Historia de la música

✓ La canción
Las tendencias descritas anteriormente son evidentes en las canciones de la época.
La unión de voz y piano era el medio preferido, pues ofrecía una amplia gama
expansiva. Los textos eran por lo general poemas estróficos y las palabras tenían
que escucharse, compuestas en su mayor parte con una nota por sílaba. Las canciones
iban desde las composiciones sencillas con acompañamiento de acordes y la misma
melodía en cada estrofa gasta los dramas en miniatura, elaborados y transpuestos,
en los que el acompañamiento lidiaba de importancia con la voz. Solo con
posterioridad en el siglo se desarrolló una línea divisoria entre las canciones
populares.
El repertorio más influyente y prestigioso de la canción del siglo XIX fue el Lied
alemán. El lied fue en muchos aspectos la quinta esencia del género romántico: una
fusión de música y poesía, centrada en la expresión de sentimientos individuales.
Otra tradición significativa fue la canción de salón británica y norteamericana.

◦ El Lied
El lied romántico se apoyó en la importante tradición del siglo XVIII. La
popularidad del Lied creció después de 1800. El número de colecciones de canciones
alemanas publicadas aumentó desde una al mes a finales del siglo XVIII a mas de 100
al mes en 1826. Los cambios en la poesía anticiparon los cambios en el Lied. Los
poetas extrajeron elementos de la tradición clásica y de la folclórica. Un tema
frecuente consistía en la confrontación individual con las grandes fuerzas de la
naturaleza o de la sociedad.
El género poético principal continuó siendo el poema lírico, un poema breve y
estrófico sobre un asunto que expresaba un sentimiento personal o un punto de
vista. Los modelos fundamentales eran los poetas líricos de Grecia y Roma antiguas,
como Safo y Horacio. Tanto los poemas líricos mas antiguos como los versos
folclóricos estaban pensados para el canto, y por la poesía escrita como imitación
de los mismos era ideal para la composición musical, con frases breves, y compas y
ritmo irregulares.
En la segunda mitad del siglo XVIII, los poetas alemanes cultivaron una forma
nueva, la balada, como imitación de las baladas folclóricas de Inglaterra y
Escocia. Las baladas hacían alternar la narración y diálogos y hablaban
generalmente de aventuras románticas o incidentes sobrenaturales. La balada
extendió así el genero del Lied en su forma y en su contenido emocional. El piano
se elevó y traspasó su función de ser un acompañante hasta equipararse a la voz a
la hora de ilustrar e intensificar el significado de la poesía.

◦ Franz Shubert

Shubert escribió mas de 600 Lieder. Puso música a poemas de muchos escritores.
Cuando Shubert escribía una canción, se esforzaba por poner la música al nivel del
texto y evitar que fuese un mero marco.
Shubert escogió siempre formas que se adecuaban a la configuración y al significado
del texto. Cuando un poema mantenía una única imagen o estado de anímico, Shubert
solía usar la forma estrófica, con la misma música para cada estrofa. El contraste
o el cambio se representan mediante una forma estrófica variada. Algunas canciones
emplean la forma ternaria. Las canciones narrativas más extensas pueden ser
transcompuestas, con música distinta en cada una de las estrofas. En ambos casos
los temas recurrentes y un esquema tonal cuidadosamente planeado confieren unidad
al Lied.
Muchas canciones utilizan las cualidades simples y aparentemente toscas de la
canción folclórica para sugerir un ambiente rural o sentimientos sin
complicaciones. Otros están imbuidos de dulzura y melancolía o son declamatorios y
dramáticos.
La figuración se adecua siempre al carácter del poema y a la personalidad de su
protagonista. El acompañamiento refleja a menudo una imagen del poema,
especialmente una imagen del movimiento.
La armonía refuerza también la poesía. El sencillo Das Wandern utiliza solo cinco
acordes diferentes. En otros lieder subraya enérgicamente las cualidades dramáticas
del poema mediante complejas modulaciones. Su predilección por las relacionas
armónicas inusuales refleja su uso de la armonía como técnica expresiva.
El dominio por parte de Shubert de todos estos elementos es evidente en Der
Lindenbaum.
La capacidad de Shubert de captar el estado anímico y el carácter de un poema y de
convertir la música en su igual en lo referente al poder emotivo y descriptivo ha
contribuido a que las canciones de Shubert sean muy queridas. Sus lieder alcanzaron
un nivel que los compositores posteriores de canciones se esforzaron por igualar.

◦ La música para piano

Si la canción fue el medio mas popular del siglo XIX, la música para piano no le
iba a zaga. Las obras para piano servían a 3 propósitos (la enseñanza, el disfrute
amateur y la interpretación en público). La primera categoría incluía estudios
escalonados según el grado de dificultad. La segunda categoría abarcaba danzas,
piezas líricas que siguen el modelo de la canción, piezas de carácter y sonatas. La
tercera categoría comprendía piezas de bravura para virtuosos. Es típico de la
época el que muchas piezas tengan mas de una función, las piezas para amateurs se
utilizaban en la enseñanza. Chopen y Litz fueron pioneros en componer etudes dignos
de ser interpretados en concierto y muchos interpretes de conciertos incluían
sonatas y pequeñas obras líricas en sus programas.

◦ Schubert

Las obras de Schubert para piano más importantes y de mayor duración son sus once
sonatas completas para piano y la fantasía Wanderer. Los cuatro movimientos de la
fantasía se tocan sin interrupción entre ellos y combinan la forma general de una
sonata de 4 movimientos con una variación constante de una figura rítmica tomada de
una frase de la canción Der Wanderer.
El esquema global de la tonalidad refleja el interés de Schubert por las relaciones
armónicas de tercera: Los movimientos están en Do, Mi, La bemol y Do mayor
respectivamente.
En sus sonatas se enfrento a las contradicciones entre su estilo inspirado en la
canción y las exigencias de la sonata. Por regla general, sus temas son melodías
expansivas que no dan lugar por si mismas a un desarrollo motívico, reaparecen en
atmósferas diferentes que sugieren nuevos significados. Sus movimientos en forma de
sonata utilizan a menudo 3 tonalidades en la exposición en lugar de dos. Algunos de
sus movimientos lentos son particularmente cantables y se asemejan a impromptus.
Sus tres ultimas sonatas muestran un gran conocimiento de Beethoven pero el estilo
lírico de Schubert esta siempre presente. La sonata en si bemol mayor se inicia con
una larga melodía cantable. La formulación schubertiana de la forma sonata tuvo una
notable influencia en los compositores posteriores.

◦ Robert Schumann
Las publicaciones de Schumann hasta 1840 fueron todas para piano y contienen su
principal música para piano y contienen su principal música para este instrumento.
La mayor parte de sus composiciones para piano consisten en breves piezas de
carácter, agrupadas con frecuencia en conjuntos con nombres muy victoriosos, como
Papillons, Carnaval… Pequeñas piezas atractivas para los niños formaron el álbum
para la juventud.
Los titulos asignados por Schumann a sus piezas dan a entender que deseaba
estimular la imaginación del intérprete y el oyente y sugerir posibles significados
para los efectos inusuales. En Carnaval conjuró un baile de máscaras para la época
de carnaval a través de veinte piezas breves en ritmos de danza, cada una de las
cuales lleva el nombre de una danza, una figura disfrazada o un conocido que
participase en el baile. Los títulos de los movimientos evocan imágenes visuales y
emocionales que contrastan vivamente entre si, es una fantasía ensoñadora con un
bajo lento, no bailable y cromático bajo una melodía curvada en setecillos.
Florestán, es un vals rápido y apasionado, lleno de melodías angulosas, pulsantes
disonancias y sforzandi sobre los tiempos débiles. Cada uno de estos movimientos
permanece como un fragmento, como muchas de las canciones y piezas para piano de
Schumann.
La música de Carnaval podría verse como cumplimiento de un programa sugerido por
los títulos. Pero es más cercano a la intención de Schumann el ver los títulos como
modo de estimular

◦ Mendelssohn

Uno de los compositores románticos más destacados fue Felix Mendelsohn. Fusionó
influencias de Bach, Handel, Mozart, Beethoven y de sus propios contemporaneos en
una música que combinaba la habilidad del contrapunto y la claridad formal con la
expresión romántica. Mendelsohn ponía de manifiesto una técnica fluida junto a una
demostración de bravura. Preferían el antiguo estilo de virtuosismo típico de
Mozart y Clementi al nuevo virtuosismo de su época. Sus obras para piano de mayor
duración comprenden tres sonatas, variaciones y fantasías. Sus siete piezas de
carácter, publicadas en 1827, contribuyeron a introducir este término y a definir
el género.
Las obras para piano mas conocidas son sus Lieder obne Worte, 48 piezas agrupadas
en ocho libros. En la primera canción la similitud con el Lied es inmediatamente
evidente. El hecho de tener que cubrir con dos manos las tres líneas plantea
interesantes problemas pianísticos.
La pieza explota la capacidad del piano para responder al toque cambiante del
pianista, mas fuerte en la melodía y en el bajo, más suave en el acompañamiento. La
pieza presenta una melodía encantadora y un interesante acompañamiento que
transmite un estado anímico característico. Las canciones sin palabras son buen
ejemplo de la creencia de Mendelssohn de que la música expresa sentimientos que las
palabras no pueden expresar.

◦ Chopin

Compuso casi exclusivamente para piano. Toda su producción comprende unas

doscientas piezas para piano solo, seis obras para piano y orquesta compuestas para
sus apariciones en concierto como joven virtuoso, unas veinte canciones y cuatro
obras de cámara. Los géneros que cultivó abarcan desde el estudio, asociado a la
enseñanza, y los tipos adecuados para amateurs, como danzas y nocturnos, hasta
obras mas largas y exigentes, como baladas, scherzos y sonatas.
Chopin escribió veintiséis estudios en total. Puesto cada uno suele orientarse a
una capacidad específica y desarrolla una única figura. Los estudios de Chopin
fueron los primeros con un contenido artístico significativo y como tales se
interpretaron a menudo un concierto, pioneros del género “estudio de concierto”.
Los veinticuatro preludios de Chopin agotan todas las tonalidades mayores y
menores. Son breves imágenes anímicas, menos exigentes que sus estudios.
Los valses, mazurcas y polonesas de Chopin se compusieron usualmente para sus
alumnos y estaban dedicados a éstos cuando se publicaban. Todos manifiestan un
extremo idiomatismo del piano en su figuración y en su digitación. Los valses y
mazurcas, aunque sólo moderadamente difíciles, demostraban la habilidad del
aficionado mediante pasajes brillantes. Parte del genio de Chopin consistió en
encontrar maneras de escribir música que incluso los intérpretes de limitada
pericia pudiesen interpretar con satisfacción y sensación de logro.
Sus valses evocan los salones de baile de Viena, pero sus mazurcas y polonesas
están imbuidas del espíritu de Polonia. Las polonesas son danzas en compás de 3/4,
a menudo marcadas por una figura rítmica de una corchea y dos semicorcheas. Chopin
fue mas allá de la polonesa estilizada de la época de Bach para afirmar una
identidad nacional vigorosa y en ocasiones militarista.
La mazurca era una danza folclórica polaca que en la época de Chopin se había
convertido en una danza urbana de salón. La melodía, de estilo instrumental y no
vocal, expone elementos que sugieren el exotismo de la música folclórica polaca e
incluye trinos, adornos, grandes saltos y ligaduras. Si se interpreta
correctamente, el tempo es desigual, pasa rápidamente por el ascenso inicial y
permite después un tiempo adicional para los sforzandi. El rubato marcado indica
una leve anticipación o retraso de la melodía en la mano derecha mientras el
acompañamiento continúa en el tiempo estricto.
Los nocturnos son breves piezas emotivas con melodías bellas y ornamentadas sobre
sonoros acompañamientos. La concepción inicial del nocturno de Chopin se inspiró en
los nocturnos del pianista y compositor irlandés John Field. Buscaron también su
inspiración en el nocturno vocal para dos o más voces con acompañamiento de piano o
arpa, el nocturno para piano era esencialmente una canción sin palabras. El estilo
de los nocturnos de Chopin se basa en el estilo vocal belcanto de las arias de
ópera de Bellini.
Las baladas y scherzos de Chopin son más largos y exigentes que sus otras obras
para piano en un movimiento. Fue uno de los primeros en utilizar el nombre balada
para una pieza instrumental. Sus baladas captan el encanto y el impetu de las
baladas narrativas polacas y combinan estas cualidades. Sus scherzos nos jocosos o
juguetones, como el titulo de la forma implica, sino serios y apasionados. También
son delicados y extravagantes, lo que también subyace al termino, en particular en
su ritmo y en su material temático.
Las tres sonatas para piano de Chopin constan de cuatro movimientos: forma sonata,
minueto o scherzo, movimiento lento y movimiento final.
Las caracteristicas específicas de la música de Chopin provienen de su vida y su
carrera artística. Sus piezas son tan gratificantes para quien las interpreta como
para quien las escucha. Su mayor logro fue liberar al piano de la imitación de
texturas corales o de conjunto y hacer que sonase del modo que sólo un piano puede
sonar.

◦ Franz Liszt

Fue el virtuoso más asombroso del piano de su tiempo y uno de los compositores más
importantes. Niño prodigio en Hungría y en Viena, Liszt llegó con su familia a
París en 1823, a la edad de doce años. En su juventud, Liszt frecuento los salones
que formaban el núcleo de la vida intelectual y artística de París. Aquí conoció a
muchos de los escritores, pintores y músicos más notables de la época.
Entre 1839 y 1847, Liszt dio más de mil conciertos como solista y llevo a cabo
giras por Europa, desde Portugal e Irlanda al oeste hasta Turquía, Rumanía y Rusia
por el este. Fue el primer pianista en dar conciertos él solo en grandes salas de
concierto, para los cuales acuñó el termino de recital. Fue también el primero en
tocar un repertorio musical múltiple. La expectación que levantaban sus recitales
no tenía en ocasiones nada que envidiar a la histeria suscitada por las estrellas
del rock en el siglo XX. En 1848, Liszt interrumpió las giras y se concentró en la
composición.
La música de Liszt refleja muchas influencias distintas, aunque no hablaba húngaro.
Sus raíces húngaras se ponen de manifiesto en obras basadas o inspiradas en
melodías húngaras, incluidas las diecinueve rapsodias húngaras para piano. Su
estilo pianístico se apoyó en los virtuosos vieneses y parisinos y a él agregó
efectos deslumbrantes propios.
“Un suspiro”, el tercero de los tres Estudios de concierto puede ilustrar la
técnica virtuosa de Liszt. Esta orientado al problema técnico de cómo proyectar una
melodía que progresa lentamente por fuera o por dentro de rápidas figuraciones de
acordes arpegiados.
La progresión cromática de un acorde al siguiente es una característica que ya
observamos en Chopin y que se convirtió en un elemento usual de la música de Liszt
y sus contemporáneos posteriores. La cadencia cromática subsiguiente ornamenta
repetidas. Esta ornamentación armónica y melódica tan elaborada de una sonoridad
disonante pasó a ser un rasgo típico de la armonía del romanticismo tardío y
terminó por llevar a Liszt a experimentos en los que prácticamente abandonó la
tonalidad tradicional.
La armonía de Liszt se caracteriza asimismo por su interés en las relaciones de
terceras, las divisiones iguales de la octava y las escalas no diatónicas. Un
suspiro no se desplaza de la tónica a la dominante y viceversa , son que modula
alrededor de un círculo de terceras mayores. Liszt utilizó a menudo tríadas
aumentadas y acordes de séptima disminuida, que dividen de igual forma la octava,
así como escalas basadas en ella.
Las innovaciones técnicas de Liszt servían tanto para la exhibición de su maestría
como para dotarle de una amplia gama de expresión y efectos pictóricos.
La capacidad de su imaginación poética se manifiesta en numerosas piezas de
carácter y Lieder. Su única sonata es una obra maestra de innovación formal, que
utiliza cuatro temas principales en un movimiento extenso y subdividido entres
secciones análogas.
Buena parte de la música para piano de Liszt consiste en arreglos de dos tipos. Sus
paráfrasis operísticas son fantasías libres sobre fragmentos de óperas conocidas de
Mozart, Bellini, Verdi y Donizetti. Sus transcripciones de las canciones de
Schubert, las sinfonías de Berlioz y Beethoven, las fugas para órgano de Bach y los
pasajes de óperas de Wagner son recreaciones que llevan obras importantes a
públicos que, o bien desconocen los originales, o bien les gusta escuchar una obra
familiar transformada en un medio de virtuosismo brillante.
Ejerció una profunda influencia sobre interpretes y compositores. Como virtuoso del
piano, estableció la mayoría de las tradiciones del recital moderno, desarrollo
nuevas técnicas de interpretación y proporciono un modelo a emular por los demás.
Pero sus contribuciones como compositor fueron igualmente importantes.

◦ La orquesta del siglo XIX

La orquesta ocupaba una posición central en la vida concertística. El número de

orquestas se multiplicó por cien y las sociedades de conciertos desempeñaron un
papel cada vez más relevante, desde la sociedad de fondos musicales de Filadelfia.
Algunas orquestas, como la sociedad de amigos de la música de Viena, estaban
compuestas principalmente de aficionados, mientras que otras se organizaban y estas
formadas por músicos profesionales, la filarmónica de Nueva York. Tocar en una
orquesta se convirtió en una profesión. A finales de siglo, la mayor parte de las
ciudades de Europa y de América disponían de orquestas profesionales.
Ademas de las orquestas de concierto había orquestas en los teatros de ópera, los
teatros, los cafés y las salas de baile como las famosas orquestas de baile de
Viena.
Las orquestas crecieron desde cuarenta interpretes hasta alcanzar los noventa a su
final. A mediados de siglo las flautas, oboes, clarinetes y fagotes adquirieron
elaborados sistemas de llaves, lo que hizo más fácil la digitación rápida de estos
instrumentos y su interpretación. Los instrumentos de viento con ámbitos
extendidos, en especial la flauta piccolo, el corno ingles, el clarinete bajo y el
contrafagot, se usaban en las orquestas ocasionalmente. Se añadieron valvulas a
trompas y trompetas, y ello permitió