E.E.

Ênio Pipino

APOSTILA DE
Fundamental e Médio

OP

ARTE Naiif
Professora – Silvana N C Lopes

A R T E S
Arte, linguagem visual.
9º ANO - E. Fundamental

Alun@_________________________________________________________________

Turma ____________________________Período______________________________
A Cor e sua Aplicação na Arte

A cor é o mais importante código

visual. Ela faz parte do nosso dia a
dia impregnado de simbologia e Cores secundárias
significados. Na natureza está
distribuída harmoniosamente
inspirando o homem na hora de sua
O verde, o laranjado e o roxo
aplicação nas artes, na moda, até
são cores secundárias. Cada uma
influenciando nossas emoções e até delas é formada pela mistura de
o nosso humor. Para melhor duas primárias.
dominar o seu uso enquanto
pigmento, podemos classificar as Cores terciárias
cores em: primárias, secundárias,
terciarias e neutras. As cores terciárias são
resultantes da mistura de cores
primárias com secundárias.

Cores neutras
Cores Primárias
O preto o branco e o cinza,
em todas as suas tonalidades, claras
ou escuras formam as cores neutras.
As demais cores, quando perdem o
seu colorido pela excessiva mistura

O amarelo, o azul e o vermelho são

com o preto, o branco ou o cinza,
também se tornam cores neutras. As 2
cores primárias. Ou seja, elas são mais comuns são o marrom e o bege.
puras, sem mistura. É a partir delas
que são feitas as outras cores. Cores análogas

São as cores que não apresentam

contraste entre si. Elas são
constituídas de uma base cromática
em comum. São vizinhas no disco
cromático.
Tríades
Tríade significa três, e estas também são fáceis de descobrir. Basta escolher uma
cor da roda de cores e ir para as outras duas cores que se encontram exatamente a um
terço do caminho em torno da roda.

Vermelho, Amarelo e Azul – A Tríade Primária.

Estas são as cores primárias e geralmente coincidem com item para crianças
(pense nos jogos para crianças, cartoons e brinquedos).

Verde, Roxo e Laranja – A Tríade Secundária

Estas são as cores secundárias, criadas a partir das cores primárias. As outras
cores da roda (cores terciárias) são misturas das cores primárias e secundárias. As
cores terciárias podem também ser combinadas com paletes de Tríades

Pinte o Circulo Cromático

3
 Desenho inspirados nas obras de Beatriz Milhazes
1ºPinte o primeiro desenho com cores primárias e o segundo com as cores secundárias.
2º Pinte o desenho abaixo com cores terciárias.
3º Pinte a mandala com cores análogas.
4. Pinte o desenho abaixo com cores complementares.

4
Crie seu desenho inspirado nas obras de Beatriz Milhazes

5
 Geometria- Circunferência, Círculos e Esferas

A
rte e matemática - criatividade, beleza, universalidade, simetria, dinamismo, são
qualidades que frequentemente usamos quando nos referimos quer à Arte quer à
Matemática. Beleza e rigor são comuns a ambas. A Matemática tem um notável potencial
de revelação de estruturas e padrões que nos permitem compreender o mundo que nos rodeia. Desenvolve
a capacidade de sonhar! Permite imaginar mundos diferentes, e dá também a possibilidade de comunicar
esses sonhos de forma clara e não ambígua. E é justamente esta capacidade de enriquecer o imaginário, de
forma estruturada, que tem atraído de novo muitos criadores de Arte e tem influenciado até correntes
artísticas.
Como a história demonstra, a Matemática evolui muitas vezes por motivações de ordem estética.
Como dizia Aristóteles"Os filósofos que afirmam que a Matemática não tem nada a ver com a Estética, estão
seguramente errados. A Beleza é de facto o objecto principal do raciocínio e das demonstrações
matemáticas", e Hardy afirmava que "O matemático, tal como o pintor ou o poeta, é um criador de padrões.
Um pintor faz padrões com formas e cores, um poeta com palavras e o matemático com ideias. Todos os
padrões devem ser belos. As ideias, tal como as cores, as palavras ou os sons, devem ajustar-se de forma 6
perfeita e harmoniosa."
Até à Renascença a oposição entre Arte e Matemática não tinha grande sentido. Basta olhar para o
gênio universal de Leonardo de Vinci. Hoje a atividade artística reivindica de novo a influência matemática -
Klee, Kandinsky, Vasarely, Corbusier, Xenakis, e muitos outros deixaram-se fascinar pela Matemática que
exploraram com novas possibilidades ópticas, novos algoritmos de criação, novas geometrias (não
euclideanas, fractais, etc.) mais recentemente potenciados pelo uso da computação, síntese sonora, e outras
potencialidades técnicas.
Relembrando:

a) Ponto é a unidade de comunicação mais simples e é representado por uma pequena marca sobre um
determinado espaço ou base.
b) Linha é o deslocamento do ponto. Se o deslocamento acontece numa mesma direção (linha reta), sem
direção definida (linha sinuosa), em linha reta, mas, por vezes, mudando de direção (linha quebrada) e sem
direção definida, depois numa mesma direção, em seguida sem direção definida... (linha mista).
c) Forma é quando uma linha contínua muda de direção algumas vezes e volta ao ponto inicial. Formas
geométricas básicas:
 Circunferência, Círculo e Esfera

A circunferência é uma linha continuamente curvada cujos pontos estão todos na mesma
distância de um ponto central, chamado centro do círculo.
O círculo é a forma geométrica mais enigmática de todas e foi considerada a forma perfeita
pelos nossos antepassados. A forma circular produz um movimento de rotação evidente e possui
enorme valor simbólico. Psicologicamente
representa proteção, instabilidade, totalidade,
movimento contínuo e infinito.
A projeção tridimensional da
circunferência é a esfera, o corpo geométrico
mais perfeito, o que contém um maior
volume em um menor espaço e é ela que
define a forma tanto dos átomos como dos
corpos celestes. Beatriz Milhases -
"Sinfonia Nordestina" 7
A circunferência e o círculo são talvez os
elementos geométricos mais perfeitos e estáveis, embora carregados de uma grande carga dinâmica.
A maioria dos desenhos se inicia pelos círculos e depois são unidos por linhas, como no exemplo
abaixo, Exemplos!

Crie seu desenho !!!

Passo a passo.
 As obras de arte: Pontos, Linhas e Formas
o touro . Tarsila do Amaral
Os artistas, ao longo dos séculos se
expressaram com os mais variados tipos
de materiais e elementos gráficos. Os
artistas utilizaram todos os tipos de
linhas e formas nas suas obras, alguns se
expressaram mais com as linhas retas
(Mondrian), outros misturam retas e
curvas (Tarsila) e outros utilizam mais as
curvas (Kandinsky), principalmente os
círculos.
A seguir, exemplo de obras de arte
que mostram os tipos de linhas e formas usados pelos artistas
Atividades
Observe o quadro de Tarsila do Amaral e faça uma releitura usando principalmente círculos, esferas
e circunferências.
8
 Entenda a diferença entre:
logo, logotipo, marca e logomarca

E
m grego, “logos” significa conceito, significado. Já “typos” significa símbolo ou
figura. Assim, logotipo significa símbolo visível de um conceito. Exemplo: se um
cliente nos entrega um conceito a ser trabalhado, esse é o logo. A partir desse
conceito, criamos um símbolo gráfico, que é o tipo.
Ambas as palavras têm o mesmo significado. Logotipo é uma forma alternativa da palavra
logo. Um logotipo é composto pelo símbolo e pela tipografia, que juntos formam o logotipo em si.
Explicando de forma mais simples, logotipo é a representação gráfica do nome fantasia de uma
empresa em que só são utilizados o símbolo e a tipografia (letras). É um produto gráfico resultante
do design e também pode ser definido como a imagem da marca. É a forma de representação do
nome de uma empresa com um tipo de letra característico. Exemplos de logotipos são: Google,
Sony, Coca-Cola e vários outros.
O logotipo pode ser registrado através do registro de marca no Instituto Nacional de
Propriedade Industrial – INPI. O nome registro de marca gera uma pequena confusão porque na
verdade o logotipo é que é registrado e não a marca.
O logotipo é uma parte da marca, que deve aparecer nas peças gráficas feitas pela empresa. 9
Por exemplo, o símbolo de uma empresa não é a marca em si, mas representa o conceito que a
empresa deseja associar à sua marca. Exemplos: Apple e Nike.
Marca
A marca é representada graficamente pela logo e pela identidade visual. Compreende o
símbolo, o logotipo, as emoções e as cores. É o elemento principal da identidade visual da empresa,
é através dela que a empresa será identificada em qualquer lugar, independente do conceito gráfico
em que está inserida. De um ponto de vista geral, a marca pode ser conceituada como a conexão
entre uma empresa, sua missão, valores, visão e consumidores.
Segundo o autor e professor Philip Kotler, conhecido como o “pai do Marketing moderno”, a
marca tem até 6 níveis de significados, que são: benefícios, atributos, valores, personalidade, cultura
e usuário.
Logomarca
É uma palavra praticamente inexistente no vocabulário dos profissionais do mercado
publicitário, mas é usada por clientes que a confundem com a palavra logotipo. Muitos a consideram
um neologismo, ou seja, uma palavra que foi inventada, abrasileirada, para a representação de uma
nova forma de logotipo.
O termo é formado pela união de duas palavras: logo + marca. “Logos” vem do grego e
significa significado, conceito. Marca origina-se da palavra germânica “marka” e tem o mesmo
significado do termo “logo.” Sendo assim,
logomarca significaria “significado do
significado”, o que não faz sentido.
Questões

1. Em grego o que significa “logos”?

_________________________
2. Qual a diferença de logotipo e logomarca?
___________________________________________________________________
________________________________________________________________
3. Segundo Philip Kotler, conhecido como o “pai do Marketing moderno”, a marca tem até 6 níveis
de significados, quais são:
___________________________________________________________________
________________________________________________________________
4. Complete as lacunas:
É uma palavra praticamente ______________ no vocabulário dos profissionais do mercado
__________, mas é usada por clientes que a confundem com a palavra ____________.
Muitos a consideram um neologismo, ou seja, uma palavra que foi _____________, 10
_____________, para a representação de uma nova forma de logotipo.

5. Pesquise os principais logotipos e seus significados.

6. Crie um logotipo com as suas características próprias.

 COR E COMUNICAÇÃO

D
esde a antiguidade até os dias de hoje as cores são uma representatividade do nosso
mundo. O homem busca a cor para se expressar, citando por exemplo pinturas corporais
de guerreiros antigos e indumentárias de cortes do mundo inteiro, mostrando nobreza e
status.
Você sabia que foram os gregos os primeiros a preocupar-se com o estudo das cores? Mas
também sabemos que os homens pré-históricos já se preocupavam em colorir seus desenhos nas
cavernas (pinturas rupestres) e, para isso, copiavam as cores da natureza.
Visitando as grandes catedrais, podemos ver os vidrais coloridos e bem trabalhados, tudo
nas cores que para quem está observando entenda a mensagem que deve ser passada. Muitas vezes
dependendo da região, podem ter um significado sem uma descrição ou sendo conhecidos
universalmente como os sinais de trânsito, definidos pelo verde, amarelo e vermelho. Expressões
como “roxo de raiva” ou “vermelho de vergonha” com certeza já foram ouvidas. Não há como
negar, o homem é atraído por uma infinidade de tons e cores.
O mundo que nos cerca é colorido. Observe a natureza, a cor está em toda parte e de muitas
formas: no mar, no céu, na terra, no sol, nas florestas, nos animais, nos pássaros e nas flores. Que
linda é a natureza, tão colorida! Se você não
pode, neste momento, olhar a natureza,
observe as coisas que o cercam. Observe como
a roupa das pessoas é colorida, os objetos de
cozinha, os objetos de decoração, os meios de
comunicação, as fotografias, a nossa escova
de dente!
11
Significado das Cores
É fato que as cores têm uma grande
influência psicológica sobre o ser humano.
Existem cores que se apresentam como
estimulantes, alegres, optimistas, outras
serenas e tranquilas, entre outras. Quando o
Homem tomou consciência desta realidade,
aprendeu a usar as cores como estímulos para
encontrar determinadas respostas e, a cor que
durante muito tempo só teve finalidades
estéticas, passou a ter também finalidades e
funcionalidades práticas. As cores exercem
um papel psicológico importante. Elas são usadas para estimular, acalmar e no caso da
propaganda, vender. Utilizando-se delas para despertar sensações, atrair e
influenciar na escolha.
A percepção das cores no nosso psicológico depende de vários fatores: o modo de
vida, a cultura, o ambiente, a faixa etária, o sexo, etc. Na China, por exemplo, a cor
do luto é azul. Outras culturas associam branco a morte. Portanto, dependendo
desses fatores, as cores podem ter interpretações e significados diferentes. No
entanto, não devemos ficar presos a elas. Bom senso, harmonia e adequação são
fatores primordiais na escolha das cores.A publicidade e propaganda não vende
assim por dizer, mas busca criar o estímulo para levar o cliente até o produto ou
serviço. Quando a agência de publicidade escolhe a cor para a campanha ou peça,
tenha certeza de uma coisa, foram horas pesquisando a cor. Vejamos algumas
tabelas mostrando o que cada cor tem como significado na propaganda e elas
sendo aplicadas em marcas conhecidas mundialmente. Cada cor tem seu significado.
 O uso das cores na publicidade
Certamente, você já deve ter notado que a maioria das lanchonetes abusa do vermelho e do
amarelo, que as clínicas médicas preferem o branco e os tons de verde, que os “homens de negócio”
apostam no preto e que as mulheres dispostas a seduzir preferem o vermelho. É possível citar uma
infinidade de outros exemplos coloridos, mas estes são suficientes para demonstrar que as cores
despertam sensações, manifestam estado de espírito e influenciam comportamentos. Então não há
como negar que, psicologicamente, o homem é atraído pela infinidade de tons e de cores.
Nós reagimos de maneira mais emotiva do que racional diante das cores. As cores exercem
um papel importante no psicológico. Elas são utilizadas para estimular, acalmar, afirmar, negar,
decidir, curar e, no caso de propaganda... vender! Por isso a propaganda se utiliza das cores para
despertar sensações, atrair e influenciar o consumo. Imagine as marcas e os produtos sem cores.
Ao trabalhar com campanhas ou produtos publicitários, o diretor de arte não deve proceder
a escolha das cores levando em conta apenas o seu gosto pessoal. Ele precisa primeiramente ter
conhecimentos sobre o significado e a influência
das cores, harmonia, luz, contraste, etc. Por isso
todo conhecimento sobre cores é fundamental.
Princípios e combinações, formação das cores e
tudo mais vai preparar você para enfrentar o
gosto pessoal do atendimento, do dono da
agência e do cliente.
Na publicidade, a
combinação das cores está
diretamente relacionada ao
produto a ser lançado e ao
público que vai consumir o
produto. Portanto, ao escolher
12
as cores para um logotipo ou
anúncio, devemos levar em
conta os seguintes fatores:
PERFIL DA EMPRESA:
SENSAÇÃO DESEJADA:
Séria, sólida, tradicional,
conservadora, moderna, arrojada, jovem
Confiança, credibilidade, força, fome, alegria,
paz, beleza, delicadeza, tranquilidade PÚBLICO
ALVO: Jovem, adulto, homem, mulher,
moderno, conservador, nível sociocultural e
econômico.
As cores criam identidade. A sequência de
anúncios a seguir demonstra o quanto as cores
são capazes criar uma identidade em nossa
mente.
Observe que, só pelas cores, é fácil
descobrir. As cores criam identidade. As cores criam identidade para as marcas, deixando-as
facilmente reconhecíveis e marcadas na mente dos consumidores.
devemos avaliar os seguintes aspectos:
PERFIL DO PRODUTO .............................................................:

SENSAÇÃO DESEJADA:...............................................................

PÚBLICO ALVO: ...........................................................................

 .Em seguida associe as cores de acordo com o grau de atenção que você deseja despertar.
Harmonize as cores do anúncio com as cores do produto. Não misture muitas cores, não faça um
carnaval colorido, a menos que saiba trabalhar bem a harmonia. Utilize contrastes. Na dúvida,
deixe o fundo branco e o título preto. Não falha nunca, mas corre-se o risco de o anúncio não se
diferenciar.
Crie um anuncio para um produto de limpeza

Complete as frases adequadamente. 13

1 O Presidente dos Estados Unidos vive na casa…..................................................
2 O planeta Terra também é conhecido por planeta…...........................................
3 Os ingleses bebem muito chá…........................................................................
4 Podemos encontrar os números de telefone de serviços nas páginas…..................
5 As energias renováveis são também conhecidas por energias…..............................
6 O planeta Marte também é conhecido por planeta….............................................
7 Os primeiros filmes realizados eram todos em…..................................................
Nesta atividade vamos fazer a experiência do disco de Newton. Para isso você vai usar um
compasso, um transferidor ou até mesmo um disco de CD como utilitário pra fazer o desenho de um
círculo. Você deverá dividir esse
círculo em sete partes iguais e
colorir as partes com as cores bem
semelhantes a do arco-íris. Depois
de pronto, corte o círculo e use um
lápis no centro do disco para ajudar
a girá-lo. Você verá que cor vai
surgir dessa experiência.
A ARTE DO GRAFITE

A
arte do grafite é uma
forma de
manifestação artística
em espaços públicos. A definição mais
popular diz que o grafite é um tipo de
inscrição feita em paredes. Existem
relatos e vestígios dessa arte deixado
pelo homem através dos tempos em
sua passagem, a manifestação mais antiga, foram os desenhos feitos nas paredes das cavernas.
Aquelas pinturas rupestres são os primeiros exemplos de grafite que encontramos na história da
arte. Elas representam animais, caçadores e símbolos muito dos quais, ainda hoje, são enigmas para
os arqueólogos, mas que de fato são significantes aos seres daquele contexto, como uma forma
de expressão ou talvez transcrição do momento histórico.
Seu aparecimento na Idade Contemporânea se deu na década de 1970, em Nova Iorque, nos
Estados Unidos. Alguns jovens começaram a deixar suas marcas nas paredes da cidade e, algum
tempo depois, essas marcas evoluíram com
técnicas e desenhos.
14
O grafite está ligado diretamente
a vários movimentos, em especial ao
Hip Hop. Para esse movimento, o
grafite é a forma de expressar toda a
opressão que a humanidade vive,
principalmente os menos favorecidos,
ou seja, o grafite reflete a realidade das
ruas.
O grafite foi introduzido no Brasil no final da década de
1970, em São Paulo. Os brasileiros não se contentaram com o grafite norte-americano, então
começaram a incrementar a arte com um toque brasileiro. O estilo do grafite brasileiro é
reconhecido entre os melhores de todo o mundo.
Muitas polêmicas giram em torno desse movimento artístico, pois de um lado o grafite é
desempenhado com qualidade artística, e do outro não passa de poluição visual e vandalismo. A
pichação ou vandalismo é caracterizado pelo ato de escrever em muros, edifícios, monumentos e
vias públicas. Hoje, para expressar essa arte, os grafiteiros usam látex, tintas em spray. Não pintam
cervos e bisões, mas sim ideias, signos que compõe o visual urbano, talvez o contexto atual,
decorrente de uma evolução.
Principais termos e gírias utilizadas nessa arte:
 Grafiteiro/writter: o artista que pinta.
 Bite: imitar o estilo de outro grafiteiro.
 Crew: é um conjunto de grafiteiros que se reúne para pintar ao mesmo tempo.
 Tag: é a assinatura de grafiteiro.
 Toy: é o grafiteiro iniciante.
 Spot: lugar onde é praticada a arte do grafitismo.

Descrição
Normalmente distingue-se o grafite, de elaboração mais complexa, da simples pichação,
quase sempre considerada como contravenção. No entanto, muitos grafiteiros respeitáveis, como os
brasileiros, “Os gêmeos”, autores de importantes trabalhos em várias paredes do mundo, aí incluída
a grande fachada da Tate Modern de Londres, admitem ter um passado de pichadores. Na língua
inglesa, contudo, usa-se o termo graffiti para ambas as expressões.
Desde o início os artistas eram chamados de Writerse (escritores), costumavam escrever os
seus próprios nomes ou chamar a atenção para problemas do governo ou questões sociais da
realidade-em-que-viviam. Tais desenhos eram feitos, na maioria em trens porque o verdadeiro
interesse do grafiteiro era passar aquela mensagem para o maior número de pessoas. Outro modo de 15
passar a sua mensagem era os muros das cidades. Ocorreu um avanço no mundo do grafite,
grafiteiros criaram os chamados “Tags” que são na verdade como uma marca registada, ou seja, as
suas assinaturas. Alguns até criam figuras, personagens, usados nos seus grafites, as chamadas
“bonecos”. Para finalizar, o grafite surgiu nos EUA e hoje está nas maiores cidades do mundo.

ARTE x VANDALISMO
Qual é o limite??
A legislação brasileira que trata da
aplicação de sanções penais e
administrativas em decorrência de
atividades lesivas ao meio ambiente
(artigo 65 da Lei nº 9.605/ 1998), pune
aquele que “pichar, grafitar ou, por outro
meio, conspurcar edificação ou
monumento urbano”. A pena é de três
meses a um ano e aumenta de seis meses
a um ano se o ato for praticado contra
monumento ou lugares tombado em
virtude de seu valor artístico,
arqueológico ou histórico.
 Daí que o legislador, sem muita dificuldade e em boa hora, interpretou a vontade popular e
retirou a grafitagem do limbo, introduzindo-a no rol de condutas lícitas, decretando, em
consequência, sua descriminalização pela Lei nº 12.408, de maio de 2011. De forma expressa,
determina o permissivo legal:
“Não constitui crime a prática de grafite realizada com o objetivo de valorizar o patrimônio
público ou privado mediante manifestação artística, desde que consentida pelo proprietário e,
quando couber, pelo locatário ou arrendatário do bem privado e, no caso de bem público, com a
autorização do órgão competente e a observância das posturas municipais e das normas editadas
pelos órgãos governamentais responsáveis pela preservação e conservação do patrimônio h istórico
e artístico nacional”.
Atividades
1) Explique com suas palavras o que é Arte do Grafite.
____________________________________________________________________
____________________________________________________________________
__________________________________________________________________
2) Qual a diferença entre grafite e pichação?
____________________________________________________________________
_________________________________________________________________

3) Quais as principais termos e gírias utilizadas nessa arte? Explique cada uma delas.
____________________________________________________________________
____________________________________________________________________
____________________________________________________________________ 16
__________________________________________________________________
4) Existe diferença entre Vandalismo e Pichação? Qual é a sua punição?
____________________________________________________________________
__________________________________________________________________

5) No processo social de reconhecimento de valores culturais, considera-se que

(A) grafite é o mesmo que pichação e suja a cidade, sendo diferente da obra dos artistas.
(B) a população das grandes metrópoles depara-se com muitos problemas sociais, como os grafites e
as pichações.
(C) atualmente, a arte não pode ser usada para inclusão social, ao contrário do grafite.
(D) os grafiteiros podem conseguir projeção internacional, demonstrando que a arte do grafite não
tem fronteiras culturais.
(E) lugares abandonados e sem manutenção tornam-se ainda mais desagradáveis com a aplicação
do grafite.

6) O grafite surgiu no Brasil nos anos 1970 e hoje é reconhecido mundialmente. Quais artistas
brasileiros possuem obras espalhadas pelo mundo? Comente.
Copie os alfabetos e pinte!

17
PINTE!!! Cores complementares

DI CAVALCANTI
Samba –1925
O pintor Emiliano Di Cavalcanti nasceu em 6 de setembro de 1897.
Naquela época, o panorama das artes plásticas no Brasil era
bastante desolador: a pouca informação, conjugada ao
tradicionalismo conservador das elites vigentes deixavam o 18
cenário da pintura a depender ainda de ecos das já ultrapassadas
correntes artísticas europeias.

Nesse contexto, tornaram-se muito importantes as

exposições de Lasar Segall, em 1913, e de Anita Malfatti, em
1917, esta duramente criticada. Esses dois episódios fazem parte
da história de um movimento em direção às correntes
modernistas europeias, que iria culminar na Semana de Arte
Moderna de 1922. Di Cavalcanti já era um artista de talento bastante reconhecido nessa época, e sua
atuação em 1922 foi essencial: o artista foi um dos idealizadores da Semana de Arte Moderna e uma
referência importantíssima para todo o grupo modernista e, desde então, para a história das artes plásticas
no Brasil.
Di Cavalcanti era um intelectual muito bem informado sobre as vanguardas modernistas do seu
tempo, interessado não só por artes plásticas, mas por outras áreas também. Por isso mesmo, em 1921, o
artista fora convidado a ilustrar o livro “Balada do Cárcere de Reading”, de Oscar Wilde, um dos mais
significativos escritores contemporâneos. Em 1923, Di Cavalcanti realiza viagem a Paris, frequentando o
ambiente intelectual e boêmio da época e convivendo com Picasso e Braque, entre outros, numa relação de
admiração mútua. Sua experiência do contato com o cubismo, expressionismo e outras correntes artísticas
inovadoras, conjugadas à consciência da sua posição de artista brasileiro, concorreram para aumentar a sua
convicção no propósito de ousar e destruir velhas barreiras, colocando a arte brasileira em compasso com o
que acontecia no mundo.
Di Cavalcanti sabia estar no caminho certo esteticamente e a viagem a Paris só reforçou as suas
certezas. Entretanto, o ambiente do pintor não era o dos boulevares de Paris: Di Cavalcanti estava
impregnado dos trópicos, de uma atmosfera sensual e quente.
À sua ousadia estética e perícia técnica, marcada pela definição dos volumes, pela riqueza das cores,
pela luminosidade, vem somar-se a exploração de temas ligados ao seu cotidiano, que ele percebia com
vitalidade e entusiasmo. A profunda inclinação aos prazeres da carne e a vida notívaga influenciaram
sobremaneira sua obra: o Brasil das telas de Di Cavalcanti é carregado de lirismo, revelando símbolos de uma
brasilidade personificada em mulatas que observam a vida passar, moças sensuais, foliões e pescadores. A
sensualidade é imanente à obra do pintor e os prostíbulos são uma de suas marcas temáticas, assim como o
carnaval e a festa, como se o cotidiano fosse um permanente deleitar-se. A originalidade de uma cultura
constituída por um caldo de referências indígenas, europeias e africanas, de forma contraditória e única,
transparece em suas telas através de uma luminosidade ímpar.

Marcada pela evolução constante em direção a uma técnica cada vez mais acurada, a obra de Di
Cavalcanti pode ser situada numa tradição interpretativa do Brasil. Hoje, o pintor é um dos mais populares
artistas brasileiros, alcançando enorme prestígio também no exterior: suas obras são disputadíssimas nos
leilões internacionais, imprescindíveis a todas as coleções latino-americanas. A pintura de Di Cavalcanti
representa toda uma imagem do país no mundo afora, ressaltando a sua exuberância natural e humana: é
indiscutivelmente figura chave da arte brasileira. Todo o seu entendimento tem passagem obrigatória por Di
Cavalcante.
Cinco moças de Guaratinguetá - 1930 - influência cubista

DESENHE AS 3 MOÇAS QUE ESTA FALTANDO E PINTE!

19
QUESTÃO 01 – A presença da mulher mulata caracterizou a obra de um famoso artista brasileiro
que foi:
a- ( ) Di Cavalcante.
b- ( ) Tarsila do Amaral.
c- ( ) Anita Malfatti.
d- ( ) Pablo Picasso.

QUESTÃO 02 – Foi um grande nome do Cubismo brasileiro:

a- ( ) Di Cavalcanti.
b- b- ( ) Tarsila do Amaral.
c- ( ) Pablo Picasso.
d- ( ) Vicente do Rego Monteiro.

QUESTÃO 03 – Dentre os temas retratados na obra do artista Di Cavalcanti, é INCORRETO citar:

a) As praias. b) As favelas. c) As festas populares.
d) Os trabalhadores e as questões sociais. e) A religiosidade.

QUESTÃO 04 - Na década de 20, anos pioneiros do modernismo, artistas como Brecheret, Di 20

Cavalcanti e Tarsila do Amaral expressaram em suas obras a visão de mundo daquele período.
Observe as reproduções a seguir, Respectivamente, de Brecheret, Di Cavalcanti e Tarsila do Amaral,
e assinale a alternativa que corresponde aos conteúdos expressos pelos artistas.

(a) Potência e força; malícia e sensualidade; brasilidade e imaginário popular.

(b) Brasilidade e imaginário popular; religiosidade e espiritualidade; malícia e sensualidade.
(c) Malícia e sensualidade; suavidade e lirismo; dramaticidade e ansiedade.
(d) Brejeirice e volúpia; devoção e espiritualidade; potência e força.
(e) Religiosidade e espiritualidade; dramaticidade e ansiedade; malícia e sensualidade.
 Samba 1928 Di Cavalcante
Pinte seguindo o exemplo!

21
 D
ESTILIZAÇÃO
esde que o ser humano manchou com
lama a parede da caverna pela primeira
vez, surgiu a vontade de reproduzir a
realidade da maneira mais autentica possível.
Com o tempo, essa ideia foi crescendo na mente dos
artistas que partiram em sua busca. E foi nessa que o
público leigo, os admiradores de arte e até mesmo alguns
artistas começaram a definir que a qualidade de uma obra é
medida pelo seu “grau” de realismo. Quanto mais parecido com uma pessoa de verdade, quanto
mais “certinha” a perspectiva, quanto mais fios de cabelos e pelos desenhados um por um, melhor.
Num mundo sem a fotografia, todo esse furor em cima do naturalismo – nome dado às obras
“mais realistas possíveis” – é até compreensivo, mas havia quem buscasse por outras coisas...
Quase em paralelo a todo esse processo, havia artistas que buscavam mais do que realismo:
buscavam expressão e simbologia. Para isso eles se desprenderam da realidade e buscaram por
novas formas de representação. Eis que surgiam os primeiros conceitos de estilização. Havia
também aí a aplicação e a interpretação de cada artista sobre o desenho, formando o estilo
individual. Isso ampliou as possibilidades, trouxe novos conceitos e novas percepções. 22
O que é estilizar?
Quando usamos o termo “estilizar” a forma, estamos nos referindo a fazer uma síntese da
forma e a depurar esta forma, procurando deixar o extremo do resultado final, de modo que as
particularidades sejam eliminadas e a essência fique representada de tal maneira que o observador
não perca a mensagem final e que a estética fique preservada. Os arabescos e os excessos são
eliminados e as linhas principais permanecem deixando a ideia fundamental.
Mas, assim como tudo o que existe, temos que
criar regras que confiram unidade e uma certa
lógica a este universo. Um artista brasileiro que se
destaca no cenário mundial com sua arte pop é
Romero Britto. A grande característica de suas
obras é o emprego de desenhos com formas
estilizadas geometrizadas e cores bem vibrantes.
Nasceu no Recife, em 1963. Começou pintando
em jornais o em qualquer folha que encontrava..
 ATIVIDADES
2- Utilizando suavemente o lápis, faça a estilização de cada objeto representado. Olhe a forma
geométrica de cada objeto. A estilização deve ser simples, sem tirar a característica do objeto.
Exemplos:

23
3- Recorte dois exemplos de formas naturalistas e cole no lugar indicado. Em
seguida, desenhe a forma estilizada das figuras recortadas.
FORMAS NATURALISTAS

FORMAS ESTILIZADAS 24
 HISTÓRIA DA MÚSICA
BRASILEIRA

A música do Brasil se formou a partir da

mistura de elementos europeus, africanos e
indígenas, trazidos por colonizadores portugueses,
escravos e pelos nativos que habitavam o chamado
Novo Mundo.
Outras influências foram se somando ao longo
da história, estabelecendo uma enorme variedade de
estilos musicais. Na época do descobrimento do Brasil, os portugueses se espantaram com a
maneira de vestir dos nativos e a maneira como eles faziam músicas:

Cantando, dançando, tocando instrumentos (chocalhos, flautas, tambores).

O maracá era um instrumento muito apreciado pelos índios tupis da costa do Brasil, e os
índios costumavam dançar em círculos cantando e batendo os pés. Um dos cantos dos tupis era
dedicado a uma ave amarela, uma espécie de arara, que eles chamavam “Canide ioune” (ave amarela
na língua tupi).
A música brasileira mistura elementos de várias culturas, principalmente as chamadas
culturas formadoras, que eram a dos colonizadores portugueses (europeia), a dos nativos (indígena)
e a dos escravos (africana). É difícil dizer com certeza, quais foram os elementos de origem, mas
sabemos que alguns instrumentos musicais, por exemplo, são tradicionais de certas culturas.
25
Os padrões de interpretação e estilo, obviamente eram todos da cultura europeia, e o objetivo
era acima de tudo catequético, com escassa ou nula contribuição criativa original da parte dos
índios.
Com o passar dos anos, os índios remanescentes dos massacres e epidemias aos quais
sofreram durante todo esse período, foram se retirando para regiões mais remotas do Brasil, fugindo
do contato com o homem branco, e sua participação na vida musical nacional foi decrescendo, até
quase desaparecer por completo.
Os indígenas não deixaram seus traços na construção da música brasileira, apenas em alguns
gêneros folclóricos, mas de forma bem passiva, perante a imposição da cultura colonizadora. Até o
19 Portugal foi a maior das influências na construção da música brasileira, erudita e popular, porque
introduziu a música instrumental, harmônica, a literatura musical e boa parte das formas musicais
cultivadas no país ao longo dos séculos, ainda que diversos elementos fossem de origem europeia e
não portuguesa.
Ao longo do tempo o intercâmbio cultural com outros países além da metrópole portuguesa,
trouxeram vários elementos musicais típicos de outros países, que se tornariam importantes, como
as óperas italiana e francesa, e as danças típicas de outros países, como a zarzuela, o bolero e a
habanera de origem espanhola, as valsas e polcas alemãs, e o jazz norte americano tiveram também
sua participação e transformação dentro da construção da música brasileira.
Até o início do século 18 a maior parte da música erudita era praticada apenas na Bahia e
Pernambuco (estados localizados no norte do Brasil), mas no final do século 18, essa grande fusão
de diversos elementos melódicos e ritmos africanos começaram a dar a música popular, uma
sonoridade tipicamente brasileira, que se espalhou por todo o país e formou os primeiros nomes da
música brasileira.
 MÚSICA BRASILEIRA- JOVEM GUARDA
Jovem Guarda foi um movimento surgido na
segunda metade da década de 60, que mesclava
música, comportamento e moda. Surgiu com
um programa televisivo brasileiro exibido
pela Rede Record, a partir de 1965. Os
integrantes do movimento foram influenciados
pelo Rock and Roll da década de 50 e 60. Com
isso, faziam uma variação nacional do rock,
batizada no país de "Iê-Iê-Iê", com letras
românticas e descontraídas.

A expressão Jovem Guarda começou a ser

usada com a estreia do programa de
auditório que tinha esse nome, na TV Record, em 1965. Foi comandado por Roberto Carlos, Erasmo
Carlos e Wanderléa que apresentavam ao público os principais artistas ligados ao movimento.
O programa tornou-se popular e impulsionou o lançamento de roupas e acessórios. O movimento foi
identificado como do público jovem, porém, agradou pessoas de todas as idades.
Entre os artistas do movimento destacaram-se Celly Campelo, Roberto Carlos, Erasmo Carlos,
Wanderléa, Vanusa, Eduardo Araújo,Silvinha, Martinha, Arthurzinho, Ronnie Cord, Ronnie
Von, Paulo Sérgio, Wanderley Cardoso,Bobby di Carlo, Jerry Adriani, Rosemary, Leno e
Lilian, Demétrius, Os Vips, Waldirene, Diana (cantora), Sérgio Reis, Sérgio Murilo, Trio
Esperança, Ed Wilson, Evaldo Braga e as bandas, Os Incríveis, Renato e Seus Blue Caps, Golden 26
Boys e The Fevers. Entre os principais sucessos estão
"Quero Que Vá Tudo Pro Inferno"; "Festa de Arromba";
"Pare o Casamento"; "Garota do Roberto"; "Biquíni de
Bolinha Amarelinha"; "Meu Bem"; "Eu Daria a Minha
Vida"; "O Bom"; "Roda Gigante"; "Rua Augusta";
"Namoradinha de um Amigo Meu"; "Ternura"; "O
Caderninho"; "Tijolinho"; "Feche os Olhos"; "A Festa do
Bolinha"; "O Bom Rapaz" e "Menina Linda". A partir dos
anos de 1990, regravações da Jovem Guarda feitas por
outros grupos fizeram sucesso entre os adolescentes.

ROCK
Em 1951 um ritmo musical pouco convencional surge e chama a atenção por ser diferente de tudo
que existia até então e passa a cativar rapidamente aquela geração e as que vieram a seguir, até os
dias atuais… É o rock ou rock in roll que veio para ficar! Seus primeiros toques aparecem em um
programa de rádio nos, Estados Unidos.
Seu ritmo tinha como base duas guitarras elétricas, um contrabaixo e uma bateria, mas claro
que outros instrumentos e variações poderiam ser adicionados. Muito mais que um gênero musical,
o rock criou também uma referência de comportamento para milhares de pessoas, principalmente
jovens, que passaram a viver um estilo mais despojado e moderno de se vestir, agir e falar.
Década de 60
. Bandas famosíssimas como Beatles, Rolling Stones, The Doors e Pink
Floyd surgiram. Foi neste período que surgiu o famoso lema: “Sexo, drogas e Rock’n’Roll.”
Década de 70
Nesta fase, a “agressividade” do Rock dos anos 60 havia se esfriado um pouco,
proporcionando o retorno de um estilo mais direto e primitivo. Foi na década de 70 que surgiu
o punk rock, o conceito do “faça você mesmo” tomou conta do mundo
inteiro através das bandas The Ramones, Além destes, outros lendários
grupos musicais surgiram neste período: Led Zeppelin, Black
Sabbath, ...

Década de 80
Foi marcada pelo peso, atitude e a comercialização. Na
questão do peso, surgiu o Heavy Metal, representado por bandas
como Iron Maiden Além disso, nos anos 80 surgiu o Alternative
Rock, gênero musical criado pelas bandas undergrounds que não
tinham apoio das grandes gravadoras e que passaram a lançar seus discos
de forma independente.
Década de 90
Sem dúvida, foi a época do hard rock, liderado pela banda Guns N'Roses(para se ter uma
ideia, o estoque dos discos da banda não duravam nem 24 horas nas lojas). Também
foi na década de 90 que surgiu o “grunge”, estilo que tem como características musicais o menor
cuidado na polidez do som (grunge tem um significado próximo a "sujo" na língua inglesa) e a
criação de letras relacionadas com a depressão e a angústia.
27
Importantes bandas desta fase: U2, Pearl Jam, Nirvana, Foo Fighters, Red Hot Chili
Peppers, Dream Theater, Coldplay, Blink-182 e Green Day.
Cenário atual
No início do século atual, o Rock começou a perder grande parte de seu espaço para o Pop.
Contudo, uma nova vertente do estilo, a qual relaciona o rock com a diversidade da música. Assim,
se tornou um elemento crucial para os rockeiros do século XXI a aceitação da heterogeneidade e
a exaltação de toda a história do rock.

HISTÓRIA DO SAMBA NO BRASIL

Quem sabe sambar ??

O
Samba foi introduzido
no Brasil no período
colonial pelos escravos
africanos sendo, portanto um estilo que
provém da fusão entre as culturas
africana e brasileira. Inicialmente, as
festas de danças dos negros escravos na
Bahia eram chamadas de "samba". A
manifestação durante muito tempo foi
considerada um estilo de música e
dança criminalizado e visto com preconceito, devido às suas origens negras.
Em 1917 foi gravado no Brasil o primeiro samba com o título: "Pelo Telefone", com letra de
Mauro de Almeida e Donga, cantado por Bahiano. Há controvérsias sobre a origem da palavra
"samba", mas provavelmente advém do termo africano "semba" que significa "umbigada".
O samba está presente em todas as regiões brasileiras, modificando-se conforme o local,
sendo que os mais conhecidos são:
 Samba da Bahia
 Samba Carioca (Rio de Janeiro)
 Samba Paulista (São Paulo)
Assim, dependendo do Estado modificam-se os ritmos, as letras, o estilo de dançar e até mesmo os
instrumentos que acompanham a melodia. Com o passar do tempo, o samba foi conquistando o
público em geral e adquirindo um lugar de destaque entre os principais elementos da identidade
cultural brasileira.
Principais Tipos de Samba
 Samba de roda: o samba de roda está associado à capoeira e ao culto dos orixás. Essa
variante de samba surgiu no Estado da Bahia no século XIX, caracterizado por palmas e
cantos, no qual os dançarinos bailam dentro de uma roda.

 Samba-enredo: associado ao tema das escolas de samba, o samba-enredo é caracterizado

28
por apresentar canções com temáticas de caráter histórico, social ou cultural. Essa variante
de samba, surgiu no Rio de Janeiro na década de 30 com o desfile das escolas de samba.

 Samba-canção: chamado também de "samba de meio de ano", o samba canção surge na

década de 20 no Rio de Janeiro e se populariza no Brasil nas décadas de 1950 e 1960. Esse
estilo é caracterizado por músicas românticas e ritmos mais lentos.

 Samba-exaltação: o marco inicial desse estilo de samba é a música "Aquarela do Brasil"

de Ary Barroso (1903-1964), lançada no ano de 1939. Caracterizado por letras que
apresentam temas patrióticos e ufanistas.

 Samba de gafieira: Esse estilo de samba é derivado do maxixe e surgiu na década de 40.
O samba de gafieira é uma dança de salão cujo homem conduz a mulher acompanhados por
uma orquestra com ritmo acelerado.

 Pagode: Essa variante do samba surgiu no Rio de Janeiro na década de 70, a partir da
tradição das rodas de samba. Caracterizado por um ritmo repetitivo com instrumentos de
percussão acompanhados de sons eletrônicos.
HISTÓRIA DA MÚSICA SERTANEJA
O subgênero musical “sertanejo” é totalmente brasileiro. Na verdade, o sertanejo é uma
variação ou uma “urbanização”, se é que podemos assim dizer, da música caipira, onde são
utilizados instrumentos artesanais e típicos do Brasil-colônia, como a viola, o acordeão e a gaita,
algo voltado para o público extremamente rural do Brasil.
O sertanejo se caracteriza pela melodia simples e melancólica das músicas, bem semelhante à
música caipira, talvez um pouco mais dançante e sem dúvida, mais urbana. Enquanto a música
caipira tinha uma temática baseada na vida do campo, os sertanejos mudaram essa temática para
agradar o grande público das cidades, adotando temas como amor e traição. Ocorreu o cuidado
particular em se evitar o termo “caipira”, visto com preconceito por grande parte da população.
Foi em 1929 que surgiu a música sertaneja como se conhece hoje. Ela nasceu a partir de
gravações feitas pelo jornalista e escritor Cornélio Pires de "causos" e fragmentos de cantos
tradicionais rurais do interior paulista, norte e oeste paranaense, sul e triângulo mineiros, sudeste
goiano e matogrossense. Na época destas gravações pioneiras, o gênero era conhecido como música
caipira, cujas letras evocavam o modo de vida do homem do interior (muitas vezes em oposição à
vida do homem da cidade), assim como a beleza bucólica e romântica da paisagem interiorana
(atualmente, este tipo de composição é classificado como "música sertaneja de raiz", com as letras
enfatizadas no cotidiano e na maneira de cantar).
A partir de 1980, houve no Brasil uma grande exploração comercial da música sertaneja,
começando com Chitãozinho & Xororó e Leandro & Leonardo, passando posteriormente para uma
grande quantidade de duplas, tendo seu auge entre os anos de 1988 e 1990. Atenta, a indústria
fonográfica lançou na década de 2000 um movimento similar, chamado sertanejo universitário.
29
MÚSICA BRASILEIRA
Pesquise!
Autor , data de gravação , e curiosidades sobre a musica as baixo .

Fio de Cabelo Eu Sou Terrível - À Sua Maneira

Quando a gente ama Eu sou terrível, e é bom parar Ela dormiu no calor dos
Qualquer coisa serve para De desse jeito, me provocar meus braços
relembrar Você não sabe, de ondu venho E eu acordei sem saber se
Um vestido velho da O que eu sou, e o que tenho era um sonho
mulher amada Algum tempo atrás pensei
Eu sou terrivel
Tem muito valor em te dizer
Aquele restinho do Vou lhe dizer, e ponho mesmo, que eu nunca cai nas suas
perfume dela que ficou no pra derreter armadilhas de amor
frasco Estou com a razão no que digo Naquele amor
Sobre a penteadeira Não tenho medo nem do perigo A sua maneira
Mostrando que o quarto Minha caranga é maquina Perdendo o meu tempo a
Já foi o cenário de um quente noite inteira
grande amor Eu sou terrível Não mandarei cinzas de
E hoje o que encontrei me E é bom parar, porque agora, rosas
deixou mais triste vou decolar Nem penso em contar os
Um pedacinho dela que Não é preciso, nem avião nossos segredos
existe Naquele amor
Eu vôo mesmo, aqui no chão
Um fio de cabelo no meu A sua maneira
paletó Eu sou terrível Perdendo o meu tempo a
Lembrei de tudo entre nós Vou lhe contar, não vai ser noite inteira
Do amor vivido mole, me acompanhar Ela dormiu no calor dos
Aquele fio de cabelo Garota que anda do meu lado meus braços
comprido
Já esteve grudado em
Vai ver que eu ando mesmo
apressado
E eu acordei sem saber se
era um sonho
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nosso suor Minha caranga é maquina Algum tempo atrás pensei
Quando a gente ama quente, eu sou terrível em te dizer
E não vive junto da mulher Eu sou terrível que eu nunca cai nas suas
amada Eu sou terrível, e é bom parar armadilhas de amor
Uma coisa à toa Naquele amor
É um bom motivo pra
De desse jeito, me provocar A sua maneira
gente chorar Você não sabe, de onde eu Perdendo o meu tempo a
Apagam-se as luzes ao venho noite inteira
chegar a hora O que eu sou, e o que tenho Naquele amor
De ir para a cama Eu sou terrível, vou lhe dizer A sua maneira
A gente começa a esperar E ponho mesmo, pra derreter Perdendo o meu tempo a
por quem ama Estou com a razão no que digo noite inteira
Na impressão que ela Não tenho medo nem do perigo
venha se deitar Minha caranga é máquina
E hoje o que encontrei me quente
deixou mais triste Eu sou terrível.
Um pedacinho dela que
existe
Um fio de cabelo no meu
paletó
Lembrei de tudo entre nós
Do amor vivido
Aquele fio de cabelo
comprido
Já esteve grudado em
nosso suor
Entrevista!
( pai, mãe, avos, tios ...etc)
Qual é o nome do entrevistado?

Qual é a idade do entrevistado?

Cidade e Estado que o entrevistado nasceu?

Qual sua musica preferida?

Atual?

E quando você tinha minha idade, qual era musica que você mais gostava de ouvir?

Cante um pedacinho. ( escrever)

Qual o nome do cantor ?

Qual é a música atual que você não gosta de ouvir? Por que ?

31

Cícero Dias
Feminina com Guarda Chuva

Cícero Dias (1907-2003) foi um pintor, desenhista e

ilustrador brasileiro, grande representante da pintura
modernista do Brasil. É autor do painel “Eu Vi o Mundo...
Ele Começava no Recife”, obra que irrompeu o cenário
modernista no país.
Cícero Dias nasceu na cidade de Escada, Pernambuco, no
dia 05 de março de 1907. Passou sua infância no engenho
da família. Com treze anos foi para o Rio de Janeiro onde
foi interno no Mosteiro de São Bento. Em 1925 ingressa nos
cursos de Arquitetura e Pintura da Escola Nacional de Belas
Artes, mas não concluiu.
Entre 1925 e 1928 teve contato com grupos
modernistas. Em 1928 realiza sua primeira exposição
individual. Em 1929 colabora com a revista Antropofagia.
Em 1931 realizou uma exposição no Salão Revolucionário,
da Escola de Belas Artes, onde expôs o polêmico painel de 15 metros de largura por 2 metros de
altura, pintado entre 1926 e 1929, que causou escândalo pelo tamanho, pelas imagens oníricas
(sonhos, fantasia) e pelos nus ousados para a época. A obra marcaria seu ingresso, definitivo, na
vanguarda modernista do país.
A partir de 1932, passa a lecionar desenho em seu ateliê na cidade do Recife. No ano seguinte
ilustra a obra de Gilberto Freire, Casa Grande & Senzala. Em 1937 expôs em Nova Iorque numa
coletiva de modernistas. Nesse mesmo ano viajou para Paris, onde conheceu Henri Matisse e Pablo
Picasso, de quem se tornaria amigo.
Em 1942, durante a ocupação da França, foi preso e enviado para a Alemanha. Entre 1943 e
1945, vive em Lisboa como Adido Cultural da Embaixada do Brasil. Em 1943 participa do Salão de
Arte Moderna em Lisboa, onde foi premiado. Em 1945 volta a Paris e integra-se ao grupo abstrato
Espace. Nesse mesmo ano expõe em Londres, Paris e Amsterdam.
Em 1948, no Brasil, realizou intensas atividades especialmente com murais. Inaugura o mural
do edifício da Secretaria de Finanças do Estado de Pernambuco, considerado o primeiro trabalho
abstrato da América Latina. Em 1949, esteve na Exposição de Arte Mural em Avinhão, na França.
Em 1950 participou da Bienal em Veneza. Em 1953, expôs na II Bienal de São Paulo. Em 1965,
realizou na Bienal de Veneza, uma exposição retrospectiva de quarenta anos de pintura.
Em 1970, Cícero Dias realizou individuais no Recife, Rio de Janeiro e em São Paulo. Em 1980
foram instalados dois painéis no hall central da Casa da Cultura, no Recife, que representam as
Revoluções Pernambucanas. Em 1981, o MAM realizou uma retrospectiva de sua obra. Em 1991
inaugura um painel de 20 metros na Estação Brigadeiro do Metrô de São Paulo. Em 1998 recebe do
governo francês a Ordem Nacional do Mérito da França.
No ano 2000, Cícero Dias
inaugura uma rosa-dos-ventos,
estilizada, estampada no chão da 32
Praça do Marco Zero, cartão postal
da cidade do Recife. Em fevereiro
de 2002, esteve novamente no
Recife para o lançamento do livro
sobre sua trajetória artística. Em
São Paulo fez uma exposição na
Galeria Portal.
Cícero Dias faleceu em sua
residência em Paris, no dia 28 de
janeiro de 2003, cercado por sua
esposa Raymonde, sua filha Sylvia
e seus dois netos. Seu corpo foi
sepultado no cemitério de
Montparnasse, em Paris.Figura

Pinte a obra de Cicero

Dias. Com a técnica do
sombreado. ( sfumato)
1. Faça uma Releitura na obra de Cicero Dias com colagem de papel colorido ou revistas.

33
 Diego Rivera

D
iego Rivera, um dos maiores artistas plásticos mexicanos, especializado na prática do
muralismo mexicano, nasceu no dia 8 de dezembro de 1886, na cidade de Guanajuato, no
México. De ascendência judaica, ele iniciou sua trajetória artística estudando na Academia
de Bellas Artes de San Carlos, no seu país de origem. Aos 21 anos ele teve a oportunidade de ir para a
Europa, com o auxílio de uma bolsa de estudos, aí permanecendo até 1921.
A passagem de Rivera pelo continente europeu aprimora sua vocação para as artes, uma vez
que neste período ele conhece vários artistas, como Pablo Picasso, Salvador Dalí, Juan Miró, além
do arquiteto Antoni Gaudí, e movimentos estéticos que se tornaram fonte de inspiração para sua
produção artística.
Ao retornar para sua terra natal ele passa a se devotar à pintura mural – arte de pintar sobre um
muro, em sua face exterior, como num fresco, ou em um painel exposto constantemente – tentando
assim resgatar a perdida suntuosidade da era pré-colombiana vivida pelo México, sufocada sob a
longa tirania colonial e opressiva exploração oligárquica, subjugada pela cultura metropolitana
importada da Espanha.
Procurando conquistar um pouco desta grandiosidade ancestral, Rivera opta pelo muralismo,
ao lado de artistas como José Clemente Orozco e David Siqueiros. Além disso, ele considerava a
pintura convencional como uma arte burguesa, pois o fruto deste trabalho ia, normalmente, para a
clausura das coleções particulares. O pintor produz, assim, uma obra que tem as proporções de um
monumento, não só na sua forma, mas principalmente no seu teor. Ele criou, entre 1921 e 1956, um
total de 6.730 m2, distribuídos por dezenove prédios no México, oito nos Estados Unidos, um na
China e um na Polônia.
A militância política de Rivera era outro aspecto importante de sua vida. Comunista, sua
34
ideologia transparece com clareza entre os temas de sua obra. Em seus trabalhos é comum ver a
presença dos indígenas, retratados em sua face sócio-histórica, sob um ponto de vista estritamente
idealizado. Seus personagens guardam características clássicas, pois embora representadas em um
estilo bi-dimensional, estas imagens se encorpam, inspiradas nas pinturas renascentistas e nas
vivências do artista com o Cubismo.

Diego Rivera, depois de produzir mais de dois mil

quadros, cinco mil desenhos e cerca de quatro mil
metros quadrados de pintura mural, morreu no dia 24
de novembro de 1957, na cidade de San Ángel.

The Flower Carrier (Carregador de Flores)

Em 1935, Diego Rivera magistralmente criou The
Flower Carrier (conhecido em seu idioma original
como Carregador de Flores). Como muitas pinturas de
Rivera, The Flower Carrier confere a simplicidade,
mas exala muito simbolismo e significado. As cores
vibrantes são esfregadas no masonite, um método
mais comum para pintar em superfícies duras.
A pintura colorida mostra um homem
camponês na roupa branca com um sombreiro
amarelo, lutando com uma cesta de flores amarrada a
sua parte traseira com um tecido amarelo. Uma mulher, muito provavelmente a esposa do
camponês, está atrás dele tentando ajudar com o apoio da cesta enquanto tenta se levantar.
 Enquanto as flores na cesta são surpreendentemente bonitas para o espectador, o homem não
vê a sua beleza, mas apenas seu valor como ele os leva para o mercado para venda ou troca. As
formas geométricas oferecem contrastes audaciosos e intensos, com cada figura, item e folhagem

ilustrada para refletir o individualismo. Alguns acreditam que o enorme cesto atado às costas
do homem é representativo das cargas de um trabalhador
inexperiente em um mundo capitalista moderno.
Observe as cores corajosas e brilhantes que ele usa. Com o
uso de sombras ele faz com que o tema se destaque do fundo da
pintura quase como se as figuras fossem delineadas. Como ele
repete as cores? Compare o tamanho do homem com o tamanho
da mulher. O homem está carregando a carga pesada, mas parece
ser uma pessoa menor do que a mulher colocando a carga em
suas costas.

Agrarian Leader Zapata (Líder Agrário Zapata)

Emiliano Zapata, um campeão da reforma agrária e um dos

principais protagonistas da Revolução Mexicana, lidera aqui um
bando de rebeldes camponeses armados com armas provisórias,
incluindo ferramentas agrícolas. Com o freio de um majestoso
cavalo branco na mão, Zapata ergue-se triunfante ao lado do
cadáver de um dono de fazenda. Embora os jornais mexicanos e
norte-americanos regularmente julgassem o líder revolucionário
como um bandido traiçoeiro, Rivera imortalizou Zapata como um herói e glorificou a vitória da
Revolução em uma imagem de vingança violenta, mas justa. 35
Diego Rivera repete algumas vezes este tema do vendedor de flores, tendo chegado a pintar a Festa
das Flores. Ele põe a luta de classes na pintura e nos murais, ao mesmo tempo em que explora os
contrastes entre o estilo de vida dos explorados e o estilo de vida dos exploradores. O que se detecta
nesta figura carismática e típica da sua pintura é o peso da opressão e a humilhação do povo.

Complete as frases e em sequência a cruzadinha:

Um dos maiores artista plástico____________________

Especializado na pratica do_______________________
Como muitas pinturas de Rivera, carregador de flores confere a_____________________
A pintura colorida mostra um homem___________________
Emiliano_________________, um campeão da reforma agrária
Ele põe a luta de classes na_______________ e nos murais.
Considerava a pintura convencional como uma arte________________
______________, sua ideologia transparece com clareza entre os temas de sua obra.
Seus personagens guardam características___________________
Em seus trabalhos é comum ver a presença dos___________________
 Complete com as respostas a cima.

Complete e pinte! Use a técnica da pintura Barroca.

36
 Fernando Botero

Fernando Botero é um artista plástico colombiano de estilo figurativo que se consagrou

mundialmente com seus personagens volumosos, tanto em suas pinturas como em suas esculturas.
Fernando Botero Ângulo nasceu em Medellin, Colômbia, na América do Sul, no dia 19 de
abril de 1932. Com 15 anos de idade começou a vender seus primeiros desenhos. Em 1948 trabalhou
como ilustrador para o jornal O Colombiano. Em 1950 graduou-se no Liceu San José de Marinilla.
Em 1951 mudou-se para Bogotá onde realizou sua primeira exposição.
Botero participou do Salão dos Artistas Colombianos e ganhou o 2º lugar. Com o dinheiro do
prêmio partiu para a Europa. Estudou na Escola de Belas Artes de San Fernando, em Madri. Foi
para a França e Itália, onde em Florença, na Academia de San Marco, estudou História da Arte e as
técnicas de afrescos, marcando suas obras com a influência do renascimento italiano.
De volta à Colômbia, em 1955, Botero expõe na Biblioteca Nacional. Nessa época começa a
ampliar o volume de seus personagens. Em 1957 realiza sua primeira exposição nos Estados Unidos.
Em 1958 é nomeado professor da Academia de Belas Artes, onde permaneceu até 1960. Em visita ao
México, estudou os murais dos artistas Diego Rivera, José Clemente, entre outros, que também
influenciaram em sua obra.
Fernando Botero é um artista politizado e muito preocupado com a violência na América
Latina, que foi retratada em muitas de suas obras. O seu estilo figurativo, com seus personagens
volumosos formam um modelo único que o consagrou mundialmente.
Em 2004, Botero realizou uma série de pinturas que retratam as torturas cometidas por
soldados norte-americanos contra os prisioneiros de Abu Ghraib. As obras foram expostas em
diversos países. Sua mostra “Dores da Colômbia” que reúne 67 obras com 36 desenhos, 25 pinturas
e seis aquarelas, percorreu várias cidades europeias e brasileiras. Nela o artista coloca em evidência
a violência causada pelos conflitos naquele país, envolvendo os guerrilheiros das Forças Armadas 37
Revolucionárias da Colômbia (Farc), exército e paramilitares.
Entre seus trabalhos mais populares, estão as releituras (gordinhas) de Mona Lisa, de
Leonardo da Vinci, adquirida pelo Museu de Arte Moderna de
Nova York, e o casal Arnolfini, de Jan van Eyck. Botero doou
200 pinturas e dezenas de esculturas que povoam os parques e
praças públicas de Medellin e parte de sua coleção pessoal foi
doada ao Museu Botero de Bogotá. O artista vive hoje entre
Mônaco, Nova York, Itália e sua casa de campo em Antioquia,
na Colômbia. Suas obras estão espalhadas por diversas cidades
e museus do mundo todo.
Sim, esta é uma versão da Mona Lisa de Leonardo da
Vinci.
De fato, é Mona Lisa de Fernando Botero, pintado em 1977.
Este artista colombiano é famoso por suas "figuras gordas" - um
estilo que ele desenvolveu quando começou a experimentar o
tamanho e as proporções na década de 1950.
Agora, como ele se moveu para este estilo de pintura
particular? Aqui está uma declaração de Botero que fornece
uma visão possível: "Um artista é atraído para certos tipos de forma sem saber por quê. Você
adota uma posição intuitivamente; Só mais tarde você tenta racionalizar ou até mesmo justificá-
lo." O fato é que ele é um artista abstrato, não um artista figurativo.
À medida que a arte latino-americana ganha terreno no mercado de arte global, é impossível ignorar
este artista ilustre com o estilo único!
 Sobre suas obras

O porte roliço das figuras, associado a certo

realismo mágico, se tornou a marca registrada do
artista. Até quando ele pinta naturezas-mortas as
frutas são inchadas. O que não significa que Botero
esteja propondo uma "realidade gorda" protesta a
antropóloga argentina Teresa de Anchorena, que foi a
curadora da retrospectiva de Botero no MASP.
Segundo ela o artista constrói uma "realidade
monumental" e, ao mesmo tempo, sugere "um excesso
de vida que é perigoso".Botero se define como o oposto
dos outros artistas: "Não sou cubista, impressionista,
surrealista ou expressionista. Sou o que sou." Para ele
a pintura deve ter um tema, um volume e espaço, algo
que é tabu na arte moderna.
É visível sua opção pela sátira - gênero difícil
quase sempre menor- mas que nele ganha importância
ao resistir a modismos facilitadores da arte "de
vanguarda", ganhando com isto a grandeza artística que merece.
O artista que começou pintando natureza morta, retratos e mais tarde criando esculturas
também trata de temas políticos em suas obras. Muitas de suas imagens retratam a vida
colombiana, conflitos que assolam o país sul-americano, e nos últimos anos se concentrou na 38
violência.
Pareja bailandoLa Bailarina em el barra

Leitura de imagem la bailarina em el barra

Responder em outra folha.

1- Descreva a mulher destacada no centro da

imagem.
2- O que se observa em primeiro plano?
3- Que imagens foram dispostas ao fundo?
4- O espaço é aberto ou fechado?
5- Verifique na imagem de onde vem à luz?
6- Há alguma pista de que outra pessoa participe
da vida desta mulher?
6- Analise o ambiente e liste ações que a
mulher praticou.

8- Separe as ações em principais e secundárias.

9- Observe a posição da mão esquerda e a
expressão facial.
10 Como você descreve seus sentimentos?
11.O que estaria motivando sua expressão facial?
12. Como são as cores utilizada por Botero? Há
algum contraste?
13.Que sensações a cena pode produzir no espectador?
Faça seu autorretrato e pinte !

39
Pinte a obra do artista brasileiro, Caio Borges, releitura da obra de Fernando Botero.

Use a técnica da pintura POP ART.

40
41
 Nome do Filme
.
Em que momento do filme encaixa com essas palavras, descreva:

Beleza

Medo

Suspense

Alegria
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
Romantismo

Egoísmo

Dê as principais características físicas e psicológicas do artista principal.

Que cena mais o emocionou?

Qual foi a trilha sonora você identificou no filme?

Utilize a técnica da Op. Art

Pinte com a técnica da POP ART.

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46
Atividade de criação: escreva seu nome Grafitado

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50