John Paynter e a Música-Teatro em Sala de Aula

Comunicação
Victor Brum Esteves Pires
Universidade Federal do Rio de Janeiro
[email protected]

Resumo: O presente trabalho tem por objetivo buscar possibilidades para ensinar arte de
forma integrada, reunindo diversas formas artísticas, tais como música, dança, teatro e artes
visuais, em sala de aula. Para isso, mostra os princípios educacionais seguidos pelo educador
musical John Paynter, sendo um dos pontos de sua linha de pensamento a defesa dessa
integração. No decorrer do trabalho, são apresentados três livros escritos por Paynter na
década de 70, explicitando a forma de estruturação majoritária destes: os Projetos. Utilizando
estes Projetos, ele propõe a integração de diversas formas artísticas e seu uso na educação
escolar. Essa integração é por ele denominada Música-Teatro.
Palavras chave: Paynter. Música-Teatro. Ensino de arte.

Introdução

O grande dilema pelo qual passa todo músico-professor em sala de aula: como
transportar a música para perto?; como transpor a distância que se coloca, atualmente, entre
os executantes da música -aqueles que aparecem na televisão e tocam na rádio, no senso
comum- e os meros ouvintes?; enfim, como ensinar música?. Frente a esse dilema, nós,
músicos-professores, não sabemos como agir.
A partir desse dilema, existem algumas saídas. Uma delas é recordar-se de como
aprendeu e fazer da mesma forma. Outra é procurar soluções de outras pessoas e reproduzi-las
como um método, acriticamente. Uma terceira é procurar soluções de outras pessoas e
apropriar-se delas, aprender a conhecer o seu sentido, pois é o que "constitui a base de
sustentação e o fundamento de possibilidade para qualquer outro aprender" (LEAO, 1977, p.
47), para enfim transcriá-las. Este é, talvez, o movimento mais consciente e sincero dentre os
três: não é uma busca por um método de ensinar música. Acima disso, é uma construção a
partir dos princípios, da filosofia de ensino de cada educador.
Ao buscarmos referências de educadores musicais, deparamo-nos, quase sempre, com
alguns conhecidos nomes, tais como Dalcroze, Orff, Schafer, entre outros. Podemos esbarrar

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ainda em nomes menos conhecidos, tais como Boris Porena, Teophil Maier, entre outros.
Certamente chegaremos ao livro "De Tramas e Fios", um dos principais em português sobre
Educação Musical. Dele, extraio o seguinte trecho:

O mais significativo na educação musical é que ela pode ser o espaço de

inserção da arte na vida do ser humano, dando-lhe possibilidade de atingir
outras dimensões de si mesmo e de ampliar e aprofundar seus modos de
relação consigo próprio, com o outro e com o mundo. Essa é a real função da
arte e deveria estar na base de toda proposta de educação musical.
(FONTERRADA, 2008, p. 117)

O trecho citado indica a educação musical como um caminho possível para a ’inserção
da arte na vida do ser humano’. A autora não fala em um caminho para a ’inserção de música’,
e sim de arte. Ela mostra-nos que a aula de música pode não abordar somente a música,
reunindo diversas formas artísticas. A presente pesquisa busca possibilidades para o ensino a
partir desta integração da música com as demais artes.

John Paynter

A autora Fonterrada faz uma classificação temporal dos educadores musicais citados
no segundo capítulo seu livro "De Tramas e Fios" (FONTERRADA, 2008): Educadores da Primeira
e da Segunda Geração.
Dentre os Educadores da Segunda Geração, um apresenta uma abordagem de
aproximação da música alinhada com essa pesquisa: uma proposta de integração entre Música,
Drama e Dança feita no livro The Dance and the Drum. John Paynter (1931-2010), compositor e
educador musical britânico, atuou como professor na Universidade de York, como professor em
escolas e como diretor do projeto Music in the Secondary School Curriculum entre 1973 e 1982.
A maior parte de seus livros foi escrita entre as décadas de 70 e 90. A fim de encontrar os
princípios para a Educação Musical defendidos por Paynter, três livros foram selecionados para
apresentação no presente texto: "Sound and Silence" (1970), "Hear and Now - an introduction
to modern music in schools" (1972) e "The Dance and the Drum - integrated projects in music,
dance and drama for schools" (1974). Acredita-se que estes três, embora não abarquem a
totalidade de sua obra, consigam balizar a visão de Paynter, que apresenta-se como uma
possibilidade dentro da integração desejada.

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Sound and Silence

Essa seção está baseada em (PAYNTER; ASTON, 1970), sendo as páginas de referência
indicadas quando houver necessidade. As traduções foram feitas a partir do texto original.
Este livro de 1970, escrito em coautoria com Peter Aston, foi a primeira publicação de
John Paynter. Na introdução (p. 2-8), intitulada Music in a liberal education, os autores
propõem duas questões que revelam sua busca: Por que ensinamos música? e Como
adequamos o ensino de música ao padrão de educação atual?. Apesar de o termo ’atual’
referir-se à Inglaterra da década de 60, pode-se buscar extrair os princípios propostos por estes
autores para adaptá-los ao presente.
Um ponto pertinente que nos é apresentado na introdução é o fato de a educação
escolar ser para todos os alunos, não somente para os mais musicais. A música, enquanto
disciplina escolar, deve contribuir para a ’educação total’ dos alunos. Essa contribuição, por ser
a música uma comunicação de ideias e emoções para os autores, é dada ao colocar-se como
papel desta a possibilidade de projeção dos sentimentos do indivíduo. Para potencializar essa
comunicação, os autores utilizam a exploração criativa das matérias-primas da música, sons e
silêncio, para conhecimento dos recursos disponíveis. Afinal, como em todo meio de
comunicação, conhecer seus recursos abre novos caminhos para o ’comunicar’. Essa
experimentação criativa (composição empírica) possibilita, além do conhecimento musical
associado à exploração de novos sons, um desenvolvimento crítico por parte dos alunos, já que
estes irão buscar os sons que melhor expressem aquilo que querem comunicar. Essa exploração
é a principal base para o que os autores denominam ’Música Criativa’, sendo esta uma
importante definição dentro da obra de Paynter, retornando algumas vezes dentro dos livros
aqui apresentados.
Outro ponto importante levantado é a defesa de que o conhecimento é fruto da
experiência. Eles vão além, defendendo que as disciplinas escolares não permitem a
interdependência, não possibilitando, de fato, um aprendizado integral. Por isso, uma educação
liberal deve "realizar esforços conscientes para remover as divisões entre ’disciplinas’." (p. 3).
Na segunda parte da Introdução (p. 9-23), intitulada Introduction to the projects, os
autores expõem a forma através da qual organizaram esse livro, uma organização recorrente na

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obra de John Paynter: a divisão em Projetos. Essa divisão é feita por ele por não haver uma
proposta de método em seus livros. Os projetos são apresentados como sugestões de linhas de
trabalho, sendo os professores encorajados a desenvolver novos projetos seguindo essas
linhas.
Dentro desses projetos, há uma divisão em quatro partes: ’A’, ’B’, ’C’ e ’D’.
 Na Parte ’A’ introduz-se o projeto, apresentando em linhas gerais a temática a ser
elaborada neste;
 A Parte ’B’ apresenta diversas tarefas para serem executadas na aula em grupos,
individualmente ou com toda a turma, algo que deve ser adaptado de acordo com a
faixa etária e históricos dos alunos;
 A Parte ’C’ possui exemplos de trabalhos realizados em turmas, apresentando a
descrição e partitura (se houver) dos resultados;
 Na Parte ’D’, os autores apontam exemplos de músicas, imagens, livros, etc. que têm
relação com o tema do projeto.

Algumas características foram observadas nesses projetos:

 O papel do professor nas aulas é o de "ajudar ao aluno no desenvolvimento de suas
próprias capacidades críticas e percepções" (p.7). Por isso, vários destes são elaborados
junto com os alunos (a escolha de temas, quais e quantos instrumentos utilizar, etc.);
 Muitas perguntas são colocadas no texto para serem usadas nas aulas, a fim de
incentivar a discussão inicial entre professor e alunos e para reflexão prévia por parte
do professor;
 Muitos projetos demandam uma grande diversidade de instrumentos. O intuito é
possibilitar a experiência de variados timbres por parte dos alunos. No entanto, isso
pode apresentar-se como uma dificuldade;
 Esses projetos foram pensados para aplicação no período equivalente ao segundo
segmento do Ensino Fundamental e Ensino Médio, podendo ser adaptados para outros
públicos-alvo;
 Os temas dos projetos repetem os termos ’Criação’ e ’Exploração’. Paynter, por
defender o aprendizado pela experiência, sempre propõe participação ativa por parte

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 dos alunos, buscando que essa participação seja incentivada pelas tarefas propostas. O
professor propõe cada tarefa e deixa a condução com os alunos. Por isso, vários
projetos propõem ’Criação’ e ’Composição’ para os alunos, bem como incentivam-nos a
fazer a ’Exploração’ prática do assunto a ser abordado.
Outra observação importante sobre os projetos: muitos exemplos musicais são
apresentados, não sendo estes reduzidos a um período da música. No entanto, são, em sua
maioria, exemplos de músicas do séc. XX. O principal fator para tal escolha é a linha de
pensamento de Paynter, buscando sempre apresentar a ’música do presente’. Para ele, "A arte
que é mais relevante para nós é a música de nosso tempo" (p. 4). Nos projetos, há
inegavelmente uma aproximação ao pensamento composicional do séc. XX: diversos deles
utilizam exemplos e técnicas vinculadas a este.
Alguns projetos, na busca pela extinção das divisões entre ’disciplinas escolares’,
relacionam textos [Projetos 4, 5, 18, 19 e 20], artes visuais [Projeto 11], dança [Projetos 8 e 35]
e teatro [Projetos 7 e 36] à música. Apesar de possuir suas próprias especificidades técnicas, a
música, para os autores, pode e deve ser abordada interartisticamente. Para essa utilização
integrada de formas artísticas em sala de aula é importante que se tenha em mente um trecho
do primeiro parágrafo do Projeto 36:

Crescemos tão acostumados à ideia de escutar a perfomance de músicos

virtuosos que, por vezes, esquecemos que a música de concerto é uma
invenção relativamente recente. Povos primitivos eram incapazes de conceber
a música separada de palavras e ações. (...) Tendo ganhado por esse processo
de especialização, ela [a música] perdeu seu caráter ritualístico, seu
sentimento de pertença à vida das pessoas comuns. (...) A música perdeu seu
sentido de Teatro. (PAYNTER; ASTON, 1970, p. 335)

Ou seja, a integração das artes não é recente. Essa proposta dos autores é, na verdade,
um retorno à integração.

Hear and Now

Essa seção está baseada em (PAYNTER, 1972), sendo as páginas de referência

indicadas quando houver necessidade. As traduções foram feitas a partir do texto original.

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 Este livro de 1972 trata, como explicitado em seu subtítulo, do uso da música moderna
em escolas. Novamente, buscou-se tentar extrair princípios de ordenação do pensamento do
autor.
O livro Hear and Now parece ser uma fundamentação teórica do autor para seu
primeiro livro. Portanto, alguns pontos são retomados enquanto outros são esclarecidos ou
ampliados.
Novamente, Paynter deixa claro já no primeiro capítulo do livro (p. 9-14) que este não
é proposto tendo em mente o ensino especializado de música, mas sim o ensino de música em
escolas de educação básica. A justificativa principal para a presença de arte no currículo escolar
é que esta educa os sentimentos, desenvolvendo a sensibilidade e o senso estético dos alunos.
Um dos pontos ampliados pelo autor é a questão da notação musical, afirmando que a
música "Não é pontos no papel: ela é sons." (p. 9). O amplo enfoque na escrita dado pela
educação musical é, na opinião de Paynter, uma das razões pelo afastamento da execução
musical do cotidiano das pessoas, por haver a confusão dos "símbolos com a coisa real" (p. 9).
Buscando minimizar a notação, os pontos fundamentais na ’Música Criativa’ são a imaginação,
o indivíduo e o que este consegue fazer com os materiais que possui. No entanto, o autor não
descarta a representação das músicas, mostrando exemplos, no decorrer do livro, de sugestões
alternativas de notação, "verdadeiros desenhos de como os sons devem comportar-se" (p. 12),
sendo estas sugeridas para possibilitar seu registro e consequente possibilidade de reprodução
em um momento posterior.
No capítulo 2, na página 18, o autor distingue três elementos musicais:
Melodia - relação entre sons de altura específica;
Ritmo ou Dimensão Temporal - espaço de tempo no qual a música ocorre e dá-se sua sensação
de movimento;
Timbre - tipo de som.
Apesar de não ser possível separar os três, o autor procurou direcionar os capítulos 3,
4 e 5 de maneira que as propostas de cada um priorizassem um dos elementos. O capítulo 3
focou principalmente o Timbre, o capítulo 4 tem foco na Melodia e o capítulo 5 aborda o Ritmo.
Nestes, Paynter permanece apresentando, de forma discursiva, formas de se ter a experiência
com estes elementos, não construindo Projetos.

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 Um ponto importante sobre o capítulo 3 é que este tem como foco principal o trabalho
com sons, o aprendizado da escuta, a exploração de timbres. Por trabalhar também com alunos
que não possuem conhecimento musical prévio, Paynter defende o uso de diversos timbres em
sala de aula e construção de músicas. Apresenta como uma das vantagens para essa
abordagem a não existência de "uma ’gramática’ de convenções que se apresenta a nós como
um conjunto de regras. São as regras que afastam as pessoas: ’Posso fazer isso ou aquilo?’. Há
somente uma regra: Escutar atentamente." (p. 34). Uma aula que objetive a composição
musical tem como etapas a coleta de materiais sonoros; a manipulação e adaptação destes
para reprodução vocal; a transcriação para reprodução instrumental. A música pode ainda ser
escrita. Em uma execução, o regente assume a função de realizar as transições e dar indicações
de entrada e expressão para os demais alunos.
Existe uma mudança de abordagem em relação ao seu primeiro livro digna de nota. Em
Sound and Silence, o autor coloca como necessário para uma aula de música a existência de
uma vasta gama de instrumentos musicais de boa qualidade. Em Hear and Now, é necessária
uma vasta gama de coisas que produzam sons (p. 30). Isso demonstra a presença cada vez
maior da Música Criativa como parte fundamental do pensamento pedagógico de Paynter.
Além disso, expande a viabilidade de suas propostas no contexto escolar.
O capítulo 6 do livro apresenta outros livros e partituras que podem ser executadas em
sala, todos do séc. XX. No capítulo seguinte, essa lista prossegue apresentando mais livros,
gravações, partituras e compositores, tendo sempre o intuito de seu uso como recurso em sala
de aula ou como possibilidade para pesquisa por parte do professor. O último capítulo
apresenta-se como um fechamento, retomando pontos importantes apresentados no livro:
 Música em sala de aula educa os sentimentos;
 O início deve ser um ponto onde todos os alunos possam ser alcançados, sem
necessidade de conhecimentos musicais prévios;
 Usar a música do presente é a melhor forma de despertar curiosidade nos alunos.
A frase final do livro sintetiza bem o que parece ser a proposta de ser uma introdução
exposta em seu título:

Uma vez despertado o entusiasmo de nossos alunos, podemos guiá-los na

descoberta de mais e mais sobre a diversidade da música, não somente do

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 presente, mas também do passado. O ponto crucial é fazê-los começar.
(PAYNTER, 1972, p. 96)

Antes de prosseguir para o próximo livro, no entanto, cabe retornar ao final do

capítulo 3. Há nele uma proposta da integração da música com outras formas artísticas. Dois
pontos importantes devem ser ressaltados:
1. Paynter sugere que se pergunte ’Que tipo de sons eu preciso para ilustrar essa
ideia?’ quando for utilizar outra forma artística, p. ex. um poema, como ponto de partida para a
criação de música;
2 Na criação de um drama, é necessário que a música não fique responsável pelos
efeitos, e sim que o pensamento seja musical. Um dos perigos da utilização da integração é a
subserviência entre as formas envolvidas. Ou seja, deve-se buscar que drama, música,
movimento e artes visuais se influenciem, não havendo uma forma mais importante que as
outras.

Para referir-se a essa forma de arte integrada, Paynter utiliza o termo Música-Teatro,
apesar deste não ter sido utilizado em seu primeiro livro e não haver explicação sobre ele nesse
livro. Somente em seu terceiro livro, The Dance and the Drum, esse tema é tratado mais a
fundo. Sobre esta, o autor afirma em Hear and Now que ela pode não ser uma boa escolha para
o trabalho com iniciantes em música. A razão exposta por ele é que a música, mesmo
emergindo de uma integração, deve ser "capaz de desenvolver-se em seus próprios termos - os
sons" (p. 34). Na verdade, a proposta do autor nesse livro é que, ao surgirem as ideias musicais,
um grupo se destaque para desenvolvê-las enquanto o outro aperfeiçoa a dança e o drama. Ou
seja, a reunião ocorre somente no final, não sendo ainda uma forma integrada na concepção e
desenvolvimento.

The Dance and the Drum

Esse capítulo tem base em (PAYNTER; PAYNTER, 1974), sendo as páginas de referência
indicadas quando houver necessidade. As traduções foram feitas a partir do texto original.
O terceiro livro de Paynter é uma compilação de 12 projetos em Música-Teatro
escritos em coautoria com sua esposa, Elizabeth Paynter. No primeiro parágrafo da Introdução

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(p. 9-11), o autor revela o objetivo do livro: desenvolver habilidades criativas e imaginativas nos
alunos utilizando música, dança e drama. Música-Teatro é o termo utilizado para representar
essa "integração total de todos os elementos de expressão humana que chamamos de arte. Ou
seja: palavras, movimento, música e as artes visuais bi- e tri-dimensionais" (p. 9). No decorrer
da introdução, o discurso nos mostra o afastamento que a sociedade contemporânea teve
dessa forma de arte, talvez a mais antiga existente. O processo de especialização de cada uma
das formas de arte, ao mesmo tempo que propiciou o surgimento daquelas que denominamos
’obras-primas’, afastou as pessoas comuns, as ’não-talentosas’, e "as artes tornaram-se uma
província de um pequeno grupo" (p. 10). O envolvimento de um grupo com a Música-Teatro é,
portanto, uma reaproximação do sentido ritualístico das artes, gerando um sentimento de
participação nos envolvidos, o que possibilita "trazer as artes performativas novamente para a
órbita da experiência cotidiana" (p. 10).
As temáticas apresentadas no livro para cada projeto estão baseadas em mitos e
lendas e podem utilizar, além de música, dança e drama, materiais adicionais tais como
máscaras, fantasias e títeres. Cada um deles apresenta: 1- narrativa; 2- projetos preliminares
em música, dança, drama e artes visuais; 3- história, onde são expostas as personagens da
narrativa e as situações. Novamente, as sugestões de atividades não são ’passos a serem
seguidos’: devem ser adaptadas ou modificadas de acordo com a turma. Essas sugestões são
dadas tendo como base a experiência prévia dos autores com Música-Teatro em sala de aula.
Não há método: a forma da peça, o que será utilizado, etc. devem ser decididos pela turma e
pelo professor.
Uma importante proposta é defendida para o trabalho com Música-Teatro (p. 12):
quando e se possível, esses projetos devem ser realizados em formato de workshop, abrindo-se
mão das aulas de uma hora semanais em prol de um curso concentrado. A experiência de um
workshop de dois dias voltados para uma atividade é mais intensa para os envolvidos do que
aulas espalhadas ao longo do mês. Como principal defesa para essa proposta está o fato de que
trabalhos de criação demandam tempo por conta do processo de experimentação. Por ser uma
atividade que envolve criatividade e imaginação, a Música-Teatro possui uma característica
interessante. Nas palavras dos autores, "Música-Teatro depende mais do poder de sugestão do
que do realismo teatral" (p. 13). Ou seja, é muito mais simbólica do que representativa.

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 Na seção Making the music do livro (p. 14-16), os autores apresentam princípios para a
Música Criativa, com destaque para:
1. Problema dos efeitos sonoros: em geral, seu uso não é musical, cumprindo o papel
de adições ao teatro, minimizando a relevância da música. Deve-se cuidar para não haver,
como dito no livro Hear and Now, uma forma artística que seja dominante: busca-se uma
verdadeira integração entre os elementos visuais, musicais e dramáticos;
2. Crítica auditiva: os envolvidos devem desenvolver sua habilidade de escolha dos
sons, procurando o tipo de padrão sonoro que melhor expresse o que querem dizer.
A seção Masks, props, costumes and puppets (p. 17-23) mostra formas de confecção
dos adereços. No entanto, tal como na música, eles não necessitam ser realistas: "eles talvez
sejam mais efetivos se forem meras sugestões, ao invés de serem cópias fiéis de coisas reais"
(p. 17).

Projetos Integrados

A faixa etária proposta neste livro para o trabalho com os projetos integrados é de 9-
13 anos, o que corresponde aproximadamente ao período entre 4º e 9º ano. Apesar dessa
sugestão, no entanto, os autores deixam espaço para a adaptação para outras idades. As fontes
utilizadas para o desenvolvimento dos 12 projetos apresentados no livro são mitos e lendas
oriundos de diversos povos. Os autores incentivam os professores a desenvolver seus próprios
projetos utilizando outros pontos de partida.
Segue uma síntese das fontes utilizadas em cada projeto com suas respectivas origens:
Projeto 1 Mito da criação do mundo - Origem: Iorubás
Projeto 2 Mito sobre a origem do pôr-do-sol - Não identificada
Projeto 3 Mito explicando a duração do dia - Origem: Povos das Ilhas do Pacífico
Projeto 4 Lenda de Kigbo - Não identificada
Projeto 5 Lenda sobre o poder mágico da música - Origem: Povos Songhai do Oeste da África
Projeto 6 Lenda sobre a origem da Camlet Flower - Origem: Uruguai
Projeto 7 Mito sobre a origem de Verão e Inverno - Origem: Índios Wabanaki
Projeto 8 Lenda sobre os perigos do oceano - Origem: Escócia
Projeto 9 Lenda sobre a origem das marcas em uma rocha - Origem: Escócia

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Projeto 10 Lenda sobre São Jorge - Origem: Inglesa
Projeto 11 Lenda sobre Bel, deus babilônio - Origem: Extraído do livro apócrifo Bel e o Dragão
Projeto 12 Adaptação de uma peça Noh - Origem: Japão

Conclusão

No início do texto, propôs-se buscar formas de ensinar arte aos alunos de forma
integrada. Os Projetos de Paynter em Música-Teatro apresentam-se, portanto, como uma
possibilidade de resultado para essa busca, por serem pensados de forma integrada
artisticamente e para aplicação em ambiente escolar.
Um ponto importante nessas propostas é o fato delas não serem fechadas. Os
professores podem adaptá-las para a realidade tanto material quanto humana das turmas.
Possuem ainda um objetivo bem definido e adequado para o papel que a escola cumpre ou
deve cumprir atualmente: a formação do homem. Entretanto, exigem uma mudança de
pensamento. A experimentação dessa integração é necessária a fim de um professor de música
conseguir utilizá-la em suas aulas. No entanto, essa experimentação é difícil pois a projeção de
suas ideias no Brasil ainda é pequena, apesar destas terem se espalhado bastante pela Europa,
EUA, Canadá, Argentina, etc. Dentro da bibliografia encontrada em português sobre esse autor,
os exemplos de maior expressão são o livro de Fonterrada aqui citado e o capítulo escrito por
Teresa Mateiro (MATEIRO, 2011) no livro Pedagogias em Educação Musical. Todavia, o enfoque
dado para a obra de Paynter em quase todo exemplo encontrado é sobre o seu uso de música
contemporânea em sala de aula. Inegavelmente, ele defende este uso, tal como apresentado
nos capítulos anteriores. Entretanto, não há foco sobre a integração entre as artes que, assim
como o uso de música contemporânea, perpassa as três obras aqui vistas. Essa proposta não é
citada por Fonterrada e é apresentada brevemente por Mateiro. Além disso, apesar de esta
pesquisa não abarcar todas as obras em português que falam sobre John Paynter, o livro The
Dance and the Drum, no qual ele desenvolve a proposta do uso de Música-Teatro em sala de
aula, não foi encontrado nas referências de nenhum dos livros, teses e artigos encontrados.
Em meio a uma ausência de bibliografia em português disponível de e sobre Paynter,
tanto em bibliotecas quanto na internet, o presente texto pretende-se uma luz inicial sobre o
caminho encontrado por esse educador para reconciliar as formas artísticas e para a utilização

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destas como um todo orgânico em sala de aula. Um pontapé na utilização da Música-Teatro
como possibilidade de trabalho em aula, aproximando-a do contexto escolar.

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Referências

FONTERRADA, M. T. de O. De Tramas e Fios: um ensaio sobre música e educação. 2. ed. São

Paulo: Editora UNESP, 2008.

LEAO, E. C. Aprender e ensinar. In: ______. Aprendendo a Pensar. Petrópolis: Vozes, 1977. v. 1,
cap. 4, p. 44–50.

MATEIRO, T. John Paynter: A música criativa nas escolas. In: ILARI, B.; MATEIRO, T. (Org.).
Pedagogias em Educação Musical. Curitiba: Ibpex, 2011. cap. 8, p. 243–274.

PAYNTER, J. Hear and Now: an introduction to modern music in schools. Amersham, England:
Universal Edition, 1972.

PAYNTER, J.; ASTON, P. Sound and Silence. London, England: Cambridge University Press, 1970.

PAYNTER, J.; PAYNTER, E. The Dance and the Drum: integrated projects in music, dance and
drama for schools. Amersham, England: Universal Edition, 1974.

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