20paganos
https://www.repro-arte.com/historia-arte/paleocristiano/
https://www.euston96.com/arte-paleocristiano/
http://historiadelartelaensenanza.blogspot.com/2017/08/pint
ura-mosaico-y-escultura.html
http://elparaisodelartemundial.blogspot.com/2017/01/arte-
paleocristiano-ii-escultura.html
Elementos de arte icónicos del periodo paleocristiano
Arquitectura
La iglesia del
Santo Sepulcro destaca
por su riqueza histórica y
su característico diseño
arquitectónico y artístico.
Es un lugar
venerado por todos los

Santo sepulcro
cultos cristianos ya que, como su propio nombre indica, es aquí
donde se cree que Jesucristo resucitó tras la crucifixión, la pasión
y su muerte. Según la fe cristiana, Jesús fue enterrado en esta
iglesia, un gran complejo arquitectónico con varias capillas
pequeñas que abarca más de 5000 m².
Se accede a la iglesia a través de un gran portal con un
gran dintel de piedra, decorado con escenas bíblicas talladas en
bajo relieve. Nada más entrar, una moderna escalera conduce al
lugar de la Crucifixión, que actualmente está divido en una parte
occidental y otra oriental. Los vestigios de la roca del Calvario se
guardan en una estructura de vidrio en la parte oeste, orientada a
parte griega. Según la tradición cristiana, la fractura que presenta
Santo sepulcro la roca se produjo justo en el momento en el que
un soldado romano hirió a Jesucristo y lo despojó de su ropa.

Frente a las escaleras de subida hay otras que bajan a la
piedra de la Unción; al oeste de esta piedra se construyó un muro
que separa la entrada de la iglesia de Nisf al-Dunya. Ligeramente
hacia el sur está la rotonda que alberga el Santo Sepulcro,
cubierta por una cúpula de piedra semiesférica sobre un tambor
cilíndrico sustentado por pilares. En el centro de la cúpula se abre
una ventana decorada con doce pétalos de oro que simbolizan a
los doce apóstoles. Además de los espacios descritos, esta iglesia
del Santo Sepulcro dispone de más celdas, salas y capillas.
Escultura
De izquierda a derecha, en el registro superior se puede
identificar el sacrificio de Isaac, que es de alguna manera una
anticipación de lo que será el sacrificio de Jesús; el apresamiento
de Pedro; Cristo entre Pedro y
Pablo, en una escena de triunfo
de la Iglesia, en la que Cristo
apoya los pies sobre Urano,
dios pagano de los cielos y el
prendimiento de Jesús y Juicio
de Pilatos con este lavándose
las manos.
En el registro inferior de izquierda a derecha: Job con su
mujer; Adán y Eva en el pecado original con la serpiente y el árbol
este pecado que Jesucristo viene a redimir; la entrada de Jesús
en Jerusalén, que es otra escena de triunfo y va justo debajo del

dios Urano; Daniel entre los leones, otra prefigura de Cristo y el
apresamiento de Pablo.
El programa iconográfico sirve a un propósito que no es
otro que demostrar el triunfo de la Iglesia.
Todas las figuras se ajustan al marco arquitectónico que
es adintelado en el nivel superior mientras que se alternan los
arcos rebajados y estructuras triangulares en el registro inferior.
Las escenas se encuentran separadas por columnas con
capiteles clásicos. Las laterales presentan un fuste decorado en
espirales y las centrales muestran angelillos procediendo a la
vendimia, un símbolo que alude a la Eucaristía (la vid simboliza la
sangre de Cristo).
En los laterales puttis o amorcillos más los elementos
naturales refuerzan la idea de influencia clásica.
En casi todo el sarcófago se percibe movimiento de las
figuras y expresión menos en el Cristo apolíneo que muestra
hieratismo.
Pintura
Se trata de una
copia de Jan Brueghel el
Joven del original pintado
por su padre en 1613,
que es una de sus

composiciones más acertadas y que más fueron copiadas. El
árbol sin hojas, uno de los recursos compositivos más ingeniosos
ideados por Jan Brueghel el Viejo, tiene una doble función: sirve
de lugar de descanso a las aves que se aproximan volando desde
la lejanía y, al mismo tiempo, separa el medio acuático del medio
terrestre, es decir, los entornos naturales adecuados a la
representación de los diferentes animales en el hábitat que les es
propio: aves acuáticas en el riachuelo; cuadrúpedos, aves de
corral y roedores en la tierra.
Este árbol percha se ve contrarrestado por un grupo de
árboles frondosos que delimita el bosque con edificaciones a la
derecha (lo que va a sucumbir con el Diluvio) del Arca que se alza
El arca de Noé en un claro, a la izquierda.
En el centro, Noé con su mujer y su hija, vestidas como
campesinas flamencas de la época, contemplan el paso de la
caravana de animales que avanza en diagonal, desde el primer
plano, hacia el Arca que se vislumbra en la lejanía.
Ciervos, osos y bueyes procedentes del bosque se
incorporan a la caravana. Los leones están tomados de un dibujo
de Rubens (Viena, Albertina), y los leopardos y el caballo blanco,
de sendos cuadros de ese maestro: "Leopardos, sátiros y ninfas"
(hoy desaparecido y conocido por un grabado de C. N. Varin) y el
"Retrato ecuestre del duque de Lerma" (Museo del Prado.

Arte y arquitectura bizantina
El Imperio Bizantino es la continuación del Imperio romano
en el mediterráneo oriental. El Imperio Bizantino o Bizancio, se
constituyó en 395 cuando el emperador itálico Teodosio I El
Grande dividió el imperio romano entre sus dos hijos: Arcadio y
Honorio, dejando al primero el Imperio de oriente. Después de la
caída del imperio romano de occidente en manos de los bárbaros,
Constantinopla se transformó en la capital cultural por excelencia
del mundo occidental.
Con la caída en el 476 del Imperio Romano de Occidente,
este territorio occidental se dividió en centros independientes de
poder, los llamados reinos germánicos, y en consecuencia el
Imperio de Oriente se convirtió en el único sucesor legítimo del
Imperio Romano y principal potencia del Mediterráneo, tanto en el
plano político como militar, económico y cultural.
Al Imperio de Oriente se le va a denominar Imperio
Bizantino porque Constantinopla era una antigua colonia griega
fundada en el Bósforo en el siglo VII llamada Bizancio.
Constantino creó sobre esta colonia una nueva ciudad a la
que dio su nombre, convirtiéndola en el centro político y militar de
la zona oriental del Imperio. Cuando éste se dividió,
Constantinopla se convirtió en la capital del Imperio de Oriente,
que por extensión de la palabra Bizancio fue denominado Imperio
Bizantino.
Los propios soberanos germánicos del Mediterráneo
occidental mantenían la convicción de que el emperador de
Oriente era la autoridad suprema del poder legítimo y, por ello, los
distintos reyes germánicos mantenían su lealtad a Oriente y se
manifestaban vasallos del emperador.
El Imperio Bizantino, por su parte, seguía siendo el centro
del mundo conocido, pero a pesar de haber superado la
avalancha de las invasiones bárbaras sin sufrir grandes daños,
puesto que las desviaron hacia occidente, era un imperio bastante
desintegrado por la herejía monofisita.
El término arquitectura bizantina se deriva de ser el
resultado de la civilización perteneciente a la antigua ciudad de
Bizancio, más tarde refundada por Constantino en el año 330 y
llamada Constantinopla. Con la transferencia de la capital de
Roma a Bizancio y, luego, con la subdivisión del imperio romano
en el Imperio de Oriente y el Imperio de Occidente. Hacia 395
nació el Imperio Bizantino que durará hasta 1453, cuando
Constantinopla caerá debido al asedio de los turcos.
Además de las influencias helenísticas, el lenguaje
arquitectónico bizantino incluirá caracteres sirios, persas y
egipcios, en relación con las vastas áreas donde se extendió esta
civilización. A pesar de las diferencias obvias que surgen de los
contactos en las diversas áreas geográficas, la arquitectura
bizantina mantuvo con el tiempo características distintivas básicas

comunes. Tenía una naturaleza esencialmente religiosa,
destinada a asegurar la salvación del espíritu para el hombre.
La arquitectura bizantina generalmente se divide en varios
períodos. El período paleo-bizantino del 4to al 5to siglo es el
primer período, el llamado período de “formación”, en el que tiene
lugar la transición de la cultura antigua tardía a las formas más
típicas. Siendo la arquitectura bizantina esencialmente portadora
de valores religiosos se manifestará principalmente en la
construcción de lugares de culto, que serán a la vez un plan
basilical y central.
Para este último, las estructuras abovedadas que
pertenecen al período antiguo tardío se inspirarán, profundizarán
y desarrollarán sus conceptos de unidad espacial y enfatizarán su
centralidad.
En comparación con el techo abovedado romano, que
requería una pared circular continua para el soporte, la cúpula
bizantina se colocará sobre una base cuadrada. Las cúpulas
circulares se construirán en plantas cuadradas mediante el uso de
cuatro triángulos esféricos, llamados “penachos”.
Otro elemento característico es el capitel con “pulvino”, es
decir, un elemento con forma de tronco piramidal invertido,
generalmente decorado con motivos naturalistas o
antropomórficos.
La edad de Justiniano
va de 527 a 565. Justiniano
promovió una notable actividad
de construcción. En 532,
reconstruyó en Constantinopla,
Santa Sofía, una obra maestra
absoluta de la arquitectura
bizantina. Los arquitectos, Isidoro di Mileto y Antemio di Tralles,
idearon una estructura innovadora, que ya no estaba formada por
la yuxtaposición de las partes, como era el caso antes, sino como
un todo. Una inmensa cúpula de 33 metros de diámetro, cubre el
espacio central. La monumentalidad del edificio se desmaterializa,
tanto por la apertura de ventanas como por la decoración de
mosaicos internos.
La utilización de material en la arquitectura bizantina fue
pobre (piedra y ladrillo solamente) en el exterior, pero en el interior
las catedrales estaban recubiertas con materiales lujosos como
mosaicos con teselas, mármoles, cerámica vidriada y láminas de
oro y plata que le dieron a los templos una influencia oriental.
Se destacó el uso de cúpula sobre pechinas, es decir,
triángulos esféricos que facilitan el paso de la planta cuadrada a la
circular de la cúpula, que simbólicamente es una imagen del cielo.
También del mundo romano y paleocristiano, los arquitectos
bizantinos tomaron el uso del arco de medio punto y la columna
con un capitel troncocónico muy decorado, generalmente con

motivos vegetales o geométricos, labrado a trépano y encima del
cual hay un cimacio, pieza de forma trapezoidal.
La pintura bizantina estaba ligada a la concepción religiosa
del mundo. Hasta el siglo VIII tuvo especialmente una función
didáctica. Entre los siglos VII y IX, por influencia de las religiones
judía e islámica se produjo una crisis iconoclasta, por la que se
prohibieron las imágenes religiosas. Durante este período
predominaron las representaciones de la naturaleza, escenas
cortesanas, de caza, etc. Con la derrota de los iconoclastas, en el
843, se recuperaron las imágenes religiosas, aunque con
diferente función.
Las imágenes comenzaron a ser consideradas como reflejo
de lo divino. Estas pinturas, conocidas como íconos, son
representaciones religiosas de Cristo, la virgen María o los santos
que se consideran cargadas de presencia divina, lo que las hace
sagradas. En la pintura bizantina destacan los frescos, que son
pinturas en las paredes, principalmente de iglesias, las miniaturas
para ilustrar libros e iconos, pinturas en paneles.
Predominó el tema religioso, como las imágenes de Cristo
y la Virgen María. Las principales técnicas fueron el mosaico, el
temple sobre tabla, el fresco y la iluminación de manuscritos. Se
distingue la pintura bizantina al mosaico por la riqueza de
materiales, con abundancia de oro y fastuosa ornamentación con
una pobreza en el movimiento artístico.

Las figuras de los personajes se presentan muy alargadas,
en pie y con los brazos en una actitud de movimiento o llevando
algún objeto. Las vestimentas con que aparecen cubiertas los
personajes suelen ofrecer pliegues rectos y paralelos, casi
verticales, solo el manto o capa los representaban con
movimiento y recogido sobre el brazo izquierdo de la figura.
El rostro de las personas se representaba con una
expresión majestuoso, tranquilo y honesto con una mirada, de
frente o a la derecha del espectador y sus ojos, grandes y abiertos
y por último sus pies, pequeños o estrechos y terminados en
punta.
La escultura bizantina tiene como caracterizada una
influencia oriental, siendo un referente de la degeneración del
imperio romano occidental, siendo también era importante en este
tipo de arte. Existían dos tipos la grande y la pequeña. Estas
esculturas eran formales, hieráticas y frontales. Todas ellas se
caracterizan por que tenían los ojos mirando hacia arriba y muy
grandes.
Todas las esculturas son de piedra o de mármol y los
pequeños relieves eran creados de marfil. Podemos citar como
características principales: uniformidad, rigidez, falta de
naturalidad, presencia de líneas geométricas y follaje estilizado.
Este tipo de arte estaba muy generalizada en el imperio bizantino,
especialmente en la edad de oro, la época del reinado del
emperador Justiniano (526 a 565).

Las imágenes de mosaico estaban formadas por artistas
que utilizaban los pedazos de piedra pequeños y coloridos
pegados en la pared. Imágenes religiosas y del emperador fueron
los temas principales. Estos mosaicos son característicos por
tener abundante color y luz, ejerciendo funciones didácticas y
sobre todo simbólicas.
La técnica que se utilizada es la de opus tessellatum y
prácticamente se basa en mezclar vidrios de color con piedras.
Este tipo de mosaicos se pueden observar en muchas cúpulas y
muros interiores. En los muros el espacio es simbólicamente
dividido en tres partes: inferior para las representaciones
terrestres, media para las representaciones de transición y
superior para el cielo.
Bibliografía:
https://www.arkiplus.com/arquitectura-bizantina/
https://enciclopediadehistoria.com/arte-bizantino/
https://www.arteguias.com/bizantino.htm
https://tiposdearte.com/que-es-el-arte-bizantino/
Elementos de arte icónicos del periodo bizantinos
Arquitectura
La iglesia fue construida sobre
una colina de la ciudad, pensada para
albergar en su interior el cuerpo del
emperador Constantino, siendo la más
antigua de la Cristiandad en ser
consagrada a los Santos Apóstoles, y
datando de los tiempos de la fundación
de la propia ciudad de Constantinopla
sobre la antigua Bizancio.
Se convirtió desde muy pronto en la necrópolis imperial,
conteniendo así los restos de la mayor parte de los emperadores,
distribuidos en dos mausoleos exteriores, uno al norte y el otro al
sur del ábside, denominados heroa, el de Constantino y el de
Justiniano. El interior de la iglesia, sin embargo, no albergaba
ninguna tumba. Cada uno de los heroon albergaba
indistintamente tumbas modernas o antiguas, sin estar agrupadas
por ningún tipo de orden cronológico.
Alrededor de la iglesia se
encontraban pórticos suntuosos, los
stoai, a lo largo de los cuales se
disponían los sarcófagos aislados de
algunos basileis. A parecer, todos los

sarcófagos eran de mármol, completamente recubiertos de
ornamentos deslumbrantes en plata y piedras preciosas.
Su planta era de cruz griega exenta, tenía 5 cúpulas, una
central y otra en cada brazo de la cruz.
Escultura
Realizado en marfil,
considerado como la oración
perfecta, ya que se encuentra a
cristo junto a María y San Juan
Bautista. En la parte inferior central
se encuentran los Apóstoles
Santiago, Juan, Pedro Pablo y
Andrés. En la parte superior izquierda se encuentran San Teodoro
el Recluta y San Teodoro el Comandante, en la parte inferior
izquierda están San Eustratio, San Aretas, San mercurio y Planta
iglesia de los santos apóstoles Santo Tomás Apóstol. En la zona
superior derecha se pueden ver a San Jorge y San Eustaquio. Y
por último en la parte derecha inferior están San Demetrio, San
Procopio, San Felipe Apóstol y San Pantaleón.
Todos los lados del tríptico están tallados totalmente, con
más santos en el exterior que en las hojas laterales, y un
elaborado esquema decorativo en la parte trasera de la hoja
central.
Pintura
El fresco muestra
simplicidad figurativa, y está
decorado en dos fases
superpuestas: En la parte
superior Cristo Pantocrátor
dentro de una elipse en forma
de almendra (mandorla),
flanqueado por los arcángeles Miguel y Gabriel.
La fase inferior representa a la Virgen entronizada con el
niño en su regazo, flanqueada por las figuras de los doce
apóstoles y dos santos locales. Los rostros muestran un tipo de
pintura lineal y con uso de vivos colores en contraste.

Arte y arquitectura prerrománica
El arte y la arquitectura prerrománica se refiere a las
creaciones artísticas y arquitectónicas realizadas en Europa antes
de la llegada del estilo románico en el siglo XI. Esta época, que
abarca desde finales del siglo VI hasta el siglo X, se caracterizó
por la mezcla de diferentes estilos y culturas, lo que dio lugar a
una gran variedad de obras de arte y arquitectura con una rica
mezcla de influencias.
En la Península Ibérica, el arte y la arquitectura
prerrománica están representados por una serie de monumentos
y edificios religiosos que reflejan la rica diversidad cultural de la
región. Uno de los ejemplos más conocidos de arquitectura
prerrománica en España es la iglesia de San Juan de Baños en
Palencia, construida en el siglo VII.
La iglesia presenta una mezcla de elementos romanos y
visigodos, con una estructura de tres naves y un presbiterio
abovedado. También destaca la iglesia de Santa María del

Basílica San Juan de Baños en Palencia Naranco, en Oviedo,
construida en el siglo IX. Esta iglesia presenta una arquitectura
única con una estructura de planta cuadrada y una cúpula en el
centro.
El edificio cuenta con una gran cantidad de decoración,
incluyendo motivos geométricos y esculturas de animales y
figuras humanas.
Otro ejemplo de
arquitectura prerrománica en
España es el Monasterio de San
Pedro de Arlanza, ubicado en la
provincia de Burgos. Fundado en
el siglo X, este monasterio es un
ejemplo de la arquitectura mozárabe, que es un estilo que
combina elementos de la cultura cristiana y musulmana.
La iglesia cuenta con una estructura de tres naves y una
serie de arcos de herradura que se asemejan a los encontrados
en la arquitectura islámica. También presenta una gran cantidad
de decoración, incluyendo frescos y esculturas de animales.
El arte prerrománico es un período artístico que se
desarrolló en Europa desde el siglo VI hasta el siglo IX, justo
antes del inicio del románico. Este período es conocido por la
creación de una serie de monumentos arquitectónicos y artísticos

que reflejan la influencia de diversas culturas, desde la romana
hasta la germánica y la bizantina.
Entre las características más destacadas del arte
prerrománico se encuentran el uso de formas geométricas, la
ornamentación abstracta y la utilización de la luz y la sombra para
crear un efecto tridimensional. También se destacan la creación
de objetos de metal y la utilización de vidrios de colores en la
decoración de iglesias y monasterios.
Para investigar el arte prerrománico, es importante estudiar
los monumentos y objetos de la época para comprender sus
características estilísticas y técnicas. Se pueden realizar
investigaciones sobre la evolución del arte prerrománico a lo largo
del tiempo y en diferentes regiones, así como sobre la influencia
de las diferentes culturas en su desarrollo.
Además, es importante investigar los contextos históricos y
culturales en los que se produjo el arte prerrománico, como las
migraciones de los pueblos germánicos y la difusión del
cristianismo en Europa. También se pueden estudiar las técnicas
y materiales utilizados en la creación de los monumentos, como la
utilización de la piedra, el ladrillo y el metal, para comprender
cómo se logró su durabilidad y belleza.
La arquitectura perrománica es un estilo arquitectónico que
se desarrolló en la Europa occidental durante el siglo X y XI, y que
se caracteriza por la combinación de elementos románicos y

prerrománicos, y la influencia de la arquitectura bizantina y
musulmana. La investigación en torno a la arquitectura
perrománica se ha centrado en la identificación y clasificación de
los diferentes elementos arquitectónicos que la conforman, así
como en su evolución histórica y geográfica.
También se han llevado a cabo estudios sobre la técnica
constructiva utilizada en la época, y sobre el simbolismo y la
iconografía presentes en las edificaciones. En este sentido, se
han identificado diversas tipologías de edificios perrománicos,
como iglesias, monasterios, palacios y fortificaciones, y se han
estudiado sus características formales y estructurales. Asimismo,
se ha prestado atención a las diferencias regionales en la
arquitectura perrománica, especialmente entre el norte de Europa
y la península ibérica.
Por otra parte, la investigación también se ha centrado en
la relación entre la arquitectura perrománica y el contexto
histórico, político y social en el que se desarrolló.
Bibliografía:
https://www.turismoasturias.es/cultura/prerromanico
https://www.arquitecturapura.com/arte/prerromanico-13384/
https://tiposdearte.com/arte-prerromanico-que-es/
https://www.hisour.com/es/pre-romanesque-architecture-
31646/
Elementos de arte icónicos del prerrománico
Arquitectura
El palacio
imperial de Ingelheim es
un antiguo conjunto
palaciego erigido en la
segunda mitad del siglo
VIII en Ingelheim, que
sirvió como residencia

Palacio imperial Ingelheim
temporal a los soberanos germánicos emperadores y reyes hasta
el siglo IX. El conjunto palatino se encuentra a 15 km al oeste de
Maguncia, en una ladera con vistas a las llanuras renanas. La
construcción se encuentra en ruinas y lo que queda sobre todo
son los cimientos bajo el nivel del suelo y le permite ser la base de
excavaciones arqueológicas para restituir todo el sistema de
edificios. Corresponde al estilo carolingio.
Escultura
Lombardos: En la Italia lombarda, la escultura juega un
papel considerable con los capiteles, intradoses, modillones y
fustes de columnas que se arraigan en las antiguas tradiciones y
luego se alejan como en mayúsculas con travesaño o trapezoidal.
Los muebles, como las pilas bautismales o los ciborios, ofrecen
superficies planas a los escultores, que incluyen motivos
arquitectónicos, geométricos y simbólicos.

El follaje vegetal y el entrelazado son los motivos más
frecuentes en los que se insertan los antiguos temas
paleocristianos. En el llamado Tempietto longobardo u oratorio de
Santa Maria in Valle, en Cividale del Friuli, destaca la decoración
de estuco.
La parte más interesante es el fregio donde hay seis figuras
en relieve de santos (Sante), en estuco, excepcionalmente bien
conservadas: sus figuras monumentales están conectadas con los
modelos clásicos, reinterpretados según la cultura longobarda.
Los paños de las ropas ricamente decoradas tienen una caída
rectilínea que recuerda a los modelos bizantinos, de los cuales sin
embargo los Sante se destacan por el mayor sentido del volumen
y para el verticalismo, marcado además por la longitud de los
pliegues de las túnicas.

Pintura
Islas británicas: Quedan
sobre todo manuscritos iluminados,
como el Libro de Durrow (h. 650-
700), el de Lindisfarne (h. 700), y,
sobre todo, el que quizá sea más
famoso, el Libro de Kells (h. 800).
Su estilo, complejo, con
estilizaciones, influyó luego en los
scriptoria medievales del continente
europeo, gracias a la labor de cristianización realizada por monjes
irlandeses.
La iluminación insular sobre un repertorio celta y germánico
se adaptó a las funciones decorativas nuevas y de las influencias
exteriores. El libro transmitió el mensaje espiritual del cristianismo
y su decoración depende directamente de este mensaje, que no
se presta a cambios fortuitos.
La capacidad del arte insular para producir la iluminación
más innovadora de toda la Europa precarolingia es una prueba de
su pujante vivacidad. En lo que se refiere a la pintura de la época
anglosajona (segunda fase del prerrománico en las Islas
Británicas), se produjeron manuscritos en la escuela de El
pontifical de san aethelwold Winchester, a la que se adscribe el
Pontifical de San Aethelwold, hoy en el Museo Británico.

Arte y arquitectura románica
La arquitectura románica que, como toda la cristiana
medieval, es fundamentalmente religiosa, creó un tipo de templo
abovedado muy uniforme, lejos del puramente basilical, que,
evolucionando, pervivió a través del gótico hasta el Renacimiento.
También dio forma a un nuevo tipo de monumento religioso: el
monasterio, que nació para responder a las necesidades de las
florecientes órdenes monacales. Igualmente, este, pese a sus
cambios posteriores, conservó durante muchos siglos parte de los
rasgos generales que ahora se imponen. Dado que la ciencia se
encontraba en los propios monasterios, sus monjes solían ser los
arquitectos.
En la arquitectura románica, que ya no aprovecha
elementos constructivos ni decorativos de los monumentos
romanos, el sentido de la proporción clásica desaparece, y donde
esa ruptura con el pasado se hace más patente es en la columna,

cuyo fuste deja de ser troncocónico y se hace cilíndrico. La
proporción entre el diámetro y la altura de la columna se olvida y
el arquitecto románico no tiene inconveniente en dar el mismo
grueso a la baja columna de un claustro que a la altísima que,
adosada a un pilar del templo, se eleva hasta la bóveda de la
nave mayor.
Perdido también el recuerdo de los órdenes clásicos, todas
las columnas tienen basa con plinto y el fuste, o bien se conserva
liso, que es lo más frecuente, o se estría, incluso en zigzag, o se
recubre de ornamentación vegetal. El collarino, que en la columna
romana se labraba en la parte superior del fuste, pasa ahora a
formar parte del capitel, del que desaparece ahora todo recuerdo
del dórico y el jónico.
Se emplea, en cambio, el tipo de capitel cubierto de hojas
que deriva del corintio, aunque, salvo determinados momentos y
escuelas, el recuerdo del acanto desaparece y el follaje es
distinto. Los escultores románicos no se contentan, sin embargo,
con esos capiteles de abolengo clásico más o menos
desfigurados.
Con ese ritmo insistente y tortuoso que caracteriza su
decoración vegetal, alargan esos tallos vegetales y los entrelazan
una y otra vez hasta crear un caprichoso enrejado de formas
vegetales, ya sin parentesco con el diáfano orden de las hojas de
acanto clásico.
A veces, quizá por influencia de los marfiles hispanoárabes,
de las telas y las decoraciones orientales, se entretejían junto a
los elementos vegetales figuras de animales o humanas, bien
reales, aunque muy estilizadas, bien monstruosos o fantásticas.
Son figuras animadas que se retuercen, estiran o abultan
caprichosamente, se muerden o forcejean entre sí, revelando una
tensión espiritual que representa el extremo opuesto del reposo y
la diafanidad clásicos.
Respecto a las cubiertas, al reemplazar el arquitecto
románico la techumbre de madera por la bóveda con arcos de
refuerzo fajones, y hacerla cabalgar sobre arquerías, le fue
necesario recibir no solo los arcos de estas, formeros, sino
también los transversales o perpiaños.
Como para recibir bien ese doble juego de arcos son
insuficientes la columna y el pilar rectangular, nace un nuevo tipo
de pilar, bastante más rico, de sección cruciforme: con un cuerpo
resaltado por cada uno de sus frentes para recibir los cuatro
arcos. Dado este paso, la evolución y el enriquecimiento del pilar
románico es un camino natural.

Las puertas de templos y monasterios suelen ser
abocinadas, aspecto que persistirá en el gótico. El arco de la
puerta suele tener tímpano y, si la puerta es ancha, se refuerza el
dintel sobre el que descansa ese tímpano con un parteluz o
soporte central.
El arco utilizado en la arquitectura románica es el de medio
punto (semicircular) y de sección rectangular, enriqueciéndolo en
su intradós (superficie interior) con uno más estrecho, decorando
sus ángulos con dos molduras (saliente con perfil uniforme) de
sección semicircular.
A partir del siglo XII también se emplea el arco apuntado u
ojival, por dos segmentos curvos que forman ángulo en la clave.
Esta invención fue esencial para el desarrollo de la arquitectura
medieval posterior (gótico) pues los empujes que trasladaban

estos arcos (y por extensión las bóvedas apuntadas) a los pilares
y restos de estructuras eran mucho más verticales y fáciles de
resistir.
La columna y el pilar son los elementos arquitectónicos
esenciales para recibir el peso de las estructuras superiores
(arcos y bóvedas). La columna está compuesta por basa, fuste y
capitel. La basa de la columna románica es de tipo ática. El fuste,
a diferencia de las columna romanas y griegas y del resto de
estilos posteriores al gótico no es troncocónica ni tiene éntasis
(diferente sección en los extremos) sino completamente cilíndrica
(salvo en casos aislados).
La escultura y la pintura estuvieron subordinadas a la
arquitectura durante el románico. Así como pintores y escultores
eran considerados artesanos que solo contribuían con el objetivo
principal, que era el edificio, estas expresiones no se
consideraban relevantes en sí mismas.
Su manifestación más característica son los relieves,
especialmente los que se ubicaban en los portales de las iglesias.
Otro soporte de relieves fueron los capiteles de las columnas. Se
trata, en todos los casos, de una escultura sintética, repetitiva y
esquemática, sin intención de realismo o naturalismo.
Los temas más importantes fueron los bíblicos, sobre todo
la imagen de Cristo Juez del mundo (Pantocrátor) en el portal
principal. También se representaron santos, relatos evangélicos,

escenas fantásticas y parábolas. Gran parte de la pintura
románica se ha perdido. Han quedado manifestaciones de
decoraciones en iglesias, realizadas con la técnica del fresco, y
escasos ejemplos de pintura sobre tabla e ilustraciones de libros.
En Italia son comunes, además, las decoraciones
realizadas con mosaico. Del mismo modo que sucedió con la
escultura, la función de la pintura era narrativa, por lo tanto, la
mayor preocupación de los artistas era la claridad y la
expresividad de las imágenes.
Estas toman formas esquemáticas y sintéticas, con rasgos
convencionales que se repiten en distintas obras.
Bibliografía:
https://masdearte.com/especiales/arquitectura-romanica-
apuntes-basicos/
https://www.arteguias.com/arquitectura.htm
https://www.escuelapedia.com/blog/la-arquitectura-del-arte-
romanico/
https://enciclopediadehistoria.com/arte-romanico/
Elementos de arte icónicos del románico
Arquitectura
Esta
iglesia fue uno
de los puntos
de paso más
importantes en
uno de los
cuatro caminos
a Santiago de
Compostela, el
que comenzaba en Vézelay. El priorato fue fundado por el conde
Guillermo I de Nevers, que lo coloca bajo la autoridad de Cluny.
La iglesia prioral fue construida entre 1063 y 1097, momento en
que el abad de Cluny Hugo de Semur estaba considerando la
construcción de Cluny III, que comenzaría en 1088. Es probable
que la construcción de esta iglesia preparase el camino hacia el
gigantismo de Cluny.
La base arquitectura de la iglesia está plenamente
imbricada con el movimiento cluniacense de finales del siglo xi. La
planta de cruz latina del edificio muestra una iglesia románica
desarrollada. Su interior es muy sobrio y prácticamente carece de
elementos decorativos.
Iglesia de Saint-Etienne Consta de tres naves con seis
tramos, de los cuales el primero estuvo coronado por dos
campanarios románicos, las laterales coronadas por tribunas.
Amplio transepto con crucero cuadrado cubierto con cúpula sobre
trompas, con absidiolos orientados en los dos brazos. El coro está
constituido por un ábside semicircular con deambulatorio y tres
capillas radiales.
Escultura
La duda de santo Tomas: Este
relieve es uno de los más conseguidos
del claustro, si nos fijamos, parece que
las cabezas de los personajes
transmiten un ligero ritmo que nos lleva
hacia el primer plano de la izquierda.
En este momento, si la escultura
hablase, Jesús pronunciaría estas
palabras «Has creído porque has visto.
Dichosos los que creyeron sin haber
visto.
En la parte superior del relieve aparece un muro almenado
con torres donde se encuentran cuatro músicos, dos tocando
trompetas y otros dos con panderos, esta escena simboliza la
alegría de la Resurrección de Cristo.

En el centro de la escena se halla Pablo, justo al lado de
Jesús, este hecho resulta curioso porque Pablo nunca conoció a
Jesús en persona. poner a Pablo en este lugar simboliza a la fe
ejemplar, el polo contrario es la Duda de Santo Tomás, al otro
lado de la figura de Jesús.
Pintura
Madonna de la escuela de
Lucca: Esta corriente continua con el
anti naturalismo y la falta de
perspectiva de las etapas que la
preceden. Los colores son planos y
se yuxtaponen creando con-trastes.
Las figuras, hieráticas, son
predominantes y presentadas sin
proporción ni perspectiva sobre
fondos lisos. Los contornos de las
figuras están marcados por fuertes líneas oscuras y el espacio
está creado por las propias figuras distribuidas en él. Los temas
preponderantes son los bíblicos y hay una intención didáctica y
simbólica.

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El arte y la arquitectura en la prehistoria

Se les llama arte prehistórico a las distintas

manifestaciones ornamentales, y religiosas elaboradas por

el ser humano durante la era de la prehistoria. En esta categoría

entran las pinturas rupestres del cuaternario como también el arte

paleolítico o las construcciones megalíticas.

El arte prehistórico es una categoría muy amplia, en conde

se pueden encontrar manifestaciones plásticas y visuales de

distintos tipos y procedencia. En sus distintas acepciones fue

consecuencia de la expansión y diversificación de la especie

humana a lo largo del planeta, dando origen así a culturas y

civilizaciones muy distintas.

El arte prehistórico es sumamente diverso y contiene no

sólo dibujos y tallas que buscaban representar la vida real, sino

también utensilios, construcciones y artefactos con fines

funerarios, por ejemplo. Sus características tienden a ser:

-Todo tallado en madera, sílex, hueso o piedra, o pintado

en esta última mediante polvo de hemetita y otros pigmentos

-Presenta siempre un profundo significado religioso, ya que

lo místico o mitológico era un componente fundamental de

relación del ser humano con la realidad circundante.

simbolismo y el esquematismo, alejándose de las pretensiones

-En el caso del arte rupestre, se hallaba en las paredes

externas o superficiales de las cuevas y representa escenas de

caza o símbolos indescifrables.

La arquitectura prehistórica se refiere a las construcciones

primitivas de las que se tiene conocimiento y vestigios de su

existencia. A la arquitectura prehistórica se le puede dividir en tres

periodos: paleolítico, mesolítico y neolítico. Cuando el hombre era

nómada, sus refugios eran temporales y móviles. Esto se debe a

que eran grupos centrados en la caza y la recolección, por lo que

no pasaban mucho tiempo en un solo lugar. Se aprovechaban

refugios naturales, como cuevas o grutas, y los campamentos se

construían con materiales ligeros, como huesos y pieles. A este

periodo se le conoce como paleolítico.

Arte paleolítico: El más antiguo y primitivo de todos,

consiste en su mayoría en pinturas y relieves realizados con las

manos o con instrumentos de piedra, mediante técnicas

rudimentarias o empleando pigmentos extraídos de minerales

molidos. Sus dos tendencias son:

Arte parietal: La decoración de las paredes con formas

artísticas que representaban escenas de cacería

pared rocosa. Estas son las llamadas pinturas rupestres.

Arte mobilar: Relieves y pequeñas esculturas, en su

mayoría figurillas antropomórficas, como las distintas “venus”,

mujeres desnudas y talladas en piedra, con proporciones muy

exageradas de senos y caderas respecto al resto del cuerpo.

Arte mesolítico: El arte de este período representa una

transición entre las formas antiguas del Paleolítico y las nuevas

Arte neolítico: Durante la llamada Revolución Neolítica, en

que la humanidad abandonó la vida errante en favor de la

sedentaria, el arte prehistórico da un vuelco, apareciendo así

nuevos materiales que se iban descubriendo con las nuevas

técnicas sedentarias, como la cerámica, fruto del horneado.

El diseño de las viviendas solía ser muy elemental (dos

paredes y un techo). Eran hechas de piedra, sin ningún tipo de

mortero, y sólo eran apoyadas unas sobre otras. Este tipo de

construcción se llama megalíticas. Se dieron durante todo el

periodo neolítico y principios de la Edad de Cobre. Durante la

Edad de Cobre y después, se hicieron construcciones