Once (enero 2025) by HArtes Revista
HArtes, Jan 31, 2025
Desde hace cerca de cincuenta años, el mundo ha venido experimentando una serie de t... more Desde hace cerca de cincuenta años, el mundo ha venido experimentando una serie de transformaciones sociales, culturales y económicas que están modificando las estructuras del entorno común en el que vivimos. Diferentes disciplinas han señalado que, durante este período, las tecnologías de la información y la comunicación se han convertido en herramientas clave para el establecimiento de nuevas formas de relaciones sociales, mientras que los datos digitalizados han adquirido un valor económico estratégico. En con-secuencia, ha surgido una gran cantidad de neologismos y definiciones, tales como capitalismo de plataformas (Srnicek, 2018), capitalismo de vigilancia (Zuboff, 2018), capitalismo cognitivo (Vercellone, 2011), capitalismo informacional (Castells, 2017), capitalismo electrónico-informático
(Lins Ribeiro, 2018), capitalismo digital (Schiller, 2000), entre otros. Estas propuestas bus-can mapear los cambios ocurridos respecto a las prácticas y los conceptos tradicionales de la era industrial, abriendo paso a la posibilidad de un nuevo paradigma y, de forma más contundente, se habla de un nuevo modelo civilizatorio en el capitalismo.
HArtes, Jan 31, 2025
El presenta trabajo tiene por objetivo traer a discusión, los desafías a los que se enfrenta el p... more El presenta trabajo tiene por objetivo traer a discusión, los desafías a los que se enfrenta el proceso de trabajo artesanal en la contemporaneidad, con la llegada y el auge de la Inteligencia Artificial (IA) a la industria. Aun cuando el proceso de trabajo artesanal fue duramente relegado por la producción industrial, ha logrado sobrevivir hasta hoy en día, no obstante, la IA puede pensarse como el fin del trabajo artesanal sino se discute a tiempo los desafíos que le representa a este último, así como las ventajas que pueden usarse a su favor. Sobre esta base, primero se analiza el proceso de trabajo artesanal, para después problematizar el encuentro ineludible entre este y la IA, a partir de las tesis del fin del trabajo, permitiendo observar así, los posibles caminos que surgen de este encuentro, a fin de continuar rescatando el valor incalculable que representa el trabajo artesanal.
HArtes, Jan 31, 2025
Las vanguardias cinematográficas han sido históricamente importantes para fomentar la creación y ... more Las vanguardias cinematográficas han sido históricamente importantes para fomentar la creación y la innovación del cine. En la era digital, su estudio adquiere una nueva dimensión de relevancia, ya que el análisis de estas vanguardias proporciona a los estudiantes herramientas para comprender cómo el cine ha evolucionado como medio de expresión artística y de manifestación social. Este conocimiento es esencial para desarrollar un pensamiento crítico robusto, capaz de evaluar no solo el contenido de una película, sino también su forma, su contexto histórico y su relevancia cultural desde y en su entorno inmediato. Con la llegada de los modelos de lenguaje de gran escala (LLM) y de las inteligencias artificiales generativas (IAGen), los estudiantes se enfrentan a un panorama social cada vez más complejo donde las tecnologías están transformando la producción, la distribución y el análisis de películas. Los LLM pueden generar guiones o análisis críticos, mientras que las IAGen pueden crear efectos visuales o incluso secuencias enteras de películas, modificando el concepto cinematográfico. En el presente ensayo se analiza la importancia de las vanguardias cinematográficas en el desarrollo del pensamiento crítico de los estudiantes, especialmente en el contexto actual donde prolifera el modelo de lenguaje de gran escala en su forma de inteligencias artificiales generativas.
HArtes, Jan 31, 2025
En este trabajo, los autores abordan el impacto de la inteligencia artificial (IA) en la industri... more En este trabajo, los autores abordan el impacto de la inteligencia artificial (IA) en la industria musical, examinando sus implicaciones históricas, tecnológicas, éticas y laborales. El problema central es cómo la integración de estas nuevas herramientas, especialmente la Inteligencia Artificial Generativa (IAG), está transformando la creación y producción musical, generando tanto oportunidades como desafíos significativos. El objetivo de la investigación es explorar cómo se está remodelando la industria musical, evaluando los beneficios potenciales como la democratización de la creación musical y las disrupciones, incluyendo la pérdida de empleos y los dilemas éticos relacionados con la originalidad y la autoría. Se podría plantear que, aunque la IA puede democratizar la creación musical y aumentar la eficiencia, también puede llevar a una deshumanización del arte y a una reconfiguración del mercado laboral en la música.
HArtes, Jan 31, 2025
Las innovaciones tecnológicas transforman la creación y percepción del arte al modificar la maner... more Las innovaciones tecnológicas transforman la creación y percepción del arte al modificar la manera en que se crean y perciben las obras de arte, así como cualquier actividad del homo faber. Estas innovaciones impactan en la creatividad, evolución e inventiva, y alteran la noción misma del proceso de producción artística. En particular las tecnologías emergentes, como las inteligencias artificiales, están transformando la creación y apreciación del arte, planteando implicaciones para los artistas, artesanos y la sociedad en general. La intersección de la tecnología, el arte y la ética en el ámbito de la inteligencia artificial (IA), posibilita una postura crítica a partir de la reducción de elementos humanos y artísticos a meros objetos o rasgos individuales. La propuesta del concepto de "artenomía" busca establecerse como el dispositivo para mediar entre la singularidad del arte y la creciente dependencia de la IA, sugiriendo que si bien la IA puede democratizar la creación artística, también plantea riesgos como la erosión de habilidades tradicionales y autenticidad. La discusión incluye la noción de "aura" de Walter Benjamin, examinando cómo la IA desafía las distinciones entre lo humano y lo máquina, y las implicaciones para la creación artística y donde se aboga por una implementación ética de la IA en el arte que respete diversas prácticas artísticas y considere implicaciones socioculturales y éticas. Una reflexión crítica sobre cómo equilibrar las oportunidades de la IA con sus riesgos, promoviendo una visión holística del arte que prioriza su significado social y cultural sobre el valor económico.
HArtes, Jan 31, 2025
En una época donde el arte contemporáneo se ve cada vez más intervenido por las tecnologías digit... more En una época donde el arte contemporáneo se ve cada vez más intervenido por las tecnologías digitales, el propósito del presente ensayo es hacer una crítica al monopolio del capital que impone su lógica mercantilista sobre los procesos creativos de los nuevos trabajadores que intentan resistir desde las producciones artesanales. A través de un análisis crítico, y por medio de una metodología abductiva, el presente ensayo intenta explicar cómo el aura de la obra de arte nunca dejó de estar presente incluso en los espacios culturales más periféricos. Si bien es cierto que el aura, como categoría estética, ha caído en desuso desde que Walter Benjamin la puso en entredicho, es importante señalar que su empleo nos permite entender que las piezas artesanales son productos que se resisten a ser parte de la narrativa hegemónica del arte contemporáneo. En este contexto donde la obra de arte se convirtió en un artículo de lujo, la labor del artesano toma fuerza como ejemplo de rebeldía frente a un sistema que tiende a precarizar al sujeto creativo.
HArtes, Jan 31, 2025
El objeto análogo actúa como una respuesta deliberada al avance desmedido de la inteligencia arti... more El objeto análogo actúa como una respuesta deliberada al avance desmedido de la inteligencia artificial, utilizando la simplicidad y la tangibilidad para contrarrestar la saturación tecnológica y reafirmar la importancia de la experiencia sensorial y emocional. Estos elementos destacan el valor de la simplicidad material y lo humano, ofreciendo una alternativa que busca equilibrar el uso de la tecnología con una apreciación por la funcionalidad y el mundo material. El objetivo de este artículo es, generar una reflexión crítica sobre la relación de la IA y la tecnología en la actualidad, y cómo la austeridad estética y los objetos físicos pueden mitigar sus efectos potencialmente alienantes, para promover un estilo de vida consciente frente a lo tecnológico, enfatizando la importancia de la simplicidad y la autenticidad. Se analiza la teoría y la práctica de la austeridad estética en la cinematografía sci-fi y el diseño para comprender cómo estas prácticas responden al avance de la IA. Como resultado, se identifican las tendencias en la integración de la austeridad estética en la producción cultural y cómo estas tendencias responden a la creciente presencia de la IA, concluyendo que la austeridad estética y el uso de objetos análogos no solo sirven como un contrapeso al avance de la IA, sino también ofrecen una oportunidad para analizar el impacto y evolución de la tecnología, proporcionando una vía para explorar la relación entre el progreso digital y las disciplinas como la cinematografía, el diseño y la estética.
HArtes, Jan 31, 2025
La Comuna 13 es una de las 16 comunas de Medellín. A causa de una complicada historia de abandono... more La Comuna 13 es una de las 16 comunas de Medellín. A causa de una complicada historia de abandono estatal, violencia, y operaciones militares, fue considerada uno de los sectores más peligrosos de la ciudad. En años recientes, ha experimentado una importante transformación convirtiéndose en uno de los sectores más seguros y turísticos de Medellín. Este cambio se debe a la importante escena de arte callejero que se desarrolló en los espacios públicos de la comuna. El objetivo de esta investigación fue comprender el impacto del arte callejero en la transformación de la Comuna y en las experiencias de vida de los habitantes. La investigación se llevó a cabo utilizando el método de la etnografía caminando. El método de caminar con los participantes por un espacio urbano se está volviendo cada vez más común en aquellas investigaciones que buscan comprender las experiencias y los problemas relacionados con un lugar particular. Los beneficios de este método se basan en el hecho de que la inmersión sensorial en un lugar ayuda a los entrevistados a revivir los recuerdos relacionados con ese lugar. A través de los recuerdos, es posible explorar no solo las experiencias personales de los participantes, sino también elementos culturales, políticos, sociales y económicos generales. En el transcurso de las caminatas se logró evidenciar que los participantes consideran el arte callejero como uno de los principales elementos que ha contribuido a la “trasformación” de la comuna. Esto se debe a que han tenido la capacidad de mejorar el aspecto de los espacios públicos y, al mismo tiempo, atraer visitantes que han introducido nuevos flujos de capital en la economía local, mejorando la calidad de vida de la comunidad. Esta investigación demuestra una vez más que el arte callejero puede ser una herramienta poderosa de cambio social para comunidades vulnerables.
HArtes, Jan 31, 2025
La nueva novela histórica, surgida desde 1979, amplía la diversidad temática y narrativa. "Notici... more La nueva novela histórica, surgida desde 1979, amplía la diversidad temática y narrativa. "Noticias del Imperio" de Fernando del Paso desafía las convenciones al utilizar la historia como medio para la reconstrucción del pasado. Carlota personifica la locura reveladora, subvirtiendo la narrativa histórica tradicional y explorando la complejidad humana. La novela emplea recursos metaficcionales para cuestionar la veracidad histórica y desmitificar la imagen idealizada de los personajes históricos. La locura de Carlota, así como la narrativa de la novela, buscan trascender la realidad histórica y reflexionar sobre la condición humana, empleando la intertextualidad y la parodia para reinterpretar la historia desde diversas perspectivas, desafiando los límites establecidos y ofreciendo una visión más amplia de la verdad histórica. La obra también examina la naturaleza transgresora de la nueva novela histórica, que desafía la hegemonía establecida en la comprensión de la historia y la memoria, introduciendo una reflexión ontológica que sería censurada por el canon tradicional.
HArtes, Jan 31, 2025
El escrito expone la reseña del libro "En el umbral de lo sagrado. Reflexiones teóricas de la dan... more El escrito expone la reseña del libro "En el umbral de lo sagrado. Reflexiones teóricas de la danza desde la práctica escénica", de la maestra Cecilia Lugo.
Diez (julio 2024) by HArtes Revista
HArtes, Jul 2024
El dossier Otros futuros. Fronteras de la ciencia ficción latinoamericana de la revista HArtes vo... more El dossier Otros futuros. Fronteras de la ciencia ficción latinoamericana de la revista HArtes vol. 5, núm. 10 (jul-dic 2024) fue coordinado por el Dr. Samuel Lagunas Cerda para quien, como crítico literario y estudioso de la ciencia ficción, ha sido un placer descubrir que en los textos que componen este dossier, las novelas y los cuentos ocupan un lugar menor. En cambio, el teatro, la novela gráfica, el webcómic y la instalación artística son los protagonistas de las investigaciones que aquí se presentan. Geográficamente, en este dossier se pone especial énfasis en obras ecuatorianas y mexicanas, lo que resulta relevante, puesto que, de la región andina, Ecuador es uno de los países que han sido menos explorados. La pregunta o la búsqueda por saber qué es lo que distingue a la ciencia ficción latinoamericana respecto de la ciencia ficción del Norte global es una recurrencia, casi una obsesión, en la que llevamos enfrascados quienes estudiamos este tema, y, afortunadamente, en estos artículos se plantean nuevos desafíos que complejizan aún más este empeño.
HArtes, Jul 2024
La modernidad, es decir, el proyecto de Occidente, es un terremoto civilizatorio que reconfiguró ... more La modernidad, es decir, el proyecto de Occidente, es un terremoto civilizatorio que reconfiguró no sólo a la humanidad, sino a buena parte de la vida del planeta y al planeta mismo. Una de las tantas manifestaciones de este proceso es la ciencia ficción, herramienta narrativa y estética a través de la cual nos explicamos el impacto, las posibilidades y las resonancias de los aspectos tecnocientíficos en la vida, el tiempo y la imaginación. El mito del progreso, anclado en la idea de un tiempo lineal y de una progresiva e inevitable mejora en el nivel de vida humana utilizando a la ciencia y la técnica como herramientas, resulta fundamental tanto para la modernidad como para la ciencia ficción. Ante el evidente derrumbe de Occidente y el empañamiento del mito del progreso, ¿qué oportunidad y retos se presentan ante la ciencia ficción latinoamericana? El presente texto se adentra en este planteamiento y pretende esbozar algunas respuestas.
HArtes, Jul 2024
El presente estudio analiza dos obras ecuatorianas de ciencia ficción que exploran futuros tecnol... more El presente estudio analiza dos obras ecuatorianas de ciencia ficción que exploran futuros tecnológicos en los Andes. Por un lado, Ángelus Hostis es una novela gráfica cyberpunk que imagina un Ecuador en 2120 con energía de fusión nuclear y una sociedad controlada por una red digital omnipresente. Por otro lado, Andean Sky es un webcómic que se centra en la migración y presenta tecnologías aéreas y de la construcción futuristas en el desarrollo de la trama. Ambas obras abordan temas como el poder, el control, la naturaleza humana y los conflictos sociales en un contexto de desarrollo tecnológico, ofreciendo una reflexión crítica sobre el futuro tecnológico de Latinoamérica y la influencia de la ciencia ficción en la región andina.
HArtes, Jul 2024
Uno de los temas apremiantes de la contemporaneidad es la debacle ambiental, inherente a cualquie... more Uno de los temas apremiantes de la contemporaneidad es la debacle ambiental, inherente a cualquier habitante del planeta. La literatura es una de las expresiones que se ha ocupado de advertir esta problemática. En particular, la ciencia ficción dialoga de forma permanente con las posibilidades que nos ofrece la ciencia; se pregunta sobre el devenir problematizando el presente. Una de las formas de manifestarse es mediante el teatro, género emocional y corporal, el cual propicia la libertad de las expresiones humanas. En una actualidad que no parece otorgar grandes garantías de un futuro halagador, se convierten, en conjunto, en un artefacto adecuado para inquirir sobre las condiciones venideras y afrontarlas. Para desarrollar estas ideas, revisaré la pieza teatral “Terraza con jardín infernal” del escritor mexicano Francisco Tario, con base en planteamientos de la ecocrítica y del cyberpunk.
HArtes, Jul 2024
¿Qué hubiera pasado si las civilizaciones originarias de América hubieran descubierto y colonizad... more ¿Qué hubiera pasado si las civilizaciones originarias de América hubieran descubierto y colonizado Europa? Esta pregunta, por más fantástica, está traspasada por la intención de volver la mirada a las culturas indígenas no con una mirada romántica, sino con una que inquiere los posicionamientos de muchos grupos sociales que reafirman su occidentalismo. Así, la ciencia ficción ucrónica propone distintas formas de respuesta y muestra otra manera de contar la “historia”, probablemente reivindicando, o haciendo crítica a la razón occidental. En este artículo se quiere evidenciar cómo, desde dicha racionalidad, ciertos escritores y artistas, intentan repensar el otro lado de la Historia, la de aquellos que deberían tener voz y presencia activa e incluso presencia política que emplace un nuevo ethos. Así, desde los estudios de literatura comparada, exponemos y tratamos de encontrar nexos y tensiones en los discursos de la instalación artística y el libro-álbum de Eduardo Villacís, El espejo humeante (Ecuador, 2003) y las novelas de Federico Andahazi, El conquistador (Argentina, 2006) y de Lauren Binet, Civilizaciones (Francia, 2020). Tales obras adelantan una tesis que probablemente tiene que ver con las actuales emergencias indígenas: ¿Qué pasaría si efectivamente el gobierno del mundo contemporáneo estuviese en manos de las nacionalidades indígenas? La ciencia ficción latinoamericana y europea pareciera que discute esta idea desde un horizonte crítico ficcional de notable interés.
HArtes, Jul 2024
El presente artículo aborda el discurso estético-político de la obra de danza contemporánea “Send... more El presente artículo aborda el discurso estético-político de la obra de danza contemporánea “Senderos del Peñasco”, en la que se exploran las posibilidades de imaginar al cuerpo danzante como depositario de memorias y lugar de enunciación. En un proceso creativo guiado por un equipo multidisciplinario, la historia de su directora e intérprete como mujer artista mestiza y migrante es el punto desde el cual se elabora una metáfora escénica a través de un cuerpo danzante que cuestiona la invisibilidad y marginalización de ciertos grupos sociales por su sexo, color de piel y origen étnico. Desde una perspectiva antropológica se analizan las nociones de cuerpo como archivo vivo y la autobiografía como recursos para la construcción de discursos artísticos que interpelan la realidad social. En las conclusiones se argumenta que la exploración de la memoria a través del cuerpo proporciona un espacio para repensar y reinterpretar nuestras historias y, que, en el caso de las artes contemporáneas, su configuración comodiscursos estéticos-políticos implica otras formas posibles de explorar y hablar sobre nosotras y nosotros mismos.
HArtes, Jul 2024
Dentro del amplio espectro que ocupa la ciencia ficción, la distopía se ha convertido, en los últ... more Dentro del amplio espectro que ocupa la ciencia ficción, la distopía se ha convertido, en los últimos años, en uno de los objetos de estudio más abordados por los círculos académicos. Sin embargo, la mayor parte de las investigaciones en torno a la producción audiovisual distópica han priorizado la indagación en sus aspectos puramente narrativos, ignorando los elementos formales que articulan el texto audiovisual. Lo que aquí se propone es ofrecer una posible aproximación a las imágenes distópicas desde un enfoque que integre el análisis crítico y contextual de estas producciones audiovisuales con un análisis propiamente fílmico. Para ello, y a modo de muestra de las posibilidades de este enfoque, abordaremos el análisis de algunos de los filmes distópicos más relevantes del siglo XXI: desde Minority Report, de Steven Spielberg (2002) a Ready Player One (2018), del mismo director, pasando por la Children of Men de Alfonso Cuarón (2006) o la Blade Runner 2049 de Denis Villeneuve (2017). Tomando como referencia la noción de texto fílmico de autores Barthes, Kristeva, Metz y Carmona, pretendemos abordar el análisis a partir de dos ejes fundamentales y complementarios: uno que atienda a la relación entre texto(s) y contexto(s), y otro que se ocupe de analizar las posibles identificaciones propuestas por los filmes desde la propuesta en torno a la mirada espectatorial.
HArtes, Jul 2024
La condición humana no está relegada a su mera existencia. Somos seres plurales y diversos. Somos... more La condición humana no está relegada a su mera existencia. Somos seres plurales y diversos. Somos sujetos que sujetan y sujetos sujetados. Somos polisémicos y multiformes. Somos producto de las condiciones y productores de condicionantes de la vida humana. Partiendo de fomentar un diálogo abierto entre algunas aproximaciones antropológicas y de la ciencia ficción a la idea del otro, el presente texto busca reflexionar sobre la naturaleza de la condición humana. Empleando un esquema crítico-reflexivo sobre la naturaleza de ciertos textos insignes en ambas áreas, tales como: “Los argonautas del pacífico occidental”, “El ruido del trueno” y “El muro de oscuridad”, se analiza si, en un mundo preñado por la visualidad y el culto a la imagen, los relatos etnográficos y los de ciencia ficción pueden precisar algún aporte para comprender mejor nuestro presente y futuro. A la luz de preguntas como: ¿Cuál es la condición humana que plantean –o puedan plantear– estas obras? Este análisis se divide tres apartados: La condición humana en la antropología y la ciencia ficción; El ruido de un trueno, el mundo de oscuridad y los archipiélagos de la Nueva Guinea y; ¿Hacia dónde va la narrativa en la antropología y la ciencia ficción? Apartados que pretenden conectar, por un lado, las narrativas etnográficas con las de ciencia ficción, y, por otro, dilucidar preguntas tales como ¿qué es la condición humana? ¿hacia dónde se orienta?
HArtes, Jul 2024
Para este trabajo se propone que la literatura en general y el particular, específicamente la de ... more Para este trabajo se propone que la literatura en general y el particular, específicamente la de ciencia ficción, tiene implicaciones filosóficas, desde la Hermenéutica analógica. Esta enseña que todo texto se comprende y explica desde su contexto, así como que todo texto es símbolo, esto es, conecta con un significado oculto que es posible descubrir. Los textos literarios esconden un significado filosófico. La hermenéutica analógica sirve para encontrarlo. Para este trabajo se ha optado por tres cuentos de literatura de ciencia ficción. Antes, empero, de tratar sus implicaciones filosóficas, se exponen las consideraciones teóricas pertinentes de la hermenéutica analógica.
HArtes, Jul 2024
El arte mexicano siempre ha sido difícil de conceptualizar. Desde nociones que engloban la determ... more El arte mexicano siempre ha sido difícil de conceptualizar. Desde nociones que engloban la determinación substancial nacionalista, hasta discursos que se alienan completamente de la aprehensión de lo cultural y social del país, el arte mexicano navega en un terreno vaporoso que es mutable en sí mismo, y que, por ende, es intangible al tacto.
Su conformación gaseosa ha dependido de las diferentes miradas (muchas de estas siendo extranjeras), que lo han estructurado y modelado a través de envases específicos. Estas modulaciones han propiciado el nombramiento del arte mexicano a través de estructuras compactas que mientras permiten una visualización “pertinente”, encierran y controlan la posibilidad de expansión del mismo.
El acto de nombrar es una instancia de poder, y en este sentido, el arte mexicano, no se ha podido nombrar a sí mismo, este más bien, siempre ha sido nombrado.
Es por ello que el arte post-mexicano se presenta como una posibilidad de subversión a través de la aprehensión del simbolismo que conforma a la mexicanidad, y la transgresión de dichos elementos en la reconceptualización de un imaginario nuevo, que posibilite una conscientización del ser mexicano en tiempos postmodernos.
El arte post-mexicano engloba la noción del decolonialismo, a través de una transculturación simbólica por medio de la reaprehensión de los arquetipos que conformaron (y siguen conformando) la cárcel identitaria de lo mexicano, con la posibilidad de hacer una relectura no solo del lenguaje artístico, sino de la misma conformación y conceptualización del ser nacional.
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Once (enero 2025) by HArtes Revista
(Lins Ribeiro, 2018), capitalismo digital (Schiller, 2000), entre otros. Estas propuestas bus-can mapear los cambios ocurridos respecto a las prácticas y los conceptos tradicionales de la era industrial, abriendo paso a la posibilidad de un nuevo paradigma y, de forma más contundente, se habla de un nuevo modelo civilizatorio en el capitalismo.
Diez (julio 2024) by HArtes Revista
Su conformación gaseosa ha dependido de las diferentes miradas (muchas de estas siendo extranjeras), que lo han estructurado y modelado a través de envases específicos. Estas modulaciones han propiciado el nombramiento del arte mexicano a través de estructuras compactas que mientras permiten una visualización “pertinente”, encierran y controlan la posibilidad de expansión del mismo.
El acto de nombrar es una instancia de poder, y en este sentido, el arte mexicano, no se ha podido nombrar a sí mismo, este más bien, siempre ha sido nombrado.
Es por ello que el arte post-mexicano se presenta como una posibilidad de subversión a través de la aprehensión del simbolismo que conforma a la mexicanidad, y la transgresión de dichos elementos en la reconceptualización de un imaginario nuevo, que posibilite una conscientización del ser mexicano en tiempos postmodernos.
El arte post-mexicano engloba la noción del decolonialismo, a través de una transculturación simbólica por medio de la reaprehensión de los arquetipos que conformaron (y siguen conformando) la cárcel identitaria de lo mexicano, con la posibilidad de hacer una relectura no solo del lenguaje artístico, sino de la misma conformación y conceptualización del ser nacional.
(Lins Ribeiro, 2018), capitalismo digital (Schiller, 2000), entre otros. Estas propuestas bus-can mapear los cambios ocurridos respecto a las prácticas y los conceptos tradicionales de la era industrial, abriendo paso a la posibilidad de un nuevo paradigma y, de forma más contundente, se habla de un nuevo modelo civilizatorio en el capitalismo.
Su conformación gaseosa ha dependido de las diferentes miradas (muchas de estas siendo extranjeras), que lo han estructurado y modelado a través de envases específicos. Estas modulaciones han propiciado el nombramiento del arte mexicano a través de estructuras compactas que mientras permiten una visualización “pertinente”, encierran y controlan la posibilidad de expansión del mismo.
El acto de nombrar es una instancia de poder, y en este sentido, el arte mexicano, no se ha podido nombrar a sí mismo, este más bien, siempre ha sido nombrado.
Es por ello que el arte post-mexicano se presenta como una posibilidad de subversión a través de la aprehensión del simbolismo que conforma a la mexicanidad, y la transgresión de dichos elementos en la reconceptualización de un imaginario nuevo, que posibilite una conscientización del ser mexicano en tiempos postmodernos.
El arte post-mexicano engloba la noción del decolonialismo, a través de una transculturación simbólica por medio de la reaprehensión de los arquetipos que conformaron (y siguen conformando) la cárcel identitaria de lo mexicano, con la posibilidad de hacer una relectura no solo del lenguaje artístico, sino de la misma conformación y conceptualización del ser nacional.
pensamiento de Georges Didi-Huberman. Siguiendo al historiador del arte,
se entenderá a la imagen no como mero soporte visual, sino la imagen
como gesto, como acción. Para ello, es fundamental retomar su postura
frente a las sublevaciones y el concepto de imagen abierta acuñado en su
libro L’image ouverte. Didi-Huberman postula que las imágenes se abren y
se cierran, así como nuestros cuerpos frente a ellas, mientras las observamos.
Para él no existe imagen sin su gesto de apertura; abrir equivale
a desvelar. La obra de Akram Khan con la que se dialoga, denuncia la explotación
de soldados indios que lucharon al lado de las tropas británicas
durante la Primera Guerra Mundial, es decir, se danza una sublevación. Así,
¿cómo pensar al cuerpo como imagen abierta? ¿Cómo volcarnos a esos
cuerpos que se sublevan y se rebelan?
mexicano desde finales de la década de 1930, todos encaminados a construir la danza mexicana en términos artísticos. Sin embargo, una relectura del fenómeno evidencia que dicha producción fue empleada exitosamente como difusora de arquetipos de mexicanidad entre el público nacional y extranjero, lo que la llevó a adquirir características más cercanas al espectáculo que al arte, así como a formar parte constitutiva del programa de fomento al turismo durante el gobierno de Manuel Ávila Camacho. De esta forma, el ejercicio creativo de la ED continuó siendo parte del proceso de desarrollo y consolidación de la danza mexicana
que, progresivamente, se convirtió en un conceptoque fue capaz de englobar la práctica artística, la tra dición y el espectáculo. El objetivo de este artículo es analizar la dinámica de creación escénica de la ED –Escuela Nacional de Danza (END) a partir de 1938– para mostrar su retorno a la danza de espectáculo, lo cual puede ayudar a profundizar en el estudio de dicha institución y del campo de la danza en México.
Primero, ofrezco algunas anotaciones importantes respecto a la danza mexicana y la danza de espectáculo en México. Enseguida, abordo el caso de la ED, desde su fundación en 1932, hasta 1947, cuando se creó la Academia de la Danza Mexicana (ADM), que la relevó como institución directriz en la creación del lenguaje dancístico nacional. Asimismo, señalo elementos que muestran su proceso de retorno a la lógica del espectáculo, a partir de la incorporación de su producción al plan de atracción del turismo durante la presidencia de Ávila Camacho.
El texto plantea la importancia de analizar la historia de la danza moderna mexicana desde una perspectiva feminista y dentro del contexto de la historia del arte. Aunque las mujeres fueron, en mayor parte las creadoras de los grandes símbolos de unidad nacional en términos dancísticos, rara vez se les ha reconocido como creadoras, aunque la danza ha sido mayormente concebida y ejecutada desde cuerpos femeninos, lo que ha llevado a que sea considerada como un "arte femenino", limitando su estudio desde las academias de historia del arte, predominantemente masculinas.
Se plantea una propuesta metodológica para estudiar la historia de la danza moderna mexicana desde los feminismos latinoamericanos. Instando a reconocer el trabajo de las mujeres creadoras y a analizar sus creaciones en sus contextos históricos y culturales. Este artículo propone revalorar el trabajo de las mujeres en la danza moderna mexicana, superando los cánones patriarcales que han limitado su visibilidad en la academia y en la sociedad. A través de un enfoque feminista y una intersección de saberes, se busca ampliar el panorama de estudio de la danza como expresión artística en México, reconociendo y reescribiendo su historia desde una perspectiva más inclusiva y enriquecedora.
In the 1920s, modern-day Armenia and Azerbaijan became part of the Soviet Union, with Nagorno-Karabakh, a region predominantly populated by ethnic Armenians but arbitrarily put under Azerbaijani’s control by Josef Stalin in 1921. In the late 1980s, as the Soviet Union disintegrated, Nagorno-Karabakh’s regional parliament voted to join Armenia, igniting ongoing conflicts that culminated in a genocidal enterprise against the Armenian population of the region. If the poetic and the political are inseparable, this implies that every poetic or artistic work has a political dimension that sometimes extends beyond the very context of its creation or genesis. One explanation for this may be the environment, the context from which it emerged. Another reason may be the sexual identity, ethical, cultural, or social values of the artists, but also those of their audiences. Taking for granted that the understanding of politics in artistic contexts has given rise, throughout the history of both visual and performing arts, to works that protest, celebrate, present, represent or resist very often through the body, we can envision political stands as either an imperative or as a creative fuel.
Since the beginning of the 20th century in the field of choreography, the notion of constraint or creative task has almost always generated movement (corporeal, metaphorical, or kinesthetic). This paper, therefore, sets out to explore the extent to which the heritage of a culture and the traumas of a threatened nation such as Armenia constitute a creative constraint or a creative starting point that is self-evident or that performing artists impose on themselves. Our argument will be supported by a study of Greek-Armenian choreographer Iris Karayan’s piece, A time to mourn, choreographed in 2009.
modernizador y civilizatorio que comprende todo a partir de la nación y sus dos premisas de poder: la historia y la política. De ese lugar debe extraerse la lectura y problemática de las mujeres de confort. Mientras que el arrebato, que a mi parecer debe suscitarse desde la imaginación y su poder, es lo que Miki Dezaki dispone en Shusenjo: The Main Battleground of the Comfort Women (2018), su trabajo documental sobre las mujeres movilizadas al territorio ocupado por el ejército japonés para servir sexualmente en estaciones llamadas de confort.
tres ecologías (1996) y Caosmosis (1996), de Félix Guattari, y Seguir con
el problema (2019), de Donna Haraway. Son libros con los cuales reflexionamos sobre los campos de acción existentes en las prácticas artísticas contemporáneas ante la crisis medioambiental, con enfoque en las que van más allá de los marcos institucionales y, por el contrario, colaboran con diferentes planteamientos creativos e interpretativos, incluyendo más roles dentro del proceso creativo, como las y los lectores. Dichas reflexiones tienen la finalidad de repensar y redimensionar a las artes y las producciones para co-habitar presentes y futuros posibles desde el arte como aliado de reorientación y movilización.
En conjunto, que dan cuenta de la tarea del feminismo decolonial en nuestros territorios abyalayenses, para con ello realizar un estudio de la vida y obra de Lorena Rodríguez (1976, Argentina) y Rachel Smith (1989, Puerto Rico), dos artistas latinoamericanas que buscan generar diálogos críticos a nivel social en contextos específicos, y así contar con los elementos necesarios para determinar la pertinencia del feminismo decolonial de nuestro sur continental como una base estructural para visibilizar la presencia de mujeres artistas plásticas de la Abya Yala, es decir de la MAPAY.
dado a la crónica latinoamericana a partir de la consolidación de la Fundación Nuevo Periodismo Iberoamericano en la primera década del siglo XXI.
Su estructura corresponde a la de un relato creado a partir de testimonios,
pero más allá de establecer que el uso de herramientas o figuras literarias
es lo que la ubica dentro de lo literario (como se proponía al conceptualizar a la crónica contemporánea).Sugerimos que la construcción de tramas narrativas (basadas en una narración coherente y lógica) es lo que le permite ser considerada como un relato literario. Para profundizar en esto, recurrimos a Hayden White y su narrativización de la historia.
Igualmente, se comprende el significado y la utilidad de este procedimiento, así como los aportes para quienes se encuentran inmersos en el proceso de enseñanza-aprendizaje.
performance músico-humorístico particular, situado en tiempo y lugar. Al
considerar los pocos estudios existentes sobre sus composiciones performativas, para la presente ponencia se recurrió a una grabación sonora en vivo del evento musical, a la segmentación del performance estudiado, al análisis de sus lenguajes de ejecución y a una interpretación crítica de los datos hallados durante el trabajo de campo. La triangulación de los resultados condujo a la construcción de imágenes sonoro-musicales relacionadas con un humor paródico y socialmente transgresor. Para este acercamiento se recurrió a herramientas metodológicas provenientes de la etnomusicología, con énfasis en la escucha analítica del soporte grabado, el análisis musical del performance y los estudios de música popular. Esta ponencia busca contribuir a un mejor entendimiento de los discursos humorísticos al interior de expresiones musicales específicas, en tanto entrona a las grabaciones sonoras como performances, espacios intermediales entendibles desde lo fenomenológico y hermenéutico.
El planteamiento central del artículo es que la e-imagen ocasionó una especie de crisis epistémica y ontológica que modificó las relaciones humanas. La subjetividad, basada primariamente en el contacto directo con otros individuos, pasó a una intersubjetividad basada en el intercambio de experiencias efímeras, en el acto de compartir simulacros de experiencias sensibles. En el arte contemporáneo y en los estudios visuales esta situación se ha vuelto un tema recurrente, por lo que se considera necesario analizar la especificidad de proyectos sólidos que responden a la genealogía de la teoría crítica.
La presente reflexión es una aproximación, somera, hacia algunos argumentos en torno a la interpretación de la imagen. Particularmente la digital, en el contexto cultural actual. Así, se parte de muy diversas perspectivas que van desde el hecho de que una imagen puede, entonces, ser una simple representación de la realidad, o una de tantas posibilidades para interpretarla, o bien ser una total y absoluta irrealidad.
La postura del artista se ha centrado sólo en lo creativo o interpretativo, de modo que sus propuestas teórico-artísticas se basan en la formación disciplinaria, la experimentación, el entrenamiento y la creación, dejando de lado las políticas públicas y la gestión como tal. El estudio de las políticas culturales no encuentra vínculos directos con la producción y creación artística, ya que rectores y teóricos en la materia como García Canclini, Martín Barbero, Julieta Fierro, y Eduardo Nivón, entre otros, son mayoritariamente antropólogos y sociólogos, siendo que el artista profesional no figura entre los grandes teóricos de la gestión cultural, ni en cargos públicos del arte y la cultura.
El empresario cultural es mayormente comercial y ha implementado los beneficios de la administración en la producción artística y cultural, sacrificando en gran parte los fines artísticos por aquellos más lucrativos, buscando la masificación y priorizando la cantidad sobre la calidad.
Es necesario aprovechar las políticas fiscales y proponer iniciativas que optimicen la asignación de presupuestos para subsidiar la cultura, obtener apoyos institucionales de divulgación que amplifiquen el impacto social de las artes, impulsar el intercambio con otras culturas en representación de un país. La relación que debe existir entre los gestores
artístico-culturales con los sectores público y privado debe ser fructífera; es por ello que esta maestría plantea una interdisciplinariedad que integre los elementos de la gestión cultural, administrativa, financiera y legal en la producción artístico-cultural.
Los museos son agentes de transformación social y el uso de la tecnología dentro de sus espacios busca ampliar la visión de todos los sectores sociales, haciendo que estos se integren mediante su interacción con el mismo espacio.
Las herramientas tecnológicas bien implementadas permiten tener un alcance inimaginable y deben ser planeadas estratégicamente para no sobreponer tales herramientas, por encima del legado histórico y cultural. La funcionalidad del uso de medios digitales debe basarse principalmente en la usabilidad, funcionalidad y accesibilidad.
Es un hecho que cada vez son más los museos que buscan hacer uso de los dispositivos basados en sistemas digitales, y es comprensible en un mundo tan cambiante, tan tecnológico y revolucionado en esa materia. El uso de las nuevas tecnologías debe sustentarse en el mejoramiento de la experiencia de los visitantes a los museos, así como en funcionar como un aliado para el desarrollo pedagógico y lúdico de cada una de las exposiciones que están apoyando.
escribirse. De los escenarios del teatro a los grandes medios televisivos, el Drag ha desplegado nuevas formas de leer los cuerpos y las representaciones de lo femenino, sin embargo, es también una tecnología de género que reproduce ciertos estereotipos de lo que es “ser mujer” y ayuda a su prevalencia aun hoy en día. El presente texto intenta vislumbrar un punto de entendimiento del Drag como tecnología de género, como una práctica que funge como punto de inflexión para la deconstrucción y reconstrucción de las representaciones construidas alrededor de lo femenino, y al mismo tiempo, como un punto de ayuda disidente para las propias representaciones de la masculinidad hegemónica. Todo esto a través de un análisis inicial que rescata como ejemplo algunos episodios del reality show RuPaul´s Drag Race.
Antes de elaborar cualquier discurso sobre el objeto que se quiera, al menos en filosofía y en disciplinas afines, es necesario cuestionar, no sólo la validez y pertinencia, sino sobre todo, la posibilidad y consecuencias de un discurso que se articula a través de preguntas y respuestas. Esto es lo que sugiere Heidegger en su célebre.
Carta sobre el humanismo. Heidegger, con un estilo no exento de matices irónicos, intenta responder a la pregunta sobre el hombre de forma inversa, de derecha a izquierda, regresando sobre la pregunta
misma y los supuestos que la sostienen. El hombre como tal apenas y puede pensarse, entreverse, pero sólo a partir de la desarticulación consciente y sistemática de los discursos que se yuxtaponen sobre él y que, en lugar de aportar una respuesta, ocultan lo que pretenden revelar.
Lo mismo ocurre con el cuerpo. En la obra de Nancy, el cuerpo es el sujeto-objeto de la deconstrucción. No hay una respuesta para la pregunta ¿Qué es el cuerpo?, sino, de manera similar a Heidegger, un ejercicio de desarticulación de los discursos que lo ocultan, pero, a diferencia de Heidegger, no para entrever —siquiera—lo que el cuerpo realmente es, sino para diseminar su significado, sus partes, sus cuerpos. El discurso sobre el cuerpo toca el límite, es precisamente este juego de tocar los límites, o incluso, el cuerpo mismo del límite. Pero sobre todo, el cuerpo no es, no se limita a ser —el ser es siempre lo absolutamente cerrado—sino que debe pensarse como una síncope, una apertura.
Sobre Fray Antonio Margil de Jesús, hombre ligado a las tierras de América, se desarrolló en vida y luego de su muerte un culto emergente a su personalidad, consistente en retratos hablados, retratos grabados y retratos pintados para el uso de adeptos y como parte de un programa iconográfico que pugnó primero desde América y luego hasta Europa por el proceso de reconocimiento canónico de su vida de virtudes. Se presenta una aproximación al desarrollo iconográfico de su figura.
El hombre en un afán de permanencia busca más allá de su propia carne habitar el mundo espiritual, porque finalmente el alma es imperecedera.
El arte ha buscado darle sentido estético, a este contenedor físico. Los referentes clásicos de la figura humana impuestos por las culturas grecorromanas, hacen que en el arte contemporáneo se busquen formas alternas de sublimidad, el artista recurre a mutilar su propio cuerpo sacrificando parte de su estética en esta búsqueda de crítica y reflexión. La ausencia corporal y el vacío de la carne nos es presentada como un medio para volver esta corporalidad evidente, en un proceso en el que el vacío es lo que se impone sobre la presencia de los objetos reales, de manera que el objeto se transforma y re significa ante nosotros ahora como un signo de la ausencia.