Tabla de contenido

Tema 1. Renacimiento y humanismo. La nueva mentalidad y el cambio social .......................... 2

Patronos y artistas siglo XV mecenazgo ............................................................................ 3

Contexto histórico ............................................................................................................. 4

Contexto artístico .............................................................................................................. 5

Tema 5. El renacimiento a la nórdica: Flandes ........................................................................... 8

Maestro de Flémalle o Robert Campin ............................................................................... 9

Van Eyck ........................................................................................................................ 10

Tema 2. Arte en Florencia a principios del siglo XV................................................................ 19

La visión Renacimiento-humanismo.................................................................................... 19

El humanismo y la recuperación de la antigüedad ............................................................ 20

Humanismo vs. Renacimiento ......................................................................................... 21

La arquitectura .................................................................................................................... 22

Las cortes italianas del siglo XV. Espacios de poder ........................................................ 22

Brunelleschi. ................................................................................................................... 24

Escultura ............................................................................................................................. 31

Brunelleschi .................................................................................................................... 31

Ghiberti 1378-1455 ......................................................................................................... 32

Donatello 1386-1466 ....................................................................................................... 35

Jacopo della Quercaia ...................................................................................................... 42

Luca della Robbia 1399-1482 .......................................................................................... 46

Pintura ................................................................................................................................ 48

Andrea del Castagno La última cena ................................................................................ 49

Giorgione ....................................................................................................................... 49

Gentile da Fabriano ......................................................................................................... 49

Lorenzo Mónaco, ............................................................................................................ 50

Masaccio (1401-1428) ..................................................................................................... 51

Paolo Uccello 1397-1475 ................................................................................................ 57

1
 Andrea del Castagno 1410-1257 ...................................................................................... 59

Tema 3. El arte de Florencia en la segunda mitad del siglo XV ................................................ 60

El canon Brunelleschiano .................................................................................................... 60

Michelozzo di Bartolomeo (1396-1472) .......................................................................... 60

León Batista Alberti 1404................................................................................................ 61

Tema 1. Renacimiento y humanismo. La nueva mentalidad y el

cambio social
El concepto de modernidad es complejo sobre todo aplicado al siglo XV que se supone que
pertenee a la edad media. Hay autores que dicen que la moderniad se caracteriza por una
recuperiacion de lo antiguo y de lo romano. Aparece el concepto de a lo anituo y a lo romano,
refiriendose a un canon que el arte romano o el arte antiguo habia desarrollado. Esto es una
realidad que se ve en muchos artistas florentinos, los cuales van a roma a tommar medidas a los
edificios del mundo romano que habian quedado practicamente intactos en la roma medieval.

El siglo XV es mucho mas que el Quattrocento, que se produce en Florencia, Italia. Florencia no
hace salir a Europa “de esa supuesta oscuridad medieval”.

Se a aludido a veces al siglo XV como una epoca de decadencia en Europa, aunque la realidad
es que se producen novedades y reformulaciones de estulos. Nos encontramos con un desfase
cronologico ya que en italia comienza a introducirse de nuevo el clasicismo pero en el resto de
europa se sigue contruyendo adificios góticos.

En el siglo XV en europa se desarrolla un arte potenciado

por el renacimiento italiano, donde hay un desfase
cronológic y diferencias estilísticas. Nos encontramos con
una pintura denominada cmoo primitivos flamencos de los
hermanos Van Eyck con un realismo del pasado. Tambien
en Sluter, en alemania, encontramos naturalismo

2
Virgen del libro atribuida al círculo de Van Eyck de produccion española del siglo XV. Es una
madonna sentada en un trono con el niño en el regazo. Suntuosidad del espacio, punto de fuga y
perspectiva marcada en la ventana donde se ve el paisaje. Una serie de elementos que la
relacionan con Van Eyck. La pintura incluye inscripciones en un aleman medieval
“quién dice que esto es verdad”, que son típicas de la produccion de Van Eyck.

Tambien hay u intento de representar la perspectiva, importante en la pintura

renacentista y no solo en la florentina. Por lo que los avances pictoricos se
producen tambien en Flandes.

Se ha pensado que es una copia del circulo de Van Eych porque hay una Madonna
de Ince Hall de Van Eyck que concuerda con esta pintura de Covarrubias. Por lo
tanto la pintura de los primitivos flamencos estaba de moda en otras partes de
Europa, como España o Italia donde se apreciaban mucho.

El siglo XV es un siglo global donde hay muchos contactos y no hay un parametro estético
singular

Es imposible poner etiquetas al siglo XV, no podemos reducirlo a modelos concretos sino que
hay que trascender.

• Produccion en el remacimiento nos encontramos con un arte antiguo, clásico a lo

romano
• Produccion tardogótica: internacional, tudesco, “a lo moderno”
• Renacimeitno nórdico “a lo flamenco”
• castellano, morisco, francés…

Sepulcro del Cardenal Diego Hurtado de Mendoza hecho por Domenico Fancelli,
1509. “porque mi voluntad es que no se mezcle con la otra obra ninguna cosa
françisca (lo francés, gótico) no alemana no morisca sono que todo sea romano”
conde Tendilla encargando la obra. Aun no existe el térmoino renacentista, por lo
que habla de un estilo a lo romano

Diversidad en los lenguajes artísticos.

Patronos y artistas siglo XV mecenazgo

• Lorenzo de Medici (1449-1492) mecenas de Andrea de Verrochio (1440-1498)

• Pedro González de Mendoza (1428-1495) mecenas de Lorenzo Vázquez de Segovia

3
 • Carlos el temerario (1433-1477) mecenas de

Contexto histórico

Todo el siglo XV a un nivel europeo es un periodo de cambios. Las estructuras fundamentales

de la sociedad europea atravesaban una crisis profunda. Las dos formas esenciales de
organización del ámbito de lo religioso y lo temporal, dominantes desde hacía 1500, parecían
desintegrarse y perder toda su autoridad.

Que ocurre en Europa en el siglo XV

• Pérdida de autoridad de los emperadores y del papa. Momento de crisis donde la sede
de roma se traslada a Aviñón.
• El potente reino de Francia obliga al papado a cambiar Roma por Aviñón
• Guerra de los Cien años que enfrenta Francia e Inglaterra
• Borgoña separatista se une a Inglaterra. Tratado de Arras 1435, forma de la paz,
firmado entre Felipe de Borgoña y Carlos VII

Que ocurre en la periferia

• En el reino de Aragón encontramos el dominio de Sicilia y

Nápoles hacia 1435
• El reino de Castilla se enfrenta al islam. Al unirse a Aragón
(1479) se consolidan como Reino de España e inician el
proyecto de colonización atlántica
• En 1401 se unifican Polonia y Lituania. Gran extensión
territorial que sacrifica el poder d ellos caballeros teutones
en Prusia
• Los tres reinos escandinavos del Norte se unen en 1387. Unión de Kalmar
• Italia vive un florecientito cultural desde el Trescientos. Humanismo

4
Contexto artístico

El siglo XV no fue un periodo de prosperidad sino un tiempo de miseria y

profunda crisis económica. Sin embargo fue seguido de un repunte económico
modesto e incompleto. A pesar de esta crisis económica muy importante se
desarrolla todo el arte en el terreno de las artes plásticas más celebre. En los
cimientos del arte del siglo XV se produce en las primeras décadas del siglo, en
torno al 1400 el gótico se convierte Enel lenguaje artístico de toda Europa: el
gótico internacional. Las obras de arte que se engloban en la estela de este estilo
internacional se caracterizan por la búsqueda de lo elegante y cortesano

Hay una saga de innovadores arquitectos y escultores que trabajan en la zona de

Bohemia en el reino germano, que serían los Parler. Las obras de su taller se han calificado
como Vírgenes bonitas, la belleza es un concepto universal que vertebra todo el arte europeo.
En este contexto de vírgenes bonitas nos encontramos con la Virgen de Krumlow, donde vemos
una estilización de la figura.

Anunciación atribuida al maestro de Heiligenkreuz hacia el 1400 donde vemos las figuras de la
Virgen y el ángel largas y estilizadas, recortadas sobre un fondo dorado.

Todo este mundo de la orfebrería y lujo lo vemos que se lleva al ámbito escultórico como se
puede ver en el sepulcro de alabastro del cardenal Cervantes c. 1458.

Pintura mil flores

Un ejemplo de arte en los albores del siglo XV seria las muy ricas horas
del duque de Berry de los Hermanos Limburgo. Vemos un refinamiento
y elegancia propia el mundo de la corte y esta tendencia hacia lo
decorativo y la profunda preocupación naturalista

5
Uno de los problemas del arte de los inicios del siglo XV es la desintegración de los sistemas de
talleres. La búsqueda del estamento social del artista en esta época que implican la presencia
social de este y su propia reivindicación. Los artistas comienzan a trabajar al servicio de
mecenas como André Beauneveu y Claus Sluter, que trabajaban para el duque de Borgoña.
Claus Sluter esculpe los ropajes con carácter pesado y voluminoso con pliegues profundos, unos
tipos que resultan corpulentos y que se liberan del marco arquitectónico

Esta búsqueda de lo precioso y decorativo no solamente en el ámbito religioso es

por la búsqueda del lujo y la magnificencia. No era pura ostentación, sino una
virtud siguiendo la definición que de ella hace Aristóteles en su Ética a Nicómano.

La corte de Francia como reflejo de la magnificencia

El lujo va a tener importancia no solamente en Borgoña, también en el resto de los

ducados franceses. En Francia se va a desarrollar esta magnificencia del arte y un
gusto por el lujo. A través de Carlos VI y Carlos VII se puede ver muy bien esta
producción artística magnificente y lujosa.

Uno de los mejores ejemplos para ver este lujo es el famoso Corcel de oro o dorado
atribuida a un orfebre francés c. 1404, que es una elegante pieza d orfebrería con la técnica del
esmalte y revestida de piedras preciosas.

El estilo en torno a 1400 se vuelve internacional. Va a ser en Francia donde surge el genio más
grande de la pintura anterior a los flamencos. En el caso de la pintura el personaje que va a tener
una gran influencia sobre los primitivos flamencos es el Maestro de las Horas del Merechal de
Boucicaur, que descubrió y aplico la perspectiva aérea y aplico técnicas de veladuras y
esfuminios del óleo

Las ventanas con la búsqueda de perspectiva y los puntos de fuga van a ser uno de
los elementos característicos de la pintura y miniatura europea.

El concepto de la magnificencia y el lujo va a tener más importancia en el Ducado de

Borgoña, la parte oriental de Francia. Los duques más importantes fueron Felipe el
bueno (1419-1467) que extiende su poder territorial del ducado de Borgoña, y Carlos
el Temerario (1433-1477) que también extiende el territorio. Dejó sus bienes a su
hija María, casada con el abuelo de Carlos I de España y V de Alemania.

6
En los territorios del ducado de Borgoña se refleja la nueva imagen de la naturaleza y el
hombre, paralela a la corriente del renacimiento florentino donde el hombre va teniendo
importancia desde el punto de vista más humano. En Borgoña trabajan un arte caracterizado por
lo real y lo simbólico. Lo pintores que se desarrollan en este contexto y que
tienen contacto con Italia estarían en la
tradición del gótico pero se acercan
también al Renacimiento.

Los pintores se plantean cómo representar

la realidad en su multiforme diversidad. Se
busca la representación del espacio y la
luz, la representación tridimensional de los
objetos y de las figuras que se mueven. Se
enlaza la tradición del gótico internacional
con los intereses de la pintura gótica.

también hay una transferencia entre las miniaturas de los códices y las pinturas

Relaciones entre Italia y Flandes

Hortus conclusus

7
Tema 5. El renacimiento a la nórdica: Flandes
Debido a la desafortunada reducción de obras, la pintura anterior a Van Eyck de los Países
Bajos solo nos resulta visible en fragmentos dispersos y débiles reflejos. Su importancia no debe
subestimarse pero tampoco minimizarse. Si la tradición autóctona no proporcionó las semillas
para el jardín de los grandes flamencos, sí que proporcionó el suelo, es decir, se basa en una
tradición anterior que construyo los cimientos para el arte posterior.

Hubo una gran revolución óptica. Frente a los iluminadores del gótico internacional que
pertenecen a la Edad Media, los primitivos flamencos pertenecerían a los tiempos modernos,
aunque tienen una gran relación con el pasado.

Los nuevos objetivos de los primitivos flamencos se basaban en la nueva técnica del óleo.
Cennino Cennini señala en su tratado de pintura que los alemanes estaban más a favor del aceite

La técnica del óleo

Desde el siglo X se alude a la técnica del óleo por lo que los primitivos flamencos no lo
inventaron, sino que la perfeccionaron

• Para su uso se recomienda la linaza y otros aceites, mezclado con jugo de higo, yema y
clara de huevo.
• El huevo entero o su mezcla se llama témpera
• Se habla de la técnica de esperar, purificar, blanquear y secar los aceites
• Se hierven con piedra pómez o coniza de hueso y se secan al sol para espesarlos y
purificarlos
• Mezcla de creta, cerusa, caparrosa blanca, litargirio o sulfato de cinc para su
desecación.

La gran aportación de los Van Eyck fue la perfección de la técnica. Uno de los elementos más
característicos que tiene esta pintura es el azul de ultramar, muy costoso porque venía de
oriente. Desarrollaron un sistema de estratificación no muy diferente al esmaltado limosín
posterior, viendo así una transferencia entre el mundo de la orfebrería, la miniatura y la pintura.

Esta ley óptica en la técnica del óleo tiene su clave en la intensidad de un color que se rebaja por
exceso o deficiencia de luz. Se superponen capas de pintura traslúcida muy fina sobre una
pintura más opaca. Los tonos más claros y los más oscuros se consiguen aplicando una capa
traslucida sobre otra opaca o capa muerta (técnica de la veladura).

Fueron los escritores italianos los que constrúyenos una historia simple de la pintura flamenca,
por lo que se apreció más el arte italiano.

8
Maestro de Flémalle o Robert Campin

Pero el estudio de la pintura flamenca no debe estudiarse empezando por los Van Eyck sino por
el maestro de Flémalle. Flémalle era una ciudad de Bélgica, y su nombre procede de unas tablas
de Frankfourt que proceden de aquí. Se ha relacionado con la
personalidad artística de Robert Campin pero no se sabe con seguridad.

De R. campin sabemos que en 1406 aparece como maestro de Tournai y

estuvo activo entre 1410-1440 dirigiendo un taller. Sabemos que sus
discípulos fueron Daret y Van Der Weyden. En torno a 1423 encabezó
una revuelta de artesanos por lo que estaba activo en el plano político y
fue decano del gremio de pintores, por lo que fue relevante. Murió en
1444.

La singularidad de este maestro. En la Anunciación de 1420-1425

podemos ver el espacio arquitectónico singular, algo muy característico de los primitivos
flamencos, la capacidad de representar de forma singular e individual los personajes, objetos y
el espacio. Figuras sobredimensionadas para darles importancia

En Desposorios de la Virgen se ve la contraposición de dos espacios

arquitectónicos Enel que se ve una arquitectura pseudorromana y un
elemento gótico.

Virgen de la leche donde se le da un sentido individual al rostro de la

virgen

Santa Bárbara y San Juan Bautista y el maestro Franciscano posibles

laterales de un cuadro de la anunciación

Capacidad de representar los objetos de una forma individualizada

Natividad. Paisaje de invierno con sol que es la propia representación de

Cristo. Las dos mujeres de espaldas podrían estar dudando de la virginidad de
la Virgen y la divinidad de Jesús, José les invita a tocar a Jesús

Retrato de un caballero. Representación individualizada del rostro. Búsqueda

de geometría a través del turbante. Hopalanda> túnica unisex

La figura de los donantes en el Retablo de Merode. La mesa del fondo se

representa si para que se vean los objetos de la mesa

9
Van Eyck

La virgen del Canciller Rolin o Madona de Autun de 1435 de Van

Eyck. Composición románica pero influenciado por la arquitectura
islámica. Óleo sobre tabla, entorno domestico que ese ha planteado
que podría ser la propia casa del canciller de Rolin

Personajes en el fondo que miran sobre unas almenas hacia el paisaje

inventado que representa varios edificios que estaban en la mente de
Van eyck

Representación de escenas del Antiguo testamento que hablan sobre el

pecado en los capiteles del lado de Nicolas Roden. Los tres arcos son el símbolo de la trinidad y
en las columnas se representan animales aplastados situados en la parte del canciller
(conejos>pecado carnal)

Pavos símbolos del orgullo humano

Interés por la representación de la naturaleza que se ve en el jardín. El paisaje empieza a tener

un carácter autónomo en el humanismo. Peonias, rosas si espinas y margaritas

Decoración de filacterias en el manto de la virgen “como el cedro yo me he elevado sobre el

Líbano”

El libro de las horas está abierto al lado de

María situada al lado de la ciudad Praga aunque no se tiene seguridad y rolen está en el lado del
campo

Las montañas, la luna y el vuelo de los pájaros aluden a dios

El puente podría ser una alusión al puente de Montoro donde Juan sin Miedo fue decapitado,
generando así la guerra de los 100 años. La cruz serviría como recuerdo del asesinato de Juan
sin miedo. Firma del tratado de Arrás gracias a Rodin.

Recurso del posible uso de la cámara oscura en la realización de este cuadro en los pequeños
detalles.

https://www.youtube.com/watch?v=2-c6STy6_MU

10
En la composición de la pintura flamenca y sobre todo en los hermanos Van Eyck aparecen unas
características constantes, como la aparición de la perspectiva a partir de unos puntos de fuga.
La propia composición de esta pintura lleva a la pintura vista en conjunto y e detalle que aportan
los primitivos flamencos.

La escuela de los primitivos flamencos introduce una serie de factores que continúan en el resto
de escuelas posteriores, como la perspectiva, la luz, la composición de exteriores e interiores, el
color y la pintura en conjunto y en detalle.

El problema de los Van Eyck: estado de la cuestión

Aunque la figura más importante es Jan Van Eyck, también era importante su hermano Hubert.
Ambos al frente del taller, por eso se habla de los hermanos Van Eyck

De Hubert sabemos menos que de Jan. Sabemos que en 1413 se cita una obra con su nombre.

Nos encontramos con un problema con los nombres propios de este artista, ya que los nombres
de Hubert, Luberecht, Ubrecht y Hubrechte se refieren a la misma persona (Hubert Van Eyck).
Esta variedad de nombres se debe a que los escriban os que hacen registros
a veces no dominaban la lengua, por lo que se anotaba el nombre que ese
entendía. El políptico de Gante nos corrobora la existencia de Hubert Van
Eyck en la inscripción de la obra.

La historiografía le ha dado más importancia a Jan por varios motivos.

Primero Vasari le atribuyo la invención del óleo, aunque hoy en día
sabemos que no es verdad. La propia historiografía lo destaco más que su
hermano, también porque se desconocía más sobre Hubert.

Respecto a Jan Van Eyck hay un problema con los comienzos de su trabajo.
El primer dato que tenemos es el primer documento en el que aparece su nombre, donde ya
contaba con 35 años. Hasta esa edad no se sabe lo que hizo, pero a esa edad ya se le sitúa como
aposentador de cámara (el que coloca todas las obras del dique de borgoña). Su hermano fallece
en 1426 y probablemente Van se hiciese cargo del taller.

La primera obra que conocemos de Van Eyck es la Virgen de Ince Hall de 1433

11
En 1436 realiza la tabla de la Madona del canónigo Van der Paele, con San Donaciano y san
Jorge. En este cuadro vemos una iglesia románica donde el
altar es sustituido por un trono con dosel en el que está
sentada la virgen con el niño que tiene un papagayo (detalle
naturalista). Da la sensación de que Jan Van Eyck tuene una
serie de características que se aplican en la mayoría de sus
cuadros, como los mantos, las posturas y los cabellos. La
alfombra enmarca una perspectiva y tiene gran cantidad de
detalles.

San Jorge a la derecha representado con su armadura.

Hay una representación más descriptiva de los

rostros más que interpretativa. Esa idea del
individuo y de representación de la introspección es
posible representarla

Tríptico de san miguel y el donante (Michele

Giustiniani). Madona entronizada, sanra Catalina y
Dresde. No se sabe con seguridad quien es el
donante pero podría ser Michele Giustiniani. Santa
catalina está representada como una santa pero con gran riqueza

Obra de devoción particular típica de la burguesía enriquecida por el comercio.

Hasta 1436 tiene un estilo en el que los rostros son más severos. A partir de 1436 en una época
de madurez, la rigidez de su estilo se suaviza. Las vírgenes tienen las mismas características
pero se fusiona la melosidad con la grandeza. Búsqueda de una belleza más clásica. La madurez
en su estilo final

Ioh es de eyck me fecti 1439

Cambio en el fondo de los cuadros, e estilo se vuelve más suave como en la Madona de la
fuente de 1439. Es una virgen está de pie y su figura no está inserta en un interior.

12
Este estilo se pudo producir por alguna conexión con Italia.

Lo importante de estas composiciones es que el diseño se reduce a lo

esencial. A pesar de que su forma arcaica nos remite a Van der
Weyden hay un parecido más accidental.

A partir de 1449 su fama era tal que dejo algunas obras en manos de
sus colaboradores. Por eso se le ha relacionado con un pintor que es
Petrus Christus pero aparece en Brujas en 1444, fecha en la que
fallece por lo que no parece que fuese su discípulo ni colaborador. Sin
embargo muchas de estas obras compartidas se siguen asociando a Van Eyck y a Petrus.

El problema está para concretar de quienes son las obras, sin de Van eyck o de Petrus

El san jeronimo y la madona rothchild son un poroblema

por la autoria compertida, no se sabe quien hizo que y es
un problema que hoy en dia no esta resuelto

Entre 1436 y 1444 hay un cambio en su pintura, nlo que

nos pone ante una etapa final donde hay un
descubrimeinto de la naturaleza y un inteeres por los
descubirmineto de la pintra italiana

Políptico del cordero místico que revelan el conocimiento de la naturaleza que

tenía Van Eyck en los detalles de las flores

13
Libro de horas de Milán-Turín que se atribuye a Van Eyck. dublica el espacio reflejando el
castillo en el agua. Capacidad de representar el detallle, los objetos
minusculos

San francisco recibiendo los estigmas

Gusto por la botanica que tambiem se ve en itallia

Gusto por las grisallas y las tendencias escultoricas en ellas. Las grisallas
solian ser composiciones cin las que se cerraban los polipticos. La
Anunciación

El retrato se va a convertir en una de las representaciones ms importantes de ¡l

mudno moderno. Com retratista Jan Van Eyck tenia una gran capacidad en las
escnas conjuntas y tambien en lasindividuales. es exhaustivo y el mas seductor en la
capacidad de representar la propia naturaleza humana

Retrato de Thimoteo ¿de Mileto? Que podria ser un musico de la corrte de Felioe el
Bueno o un alto funcionario de Felipe el bueno. Puede ser un musico por poner el
nombre de un musico antiguo en el marco del retrato. Es un personaje retratado de
una manera individual sobre un fondo neturo (No color) que permite resaltar el
aspecto psicologico y figurativo de Thimoteo. Lo representa de perfil y de tres
cuartos, con unas caracteristicas basicas

• Rostro fuerte con una mandibula ruda y cuatrada

• Nariz corta y puntiaguda
• Mejillas prominantes

No sabems a quien representa porqie son caracteristicas fisicas de un

campesion flamenco

Retablo de Baudouin de Lannoy, añto funcionario de la corte de Felipe el

Bueno, Gobernador de Lille. Se representa con un caduceo o vara de
mando y una tunica que indican que es un personaje de poder

14
Hombre con turbante rojo que podria ser un autorretraro, pero no se sabe. Fondo neturo donde
se recorta la figur. Lo sorprendente y singular de la obra es la mirada fuera del cuadro, una
importante innovacion que sugiere un pintor por primera vez que contempla su
rostro en un espajo y lo pinta

Jan de Leeuw

Retrato de Margarita van Eyck, esposa de Jan. El rostro se coloca mucho mas alto
en el palno del cuadro reduciendose el plano de arriba. Capacidad de evolución del
pintor a la hora de representar estos retratos.

Retablo de Giovanni arnolfini. Se esconde la mano para evitar un segundo foco

de luz y que se aparte la mirada del rostro

Una de las obras más conocidas de Van Eyck es el Matrimonio Arnolfini de

1434. Se representa a una pareja que está en el acto de casarse y es Giovani
Arnolfini con una mujer de la alta sociedad.

El vientre se le pone cono si estuviese embarazada pero solo es una moda, no

lo está de verdad.

La técnica del espejo

15
Hoy en día no sabemos quien encargó la obra, pudo haber sido arnolfini para que fuese el
testigo de su propia boda. La tabla figura en el inventario de Margarita de Austria, recibido a su
vez como regalo de Diego de Guevara. En el inventario se llama a esta pintura “Arnolfini con su
esposa”. Quizá este diego de Guevara conociese a arnolfini o hiciese el encargo él mismo.

Tambien sabemos que la tabla estaba cerrada con un emblema de diego de Guevara y también
en el marco había un poema de Ovidio.

Los problemas del retablo de Gante, el políptico del cordero místico

El primer problema que hay con este políptico es quién encargó esta obra. Sabemos quiénes son
los comitentes, pero no a quién, Hubert o Jan. En relación con la inscripción todo apunta a que
fue un encargo directo a Hubert, que fallece y luego continuaría su hermano Jan

El retablo pudo realizarse en 1424 y terminarse en 1436

La capilla donde estaba este retablo era la capilla privada de Gante. Para esta capilla los
comitentes, los que se iban a enterrar ahí, encargan la obra. Los comitentes aparecen a la
izquierda, Joos Vidj, y a la derecha su mujer Isabel Borluut. Parece que era un personaje que
ocupaba un cargo importante en Gante, una especie de funcionario que manda hacer este retablo
para la capilla.

Uno de los aspectos más problemáticos es la representación de

los comitentes en la tabla, por lo que no cabe duda el pensar que
ellos no son los que encargan la obra, aunque algunos dice n que
pudo ser un encargo colectivo o de la propia ciudad, por el
tamaño del retablo.

No se ha conservado el documento de encargo

Las tablas exteriores no coinciden con las interiores, lo cual

plantea que pudo haber sido una composición no ideada en
conjunto

El retablo se cierra porque las tablas exteriores también están

representadas. Cuando se abría era para sombrar o despejar el
misterio. Solo se abría en festividades importantes de la iglesia

En el retablo cerrado vemos que se divide en tres registros de formato rectangular y

semicircular. En el registro inferior esta san juan bautista con el cordero y san juan evangelista
con el cáliz. En el segundo registro se representa la anunciación en una habitación en el que se

16
ve un paisaje típico de una ciudad flamenca. Encima del ángel Gabriel hay una representación
de Zacarias y encima de la Virgen el profeta Miqueas. En la parte central superior tenemos a la
sibila de cumas y editrea.

El retablo abierto se divide en doce tablas- en el registro superior tenemos a adán y Eva, encima
de ellos Caín y Abel. Al lado hay ángeles cantores y musicos que estarían alabando la

representación central. En el centro aparece la deesis, la representación de dios padre, María y

san Juan evangelista.

17
En la parte inferior encontramos en el centro la representación de la adoración al cordero
místico. A sus lados encontramos la representación de los jueces,
caballeros, ermitaños y peregrinos.

La fuente de la Gracia 1440-1450 atribuida al taller de Van Eyck

Representación de la deesis con un cordero a los pies d e dios padre,

ángeles músicos y cantores en el interior de las torres, y el tema central de
la fuente de la gracia de las que manan hostias con la figura de la sinagoga
con lo ojos vendados

18
Tema 2. Arte en Florencia a principios del siglo XV
La visión Renacimiento-humanismo
Renacimiento. El origen del término y su definición clásica

Se entiende en su definición una vuelta a la antigüedad clásica. El termino de Renacimiento

historiográficamente nace en Francia en el siglo XIX y Honoré de Balzac lo fija de una forma
literaria. Em 1855 se usa como herramienta de análisis histórico por Jules Michelet que publica
La Renaissance.

Jacob Burckhart en 1860 universaliza el concepto creando un clásico historiográfico sobre el

Renacimiento en Italia. Para él el Renacimiento es

• El nacimiento del estado moderno

• Desarrollo del individuo
• El resurgir de la antigüedad clásica
• El descubrimiento del mundo del hombre
• La sociedad y las fiestas. Redefinición del concepto de la ciudad, que comienzan a tener
identidad propia y son propaganda.
• La religión y la moral como aspectos que definen el Renacimiento

El arte moderno nacía como oposición a todas las prácticas medievales.

Toda esta definición es creadas por la historiografía en la que se idealizan las formas y hay una
búsqueda de la belleza como dos únicas formas de aproximación a la estética de Renacimiento.

¿Qué es el Renacimiento?¿cómo lo vieron sus contemporáneos?

Lo que busca el renacimiento es aplicar la regla del arte que viene del clasicismo griego.

Vasari es el que forma el concepto del renacimiento. Sienta las bases de ese estilo que renace y
tienen un acercamiento a los principios clásicos. Para el todo alejamiento era regresión,
refiriéndose al periodo medieval. Para el el Renacimiento era la prima era, iniciada por Cimabue
y tenía por hito a Giotto

Cimabue no sería un artista moderno del Renacimiento, pero puede que podemos hablar de una
transición entre periodos.

19
Para él la obra de Giotto es clave para llegar al
Renacimiento porque intenta buscar las tres dimensiones,
individualiza los gestos y hay una separación por planos.
Aunque no puede ser asimilada al ideario renacentista.
(Lamentaciones por Cristo muerto)

Las vidas de Vasari son un modelo de clasificación del arte,

separando el arte de la artesanía. Artes con mayúscula
dominadas por el diseño que son la pintura, escultura y
arquitectura. Todas están dominadas por el diseño, pues el
dibujo era condición previa a la obra de arte en sí. Todo lo
demás no es Renacimiento

¿Pero todo fue la concepción vasariana?

Al diseño va unido la estética. Creer en la pintura como la más importante de las artes visuales
no es algo que impone el Renacimiento.

¿Cómo se entendía el concepto de creación artística en el siglo XV?

En el siglo XV se valoraban más los componentes que lo estético. Una obra de pincel “tablas
pintadas” valía mucho menos que aquella que empleaba oro o planta, como en los tapices.

Los Médicis gastaron gran cantidad de dinero en paños

En contraposición con Buckhart llegan otros autores que hacen estudios culturales y sobre las
identidades sociales del Renacimiento como Aby Warburg o Johan Huizinga

Hay que desmontar los topos historiográficos del renacimiento italiano que Vasari propuso.

En la visión de Vasari lo importante era Florencia y roma, por lo que surge una teoría propuesta
por Castelnuovo y Ginzburg que tiene en cuenta el centro y periferia de Italia además de
Europa- . sería un esquema valido si se tiene en cuenta que la recepción periférica implica una
reelaboración de los contenidos y que la periferia irradiaba modelos.

El humanismo y la recuperación de la antigüedad

Se busca una vuelta a la antigüedad clásica, relacionado con el humanismo que es una corriente
que recupera la antigüedad poniendo al hombre cono centro del universo. El humanismo y el
Renacimiento están muy unidos

El humanismo arranca en el siglo XIV con Petrarca. Se considera el mundo clásico como algo
propio, escribió epístolas a Cicerón, virgilio, Seneca… el tiempo transcurrido era vano y solo la
antigüedad decía ser tenida en cuenta

20
Recuperación del sofismo. La libertad del hombre, su dignidad y si lugar en el universo coo
temas claves del humanismo

Escuelas italianas del humanismo en el siglo XV

• Padua: Victorino de Felte (1373-1446) se trasladó a Mantua e instruyo al duque de

Urbino
• Venecia. Guarino da Verona (1374-1460)
• Florencia: Academia fundada por Cosme de Medici en la que estuvo Marcilio Ficino
(1433.1499)

Humanismo vs. Renacimiento

El renacimiento como movimiento cultural más amplio con cabida de las ciencias y las artes.
Pero hay intereses comunes

• La antigüedad clásica es la referencia

• La búsqueda de la realidad frente a lo simbólico
• Afán por lo individual y la conciencia del yo

Ambos son reflejo del neoplatonismo, la búsqueda de las opciones que se le presentan al
hombre, que debe elegir entre la vida activa y la vida contemplativa

El gótico internacional busco un mundo fantástico, evasivo y real.

Hacia 1400 Italia comienza a valorar él estudia de la antigüedad sin tener en cuenta lo que se
había formulado en el siglo XIV, sino que se desarrolla una forma diferente que parte de 0, un
arte ex nihilo.

El proceso de recuperación de la antigüedad se produjo copiando literalmente los modelos

clásicos. Ello conllevo dificultades prácticas para llevarlo a cabo.

La idea de florencia como nueva roma llevo a la concepcion libre del modelo clásico.

En esta asimilación se producen copias, elementos que proceden de la antigüedad y se van a

introducir como un nuevo lenguaje. Esto lo podemos ver en la escultura, que se orientó hacia las
citas escultóricas a la identidad con el modelo del pasado al sistema de representación
tridimensional. Donatello o Ghiberti tuvieron un gran repertorio de obras clásicas. En la edad
media también hubo una asimilación del lenguaje clásico, por lo que no es una novedad del
Renacimiento

21
La conclusiones s que las cuestiones formales del nuevo lenguaje fueron resueltas de forma
interdisciplinaria. Resulta imposible configurar un modelo que fuere una recuperación valida de
la cultura de la antigüedad, desarrollada en un espacio cronológico muy amplio. Por lo tanto
todos estos artistas que copian

Cuando hablamos de clasicismo es el pensamiento de los primeros artistas del renacimiento que
calo que entre la antigüedad y ellos el concepto de clasicismo nunca había desaparecido. Se cita
la antigüedad a través de la concepción practica

Hay una evolución del lenguaje, como el trozo de entablamento sobre los capiteles que hay en la
arquitectura de Brunelleschi. también se produce un contraste entre la piedra serena (gris
oscura) y el blanco enlucido de yeso. Por lo tanto se pasa de la cita a la creación de un nuevo
modelo

La arquitectura

Las cortes italianas del siglo XV. Espacios de poder

La corte italiana fue el modelo del desarrollo artístico por Europa donde se desarrolla la
magnificencia. El modelo de corte que experimento el quatrocento fue borgoñés y se sintetiza
en el príncipe de Maquiavelo y El cortesano de Castiglione

Cámara de los esposos que encarga el dique de Mantua

Personajes importantes como los Montefeltro, entre los que encontramos a Federico Dique de
Urbino

COPIAR PEGAR LO DE ALICIA

Los patriciados urbanos del renacimiento

A parte de las cortes, habia familias poderosas en otras ciudades.

Siglo xv. Referencia en los modelos islamicos mezclados con
los clasico. Se da por tofda esuropa, como x ejemplo los Pinelo
en sevilla.

Tambien en sevilla la casa de pilatos, uso de modelos islamicos y goticos. Tb la casa de Dueñas
(pertenece a ala casa de alba)

El arte en el xv no sigue solo un modelo clsico, depende del lugar georgrafico y no por ello es
de menos categoria (según vasari si).

22
Florencia

Consideraca como cuna del renacimeinto

Grabado en madera (xilografía) que forma parte de la Crónica de Wilemberg

La gente que ha tenido la ocasión de ver Florencia…. las grandes proporciones de su

arquitectura y la grandeza de sus edificios, su esplendor y magnificencia, sus esbeltas torres, sus
iglesias de mármol, las cúpulas de sus basílicas, sus espléndidos palacios, sus murallas
almenadas y sus numerosas villas, su encanto, belleza y decoración… se ha quedado asombrado
de sus logros. Leonardo Bruni

Las obras serán financiadas por los gremios, eran los que controlaban el poder de la ciudad. En
total eran 21, destacando el gremio de la lana y de la tela. Era una ciudad organizada en un
sistema gremial. Cada ciudadano contribuía en función de sus ingresos. Cada fábrica, solía tener
además de esto, su ópera. La ópera era el organismo que velaba por la construcción.
Normalmente, eran los propios representantes de los gremios. En estos momentos, Florencia
rivalizaba con Siena. Por lo tanto, estamos ante una ciudad que florece, que emerge. Entre los
proyectos arquitectónicos que tenía Florencia, está la cúpula de la catedral, alejándose de las
estructuras medievales.

En torno a 1418 nos encontramos con una catedral con un crucero sin terminar. Desde esta
fecha, la actividad constructiva era bestial. Tanto para esas puertas como para la cúpula, se
organiza un concurso. Tanto Brunelleschi como Ghiberti eran de formación escultores. Junto al
baptisterio y la catedral, los gremios van a levantar edificios importantes como hospitales:

El hospital de los inocentes. Y además, se inician dos procesos constructivos de basílicas, de

iglesias, una, San Lorenzo, que será la sede de los Medici y por otro lado, Santa Croce. Lo que
estamos viendo es una ciudad rica, con un importante sistema constructivo. Veremos el
comienzo de obras que están asociadas a familias particulares. No hay nada igual, Florencia
estalla desde el punto de vista urbanístico y arquitectónico de las artes.

Florencia era de las pocas ciudades en Europa que tenía sus calles pavimentadas, donde se podía
pasear. Una ciudad que se vive, donde se celebran fiestas, una ciudad rica, próspera…

En Florencia encontramos el palacio de la Signoria con una loggia para las ceremonias públicas,
llego a alcanzar en el siglo XVI 100 mil habitantes y duomo era uno de los mayores de Europa.
también estaba formada por gran cantidad de mercaderes ricos. Una de las principales familias
que se habían dedicado al dinero son los Médicis, que se van a hacer con el control de la ciudad
a partir de 1434

23
 • Silvestrino Medici 1331-1388. Libero la revuelta de los Ciompi, trabajadores de la lana,
llegando a gobernar Florencia hasta 1382
• Juan de Bicci de Medici 1360-1429. Restauró la fortuna familiar, fue uno de los más
ricos de Europa
• Cosme de Medici el viejo 1389-1464. Fundador de la dinastía política familiar y con él
se llega al total de Florencia
• Lorenzo de Medici el magnífico 1449-1492. Dirigente de la ciudad de Florencia durante
la Edad de Oro del Renacimiento

En este entorno, va a destacar el poder de los Medici. El personaje más importante es Cosme de
Medici ‘El viejo’. Sin embargo la más conocida es Lorenzo. Entre Cosme y Lorenzo hay un
personaje importante que es el hijo de Cosme de Medici: Piero. Piero es el que encarga los
frescos para la capilla de los Medici. Juan di Bicci restaura la fortuna familiar.

Brunelleschi.

La propia ciudad le reconoce su valor. ¿Cómo pudo formarse y desarrollarse una personalidad
tan fuertemente en esa época? Ningún artista podía formarse si no entraba en un gremio, lo cual
costaba dinero y había que renovar anualmente.

Sabemos que nació en 1377, en una familia adinerada de Florencia. Para hacer el
oficio artístico se forma en un taller de un orfebre, no tiene formación
arquitectónica. Realizo estudios de matemáticas que le permitieron hacer
construcciones importantes. El primer dato que se conoce de él es que trabaja en el
altar de la Catedral de San Zeno en Pistoia hecho el plata.

En 1401 participa en un concurso para hacer una puerta de entrada norte del baptisterio de
Florencia, concurso en el que gana Ghiberti. Iba sobre el sacrificio de Isaac y el de el era
tetralobulada y no es valorado por el gremio por la creatividad arriesgada

Entre 1401-1404 visita roma junto con Donatello y juntos se interesan por las ruinas de la
antigüedad. Toman medida de los edificios utilizando múltiplos de unidades y no midiendo con
cordel o palo. Entran en contacto con la arquitectura de Vitrubio, a través del latín.

La gran aportación de Brunelleschi es que en 1413 ‘inventa’ esta forma de entender la

perspectiva cónica o lineal: Representar gráficamente sobre un plano un cuerpo tridimensional
proyectado desde un imaginario cono visual (cuyo vértice coincide con el ojo del espectador) y
mediante líneas auxiliares proyectantes (líneas de fuga) que convergen en un punto del
horizonte (punto de fuga). Representa los objetos de forma realista como los percibe el ojo a
través de un ingenio óptico bastante casero. Es un invento que los primitivos flamencos usaros
para la pintura y que el aplico en la arquitectura

24
En el siglo XV no era nada habitual la supervisión del arquitecto. Sin embargo Brunelleschi se
convierte en el supervisor de la cúpula, a pie de obra. Es una arquitectura que va a comenzar un
lenguaje constructivo nuevo. No es romano. Es una interpretación clásica de lo que había sido la
arquitectura toscana. Lo que hace generar una imagen moderna del mundo arquitectónico.
Genera una visualidad según el cuadrado y el círculo, que se repite proporcionalmente
generando el modelo constructivo del edificio.

Es un estilo que una la este lica u la tecina. Demostró tener concomimientos mecánicos
sorprendentes para la época y lleco la idea medieval al espíritu de la antigüedad. Inventa la
ciencia de la arquitectura en perspectiva, demostrando que tenía conocimientos de la mecánica
con máquinas elevadoras y un método de construcción geométrica.
Encargo al arquitecto con personalidad individual frente a la autoridad
anónima de la Fabrica Opera

Las principales aportaciones de Brunelleschi consiste en la

introducción de elementos de vertiente clásica como los fustes de
columnas sin estrías “lisos”, el entablamento cuadrado encima del
capitel y los intradós e los arcos con trenzas geométricas. Tondos circulares que se introducen
en las enjutas

también es muy típica la introducción de bóvedas vaídas como cubrición en la crujías de las
loggias

Techos adintelados en los interiores y abovedados en los laterales

Marcos muy poco pronunciados en las ventanas, pilastras estriadas en el

extremo de las naves

25
una de las grandes aportaciones que realiza Brunelleschi es su capacidad
para desarrollar una serie de técnicas y aparatos

el hospital de los inocentes 1418. C rea una arquitectura en módulos

geométricos donde el cuadrado y el circulo se repiten

concurso de la construcción de la cúpula de la catedral de Florencia con

Ghiberti

Plantas de las iglesias florentinas de Brunelleschi

Las capillas que recorren toda la capa de muro son circulares aunque no se
sabe si realmente lo ideo así

La primera obra que hace es el hospital de los inocentes

A principios del siglo XVI se producen innovaciones en los edificios

hospitalarias en la que participa Brunelleschi. Aquí se dejaba a los niños
huérfanos. El gremio de la seda encarga el proyecto a Brunelleschi.

El edificio se proyecta a través de una galería en donde estamos viendo la

misma idea de las bóvedas de pañuelo. Así, se crean unos espacios

26
perfectamente delimitados, ordenados. Hay una proyección visual y arquitectónica muy
interesante. Si comparamos la loggia del hospital de los inocentes con la loggia del hospital de
san Antonio en lastra a signa, no hay un edificio que se proyecta a un edificio urbano, no hay
columnas de escalinata del templo griego, o si la comparamos con el hospital de san mateo en
Florencia. La distancia que existe entre en columna y columna es la misma medida que toma la
altura de la columna. Ansia de la regularidad y del orden geométrico.

La fachada principal se abre a un espacio urbano en perspectiva con una galería o loggia, un
espacio arquitectónico compuesto rítmicamente con arcos de medio punto concebidos a partir
del modelo del cuadrado.

Este hospital va a articular todo un espacio urbano posterior en la plaza en la que se levanta. Es
la primera vez que un edificio genera un espacio urbano

Ansia de regularidad u de origen geométrico. Hay una

distancia entre columna y columna que es la misma que
a altura de la propia columna

Bóveda vaída o de paraguas o pañuelo. Hay perspectiva

lineal en las bóvedas

A partir del cuadrado se genera toda la arquitectura

El capitel es de ocho volutas

Paralelamente a la construcción de esto se enfrenta a la

cubrición del crucero de la catedral de santa madia de las
flores de Florencia. El problema que planteaba era como
permitir construir una cúpula para un espacio tan amplio.

El concurso lo gana Brunelleschi para cubrir el espacio

central del crucero pero no se sabia con qué medios
técnicos. El cubre ese espacio sin los andamios de madera, creando un sistema de innovación
técnica ya diseñado pero rematado por él.

Antes del proyecto hubo un concurso y arnolfo di cambrio había proyectado una cúpula
conocida por un fresco donde se ve como la catedral se cubre con una cúpula inexistente. Él se
planteó cubrir el espacio con una cúpula sin tambor y con forma semiesférica con los lados muy
curvos. Por lo que este proyecto habría dado con la ruina de la arquitectura.

27
En 1387 se proyecta una maqueta realizada por un grupo de ocho artistas

En 1418 se presenta el concurso y participan 17 arquitectos y lo gana

Brunelleschi quedando Ghiberti como segundo de abordo pero
terminó dimitiendo

Como concibe el proyecto

La importancia se basa en su estructura, con tres elementos clave

• El tambor que es la base que permite que se mantenga el resto

• La cúpula
• La linterna

Además de generar una triple estructura es interesante el cómo la levanta, concibiéndola como
una doble cúpula. Otro elemento importante es que la cubrición se realiza con ladrillo
combinado en una trama d espina de pez. Genera une espacio ligero que pueda soportar

Genera una cúpula apuntada con una estructura doble, emparedando dos bóvedas. Mediante
unos nervios resiste el interior. esta soportado por el esqueleto trabado mediante nervios o
puntos. Se construyen de forma concéntrica y los ladrillos se traban generando una espina de
pez

Genera un ataviaje interno que parte desde el tambor, que permite levantar esta estructura de
forma elevada sin ese gran coste que generaría hacer los andamios desde el suelo.

Cuando Brunelleschi termina la construcción de la cúpula la linterna no está terminada y sigue

Michelozzo con un modelo que dejo Brunelleschi, y toda la decoración del tambor fue hecha
por Baccio di Agnolo. Las pinturas internas hechas por Giorgio Vasari y Zuccari en el siglo
XVI

La linterna es un cuerpo soportado por unas grandes ménsulas que parece un arbotante pero no
llega a serlo. Reparte el peso hacia los nervios, funcionando como una suerte de arbotante para
generar estabilidad

Tambien da el proyecto para que el peso quede bien repartido generando

tribunas en los laterales que hace que el muro quede reforzado.

También debió recibir el encargo de la Iglesia de San Lorenzo, 1418 recibe el

encargo del prior de san Lorenzo para que pueda ser la iglesia de los Médicis,
siendo uno de ellos el posible promotor

28
Brunelleschi trabaja a partir de un modelo, el crucero. Con cúpula sore pechinas interviene
en la capilla veccia. Utiliza proporciones matemáticas. Las naves laterales y las capillas
anexas están cubiertas con bóvedas baídas. A Brunelleschi se debe el
espacio de la sacristía, el resto estaba inconcluso

A través de la planta basilical reinterpreta la arquitectura antigua. A partir

del crucero cuadrado se hace una arquitectura modular repitiendo ese
mismo cuadrado. Con una nave central cubierta con artesonado plano
como las basílicas paleocristianas, y las laterales están cubiertas por
bóvedas vaídas. La nave del transepto también es plana

Fachada no terminada

Lo único que realizo fue el espacio hecho en rojo, por lo que la obra empezó por
el espacio con más espacio se necesitaba que serviría de enterramiento

Naves separadas con una sucesión rítmica de arcos de medio punto

Santa croce con capilla Pazzi 1429

Parece ser que es un encargo de Andrea Pazzi a Brunelleschi en un conjunto medieval que sería
el de Santa Croce, uno de los monasterios franciscanos mas importantes de la
ciudad. En el claustro del monasterio de planta rectangular va a ser donde
conciba el nuevo proyecto. La construcción de esta capilla Pazzi era para que
sirviese de sala capitular, donde se reúne en capítulos la comunidad que sirve
como estructura moderna. Tambien le hizo el encargo para que la familia
Pazzi se reúna, forma de dominar y ejercer poder
sobre uno de los monasterios mas importantes de
la ciudad.

Hoy en día se piena que cuando Brunelleschi

fallece no empezó la obra. El pórtico pudo ser
diseñado por él o por uno de los sucesores del
arquitecto. En el pórtico se han localizado dos fechas, que indican que la obra se concluyó
habiendo fallecido Brunelleschi.

29
La capilla es una estructura que eresponde a la idea del cuadrado, que se divide en tres
rectangulso: un portico, un esoacio de la capilla fromado por un cuadrado cubierto por una
cupula al que se le añaden dos rectngulos cubiertos por bovedas de medio cañon (estructua
que se repite en el portico) y una estructura rectangular con con anexos cubierta por una
boveda que hace de cabecera de la capilla.

La portada este dividida enes espacios cuadrangulares con pilastras que dan mayor sentido
de proporción. Encontramos la misma estructura de friso estriado y otro arriba con estrigilos
con influencia romana. La cupula central sobresale graciosamente con esta suerte de linterna
con óculos o aberturas. Podría haberse cubeirto con un tímpano como el panteón de agripa. Hay
una bóveda bahida o de paragias, misma estructura usada en
el portico de los inocentes. La fachada respode a esta idea
de cuatro rectangulos aureos y la serie fibonacci. En el
interior de la fachada tenemos dos bovedas de cañon
laterales y una boveda bahhida en el espacio central con
veneras

la planta eta concebida a base de rectángilos aureos

las pechinas donde aparecen los tondos y los escudos de la familia Pazzi

santa María degli Angeli, 1434-1437

planta completamente centralizada y el primer

empleo de construcción sobre pilares

lo interesante de esta es la planta centralizada

en un octógono con ocho pilares para sostener
la cúpula. Entre pilar y pilar se abre toda una
rotonda de capillas que en el exterior se cierra
con un muro recto, formando en su exterior 16 lados y en el interior 8

30
a Brunelleschi también se le atribuyen otras obras. Vasari dice que pudo haber dado un proyecto
de palacio para Cosme de Medici que fue rechazado por ser demasiado ostentoso. Palacio
Bardi-Busini

palacio della Parte Guelfa donde podemos ver que la articulación del espacio con ese
artesonado, las pilastras estriadas en las paredes que remite al propio Brunelleschi

Escultura

Brunelleschi

se forma como orfebre y la primera obra que se le atribuye es la

realización de unos profetas en 1399 en el altar de San Jacobo de la catedral de Pistoia

Desafío entre Donatello y Brunelleschi

Brunelleschi incorpora una ligera torsión hacia la izquierda

crea más puntos de vista privilegiados y genera espacio en
torno así, lo que induce al observador a un recorrido
semicircular en torno ala figura. De alguna forma se abriría el
renacimiento a nivel escultórico con esta escultura

Edemas de arquitecto se le atribuyen unos tondos en los que se representa a los apóstoles

Compuestos por la técnica de la cerámica vidriada multicolor. Lo importante de estos

óculos es que están concebidos con una suerte de anteojo y están trabajados en
perspectiva. Presentan los contornos dilatados en curvas y ángulos. En la
representación de esta tetramorfos es la imagen vista en el espacio, espacio como
acción de la figura humana

Concurso de las puertas

Puerta sur Andrea Pisano. Había realizado la puerta sur en 1329. Su estructura es bastante
significativa porque esta compuesta en bastidores con relieves en dos hojas. 28 paneles, los 20
superiores de san Juan bautista y los 8 de abajo tienen escenas de la virtud.

31
Se convoca un concurso para hacer la puerta norte en 1401 convocado por el poderoso gremio
de los mercaderes de tela. Van a participar 7 artistas, pero solo quedan 3: Jacopo della Quercia,
Brunelleschi y Ghiberti. Tenían que representar el sacrificio de
Isaac.

Problema para las siete figuras.

• Problema expresivo. Obliga al escultor a hacer dos figuras

en contraste, victima y verdugo
• Problema narrativo. El ángel se debe mostrar en el momento en el que señala al carnero
y detiene la mano de Abraham
• Problema espacial. también deben mostrarse dos jóvenes con un asno

Brunelleschi añade un niño sacándose una espina

Ghiberti 1378-1455

Nacen en Florencia y se inicia como orífice, es decir, trabajador del oro, una de las
cuestiones que más gusto al gremio para darle la hechura de estad puertas. Trabajo con
Bartolo de Michele y tenía un conocimiento de Italia. Escribió sobre óptica y arte

Realizo la puerta norte entre 1403 y 1424 dividida en 28 paneles dispuestas en 7 filas
de cuatro. Los marcos y jambas estan decorados con hiedras, ramas y frutos, con
insectos y crustáceos con una clara función apotropaica

En las esquinas hay figuras de sibilas y profetas

Las escenas que se representan son del nuevo testamento. La anunciación, ala natividad, la
adoración de lo magos, la disputa con los doctores, el bautismo de cristo, la tentación de
cristo… hasta al crucifixión y resurrección.

En los paneles inferiores se representan santos y evangelistas

32
Al terminar estas puertas el gremio va a quedar muy satisfecho y le encargan otras puertas para
el mismo edificio. Estas estarían inspiradas en el antiguo testamente, recibiendo el nombre de
las Puertas del paraíso (1425-1450. El elemento fundamental que cambia son los paneles
cuadrados más grandes que la otra puerta y
dividido en 10. Prescinde la moldura e integra
toda las escenas en un marco cuadrado, un estilo
maduro y una evolución en la forma de concebir
r estas puertas.

Caín y Abel, Abraham e Isaac , la historia de

Jose, Josué y la toma de Jericó, salomón y la
reina de saba, David y Goliat, historia de moisés,
saul y jacos, historia de Noé y paraíso terrenal,

En los marcos parecen figurillas de profetas y

sabias y bustos

Se mezcla el alto y bajo relieve. Se nutre de

elementos arquitectónicos y la representación de
las figuras, la perspectiva los puntos de fuga
tambien es una forma de asimilar todos los
avances que se estaban danto, introduciéndolos en una sola escena

Puertas del baptisterio coronadas por tres esculturas del Bautismo de cristo de Andrea
Sansovino en 1502

Ni los esfuerzos por crear un espacio arquitectónico ni su voluntad de no apartarse de la

naturaleza hacer de ghilberti un artista renacentista, sería un escultor de transición

33
Realización de la escultura de la iglesia de Dsint Michele, lugar donde acuden
los diferentes gremios representados por un santo titular. Al exterior había
nichos para colocar las esculturas que representasen a estos santos.

Los cuatro santos coronados realizado por Nani do Banco en 1406. Están
realizados en mármol y encargados por el gremio de los maestros de piedra y
madera. En una representación de nicho claramente gótico. El grupo escultórico
esta concedido en un concepto llamado a escutlura-nicho, ya que se adapten a
una estructura semicircular. La figuras resultan muy alargadas para que desde el
suelo parezcan correctas. La representa con resulta bastante austera y se
conciben con una cierta influencia del clasicismo. El rostro la barba y el cabello
recuerdan a la antigüedad romana. Los cuatro santos
coronados están representados con gestos y vestidos que
recuerdan a los retratos imperiales de roma.
Reinterpretación de la antigüedad clásica. La propia
representación en semicírculo recuerda o influye en el
pintor que es Masaccio.

Ghiberti realizo un san matero, un San Juan y un san

esteban. Sabemos que concibe en 1428 y son figuras individuales generadas en un marco
arquitectónico gótico de interpretación toscana

34
Donatello 1386-1466

Sabemos que estuvo activo en Florencia hacia 1403 y aparece como ayudante de Ghiberti.
Trabajó en Pisa hacia 1426 y permanece en Roma entre 1430 y 1433. Paso una larga
temporada en 1443 y 1454 y fue documentado en Siena entre 1457-1461.

Todo esto quiere decir que es un escultor con una actividad d frenética, por lo que tenía un
taller prolífico y que fue capaz de desarrollar distintos tipos de otras

Fue un artista muy versátil, siendo capaz de trabajar el mármol, la madera y el bronce. Fue
capaz de trabajar el monumento sepulcral y el ecuestre. Abordó también el bulto redondo y
el relieve.

Puerta de la mandorla de la catedral de Florencia, al servicio de Nani di Banco

Profeta colocado en la puerta de la mandorla entre 1406 y 1408

También trabajo en el campanile del duomo, pero estas obras atribuidas a Donatello se
discuten su verdadera autoria

Donatello es lo que Brunelleschi a la arquitectura.

Revoluciona la manera de ver la escultura, aplicando la perspectiva en el terreno

escultórico. Tiene una alta capacidad para trabajar el relieve, no copiando el relieve sino
reinterpretándolo. Realiza el schiacciato, un relieve muy plano.

35
Suele colocar en diferentes posiciones el cuerpo y el rostro, queriendo darle dinamismo a la
escultura

San Juan evangelista. Realizada para colocarla en la catedral de

Florencia. Esta en la transición de gótico a renacimiento, por lo que se
un ejemplo del manierismo gótico

Sacrificio de Isaac en el campanile del Duomo, c.1421

• Postura con pierna derecha apoyada sobre un haz de leña

• Movimiento que no se consigue por las vestiduras sino por la
torsión del cuerpo
• Discusión de la autoría de Nani di Banco o Donatello

San Marcos, 1410 en Orsanmichele en Florencia

• Es un ejemplo del manierismo tardo gótico

• Posición de pies que recuerda a los atletas clásicos
• Dos formas de combinar pliegues de esculturas clásicas en una forma
ordenada
• Cabeza toscana tremendamente naturalista
• Pies y manos ejecutadas con detalle

36
San Jorge

Una de las obras más importantes en San Jorge para el Orsanmichele c. 1517.
San Jorge era el patrón del gremio de los coraceros y lanceros

• Destaca su postura por los pies asentados en el suelo

• En mármol
• Enorme plasticidad y gesto seguro
• Es un héroe que busca ser hombre, es representado como uno. Es la
concepción plena del humanismo
• Es una imagen de gran realismo que denota
un gran conocimiento de anatomía humana
• En su rostro se puede percibir la belleza de
la juventud audaz

Anunciación para santa croce, c. 1430

• Encargo para la familia Cavalcanti. Un posible altar para su capilla

• Marco arquitectónico ornamentada
• Detalle de seis amorcillos de terracota que portan guirnaldas en el
frontón curvo. Amorcillos eran símbolos en la funeraria romana
• Realizado en piedra berroqueña y dorado

37
David,, c.1430

• Encargo de Cosme de Medici

• Ubicado en el palacio del avía larga,
el centro del patio del palacio
• Casi de tamaño natural, a medida
humana
• Completamente desnudo con un sombrero de pastor con corona de
laurel
• Borceguíes altos hasta la rodilla, un calzado medieval con bota alta
• Posa la cabeza de Goliat
• Belleza andrógina, ideal, que da paso a teorías de David como muestra
de erotismo homosexual
• La discusión está en que si se realizó antes o después de pasar por Padua
• En el casco de Goliat está representado un carro tirado por unos putis (ángeles).
Algunos lo han querido ver como un sarcasmo porque Goliat quería volver en ese carro
tras la victoria
• Contribuía a la imagen pública de los medicis y la construcción de los florentinos

Judith y Holofernes c, 1454

• Encargo de Piero de medici en recuerdo de su padre Cosme el

viejo
• Ubicada en el jardín del palacio a lo mejor en una fuente
• Realizado en bronce, después dorado. Vaciado de bronce muy
fino
• Es una heroína que enarbola una cimitarra, arma de origen turco
• Estructura piramidal y visión multifocal
• Cabeza de Holofernes donde convergen las diagonales del grupo
• Él desnudo, ella vestida
• Podara haber sido encargada por el símbolo de las virtudes
encarnadas en Judith que acaban con los vicios
• Base de la escultura conformada por un cojín

38
 • En la peana de la base aparecen ángeles bailando

San juan bautista c. 1455-1457

• Encargo para la catedral de siena

• Se fundió en tres partes y le faltaba el antebrazo izquierdo por
insatisfacción de dónatelo
• Iconografía clásica por su vestido de piel y porta un pergamino
en la mano
• Mano derecha en actitud de bendecir
• Cara delgada con los ojos unidos y la mirada perdida
• Figura esbelta

María magdalena c. 1453

• Realizada en madera policromada

• Gran expresionismo. Larga cabellera, ajada piel con la que se viste, boca hundida
• Penitencia, oración
• Barroquismo, recuerda a la escultura helenística de la Vieja ebria

Pulpito exterior de la catedral de Prato c. 1428-1430

• Lugar para exhibir el cíngulo de la virgen maría

• Obra realizada en mármol, mosaico y bronce
• Diseño de Michelozzo de la arquitectura
• Relieves de Donatello. Decoración de putti que danzan como salmos en honor de
maría
• estructura circular formada por 15 ménsulas con volutas
• Parapeto circular apoyado en dobles pilastras

39
Cantoría en el Duomo de Florencia 1433

El duomo necesitaba dos cantorías que se iban a colocar en el presbiterio justo

arriba de las puertas de las sacristías. Donatello realiza una en 1433, colocada
en la entrada de la sacristía de los canónigos. Luca dela Robbia hace la otra en
1431

Ambas se desmontan en el siglo XVII y hoy en día se conservan en el museo de las óperas,
colocadas en frente de la otra

• Estaba destinada para los niños cantores del coro

• Donatello se enfrenta a una obra de carácter escultóricos y arquitectónicos.
• La estructura descansa sobre cinco ménsulas fuertes
• Doble columna
• Todo está cubierto por relieve polícromo
• Todos lis mosaicos siguen unas estructuras de candinieri (candelabro) y luego
elementos clásicos como palmetas o veneras. Hay una asimilación de elementos de la
macroarquitectura que se aplican a esta microarquitectura
• El propio Donatello pudo tener a alguien que le pudo ayudar a concebir esta estructura
arquitectónica
• Los relieves de mosaico también están en las dobles columnas que separan los relieves.
• Toda esta decoración de veneras están insertas en unas estructuras circulares.
• En la parte superior se colocan unos jarrones separados por palmetas o hojas de cardo
• Se desarrolla la estructura de ventrículos y óvolos que se ven en las cornisas de grandes
palacios que aquí se aplican en microarquitectura
• Realizado en mármol
• Ménsulas trabajadas con motivos de escama y en los interiores de las ménsulas se
colocan rosetas
• Roseta diseñada como un elemento pinzante, que cae

40
Tondos para la sacristía Veccia

En la pared en la estructura que cierra la capilla central.

• Se realizan escenas en estuco policromado en el interior de una

estructura pétrea
• Los más interesantes son los situados sobre las pechinas de la
bóveda. Se representan escenas que recuerdan la vida de Juan en
Patmos, la resurrección de drusiana, el martirio y la ascensión
• Además de los relieves realiza debajo de la estructura del medio punto de la bóveda
otros cuatro relieves. Se representan a los cuatro evangelistas
• se integra decoración escultural a la decoración de la
bóveda
• También hizo los relieves de santos en estuco
pigmentado sobre las puertas, en las que aparecen en
un lado san esteban y san lorenzo y en el otro san
Cosme y san Damián

Fuera de Florencia

Pila bautismal de la catedral de siena, c. 1423

• Sabemos que interviene en uno de los seis relieves porque consta un pago
• Es una obra conjunta entre Ghiberti y iacoppo de la quercia
• Consta que en 1425 estaba terminado y que el relieve llego a siena en 1427
• realiza después las figureas de dos virtudes para las esquinas de la pila: fe y
esperanza
• Zacarías en el templo, herodes y la cabeza de san juan bautista
• cada relieve está concebido a través de un borde fino que actúa de ventana
• perspectiva lineal y punto de fuga en el centro con la mesa
• representa las tres etapas del banquete todo en el mismo relieve. Hay
una narración continuada en el relieve.
• Es herodes o Herodías?

Crucificado de la basílica d e Padua 1444

• De bronce. Sabemos que es suyo porque compro a cera para hacer el molde
• Modelado con gran atención a su anatomía
• Corte del tórax marcado, muy expresivo

41
 • Sentido de modelado anatómico con gran detalle, muy humanista
• Modelación al mínimo detalle
• Perizona de bronce posterior que pudo haberse cubierto con un paño textil

Altar mayor de la basílica de Padua

• Se inicia en 1446
• Hay una descripción de los relieves narrativos
• No se terminó hasta 1477
• Es un retablo para verlo por detrás y por delante
• En piedra relieve de cristo muerto

La fama de Donatello en el uso del bronce se extendió por toda Italia, llevando
a que todo el mundo quisiese tener una escultura de él. También trabajo en
Venecia

Monumento Gattamelata para Padua

• Erasmo de narni que ordena en su testamento ser enterrado en la iglesia

de san Antonio de Padua y que en homenaje a sus servicios se decide
levantar un monumento ecuestre
• Realiza una reinterpretación de las esculturas ecuestres clásicas
• El pedestal también es obra suya
• Naturalismo t serenidad. Retrato idealizad que inmortaliza la gloria
• Rostro de un hombre avanzado en años
• Avanza su caballo con la pata delantera como general romano y hay una clara referencia
a marco Aurelio
• Alfonso el magnánimo pode que trabaje para el en Nápoles

Jacopo della Quercaia

Nacido en siena y apodado della Quercia, el roble. Su biografía esta reducida a contratos y
disputas de las obras y hay textos y cartas que nos hablan de su carrera de escultor

Es el artista decisivo en la renovación del lenguaje escultórico. De hecho siendo un maestro tan
importante en el sentido de renovación, no deja de ser paradójico el hecho de que no dejó
discípulos, pero se dice que M.A Buonarroti continua su estilo.

42
Las características de su esculturas

• Un artista de transición que de alguna forma asimila el gusto del treccento y la escuela
de Siena. Han establecido relaciones con Duccio o Simone Martini
• El sentido elegante en cuanto a la expresión.
• Acabo con e estilo antiguo de la escultura anterior
• Sus figuras eran majestuosas y las labro sin torcerse ni desviarse en los gestos
• Sabia pulir el mármol con gran refinamiento

No sabemos nada de su formación pero en 1401 fue al concurso de las

puertas del Baptisterio y fue uno de los tres finalistas aunque su diseño no se
ha conservado.

Una de las puertas que hizo

Sepulto de hilana de carreto

• Noble del linaje de los marqueses de Savona

• Hija del marqués del carreto
• Vestida con una opalanda con cuello chimenea, vestida a la
borgoñona
• Es un sepulcro del tipo tumular donde en la tapa se pone la
yacente. Reposa serena sobre un doble cojín con borlas, muy a la tradición medieval
• Lo que interesa destacar es si bien el yacente puede relacionarse con el mundo
medieval, toda la decoración de la caja es moderna, con puttis alados que portan
guirnaldas enlazadas
• Mármol de carrara.

Fuente frente a la Señoría en la plaza del Campo de Siena en 1408

• Realiza todo el gran parapeto escultórico con perro que echan agua por la boca
• Es una fuente hecha en mármol de carrara blanco y es de gran riqueza

43
 • Decora todo el aljibe, el parapeto, de la propia
fuente. Par ello realiza esta estructura con tres
frentes, el cuarto abierto, y toda la composición esta
centrada en una gran maddona en el nicho central.
Hay nichos que tienen configuración gótica con
gabletes.
• Coloca las siete virtudes
• Dos figuras de bulto redondo de rea y acá laurentia. Identificación con Roma con origen
y siena como ciudad antigua
• Relieves de adán y Eva y la expulsión
• Mix de temas paganos y cristianos
• De la fuente que queda hoy en día es una restauración en su mayoría,
queda la expulsión, la fe, la templanza y rea con Rómulo y remo.
• Hay una diferencia focal entre rea y acá laurentia pero los elemento s y su
disposición a la manera clásica es bastante similar. Combina con elegancia
los elementos propios de la antigüedad clásica

Anunciación atribuida

Ángel en adoración en un tabernáculo gótico

Relieve de San Jorge abatiendo al dragón rodeado de dos escudos de armas realizado
para la biblioteca Malatestiana de Cesena. Atribución porque la manera de encuadrar es
muy de Giacoppo

Santa maría assunta della tomba atribución.

44
maddona atribuida

siendo un escultor bastante prolífico no se conocen discípulos es

sorprendente

tumba de Antón Galeazzo en la iglesia de san Giorgio maggiore en boninia

1435

• virgen con niño entre santos

• en el centro bentivolgiom maestro de Bolonia y sus discípulos a sus lados

tabernáculo de una pila bautismal en siena

decoración de la loggia de mercaderes

relieves de la catedral de san Petronio en bolonia 1425-1435 que nunca se

termina

• disposición basilical donde se intentó cubrir con mármoles toda la

disposición
• relieves de las jambas y el dintel son de Giacoppo

La escultura italiana en el Renacimiento (Ensayos de arte y estudios)

John Pope-Hennessy

45
Della Robbia

Luca della Robbia 1399-1482

Nació en Florencia y se desconoce dónde se formó pero se ha planteado la posibilidad de que se

formara con el escultor Nanni di Banco. En 1432 se inscribió en el gremio de los
maestros de la piedra y la madera. Es uno de los autores de una de las cantorías para
la catedral florentina, donde vemos su capacidad como marmolista. Realmente por lo
que se le conoce y al taller general es por el tipo de escultura en barro que se cuece
que se vidria y luego policroma. Dejó su taller en mano de sus familiares y redactó
su testamento en 1471.

Se pudo formar en la puerta de la mandorla del duomo.

Sabemos que tuvo una obsesión con la escultura realizada por Nanni di Banco, un
san Lucas a gran escala. Se va a convertir en un referente para Luca.

Se especula que trabajo en la asucnion de la puerta della Mandorla pero no tenemos nada con
seguridad

Cuando se le encarga la cantoría colocada en la puerta de la sacristía ya era un artista de gran

reputación c. 1431. Sabemos que en 1434 se inscriben en el gremio. Esto nos permite deducir
que no trabajase con un taller individual hasta a esa fecha sino en conjunto con otros artistas.

La cantoría de Luca della Robbia

• Estructura en mármol
• Cuerpo geométrico sostenido por cinco grandes
ménsulas
• Sentido arquitectónico se asemeja a la línea
arquitectónica desarrollada por Brunelleschi.
• Son escenas separadas por dobles pilastras estriadas
y capitales corintios. Son ocho paneles frontales
cuadrados y uno en cada lateral

46
 • Cada una de las alabanzas de los frisos se relacionan con los relieves, relacionados con
los salmos
Laudate eum in sono tubae. Ángeles tocando la trompeta. Influencia de Donatello
• Textiles con ritmo compositivo, mucho detalle

Tiene una gran capacidad para trabajar el mármol pero se le asocia más al uso de la terracota de
una gran sutilidad

Puerta de la sacristía septentrional del Duomo: La

resurrección 1442

• Primera interpretación moderna de esta escena

bíblica
• Realizado en terracota esmaltada sobre fondo
azul
• también están coloreadas las alas de los ángeles,
las nubes y los ojos de los ángeles y de Jesús.
• Influencia de Brunelleschi

Puerta meridional: relieve de la ascensión

• Influencia de Paolo Uccello y de Ghiberti

• Superficie de la colina vidriada en un verde
grisáceo
• En un verde más oscuro el follaje de las cabezas
• Los parpados y las cejas son azules
• Estilo menos clásico y monumental que la
resurrección

47
Coronación de la Virgen maría en la iglesia de san mauro a Signa

• Cenefas decorativas con cabezas de ángeles y jarrones con

candiliari policromados en verde o azul

Adoración de los pastores en Santa Clara

San juan de la iglesia de la anunciación en Florencia

Madonna del museo del Bargello

Monumento federighi para el obispo de Fiésole en la iglesia de la

Trinidad. Hecho en mármol con la cenefa en terracota esmaltada.

Pintura
Se fija un corpus teórico y muchos artistas empiezan a desarrollar sus propios tratados. El arte
debe ser una mimesis de la naturaleza, una idea de Platón, y debe ser la representación de la
tercera dimensión de forma creíble. Ello va a conllevar un desarrollo de la perspectiva y del
plano que se produce a partir de la obra de estos autores. Hay un interés de estudio de la
anatomía para la representación del hombre en los retratos, lo cual refleja el antropocentrismo
de la época. En realidad uno de los aspectos importantes el pintor se va a concebir como un
geómetra

Gran parte de la invención de la perspectiva se debe a Brunelleschi. Esto queda reforzado por su
capacidad que desarrollo en la construcción de la cúpula del Duomo. Manetti lo confirma

El practico un agujero en la tabla para hacer el punto de fuga y miro la composición por detrás

Brunelleschi aporta una gran aportación que va a tener gran importancia en arquitectura pero
también en la pintura. En 1413 invento la perspectiva cónica o lineal. Represento gráficamente
sobre un plano un cuerpo tridimensional proyectado desde el imaginario cono visual y mediante
líneas auxiliares proyectantes (líneas de fuga) que convergen en un punto del horizonte (punto
de fuga). De esta forma se representan los objetos de forma realista como los percibe el ojo.

Lo que diferenciaba estas nuevas artes de las ultimas es que iban a ser consideradas como artes
liberales, aquellas que iban a aplicar el trívium y al cuadrivium.

Para realizar un dibujo hay que tener un cierto conocimiento científico, pero esto no fue siempre
la realidad. el artista era un geómetra y la geometría sí que era una de las artes liberales, por lo
que los que no usan la geometría no eran considerados artistas lineales.

48
Esto genera a un conjunto de teorías artísticas para la liberalidad de las artes. Alberti dijo que la
pintura es una ciencia regida por la geometría. Leonardo Da Vinci dijo que el cuadro es una
ventana a partir de la cual representar la realidad. la armonía es la condición necesaria para
alcanzar la belleza. Se adopto la frase de Ut pictura poesis, así como la poesía, la pintura, usado
por Horacio. Estos fundamentos matemáticos llevaron a que muchos artistas tuvieran mucho
conocimientos matemáticos

Cuadricula, velo o intersección, una herramienta de Alberti para facilitar el trabajo a los menos
hábiles. La cuadricula es un sistema de referencia para la pintura a través de las proporciones
que aparecían en ella

Algunos ejemplos

Andrea del Castagno La última cena

Pintura al fresco en la que hay una escena que transcurre en una caja que es
percibida desde el plano del lienzo. El propio Alberti en su tratado dice que
primero se dibuja un rectángulo y luego determina cuan grandes quiere que sean
los hombres, dividiendo la longitud de los hombres en tres partes, que
proporciona con la medida que el vulgo lama Braccio

Giorgione

Retrato de un joven atribuido a c. 1505

• Se genera profundidad a través de la luz y del color

• El fondo es neutro y esta generado mediante manchas de color
• No existe un espacio arquitectónico, este se disuelve representando este
fondo
• Uso del recurso del pretil como medio ilusionista para crear profundidad
• Sombras que proyecta el brazo en escorzo sobre el pretil, creando una
gran profundidad
• Luces y sombras que modelan el rostro

Gentile da Fabriano

Adoración de los magos de, 1423

49
 • Tabla deudora del gótico por su estructura arquitectónica
• Obra encargada por Palla Strozzi el hombre más rico de Florencia
• Obra tradicional gótica deudora de la tradición veneciana medieval
• Empleo excesivo del oro que aleja de la realidad la escena
• Gran modernidad pro los caballos colocados en escorzo y figuras
que marcan un espacio tridimensional
• En la escena de la Predela Strozzi encontramos el primer nocturno
de la historia donde la iluminación procede de un único foco

A principios del siglo XV toda la pintura tradicional se mantuvo en el

naturalismo desarrollado por Giotto. Los que promovieron las variantes obre este modelo son
Lorenzo Mónaco y Gherardo Stranina

La obra de Giotto es clave para llegar al renacimiento, aunque su figura no puede ser asimilada
al ideario renacentista pero no huno un artista mayor en el siglo XIV

Giotto fie un pintor al que los artistas posteriores hicieron evolucionar.

Lorenzo Mónaco,

Coronación de la virgen 1414

• Enfatización de volúmenes y definición espacial que había apuntado

Giotto+figura de cristo y la virgen que intentan ofrecer solidez en sus
cuerpos: detalle del brazo de Cristo
• Edículo que le rodea y profundidad espacial que intentan generar
cierta profundidad espacial
• Gótico internacional: ángeles con aire arcaizante, colores artificiales y
dorado que contradice

Retablo de Fray Bonifacio Ferrer dentro de Cuadrifolio de Stranina

50
Alguna genialidad de Siena inspirado por Duccio. Stefano di Giovanni “dit” Sasseta

Retablo de borgo san Sepolcro

• Retablo encargado para la iglesia de san Francisco de

Borgo san sepolcro, en la región entre Umbría y
Toscana
• Retablo para el altar mayor y conmemorar la muerte
de un franciscano rainieri rasini
• Sasetta se hace con la obra por el precio de 520
florines
• Retablo de doble cara: la virgen y san francisco como
tablas centrales
• Representación de otros santos
• 7 historias de la vida de san francisco

Cambios que se van a ensayan en el centro de Italia, especialmente en Florencia donde la

pintura va a tener un gran desarrollo.

Masaccio (1401-1428)

Se llamaba Tomasso di ser Giovanni di Mone Cassai y no vamos a ver un desarrollo, madurez y
etapa final porque muere muy joven. Son obras de un periodo de unos 7 años pero muy
importantes.

Su gran aportación fue romper con las tradiciones del gótico internacional, a la misma altura que
el arte renacentista. Genera un nuevo lenguaje que entiende la pintura de una forma diferente. El
Renacimiento en la pintura comienza con esta figura, primer autor en cuyas producciones
encontramos las concepciones modernas.

Claves de su pintura

• Ruptura con los convencionalismos del gótico internacional como el pan de oro y los
marcos arquitectónicos
• Pintura basada enteramente en los principios de la geometría que parten de la
concepción de Brunelleschi.
• Estudio armónico d las proporciones en sus composiciones
• Análisis de la incidencia de la luz sobre los cuerpos: volumen
• Recuperación de los modelos clásicos como emulación no como imitación

51
¿Cómo pudo Masaccio interrumpir en el panorama con sorprendente novedad? En realidad el
aprende de las enseñanzas de Brunelleschi y de elementos desarrollados en la escultura como en
el Estudio para el San Jorge realizado por Donatello.

Nació en el año en el que Ghiberti gano el concurso de las puertas. Se quedo huérfano. Cuando
inicio su actividad apenas había obras del nuevo estilo, pero se relaciona con Donatello y
Brunelleschi los cuales habían ido a roma y conocían la perspectiva. Se ha planteado la
posibilidad de que fuese autodidacta pero al llegar a Florencia entre el 1417 y 21 se adentra en
el debate de la asimilación de las formas de la antigüedad y tiene contacto con otros artistas.

Cuando él llega a Florencia con 16 años y se sabe que se inscribió en el gremio de médicos y
especieros. ¿Ejercía ya como pintor autónomo? Puede ser

Sabemos que visito roma en dos ocasiones, falleciendo allí.

Adoración de los reyes, Masaccio, Pisa, 1426

• Escena de la ofrenda de los reyes magos. Se representa

como un cortejo ciudadano con elementos religiosos,
introduciendo un ideal cívico.
• Su pintura inicia su proceso de secularización de la
pintura, característica del humanismo
• Los caballos en escorzo: sentido de perspectiva
• Dimensión naturalista y humanizada del fondo del paisaje

Toda su producción es muy anti Gentile da Fabriano, una ruptura con el gótico internacional.

No sabemos nada de su actividad hasta 1422, año en el que conocemos su primera pintura. Es
un tríptico conocido como el de San Juvenal de Cascia. Hay un intento por recuperar algunos
aspectos introducidos por Giotto

• Ordenación compositiva
• Valores de monumentalidad
• Expresividad psicológica de rostros y miradas

Tríptico de san Juvena de Cascia 1422

52
 • Temple sobre tabla con arcos apuntados
• San Bartolomé con un cuchillo, san Blas que es un obispo, san Juvenal
• Capacidad para representar volumen e individualizar rostros
• Pan de oro que usa de fondo y el tratamiento de los paños obedecen al gótico
internacional pero la monumentalidad del niño Jesús, la perspectiva del trono clásico es
lo que permite señalar que esta dentro de la modernidad.
• Hay inscripciones latinas en el marco de la composición donde aparecen los nombres de
los representados. Es una inscripción humanista

Se había pensado que se había influido por Masolino da Panicale, pero hoy se cree que es al
revés. Lo que está claro es que hay una colaboración conjunta al final de la obra de Masaccio

Santa Ana, la virgen y el niño con ángeles, 1424-1425. Posible colaboración de masolino da
Panicale con Masaccio

• Temple sobre tabla

• Realidad antes del viaje de masolino a Hungría
• Masaccio pudo hacer la figura de la Virgen por su posición, el niño por si
monumentalidad y el ángel de la derecha por su posición
• La cabeza de santa Ana no se sabe quién lo hizo.
• Modelo clásico la figura del niño que acentúa la corporeidad y volumen
• Ángeles en sistema compositivo tradicional escalonado, posiblemente de Masolino
• Luz que subraya volúmenes, una novedad masachesca
• Organización en perspectiva del trono

53
 • Sitúa el punto de fuga en el centro en la mano de Jesús, influencia de
Brunelleschi

Retablo de Pisa 1426, trabajo de 10 meses

• Encargado por Giuliano di Colino para una capilla de la iglesia del Carmine
en Pisa
• Conjunto alterado desde antiguo hoy en diversas colecciones
• Conocemos un conjunto de tablas
• Virgen con el niño
- Elementos modernos: Angeles no colocados de forma escalonada,
trono clasico con perspectiva, volumen que acentua as figuras, uso de un
lenguaje formal, tratamiento de los paños evolucionado
- Elemento no moderno: pan de oro forma apuntada
• Calvario
- Tabla que coronaba el retablo
- Posible añadido posterior de la imagen patetica de Magdalena
- Detalle del arbol de la vida sobre la cruz, leyenda dorada
- Ale star enuna posicion elevada se hace a cristo como sin cuello pero es que el
artista tiene en cuenta que el retablo esta elevado por lo que ha yun
apreocupacion por la perspectica
- Alusion al gotico internacional en el pan de oro de fondo. Tradicion
medieval ¿
• Paneles ocn figuras de snatos
- Santos renacentistas
- Figuras sobre oro
- Mnumentalidad de las figuras, influencia de donatello
- Claro naturalismo

La trinidad, santa maría Novella, Florencia 1426-1428

• Pintura al fresco, mas fácil de realizar y barata

• Sobre el muro

54
 • Encargo de alessio strozzi
• Cristo crucificado, dios padre detrás y el espíritu santo (trinidad), san juan y la
virgen, y las figuras de los donantes pero se les distingue mal
• Representación de una arquitectura figurada con perspectiva, convirtiéndolo
en un espacio de engaño al ojo. dala sensacion de que se trata de una
representacion real. Muerte, vida, gloria y lo divino
• Es una prolongacion del espacio real con la arquitectura perfectamrne
representada. Aco de medio punto, capitales con volutas, casetones, como si el
muro se perforara
• Individualiza a las figuras
• Abandono del paño de oro.
• Considerada la primera pintura de la moderndidad
• Abajo sse pinta un altar con un esqueleto con una
inscripcion que dice Yo fui antes lo que vosotros
sois, y lo que soy ahora lo sereis vosotros
mañana (memento mori)

Capilla Brancacci en la iglesia del Carmine en Florencia

A la derecha del transepto y dedicada a la virgen del

Popolo. Esta capilla pertenecía a los Brancacci desde
1366 y Felipe B sería el que encargó las pinturas de la vida de San Pedro.

• Fueron ejecutadas por Masaccio y Masolino

• Hubo pintura en lunetos y bóvedas desaparecidas en el siglo XVIII
• Felipe parece encarnar la figura de san Pedro, por primera vez en la pintura aparece este
fenómeno de encarnación
• Los frescos no arrancan desde el suelo sino que hay una bancada de mármol que sirve
de protección.
• Llama la atención la forma en l que se colocan las
escenas que siguen un orden narrativo relacionado
con la vida de san Pedro además de otras escenas
como el pecado original
• Croquis de los laterales de los muros según la
propuesta de Berti y lo que realizo cada pintor: las

55
 mayúsculas a Masaccio y las minúsculas a Masolino (excepto la A que es una
colaboración entre los dos)
• Como su fuese una moderna narración de comics, a la manera de cuadros trasladados al
muro (quadri riportati)
• Se inicio en 1424 y Masaccio habría colaborado hasta 1428 ya que
muere
• Pudo demorarse debido al destierro de su comitente
• Todo el ciclo es la vida de san Pedro.
• Muro izquierdo
- Comienza con la expulsión de Eva en el paraíso. Primer desnudo, Adán no es
púdico pero Eva sí. Se representa porque el manejo del dinero es condenado por
la iglesia, por lo que hay que emplearlo en obras piadosas
- Tributo de la moneda. Dentro de la misma
escena tres elementos narrativos con el pez, el
tributo
- San Pedro visitando en la cárcel a san Pablo
(Masolino). Vestidos a la manera
contemporánea
• Frente
- Predicación de san pedro de Masolino
- San pedro Cura con su sombra. Arquitectura Florencia contemporánea y clásica
- El bautismo de los neófitos
- Distribución de bienes y muerte de anaías
• Lado derecho
- La curación del lisiado y la resurrección de tabita
- Paraíso terrenal Masolino
- Crucifixión de Pedro y disputa con simón mago Masolino
- San pedro liberado de la cárcel Masolino
• Son evidentes las citas de modelos de la esculturas clásicas en algunas figuras del
tributo
• Genera representaciones en perspectiva con sombras y volumen
• La transformación de la ciudad se plantea como una alteración capaz de producir un
nuevo efeto figurativo, generando una nueva concepción pictórica

56
Paolo Uccello 1397-1475

• Se formo en el taller con Ghiberti de 1407 a 1412

• Consta que paso una temporada en Venecia y trabajo en Florencia al servicio de los
Medici
• Trabajo en Padua en 1444
• Experimentación con la perspectiva y la geometría, muy importante para los pintores
del siglo XX
• Organización clara de los colores
• Figuras con movimiento
• Acentuación del volumen y los escorzos
• Horizonte muy ligado a la cultura tardogótica
• Efecto fantástico con cielos y fondos oscuros
• Figuras luminosas bloqueadas en posturas antinaturales

Detalle de caza de Paolo Uccello

Tres tablas de la batalla de san Romano (Londres, Uffizi y Louvre)

Para ser expuestas en el palacio de los Medici con una

representación casi política para demostrar el poder y la
magnificencia. Cuando los medicis son expulsados el palacio de
Cosme acaba siendo expoleado y las tablas se dispersan.

Se representa en una batalla a modo de torneo, algo que en la Edad Media y Moderna era muy
importante y era un pasatiempo. Los caballeros son los
protagonistas y están representados con sus mejores galas frente a
un paisaje con escenas cinegéticas.

Características técnicas

• Tablas de álamo verticales unidas revestidas de tiras de tela

y yeso
• Se señalo los contornos con incisiones grabadas con estilete en yeso
• Pigmentos ligados con yema de huevo al temple
• Hojas de plata y pan de oro con gradados en estilete y buril
• Yuxtaposición de colores brillantes
• Tonalidades de los caballos azules y rojos que fueron una crítica a Uccello porque
disociaba el color de los elementos representados.
• Hierba y follaje se han ennegrecido

57
 • Fuertes diferencias de tonalidad debido a restauraciones sufridas

Composición. Lo mas importante es que destacan de las tres versiones las figuras de los
condotieros. Los paneles construidos sobre el mismo modelo compositivo. Un caballero siempre
ocupa la posición central, los caballos están en diferentes posturas y escorzos y rodeados a
derecha e izquierda por dos grupos compactos.

Representan la batalla de san Romano en 1432 donde siena y Florencia se enfrentaron

Los protagonistas que se representan son Nicolo da Tolentino, Bernardino della Ciarda y
Michelotto da Contignola en cada cuadro

El comitente es Cosme de Medici, expulsado en Florencia en 1433. Tolentino muere en una

batalla y es considerado un mártir por la causa de los Médicis. En 1435 encarga a Paolo Uccello
los tres paneles de la batalla

Estarían colocadas bajo lunetos y arriba tendrían unas pinturas anexadas

En 1494 se mutilan los blasones de las tablas y cuando regresan los medicis vuelven a recuperar
los cuadros. En 1750 los cuadros son vendidos. Solo uno de los paneles se quedó en florenica

Sus pinturas son un interés moderno porque era aun apasionado de la perspectiva que mezclaba
costumbres antiguas con teorías modernas

San Jorge y el dragón, Paolo Uccello, c. 1456, temple sobre tabla

El milagro de la hostia consagrada c. 1467. Representación de un punto de

fuga único

Profundidad escalonada en sus cuadro

Posiciones insólitas

Representación de las distintas fases del gesto

Picas en posiciones diferentes que crean una composición cinética

Monumento a sir Jhon Hawkwood de Uccello 1436

Al fresco en la pared

58
Andrea del Castagno 1410-1257

Nació en 1401 y fue llevado a Florencia como aprendiz del taller de los Médicis. Tuvo encargos
raros como ahorcados en la fachada del palacio podestá.

• Domino perfectamente a las dificultades del arte y las del dibujo, pero sus colores
fuertes y crudos disminuyen su valor y gracia. Destacaba porque es capaz de dotar de
movimiento a sus personajes y dar una expresión inquietante a sus rostros casi griego
con el pathos.
• Otorga volúmenes a las figuras y somete a los cuerpos a la perspectiva.
• Reformaciones geométricas como objetos de un espacio dotado de profundidad.
• Aplica el naturalismo del queattrocento.
• Arte poderoso y expresivo
• Sin refinamientos sentimentales

Última cena de Castagno

Gesticulación y sentido de perspectiva

Pipo Spano de Castagno, tempera sobre tabla, c. 1448

niccolo da Tolentino ce Castagno, c. 1456

59
Tema 3. El arte de Florencia en la segunda mitad del siglo XV
El canon Brunelleschiano
Su forma de entende3r la arquitectura se convirtió en un canon a seguir. Se desarrolla en un
tiempo y sus contemporáneos van a tener una concepción más amplia y teórica que genera una
nueva forma de entender la arquitectura. En los diversos centros artísticos de Italia surgieron
nuevas formas de construir no precisamente uniformes. No será hasta el siglo XVI cuando se
muestre una tendencia a la uniformidad con el llamado estilo clásico que usa el lenguaje de la
antigüedad de forma canónica. en Florencia se crea un modelo que luego aposto soluciones
propias

Principal representante del corriente estilística:

Michelozzo di Bartolomeo (1396-1472)

Genera un prototipo de edificio que se va a convertir en un modelo.

En 1410 se alude a él como troquelador de la ceca de Florencia. No se conoce nada de su

aprendizaje como escultor ni como arquitecto pero se sabe que colaboro con Ghiberti y
Donatello. Entro a trabajar bajo los servicios de Cosme de Medici.

Es autor de un palacio de un modelo para la casa de Cosme de Medici que es el palacio Medici-
Ricardi terminado en 1444. Es un proyecto en el que está implicado Michelozzo. Lo que
caracteriza el modelo de palacio o de casa florentina es una arquitectura potente, forma una
suerte de cuadrado con unas fachadas potentes vistas y que en su mayoría suelen verse cuatro.
Tiene la particularidad de inspirarse en el modelo del palacio de la signoria, edificio medieval
de arnolfo di cambio. Tres pisos con estancia principal y una superior.
Lo más característico es que toda la fachada tiene el lenguaje de la
antigüedad. Desarrollo del almohadillado de la piedra que recubre.
Llama la atención el conjunto de ventanas bíforas de arco de medio
punto, aunque a veces eran con arcos ojivales.

Había una loggia como elemento de representación pública.

60
Se culmina con un alero o entablamento con decoración clásica. Un elemento fundamental es la
separación entre las plantas con un friso donde se decora con una estructura de dentellones. No
es un modelo simple.

Almohadillado rustico y luego en otros niveles más desarrollado

Estructura de den telones, dentículos y óvolos. Ménsulas con metopas

donde se desarrollan rosetas

Modelo de palacio cubo siguiendo modelo de la casa romana todo se

articula en torno a un patio central donde se articulan los espacios
centrales. El lenguaje arquitectónico del patio evidencia un claustro
con bóvedas de arista que remite a la arquitectura de Brunelleschi. El
edificio tiene una decoración que no obedece al tiempo original de
Michelozzo.

Sistema geométrico en la estructura y había una salida hacia un jardín exterior

Michelozo diseña todos los artesonados del palacio

Este palacio va a generar un modelo que se va a perfeccionar y que va a tener replicas en

Florencia siguiendo este modelo de Michelozo como es el palacio Strozzi en 1489 que no se
sabe quien es el arquitecto. Se ha planteado la posibilidad de que fuese Giulano de Sangallo.

• Almohadillado en las tres plantas

• Sistema de ventanas bífidas con reborde almohadillado. Ventanas en el primer piso
cuadradas
• Puerta principal de acceso a un patio donde se distribuyen las plantas

Palacio Pitti, 1457, ¿Brunelleschi?

León Batista Alberti 1404

diseño el palacio de Rucellai. Lo que diferencia el modelo de Alberti respecto al

de Michellozo es que incorpora los órdenes arquitectónicos en la fachada.
Alberti copia la arquitectura romana como en el coliseo de roma, por lo que
debió estar allí. Las columnas salen de un basamento con una decoración que
recuerda a la arquitectura romana.

61
Es un arquitecto con unos conocimientos humanistas en un sentido amplio por su educación.
Trabajo en el contexto Florentino y también en diferentes cortes

Escribió el tratado de Re aedificatoria

Los problemas de su arquitectura

• El enfoque de la antigüedad no es una copia sino que es un origen mas teórico que se
vertebra en los órdenes arquitectónicos
• Concibe la arquitectura como una arte independiente
• Fue más un diseñador o un teórico, no hay pruebas de que estuviese participando en la
obra

Fachada del convento dominico de Santa María Novella 1456-1470

Llama la atención de generar un modelo de fachada telón que cubre un edificio de

estructura gótica usando el contraste de mármol de carrara y de pietra serena.

Frontis griego, ménsulas grandes con decoración geométrica que oculta el carácter
gótico del edificio.

Entrada principal como si fuese un arco de triunfo. Encargo de Rucellai

Alberti trabaja con diferentes colaboradores, uno de ellos rosselino, que

trabaja para el papa y por orden de este transforma el Palacio Piccolomini

62