녹음의 역사

History of sound recording
오클레르 드 라 룬
1860년에 인간의 목소리를 녹음한 것으로 알려진 가장 오래된 기록입니다.현재 올바른 속도로 연주되고 있는 이 단어는 "O clair de la lune, mon ami Pierro, préte-m"입니다.
이 파일을 재생하는 데 문제가 있습니까?미디어 도움말을 참조하십시오.

새로운 기술의 발명과 상업적인 도입으로 인해 파도로 발전한 녹음의 역사는 크게 4가지 시기로 나눌 수 있습니다.

  • 어쿠스틱 시대(1877~1925)
  • 전기 시대(1925~1945)
  • 자기 시대(1945~1975)
  • 디지털 시대(1975~현재)

보존과 재생을 위해 녹음 매체에 소리를 담는 실험은 1800년대 산업혁명 시기에 본격적으로 시작되었다.소리를 녹음하고 재생하려는 많은 선구적인 시도들이 19세기 후반에 이루어졌고 – 특히 스콧의 1857년 축음기 – 이 노력들은 1877년 토마스 에디슨의 축음기의 발명으로 끝이 났다.디지털 레코딩은 20세기 후반에 등장하여 디지털 음악과 온라인 스트리밍 서비스의 [1]인기와 함께 번창하였다.

개요

어쿠스틱 시대(1877~1925)

1920년 그의 첼로 협주곡 녹음 세션에서 에드워드 엘가와 베아트리스 해리슨.독주자와 오케스트라 앞에 놓인 녹음 경적을 메모합니다.

초기의 실용적인 녹음 기술은 전적으로 기계 장치였다.이러한 녹음기는 일반적으로 인간의 음성이나 악기에 의해 생성되는 음파의 물리적 기압을 수집하고 초점을 맞추기 위해 큰 원뿔형 경적을 사용했다.원뿔의 꼭대기에 위치한 민감한 막 또는 다이어프램은 관절 스크라이버 또는 스타일러스에 연결되었고, 변화하는 기압이 다이어프램을 앞뒤로 움직이면서 스타일러스는 코팅된 종이 롤, 실린더 또는 디스크와 같은 움직이는 기록 매체에 음파의 유사체를 긁거나 절개했다.왁스나 부드러운 금속과 같은 부드러운 물질

이러한 초기 녹음은 필연적으로 낮은 충실도와 음량이었고 가청음 스펙트럼의 좁은 부분(일반적으로 약 250Hz에서 약 2,500Hz)만을 포착했습니다.그래서 음악가들과 엔지니어들은 이러한 소리의 한계에 적응해야 했습니다.그 시대의 음악 앙상블은 종종 트럼펫, 코넷, 트롬본과 같은 더 큰 악기를 선호했고 튜바와 유포늄과 같은 낮은 음역의 금관악기는 더블 베이스를 두 배로 하거나 대체했고, 나무 블록은 베이스 드럼을 대신했다.연주자들은 또한 소리 균형을 맞추기 위해 전략적으로 뿔 주위에 배치하고 가능한 한 크게 연주해야 했다.국내 축음기의 복제는 주파수 범위와 부피 모두에서 비슷하게 제한되었다.

음향 시대가 끝날 무렵, 디스크는 녹음의 표준 매체가 되었고, 20세기 [2]말까지 국내 오디오 시장에서 그 지배력은 지속되었다.

전기 시대(1925~1945) (사운드 온 필름 포함)

이 웨스턴 일렉트릭 마이크와 같은 링 앤 스프링 마이크는 녹음의 전기 시대에 일반적이었다. c.125-45

녹음 역사의 '제2의 물결'은 1925년 미국의 주요 음반사들에 의해 채택된 전기 마이크, 전자 신호 증폭기 및 전기 기계식 레코더로 구성된 웨스턴 일렉트릭의 통합 시스템의 도입으로 시작되었다.사운드 레코딩은 이제 하이브리드 프로세스가 되었습니다.음성을 캡처, 증폭, 필터링 및 전자적으로 균형을 잡을 수 있게 되었습니다.디스크 절단 헤드는 이제 전기로 구동되지만, 실제 녹음 프로세스는 기본적으로 기계적으로 유지되었습니다.이 신호는 여전히 왁스 '마스터' 디스크에 물리적으로 새겨져 있었고, 컨슈머 디스크는 대량으로 처리되었습니다.왁스 마스터로 만든 금속 전자 형태를 적절한 물질(원래 셸락 기반 화합물 및 이후 폴리비닐 플라스틱)에 찍어 기계적으로 증가시켰다.

Western Electric 시스템은 재생 가능한 주파수 범위를 훨씬 더 넓은 대역(60Hz에서 6000Hz 사이)으로 증가시키고 새로운 수준의 전문가인 오디오 엔지니어가 여러 개의 마이크를 사용하여 보다 풍부하고 상세하며 균형 잡힌 사운드를 녹음할 수 있도록 함으로써 사운드 레코딩의 충실도를 크게 향상시켰습니다.o 멀티 채널 전자 증폭기, 압축기, 필터 및 믹서.전기 마이크는 가수들의 연주 스타일에 극적인 변화를 가져왔고, "크루너"의 시대를 열었고, 전자 증폭은 많은 분야에서 방송 라디오, 공공 주소 시스템, 전자 증폭된 홈 레코드 플레이어의 발전을 가능하게 했다.

게다가, 악기용 전자 증폭기의 개발은 기타와 현악기 베이스와 같은 조용한 악기들이 자연스럽게 더 큰 관악기와 호른 악기들과 동등한 조건에서 경쟁할 수 있게 했고, 음악가들과 작곡가들 또한 테레민과 같은 완전히 새로운 전자 악기를 실험하기 시작했다., 전자 오르간인 Ondes Martenot와 세계 최초의 아날로그 다성 합성기 Hammond Novachord.

이러한 발전과 함께Contemporaneous, 여러 발명가 경주에 영화를synchronised 소리를 제공하는 실용적인 방법을 개발해 관여하고 있었다.몇몇 초기 건전한 영화 재즈 싱어는 기계적으로 영사기로 서로 서로 맞물려 턴 테이블에서 사용된 사운드 트랙 기록 –은 획기적인 사건인 1927년 영화 같은 —.1930년대 초까지, 그 영화 산업이 음성 신호 녹음되는 것 그것은 밀도에서"사운드 트랙"를 전념합니다를 따라 여러개의 변화나 폭으로 사진 찍길 수 있는 움직이는 필름 위에 좁은 슬릿을 통해 가수요는 광원을 조정하기 위해 사용되었던 거의 보편적으로 입양된 sound-on-film 기술을 가지고 있었다.A는 영화의.영사기가 돌아가고 스크린 뒤에 확성기로 보낼 때 증폭된 전기 신호의 변화 사이를 변환하는 꾸준한 빛과 광전지 사용했다.

sound-on-film의 채택한 것 또한 movie-industry 오디오 엔지니어들 우리가 지금"multi-tracking"으로(목소리, 음향 효과나 배경 음악과 같은)동시에 함께에 영화에서 액션 ne를 만드는 방법과 섞여 재경기를 가져야만 수 있는 여러separately-recorded 오디오 소스라고 알고 있는 과정이 급속히 발전되게 만드는데 도움을 주었다.W의 훌륭한 정교함과 복잡성의 오디오 트랙 'blended.어느 그 시대에서 'constructed의 합성 음원의 가장 잘 알려 진 예는 유명한"타잔이라고 소리 지릅니다."타잔 영화 조니 와이즈 뮬러 주연으로 시리즈를 만들어 냈다.

는 음성을 녹음의 지난 세기 동안 일어난 그리고 빠르게 광대한 변화 중에 있는 실질적으로 바뀌지 않고 1920년대에 첫 도입 이래로 살아남았다 한가지 중요한 오디오 장치,"전기 시대"의 시작에서 발명한:전기 음향 변환기. 또는 스피커는 주목할 만하다.가장 흔한 형태는 동적 스피커 – 효과적으로 반대로 다이나믹 마이크.이 장치는 일반적으로 치열한paper-like 물질 집중적으로 공부 더 단단히 그리고 둘레에, 가동 코일형 전자파 운전자의 정점 주위에 부착된 코일로 유연하게 만들기 주름잡힌 격자 무늬가 얕은 원뿔형 다이어프램으로 구성되어 있다.한 기록에서 오디오 신호, 마이크 또는 전기가 흐르는 악기는 확성기에 대한 증폭기 먹여 진다, 다양한 전자 파장이 코일에 만들어지고 첨부된 콘 앞뒤로 움직이며 이 운동은 공기 중을 통해 우리의 ears,에 이동한 가청 주파수 압력 파동을 발생시키다.어떤 소리로 그들의 이야기를 듣는다.

기술에 수많은 개선이 있었고 기타 관련 기술(예: 정전 확성기)이 도입되었지만, 다이내믹 확성기의 기본 설계와 기능은 90년 동안 크게 변하지 않았으며, 압도적으로 가장 일반적이고 음향적으로 정확하며 신뢰할 수 있는 변환 수단으로 남아 있습니다.전자 오디오 신호를 가청으로 되돌립니다.

자기 시대(1945~1975)

자기 시대에는 다른 매체에 전달되기 전에 보통 자기 테이프에 녹음이 이루어졌습니다.

오디오 녹음의 제3의 발전은 1945년 동맹국들이 독일의 새로운 발명품인 자기 테이프 레코딩에 접근할 수 있게 되면서 시작되었다.이 기술은 1930년대에 발명되었지만 2차 세계대전이 끝날 때까지 독일에만 국한되어 있었다.자기 테이프는 오디오 충실도에 또 다른 극적인 도약을 제공했습니다.사실, 연합군 관측자들은 사전에 녹화한 프로그램의 오디오 품질이 라이브 방송과 거의 구별되지 않는다는 것을 알고 있었기 때문에 이 새로운 기술의 존재를 처음 알게 되었습니다.

1950년 이후, 자기 테이프는 라디오와 음악 산업에서 오디오 마스터 레코딩의 표준 매체가 되었고, 국내 시장을 위한 최초의 하이파이 스테레오 레코딩의 발전, 음악용 멀티 트랙 테이프 레코딩의 발전, 그리고 사운드의 주요 마스터링 매체로 디스크의 종말을 가져왔다.마그네틱 테이프는 또한 녹음 프로세스의 근본적인 재형성을 가져왔다.그것은 지금까지보다 훨씬 긴 시간과 훨씬 높은 충실도의 녹음을 가능하게 했다.그리고 녹음 엔지니어에게 영화 편집자에게 주어졌던 것과 같은 뛰어난 소성을 제공했다.테이프에 포착된 사운드는 이제 쉽게 음성을 조작하고 편집하고 편집할 수 있게 되었다.d는 디스크 레코딩으로는 불가능한 방식으로 결합되었습니다.

이러한 실험은 1950년대에 테이프 편집과 멀티 트랙의 사용을 개척한 Les Paul과 Mary Ford의 녹음으로 초기에 최고조에 달했으며, 그는 전적으로 그들 자신의 목소리와 악기에 대한 여러 녹음 테이프로 구성된 대형 '가상' 앙상블을 만들었다.마그네틱 테이프는 대중음악과 다른 장르의 정교함을 빠르고 급진적으로 확장시켜 작곡가, 프로듀서, 엔지니어 및 연주자들이 이전에는 달성할 수 없었던 복잡성을 실현할 수 있도록 했습니다.오디오 테크놀로지의 다른 진보는 디스크와 테이프 양쪽에 새로운 소비자용 오디오 형식과 디바이스의 도입으로 이어졌습니다.예를 들어, 디스크 제조를 위한 셸락에서 폴리비닐 플라스틱으로의 변화, 33rpm, 12인치 롱 플레이(LP) 디스크 및 45rpm 디스크 개발 등입니다.rpm 7인치 "싱글", 국내 및 프로페셔널 휴대용 테이프 레코더(라이브 퍼포먼스의 고충실도 녹음을 가능), 인기 있는 4트랙 카트리지와 콤팩트 카세트 형식, 그리고 심지어 세계 최초의 "샘플링 키보드", 선구적인 테이프 기반 키보드 악기인 Chamberlin, 그리고 더 유명한 succe.'멜로트론'이라고 부르죠

디지털 시대(1975~현재)

디지털 시대에 오디오 레코딩은 디지털 오디오 워크스테이션(DAW)에 의해 지배되고 있습니다.

네 번째이자 현재의 "디지털" 시대인 "단계"는 오디오 녹음 역사상 가장 빠르고 극적이며 광범위한 일련의 변화를 경험했습니다.20년도 채 안 되는 기간 동안 이전의 모든 녹음 기술은 디지털 사운드 인코딩으로 빠르게 대체되었고, 1970년대 일본 전자 회사 Sony는 1977년에 [citation needed]첫 번째 소비자(웰힐) PCM 인코더 PCM-1 오디오 유닛을 선보였습니다.녹음되는 소리의 연속적인 아날로그를 포착한 이전의 모든 기술과 달리, 디지털 녹음은 [3]소리의 매우 조밀하고 빠른 연속 샘플을 사용하여 소리를 포착했습니다.디지털-아날로그 컨버터를 통해 재생되면 이러한 오디오 샘플이 재결합되어 연속적인 음류가 형성됩니다.1979년에 발매된 최초의 디지털 레코딩 인기 음악 앨범인 라이 쿠더의 Bop 'Til You Drop'은, 그 시점부터, 디지털 녹음과 재생은, 전문 녹음 스튜디오로부터 홈 하이파이에 이르기까지, 모든 레벨의 새로운 표준이 되었다.

이 기간 동안 수많은 "하이브리드" 스튜디오 및 소비자 기술(예: 디지털 신호 샘플을 표준 자기 테이프에 기록하는 디지털 오디오 테이프 또는 DAT)이 등장했지만, Sony는 디지털 콤팩트 디스크(CD)인 Philips와 함께 새로운 디지털 레코딩 시스템의 우수성을 확보했습니다.콤팩트 디스크는 12인치 앨범과 7인치 싱글을 모두 새로운 표준 컨슈머 포맷으로 빠르게 대체하여 고음질 컨슈머 오디오의 새로운 시대를 열었습니다.

네덜란드의 발명가이자 필립스 수석 엔지니어인 Kees Schouhamer Imink는 1980년에 표준 콤팩트 디스크를 제작한 팀의 일원이었다.

CD는 작고 휴대성이 뛰어나며 내구성이 뛰어나며, 넓은 다이내믹 레인지(96dB까지), 완벽한 선명도, 왜곡이 없는 가청음 스펙트럼 전체를 재현할 수 있습니다.CD는 레이저 빔을 사용하여 광학적으로 부호화 및 판독되기 때문에 디스크와 재생 메커니즘 사이에 물리적인 접촉이 없기 때문에 잘 보존된 CD를 성능 저하나 충실도 손실 없이 반복해서 재생할 수 있습니다.CD는 미디어의 물리적 크기와 스토리지 용량 모두에서 상당한 발전을 보였습니다.LP는 디스크 자체의 크기와 잘라낼 수 있는 홈의 밀도에 의해 물리적으로 제한되었기 때문에 실질적으로 1면당 20~25분 정도의 오디오밖에 저장할 수 없었습니다.녹음이 길어질수록 홈이 밀착되어 전체적인 충실도가 낮아집니다.반면 CD는 이전 12인치 LP 포맷의 절반에도 못 미쳤지만,[4] 평균 LP의 약 두 배인 80분의 오디오 재생 시간을 제공했습니다.

콤팩트 디스크는 20세기 말까지 소비자용 오디오 시장을 거의 지배했지만, 그 후 10년 이내에 컴퓨팅 테크놀로지의 급속한 발전으로 오디오 레코딩 역사상 가장 중요한 새로운 발명품인 디지털 오디오 파일(.wav, .mp3 및 기타 형식)에 의해 사실상 장황하게 되었습니다.ts) 파일 크기를 크게 줄인 새롭게 개발된 디지털 신호 압축 알고리즘과 결합하면 애플의 iTunes 미디어 애플리케이션, 인기 있는 iPod 휴대용 미디어 플레이어 등의 상업적 혁신 덕분에 디지털 오디오 파일이 국내 시장을 지배하게 되었습니다.

그러나 홈 컴퓨팅의 급속한 발전과 함께 디지털 오디오 파일의 도입은 곧 예상치 못한 결과로 이어졌습니다. 즉 오디오 및 기타 디지털 미디어 파일의 무면허 배포가 확산되었습니다.대량의 디지털 미디어 파일을 고속으로 업로드 및 다운로드하는 것은 Napster 및 BitTorrent와 같은 프리웨어 파일 공유 기술에 의해 촉진되었습니다.

저작권 소유자에게 침해는 여전히 중요한 문제이지만, 디지털 오디오의 개발은 소비자와 라벨에게 상당한 이점을 가져다 주었다.디지털 오디오 파일의 대량, 저비용 전송 및 저장을 용이하게 할 뿐만 아니라, 이 새로운 테크놀로지는 라벨의 아카이브에 저장되어 있는 이른바 "백 카탈로그" 타이틀의 가용성에서도 폭발적으로 증가했습니다.이는 라벨이 오래된 녹음을 변환하고 디지털 방식으로 배포할 수 있게 되었기 때문입니다.LP나 CD로 앨범을 물리적으로 재발행하는 데 드는 비용의 액션을 말합니다.또한 디지털 오디오는 음향 및 디지털 이전 전기 레코딩의 복원 및 리마스터링을 획기적으로 개선하였습니다.또한 프리웨어 사용자 수준의 디지털 소프트웨어에서도 오래된 78RPM 및 비닐 레코딩의 스크래치, 표면 소음 및 기타 불필요한 소닉 아티팩트를 효과적으로 제거하고 음질을 크게 향상시킬 수 있습니다.가장 심하게 훼손된 기록들을 제외하고요소비자 수준의 디지털 데이터 스토리지 분야에서 용량 증가와 비용 감소 추세가 지속됨에 따라 소비자들은 이제 방대한 양의 고품질 디지털 미디어(오디오, 비디오, 게임 및 기타 애플리케이션)를 구입하고 저장할 수 있으며 수만 곡 또는 수십만 곡의 음악으로 구성된 미디어 라이브러리를 구축할 수 있게 되었습니다.78 또는 LP에 수록되어 있었다면 물리적으로나 재정적으로도 그러한 양을 축적하는 것은 불가능했을 것이지만, 현재는 일반적인 하드커버 북보다 큰 스토리지 디바이스에 격납할 수 있게 되었습니다.

디지털 오디오 파일은 녹음의 한 시대의 종말과 또 다른 시대의 시작을 알렸다.디지털 파일을 사용하면 상업용 녹음의 캡처, 제조 및 배포의 주요 수단으로 개별적인 목적의 물리적 기록 매체(디스크 또는 테이프 릴 등)를 작성하거나 사용할 필요가 없어졌습니다.이러한 디지털 파일 포맷의 발전과 동시에, 홈 컴퓨팅의 극적인 발전과 인터넷의 급속한 확장을 통해, 디지털 사운드 레코딩은 이제 다양한 자기 및 광학 기록 매체에 완전히 전자적으로 캡처, 처리, 재생, 배포 및 저장될 수 있습니다. 그리고 이것들은 배포될 수 있습니다.이 파일을 출하 및 판매를 위해 어떤 형태로든 영구 기록 매체에 먼저 전송할 필요 없이 충실성을 잃지 않고, 무엇보다 중요한 것은 이 파일을 영구 기록 매체에 전송할 필요가 없다는 것입니다.

음악 스트리밍 서비스는 2000년대 [5]후반부터 인기를 끌었다.오디오 스트리밍에서는 청취자가 오디오파일을 소유할 필요가 없습니다.대신,[6] 그들은 인터넷을 통해 듣는다.스트리밍 서비스는 음악을 소비하는 다른 방법을 제공하며 일부는 프리미엄 비즈니스 모델을 따릅니다.Spotify, Apple Music 등 많은 음악 스트리밍 서비스가 사용하는 프리미엄 모델은 제한된 양의 콘텐츠를 무료로 제공하고 프리미엄 서비스를 [7]유료화한다.스트리밍 서비스는 무선 서비스와 온디맨드 두 가지 범주로 분류됩니다.판도라 같은 스트리밍 서비스는 라디오 모델을 사용해 사용자가 특정 노래만 골라 들을 수 있는 반면 애플뮤직 같은 서비스는 개별 노래와 미리 만든 [8]재생목록을 모두 들을 수 있다.

음향 녹음

최초의 녹음 및 재생 방법은 "음향 녹음"이라고 불리는 완전히 기계적인 과정을 통해 녹음 매체에 직접 연주를 녹음하는 것이었습니다.1920년대 중반까지 사용된 표준 절차에서 연주에 의해 발생하는 소리는 녹음 스타일러스가 연결된 다이어프램을 진동시키고, 스타일러스는 그 아래에서 회전하는 소프트 기록 매체에 홈을 절단했다.이 과정을 최대한 효율적으로 하기 위해, 진동판은 음향 에너지를 모으고 초점을 맞추는 역할을 하는 중공 원뿔의 꼭대기에 위치했고, 연주자들은 다른 쪽 끝에 몰려들었다.기록 균형은 경험적으로 달성되었습니다.너무 강하거나 충분히 강하지 않은 연주자는 원뿔 입구에서 멀리 또는 가까이 이동한다.녹음할 수 있는 악기의 수와 종류는 한정되어 있었다.잘 녹음된 금관악기는 종종 첼로나 베이스 피들 같은 악기들을 대체했지만 그렇지 못했다.일부 초기 재즈 녹음에서는 스네어 드럼 대신 나무 블록이 사용되었는데, 이는 녹음 다이어프램을 쉽게 과부하시킬 수 있었다.

축음기

주요 기사:축음기

1857년, 에두아르-레옹 스캇 드 마르탱빌은 음파를 녹음할 수 있는 최초의 장치인 포노토그래프를 발명했다.이는 녹음을 시각적으로만 연구하기 위한 것으로 사운드를 재생할 수 없었습니다.기록 매체는 나사산 막대로 운반되는 회전 실린더에 그을음이 코팅된 종이 한 장이었다.일련의 레버를 통해 다이어프램에 부착된 스타일러스는 그을음을 통해 선을 추적하여 다이어프램이 기압의 오디오 주파수 변화에 의해 앞뒤로 미세하게 추진될 때 다이어프램의 움직임을 그래픽으로 기록했습니다.

1877년 봄, 또 다른 발명가인 찰스 크로스는 추적된 선을 스타일러스를 이끄는 홈으로 변환함으로써 원래의 스타일러스 진동을 재현하고, 연결된 다이어프램으로 전달하고, 소리로서 공기 중으로 돌려보냄으로써 그 과정을 되돌릴 수 있다고 제안했다.에디슨의 축음기 발명은 곧 이 생각을 뒤엎었고, 1887년이 되어서야 또 다른 발명가인 에밀 베를리너는 실제로 축음기 녹음을 금속으로 만들어 재생했다.

스콧의 초기 녹음은 2008년까지 프랑스 기록 보관소에 보관되어 있었는데, 그 때 학자들은 이러한 실험 녹음과 다른 유형의 초기 녹음에서 포착된 소리를 되살리려고 애쓰고 있었다.재생 가능한 버전을 만들기 위해 대략적인 19세기 기술을 사용하는 대신, 그들은 컴퓨터로 스캔되었고 소프트웨어는 소리 변조된 트레이스를 디지털 오디오 파일로 변환하기 위해 사용되었습니다.1860년에 녹음된 두 개의 프랑스 노래에서 발췌한 짧은 발췌와 이탈리아어로 낭송한 것이 가장 실질적인 [9]결과이다.

축음기/축음기

다음 항목도 참조하십시오.Volta Laboratory and Graphophone
갈색 왁스 실린더를 녹음하고 재생하기 위한 에디슨 가정용 축음기, 1899년 경

1877년 [10]토마스 에디슨에 의해 발명된 축음기는 소리를 녹음하고 재생할 수 있었다.판매된 최초의 축음기는 홈이 파인 금속 실린더를 감싼 얇은 은박지에 녹음되었다.소리가 진동하는 다이어프램에 연결된 스타일러스는 실린더가 회전할 때 호일을 홈 안으로 움푹 패였다.스타일러스의 진동은 녹음면에 대해 직각이었기 때문에 움푹 패인 부분의 깊이는 소리를 전달하는 기압의 오디오 주파수 변화에 따라 변화했습니다.이 어레인지먼트를 세로형 또는 '힐앤데일형'이라고 합니다.소리는 녹음된 홈을 따라 스타일러스를 추적하고 진동판 및 소위 "증폭" 경적을 통해 주변 공기와 음향적으로 결합함으로써 재생될 수 있습니다.

그 조잡한 은박지 축음기는 신기한 것 외에는 별 쓸모가 없는 것으로 판명되었다.1880년대 후반이 되어서야 개량되고 훨씬 더 유용한 형태의 축음기가 출시되었다.탈부착이 용이한 중공 왁스 실린더와 홈에 기록된 새로운 기계들은 움푹 패이지 않고 표면에 새겨졌다.비즈니스 커뮤니케이션이 타깃이었고, 그런 맥락에서 실린더 형식은 몇 가지 장점이 있었습니다.엔터테인먼트 사용이 실질적인 수익원이라는 것이 밝혀졌을 때, 무시할 수 있을 것 같은 단점이 하나 있는데, 그것은 녹음된 원통을 대량으로 복사하는 것이 어렵다는 것이다.

처음에는 재생기를 플렉시블 튜빙을 통해 하나 이상의 기록기에 음향적으로 연결하여 실린더를 복사했는데, 이는 복사기의 오디오 품질을 저하시키는 장치이다.나중에 팬터그래프 메커니즘이 사용되었지만, 원본이 너무 닳기 전까지 약 25개의 복사본만 제작할 수 있었다.녹음 세션에서는, 12대의 머신을 연주자 앞에 배열해 복수의 원고를 녹음할 수 있었습니다.그럼에도 불구하고, "테이크" 한 번이면 결국 몇 백 장밖에 안 되기 때문에, 연주자들은 그들의 가장 인기 있는 번호를 반복해서 반복해야 하는 마라톤 녹음 세션에 예약되었다.1902년까지, 미리 기록된 실린더를 제조하기 위한 성공적인 성형 공정이 개발되었습니다.

스프링 모터 구동 디스크 레코드 플레이어, 1909년 경

밀랍 원통은 1887년 에밀 베를리너에 의해 특허를 받은 그라모폰의 등장으로 경쟁자가 되었다.축음기의 녹음 스타일러스의 진동은 수평으로 녹음면과 평행하여 일정한 깊이의 지그재그 홈이 형성되었다.이것을 측방향 기록이라고 합니다.Berliner의 원래 특허는 실린더 표면에 에칭된 측면 기록을 보여주었지만, 실제로는 디스크 포맷을 선택했습니다.그가 곧 시장에 내놓기 시작한 그램폰은 오직 사전 녹음된 엔터테인먼트 디스크를 재생하기 위한 것이었고 녹음에 사용될 수 없었다.디스크의 평평한 표면에 있는 나선형 홈은 상대적으로 복제하기가 쉬웠습니다. 원본 레코드의 음의 금속 전자 활자를 사용하여 닳기 전에 수백 또는 수천 개의 복사본을 찍어낼 수 있었습니다.초기에 복사본은 단단한 고무로 만들어졌고 때로는 셀룰로이드로 만들어졌지만 곧 쉘락 기반의 화합물이 채택되었다.

베를리너의 상표명인 "그라모폰"은 1900년 미국에서 법적 문제로 폐기되었고, 그 결과 미국 영어의 그라모폰과 그라모폰 레코드에서 다른 제조사의 디스크 레코드와 플레이어와 함께 오래 전에 에디슨의 경쟁자들이 피했던 "포노그래프"라는 포괄적 용어로 사용되었습니다.노래는 그의 트레이드마크가 아니었고, 단순히 그가 실린더, 디스크, 테이프, 그리고 소리를 내는 홈을 운반할 수 있는 다른 형식에 도입하고 적용한 총칭이었다.영국에서는 Gramophone이라는 이름의 독점적 사용이 10년 이상 지속되어 법정 소송에서 일반화되어 경쟁하는 디스크 레코더에 의해 자유롭게 사용될 수 있게 되었습니다.그 결과, 영국에서는 디스크 레코드는 "그라모폰 레코드"라고 불리며 "포노그래프 레코드"는 전통적으로 "그라모폰 레코드"라고 여겨집니다.원통형

모든 실린더 레코드가 동일한 것은 아닙니다.그것들은 다양한 부드럽고 단단한 왁스 또는 초기 플라스틱으로 만들어졌으며, 때로는 특이한 크기였다. 모든 것이 같은 홈 피치를 사용하지 않았고, 모든 것이 같은 속도로 기록되지 않았다.초기 갈색 왁스 실린더는 보통 120rpm으로 절단되었지만, 이후 실린더는 160rpm으로 작동하여 보다 선명하고 큰 소리를 냅니다. 단, 최대 재생 시간이 단축되었습니다.엔터테인먼트를 위한 매체로서, 실린더는 1910년까지 디스크와의 포맷 전쟁에서 이미 지고 있었지만, 엔터테인먼트 실린더의 생산은 1929년까지 완전히 중단되지 않았고 비즈니스 받아쓰기를 위한 포맷의 사용은 1950년대까지 지속되었다.

디스크 레코드도 때로는 특이한 크기로 제작되거나 특이한 재료로 제작되거나 그 시대의 형식 규범에서 상당히 벗어난 경우가 있었습니다.디스크 레코드가 회전하는 속도는 최종적으로 약 78rpm으로 표준화되었지만 다른 속도가 사용되기도 했습니다.1950년경에는 저속 45, 33 °C, 그리고 거의 사용되지 않는 16 °C rpm이 표준이 되었습니다.1930년대 초부터 비닐이 일부 특수 목적 레코드에 사용되었고 1950년대 후반에도 78rpm 쉘락 레코드가 여전히 만들어졌지만 디스크의 표준 재료는 쉘락에서 비닐로 변경되었습니다.

전기 기록

주요 기사:녹음 및 재생 » 전기 녹음

1920년대 중반까지 레코드는 보통 권상 스프링 모터로 구동되는 순수 기계식 레코드 플레이어로 재생되었다.소리는 다이어프램과 스타일러스에 연결된 외부 또는 내부 경음기에 의해 "증폭"되었습니다. 하지만 실제 증폭은 없었습니다. 경음기는 다이어프램의 진동이 바깥 공기로 전달되는 효율을 향상시켰을 뿐입니다.녹음 과정은 본질적으로 역방향으로 작동하는 동일한 비전자적 설정이었지만, 녹음과 함께 스타일러스는 부드러운 왁시 마스터 디스크에 홈을 새기고 피드 메커니즘에 의해 천천히 안쪽으로 운반되었습니다.

1925년 전기 녹음의 등장은 소리를 캡처하기 위해 민감한 마이크를 사용하는 것을 가능하게 했고 녹음의 오디오 품질을 크게 향상시켰다.훨씬 넓은 주파수 범위를 기록할 수 있고, 기본 전자 필터에 의해 고주파와 저주파의 균형을 제어할 수 있으며, 신호는 기록 스타일러스를 구동하기 위한 최적의 수준으로 증폭될 수 있다.미국의 한 방랑자는 1929년까지 버텼지만, 1925년에 주요 음반사가 전기 공정에 들어갔고 나머지는 곧 그 뒤를 따랐다.

1925년부터 1930년까지 거의 5년 동안 가정용 음향 재생을 위한 최고의 "오디오필" 기술이 특별히 개발된 빅토르 오르소폰 빅톨라, 도파관 공학과 접힌 뿔을 사용하여 상당히 평평한 프레큐를 제공했던 음향 축음기와의 전기 녹음 레코드의 결합으로 구성되었다.ncy 응답.최초의 전자 증폭식 레코드 플레이어는 불과 몇 달 후인 1926년 초에 시장에 출시되었지만, 처음에는 훨씬 더 비쌌고 원시적인 확성기에 의해 음질이 손상되었다; 그것들은 1930년대 후반까지 보편화되지 않았다.

전기 녹화는 공정의 유연성을 높였지만, 성능은 여전히 기록 매체에 직접 전달되지 않았기 때문에 실수하면 전체 녹화가 엉망이 됩니다.디스크 투 디스크 편집은 여러 턴테이블을 사용하여 서로 다른 테이크의 일부를 재생하고 새로운 마스터 디스크에 녹음하는 방식으로 가능했지만, 몇 가지 초기 사운드 영화 및 라디오 녹음 편집에 사용하는 것 외에는 거의 수행되지 않았습니다.

전기 녹음을 통해 한 부분을 디스크에 녹화한 후 다른 부분을 재생하면서 두 부분을 두 번째 디스크에 녹화하는 것이 보다 실현 가능하게 되었습니다.오버더빙이라고 알려진 개념적으로 관련된 이 기술은 스튜디오에서 한 명 이상의 아티스트가 각각 여러 파트를 부르거나 여러 악기 파트를 연주하는 녹음된 "퍼포먼스"를 제작할 수 있게 해 주었으며, 따라서 같은 아티스트 또는 아티스트가 라이브로 공연하는 경우는 복제할 수 없었습니다.오버더빙을 사용하여 상업적으로 발매된 최초의 레코드는 1920년대 후반에 빅터 토킹 머신 컴퍼니에 의해 발매되었습니다.그러나 오디오 테이프가 등장할 때까지 오버더빙은 제한적으로 사용되었습니다.테이프 오버더빙의 사용은 1940년대에 Les Paul에 의해 개척되었습니다.

자기 기록

주요 기사: 자기 기록

자기선 기록

주요 기사 : 자기선 녹음

와이어 레코딩 또는 마그네틱 와이어 레코딩은 얇은 강철 또는 스테인리스 와이어에서 자기 레코딩이 이루어지는 아날로그 형식의 오디오 스토리지입니다.

와이어는 기록 헤드를 가로질러 빠르게 당겨지며, 이 와이어는 해당 순간 기록 헤드에 공급되는 전기 오디오 신호의 강도와 극성에 따라 와이어를 따라 각 지점을 자화합니다.헤드에 전기신호가 공급되지 않은 상태에서 나중에 같은 헤드 또는 유사한 헤드에 와이어를 그리면 통과 와이어에 의해 나타나는 가변 자기장이 헤드에 마찬가지로 변화하는 전류를 유도하여 원래의 신호를 감소된 레벨로 재생성한다.

마그네틱 와이어 레코딩은 마그네틱 테이프 레코딩으로 대체되었지만, 이러한 미디어 중 하나 또는 다른 미디어를 사용하는 디바이스는 널리 사용되기 전에 몇 년 동안 거의 동시에 개발되어 왔습니다.관련된 원칙과 전자제품은 거의 동일합니다.와이어 레코딩은 처음에는 기록 매체 자체가 이미 완전히 개발되었다는 장점이 있었지만, 테이프 레코딩은 테이프 제조에 사용된 재료와 방법을 개선해야 하는 필요성으로 인해 지연되었습니다.

마그네틱 레코딩은 1898년 발데마르 폴센의 전신기에서 원칙적으로 증명되었다.자기선 기록 및 그 후속인 자기 테이프 기록에는 일정한 속도로 기록 헤드를 통과하는 자화 매체의 사용이 포함됩니다.녹음해야 할 음성과 유사한 전기신호를 기록헤드에 공급하여 신호와 유사한 자화패턴을 유도한다.재생 헤드는 테이프로부터 자기장의 변화를 받아들여 전기신호로 변환할 수 있다.

1920년대에 Curt Stille에 의해 개발된 전자 증폭기의 추가와 함께, 전신기는 1940년대와 1950년대에 음성 녹음과 받아쓰기로 인기 있었던 와이어 레코더로 발전했다.와이어 레코더의 재생 품질은 축음기 디스크 레코딩 기술로 달성할 수 있는 것보다 훨씬 낮았습니다.와이어가 엉키거나 꼬이는 경향 등 현실적인 어려움도 있었다.절단된 와이어 끝을 함께 묶어 스플라이싱을 수행할 수 있었지만 결과는 그다지 만족스럽지 못했습니다.

1932년 크리스마스에 영국 방송은 그들의 방송을 위해 처음으로 강철 테이프 레코더를 사용했다.사용된 장치는 Marconi-Stille [11]레코더로 날카로운 모서리가 있는 강철 테이프를 사용한 거대하고 위험한 기계였다.테이프의 폭은 2.5mm, 두께는 0.076mm로 녹음 및 재생 헤드를 5피트(1.5m/s)로 통과했습니다.즉, 30분짜리 프로그램에 필요한 테이프의 길이는 약 2.9km(1.8마일)이며, 전체 릴의 무게는 55파운드(25kg)였습니다.

자기 테이프 녹음

주요 기사: 자기 테이프 녹음
1950~60년대 오디오 애호가, 소비자 및 교육용 일반적인 7인치 릴 녹음 테이프

화학 대기업인 IG 파르벤과 함께 AEG의 엔지니어들은 1935년에 처음으로 시연된 세계 최초의 실용적인 자기 테이프 레코더인 'K1'을 만들었다.제2차 세계대전 중, Reichs-Rundfunk-Geselschaft의 엔지니어가 AC 바이어싱 기술을 발견했습니다.이 기술을 사용하면 일반적으로 50~150kHz 범위의 들리지 않는 고주파 신호가 녹음 헤드에 적용되기 전에 오디오 신호에 추가됩니다.바이어스는 자기 테이프 녹음의 음질을 획기적으로 향상시켰습니다.1943년까지 AEG는 스테레오 테이프 레코더를 개발했다.

전쟁 중 연합군은 (리처드 H. 레인저의 작업으로 인해) 문자 그대로 보이는 라디오 방송을 알게 되었지만, 그들의 오디오 품질은 라이브 방송과 구별할 수 없었고 그들의 지속 시간은 78RPM 디스크로 가능한 것보다 훨씬 길었다.전쟁 말기, 연합군은 룩셈부르크 라디오에서 독일 마그네토폰 녹음기를 다수 탈취하여 큰 관심을 불러일으켰다.이러한 기록 장치는 아날로그 자기 기록의 모든 주요 기술적 특징, 특히 고주파 바이어스의 사용을 통합했습니다.

미국의 오디오 엔지니어 존 T. 멀린은 미군 신호대에서 복무했으며 2차 세계대전 말기에 파리로 파견되었다.그의 부대는 독일군이 항공기의 전기 시스템을 무력화하기 위한 수단으로 고에너지 유도 라디오 빔을 실험했다는 주장을 포함하여 독일 라디오와 전자제품에 대해 그들이 할 수 있는 모든 것을 알아내기 위해 배치되었다.멀린의 부대는 곧 수백 개의 질 낮은 자기 받아쓰기 기계를 모았지만, 진짜 상을 받은 라디오 빔 소문을 조사하는 동안 프랑크푸르트 근처의 Bad Neuheim 스튜디오를 우연히 방문했다.

멀린은 여행 가방 크기의 AEG '마그네토폰' 고성능 녹음기 2대와 녹음 테이프 50리엘을 받았다.그는 그것들을 집으로 보내서 그 후 2년 동안 끊임없이 기계를 손보고 수정하고 성능을 향상시켰습니다.그의 주요 목표는 영화 사운드트랙 녹음을 위해 자기 테이프를 사용하는 것에 할리우드 스튜디오의 관심을 끄는 것이었다.

Mullin은 자신의 기계를 두 번 공개 시연했고, 그 시연은 미국 오디오 전문가들 사이에서 큰 반향을 일으켰습니다. 많은 청취자들은 그들이 듣고 있는 것이 라이브 공연이 아니라는 것을 믿지 못했습니다.운 좋게도, 멀린의 두 번째 시연은 할리우드의 MGM 스튜디오에서 열렸고, 그날 청중들은 빙 크로스비의 기술 감독인 머도 맥켄지였다.그는 멀린이 크로스비를 만날 수 있도록 주선했고 1947년 6월 그는 크로스비에게 자기 테이프 레코더의 개인 데모를 주었다.

크로스비는 놀라운 음질에 놀랐고 즉시 새로운 기계들의 엄청난 상업적 잠재력을 알게 되었다.라이브 음악은 그 당시 미국 라디오의 표준이었고, 주요 라디오 네트워크는 상대적으로 음질이 좋지 않기 때문에 많은 프로그램에서 디스크 녹음을 사용하는 것을 허용하지 않았다.그러나 크로스비는 생방송의 규제를 싫어했고 녹음 스튜디오의 편안한 분위기를 선호했다.그는 NBC에 1944-45년 시리즈를 녹음 디스크로 사전 녹화할 수 있도록 해달라고 요청했지만, 네트워크는 거절했고, 그래서 크로스비는 1년 동안 생방송 라디오에서 손을 떼고 1946-47년 시즌으로 돌아왔다.

멀린의 테이프 레코더는 정확히 적절한 때에 나왔다.Crossby는 이 새로운 기술을 통해 라디오 프로그램을 라이브 방송과 같은 음질로 사전 녹화할 수 있으며, 이러한 테이프를 여러 번 재생할 수 있다는 것을 깨달았습니다.멀린은 테스트로서 하나의 쇼를 녹화해 달라는 요청을 받았고, 즉시 크로스비의 수석 엔지니어로 고용되어 나머지 시리즈를 사전 녹화했다.

크로스비는 테이프를 사용해 라디오 방송을 사전 녹음한 최초의 미국 메이저 음악 스타가 되었고, 상업용 녹음 테이프를 마스터한 최초의 스타가 되었다.녹화된 크로스비 라디오 쇼는 테이프 스플라이싱을 통해 고심하여 편집되었으며, 이는 라디오에서 전혀 유례가 없는 속도와 흐름을 제공합니다.멀린은 심지어 "통조림 웃음"을 처음 사용했다고 주장하기도 했다; 크로스비의 수석 작가인 빌 모로우의 주장으로, 그는 잘 먹히지 않았던 초기 쇼의 요란한 웃음의 일부를 나중에 있었던 쇼의 농담에 삽입했다.

가능한 한 빨리 새로운 레코더를 사용하고자 했던 크로스비는 자신의 돈 5만 달러를 앰펙스에 투자했고, 이 작은 6인조 회사는 곧 유명한 앰펙스 모델 200 테이프 덱을 사용하여 테이프 레코딩, 혁명적인 라디오 및 레코딩 개발에 있어 세계적인 리더가 되었습니다. 이 회사는 1948년에 발행되어 멀린의 개조된 Ma에서 직접 개발되었습니다.네토폰

1940년대 후반과 1950년대 초반의 자기 테이프 레코더 개발은 Brush Development Company와 그 라이선스 계약자인 Ampex와 관련되어 있습니다.자기 테이프 미디어 개발은 미네소타 광산 및 제조 회사(현재는 3M으로 알려져 있음)가 주도했습니다.

멀티트랙 녹음

주요 기사:멀티트랙 녹음

자기 테이프의 다음 주요 발전은 멀티트랙 레코딩이었습니다. 멀티트랙 레코딩에서는 테이프가 서로 평행하게 여러 트랙으로 분할됩니다.같은 매체로 운반되기 때문에 트랙은 완벽한 동기화를 유지합니다.멀티트랙의 첫 번째 발전은 녹음 헤드를 두 개의 트랙으로 나눈 스테레오 사운드였습니다.1943년 독일의 오디오 엔지니어들에 의해 처음 개발된 투트랙 녹음은 1950년대에 현대음악에 빠르게 채택되었다. 왜냐하면 투트랙 녹음은 동시에 두 개 이상의 마이크에서 나오는 신호를 따로 녹음할 수 있었기 때문이다.스테레오 레코딩은 1930년대에 만들어졌지만 상업적으로 발행된 적은 없었다.스테레오 (2 마이크 스테레오 또는 멀티 믹스)는 1960년대 중반까지 많은 대중음악과 재즈 레코딩이 모노포닉 사운드로 계속 발행되었지만 상업적인 클래식 레코딩과 라디오 방송의 표준이 되었다.

멀티트랙 레코딩의 발전에 대한 많은 공적은 기타리스트, 작곡가, 기술자 Les Paul에게 돌아간다. Les Paul은 또한 그의 이름을 딴 유명한 전기 기타를 디자인하는데 도움을 주었다.1950년대 초 테이프와 레코더에 대한 그의 실험은 그가 Ampex로부터 최초의 맞춤형 8트랙 레코더를 주문하도록 이끌었고, 그의 당시 아내인 가수 Mary Ford와 함께 그의 선구적인 녹음은 음악 작품의 개별적인 요소들을 비동기적으로 녹음하기 위해 멀티트랙 기술을 사용한 첫 번째 기술, 즉 개별적인 엘레미였다.nts는 다른 시간에 기록될 수 있습니다.폴의 기술은 그가 이미 녹음한 트랙을 듣고 그 트랙들과 함께 새로운 부분을 제시간에 녹음할 수 있게 했다.

멀티트랙 레코딩은 Ampex에 의해 즉시 제한적인 방식으로 이루어졌고, Ampex는 곧 상용 3트랙 레코더를 생산했다.세 번째 트랙은 리드 보컬을 위해 남겨진 반면, 두 개의 트랙(별도의 부분을 오버더빙하거나 완전한 스테레오 백킹 트랙을 만들기 위해)에 백킹 음악을 녹음할 수 있었기 때문에 대중음악에 매우 유용하다는 것이 입증되었다.3트랙 레코더는 1960년대 중반까지 상업적으로 널리 사용되었고, 필 스펙터의 소위 "Wall of Sound" 프로덕션과 초기 Motown 히트곡들을 포함한 많은 유명한 팝 음반들은 암펙스 3트랙 레코더에 녹음되었다.엔지니어 Tom Dowd는 1950년대에 Atlantic Records에서 일하는 동안 대중음악 제작에 멀티트랙 레코딩을 사용한 최초의 사람 중 한 명입니다.

다음 중요한 발전은 4트랙 녹음이었다.이 개선된 시스템의 등장으로 레코딩 엔지니어와 뮤지션들은 레코딩과 오버더빙에 대해 훨씬 더 많은 유연성을 갖게 되었고, 4트랙은 1960년대 후반의 스튜디오 표준이 되었다.비틀즈와 롤링 스톤즈의 가장 유명한 음반들 중 많은 부분이 4트랙으로 녹음되었고, 런던의 애비 로드 스튜디오의 엔지니어들은 영국에서 "리덕션 믹스"라고 불리는 기술과 미국에서 "버스트 다운"이라고 불리는 기술에 특히 능숙해졌다. 이 기술은 여러 트랙을 4트랙 기계 하나에 녹음한 후 혼합되었다.두 번째 4트랙 머신의 한 트랙으로 이동(추락)했습니다.이러한 방식으로 말 그대로 수십 개의 개별 트랙을 녹음하고 매우 복잡한 완성된 레코딩으로 결합할 수 있었습니다.

1960년대 중반의 비틀즈 클래식 음반, 리볼버와 병장. 페퍼의 론리하츠 클럽밴드는 이렇게 녹음되었습니다.그러나 바운스다운 프로세스에서 노이즈가 증가했기 때문에 한계가 있었습니다.Abbey Road 엔지니어는 백그라운드 노이즈를 최소화하면서 고밀도 멀티트랙 녹음을 만드는 능력으로 여전히 유명합니다.

4트랙 테이프는 또한 4트랙 각각을 사용하여 완전한 360도 서라운드 사운드를 시뮬레이션하는 4트랙 사운드의 개발을 가능하게 했습니다.1970년대에 스테레오와 쿼드로포닉 형식으로 발매된 앨범들이 많았지만, '쿼드'는 상업적으로 널리 받아들여지지 못했다.현재는 속임수로 여겨지고 있지만, 서라운드 사운드 기술의 직접적인 선구자이며, 이는 많은 현대 홈 시어터 시스템에서 표준이 되었습니다.

스튜디오와 같은 오늘날의 전문 환경에서 오디오 엔지니어는 24개 이상의 트랙을 녹음에 사용할 수 있으며, 각 악기에 대해 1개 이상의 트랙을 사용할 수 있습니다.

테이프 스플라이싱을 통해 편집할 수 있는 기능과 여러 트랙을 녹음할 수 있는 기능의 조합은 스튜디오 레코딩에 혁명을 가져왔습니다.스튜디오 녹음은 여러 트랙에 녹음했다가 나중에 튕겨 내려가는 것이 일반적이었습니다.테이프 편집과 멀티트랙 레코딩의 편리성으로 인해 자기 테이프가 상용 음악 레코딩의 주요 기술로 빠르게 채택되었습니다.33µrpm과 45rpm의 비닐 레코드가 지배적인 소비자 형식이었지만, 녹음은 처음에는 테이프로 만든 후 디스크로 옮겨졌고, Bing Crossby는 미국에서 이 방법을 채택하는 데 앞장섰다.

추가 개발

아날로그 자기 테이프 레코딩은 테이프 내의 자분 크기가 한정되어 발생하는 노이즈를 발생시킵니다.보통 테이프 히스라고 불립니다.소음과 경제 사이에는 직접적인 트레이드오프가 있다.신호 대 잡음비는 고속 및 넓은 트랙에서는 증가하지만 저속 및 좁은 트랙에서는 감소합니다.

1960년대 후반에는 디스크 재생 장비가 매우 좋아져서 오디오 애호가들은 녹음에서 들리는 소음 중 일부가 표면 소음이나 장비의 결함이 아니라 테이프 히스를 재생한 것임을 곧 알아차렸습니다.몇몇 전문업체는 마이크 신호를 디스크 커터에 직접 공급(증폭 및 혼합 후)하여 만든 "디스크 다이렉트 녹음"을 본질적으로 전쟁 이전의 직접 녹음 방식으로 되돌리기 시작했습니다.이러한 녹음은 결코 인기를 끌지 못했지만 테이프 잡음 문제의 규모와 중요성을 극적으로 입증했습니다.

오디오 카세트

1963년 필립스가 콤팩트 오디오 카세트를 출시하기 전, 거의 모든 테이프 레코딩은 릴 투 릴("오픈 릴") 형식을 사용했습니다.스레딩이 필요 없는 편리한 카세트에 테이프를 포장하려는 이전의 시도는 제한적인 성공을 거두었습니다. 가장 성공적인 시도는 주로 자동차 재생용으로만 사용되는 8트랙 카트리지였습니다.필립스 콤팩트 오디오 카세트는 테이프 녹음 포맷에 절실히 필요한 편리함을 더했고, 10년 정도 후에 오픈 릴 포맷보다 품질이 낮았지만 소비자 시장을 장악하기 시작했습니다.

1970년대에 솔리드 스테이트 전자제품의 진보는 보다 정교한 아날로그 회로의 설계와 마케팅을 경제적으로 실현 가능하게 했습니다.이로 인해 다양한 형태의 볼륨 압축 및 확장을 통해 테이프 잡음을 줄이려는 시도가 여러 번 이루어졌으며, 가장 주목할 만하고 상업적으로 성공한 시스템은 Dolby Laboratories가 개발한 여러 시스템입니다.이러한 시스템은 주파수 스펙트럼을 여러 대역으로 나누고 볼륨 압축/팽창을 각 대역에 독립적으로 적용했습니다(엔지니어들은 이 프로세스를 참조하기 위해 종종 "조합"이라는 용어를 사용합니다).Dolby 시스템은 아날로그 오디오 레코딩의 효과적인 동적 범위와 신호 대 잡음비를 증가시키는데 매우 성공했습니다. 모든 면에서, 가청 테이프 히스를 제거할 수 있었습니다.원래 돌비 A는 전문 녹음에만 사용되었습니다.Dolby B는 카세트에 미리 녹음된 음악을 위해 거의 보편적으로 사용되었습니다.Dolby C(및 단수명 Dolby S)를 포함한 후속 형태가 가정용으로 개발되었습니다.

1980년대에 디지털 녹음 방식이 도입되어 아날로그 테이프 녹음은 사라지지는 않았지만 점차 대체되었습니다.(특히 고예산 고객을 위한 많은 전문 스튜디오는 멀티트랙 및/또는 믹스다운을 위해 아날로그 레코더를 사용합니다.)디지털 오디오 테이프가 소비자 기록 매체로서 중요해진 것은 부분적으로 음반 회사의 "해적" 공포에서 비롯된 법적 문제 때문이다.그들은 자기 테이프 레코딩이 처음 소비자에게 공개되었을 때 반대했지만, 녹음 레벨의 저글링, 과부하 왜곡, 잔여 테이프 잡음 등의 기술적 난이도가 높아 자기 테이프의 무면허 복제는 결코 극복할 수 없는 상업적 문제가 되지 않았다.디지털 방식을 사용하면 녹음의 복사본이 정확할 수 있고 저작권 침해가 심각한 상업적 문제가 될 수 있습니다.디지털 테이프는 여전히 전문적인 상황에서 사용되고 있으며, DAT 변형은 컴퓨터 데이터 백업 애플리케이션에 적합합니다.현재 많은 전문 레코더와 가정용 레코더들이 하드 디스크 기반 시스템을 사용하여 최종 믹스를 기록 가능한 CD(CD-R)에 굽습니다.

대부분의 영국 경찰(및 다른 지역)은 [12]조작 혐의를 덜 받는 매체를 제공하기 때문에 여전히 아날로그 소형 카세트 시스템을 사용하여 경찰 인터뷰를 녹음합니다.

필름에 기록

광학 매체에 소리를 녹음하려는 최초의 시도는 1900년경에 일어났다.필름에 녹음된 소리를 사용하기 전에, 극장에는 무성 영화 동안 라이브 오케스트라가 존재했습니다.음악가들은 스크린 아래 구덩이에 앉아 배경 소음을 내고 영화에서 [13]무슨 일이 일어나든 분위기를 맞추곤 했다.1906년, 유진 오귀스틴 로스테는 사운드 온 필름 녹음 특허를 출원했지만, 시대를 앞서 갔다.1923년, 리 드 포레스트는 녹화를 위한 특허를 신청했다; 그는 또한 보드빌 배우들의 짧은 실험 영화를 많이 만들었다.William Fox는 1926년에 사운드 온 필름 뉴스릴을 발매하기 시작했는데, 이는 워너 브라더스가 디스크에 음악과 음향 효과를 녹음한 돈 후안을 발매한 것과 같은 해이며, 디스크에서 소리가 완전히 동기화된 일련의 단편 영화도 발매한 것이다.1927년, 사운드 영화 "재즈 싱어"가 개봉되었다; 첫 번째 사운드 영화는 아니지만, 엄청난 히트를 쳤고 대중과 영화 산업은 사운드 영화가 단순한 신기함 그 이상이라는 것을 깨닫게 했다.

재즈 싱어는 Vitaphone이라고 불리는 과정을 사용했는데, 이 과정은 투영된 필름을 디스크에 녹음된 소리와 동기화시키는 것을 포함한다.그것은 본질적으로 축음기를 연주하는 것과 같았지만, 그 당시 최고의 전기 기술로 녹음된 것이다.음향 축음기와 녹음에 익숙한 관객들은 극장에서 1950년대의 "고음성"과 비슷한 것을 들었을 것이다.

그러나 아날로그 기술 시대에는 별도의 디스크가 포함된 어떤 프로세스도 동기화를 정확하고 안정적으로 유지할 수 없었습니다.비타폰은 영화 필름 스트립의 측면에 광학 사운드트랙을 직접 녹음하는 기술로 빠르게 대체되었다.이것은 1930년대부터 1960년대까지 지배적인 기술이었고 2013년 현재도 여전히 사용되고 있지만 아날로그 사운드 트랙은 필름 형식의 디지털 사운드로 대체되고 있습니다.

동기 필름 사운드트랙에는 광학 및 자기 두 가지 유형이 있습니다.옵티컬 사운드트랙은 음파 형태를 시각적으로 표현한 것으로, 프로젝터내의 광빔과 광학 센서를 개입시켜 음성을 제공합니다.자기 사운드트랙은 기본적으로 기존의 아날로그 테이프 녹음과 동일합니다.

자기 사운드트랙은 동영상과 결합할 수 있지만 이미지에 대한 오디오 트랙의 오프셋 때문에 갑자기 중단됩니다.광학식이든 자기식이든 오디오 픽업은 프로젝션 램프, 셔터 및 드라이브 스프로켓보다 몇 인치 앞에 위치해야 합니다.필름의 움직임을 부드럽게 하기 위한 플라이휠도 있어 그렇지 않으면 네거티브 풀다운 메커니즘으로 인해 발생할 수 있는 플래터를 제거합니다.자기 트랙이 있는 필름이 있는 경우, 텔레비전과 같은 강한 자기 소스로부터 멀리 떨어져 있어야 합니다.이는 자기 소리 신호를 약화시키거나 지울 수 있습니다.셀룰로오스 아세테이트 필름 베이스의 자성음도 [why?][citation needed]이미지만 있는 필름보다 식초증후군에 걸리기 쉽다.

가변 밀도 사운드 트랙(왼쪽) 및 양 측면 가변 영역 사운드 트랙(오른쪽)

필름에 대한 광학 기록에는 두 가지 방법이 사용됩니다.가변 밀도 레코딩은 필름의 사운드 트랙 측의 어두운 변화를 사용하여 음파를 나타냅니다.가변 영역 녹음은 음파를 나타내기 위해 어두운 스트립 폭의 변화를 사용합니다.

어느 경우든, 필름의 사운드트랙에 대응하는 부분을 통과하는 빛은 원음에 비례해 강도가 변화하고, 그 빛은 스크린에 투사되지 않고 감광기기에 의해 전기신호로 변환된다.

광학 사운드트랙은 긁힘이나 복사 등 사진에 영향을 주는 것과 같은 종류의 열화를 일으키기 쉽습니다.

연속성이라는 착각을 불러일으키는 필름 이미지와 달리 사운드 트랙은 연속성이 있습니다.즉, 사운드트랙을 조합한 필름을 잘라내 스플라이스하면 화상은 깨끗하게 절단되지만 사운드트랙은 균열음을 낼 가능성이 높습니다.필름의 지문은 균열이나 간섭을 일으킬 수도 있습니다.

1950년대 후반, 텔레비전보다 압도적으로 뛰어난 극장 경험을 제공하고자 필사적으로 노력한 영화 산업은 Cinerama, Tod-AO, Cinema Scope와 같은 와이드 스크린 프로세스를 도입했습니다.동시에, 이러한 프로세스에서는, 필름에 적층된 산화물 스트라이프에 녹음된 멀티 트랙 자기 사운드의 사용에 수반하는, 사운드의 기술적인 향상이 도입되었습니다.이후 수십 년 동안, 점점 더 많은 극장이 다양한 형태의 자기 음향 장비를 설치하면서 점진적인 진화가 일어났다.

1990년대에 디지털 오디오 시스템이 도입되어 보급되기 시작했다.그 중 일부는 Vitaphone과 같이 녹음된 사운드를 다른 디스크에 다시 녹음하고, 다른 일부는 필름 자체에 디지털 광학 사운드 트랙을 사용합니다.이제 디지털 프로세스는 신뢰성과 완벽한 동기화를 달성할 수 있습니다.

디지털 녹음

DAT 또는 디지털 오디오 테이프

최초의 디지털 오디오 레코더는 Denon(1972년), Soundstream(1979년), Mitsubishi와 같은 회사가 선보인 릴 투 릴 덱이었다.그들은 PCM 레코딩으로 알려진 디지털 기술을 사용했다.그러나 몇 년 안에 많은 스튜디오가 디지털 오디오 데이터를 표준 비디오 신호로 인코딩하는 장치를 사용하게 되었고, 이 장치는 비디오에 표준인 회전 헤드 기술을 사용하여 U-매틱이나 다른 비디오 레코더에 녹화되었습니다.카세트에 들어 있는 좁은 테이프의 회전 헤드를 사용하는 소비자 형식인 디지털 오디오 테이프(DAT)에도 유사한 기술이 사용되었습니다.48kHz 또는 44.1kHz의 샘플링 속도로 DAT 레코드를 기록합니다. DAT 레코드는 콤팩트디스크에서 사용되는 샘플링 속도와 동일합니다.비트 깊이는 16비트이며 콤팩트디스크와 동일합니다.DAT는 소비자 오디오 분야에서 실패했지만(너무 비싸고 까다롭고 복제 방지 규정으로 인해 장애가 발생) 스튜디오(특히 홈 스튜디오)와 라디오 방송국에서 인기를 끌었습니다.문제가 있는 디지털 테이프 레코딩 시스템은 DCC(Digital Compact Cassette)입니다.

디지털 레코딩이 도입된 지 몇 년 지나지 않아 전문 스튜디오에서 사용하기 위해 멀티트랙 레코더(고정 헤드 사용)가 생산되었습니다.1990년대 초, 비교적 저렴한 가격의 멀티트랙 디지털 레코더가 홈 스튜디오에서 사용하기 위해 도입되었습니다.그것들은 비디오로 녹화하는 것으로 돌아갔습니다.이런 유형의 레코더 중 가장 주목할 만한 것은 ADAT입니다.Alesis에 의해 개발되어 1991년에 처음 출시된 ADAT 기계는 단일 S-VHS 비디오 카세트에 8트랙의 디지털 오디오를 기록할 수 있습니다.ADAT 기계는 전 세계 프로페셔널 스튜디오와 홈 스튜디오에서 여전히 매우 일반적인 고정 장치입니다.

소비자 시장에서는 테이프와 축음기가 콤팩트 디스크(CD)와 미니 디스크로 대체되었다.이러한 기록 매체는 완전히 디지털이며 재생하려면 복잡한 전자 장치가 필요합니다.디지털 레코딩은 DVD-A 등의 포맷이 최대 192kHz의 샘플링 레이트를 제공하는 등 충실도가 높아졌습니다.

콤팩트 디스크의 간섭 색상

디지털 사운드 파일은 모든 컴퓨터 저장 매체에 저장할 수 있습니다.MP3 오디오 파일 포맷의 개발과 이러한 파일을 복사하는 것과 관련된 법적 문제들은 1990년대 후반 그들이 도입된 이후 음악 유통의 혁신을 주도해 왔다.

1990년대 말에 하드 디스크 용량과 컴퓨터 CPU 속도가 증가하면서 하드 디스크 레코딩이 더욱 대중화되었습니다.2005년 초 현재 하드디스크 기록은 두 가지 형태로 이루어집니다.하나는 오디오를 2개 또는 여러 개의 디지털 오디오 트랙으로 인코딩하기 위한 어댑터가 있는 표준 데스크톱 또는 노트북 컴퓨터를 사용하는 것입니다.이러한 어댑터는, 인박스·인터페이스·카드에 접속하거나, USB 또는 Firewire 케이블을 개입시켜 컴퓨터에 접속하는, 인박스·사운드 카드 또는 외장 디바이스입니다.또 다른 일반적인 하드 디스크 기록 형식에서는 아날로그/디지털 변환기 및 디지털/아날로그 변환기 및 데이터 저장용 리무버블 하드 드라이브 1~2개가 포함된 전용 레코더를 사용합니다.이러한 레코더는 24개의 트랙을 몇 개의 랙스페이스에 탑재하고 있으며, 실제로는 단일 목적의 컴퓨터이며, 표준 컴퓨터에 연결하여 편집할 수 있습니다.

비닐의 부활

디지털 미디어의 부상에도 불구하고 음악을 소비하는 방법으로 비닐 레코드가 다시 인기를 끌고 있다.2008년부터 [14]2012년까지 15,000대 이상이 판매되어, 2012년에는 1993년 이래 최고치를 기록했습니다.인기 아티스트들이 비닐로 앨범을 발매하기 시작했고, Urban Outpitters와 Whole Foods와 같은 상점들이 앨범을 [15]판매하기 시작했다.이 매체가 대중화되면서 소니 등 대중 음악 회사들이 1989년 이후 처음으로 LP를 생산하기 시작했다.그러나 일부 기업은 현재 미국에서 [16]가동 중인 레코드 플랜트가 16개에 불과하기 때문에 생산 문제에 직면해 있다.

기술.

아날로그 테이프 레코더는 실수를 고칠 수 있도록 이전 녹음을 지우거나 기록할 수 있게 했다.테이프에 기록하는 것의 또 다른 장점은 테이프를 자르고 다시 결합할 수 있다는 것입니다.이것에 의해, 기록을 편집할 수 있습니다.기록의 조각은 제거하거나 재배치할 수 있습니다.오디오 편집, 오디오 믹싱, 멀티트랙 녹음도 참조해 주세요.

전자 악기(특히 키보드와 신시사이저), 효과 및 기타 악기의 등장으로 인해 녹음에서 MIDI의 중요성이 대두되고 있습니다.예를 들어, MIDI 타임코드를 사용하면 기록 시 사람이 직접 개입하지 않고도 다른 장비를 '트리거'로 만들 수 있습니다.

최근 들어 컴퓨터(디지털 오디오 워크스테이션)는 녹음 스튜디오에서 점점 더 많은 역할을 하고 있습니다.컴퓨터(디지털 오디오 워크스테이션)를 사용하면 절단 및 루프 작업이 쉬워질 뿐만 아니라 부품의 복제, 효과 추가 및 녹음 부분의 재배열과 같은 즉각적인 변경이 가능해지기 때문입니다.

「 」를 참조해 주세요.

레퍼런스

  1. ^ Bartmanski, Dominik; Woodward, Ian (2015). "The vinyl: The analogue medium in the age of digital reproduction". Journal of Consumer Culture. 15 (1): 3–27. doi:10.1177/1469540513488403. S2CID 145296853.
  2. ^ "A Brief History of Recording to ca. 1950". www.charm.rhul.ac.uk. Retrieved October 5, 2018.
  3. ^ Kees Schouhamer Immink (February 2010). "Any Song, Anytime, Anywhere". Journal of the Audio Engineering Society. 58: 171–172. Audio history is examined to identify the seminal contributions to the digital audio revolution.
  4. ^ Kees Schouhamer Immink (March 1991). "The future of digital audio recording". Journal of the Audio Engineering Society. 47: 171–172. Keynote address was presented to the 104th Convention of the Audio Engineering Society in Amsterdam during the society's golden anniversary celebration on May 17, 1998.
  5. ^ Richardson, James H. (2014). "The Spotify Paradox: How the Creation of a Compulsory License Scheme for Streaming On-Demand Music Platforms Can Save the Music Industry". UCLA Entertainment Law Review. 22 (1). doi:10.5070/LR8221025203. SSRN 2557709.
  6. ^ "Downloading music vs streaming music: Which is best for you?". BT.com. Retrieved October 24, 2017.
  7. ^ Swanson, Kate (2013). "A Case Study on Spotify: Exploring Perceptions of the Music Streaming Service". Journal of the Music and Entertainment Industry Educators Association. 13 (1): 207–230. doi:10.25101/13.10. ProQuest 1519295625.
  8. ^ Kim, Jiwhan; Nam, Changi; Ryu, Min Ho (May 2017). "What do consumers prefer for music streaming services?: A comparative study between Korea and US". Telecommunications Policy. 41 (4): 263–272. doi:10.1016/j.telpol.2017.01.008.
  9. ^ http://www.firstsounds.org 소스에서 직접 녹음 및 재생에 대한 정보.많은 2세대 및 n세대 계정에는 부주의한 보고와 오류가 있습니다.
  10. ^ 컨펠드, 배리"녹음 중"Grove Music Online (2007).옥스퍼드 뮤직 온라인웹.
  11. ^ "The Marconi-Stille". Retrieved January 24, 2015.
  12. ^ "Why do police still use millions of audio tapes?". BBC News. December 3, 2012.
  13. ^ "Wonderstruck Essays". www.wonderstruckthebook.com. Retrieved October 24, 2017.
  14. ^ Bartmanski, Dominik; Woodward, Ian (March 2015). "The vinyl: The analogue medium in the age of digital reproduction". Journal of Consumer Culture. 15 (1): 3–27. doi:10.1177/1469540513488403. S2CID 145296853.
  15. ^ "Vinyl Sales Are Not Just a Hipster Thing Anymore". Fortune. Retrieved October 24, 2017.
  16. ^ "Solving The Vinyl Comeback's Big Problem, One Antique Machine At A Time". NPR.org. Retrieved October 24, 2017.

추가 정보

Wiki 인용문에는 녹음과 관련된 인용문이 있습니다.

외부 링크

Wikimedia Commons에는 녹음과 관련된 미디어가 있습니다.