¿Qué Es El Performance Fotográfico - Guía Básica, Corrientes y Consejos para Principiantes

¿Qué es el performance fotográfico?
Guía
básica, corrientes y consejos para principiantes
El Arte Contemporáneo pone incómodos a muchos, pues nos hace replantearnos todo lo que creemos
que está establecido, y quizás uno de los pasos más importantes de esta corriente revolucionaria fue el
de enseñarnos que el arte puede ser efímero.
¿Qué tan efímero? Tanto como las acciones del artista y desvanecerse en cuanto dichas acciones
terminan. Estamos hablando del performance: el arte de lo inmaterial, en el que el cuerpo del artista es
soporte a la vez que medio para la creación.
Y cabe preguntarse ¿Qué tiene que ver la fotografía con una disciplina efímera, inmaterial y ante todo,
física? A primera vista puede ser que nada ¿cierto?
Pues sí, tiene todo que ver, y aquí te decimos por qué.
Una crónica de la liberación de la fotografía

Anteriormente hablamos de cómo durante casi cien años, la fotografía fue usada como un mero método
de reproducción de la realidad, y cómo no fue sino hasta los años 70’s que una vanguardia de visionarios
por fin elevó la fotografía a la categoría de arte.
¿Cómo lo hicieron?
La fotografía en los años 50s:

Durante la primera mitad del siglo XX, la teoría fotográfica experimentó un gran refinamiento técnico, y
para la década de los 50’s ya se había inventado prácticamente todo lo concerniente a encuadres,
balance de blancos, apertura focal, tiempos de obturación, sensibilidad de la película, filtros polarizados,
etc.
Esta maestría técnica permitió que los fotógrafos de la época produjeran imágenes muy estéticas y bien
logradas, pero que a pesar de lucir muy bien en realidad no llegaban a alcanzar la categoría de “arte”,
pues únicamente transmitían una historia protagonizada por terceros y ante todo, atada a fenómenos y
eventos que ocurrían de manera orgánica.
Durante los 70’s la fotografía fue explorada de forma exhaustiva y se convirtió en un medio de
autorreflexión y crítica que escapó por completo de la racionalización y la institucionalización a través de
técnicas tomadas de otras disciplinas de avant-garde, como la yuxtaposición y el principio del collage.
Con el paso del tiempo, la fotografía se convirtió en un intermediario entre el performance y el público,
para finalmente, tomar fuerza y convertirse en una herramienta de creación por sí misma.
En el inicio, fue el perfomance.
En sus orígenes, el performance como expresión artística surgió como una afrenta a la objetificación y
comercialización del arte. Artistas como Dennis Oppenheimer deseaban “mostrar a los demás que el arte
no se limita a hacer objetos para llenar las galerías” .
Tales ideas pronto hicieron eco en la comunidad y al poco tiempo el performance ya se había
popularizado. Sin embargo, los performers pronto se dieron cuenta de que necesitaban documentar su
trabajo para poder difundir sus ideas y acciones con una audiencia mayor a los espectadores originales.
Otros artistas también usaron la fotografía para observar y analizar sus obras una vez concluidas.
Por estas razones, lo normal era que en cada performance hubiera un fotógrafo moviéndose a la par del
artista, y gracias a ello es que podemos disfrutar de performances legendarios de artistas como Chris
Burden, Marina Abramovic o Vito Acconci. Hasta aquí todo tiene sentido, pero quizá te estés
preguntando ¿cómo es que la fotografía pasó de documentar a crear?
El génesis del performance fotográfico
El performance no nació en un único lugar, sino que surgió de la evolución de los llamados happenings
que se popularizaron desde los años 20’s.
Digamos que los happenings fueron el diente de león que soltó sus semillas, las cuales fueron llevadas
por los vientos de la curiosidad y la experimentación para finalmente germinar en las tierras más fértiles
para la creación artística: las tierras abonadas con conflicto.
No es de extrañar que durante este periodo, Europa del Este -y las zonas bajo su influencia- resultaran
tan prolíficas en términos de desarrollo artístico. En plena guerra fría, bajo la sombra de un tambaleante
régimen autoritario, numerosas vanguardias surgieron en Berlín, Hungría y los numerosos -y
cambiantes- estados de los balcanes.
Estos fotógrafos de avant garde comprendieron el poder creativo de las herramientas que tenían y a
través de varios performances, plantaron cara al rancio realismo socialista impuesto por el régimen.
La fotografía como medio productivo, no reproductivo
Janos Veto -fotógrafo Húngaro de vanguardia- sostenía que “Por el bien de la fotografía, necesito interferir
con la realidad. Odio los momentos que han sido copiados. La cámara no copia, la cámara necesita
involucrarse con su sujeto. Tomar fotografías en acción”
Los artistas de Europa del este no fueron los únicos en llegar a estas conclusiones. En los 60’s, Allan
Kaprow ya estaba inquieto por los efectos que tenían las cámaras en sus happenings, pues descubrió
que los participantes se comportaban de manera distinta en el momento en que los fotógrafos llegaban
a la escena.
Así, un factor clave en la evolución hacia el performance es que la relación entre la cámara y el sujeto no
sirve únicamente para documentar eventos, sino también para determinarlos.
En palabras de la historiadora Emese Kurti: “(las fotografías) no eran meras reproducciones de la realidad,
sino intervenciones dentro de ella”.
Trascendencia del performance fotográfico
Durante los años siguientes, numerosos artistas abordaron el tema de la fotografía desde sus muy
particulares puntos de vista, dando lugar a performances que vale la pena conocer y estudiar, por
ejemplo:
Entendiendo el fenómeno del tiempo: Barbara Probst
Fotografía representando un nuevo tipo de comunidad imaginada, Barbara Probst
Para Barbara Probst, la fotografía no se trata de congelar un instante en el tiempo, sino que apuesta por
deconstruir la idea de que el tiempo es un fenómeno lineal en el que cada momento es disfrutado desde
una sola posición.
Su manera predilecta de hacerlo, es instruir a varios fotógrafos a que tomen fotografías del mismo sujeto
de manera simultánea, pero desde distintos puntos de vista. El resultado es una obra que nos permite
escapar a los límites impuestos por el cuadro.
Refrenando el comportamiento humano: Ma Liuming
Refrenando el comportamiento humano, Ma Liuming
Hace un par de párrafos mencionamos que una fotografía puede determinar eventos, y es que la
presencia de un observador -como la cámara- hace que las personas tiendan a refrenar su
comportamiento.
En 1974, Marina Abramovic llevó a cabo su legendario performance Rhythym, en el que durante seis
horas, permitió que los asistentes usaran 72 objetos distintos en ella. De este performance quedan
algunas fotografías y perturbadores testimonios.
De manera similar, Ma Liuming invita a la audiencia a formar parte de su obra. Se sienta en un escenario,
desnudo y a veces drogado, mientras la audiencia puede interactuar con él frente a una cámara que
constantemente toma fotografías.
Ante este observador constante, el comportamiento del público de Liuming tiende a ser lúdico en lugar
de violento -como el público de Rhythym. Ambos performances son importantes estudios de la
vulnerabilidad, el comportamiento y la violencia humana.
Cambiando nuestra perspectiva del tiempo: Tehching Hsieh
Performance de un año 1980-1981, Tehching Hsieh
Tehching Hsieh es un artista famoso por su capacidad de someterse durante largos periodos -a saber, un
año- a condiciones duras. En Time Piece, Hsieh “checó tarjeta” cada hora del día de manera puntual
durante todo un año, y registró cada “checada” con una fotografía.
La pieza resultante fue un video en el que los fotogramas eran cada una de estas fotografías, de modo
que los eventos de un año se veían reducidos a un frenético video de seis minutos.
Con ello, Hsieh despertó importantes cuestionamientos respecto a la naturaleza del tiempo y las
fronteras entre la vida y el arte.
¿Cómo hacer performance fotográfico?
No hace falta ser un artista consagrado para hacer performance. Basta tener el impulso creador y la
curiosidad por experimentar para tener el derecho a incursionar en esta disciplina.
Eso sí, para hacer performance fotográfico necesitas varias cosas que se dividen en dos rubros: físicas y
teóricas.
Las cosas físicas que necesitas para hacer arte fotográfico son pocas, y se reducen a una cámara, tu
propio cuerpo y un entorno. Esta tríada es más que suficiente para una producción artística basta.
En cambio, de lo que sí necesitas tener mucho, es de la teoría. Hacer performance se trata de tener una
idea y encontrar una manera de expresarla, y para ello hace falta un enorme bagaje cultural que
comprenda conocimientos de literatura, antropología, política, historia, música y sobre todo, mucha,
pero mucha filosofía.
¿Dónde puedo aprender todo esto?
Nuestra época es la mejor hasta ahora para los apasionados por el conocimiento. No importa que no
tengas tiempo para acudir a escuelas de arte, pues puedes aprender todo lo que necesitas vía internet,
mediante cursos especialmente diseñados por profesionales como los que ofrecemos en Luz Viajera.
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Si como a nosotros, te apasiona la fotografía y quieres explotar todo su potencial creativo, te interesan
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apasionante círculo de la fotografía artística contemporánea.
¿Estás listo para empezar a crear?
Fuentes:
https://www.tandfonline.com/doi/full/10.1080/25739638.2019.1664879
https://www.mocp.org/exhibitions/2000/4/cameraaction-performance-and-photography.php
https://www.moma.org/calendar/exhibitions/1087
https://www.perfil.com/noticias/cultura/la-fotografia-como-performance.phtml

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